Un origen innecesario y un protagonista sin magnetismo
Había margen para explorar la juventud de Sherlock Holmes. El canon de Arthur Conan Doyle deja un vacío biográfico deliberado: Holmes aparece ya formado, cerebral, casi quirúrgico en su método. Pero una cosa es expandir y otra reescribir sin red. ‘El joven Sherlock’, producida y parcialmente dirigida por Guy Ritchie, arranca torcida desde su casting principal: Hero Fiennes Tiffin no logra sostener el peso icónico del personaje ni siquiera bajo la coartada de la inmadurez.
Su interpretación reproduce tics ya vistos en la saga ‘After’: mirada intensa pero vacía, presencia física correcta y escasa densidad dramática. No hay ironía afilada, ni esa electricidad mental que asociamos al detective de Baker Street. Si comparamos, el joven Nicholas Rowe en ‘Young Sherlock Holmes’ (‘El secreto de la pirámide’) irradiaba curiosidad e inteligencia precoz; incluso Guy Henry en la serie ‘Young Sherlock Holmes’ de 1982 aportaba un poso reflexivo más coherente con el canon. Aquí, en cambio, Holmes es un héroe juvenil genérico con barniz victoriano.
El guion toma una decisión arriesgada y discutible al convertir a Sherlock y a James Moriarty en amigos y compañeros de aventura. El germen de su enemistad se pospone tanto que otro personaje ocupa el rol de villano maquiavélico durante buena parte de la temporada. Se diluye así la tensión fundacional entre genio y némesis. No hay duelo intelectual, hay trama funcional en piloto automático.
Psicología forzada y un Holmes convertido en aventurero
Ritchie ya había reinterpretado al personaje en ‘Sherlock Holmes’ y ‘Sherlock Holmes: A Game of Shadows’, con un Holmes físico y pendenciero encarnado por Robert Downey Jr.. Allí el riesgo funcionaba porque la química y el ritmo compensaban la heterodoxia. En ‘El joven Sherlock’, el director redobla la apuesta inventando una hermana, Beatrice, y otorgando entidad dramática al padre, Silas (interpretado por Joseph Fiennes), figura ausente en las novelas. Conan Doyle construyó a Holmes como personaje funcional a la narrativa detectivesca. La introspección psicológica y el desarrollo familiar no eran prioridades del género en esa etapa victoriana y los autores de ahora parece que quieren llenar un vacío que nadie ha pedido llenar.
La madre, en una línea que recuerda a ‘Enola Holmes’, es presentada como perturbada, aunque aquí al menos se sugiere una vertiente artística coherente con la mención canónica a la ascendencia vinculada al pintor Horace Vernet. Natascha McElhone compone una figura materna magnética, sin nada que envidiar a Helena Bonham Carter en la citada película. Pero la serie confunde inteligencia deductiva con memoria eidética: Holmes parece un prodigio fotográfico antes que un lógico experimental. Se echa de menos el método científico, la observación microscópica, la inferencia encadenada.
En lo formal, el sello Ritchie asoma en personajes de aire caballeresco mezclados con bajos fondos, aunque el tono promete más de lo que entrega. La canción del opening (ya asociada por el imaginario contemporáneo a ‘Peaky Blinders’) sugiere un Sherlock más canalla, pero la serie no abraza ese filo autoral. Tampoco el guion ofrece un caso de complejidad real que invite al espectador a colaborar intelectualmente. Hay acción, vestuario fastuoso (tres o cuatro looks por capítulo) y cliffhangers previsibles: sabemos que el héroe saldrá indemne.
Reparto, relevo generacional y una dirección dispersa
El casting evidencia un curioso relevo generacional: Max Irons (hijo de Jeremy Irons) comparte cartel con Hero Fiennes Tiffin, sobrino de Ralph y Joseph Fiennes. Pero el verdadero acierto es Dónal Finn como Moriarty. Finn es el único que parece comprender la psique de su personaje y anticipar su deriva hacia la amoralidad estratégica. Cuando está en pantalla, la serie respira.
Ritchie dirige dos episodios, pero la temporada se reparte con Anders Engström (‘See’), Dennie Gordon (‘Kingdom’) y Tricia Brock (‘Bridgerton’). La falta de unidad tonal se percibe: Holmes termina siendo un aventurero más en situaciones límite que erosionan el suspense. No hay aliciente intelectual ni enriquecimiento del lore. ‘El joven Sherlock’ de Prime Video es una expansión que prioriza la estética y la psicología inventada sobre la esencia deductiva. Queda la sensación de que, en su empeño por modernizar, la serie ha olvidado lo elemental.
Lo que iba a ser un filme independiente terminó como parte de la saga de Chad Stahelski
Ana de Armas es la protagonista de ‘Ballerina’ y tras verla no se nos ocurre otra actriz más adecuada. Pudieron ser Lady Gaga o Chloë Grace Moretz pero finalmente fue la actriz de ‘Sin tiempo para morir’ la que ocupó el rol que representó la bailarina Unity Phelan en ‘John Wick: Capítulo 3 – Parabellum’. Pero este no ha sido el único baile para esta película que, aunque ha salido muy bien parada, ha habido que ajustar de manera que encaje en el tono y la cronología de lo ya protagonizado por Keanu Reeves.
La película ‘Ballerina’ nació originalmente como un guión para una película independiente escrito por Shay Hatten, centrado en una joven asesina en busca de venganza por el asesinato de su familia. El libreto llamó la atención de la productora Lionsgate, pero fue el éxito y la expansión del universo de ‘John Wick’ lo que llevó a los productores a integrarlo dentro de esa franquicia. La conexión parecía natural: el personaje principal encajaba con la mitología de asesinos formados desde la infancia, como los que vimos en ‘John Wick 3’. Así pues el guion fue re-ajustado para introducir personajes conocidos como Winston (Ian McShane) o el propio John Wick, interpretado nuevamente por Keanu Reeves.
Durante su desarrollo, ‘Ballerina’ pasó por varias manos: hasta seis guionistas trabajaron en distintas versiones del libreto, aunque solo Shay Hatten terminó acreditado oficialmente. Las diferencias de enfoque y tono llevaron a inconsistencias que, según informes surgidos tras visionados de prueba, afectaron al montaje inicial de la película. Fue entonces cuando ChadStahelski, creador y arquitecto visual del universo Wick, intervino como productor creativo. Stahelski supervisó una reestructuración narrativa y dirigió nuevas escenas durante tres meses para asegurar que la película estuviera alineada con el estilo y los estándares de la saga principal. Este proceso de reajuste fue clave para cohesionar ‘Ballerina’ y preparar el camino para lo que suponemos que serán futuras extensiones de la franquicia.
A la media hora de esta nueva película hace su aparición John Wick cruzando algunas palabras con Eve Macarro (a.k.a Ballerina a.k.a. kikimora). Y lo hace intercalando frases y personajes que enlazan con su visita y petición de auxilio a la Ruska Roma, en el momento en el que acude a romper su sello y marcar su exilio. Esto sucede en la tercera entrega de la saga. Además en todas las escenas aparece La Directora (Anjelica Huston) sin cicatrices en las manos, las cuales estarían producidas por Mark Dacascos en la segunda mitad de esa misma entrega. La tercera parte comienza inmediatamente después del final del Capítulo 2, por lo que John Wick no tendría espacio ni tiempo de hacer lo que hace en esta última película. Con todo lo dicho y las fotografías previas al estreno es más que evidente que John Wick está vivo, aunque para muchos lo sigue estando tras el enigmático final de la cuarta. Pero lo importante es que Charon (LanceReddick) está vivo, lo cual descarta ‘Ballerina’ como secuela tras la cuarta. Entre el filme número tres y el cuatro hay una separación más significativa: se estima que han pasado algunas semanas o incluso unos pocos meses, aunque no se especifican con claridad, algunos detalles (como la recuperación física del protagonista) sugieren un salto temporal considerable.
Por todo esto sabemos que ‘Ballerina’ transcurre durante y tras ‘John Wick: Chapter 3 – Parabellum’, llenando esas pocas semanas que suceden entre los capítulos 3 y 4. Si acaso hay que achacar que en las últimas escenas de ‘Ballerina’, cuando la trama ha sufrido un lapso de tiempo, La Directora tiene las manos intactas y no se menciona que John Wick esté excomulgado. Pero este es el lugar correcto para la película de Len Wiseman y Chad Stahelski, siendo un ‘John Wick 3.5’, una película que ha sido al final para sus creadores un encaje de bolillos. Ellos mismos lo confirmaron en una entrevista a Collider y la trama presentada ha reflejado esa declaración de intenciones.
El universo de ‘John Wick’ se expande con ‘Ballerina’. Eve Macarro (Ana de Armas) es una asesina entrenada por la Ruska Roma desde su infancia, la misma organización criminal encargada del adiestramiento de John Wick (Keanu Reeves). En esta violenta historia de venganza, Eve intentará por todos los medios averiguar quién está detrás del asesinato de su padre. En su lucha por conocer la verdad, tendrá que atenerse a las normas de la Alta Mesa y, por supuesto, a las del Hotel Continental, donde descubrirá que existen secretos ocultos sobre su pasado.
