HBO Max ha publicado el tráiler oficial de la serie original ‘Las chicas del autobús’, de Warner Bros Television. La serie se estrena con dos episodios el viernes 14 de marzo, seguidos de un nuevo episodio semanal hasta el 9 de mayo en HBO Max.
‘Las chicas del autobús’ invita a los espectadores a hacer campaña junto a cuatro mujeres periodistas, cada una de ellas con un estilo diferente para informar y para ser. La historia se centra en Sadie McCarthy (Melissa Benoist), una periodista que romantiza una época pasada del periodismo de campaña y abandona toda su vida por una oportunidad de cubrir a un candidato presidencial para un periódico de referencia. Sadie se une al autobús y acaba estableciendo lazos con tres competidoras, Grace (Carla Gugino), Lola (Natasha Behnam) y Kimberlyn (Christina Elmore). A pesar de sus diferencias, las mujeres se convierten en una familia que asiste en primera fila al mayor culebrón de la ciudad: la batalla por la Casa Blanca.
Acompañan a las protagonistas Brandon Scott, Griffin Dunne, Mark Consuelos y Scott Foley.
‘Las chicas del autobús’, de las creadoras Amy Chozick y Julie Plec, está inspirada en las experiencias de Chozick como reportera política en el autobús de campaña junto a múltiples candidatos presidenciales. Chozick y Plec ejercen de productoras ejecutivas junto a la showrunner Rina Mimoun, Greg Berlanti, Sarah Schechter, Leigh London Redman y Marcos Siega; Jesse Peretz produce y dirige el piloto; y Benoist ejerce de productora. La serie es de Berlanti Productons en asociación con Wanrer Bros. Television.
Una mirada cautivadora a la historia de Israel y un retrato íntimo de una mujer extraordinaria, Golda Meir (Helen Mirren), también conocida como la «Dama de Hierro de Israel». Una de las mujeres más destacadas de la política israelí del siglo XX, quien enfrentó responsabilidades y decisiones intensamente dramáticas y de alto riesgo durante la Guerra de Yom Kippur.
Crítica
Ni su estructura ni su intencionalidad se ganan la confianza del espectador
Golda Meir fue conocida por un apodo idéntico al de la Thatcher, la “dama de hierro”. El suyo es un dilema como el del huevo y la gallina, ¿qué fue antes, su férreo carácter o su estancia como embajadora del Estado de Israel en la Unión Soviética? Sea como fuere es un personaje que hizo brecha destacando como la primera israelí en un puesto de alto cargo. La película de Guy Nattiv se centra en sus últimos días como Primera Ministra de Israel, no es un biopic que parta desde los orígenes, ni su relación sentimental ni siquiera esa etapa que he comentado en la URSS.
El filme parece tener solo dos únicas metas: reflejar que fue la primera política en hacer que un país árabe reconociese a Israel a través de ese nombre y constatar que Golda fumaba como un carretero. El humo del tabaco sirve para hacer luz de gas y pasar completamente por alto nombres como Palestina o los atentados de las Olimpiadas de Múnich. Ahora que David se ha convertido en Goliat es imposible no detectar en esta película una grandísima hipocresía, un victimismo en el que el director, también israelí, se ha olvidado de que ambas partes atacan y apresan.
Pero más allá de politiqueos y paralelismos con la actualidad que nos demuestran una vez más que Estados Unidos ha alimentado durante años la máquina de guerra del sionismo, está el hecho de que esta es una película aburrida. Es de esos filmes capaces de enumerar muchos detalles y aún así no ser explícito o no saber explicarse con sentido de conjunto. El planteamiento, hilar la historia a partir de una comisión en 1974 para a partir de ahí ir soltando flashbacks, carece de sentido cuando toda la película es un completo flashback. Solo en un par de ocasiones volvemos a la silla del pleno y este recurso no aporta nada a la historia, ni dramatismo, ni punto de inflexión, ni apenas clímax.
Helen Mirren actúa magníficamente ayudada por un gran trabajo de caracterización e imágenes mezcladas con metraje de archivo. El problema de ‘Golda’ no es que el personaje esté mal interpretado, solo hay que buscar entrevistas y comparecencias de la época para comparar, es que a poco que uno conozca la historia se dará cuenta que hay un trabajo, voluntario o no, de suavizar o limpiar su reputación, con lo cual se pierde toda la fidelidad.
Liev Schreiber interpreta al fallecido Henry Kissinger. Un diplomático tan aplaudido como criticado por sus trabajos en secreto, sus alianzas cuestionables y sus logros políticos. Ejerció su llamada “diplomacia itinerante”. Se movió siempre por arenas movedizas, en conflictos peligrosos y delicados, de igual modo que lo hace este filme que llega cuando cada vez son más los que están convencidos del genocidio en Gaza. Curiosamente Golda se crio en Ucrania, a si es que incluso ya fallecida no puede estar más relacionada con las guerras y la actualidad. Nattiv desaprovecha esa oportunidad para hacer un filme que se siente más melodramático y adulador de lo que correspondía.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de diciembre de 2023. Título original: Golda. Duración: 100 min. País: Reino Unido. Dirección: Guy Nattiv. Guion: Nicholas Martin. Música: Dascha Dauenhauer. Fotografía: Jasper Wolf. Reparto principal: Helen Mirren, Liev Schreiber, Camille Cottin. Producción: Embankment Films, Hianlo, Maven Screen Media, New Native Pictures, Picadilly Pictures, Qwerty Films, ShivHans Pictures. Distribución: Diamond Films. Género: biografico, drama. Web oficial:https://bleeckerstreetmedia.com/golda
Rabiye Kurnaz es una mujer aparentemente corriente, excepto porque es un terremoto. Cuidando de sus hijos y mucho más, es la que lleva la batuta en su casa de Bremen. Poco después de los ataques del 11-S, en 2001, su hijo Murat es acusado de terrorismo y es uno de los primeros enviados a la cárcel de Guantánamo. Esto marca el inicio de un viaje hacia el corazón de la política mundial para esta decidida mujer alemana-turca. Acompañada del abogado de derechos humanos Bernhard Docke, luchará por la liberación de su hijo.
Crítica
Humana, sensible y a su manera, subversiva
Las historias de David contra Goliat, tipo ‘Erin Brockovich’ o ‘Una cuestión de género’, aquellas que ponen al ciudadano de a pie contra el monstruo del sistema o del gobierno, siempre causan simpatía, consiguen empatizar con el espectador y llegar a un punto que, aunque no toque vivencias personales, se siente muy cercana. Al fin y al cabo, todos nos sentimos indefensos ante las grandes corporaciones o instituciones. Si además añadimos el valor que le da a la historia el estar fundamentada en un lance real, el espectador se siente doblemente atraído. Esa es la baza que juega ‘Rabiye Kurnaz contra George W. Bush’.
Todos somos humanos y reconocemos una injusticia cuando la vemos. Los casos de Guantánamo derivan en una opinión casi unánime, en un sentimiento de no raciocinio e injusticia que todos detectamos. ‘Rabiye Kurnaz contra George W. Bush’ transcurre en los meses y años posteriores al atentado del 11S y pone sobre la palestra una vez más términos como islamofobia o lavado de cerebro. Recrea la lucha de una madre que quiere sacar a su hijo de la cárcel que USA montó en Cuba y que aún hoy en día retiene a personas que no albergan esperanza alguna de juicio.
Este sonado caso representó un problema para Rabiye Kurnaz, la incansable madre del joven preso llamado Murat, pues aunque vivía en Alemania poseía nacionalidad turca y todas las características de una persona que se ha alineado con los terroristas islamistas. Estamos pues ante un brete para las administraciones, en un vacío legal que era un escape para tres países que se lavaban las manos y a la vez una desesperación para unos familiares que vivían presos de la falta de información y la ambigüedad de un mundo legal que no controlaban. No es de extrañar que la película se llevase el premio a mejor guión e interpretación en Berlín. El caso está tratado con mucho tacto y nada de sensacionalismo. El trabajo de Meltem Kaptan como la protagonista es difícil por lo sensible del tema pero ayuda mucho el optimismo de su personaje. No sé si esta era realmente la actitud que tuvo esta mujer durante todo este vía crucis o no, también estoy seguro que a muchos les va a parecer una manera frívola de contar la historia, pero a mi desde luego me ha parecido una manera liviana y a la vez afectuosa de narrar todo.
‘Rabiye Kurnaz contra George W. Bush’ está contada a través de la simpática relación que establece Rabiye con el abogado Bernhard Docke. Ella es un mar de ingenuidad y él vive con los pies en el suelo, pero ambos tienen algo en común, tesón y sentido de la justicia. Si este fuese un título yankee les interpretarían seguro Octavia Spencer y Tom Hanks. La película habría sido de diez si no fuese porque peca de potencia visual, de fuertes discursos y de no tener un desarrollo de personajes más elaborado o al menos acompañado de un montaje más ágil.