Crítica
Ana de Armas se gradúa en Wickología con un Benois de la Venganza
‘Ballerina’, el esperado spin-off del universo ‘John Wick’ (el tercero tras los cómics de orígenes y la serie ‘El Continental’), se posiciona como una pieza clave en la expansión de esta saga de acción y si todos la recomiendan igual que yo, será el último gran taquillazo antes de la traca superheróica y jurásica de julio. De nuevo el protagonista no es el personaje de Keanu Reeves y coge el testigo Ana de Armas en el papel de Eve Macarro. Aun así el asesino conocido como Baba Yaga está presente pues esta historia se ubica entre ‘John Wick: Chapter 3 – Parabellum’ y ‘John Wick: Chapter 4’ (os explicamos esto en este artículo también sin spoilers).
¿Qué es lo que ha convertido a la franquicia ‘John Wick’ en una saga exitosa y eso mismo está presente en ‘Ballerina’? El carisma de Keanu Reeves (check), las coreografías que desarrolló Chad Stahelski (check), dichos bailes mortales en forma de plano secuencia (check), la estética de neón y elegancia (check), el mundo subterráneo de asesinos y gentlemens (check), una motivación vengativa (check), pocos efectos digitales y muchos prácticos (check), desarrollo de una mitología completamente nueva (check), una banda sonora electrizante (check), los trajes diseñados por Paco Delgado (check)… Y podríamos seguir así constantemente y acabar diciendo que esta entrega dispone más danza que nunca y más armas que nunca. Len Wiseman, quién ya se ha encargado en el pasado de dar pie a otra heroína de acción memorable como la Selene de ‘Underworld’ pero de cargarse clásicos como ‘Desafío total’, es el responsable airear esta saga que parecía haber tocado techo tras cuatro entregas gloriosas. ‘Ballerina’ es una digna sucesora que se mantiene a la altura de las secuelas, se atreve a ir puntualmente más allá con la violencia y a innovar rompiendo con algunos tópicos como la clásica escena de rearme o el recorrer una matanza una vez acabada, no durante (ya entenderéis esto).
Vuelven las normas marcadas por la Alta Mesa, los lujosos refugios que ofrece la cadena de El Continental y las teleoperadoras pin-up. Ana de Armas incorpora la figura de las kikimora y le acompañan los mismos actores que a Keanu Reeves (IanMcShane, AnjelicaHuston y LanceReddick en su última aparición). Pero llegan muchos nuevos personajes interpretados por Norman Reedus, Gabriel Byrne, David Castañeda o Catalina Sandino Moreno. A ellos se les suma un cameo que sirve de tributo a una grande y precursora de las mujeres en esto de la acción, Anne Parillaud (Nikita).
La franquicia John Wick sigue ampliando su universo a ritmo de tiros, monedas doradas y elegancia coreografiada. Llega más tarde de lo esperado pero tras pasar por las manos de Stahelski, el cual, obligó al equipo a rodar más escenas de combate. ‘Ballerina’ se suma con la misma sutileza con la que John Wick le da cariño a un martillo. Eso sí, la película empieza con media hora de orígenes que parece escrita por alguien que no vio que en este universo se prefiere contar las cosas a base de cuchilladas y silencios intensos. Esta introducción, aunque necesaria para contextualizar a Eve Macarro, rompe un poco el estilo críptico y minimalista que tanto amamos en la saga. Empezamos el filme con miedo, pensando que en ‘Ballerina’ se va a hablar demasiado. Eso y que esta nueva asesina parece tan implacable y resistente como el mismísimo John Wick, son los detalles que podrían haber jugado en contra de mantener la mitología de la saga. Si todo el mundo en este universo puede ser un tanque emocional y físico con puntería de francotirador borracho que nunca falla… ¿Qué hacía tan especial a Baba Yaga? Menos mal que el propio filme responde bien a eso.
‘Ballerina’ es una película estupenda, pura dinamita visual con la acción elegante y brutal que se ha convertido en marca de la casa. Ana de Armas no solo demuestra que puede repartir a la altura de los grandes, sino que también le da a Eve una dimensión emocional interesante y contenida. Tiene carisma, presencia, y cuando le rompen algo (como a todos en esta saga) uno siente que se avecina tormenta. El reencuentro entre Ana de Armas y Keanu Reeves, que ya compartieron protagonismo (y algo más) en ‘Toc Toc’ (2015) y suspense en ‘Exposed’ (2016), añade un divertido subtexto para los cinéfilos con memoria. De «revolcón» hemos pasado a rapapolvo y la química sigue intacta.
‘Ballerina’ sigue afinando el universo John Wick y rindiendo culto al género de acción añadiendo además alguna nota de homenaje al humor físico encendiendo el televisor y devolviéndonos a Los Tres Chiflados, ‘Aterriza como puedas’ o Buster Keaton. Mantiene ese carácter de película explosiva y adrenalínica que nos recuerda a tantos videojuegos tipo shooter e incorpora un tiroteo a base de lanzallamas que está casi a la altura del plano cenital de la cuarta con el aliento de dragón. Diciendo más, al margen de su carácter de entretenida danza letal, puede que también trascienda la pantalla convirtiendo a la pequeña localidad austriaca de Hallstatt en nuevo destino turístico que de moda. En resumen, esto es un suma y sigue, una manera elegante de pasar el testigo en la que Keanu Reeves vuelve a demostrar saber tener clase y Ana de Armas continúa con su carrera como heroína de acción haciendo honor al título de ‘Sin tiempo para morir’, la película que demostró que ella valía para apretar el gatillo y dar patadas voladoras.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de junio de 2025. Título original: Ballerina. Duración: 125 min. País: EE.UU. Dirección: Len Wiseman. Guion: Shay Hatten. Música: Tyler Bates, Joel J. Richard. Fotografía: Romain Lacourbas. Reparto principal: Ana de Armas, Keanu Reeves, Ian McShane, Norman Reedus, Anjelica Huston, Catalina Sandino Moreno, Gabriel Byrne, David Castañeda. Producción: Thunder Road Pictures, 87Eleven Entertainment, Lionsgate, Summit Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: acción. Web oficial:https://ballerinamovie.net/
Pontevedra se ha vestido de gracias a los Premios Feroz
Este sábado 25 de enero se han entregado los Premios Feroz en Pontevedra. Una gala sencilla y entretenida. Presentada por La Dani, ganador del premio a Mejor Actor de Reparto el pasado año por ‘Te estoy amando locamente’. Unos Feroz muy repartidos, ‘Casa en flames’ ha conseguido 3 de las 8 estatuillas a las que estaba nominada, entre ellas Mejor película comedia. En cuanto a las series, Querer ha conseguido también tres estatuillas de las siete a las que estaba nominadas. Consiguiendo ‘Salve María’ el premio a Mejor película de drama.
Jaime Chavarrí ha recibido su Premio Feroz de honor de manos de Emma Suarez y Lucía Zamora. Pedro Almodovar, ganador a la Mejor Dirección le ha dedicado un discurso muy bonito a Marisa Paredes y a las dos actrices principales de su película, Tilda Swinton y Julian Moore. Una gran parte de nuestro cine se ha unido esta noche para la celebración de estos premios que otorgan los miembros de la Asociación de Informadores Cinematográficos de España.
A continuación, os dejamos la lista de ganadores.
Mejor película de drama
‘La estrella azul’, de Javier Macipe
‘La habitación de al lado’, de Pedro Almodóvar
‘La virgen roja’, de Paula Ortiz
‘Los destellos’, de Pilar Palomero
‘Salve Maria’, de Mar Coll
Mejor película de comedia
‘Bodegón con fantasmas’.
‘Buscando a Coque’.
‘Casa en flames’.
‘Escape’.
‘Volveréis’.
Mejor dirección
Pedro Almodóvar por ‘La habitación de al lado’.
Arantxa Echevarría por ‘La infiltrada’.
Dani de la Orden por ‘Casa en flames’.
Paula Ortiz por ‘La virgen roja’.
Pilar Palomero por ‘Los destellos’.
Mejor actriz protagonista de una película
Patricia López Arnaiz por ‘Los destellos’.
Najwa Nimri por ‘La virgen roja’.
Emma Vilarasau por ‘Casa en flames’.
Laura Weissmahr por ‘Salve Maria’.
Carolina Yuste por ‘La infiltrada’.
Mejor actor protagonista de una película
Eduard Fernández por ‘Marco’.
Pepe Lorente por ‘La estrella azul’.
Urko Olazabal por ‘Soy Nevenka’.
Antonio de la Torre por ‘Los destellos’.
David Verdaguer por ‘La casa’.
Mejor actriz de reparto de una película
Anna Castillo por ‘Escape’.
Marina Guerola por ‘Los destellos’.
María Rodríguez Soto por ‘Casa en flames’.
Clara Segura por ‘El 47’.
Aixa Villagrán por ‘La virgen roja’.