Como vemos siempre, el amor de unos padres por un hijo mueve montañas. Este un caso más de tantos padres y madres coraje que no cesan en su empeño y son capaces de cambiar el devenir de los acontecimientos e incluso el funcionamiento de nuestro mundo. Si La película logra remover conciencias habrá sembrado la semilla necesaria para corregir injusticias o producir el cambio que demanda. Os animo a verla.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de febrero de 2023. Título original: Rabiye Kurnaz gegen George W. Bush. Duración: 119 min. País: Alemania. Dirección: Andreas Dresen. Guion: Laila Stieler. Música: Johannes Repka, Cenk Erdogan. Fotografía: Andreas Höfer. Reparto principal: Meltem Kaptan, Alexander Scheer, Charly Hübner, Nazmî Kirik, Abak Safaei-Rad, Alexander Hörbe, Sevda Polat, Abdullah Emre Öztürk, Cornell Adams. Producción: Arte France Cinéma, Cinéma Defacto, Iskremas Filmproduktion, Pandora Filmproduktion. Distribución: Vercine Distribución. Género: drama, política, hechos reales. Web oficial:https://www.pandorafilm.com/filmography/rabiye-kurnaz-gegen-george-w.-bush.html
Una película documental de Ricardo Carvajal Cortés
Según relata el Observatorio Europeo del Consumo y Cultivo Cannabis: “Desde su prólogo el documental plantea el contraste de la industria efervescente del cannabis con la realidad social que la rodea, esta premisa se desarrolla observando el caso de un paciente tetraplejico que luego de tratarse por 15 años con medicamentos convencionales, decide probar el efecto medicinal del cannabis, desde ese entonces encontró la manera de paliar su dolor neuropatico y de esa manera mejorar la calidad de vida. 18 años después y luego de varias batallas contra las autoridades públicas, Juan Manuel con la ayuda del «Observatorio Europeo del Consumo y Cultivo del Cannabis» piden una licencia a la Agencia Española del Medicamento para cultivar su propia medicina”.
‘Marihuana para vivir’, en palabras del OECCC “Para el tratamiento de Juan Manuel no valen ninguno de los medicamentos basados en Cannabis que cuentan con autorización en España, como el Sativex (extracto de THC y CBD), o el Epidiolex (extracto de CBD), ya que necesita el efecto sinérgico de todos los componentes de la planta entera, con todos los cannabinoides, flavonoides y terpenos, conocido como ‘efecto séquito’. Por eso, ha solicitado una licencia para el autocultivo de Cannabis medicinal a la AEMPS. Esta solución, además de ser efectiva, también saldrá mucho más barata al Estado, ya que los tratamientos con Sativex o Epidiolex tienen costes cercanos a los 30.000 € anuales por paciente”.
Un buen detalle, afirman responsables de la Asociación “Siguiendo la estética del primer documental del OECCC con el director Chileno, El documental tiene intervenciones de Hector Brotons, Noemí Sánchez (ambos miembros del OECCC), Ana Maria Gazmuri, Diego Cruz (ambos de Fundación Daya) y Ruben Valenzuela fundador junto con la UPC del Cannabis HUB”.
El título del documental viene de un momento en que él introduce una profunda reflexión: “Si se ha regulado la eutanasia, el derecho a morir, ¿por qué no se regula el cannabis medicinal? Es solamente el derecho a consumir marihuana para vivir mejor. Además de reivindicar el autocultivo medicinal y el uso terapéutico de la marihuana, el documental ‘Marihuana para vivir’ defiende una regulación que no sea un oligopolio de las grandes farmacéuticas, reivindicando que también se faciliten licencias de cultivo a pequeñas y medianas empresas, cooperativas y colectivos”.
la crisis económica e institucional ha hecho que la sociedad de este país se vuelva más volátil que nunca. En medio de los escándalos de corrupción que los asuelan, los dos grandes partidos –conservadores y socialistas– se han aliado en una coalición de Gobierno con la intención de impedir que el partido renovador de izquierda gane las inminentes elecciones generales. Es entonces cuando salta la chispa en el barril de pólvora: la candidata del Gobierno ha sido secuestrada, y nadie sabe quién es el responsable ni dónde se encuentra. Mientras la tensión aumenta y el pánico se adueña de todos, un durmiente abre los ojos en una cámara secreta bajo el Valle de los Caídos, la monumental tumba franquista a las afueras de Madrid. Se trata de García, un superhombre que se hizo célebre durante los primeros años de la dictadura y desapareció sin dejar rastro hace más de 50 años. Ahora García ha vuelto a la vida en el momento más complicado de la democracia, y deberá enfrentarse a una España muy diferente de la que dejó atrás en 1961. Pero el destino del país podría estar en manos de este hombre sin tiempo.
Reseña
Una carga contra aquello que emponzoña nuestra democracia
Era consciente de la figura y obra de Santiago García, ¿¡qué aficionado al cómic no se ha acercado a ‘Las meninas’?! Pero reconozco que nunca me había dado por plantarme delante de ‘¡García!’ y la proximidad de la adaptación a serie para HBO Max me ha animado a ello. De hecho seguro que muchos han hecho lo mismo cuando se estrenó otra serie basada en la obra de este guionista, ‘El vecino’. Y pienso, ¿están consiguiendo las producciones audiovisuales, tanto internacionales como locales, que el público general se acerque con más interés al cómic? No tengo datos pero, ojalá que sí.
Esta historia es de rabiosa actualidad y puede que por eso cueste menos hacer que se incremente su número de lectores. Son tres tomos los que componen este thriller político con mucha carga satírica. Los dos primeros conforman la historia del protagonista y el tercero se puede considerar un extra que puede que nos traiga hasta una cuarta entrega. Publicada en 2015 la trama realmente parece analizar e incluso augurar los tiempos de ahora, pero enlazando con el pasado. Pronostica la situación actual en la que la izquierda y derecha tradicional se sienten amenazadas, cuanto menos incómodas, por la irrupción de nuevos partidos que rozan el sorpaso nacional. Santiago García una vez más se muestra ágil y rápido al plasmar inquietudes actuales sobre el papel. Pero también logra retratar a los individuos de nuestro pasado, aún presentes con su idiosincrasia casi intacta.
Cual Capitán América García regresa del pasado, vuelve tras ser un héroe en los años sesenta, pero… es un héroe que se encuentra con un inesperado futuro pues… trabajaba por los intereses de la dictadura, al contrario que El Capi. Enterrado en secreto al pie del mismísimo Valle de los Caídos es despertado de su letargo y su única ayuda o conexión con el presente es una joven periodista.
A través de un personaje que ensalzaba los ideales del caudillo se hace crítica de dos cosas. Obviamente se ridiculiza el futuro que pretendía ese régimen autoritario y por otro algo también muy actual, que Madrid no es España ni España es solo Madrid. Son unas obras que casi haciendo una reducción al absurdo cargan contra aquello que emponzoña nuestra democracia. Y lo hacen remarcando que malos y buenos los hay en ambos bandos, que por encima de los ideales están las personas.
No es un thriller meramente político, está cargado de muchísima acción. ¡García! es una novela de espías y organizaciones secretas con momentos explosivos y puños cruzando sus viñetas. El final del segundo tomo, por ejemplo, es un cierre que lleva aún más allá la parafernalia ya planteada en películas como ‘Balada triste de trompeta’.
Al principio el dibujo choca, defrauda, pero pronto uno descubre que imita los cómics de la época de nuestros padres o abuelos. La historia se ilustra con trazos elegantes, que ya los querría para sí 007. Me ha recordado bastante a ‘Agente secreto X-9’ pero menos cargado de texto, dejando más espacio para realizar un retrato más de la capital Española y sus rincones. Tanto guión como dibujos esbozan a unos personajes bien definidos, que desde la ficción definen nuestra sociedad actual.
Ficha del cómic
Guion: Santiago García. Dibujo: Luis Bustos. Editorial: Astiberri. Datos técnicos: 192+200+216 págs., blanco y negro, cartoné, 16 x 21 cm. Publicación: 2015. Precio:15€ (por tomo).
HBO Max acaba de hacer públicas las primeras imágenes de ‘Venga Juan’, la continuación de la aclamada comedia ‘Vota Juan’ (Temporada 1) y de la ganadora del premio Feroz como mejor comedia ‘Vamos Juan’ (Temporada 2).
Las imágenes de esta tercera entrega muestran a un Juan Carrasco en lo más alto de su carrera. Gracias a las puertas giratorias, con un despacho espectacular, más delgado y con pelo. Pero todo se viene abajo cuando unos papeles le involucran en una trama de corrupción municipal.
‘Venga Juan’ cuenta con el mismo reparto principal que sus predecesoras ‘Vota Juan’ y ‘Vamos Juan’, encabezado por Javier Cámara como Juan Carrasco, al que acompañan María Pujalte como Macarena, su inseparable directora de comunicación mientras fue ministro; Adam Jezierski, quien fuera su asistente; Joaquín Climent, en la piel del implacable Vallejo; Cristóbal Suárez, como el carismático Recalde; Yaël Belicha como su esposa y Esty Quesada (‘Soy una pringada’) como su hija.
En esta nueva temporada se suman al reparto Manolo Solo, Goya a la mejor interpretación masculina de reparto en ‘Tarde para la ira’; Ramón Barea, medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos como mejor actor secundario en ‘La boda de Rosa’, o Eduardo Blanco (‘El hijo de la novia’, ‘Kamikaze’), entre otros.
En el equipo de guión, encabezado por Diego San José, creador y showrunner de la serie, continúan participando Víctor García León, Daniel Castro y Pablo Remón. Además, se incorporan en esta nueva entrega Diego Soto y Pilar Palomero (‘Las Niñas’), que además de participar en la escritura de guion de esta temporada, se convertirá también en directora de uno de los episodios de ‘Venga Juan’, junto a Víctor García León, director reincidente en todas las temporadas, y Tom Fernández, que pasa de guionista de la ficción a dirigir dos episodios en esta nueva entrega.
Además, Javier Cámara repite en la dirección nuevamente, tras su primera experiencia como realizador en el reconocido episodio ‘Estambul’ de ‘Vamos Juan’, dirigiendo uno de los episodios de ‘Venga Juan’, en concreto un episodio cápsula en el que Juan Carrasco pedirá asilo político en la Embajada de Argentina, en su huida desesperada de la cárcel.
Guillermo Farré, José Skaf y Miguel Salvat son los productores ejecutivos de ‘Venga Juan’ por parte de WarnerMedia. Diego San José, Alejandro Flórez y Javier Méndez son los productores ejecutivos por parte de 100 Balas (THE MEDIAPRO STUDIO). Los servicios de producción de la serie son de THE MEDIAPRO STUDIO para HBO Max.
Sinopsis oficial:
Juan Carrasco ha llegado al pico más alto de su carrera. Gracias a las puertas giratorias, tiene un despacho espectacular, ha adelgazado 10 kilos y, sobre todo, tiene pelo. En la nueva vida de Juan hay espacio para muchas cosas, pero no para su mujer Paula, su hija Eva y su antigua jefa de prensa, Macarena. Todo se viene abajo cuando reaparece en su vida lo único de lo que nadie se puede librar nunca: Logroño. Unos papeles que involucran a Juan en una trama de corrupción municipal marcan el pistoletazo de salida para evitar su ingreso en prisión. Una huida frenética para borrar su pasado en Logroño… y, en el camino, darse cuenta de que lo que falla es su presente.
Todas las imágenes han sido tomadas por Virginia Martín Chico.
Las consecuencias de un Internet libre pero… ¿sano?
Gran parte de la opinión pública supo del movimiento QAnon cuando se produjo el peligroso, pero tomado a mofa, asalto al Capitolio. Las propias redes se rieron de lo sucedido con infinidad de memes y precisamente en Internet está el germen de esa explosión de hartazgo y conspiración.
HBO estrena ‘Q: en el ojo del huracán’ el próximo 22 de marzo. Una miniserie documental de emisión semanal que se ha rodado a lo largo de los tres últimos años intentando arrojar luz a esta teoría que se originó en el portal 4chan. Os esperan 6 episodios de teorías y personajes.
‘Q: en el ojo del huracán’ nos acerca a la historia de esos portales que están repletos de mensajes y mentes propensas a caer en los complots. Este es un reportaje de emparanoiados, de personas que claramente se ve que necesitan un cambio para dar sentido a sus vidas. Se obsesionan con la idea de una persona sapiente, que acapara conocimiento desde la sombra y que se esconde tras una letra. ¿Quién hubiese dicho que podíamos vivir un fenómeno como el que genera L en ‘Death Note’? La realidad supera de nuevo a la ficción. “Esto no es un juego, aprendamos a jugar” es lo que dice Q en uno de sus posts. Una persona que también insinúa ser alguien con acceso a información secreta y además tener un plan para salvar el mundo.
Este documental producido por Adam McKay (‘El vicio del poder’, ‘La gran apuesta’) va directo a la raíz. Por eso toca de primeras los orígenes de 2channel, la creación de 4chan, la aparición de 8chan y en última instancia 8Kun. Es por eso que más que ser un título político, ‘Q: en el ojo del huracán’ es un reportaje casi únicamente tecnológico en el que acompañamos a los creadores, administradores o propietarios de esos sitios.
Vais a conocer a Fredrick Brennan alias Hotweels, a Jim Watkins y a su hijo Ron Watkins. Ellos son los que están detrás de esas páginas web donde aparte de prodigarse la libre expresión se ha alojado contenido supremacista o de extrema derecha. Sabiendo esto es obvio decir que en el documental se muestran las consecuencias de las palabras de Q traducidas en el movimiento QAnon (cuyo nombre viene de combinar Q con el término Anonymous).
Tanto el documental como las personas a las que sigue juegan a menudo al despiste. Una táctica que no es difícil de conseguir ya que la personalidad de los entrevistados es tan peculiar como la del propio Trump. Esta es una historia de confusión, de información difusa y de patriotas un tanto desorientados. Lógicamente el trumpismo está muy presente, así como figuras como la de Steve Bannon, el consejero que abandonó a Trump, que fue detenido por fraude e indultado posteriormente por Trump en sus últimas decisiones.
‘Q: en el ojo del huracán’ no entra demasiado en la dimensión política, no tanto como lo hace con sus raíces en la red. Da por hecho que muchos sabemos quienes son algunas personas de USA que pone sobre el tablero y se habría agradecido un poco más de información al respecto. Tampoco parece ser el interés de esta serie. Busca sus respuestas en los responsables de los portales web, quien por otro lado han estado relacionados en sitios de pornografía, teorías sobre fraude electoral, apoyos a la esterilización voluntaria u otros temas controvertidos. De ahí que en mi titular indique que son personas que hablan abiertamente de lo que piensan pero cuyas artimañas pueden tener graves repercusiones.
Siendo una obra de Adam Mckay el tono podría ser más burlesco, pero aun así da la impresión de que se ha hecho con una constante risa contenida. Es lógico pues en ocasiones se topan con seguidores de Q cuya vida cobra sentido solo con poder decir que Trump les ha señalado/saludado en alguno de sus mítines, que ven conspiraciones hasta en una camiseta de ‘Onward’, que creen en el Pizzagate y por supuesto, son aquellos que piensan que actualmente vivimos una “plandemia”. Estas mentes que se creen iluminadas o más despiertas le dan mil vueltas al significado de la letra Q e incluso a las implicaciones de la forma de este carácter. Más allá de hacer un retrato de quienes respaldan QAnon, ‘Q: en el ojo del huracán’ lanza sus posibles candidatos a tener el login y la contraseña de Q. ¿Llega a una conclusión definitiva sobre la identidad de Q? La gracia está en que indaguéis por vosotros mismos o que veáis el documental.
La película ‘Los inocentes’ es el primer largometraje de Guillermo Benet. Un madrileño diplomado en la especialidad de guión por la ECAM. Su cortometraje ‘Shoot for the Moon’, dirigido por Casandra Macías, ganó el premio al mejor guión en el Festival Internacional de San Petersburgo. En 2013 fundó la productora Vermut junto a Rafa Alberola. Ha escrito y dirigido los cortometrajes ‘Kisses’ y ‘Les vimos reír y creímos que era de felicidad’.
Ya podemos ver su tráiler, lanzado por la cercanía de su estreno el próximo 12 de marzo en cines a través de la distribuidora El Sur Films. También la semana que viene podréis leer nuestra crítica ya que hemos tenido el placer de poder verla como siempre de manera anticipada.
¿Qué os ha parecido? Es una película tan convulsa como la misma actualidad en la que llega. La verdad es que los debates que tenemos hoy en día van a ir en sintonía con los comentarios sobre este estreno que tuvo su Première Mundial en la sección Revoluciones Permanentes del Festival de Cine Europeo de Sevilla, donde consiguió una Mención Especial. También fue premiada en el festival Márgenes como Mejor Película de la Sección Escáner.
La película tiene unos cuantos rostros conocidos. Está protagonizada por Pablo Gómez-Pando, Violeta Orgaz, Pilar Bergés, Raúl de la Torre, Susana Abaitua y Olivia Delcán, con guión de Rafa Alberola y el propio Guillermo Benet.
‘Los inocentes’ es una producción llevada a cabo por Vermut Films, Garde y Tasio y está distribuida por El Sur Films.
Sinopsis oficial:
La policía desaloja un concierto en un centro social. Durante los altercados posteriores, el impacto de una piedra mata a un agente. ¿Quién tiró la piedra? ¿Quiénes lo saben? ¿Por qué callan? Esta es la historia de las personas que viven conociendo las respuestas. Es la historia de su silencio, de su cobardía y de su culpa.
Estrenamos en exclusiva este fascinante documental que indaga en la repentina popularización de un antiguo culto conocido como ‘El Templo Satánico’.
Crítica
Retrata con gracia a una sociedad hipócrita y reaccionaria
España necesita más satanistas. Si realmente los miembros de El Templo Satánico (TST)son como se les describe en el documental sarcástico ‘Hail Satan?’ España necesita más satanistas.
Seguramente esa afirmación suene alarmante pues el culto a Satanás siempre ha sido visto como un acto de maldad o de brujería. Pero lo que se define como satanismo moderno es básicamente un movimiento que busca simplemente ser la antítesis a lo establecido. Usan el nombre de Satán como el más antiguo de los rebeldes. El grupo liderado por Lucien Greaves promueve su causa más como un grupo político que como una religión, buscando en su máxima establecer herramientas de pensamiento crítico y estableciendo unos dogmas más propios de los Osos Amorosos que de una secta.