Mejor actor de reparto de una película
Enric Auquer por ‘Casa en flames’.
Óscar de la Fuente por ‘La casa’.
Julián López por ‘Los destellos’.
José Sacristán por ‘Escape’.
Alberto San Juan por ‘Casa en flames’.
Premio Feroz DAMA al mejor guión de una película
Marcel Barrena, Beto Marini por ‘El 47’.
Eduard Sola por ‘Casa en flames’.
Javier Macipe por ‘La estrella azul’.
Pedro Almodóvar por ‘La habitación de al lado’.
Eduard Sola, Clara Roquet por ‘La virgen roja’.
Mejor música original
Arnau Bataller por ‘El 47’.
Fernando Velázquez por ‘La casa’.
Alberto Iglesias por ‘La habitación de al lado’.
María Arnal por ‘Polvo serán’.
Zeltia Montes por ‘Salve Maria’.
Premio Feroz Audi de Honor
Jaime Chávarri
Mejor serie dramática
‘Los años nuevos’.
‘Cristóbal Balenciaga’.
‘Nos vemos en otra vida’.
‘Querer’.
‘Yo, adicto’.
Mejor serie de comedia
‘Celeste’.
‘Mamen Mayo’.
‘Muertos S.L.’
‘Medina, el estafador de famosos’.
Mejor actriz protagonista de una serie
Nagore Aranburu por ‘Querer’.
Mónica López por ‘Rapa’.
Carmen Machi por ‘Celeste’.
Candela Peña por ‘El caso Asunta’.
Iria del Río por ‘Los años nuevos’.
Mejor actor protagonista de una serie
Francesco Carril por ‘Los años nuevos’.
Pedro Casablanc por ‘Querer’.
Oriol Pla por ‘Yo, adicto’.
Tristán Ulloa por ‘El caso Asunta’.
Alberto San Juan por ‘Cristóbal Balenciaga’.
Mejor actriz de reparto de una serie
Tamara Casellas por ‘Nos vemos en otra vida’.
María León por ‘El caso Asunta’.
Loreto Mauleón por ‘Querer’.
Nora Navas por ‘Yo, adicto’.
Clara Sans por ‘Celeste’.
Mejor actor de reparto de una serie
Miguel Bernardeau por ‘Querer’.
Javier Gutiérrez por ‘El caso Asunta’.
Pol López por ‘Nos vemos en otra vida’.
Iván Pellicer por ‘Querer’.
Manolo Solo por ‘Celeste’.
Premio Feroz DAMA al mejor guión de una serie
Diego San José, Daniel Castro, Oriol Puig por ‘Celeste’.
Alauda Ruiz de Azúa, Eduard Sola, Júlia de Paz por ‘Querer’.
Rodrigo Sorogoyen, Sara Cano, Paula Fabra, Marina Rodríguez Colás, Antonio Rojano por ‘Los años nuevos’.
Jorge Sánchez-Cabezudo, Alberto Sánchez-Cabezudo, Pablo Remón, Daniel Remón, Roberto Martín Maiztegui, Guillermo Chapa por ‘Nos vemos en otra vida’.
Javier Giner, Aitor Gabilondo, Jorge Gil, Alba Carballal por ‘Yo, adicto’.
Premio Feroz Arrebato de ficción
‘En la alcoba del sultán’, de Javier Rebollo.
‘On the Go’, de Julia de Castro y María Gisele Royo.
‘Polvo serán’, de Carlos Marques-Marcet.
‘Por donde pasa el silencio’, de Sandra Romero.
‘Un sol radiant’, de Mònica Cambra Domínguez, Ariadna Fortuny Cardona.
Premio Feroz Arrebato de no ficción
‘Caja de resistencia’, de Concha Barquero Artés, Alejandro Alvarado Jódar
‘La hojarasca’, de Macu Machin
‘Saturno’, de Daniel Tornero
‘The Human Hibernation’, de Anna Cornudella Castro
‘Zinzindurrunkarratz’, de Oskar Alegria
Mejor tráiler
Alberto Leal por ‘La habitación de al lado’.
Javier Morales por ‘La infiltrada’.
Omar Bermúdez, Carlos Berot por ‘Marco’.
Miguel Ángel Trudu por ‘Polvo serán’.
Marta Longás, Jesús Fernández García por ‘La virgen roja’.
Mejor cartel
Jordi Rins (diseño gráfico), David García (ilustración) por ‘Casa en flames’
Laura Pere (diseño gráfico) por ‘La estrella azul’.
Juan Gatti (diseño gráfico), Nico Bustos (fotografía) por ‘La habitación de al lado’.
Ana compagina su trabajo de vigilante de sala en un museo con el cuidado de Son, su hija de ocho años. Separada desde hace tiempo, su rutina se rompe al comienzo del curso escolar cuando Son inicia una exploración de identidad.
Desorientada, Ana empezará a ver las cosas de otra manera y poco a poco tendrá que reencontrarse con la mujer que fue antes de ser madre. Para poder acompañar a su hija, Ana tendrá que volver a ser Ana.
Crítica
Carta abierta a los nuevos retos de la maternidad y la identidad
Con ‘La mitad de Ana’ vivimos el nacimiento de una nueva etapa para la hasta ahora actriz Marta Nieto, la cual, da un paso adelante, colocándose tanto delante como detrás de las cámaras. Todo parte del cortometraje ‘Son’, escrito y dirigido también por ella hace unos pocos años. La introspección es el camino que ha escogido para esta opera prima extendida en la que abraza el riesgo y la sutileza. Largometraje cuya sinopsis recuerda muchísimo a ‘20.000 especies de abejas’, pero que por suerte no cae en la copia, pues, aunque trata el tema de la transexualidad se acaba manifestando más como una obra sobre el cumplimiento de metas y el compartir la misma visión del mundo.
De entrada el discurso de ‘La mitad de Ana’ se centra más en la madre que en la hija, a diferencia de la película de Estibaliz Urresola Solaguren. Eso sí, la maternidad sirve también como disparador de una crisis de identidad y constantemente se abordan temas sobre los nuevos retos de la educación. Todas las facetas de la vida de la protagonista se ven cuestionadas y el guión es capaz de transmitir correctamente este tipo de inquietudes. Para ello ofrece soluciones tan ingeniosas como emotivas, pasando por animar cuadros de Ángeles Santos hasta la figura de la bañista, presente a través de escenas veraniegas o de la escultura del bejarano Mateo Hernández. Sin duda en esta obra hay una invitación a la autorreflexión y a enfrentarse a nuevos retos que apuesto a que parte de experiencias personales. Lo que para Ana es ver cómo su hija se desarrolla, para Marta Nieto es ver como fluye el discurso del filme.
Uno de los mayores aciertos de ‘La mitad de Ana’ es su fotografía, obra de Julián Elizalde, que utiliza encuadres muy estudiados, jugando con reflejos y contrapicados además de una paleta de colores apagada para reflejar la confusión interna de la protagonista, como si esta fuese un otoño esperando acabar de desprenderse de sus viejas hojas y de la corteza ya seca, que serían los conceptos ya caducos. Cada plano está cargado de intención, desde los espacios vacíos que enfatizan la incertidumbre de Ana hasta las tomas íntimas que desnudan la fragilidad emocional que viven ella y su hijo.
El guion, coescrito por Nieto y Beatriz Herzog, es otro de los pilares del filme. Si bien puede resultar demasiado críptico en algunos momentos, es evidente que busca dejar espacio para la interpretación del espectador. La película no teme plantear preguntas sin respuestas claras, algo poco habitual en un cine español más acostumbrado a narrativas explícitas. Sin embargo, el debut de Nieto no está exento de ciertas resoluciones. La obsesión por el minimalismo emocional puede distanciar a algunos espectadores.
Dicho esto, ‘La mitad de Ana’ es, sin duda, un debut ambicioso y prometedor. Marta Nieto demuestra un buen control sobre el medio y valentía al optar por una propuesta tan íntima, aunque le han allanado el terreno películas como ’20.000 especies de abejas’, ‘Cinco lobitos’, ‘Los días que vendrán’ o ‘Ane’ protagonizada por Patricia López Arnaiz, quien ejercía el papel de Marta Nieto en el cortometraje original. Puede que no sea una película para todos, pero aquellos dispuestos a sumergirse en su universo encontrarán una obra que, aunque imperfecta, está cargada de sinceridad y realidad.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de enero de 2024. Título original: La mitad de Ana. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Marta Nieto. Guion: Marta Nieto, Beatriz Herzog. Música: Adrian Foulkes. Fotografía: Julián Elizalde. Reparto principal: Marta Nieto, Noa Álvarez, Nahuel Pérez Biscayart. Producción: Avalon, Crea SGR, Elástica Films, Comunidad de Madrid, IVAC, Movistar Plus+, Mr. Fields and Friends, RTVE, Triodos Bank, ICAA. Distribución: Avalon, Elástica Films. Género: drama. Web oficial:https://elasticafilms.com/catalogofilms/la-mitad-de-ana-prod/
Lilith (Cate Blanchett), una malvada cazarrecompensas con un misterioso pasado, regresa de mala gana a su hogar, Pandora, el planeta más caótico de la galaxia. Su misión es encontrar a la hija desaparecida de Atlas (Édgar Ramírez), el cabronazo más poderoso del universo. Lilith forma una inesperada alianza con un extraño equipo: Roland (Kevin Hart), un veterano mercenario con una misión; Tiny Tina (Ariana Greenblatt), una salvaje demoledora preadolescente; Krieg (Florian Munteanu), el musculoso protector de Tina; Tannis (Jamie Lee Curtis), la extraña científica que lo ha visto todo, y Claptrap (Jack Black), un robot sabelotodo. Juntos, estos sorprendentes héroes deberán enfrentarse a una especie alienígena y a peligrosos bandidos para descubrir uno de los secretos más explosivos de Pandora. El destino del universo podría estar en sus manos, pero lucharán por algo más: los unos por los otros.