La película es el reflejo de una lucha por la ecuanimidad. Aquellos que tradicionalmente se han unido a sectas satánicas pertenecían a grupos selectos o marginales, igualmente El Templo Satánico se ha convertido en el paraguas bajo el que se cobijan muchas minorías que buscan únicamente un trato favorable e igual. Defienden la libertad, respetando la de todos, incluyendo la de aquellos que quieren ofenderse. Son un conjunto de personas que básicamente protestan contra los dogmas establecidos y lo hacen usando tácticas de provocación que van desde manifestaciones a misas negras muy particulares.
Yo soy ateo y agnóstico, pero defiendo este movimiento pues más que nunca en mi vida he visto como se vulnera la libertad de expresión. Tengamos en cuenta que escribo estas líneas estando vigente la Ley Mordaza y acaba de ser encarcelado Pablo Hasél. Tan paradógica es esta situación en un país que se supone que es democrático como aquello por lo que protestan los miembros del TST. En uno de sus actos más clamorosos de protesta han buscado instalar tras un capitolio una estatua de Baphomet. Y quieren hacerlo junto a otra de los 10 mandamientos queriendo señalar así que su país es plural y no confeso de una sola religión. Cómicamente aquellos que se exaltan por tal idea no saben que realmente adoran unas tablas que se popularizaron en ciudades de USA como parte de una campaña de márqueting por la película protagonizada por Charlton Heston en 1956.
Si habéis visto la versión de Netflix de ‘Sabrina’ seguramente os suene el Baphomet que ‘Hail Satan?’ muestra cómo se crea. El TST se tuvo que querellar contra la plataforma que le copió la estatua y Netflix admitirlo hasta el punto de ponerles en los créditos. Pues crédito es exactamente lo que requieren a las autoridades estos “creyentes” que llevan toda la vida creciendo bajo sesgos como el que pone de peligrosos o marginados a todos aquellos a los que jugamos a juegos de rol como D&D.
El tono del documental de Penny Lane no podría ser otro que burlesco. Los miembros del TST se tienen que considerar más sarcásticos que satánicos pues se tienen que reír para no llorar cuando solo les llueve odio. Aquí les veréis recoger basura en las cunetas con tridentes como medio para congratularse con la sociedad. Pero la directora también se muestra crítica pues toca algo tan arraigado como las religiones. ‘Hail Satan?’ muestra favoritismo hacia los protagonistas de esta historia, pero también encuentra puntos negativos como las confrontaciones surgidas entre sus miembros.
Todo esto me lleva de nuevo a la actualidad española pues tenemos otros grupos de semejante índole, como Podemos, en los que confluyen muchas corrientes de pensamiento con cosas en común, pero con puntos de divergencia. Obviamente no estoy tildando a la formación de Pablo Iglesias como un grupo satánico, el propio documental ya muestra que vincular el satanismo con políticas de izquierdas desembocó en el “in God we trust”. Pero si me alegra que quien pueda ver de verdad el auténtico propósito que hay tras todo esto se colocará en una nueva posición de análisis y pluralidad.
Ficha de la película
Estreno en España: 19 de febrero de 2021. Título original: Hail Satan? Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Penny Lane. Música: Brian McOmber. Fotografía: Naiti Gámez. Reparto principal: Jex Blackmore, Chalice Blythe, Nicholas Crowe, Sal De Ciccio, Stu De Haan, Cecil B. DeMille, Dwight D. Eisenhower, Mamie Eisenhower, Michael Fischer, Courtney Francisco, Billy Graham, Lucien Greaves, Aurora Griffin, Mason Hargett, Chris Hayes, Charlton Heston, Shiva Honey, Malcolm Jarry. Producción: Hard Working Movies. Distribución: Filmin. Género: documental, comedia. Web oficial:http://www.magpictures.com/profile.aspx?id=bcab6d8f-9bd3-4402-90ac-1a008ccf7c47
Lo que iba a ser una protesta pacífica durante la Convención Nacional Demócrata de 1968 se convirtió en una violenta batalla campal con la Policía y la Guardia Nacional. Los organizadores de la protesta —entre los que figuraban Abbie Hoffman, Jerry Rubin, Tom Hayden y Bobby Seale— fueron acusados de conspiración para incitar una revuelta, y el juicio posterior fue uno de los más notorios de la historia de Estados Unidos.
Crítica
Sorkin dirige de nuevo y su juicio no es fallido
Aaron Sorkin siempre se las apaña para encontrar nuevos hechos reales que analizar y adaptar a la gran pantalla. En su segunda película como director vuelve a remontarnos al pasado. Títulos suyos como ‘Molly’s game’, ‘La red social’, ‘El ala oeste de la casa blanca’, ‘The newsroom’… han dejado más que demostrado que es una persona crítica y mordaz. Con ‘El juicio de los 7 de Chicago’ trae otra obra que sigue la línea de su filmografía. Es decir, a través de un tono sarcástico y un ritmo rápido juzga la condición humana, la sociedad y los estamentos.
En esta ocasión rescata de la memoria el notorio juicio celebrado a finales de los sesenta en Estados Unidos a raíz de unos altercados violentos producidos tras un intento de manifestación pacífica contra la guerra de Vietnam. Se puede resumir la película y aquello que sucedió como un enfrentamiento entre los pacifistas y el gobierno de Estados Unidos. Un juicio político.
Bien es cierto que la película empieza de una manera muy ágil, muy vivaz. Para ello se dedica a charlatanear con réplicas ingeniosas y running gags. Ese ritmo se va perdiendo muy poco a poco y si que es cierto que con el toma y daca de la sala del tribunal intenta recuperarlo pero en ningún momento vuelve a poner el pie sobre el acelerador. ‘El juicio de los 7 de Chicago’ es buena, entretiene e informa además de hacer pensar. Pero al fin y al cabo termina cumpliendo los mismos esquemas que todas las películas sobre procesos judiciales: abusos de autoridad, posicionamiento catastrófico, giro a favor de “los buenos”, nuevo revés y fallo del jurado… que obviamente no diré cuál es aunque esta sea una historia real. Lo que quiero decir es que este tipo de películas siempre se me hacen largas por cumplir patrones tan monótonos.
Si que hay que atribuirle el mérito de llevar con gracia la historia. El juicio fue bastante variopinto, un circo mediático convertido en jaula de grillos. Esto es sobre todo porque tenemos a un juez en la sala que está bastante senil. A Frank Langella le vais a coger más tirria con este magistrado que con el Skeletor que hizo en 1987. Pero también es una película sugestiva por el reparto coral que tiene y los acusados tan diversos que presenta. Y no lo digo solo por las payasadas y lucideces que puedan soltar Sacha Baron Cohen y Jeremy Stong o la sencilla simpatía de Mark Rylance. Lo digo por la identificación de facciones de izquierdas exhibida y que solo en contados momentos se manifiesta de forma explícita. En España, que en la última década hemos vivido como la izquierda se identificaba más diversa que nunca, podemos sentirnos más que identificados con el grupo de manifestantes que rema en la misma dirección, pero en distintos botes. También me ha rememorado a los tiempos del “No a la guerra”, aquellos en los que se pedía a gritos el no ir a Irak.
Obviamente esta no es una película de las mismas características que ‘Algunos hombres buenos’, aunque si consigue alejarse de cualquier polarización absoluta en las ideologías y pensamientos de sus personajes. ‘El juicio de los 7 de Chicago’ nos hace reír, recordar y pensar, no obstante habría sido más interesante si hubiese explorado más el mencionado tema de las facciones. Pero con su agilidad y su retrato de la incompetencia institucional nos cautiva. Esto último más que un pero es un aliciente que siempre nos trae de vuelta a un gran Sorkin, no el mejor pero si uno necesario.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de octubre de 2020 (cines). 16 de octubre de 2020 (Netflix). Título original: The trial of the Chicago 7. Duración: 129 min. País: EE.UU. Dirección: Aaron Sorkin. Guion: Aaron Sorkin. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Phedon Papamichael. Reparto principal: Eddie Redmayne, Sacha Baron Cohen, Joseph Gordon-Levitt, Mark Rylance, Michael Keaton, Alex Sharp, Jeremy Strong, John Carroll Lynch, Yahya Abdul-Mateen II, Ben Shenkman, J.C. MacKenzie, Frank Langella, Noah Robbins, Danny Flaherty, John Doman, Kelvin Harrison Jr., Caitlin Fitzgerald, Max Adler. Producción: DreamWorks, Amblin, CAA Media Fiance, Cross Creek Pictures, Double Infinity Productions, MadRiver Pictures, Marc Platt Productions, Paramount Pictures, Reliance Entertainment, Rocket Science, ShivHans Pictures. Distribución: Netflix. Género: drama, hechos reales. Web oficial:https://www.netflix.com/title/81043755
Cortometraje ilustrando la situación social y política de un país en quiebra
La explosión en el puerto de Beirut ha puesto en boca de todos a el Líbano, incluso teniendo una pandemia instalada en nuestras calles. Una catástrofe como tal ha conmovido al mundo. Es de esperar que los medios le den prioridad en primera plana pero muchas veces la información llega sesgada, con poco espacio de tiempo o con solo unas ligeras notas de lo que rodea esta hecatombe. Y hay que usar términos así porque no puede ser más inoportuno este suceso o tal vez sea al contrario e inicie el desencadene lo que muchos esperan.
Hoy quería traeros una propuesta que os pondrá bien en situación sobre el Líbano esbozando muy bien las razones de la crisis. Tanto esa recesión del país de Oriente Próximo como el documental ‘Homeland Gone’ surgieron antes del COVID-19 y de la detonación del nitrato de amonio mal almacenado. El trabajo de Laura Lavinia y Alberto Rodríguez es una herramienta estupenda para adquirir la perspectiva suficiente que buscan aquellos que se quieren acercar a un país cada vez más convulso y comprometido con el cambio. Podéis verlo ya en Amazon Prime Video.
Una patria que ha desaparecido y busca recuperar su identidad. Lo que sucede en el Líbano va más allá de haber tenido que llevar a cabo el primer impago de deuda de su historia, de tener una deuda que supone el 170% del PIB libanés o que estén tan bajos de recursos que tengan un nivel desmesurado de importaciones o que la moneda se haya devaluado hasta un 90% alcanzando la hiperinflación justo antes de la explosión. El problema del Líbano, explica ‘Homeland Gone’ y sus entrevistados, es que es una patria controlada por gente que no cree en la democracia y el pueblo obviamente no cree en ellos. Acabamos de verlo con las manifestaciones que han desembocado en la dimisión de todo el gobierno, al completo.
Quien mandaba allí acabó con lo local y potenció el sectarismo. A través de entrevistas y un ritmo bastante ágil el documental de 35 minutos nos lleva de un testimonio a otro abordando temas como la división inexistente entre política y religión, la depreciación de la moneda, la corrupción sistémica, el compromiso de los jóvenes que han sufrido incluso un impuesto al Whatsapp… Está claro que este es un documental comprometido, que dadas las circunstancias no puede contar con la aportación o versión de las autoridades locales. Se mete de lleno en las calles, siguiendo a manifestantes y miembros de partidos como el Free Patriotic Movement. Este último es el partido del presidente por lo que se muestra la perspectiva del oficialismo crítico pero a su vez también la de la calle que incluye el MPL entre sus enemigos.
El Líbano, un país paralelo a nosotros. Viendo el reportaje se pueden detectar muchas similitudes con lo vivido recientemente en España y eso que algunos llegan a comparar el devenir el país con el de Grecia. Ellos han sufrido una guerra civil que quieren dejar atrás evitando más conflictos y han experimentado un resurgir de la esperanza contra lo arcaico que nos puede recordar al 15M. Un movimiento debilitado allí por los distintos frentes en los que quiere luchar cada vertiente, factor que aprovecha el gobierno para usarlo a su favor. Indignados se les ve sin duda cuando comentan que el país no puede sostenerse tras llevar años con políticos rindiendo cuentas a los bancos que a su vez se han nutrido de las desgracias de los países vecinos. Si yo, que francamente no tenía ni idea de la compleja situación de este país, me he percatado de todo esto es porque el cortometraje está bien estructurado.
En los créditos hay espacio para las diferencias entre sirios y libaneses a si es que tampoco os los perdáis. ‘Homeland Gone’ aprovecha su tiempo de cabo a rabo.
¿Cuál es el futuro del Líbano? Los realizadores de esta producción de 14 milímetros lanzan esa pregunta en los últimos compases. Si habéis visto la serie ‘El colapso’ en Filmin sabréis que abismo están atisbando en ese país. Eso es lo que quieren evitar, seguir con un sistema que les está fallando a propósito. En plena crisis, cuando todo parece ir peor, se ven algunos brotes verdes. Estableced comparativas entre lo plasmado en ‘Homeland Gone’ y la actualidad y los veréis.
El confinamiento ha sido el tema central en nuestras vidas durante los últimos meses y también lo es ahora en el nuevo estreno español de HBO España, ‘En casa’. Todos hemos estado compartiendo extrañas costumbres como el salir a la calle con los guantes de cocina, atesorar el papel higiénico, asistir a decenas de videollamadas multitudinarias, plantar huesos de aguacate… Y algunos han estado además con mono de rodar. HBO le ha dado las herramientas a cinco artistas para que nos cuenten una historia desde su casa.
El próximo 3 de junio podréis ver los episodios de ‘En casa’, la serie creada, dirigida y en algunas ocasiones también protagonizada por Leticia Dolera, Rodrigo Sorogoyen, Paula Ortiz, CarlosMarqués-Marcet y Elena Martín. 5 episodios cuya duración oscila entre los 17 y los 44 minutos.
A veces lo improvisado gusta más por ser más sincero y espontáneo. Es por eso que han triunfado en las redes las ocurrencias de miles de ciudadanos que se han grabado con ánimos de crear el gag más gracioso o el vídeo más sentido. El motivo de estos episodios no llega a ser exactamente el de generar una obra motivacional o que siga la estela de los mejores virales. Son capítulos a modo antológico, no tienen nada que ver los unos con los otros y pretenden ser testigos de un evento histórico que nos marcará. Para ello hay diferentes lenguajes, está el que toca el género fantástico y metafórico, la pieza que podría ser parte de un museo de arte contemporáneo, la que parece un extenso anuncio del 016…
Y me parecen bien todos los episodios, aunque alguno toque muy de pasada el tema o resulte excesivamente trivial o disperso. Para mí el de Sorogoyen y Marta Nieto es el que más jugo saca de la situación y el que realmente supone una obra original, profunda e imaginativa. Pero me ha gustado la exposición de vídeos de archivo de Marqués-Marcet quien además de demostrar que es una persona viajada hace gala de intimismo y reflexión. Habría que guardarse varias de las frases que expone en su discernimiento. Habla de que parece que tenemos todos el impulso de contar algo constantemente para aportar nuestro granito de arena a la memoria colectiva que se está formando en Internet y de que además haya una especie de necesidad por intentar poetizar todas las situaciones. Me parece una manera muy franca y lúcida de describir nuestro comportamiento.
Otras cadenas e infinidad de usuarios de Internet han hecho algo similar a lo que nos plantea Warner Bros. ITVPEspaña en colaboración con Caballo Films. En este caso el acabado es bastante profesional ya que el dispositivo de grabación ha sido un móvil (que da muy buena calidad, como podemos ver con la foto que ha extraído Paula Ortiz dirigiendo a sus actrices a través de videoconferencia) pero tras el rodaje hay técnicos de montaje y sonido que han ensamblado lo que cineastas acostumbrados a grabar les han enviado. Se percibe que se han usado soportes fijos y me aventuraría a decir que también algún micrófono extra o algún modelo de estabilizador. En cualquier caso los directores han aceptado el reto con los recursos enviados por Warner y alguno ha respondido devanándose bien los sesos.
Los artífices de estas obras no necesariamente se interpretan a sí mismos. A si es que absténganse de verla aquellos que pensaban que esto iba a ser una especie de invasión consentida de la vida íntima de estos famosos. Obviamente está rodado en sus casas con sus objetos cotidianos a si es que puede aplacar la curiosidad de muchos. Pero no olvidemos que estamos en una situación inusitada y lo que vemos es la anormal vida íntima de unos personajes que intentan hablarnos de algo que nos ha tocado vivir a todos. Y sobre todo en las rutinas que se han establecido y en los detalles que hemos descubierto los unos de los otros es donde consigue ser más realista.
Los hay que tiran de blanco y negro, que introducen algo de imágenes modificadas por ordenador, que sacan tonos más realistas… En común tienen que tratan de sacar buenas tomas de las cuatro paredes en las que habitan, hay buenos fotogramas, sin dejar mucho espacio al plano recurso.
Me queda la duda de si en algunos episodios los protagonistas estaban conviviendo realmente en la cuarentena o si se han juntado posteriormente, quiero creer más bien lo primero, porque si no ese detalle tiraría por tierra la frase que tanto se repite, que esta obra se ha realizado “siguiendo las más estrictas normas del estado de alarma”. Tampoco es que se predique con el ejemplo en algunos episodios con los cuidados de limpieza. Quizá puedan parecer apreciaciones tiquismiquis, pero algunas escenas me parecen algo descuidadas. No obstante, me quedo con que con recursos justos ‘En casa’ consigue mostrar inquietudes y conclusiones útiles.
En su búsqueda de nuevos aliados con los que enfrentarse al malvado Imperio Galáctico, la princesa Leia y Luke Skywalker, líderes de la Rebelión, junto con el contrabandista Han Solo, han llegado al planeta acuático Mon Cala.
Sin embargo, el plan para ganarse la confianza de los mon calamaris y conseguir que se unan a la causa rebelde ha salido fatal y ha desembocado en el asesinato de Lee-Char, el rey de Mon Cala, a manos de los mismos imperiales que lo tenían encarcelado. Como no está convencido de que lo más adecuado sea entrar en guerra con el Imperio, Urtya, el regente de los mon calamaris, decide robarles a los rebeldes la grabación de las últimas palabras de su soberano.