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Crítica
Muy lejos de aludir a las sensaciones que teníamos tras apagar nuestra consola
Nueva adaptación de un videojuego a la gran pantalla con actores de carne y hueso. En el pasado pudimos disfrutar de las versiones de ‘Silent Hill’, ‘Five Nights at Freddy’s’, ‘Sonic’ o los distintos ‘Tomb Raider’. Pero también olvidar nada más ver los títulos de crédito las versiones de ‘Max Payne’, ‘House of the dead’ o ‘Pixels’. Y aunque la lista de juegos que han sido adaptados a live action es ya muy larga (os recomiendo el libro ‘Luces, cámara… enter play’) sigo defendiendo a día de hoy que la mejor película jugona, que no adapta ningún videojuego pero que es la mejor manera de ver un shooter en el cine, es ‘Hardcore Henry’.
Adaptar un cómic o una novela tienen su dificultad pues el lector pone mucho de su imaginación para que la historia funcione. En el caso de los videojuegos, una adaptación solvente depende mucho de la narrativa del producto original, damos por hecho que será imposible que el espectador se implique tanto como cuando tiene el mando en la mano. Para ‘Uncharted’ se decidió hacer una mezcolanza de lo visto a lo largo de la franquicia creando una aventura muy solvente. Otro acierto que gustó a muchos fue la decisión de los guionistas de ‘Fallout’ a la hora de mostrar una aventura que transcurría paralela a las tramas de los juegos. En el caso de ‘Borderlands’ se ha recuperado a gran parte de los protagonistas y se les ha dado una misión idéntica a la del shooter, encontrar el arca madre, pero los derroteros son diferentes y transcurren de manera excesivamente fortuita, casual y atropellada.
‘Borderlands’ es un juego en un mundo abierto con misiones secundarias. Es decir, hay un hilo central pero el jugador se puede mover por muchas y variopintas tramas que o bien sirven para levear a tu personaje y armas o bien para echarte unas risas. Aunque sin el toque rolero, eso mismo deberíamos haber percibido en la película. Coincidiremos todos que lo importante de este juego es su acción y sobre todo su enajenación. El juego de Gearbox Studios se puede resumir con palabras como locura, caos o demencia. Me parecía un acierto que Eli Roth fuese el finalmente escogido para esta franquicia pues, aparte de ser un director que como catecúmeno de Tarantino rinde culto a la violencia, es ante todo un fan que generacionalmente está en buena posición de saber qué exigen los gamers a una adaptación. Lástima que percibamos que tanto su violencia como su capacidad de narrar historias repletas de barbaridades están ausentes. Probablemente, por decisión del estudio, le ha pesado le hacer una película de corte más familiar, como lo fue ‘La casa del reloj en la pared’, en la que también trabajó con Cate Blanchett y Jack Black.
El paneta Pandora tenía que lucir como un mundo a lo far west repleto de buscatesoros, delincuentes o mercenarios al servicio de corporaciones llamadas Dahl, Atlas o Hyperion. Esto realmente es así pues los escenarios y la caracterización calcan el juego. Nos embarcamos en un ambiente inhóspito, hostil y repleto de basura en el que abunda la tecnología. Allí se junta un equipo variopinto que se ve forzado a colaborar. La mecánica es de manual, como recientemente hemos visto en filmes como ‘Guardianes de la Galaxia’ o ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’. Lo que podría haber diferenciado a este filme es el haber conseguido plasmar a unos personajes que son completamente borderline (el título del juego hace alusión también a este tipo de trastornos) como lo eran los de ‘Predator’ y ‘El Escuadrón Suicida’. Quien cumple con ese cometido es Jack Black poniendo voz a Claptrap y muy justitamente como Tiny Tina la actriz en alza Ariana Greenblatt, conocida por sus papeles en ‘65’, ‘Barbie’ o ‘Ahsoka’. Sin duda, por razones de popularidad y actualidad está presente Kevin Hart pero sus gags, como casi todos los del filme, no terminan de funcionar. Sin duda en este filme me quedo con las mujeres. No es que Eli Roth sea un simple fan con dinero o avales para hacer películas, ha demostrado siempre tener una gran cultura cinematográfica. Es por eso que ha contado con dos actrices consagradas y oscarizadas como Jamie Lee Curtis y Cate Blanchett. A ninguna de ellas se le cae los anillos a la hora de asumir nuevos tipos de papeles. Se han sumergido en una película repleta de acción y es Blanchett la que como protagonista sale ligeramente airosa, aunque constantemente y de manera forzada aparece con poses que imitan al NPC del juego.
‘Borderlands’ tendría que haber sido una guasa constante embadurnada de pólvora a cascoporro. Tiene acción pero está tan camuflada por movimientos de cámara que resulta tan estándar como aburrida. Lejos de ser una película de autor, de hecho ha tenido un buen baile de directores y guionistas, es una obra en la que Eli Roth no encuentra espacio para algún discurso u homenaje. Hay que puntualizar además que ‘Borderlands’ tuvo que repetir el rodaje de algunas escenas y Eli Roth estaba ocupado para cuando se tomó esa decisión. Fue Tim Miller (‘Deadool’, ‘Love, death & robots’) quien asumió ese encargo. Debemos reconocer que cuesta diferenciar qué escenas pertenecen a qué director, salvo en el caso del tramo de los psicópatas. Es otro síntoma más de que esta película es cine palomitero a granel, en el que al igual que muchas series da poco espacio a quien capitanea. Funciona únicamente en su parte técnica y las constantes referencias perceptibles por los aquellos que se han pasado horas con el mando en las manos. No es un calco de la historia, salvo en casos como en el de ‘The last of us’ se ha comprobado casi siempre es un error intentar eso, pero al menos debería haber aludido a las sensaciones con las que acabábamos al apagar nuestra consola.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de agosto de 2024. Título original: Borderlands. Duración: 102 min. País: EE.UU. Dirección: Eli Roth. Guion: Eli Roth, Joe Crombie. Música: Steve Jablonsky. Fotografía: Rogier Stoffers. Reparto principal: Ariana Greenblatt, Jamie Lee Curtis, Cate Blanchett, Haley Bennett, Gina Gershon, Kevin Hart, Jack Black, Edgar Ramirez. Producción: Lionsgate Films, Media Capital Technologies, Arad Productions, Picturesart, Gearbox Studios, 2k Games. Distribución: Diamond Films. Género: acción, comedia, ciencia ficción. Web oficial:https://borderlands.movie/
Madrid se llenará de cortometrajes exhibidos en 30 espacios públicos
En junio arranca “Madrid. Distrito en Corto”, la primera edición del programa de exhibición de cortometrajes en espacios públicos municipales. Hasta la fecha, está confirmada la proyección de 86 sesiones que tendrán lugar en 30 espacios públicos de 17 distritos madrileños, convirtiendo Madrid desde la descentralización, desde los distritos y la cercanía de los barrios, en una gran pantalla para ese cine con limitadas posibilidades de comercialización en salas comerciales. Las fechas de su celebración serán entre junio y diciembre de este año. Todos los cortometrajes seleccionados han tenido una importante trayectoria, incluyendo premiados o nominados en los Premios Goya y Premios Oscar.
La actividad se presentará mañana miércoles, 12 de junio, en el Centro Cultural Casa de Vacas de El Retiro con la intervención de Ana Julia de Miguel, Directora general de Relaciones Institucionales y Proyectos Estratégicos del Ayuntamiento de Madrid; Mario Madueño, presidente de AIC; y María Inmaculada Sanz Otero, Vicealcaldesa del Ayuntamiento de Madrid.
Este es el primer paso en la apuesta de los organizadores, AIC (Asociación de la Industria del Cortometraje) y el Ayuntamiento de Madrid, por explorar nuevos espacios, infraestructuras ligadas a las administraciones como centros culturales o bibliotecas públicas, para la exhibición de cortometrajes independientes de calidad. De esta manera, se pone en valor tanto los espacios públicos como el talento en torno al cortometraje nacional.