No obstante, Urtya cambia de opinión y decide emitir el mensaje de su rey ¡a toda la flota! Las imágenes, en las que el monarca, moribundo, les dirige unas últimas palabras a los suyos, han encendido la chispa de la rebelión entre los mon calamaris, si bien es muy posible que no estén preparados para la respuesta del Imperio…
Reseña
Grandiosa batalla, mucho mejor que sus anteriores números
Se acabó, ya no volveremos a leer más aventuras bajo el agua ni con Mon Calamaris. Con el ‘Star Wars’ 49 llega la entrega número seis de la trama de ‘Motín en Mon Cala’ y se cierra esta mini-historia. Una pequeña aventura que hemos estado comentando y que ha sido de las más tediosas hasta ahora lanzadas en la saga pero que de repente nos ha dado un giro de ciento ochenta grados.
Lo que hasta ahora había consistido en una serie de debates políticos, encuentros y subterfugios junto con una aburrida trama paralela en una ópera se ha tornado en una batalla épica. El guión de Kieron Gillen se ha hecho desear. Se y confío en las habilidades de este guionista para generar interés fuera de la acción, en aportarnos historias dramáticas e intelectualmente interesantes pero este no ha sido el caso. En lo que concierne a este arco argumental lo único interesante, y mucho además, es esta última entrega.
En su misión por conseguir aliados Leia y compañía han provocado la muerte del rey de sus pretendidos o posibles amigos. Por suerte consiguieron una declaración de este en contra del Emperador que les era favorable y que por algo ajeno a ellos se acabó difundiendo. Al final de chiripa los rebeldes consiguieron lo deseado, que los habitantes de Mon Calamari se rebelasen contra el Imperio. Lo que nos desvela esta última grapa es si están preparados o no estos nuevos combatientes para hacer frente a la mayor potencia armamentística de la fuerza opresora de la galaxia.
Me ha encantado la imagen de Ackbar con todo un elenco de naves tras él. Tanto el personaje como los vehículos tienen mucho detalle. Sin duda Larroca sabe buscarnos las cosquillas a los fans clásicos de ‘La Guerra de las Galaxias’. A parte de este regalo visualmente este capítulo nos ofrece una brillante contienda. Naves y láseres se entrecruzan por las viñetas mezclándose con explosiones y dibujos de interiores sin que perdamos el sentido de la acción. No solo el dibujazo de Larroca ayuda, también se ve que Guru-eFX se ha empleado a fondo con el color dando mucho énfasis en las luces y los degradados.
Los protagonistas son los de siempre, el equipo clásico de las películas originales que Gillen está conservando con la dinámica y espíritu adecuados, con diálogos que respetan la esencia de todos y cada uno de ellos. Seguimos teniendo mucha presencia de personajes como la Reina Trios que en un futuro continuará apareciendo. La actriz Aura Garrido sigue poniendo rostro a este personaje que ya es canon de Star Wars, quien sabe, quizá la llamen para interpretarla algún día. Ella además es quien protagoniza el último giro de guión que nos mantendrá enganchados hasta el siguiente número.
Ficha del cómic
Guionista: Kieron Gillen. Dibujante: Salvador Larroca. Color: Guru-eFX. Portada: David Marquez, Matthew Wilson. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., grapa, color, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: julio 2019. Precio: 2,50€.
‘El pionero’ mostrará a las generaciones de ahora lo que sería todo un influencer
El próximo 7 de julio HBO España estrenará ‘El pionero’ la serie de no-ficción sobre Jesús Gil y Gil. Una producción propia de 4 episodios que nos han presentado su director y escritores Enric Bach y Justin Webster (responsables de ‘Muerte en León. Caso cerrado’) junto a la productora ejecutiva Hanka Kastelicová. «Tenemos muchos Jesús Gil en nuestros países y es bueno poder reconocerlos» ha declarado Kastelicová antes de dar paso a la proyección del primer episodio.
Es probable que junto a Chiquito de la Calzada Jesús Gil fuese en su día uno de los personajes más imitados en nuestro país. ‘El pionero’ muestra muy bien como fue un embaucador que conquistó no solo un club como el Atlético de Madrid o una ciudad como Marbella, si no todo un país con sus continuas apariciones televisivas. Aunque es algo desordenada en su exposición y puede despistar a aquellos que no le viviesen en su época, la serie documental es capaz de esbozar al personaje y a la persona que había tras el presidente, alcalde y constructor. Y eso se debe a que el propio Jesús Gil y Gil se retrataba con sus palabras. Es decir, con solo montar fragmentos de archivo aquellos que no le conocían se van a llevar una idea muy clara de quién era y de por qué se grajeó su fama.
Son infinidad los detalles los que nos dejan en solo un primer episodio. Desde las pillerías con las que se empezó a ganarse la vida en el centro de Madrid hasta los tejemanejes que tenía en la alcaldía de la ciudad costera que regentó. Su carácter embaucador, entrañable, testarudo, impaciente e impulsivo se ve descrito también por sus hermanos, periodistas y demás personalidades que en su época se las tuvieron que ver con él. Es por eso que ‘El pionero’ recoge entrevistas a Futre, Miguel Ángel Gil Marín, José María García, Enrique Cerezo…
‘El pionero’ os puede indignar a la par que halagar, pero es que Gil era así. ¿No os recuerda esto a muchos personajes famosos de hoy en día que circulan por la red de redes? Hombre de poder, con mucha presencia en los medios, de gran carisma, con un séquito siempre a su lado, pero acosado por muchos … Bien es cierto que se notaba que le gustaba entrar al trapo, que le iba el mambo, era un showman y buscaba las cámaras. Era una persona difícil de replicar y por eso me pregunto si todos los que salen ahora despotricando sobre su persona se habrían atrevido con él en vida a decir todo lo que dicen en la serie.
Imaginar ‘El pionero’ como una serie de ficción habría dado para una historia tipo ‘Los Soprano’. Para que las nuevas generaciones entiendan cómo fue realmente esta persona que aunó un imperio de construcción, fútbol y política, que se arruinó varias veces, que fue perseguido por la justicia… ha surgido esta oportunidad televisiva. Nos podremos reír con las tropelías que hizo o de la descarada sinceridad con la que se movía, pero no olvidemos el germen que sembró y que probablemente nos recuerden los futuros episodios que ya estamos deseando ver en las futuras semanas en HBO.
Vivimos un periodo de reconstrucción en la galaxia. Después de la victoria alcanzada en Jedha gracias a que la reina Trios traicionó al Imperio, la princesa Leia y Luke Skywalker, líderes de la Rebelión, junto con el contrabandista Han Solo, han seguido buscando una nueva base de operaciones al tiempo que continúan enfrentándose al gobierno tiránico del Imperio Galáctico.
Entretanto, Trios continúa fingiendo ser leal a los imperiales mientras se encuentra en Mon Cala, un planeta que está ocupado por el Imperio. Como Lee-Char, el rey mon-calamari, sigue encarcelado, su pueblo duda si debería unir su poderosísima flota galáctica a la de la causa rebelde.
Sin embargo, Leia tiene un plan para rescatar a Lee-Char y obtener así su apoyo. Ahora que han conseguido capturar al moff de Mon Cala y reemplazarlo por un cambiaformas clawdita, Leia, Luke y Han pretenden utilizar a su prisionero para liberar a otro…
Reseña
Preludio de un final para un flojo período de la colección
Ya vimos como al finalizar el anterior número los rebeldes sufrían un revés que ponía patas arriba su plan. Quizá esta ha sido la parte más emocionante e ingeniosa de todo el arco argumental que nos está planteando Kieron Gillen. Y hay que decir que estando dividida la acción en dos localizaciones diferentes, la que transcurre en el lugar de dicha sorpresa es la más atractiva, porque la que sucede en el Moncaládromo ya dejó de ser visualmente atractiva y con C-3PO haciendo el ridículo resulta hasta absurda e incluso de relleno.
Los protagonistas acaban refugiados en una Isla muy similar a la de ‘Last Jedi’ y la historia termina a punto de explotar con acción. Pero aún así dudo que esta parte de la colección central de Star Wars titulada ‘Motín en Mon Cala’ pase a ser de las mejores que hemos leído. A pesar de ello hila una parte importante de la saga, que es el cómo se hicieron los rebeldes con el grueso de su flota, ya que de repente entre el episodio IV y V su potencial de combate creció mucho y eso resultó chocante para el espectador que no estaba informado acerca del universo expandido. No cabe duda que la obra tiene momentos inesperados, pero eso no quiere decir que sea del todo entretenida. Hay que ser muy fan de La guerra de las galaxias para mantenerse enganchado en este tramo de la colección.
Como he dicho en otras ocasiones los espectadores más acérrimos saben dónde acaba esta historia a si es que si la acción no es entretenida el número carece de interés. Dice mucho a cerca de eso la portada del cómic obra de David Marquez y Matthew Wilson, más aún que la propia historia que se está tomando su tiempo y se está distrayendo demasiado.
Solo tiene algo de atractivo el dibujo de Larroca y en este tramo solo puede darse el lujo de lucirse con alguna escena interior y alguna escaramuza. A parte de la viñeta a página completa que nos brinda al final. Esperemos a ver qué pasa en la conclusión que tendrá lugar en la grapa que está por venir, seguro que tendremos mucha más acción y emoción.
Ficha del cómic
Guionista: Kieron Gillen. Dibujante: Salvador Larroca. Color: Guru-eFX. Portada: David Marquez, Matthew Wilson. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., grapa, color, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: junio 2019. Precio: 2,50€.
Vivimos un periodo de reconstrucción en la galaxia. Después de la victoria alcanzada en Jedha gracias a que la reina Trios traicionó al Imperio, la princesa Leia y Luke Skywalker, líderes de la Rebelión, junto con el contrabandista Han Solo, han seguido buscando una nueva base de operaciones al tiempo que continúan enfrentándose al gobierno tiránico del Imperio Galáctico.
Entretanto, Trios continúa fingiendo ser leal a los imperiales mientras se encuentra en Mon Cala, un planeta que está ocupado por el Imperio. Como Lee-Char, el rey mon-calamari, sigue encarcelado, su pueblo duda si debería unir su poderosísima flota galáctica a la de la causa rebelde.
Sin embargo, Leia tiene un plan para rescatar a Lee-Char y obtener así su apoyo. Ahora que han conseguido capturar al moff de Mon Cala y reemplazarlo por un cambiaformas clawdita, Leia, Luke y Han pretenden utilizar a su prisionero para liberar a otro…
Reseña
Progresa y navega adecuadamente
Abordamos la cuarta parte de ‘Motín en Mon Cala’. Los líderes de la facción rebelde, los héroes de la franquicia Star Wars, continúan con sus argucias para conseguir que una nueva raza acuática se una a su cruzada contra el Imperio. Como sabéis este tipo de historias no las hemos visto recreadas en el cine y los cómics son ese subterfugio al que acudimos desde que se inició la saga, el famoso universo expandido. Este vacío de historias que se llena con las viñetas o novelas y a veces resulta entretenido y otras únicamente anecdótico.
Hasta el momento este arco que tenemos entre manos es de los más políticos que ha tenido esta colección central de Star Wars. No señalo eso como algo malo pero si atípico o con peor acogida entre los fans de la saga. Kieron Gillen está aportando una vertiente más seria a la serie desde que cogió el relevo de Jason Aaron. Está aprovechando lo cosechado por este y clausurando la trama de alguno de los personajes que creó. Ese es el caso de la reina Trios, aquella a la que el dibujante español, Salvador Larroca, ha ilustrado con el rostro de la actriz Aura Garrido.
Como siempre Larroca nos rodea de rostros amigos (como indiqué en la anterior reseña) pero también de grandes escenarios, entre los que también volvemos a encontrarnos alguna que otra cantina más como señalé también en la anterior reseña. Os vais a poder recrear con el Moncaladromo, con la splash-page del ballet de magnetita… Sobra decir que en máquinas o robots como C-3PO el artista valenciano es donde más se luce. Aunque también veréis como realiza un control de la escena y de las luces muy bueno cuando tiene que recrear una secuencia de acción bajo el agua.
Porque por fin vamos teniendo algo de acción. Aquellos que demandéis algo más de movimiento en este número lo tendréis. Además de algo de tensión añadida en las dos tramas abiertas para los dos equipos en los que se han divido los protagonistas. Por un lado los que se han quedado con el farsante que se hace pasar por un Moff del Imperio y por el otro los que se cuelan en una prisión Imperial para rescatar al rey de la facción a la que quieren adherir a su causa.
Va a mejor esta entrega que nos deja con un cliffhanger para su tramo final. Aunque al transcurrir entre los episodios IV y V de Star Wars conocemos su desenlace sí que será curioso ver como se desenvuelven en esta aventura submarina, sobre todo por el destino de sus personajes nuevos.
Ficha del cómic
Guionista: Kieron Gillen. Dibujante: Salvador Larroca. Color: Guru-eFX. Portada: David Marquez, Matthew Wilson. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., grapa, color, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: mayo 2019. Precio: 2,50€.
El 3 de marzo, tras varios meses de huelga en demanda de aumentos salariales, las comisiones representativas de trabajadores en la empresas en lucha habían convocado una jornada de paro general en Vitoria, una ciudad donde se había creado un movimiento asambleario que preocupaba al Gobierno, temeroso de que pudiera extenderse al conjunto del Estado español.
En la iglesia de San Francisco del barrio obrero de Zaramaga, miles de trabajadores y trabajadoras se reunieron en asamblea. En el exterior se congregaron muchas persona más y, en medio, se situó un centenar de agentes de la Policía armada.
Durante los sucesos del 3 de marzo de 1976 en Vitoria, cinco trabajadores resultaron muertos a manos de la Policía tras una larga huelga. Begoña, una joven de clase media, vivirá en primera persona aquellos hechos que sacudieron «una ciudad donde nunca pasa nada». En un conflicto cada vez más enconado, tanto ella como su familia tendrán que elegir de qué lado colocarse. Finalmente, tras la masacre, Begoña, la ciudad y el conjunto del país no serán nunca más los mismo.
Crítica
Un trocito de nuestra historia que todo el mundo debería conocer y no olvidar
Hay muchos retazos de la historia que no conocemos y más aún de la nuestra propia, ya que el cine se suele centrar en la Guerra Civil como si fuese el único evento bélico que hemos vivido. Hay pequeñas historias que merecen ser contadas y escuchadas y sin duda ‘Vitoria, 3 de marzo’ es una de ellas.
Admito que yo no conocía este hecho y me ha dejado sin palabras. La película nos trae a una familia normal para contarnos todo lo acaecido los días anteriores a la huelga general del 3 de marzo de 1976 y por supuesto el día mismo.
Una joven estudiante que está descubriendo la vida, sus emociones e ideales al lado de gente de su edad y con muchos sueños por delante. Un padre que ha perdido toda la ilusión con tal de lograr que su familia coma, una madre amargada que hará de todo para poder sobrevivir y ayudar. En un momento te explican toda la situación que hay en Vitoria a través de los ojos de estos tres grandes personajes.
VíctorCabaco hace un trabajo espectacular para ser su primer largometraje, me ha parecido una maravilla su dirección y la manera de contar esta historia que hay veces que parece un documental. Esto es gracias a toda la información que ha recabado y como los utiliza en el film.
Una de las cosas que más me ha impresionado, han sido las escuchas de los policías que vamos oyendo al final de la película, son reales y ponen los pelos de punta. Frases como «Hemos contribuido a la paliza más grande de la historia» se quedan grabadas durante un buen rato en la cabeza después de escucharlas. Creo hayan utilizado ese recurso hace que el climax final nos deje a todo el público sin palabras, aparte de que vas viendo como trataron a todo aquel que estuvo en la huelga general.
Pero no solo utiliza este recurso para que la sintamos más real y como he dicho antes, casi documental, también la ambientación de las casas, el vestuario e incluso a la música que estos manifestantes escuchaban como A galopar de PacoIbáñez y RafaelAlberti, o Campanades a morts, compuesta por LluísLlach tras los hechos ocurridos el 3 de marzo.
En el reparto vemos caras conocidas y no tanto, pero si que el nivel está muy alto en esta película. RuthDíaz, nos ofrece a una mujer que tiene que dar demasiado en una familia bastante rota por todo lo que está pasando, nos deja un papel muy fuerte capaz de hacer lo que sea para ayudar. AlbertoBerzal es el encargado de hacer de padre de familia y adentrarse en la boca del lobo para poder mantener todo en orden. AmaiaAberasturi, una joven con unas idea muy idealizadas y con ganas de luchar, me ha gustado mucho su actuación, evoluciona de manera rápida pero con lógica, es una mujer que está creciendo y tiene todos sus pensamientos y sentimientos a flor de piel.
MikelIglesias, no es parte de esta familia pero si entra fuerte en ella al estar saliendo con Begoña el personaje de Amaia Aberasturi, una idealista que hará que la huelga se lleve a cabo.
Para terminar, la película está dedicada a los cinco fallecidos aquel día, tres fueron durante las cargas policiales en el momento y dos de ellos murieron días después por culpa de los golpes. Pedro María Martínez, Francisco Aznar Clemente, Romualdo Barroso Chaparro, José Castillo y Bienvenido Pereda.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de mayo de 2019. Título original: Vitoria, 3 de marzo. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Víctor Cabaco. Guión: Juan Ibarrondo, Héctor Amado. Música: José Luis Canal. Fotografía: Gaizka Bourgeaud. Reparto principal: Amaia Aberasturi, Ruth Díaz, José Manuel Seda, Alberto Berzal, Mikel Iglesias, Iñaki Rikarte, Oti Mazano, Iñigo de la Iglesia, Asier Macazaga. Producción: Sonora Estudios, Gariza Films. Distribución: Filmax. Género: drama histórico. Web oficial:https://vitoria3demarzo-lapelicula.com/
Vivimos un periodo de reconstrucción en la galaxia. La princesa Leia y Luke Skywalker, líderes de la Rebelión, junto con el contrabandista Han Solo, siguen buscando una nueva base de operaciones al tiempo que continúan enfrentándose al gobierno tiránico del Imperio Galáctico.
Hace poco, Leia ha intentado convencer al líder de Mon Cala, planeta ocupado por el Imperio, para que se una a su causa, para que se rebele contra el gobierno corrupto que secuestró a su rey hace ya tantos años. Sin embargo, el líder de los mon calamari se niega a que su flota se una a la Rebelión por miedo a que su pueblo sufra un castigo aún mayor del que está padeciendo ya.