El programa se desarrolla en el ámbito de apoyo del Ayuntamiento de Madrid al sector audiovisual como sector estratégico de elevado impacto para la ciudad, no solo desde el ámbito de creación, sino también motor económico, generador de empleo y negocio, atracción turística, y ser un excelente vehículo de promoción y difusión de la ciudad, y la Marca Madrid. Y es precisamente el cortometraje en la cadena de valor del audiovisual, el que si bien ocupa un lugar destacado por ser habitualmente inicio y la base del talento audiovisual y de las creaciones de las primeras obras, es a su vez el más frágil en su producción y sobre todo en su capacidad de exhibición. Con estas proyecciones se abren nuevas posibilidades para su distribución pero también se amplía la mirada del ciudadano hacia nuevas ofertas cinematográficas, educando desde el conocimiento y aprendizaje de otras realidades y llegando así a un gran público.
Durante el mes de junio se proyectarán, de manera gratuita, cuatro cortometrajes premiados: Juan y la nube de Giovanni Maccelli (Premio Goya animación 2005), Timecode de Juanjo Giménez (Palma de Oro en Cannes 2016, ganador Premios Goya ficción 2017 y nominado a los Premios Oscar 2017), Loop de Pablo Polledri (Premio Goya animación 2023), y Madre de Rodrigo Sorogoyen (Ganador Premio Goya ficción 2018 y nominado a los Premios Oscar 2019).
La iniciativa se completa con dos fechas más: el 6 de octubre, coincidiendo con el Día del Cine Español, y el 21 de diciembre, fecha en que se celebra el Día más Corto. Próximamente se darán a conocer los títulos para estas dos fechas.
La iniciativa está conectada con Emergente! CineLab, Laboratorio de Desarrollo y Foro de Desarrollo y Coproducción Internacional de Cortometrajes de Madrid que este año celebra su octava edición durante el mes de noviembre.
Érase una vez tres niños que intentaban descifrar el control parental de su videoconsola y dar con la receta de la tarta de arándanos perfecta. Érase una vez una secta de cazadores furtivos que no paraban de discutir y una niña con un don élfico.
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Crítica
Aventura impregnada de la sinvergonzonería de Pipi Calzaslargas
‘Riddle of Fire’ ilumina la pantalla con su fascinante historia de misterio, magia y aventura. Dirigida por el debutante en el largometraje Weston Razooli, esta encantadora película de fantasía lleva al público a un impresionante viaje por un mundo en el que chocan antiguas profecías y juegos infantiles. Una película tan carismática y entrañable que desde que la vimos en Sitges odio que sea comparada con ‘Stranger Things’ solo porque esté protagonizada por unos niños que van sobre ruedas.
Es un pintoresco cuento contemporáneo que no tiene reparos en mezclar géneros y argumentos. En ‘Riddle of fire’ unos críos intentan jugar a su nueva consola, la cual es robada, y para ello necesitan chantajear a su madre con un pastel de arándanos. En el proceso se sumergen en un road trip cargado de curiosos personajes. Con esa premisa no lo decimos todo pues la película se reserva aún más.
Aventura rodada en 16mm muy setenteros evocando el espíritu de antaño, no solo de hacer cine sino también de aquellos tiempos en los que era concebible jugar sin la necesidad de una pantalla de por medio. Sin darse cuenta de ello estos amigos evocan el espíritu desafiante de Pipi Calzaslargas enfrentándose sin reparos y jugueteando con el mundo adulto. Son unos trastos que cual Link de Zelda tienen una misión que los lleva a otras misiones secundarias escondidas en bosques y tabernas. Es como una aventura gráfica llena de sinvergonzonerías. Lástima que al final no cierre el mensaje que yo por lo menos he extraído y que tenga algunos momentos de bajón por recrearse en los secundarios, a los cuales, tampoco les da excesiva explicación.
Razooli es capaz de ofrecer una nueva visión de los tropos familiares al tiempo que brinda una narrativa atractiva y emocionante. Teje una narración absorbente, llena de giros, sorpresas y revelaciones inesperadas, además de extravagantes. La película explora temas como el poder de la amistad o el sentido de la aventura o la diversión. Se convertiría en un clásico instantáneo si recibiese la atención suficiente.
Admiro que se haya hecho una película así para niños que también puede entretener a adultos. Hoy en día todos los filmes dirigidos a audiencias infantiles vienen cargados de efectos y duraciones excesivas. ‘Riddle of fire’ es sencilla, campechana y llena de valores (aunque alguno de ellos llevará el cartel de “no hagas esto en casa”). Divierte, invita a salir a recuperar el espíritu de juego y en ocasiones conmueve. Para muchos este título quedará entre joyas desapercibidas o cine de culto, para nada como placer culpable. Desde luego sabe a clásico y no solo por el etalonaje.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Riddle of fire. Duración: 113 min. País: EE.UU. Dirección: Weston Razooli. Guion: Weston Razooli. Fotografía: Jake L. Mitchell. Reparto principal: Charlie Stover, Skyler Peters, Lorelei Olivia Mote, Phoebe Ferro, Weston Razooli, Lio Tipton, Charles Halford. Producción: ANAXIA, FullDawa Films. Distribución: Flamingo Films. Género: aventuras, comedia. Web oficial:https://www.riddleoffirethemovie.com/
Detallamos las distintas referencias, cameos o conexiones de la nueva película del Spiderverso
Tras el live action en solitario de ‘Venom’, le llegó el turno al vampírico ‘Morbius’, dentro de no mucho nos iremos de caza con ‘Kraven’, pero de momento hemos de sumergirnos en la red de Cassandra Webb, a.k.a. Madame Web. Este personaje de nombre tan “original” llega para ampliar las adaptaciones de villanos de Sony/Marvel. Los enemigos de Spider-Man suman películas en solitario y muchos ya cuestionan si el proyecto no se seguirá pegando batacazos y les llegaremos a ver juntos luchando contra Peter Parker.
La película protagonizada por Dakota Johnson que se acaba de estrenar en cines puede parecerte aburrida, llena de incoherencias o ridiculeces, de product placement o de escenas en las que la actriz está más preocupada en no despeinarse que en representar el origen de un personaje vital para el Spiderverso. Pero lo que no tiene debate es que está llena de huevos de pascua (los famosos easter eggs) forzosamente introducidos.
Cada vez es más fina la barrera que separa el universo Marvel de Sony con el de Disney, a si es que atención que por razones obvias el siguiente listado puede considerarse spoiler.
1 La mítica frase
Cassandra Webb conoce a Santiago (José María Yazpik) el líder de los “Spider-people” amazónicos que asisten a su madre durante el parto. Él le dice que “cuando acepte la responsabilidad eso conllevará un gran poder”. Es la legendaria frase que el tío Ben le dice a Peter Parker poco antes de morir.
2 ¿Qué pasa tío?
Spider-Man quizá no sería quien es si no fuese por esa frase y la educación que recibió de su tío. En ‘Madame Web’ vemos por primera vez como fue el pasado del tío Ben pues está interpretado por Adam Scott. Además tiene una escena en la que sugiere que está saliendo ya con la tía May. La mera inclusión de este personaje ya es un huevo de pascua a la desesperada por intentar suscitar el interés en la película.
3 Cómo conocimos a su madre
Y si está el tío podían estar los padres. Efectivamente, aunque Richard Parker no aparece en la película Mary Parker, la madre de Peter si tiene escenas. De hecho, está embarazada y no hace falta decir de quién ¿verdad? Con esto tenemos que volver al primer huevo de pascua pues en el nacimiento Ben dice que le encanta ser tío pues le permitirá divertirse sin responsabilidades. Otra alusión redundante a la mítica frases.
4 Unos progenitores muy combatientes
Si Richard Parker no aparece es para hacer alusión a su desconocida profesión. Con esto Sony mantiene el misterio sobre la ocupación del padre de Spider-Man, que siempre estaba fuera de casa por trabajo. Quien sabe, a lo mejor le espera un spin-off para él solo. Por otro lado ‘Madame Web’ confirma que Ben Parker tenía formación militar.
5 Dando la nota
El compositor de ‘Madame Web’, Johan Söderqvist, no ha trabajado nunca antes en las películas de Spider-Man pero al menos se ha molestado en versionar ligeramente el tema musical de los filmes para introducirlos en los últimos compases de esta nueva película.
6 Alusiones muy verdes
El personaje de Mattie Franklin (Celeste O’Connor) advierte a las demás con la frase “no os gustaré cuando tenga hambre”. Esta es una clara alusión a lo que dice Bruce Banner a cerca de su alter ego: “No os gustaré cuando esté enfadado”.
7 Spider-Man no marcó tendencia
Este universo cambia las reglas de Spider-Man en varios aspectos. El villano de este filme corre por los edificios neoyorquinos luciendo un traje como el de Spider-Man, antes incluso de que este haya nacido. A si es que lo sentimos por el diseñador que Peter Parker lleva dentro pero el diseño del traje ya no es original suyo según este canon o este universo. Al menos los guionistas han intentado hacer que no se diga en ningún momento la palabra Spider-Man.
8 Peter el saltitos
Decíamos que ‘Madame Web’ está llena de referencias metidas con calzador y esta es otra más. La madre de Peter Parker, embarazada de él organiza una baby shower a la que acude Cassandra Webb. Allí dice que su bebé “no para de dar saltitos”. Un chiste muy vago sobre el futuro que le espera al trepamuros.
9 Web into the web
Igual de vagas son las alusiones a telarañas. Roturas en cristales, estructuras de metal, el papel de la pared, los patrones de los tejidos… Se intenta hacer tanta referencia visual que acaba cansando.
10 Ojos que no ven…
En ‘Madame Web’ la protagonista tiene intactos los ojos. El personaje siempre ha tenido los ojos vendados o luce unas opacas gafas que ocultan su ceguera física. La película se encarga en darle un origen y sentido a la pérdida de visión ocular.
Una mujer se despierta en medio del bosque. Desorientada e intentando encontrar el camino de vuelta a casa, se topa con un pequeño conejo de peluche parlanchín que le invita a tomar el té. La mujer acepta la invitación mientras trata de poner sus ideas en orden.
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Crítica
Potente y resuelto, tocando un tema peliagudo y esquivo para la sociedad
Las casualidades en el mundo del cine existen. Llevaba tiempo teniendo como deberes pendientes ver el cortometraje ‘Bâba’ de Pablo Otero y ahora que he tenido espacio para ello resulta que entronca directamente con varios sucesos recientes o de actualidad. En primer lugar me ha hecho recordar el caso de la mujer esquizofrénica que tras ser puesta en libertad puso en jaque a El Molar durante unas horas empuñando un cuchillo. Por otro lado está el caso del crimen de Castro Urdiales cuyo móvil empieza a sonar que pudo haber sido un maltrato infantil no atendido a tiempo por la sociedad y las autoridades. Ambos son sucesos que nos han conmocionado y llenado de terror.
‘Bâba’ nos invita a tomar el té en medio del bosque en una mesa que bien podría ser la del Sombrerero Loco de ‘Alicia en el país de las maravillas’. Locura hay en esta historia pues es de locos el mantener una conversación con un conejito de peluche. Este podría haber sido un guión más acertado para el live action ‘Winnie the Pooh: Miel y Sangre’ pues lo que sucede es que una mujer se despierta en medio del bosque y allí se encuentra al amigo imaginario o peluche de su infancia, con el que comienza a conversar. Con esta enajenadora historia volvemos de nuevo a recurrir a la actualidad pues está a punto de estrenarse ‘Imaginary’ y por poco acaba la cosa como en ‘La mesita del comedor’. Resuelto es el corto pues sin miedos y empleando un lenguaje como el terror y la fantasía se atreve a tocar un tema que por lo general es escabroso y casi nadie atina a abordar.
Si eres de los que piensa que un cortometraje es algo casero o con poca calidad, ‘Bâba’ va a hacer que cambies de opinión. Este trabajo nos sorprende con un personaje totalmente recreado por ordenador. Un conejito que nada tiene que envidiar a los animalillos hechos con CGI de las superproducciones que llegan a las carteleras. No es de extrañar tamaño nivel de calidad pues Pablo Otero es un 3D generalist que ha trabajado en producciones como ‘Ahsoka’, ‘Unwelcome’, ‘Alien Covenant’ o ‘Guardianes de la Galaxia Vol.2’ entre otras muchas. Quizá su trabajo más relacionado con ‘Bâba’ es ‘Christopher Robin’, pero desconozco si en ese proyecto participó recreando personajes. Lo que si que es que quien da voz a Bâba es Álvaro Ramos Toajas, un experimentado doblador habitual de James Scully o César Domboy que le da un empaque perfecto al cortometraje.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de julio de 2023. Título original: Bâba. Duración: 10 min. País: España. Dirección: Pablo Otero. Guion: Pablo Otero. Música: Álvaro Domínguez Vázquez. Fotografía: Jesús Perujo. Reparto principal: Carolina Castellano, Álvaro Ramos Toajas, Sebastián Haro, Lucía Hoyos. Producción: Evil Popcorn Films, TMK Estudios. Distribución: Antonio Rosa Lobo. Género: fantasía, drama.
Alba regresa a su pueblo natal tras una ruptura sentimental. Allí se reencuentra con su hermana Candela. Las dos cerrarán heridas de la infancia, volverán a respirar juntas y acompañarán a su madre enferma en sus últimos días, con el desierto, el mar y la sal como testigos.
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Crítica
Una dosis detox de rencores y cargos
‘Amanece’ es una propuesta con triple protagonismo femenino. Aura Garrido, Isabel Ampudia e Iria del Río protagonizan la primera película del director Juan Francisco Viruega. Candela, Alba y Aurora, los tres personajes con nombres de fenómenos luminosos que siempre nos han transmitido sensaciones bellas y melancólicas. Un filme en el que es anecdótico que sean todo mujeres pues la figura femenina aunque está omnipresente no es la principal temática y el foco está puesto en las relaciones y los sentimientos entre familiares y parejas.
Pulsar el reset para borrar los errores y las marcas del pasado. Eso parece querer hacer esta película que muestra cuán sinceros hemos de ser con nosotros mismos y con aquellos a los que queremos. “Hay demasiado exhibicionismo en el dolor” dice un personaje en el primer acto. Quizá sea por eso que el filme dedica casi todo su primer tercio a una ruptura de esas que causan mucho dolor. No obstante esta película no es porno dramático como se dice tanto hoy en día en foros coloquiales. Se divide en tres partes, dedicada cada una de ellas a una de las protagonistas, dos hermanas y una madre que tienen mucho que zanjar, entre ellas y con la vida.
‘Amanece’ puede conectar muy fácilmente con dos tipos de personas, los provincianos y aquellos cuyo frenesí de la rutina no les permite pararse a pensar en su vida. “Allí parece que estoy bien, pero es porque no hay nadie que me conozca bien”, dice Alba (Aura Garrido) en alusión a su vida en Madrid. Este largometraje es una recomendación a reconectar con nuestras raíces, con aquellos que conocen bien nuestra psique y aquellos que nos hacen recordar qué hemos buscado siempre en nuestra vida. Pero el tiempo y la distancia son capaces de cubrir la verdad con capas y capas de olvido y dejadez. En ocasiones limar asperezas entre nuestros consanguíneos puede ser precisamente eso, algo áspero. Esa sensación se ve reforzada en ‘Amanece’ a través de un recurso que a veces es casi subliminal, el paisaje. Las ariscas y solitarias localizaciones de Almería sirven de escenario y de punto de meditación para que veamos cómo, aunque hay cosas que mueren, siempre amanece un nuevo día.
“La obra está acabada cuando se agota la curiosidad”. Ya van tres frases que rescato de ‘Amanece’. No solo es que esta obra nos deje sentencias que nos abran puertas a la reflexión, es que sirve muy bien para cerrar este texto, cuando creo que he plasmado bien su identidad o aquello que creo que busca suscitar en nosotros. La acción transcurre en una tierra a priori intoxicada, por bombas del pasado y por viejos rencores. ‘Amanece’ no solo trata sobre aplacar la curiosidad que suscita cualquier relación interpersonal, también de estar en paz y de terminar nuestros días desintoxicados de todo rencor o cargo.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de noviembre. Título original: Amanece. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Juan Francisco Viruega. Guion: Juan Francisco Viruega. Fotografía: Pepe de la Rosa. Reparto principal: Aura Garrido, Iria del Río, Isabel Ampudia. Producción: Factoría de Creación, Amanece Audiovisual AIE. Distribución: Syldavia Cinema. Género: drama. Web oficial:https://factoriadecreacion.com/amanece/
El testimonio de un heredero y víctima de la farándula española
Movistar Plus+ estrena el 5 de septiembre la serie documental sobre Miguel Bosé. ‘Bosé renacido’ cuenta con la bendición y participación del cantante al igual que sucedió la producción que hace no mucho estrenó SkyShowtime, de hecho, en el apartado de curiosidades nos encontramos que aparece brevemente José Pastor, quien ha interpretado al cantante en dicha serie.
Bosé se convirtió en un ídolo de masas en el mismo momento en el que dio sus primeros pasos sobre los escenarios hace más de treinta años. Y así ha sido para mal o para bien desde que le vimos en ‘Suspiria’ hasta el lanzamiento de sus hits más descargados y sus declaraciones más polémicas. Esta miniserie documental se compone de entrevistas que se han grabado expresamente para ‘Bosé renacido’. Del mismo modo que se han recopilado numerosas imágenes de archivo oímos hablar a Bosé, a sus hermanas Lucía y Paola, su manager Rosa Lagarrigue y otras muchas personalidades como Alejandro Sanz, Ana Torroja, Mercedes Milá, Boris Izaguirre, Alaska, Lolita Flores, Laura Pausini, Tiziano Ferro, Juanes, Victoria Abril, Fernando Colomo, Manolo Caro, Alejandro González Iñarritu, José Luis García Berlanga, Patrice Calmette, Francis Montesinos, Nacho Duato, Bibiana Fernández, Malú o Pablo Alborán. Además aportan sus experiencias y percepciones periodistas como Santiago Alcanda, Rosa Villacastín y Rosana Torres. Todos ellos dan su visión de amigos, en ocasiones no siempre para cubrirle de rosas.
Lo que prepondera en esta docuserie es el testimonio del Bosé actual que se presenta con la voz tocada. Para contarnos su vida se ha estructurado todo en cuatro episodios de una hora cada uno que emplean sus distintas residencias como hilo conductor. Recorreremos sus anécdotas, experiencias, traumas y éxitos a través de la finca Villa Paz (Saelices, Cuenca), la casa familiar de Somosaguas (Madrid), la casa de Somosaguas que él re-construyó y la residencia de México, donde vive actualmente con sus hijos y donde acaban de sufrir un asalto. Cada casa representa un estilo de vida radicalmente diferente y llega el punto de parecerse esto a un programa de esos que se cuelan en casas despampanantes y las celebrities cuentan sus chascarrillos. Todas estas viviendas han albergado a grandes nombres de la época, con lo que ‘Bosé Renacido’ se convierte en un desfile de personalidades apabullante. Alguna de estas casas merece una serie para sí misma a lo ‘Arde Madrid’ porque es evidente que hay muchísimas historias que no se cuentan en el documental, por tiempo fílmico o por guardar secreto.
Indirectamente ‘Bosé Renacido’ conforma el retrato de una España retrasada que pese a la transición no se actualizó paulatinamente, sino que intentó dar un salto brusco hacia las tendencias europeas de la época. Muy acertadamente comenta Bosé que este es un país con una doble moral descarada que siempre ha estado presente. A pesar de verter más una declaración que levantará ampollas Miguel Bosé zigzaguea por algunos temas, como cuando declara que los culpables de todo lo que le ha pasado en su vida son sus padres o cuando llega el momento de tratar el cómo se produjo el nacimiento de sus hijos a través de la gestación subrogada, como se ha hablado tanto ahora con Ana Obregón, a la cual conoce bien. No es lo que personalmente me interese pues siempre he aborrecido esos detalles más propios de la prensa amarilla o de las hienas que se nutren del corazón. Pero esto deja en evidencia que es un reportaje hecho por amigos, sincero y sin tapujos pero también maquillado y adornado con escenas aduladoras, casi de videoclip. Aquí se cuenta lo que él ha querido y como él ha querido contarlo, con ese dramatismo que él tiene y que tanto ha usado en sus espectáculos, con esa vanidad que nos ha demostrado con el tiempo que no tiene abuela.
‘Bosé Renacido’ trata evidentemente su bisexualidad, su inclusión forzada o heredada en la farándula, del cambio referencial que supuso en el panorama artístico nacional, su odio visceral hacia ciertos sectores de la prensa, su faceta más paternal, la relación que tiene con el México de Iñárritu y todo LATAM, su constante lucha como negacionista… En resumen sus vicios y virtudes, sus logros y fracasos, aquello que le ha definido y lo que ha defendido. Aquellos que solo conozcáis su innegable éxito musical o que hayáis llegado a su figura a través de las portadas del corazón o de sus vídeos virales encontraréis momentos curiosos y reveladores. Hay episodios que parecen sacados de ‘Los Simpson’, como aquel en el que su padre le llevó a cazar para hacerle un hombre.
Algunas etapas del documental son más propias de un reportaje de un programa vespertino del corazón, otras son un retrato íntimo y el resto enumeran los pasos de un artista que hoy en día ha caído en la desgracia de la controversia. Los episodios que más pueden marcar a los espectadores son algunos momentos muy dramáticos de los que pocos detalles se conocían hasta ahora o aquellos más freaks que van adornados con personajes pintorescos como Marcelino, el enano bibliotecario.
Junto a él la actriz Maribel Verdú y la productora Bárbara Muschietti
Una de las películas del verano es sin duda ‘Flash’. Es por eso que toda promoción que se le va a hacer es poca y aprovechando que una de las principales actrices de la película, Maribel Verdú, es española se ha convocado a la prensa a un pase especial con photocall al que hemos podido acudir. Allí hemos fotografiado a quien ejerce de Nora Allen, madre de Barry Allen, pero también a mucho famoseo que ha acudido a la proyección.
Pero el principal atractivo del acto ha sido la presencia del director de la película. Andy Muschietti harto conocido por su versión de ‘IT’ o ‘Mamá’, es quien se ha encargado de esta nueva entrega llamada a reiniciar el universo cinematográfico de DC Comics de la cual ya podéis leer o ver una crítica aquí. Y le ha acompañado, en el evento y en la concepción del filme, su hermana y productora Bárbara Muschetti.
Seguro que tenéis mucha curiosidad por ver cómo es esta reescritura de Andy Muschietti. Mientras llega su estreno el 16 de junio podéis ver en este artículo las fotografías de los protagonistas del día y un vídeo con la presentación ante el gran público que estuvo dirigido por J.A. Bayona.
Los mundos chocan en ‘Flash’ cuando Barry utiliza sus superpoderes para viajar en el tiempo y cambiar los acontecimientos del pasado. Barry intenta salvar a su familia, pero sin saberlo altera el futuro y queda atrapado en una realidad en la que el general Zod ha regresado y amenaza con la aniquilación, pero en la que no hay Superhéroes a los que recurrir. A menos que Barry pueda persuadir a un Batman muy diferente para que salga de su retiro y rescate a un kryptoniano encarcelado… aunque no sea el que está buscando. En última instancia, para salvar el mundo en el que se encuentra y regresar al futuro que conoce, la única esperanza de Barry es luchar por seguir vivo. Pero ¿este último sacrificio será suficiente para reiniciar el universo?
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Crítica
Una reescritura del Flashpoint, el cual, de por sí ya era una reescritura
Andy Muschietti, autor de ‘Mamá’ o el remake de ‘IT’, se pasa del terror a la ciencia ficción comiquera. Mantiene su idilio con Warner Bros. y da el salto a las franquicias de DC Comics para reescribir el Flashpoint, que un cómic que ya de por si era una reescritura. Un evento vital para el personaje de Flash que se explora por unos derroteros un tanto diferentes pero que en esencia desemboca en lo mismo.
Básicamente lo que sucedía en ese evento que tuvo lugar ya en nuestro siglo y que ha sido largamente explotado en las páginas, es que Flash viajaba en el tiempo y veía que un cambio trastocaba su realidad, lo cual le llevaba a conocer a otras versiones de los míticos personajes de DC. Aquí sucede lo mismo, pero con otro detonante y otras apariciones. Para explicarlo han tirado de la retrocausalidad y echando por los suelos las teorías sobre la linealidad del tiempo. Al menos emplean una metáfora culinaria muy válida, al fin y al cabo esto es ciencia ficción. Lo importante para que este filme tenga el “OK” de los fans y sobre todo de los lectores es que se sienta como una película del Flash de Ezra Miller y a pesar del poder nostálgico y el chorreo de cameos del final, lo consigue, porque está bien medida en ese sentido.
Soy lector más de DC que de Marvel y aun así no soy de los que demandan un plan maestro para el universo de DC en el cine. Disfruto de sus películas como si estas fuesen un one-shot. Por lo que no aguardaba que se hiciese un reinicio total con esta saga que de paso allanase el camino a James Gunn. Y esto no se produce, a no ser que nos tomemos la escena previa a los créditos como una apuesta en firme. Para mí ‘Flash’ eleva el nivel, con algún pero, de una franquicia que demanda descanso para sus personajes bandera. No se pierde de vista el mundo de Tim Burton o de Zack Snyder, pero el efecto mariposa surte efecto y nos encontramos ante una película independiente del resto.
Lo que no se percibe como algo independiente es el sello de Andy Muschietti. La presencia del director de terror solo se hace patente en algunas escenas que rozan lo grotesco y lo oscuro. Quizá es porque no hay un terrorífico villano que materializar. Si sois lectores de DC sabréis que realmente el enemigo de esta historia son los propios sentimientos y dolores de los protagonistas. Pero no os preocupéis que además de conflictos interiores hay acción a diestro y siniestro. A veces parece que estos largometrajes mainstream, cargados de efectos, se crean poniendo el piloto automático, pero hace falta un director con capacidad de planificación y visión de conjunto, sobre todo cuando jugamos con galimatías y paradojas espacio-temporales. Muschietti hace que el guión funcione, incluso con las licencias que se han tomado y con un humor que nos lleva hasta el fun fact de Eric Stoltz con ‘Regreso al futuro’. Y por si fuese poco nos devuelve a títulos anteriores copiando los zooms y movimientos de cámara de ‘El hombre de acero’ o los planos y música de las películas de Burton. Pero lo que más valoro es que se ha rodado una película en la que hay trabajo doble con Ezra Miller. Salir airoso de eso es digno de reconocimiento.
Si hacemos algo de análisis transversal hay que irse al mundo real, a las taquillas españolas. Ahí es donde ‘Flash’ encontrará su verdadero rival a batir pues compite con una obra maestra como ‘Spider-Man: cruzando el multiverso’. Se antoja un combate interesante pero el hecho de que la película animada parta con las maravillosas credenciales de la primera parte y que esta venga de un proyecto que ha tropezado varias veces decantará la balanza. Aún así es un filme que cautivará pues con ‘Flash’ la gran audiencia se adentrará en el mundo de los velocistas y al concepto de la Speed Force. Pero sobre por el buceo nostálgico largo tiempo demandado. Aunque repito, Batman, Superman y compañía no le quitan el protagonismo a Flash. Desde luego lo más buscado y comentado es la presencia de los Batman de Michael Keaton y Ben Affleck en la misma película. Se las han apañado como dije antes para llevarse esto al terreno del Flashpoint. Sobre todo con Keaton la cosa se viene arriba. Pero lo más comentado a posteriori serán los múltiples cameos de las diversas versiones que hemos conocido… y una que nunca llegamos a conocer, ¡que locura! Al final tenéis apartado de spoilers si lo queréis averiguar, pero respetad la experiencia de quienes quieren descubrirlo por su cuenta. Desde luego en la recta final han conseguido que me emocione y divierta. También se ha levantado expectativa con el tema de Supergirl, sobre todo desde que Henry Cavill le diese la enhorabuena a Sasha Calle. Su papel también se amolda al gran evento de Flash pero está menos presente, quizá ella sea el mayor adelanto del DCU que prepara Gunn.
Llegan los peros. ‘Flash’ se antoja demasiado larga para no ser tan compleja como cabría esperar. Durante todo ese tiempo estamos aguardando los cameos anunciados entre líneas pero llegan solo al final y aun así ya os adelanto que no hay conexión con las series del Arrowverso. Lo que más lastra el filme es la calidad del CGI que parece demasiado de videojuego. A parte, la banda sonora está demasiado presente y solo destaca cuando recupera las sintonías clásicas.
Con todas las sorpresas que hay en el filme me ha encantado ver en una producción como esta a Maribel Verdú, que aporta experiencia y remata con canción de Rosalía incluida el toque español que ya había puesto Marta Milans con ‘¡Shazam!’. Ella es el eje en torno al cual giran las motivaciones de Barry Allen y está a la altura de la madraza que ha de interpretar, con un emotivo final.
APARTADO SPOILERS
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Era de imaginar que encontraríamos guiños a las películas de Tim Burton. Aparte de Keaton, sus trajes o su Batcueva aparecen los sacos de la risa que usaba el Joker. También se hace una emotiva alusión al Alfred interpretado por Michael Gough, el cual, por desgracia nos dejó hace más de una década.
El universo de Zack Snyder es el más presente pues es el que dio vida a este Flash. El Zod de Michael Shannon ya salía en los tráilers con sus secuaces. Pero también aparecen Gal Gadot como Wonder Woman o Jason Momoa como Aquaman en los créditos. Incluso podemos decir que sale Henry Cavill aunque esté recreado por ordenador.
El propio director hace un cameo, como ya hizo en ‘IT’, en esta ocasión comiéndose un perrito caliente. Y otro que hace un cameo y al cual Flash le roba la comida es Nikolaj Coster-Waldau, el famoso actor de ‘Juego de Tronos’ y amigo del director después de haber trabajado con él en ‘Mamá’.
¿Lo más gordo? La aparición de Christopher Reeve, Adam West, John Wesley, George Reeves, Helen Slater… recreados por ordenador junto con una versión del nunca materializado Superman de Nicolas Cage. Un apoteósico final que se culmina con una escena de cierre en la que George Clooney vuelve a ser Bruce Wayne.
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Ficha de la película
Estreno en España: 16 de junio de 2023. Título original: The Flash. Duración: 144 min. País: EE.UU. Dirección: Andy Muschietti. Guion: Christina Hodson. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Henry Braham. Reparto principal: Ezra Miller, Sasha Calle, Michael Shannon, Ron Livingston, Maribel Verdú, Kiersey Clemons, Antje Traue, Michael Keaton, Ben Affleck. Producción: DC Entertainment, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial:https://www.dc.com/theflash
Billy Batson y sus compañeros adoptados han recibido los poderes de los dioses pero aún están aprendiendo a compaginar sus vidas de adolescentes con sus alter-egos de Superhéroes. Pero cuando las Hijas de Atlas, un vengativo trío de antiguos dioses, llegan a la Tierra en busca de la magia que les robaron hace mucho tiempo, Billy -alias Shazam- y su familia se ven envueltos en una batalla por sus superpoderes, sus vidas y el destino de su mundo.
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Crítica
Continuando con la épica sinvergüenza o pueril y aproximándose a Gunn
Creo que la mayor incógnita que han de resolver las próximas películas del universo cinematográfico de DC Comics es qué deriva va a tomar ahora que está en manos de James Gunn, quien ya sabemos que dirigirá ‘Superman: legacy’. Al margen de si sus nuevos títulos son mejores o peores largometrajes o secuelas tanto Shazam como Flash han de resolver esa consulta próximamente. Antes de la esperadísima película del solitario de Flash le ha tocado ese papelón a ‘Shazam: la furia de los dioses’.
Ya os adelanto sin spoilers que hay dos escenas post-créditos. Una de ellas prácticamente igual que la de la primera parte y la otra supone la que, si no me equivoco, es la primera incursión del mundo televisivo de DC en el cine. Pero la respuesta a si Shazam sigue dentro del “Gunnverso” está dentro del propio filme. Más allá de las referencias a la Trinidad hay una escena importante que llega para responder ligeramente a lo que está planeado para otro importante personaje. Descuidad que no voy a decir nada más al respecto, podéis seguir leyendo.
Quizá lo anteriormente mencionado es lo más relevante de ‘Shazam: la furia de los dioses’. No supone ningún antes y después para el cine de superhéroes ni para el DCU. Es una película continuista, casi de relleno, dotada de la épica sinvergüenza de la anterior entrega y aproximándose al estilo del pupilo de la Troma, pero manteniendo un tono aún juvenil, lejos de ‘El Escuadrón Suicida’ en cuanto a violencia. Explota dos elementos importantes que ya introdujeron la primera entrega y la película de Patty Jenkins sobre los orígenes de la amazona. Estos míticos factores son precisamente eso, míticos. La magia (el otro punto débil de Superman) y el mundo clásico son los protagonistas de este filme. Ello combinado nos ofrece otros buenos aspectos de la película. Por un lado un trío de diosas que están muy por encima del Zeus de Russell Crowe y por otro el diseño de criaturas. Llegamos a ver mantícolas, arpías, unicornios, minotauros o cíclopes cuyo CGI es solo ligeramente mejorable y cuyo aspecto rememora, quizá como guiño voluntario, a las plastilinas de Harryhausen.
Por supuesto, el sentido del deber y el corazón del héroe es parte vital de la película. La familia (las dos familias que intervienen en la cinta) son aspectos dirigidos al público más joven. Además del tono mitológico y arcano el factor de diferenciación de ‘Shazam: la furia de los dioses’ es el disponer a toda un grupo de héroes que además forma un núcleo familiar entre si. Está el clan de huérfanos, el grupo que formacomo superhéroes y la estirpe de las villanas de turno. Por que, por si no lo sabéis, a quien se enfrentan estos superhombres es a las mismísimas hijas de Atlas.
‘Shazam: la furia de los dioses’ es una película más de superhéroes llevando al personaje a cotas mayores. Pienso que los productores (entre ellos Safran que sigue echando leña al mundo DC/Warner) son conscientes de que esta es una obra de paso y que dado además el carácter pueril del personaje, no hay que tomarse del todo en serio. De hecho, se ríen del cameo falso de la primera parte y no por ello nos privan de tener más de una aparición inesperada. Y se regodean en su mundo, desde las menciones anteriormente descritas, pasando por otras más complejas como la del Violinista (Fiddler), hasta las apariciones de las dos Annabelles (también de David F. Sandberg) y las camisetas de los protagonistas que rememoran a los ‘Goonies’, ‘Gremlins’, el ‘Gigante de hierro’ o ‘El Señor de los Anillos’. Puede que todo esto nos hable de que esta es una película muy cómica, pero a mi me muestra que, aunque sea tímidamente o con reservas, esto sigue en serio.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de marzo de 2023. Título original: Shazam! Fury of the Gods. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: David F. Sandberg. Guion: Henry Gayden, Chris Morgan, Bill Parker, C.C. Beck. Música: Christophe Beck. Fotografía: Gyula Pados. Reparto principal: Zachary Levi, Marta Milans, Jack Dylan Grazer, Asher Angel, Diedrich Bader, Grace Fulton, Helen Mirren, Lucy Liu, Meagan Good, Adam Brody, Rachel Zegler, Djimon Hounsou, Ross Butler, P.J. Byrne, D.J. Cotrona. Producción: Warner Bros., New Line Cinema, DC Entertainment. Distribución: Warner Bros. Pictues. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial:https://www.warnerbros.com/movies/shazam-fury-gods
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