En un momento en el que hay que tomar decisiones drásticas, Leia convence a los líderes de la Rebelión para que le permitan emprender la que va a ser la misión más peligrosa en la que ha participado hasta la fecha. Es hora de rescatar al rey de Mon Cala…
Reseña
A Gillen le cuesta salir de las cantinas
No estoy llamando borracho al nuevo guionista de la saga central de cómics de ‘Star Wars’. Como apuntaba en la anterior reseña sobran tantas conversaciones de cantina y en esta nueva entrega nos pasa lo mismo. Ya van tres episodios de ‘Motín en Mon Cala’ y la verdad es que este arco argumental se está quedando en algo bastante soso. Tiene mucho de pugna política, lo cual le da profundidad a la historia pero si no se mide con cuidado puede ser excesivo. Es algo que por ejemplo siempre se le ha reprochado a ‘El ataque de los clones’. Además los seguidores de la saga galáctica sabemos como acaba todo esto a si es que hay que animar el proceso para que tenga un aliciente.
El fan si que tiene algunas recompensas en forma de guiños. Pobre Luke, ¿cuántas veces le habrán dicho que es bajo para ser soldado imperial? Y visualmente también os podéis recrear con clásicos como el interior del Halcón Milenario o con espacios del auditorio que va a alojar una ópera intergaláctica. No sé por qué pero este número tiene más calidad que el anterior. tanto en detalle como en color. Diseños clásicos y elegantes vais a ver por todo el cómic. Guru–eFX está mucho más acertado al aportar color a los escenarios ideados por Larroca. Las vistas del edificio del auditorio, una preciosa puesta de sol, la llegada a un planeta acuático, la morfología de una bestia marina… Hay varias imágenes que atesorar.
Para los más cercanos al círculo del dibujante Salvador Larroca puedo adelantar que en este cómic coinciden los rostros de Aura Garrido (actriz), Elena Merino (representante de Larroca) o Eduardo Casas Herrer (escritor). Y probablemente haya alguno más que se me escape. Como probablemente sabréis de sobra si vais leyendo estas reseñas el artista ganador del Eisner es muy agradecido con sus amigos y les introduce de vez en cuando en sus viñetas.
Casualmente el personaje al que da rostro Eduardo Casas Herrer es el centro de atención de este Star Wars 46. Lo curioso es que además de ser escritor es policía y se dedica a la lucha contra ciberdelincuentes. Lo irónico es que sirve como llave para introducirse en las instalaciones del Imperio. La manera en cómo tienen que mezclarse con él es lo más interesante de este cómic pues nos trae a un nuevo personaje bastante novedoso para ‘Star Wars’.
Parece que las tretas y las argucias políticas continuarán tras esta tercera parte de seis del ‘Motín en Mon Cala’ pero el final de este cómic nos augura que al menos el 47 empezará con algo de acción. La portada de esa próxima grapa también tiene más calidad que la de este número 46 que además de ser bastante vaga ni se corresponde con nada de lo acontecido en la historia ni está protagonizada por los personajes con más presencia en las páginas de esta entrega.
Ficha del cómic
Guionista: Kieron Gillen. Dibujante: Salvador Larroca. Color: Guru-eFX. Portada: David Marquez, Matthew Wilson. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., grapa, color, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: marzo 2019. Precio: 2,50€.
La película cuenta la historia del surgimiento y caída del carismático senador que capturó la ilusión de los jóvenes votantes y fue considerado el candidato favorito para la nominación presidencial demócrata de 1988. Su campaña fue boicoteada por la historia de su relación extramatrimonial con Donna Rice, en la que puede ser considerada como la primera vez en la que el periodismo político se mezcló con el periodismo de tabloides, y Hart tuvo que abandonar la campaña – eventos que causaron un profundo y duradero impacto en la política estadounidense y en el escenario político mundial.
Crítica
Muy importantes sus mensajes, poco relevante el personaje
Echar mano de argumentos políticos casi siempre ha dado buen resultado. Malo es que no haya una parte de la audiencia que no empatice con la ideología o alegatos de los personajes en pantalla. Con esta nueva película de Jason Reitman (‘Up in the air’) profundizamos en los acontecimientos que rodearon el intento de candidatura de Gary Hart, pero no es el personaje como tal lo que más importa, si no los hechos o planteamientos que presenta.
Gary Hart era alguien receloso de contar su vida personal, como deberíamos ser todos con la vida privada de los demás. ‘El candidato’ surge de una novela del también guionista Matt Bai titulada ‘All The Truth Is Out (Toda la verdad está fuera)’. En ella hay muchas escenas íntimas que se supone que tienen mucho de imaginación o se han recreado a partir declaraciones o entrevistas de los protagonistas. Pero también analiza lo sucedido a partir la repercusión de dichos actos públicos.
Hart es un político cuya carrera para mí me es indiferente, que no tiene trascendencia o no es muy conocida si no estás muy metido en política. Es más, la película lo que expresa en líneas generales es que a nosotros no nos debería importar su vida, por lo que en ese sentido me deja igual que antes de verla. Lo que sí que marca un punto de inflexión es el modo en el que los periodistas le acecharon y como explotó la exhibición de los trasuntos personales de los políticos desde entonces. A priori esta puede parecer la recreación de la gestación y posterior caída de una carrera política, desde las razones y elección del candidato hasta los motivos por los que no llegó a la Casa Blanca. Pero en realidad la vida de Hart es solo la excusa para enarbolar determinadas moralejas y materias.
Están muy bien varios de los discursos que proyecta ‘El candidato’ hacia nosotros. No me refiero solo a los mítines políticos, si no a problemáticas que pone sobre la mesa y que hoy en día siguen vigentes. Uno de los más tratados es la prostitución de los medios de comunicación. La caída en el sensacionalismo. El foco en temas equivocados, que se alejan de lo que es realmente importante. Una manera de rebajarse por parte de los noticieros que por otro lado está legitimada y pagada por los lectores o espectadores que consumen más temas morbosos que provechosos. De eso trata en gran medida ‘El candidato’, de la comercialización y faranduleo del mundo de la política. De que al final tendremos los políticos que nos merecemos. Un dicho que seguramente podría emplearse en cualquier país y época pero que con Trump se ha materializado más que nunca.
También se pone muchas veces sobre la mesa la dignidad y respeto de la mujer. Las consecuencias de un político mujeriego no repercuten solo sobre su carrera, sino también sobre su esposa e hija. Respeto por parte de la persona que hace daño a su pareja y respeto por aquellos que también aprovechan para hacer leña del árbol caído. También se habla en determinados puntos sobre la importancia de no prejuzgar por las apariencias o por las intenciones de aquellos que hipócritamente se acercan a los que parece que tendrán éxito.
Para encarnar al político demócrata no es que se haya planteado un papel excesivamente difícil pero Hugh Jackman lo interpreta bien. Es fácil que con un rostro tan conocido como el suyo nos cueste toparnos con el personaje más que con la persona. Pero se diferencia mucho de otros papeles que ha ejecutado.
Ayudan mucho a sumergirse en los ochenta y en el político que interpreta Jackman las diferentes imágenes televisivas que se intercalan con las escenas de otros personajes. Nos sitúa así en uno de los momentos en los que las campañas electorales se convirtieron más en un tablón sentimentaloide que en una apuesta de futuro para una nación. Reitman marca aquí un buen punto de inflexión en la historia política para que se haga examen de conciencia y algunos procuren cambiar los hábitos de consumo.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de febrero de 2019. Título original: The front runner. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Jason Reitman. Guion: Jason Reitman, Matt Bai, Jay Carson. Música: Rob Simonsen. Fotografía: Eric Steelberg. Reparto principal: Hugh Jackman, Vera Farmiga, J. K. Simmons, Alfred Molina, Mark O’Brien, Molly Ephraim, Kaitlyn Dever, RJ Brown, Mamoudou Athie. Producción: Columbia Pictures, Bron Studios, Right of Way Films, Stage 6 Films, Creative Wealth Media Finance. Distribución: Sony Pictures. Género: política, drama, adaptación. Web oficial:http://www.sonypictures.com/movies/thefrontrunner/
Vivimos un periodo de reconstrucción en la galaxia. Después de la victoria alcanzada en Jedha gracias a que la reina Trios traicionó al Imperio, la princesa Leia y Luke Skywalker, líderes de la Rebelión, junto con el contrabandista Han Solo, han seguido buscando una nueva base de operaciones al tiempo que continúan enfrentándose al gobierno tiránico del Imperio Galáctico.
Hace poco, esa búsqueda los ha llevado hasta el planeta acuático Mon Cala. En una reunión secreta que ha mantenido con el gran almirante Urtya, Leia ha intentado convencer al líder del planeta ocupado por el Imperio para que se una a su causa, para que se rebele contra el tiránico gobierno que secuestró a su rey hace ya tantos años.
Sin embargo, después de que sufran el ataque de una patrulla imperial, el líder de los mon calamari se niega a que su flota se una a la Rebelión por miedo a que su pueblo sufra un castigo aún mayor del que está padeciendo ya. Es hora de que los rebeldes empiecen a pensar de otra manera…
Reseña
Cómic de paso y de rutina
En las colecciones o en los arcos argumentales siempre hay alguna entrega cuya calidad desciende frente a las anteriores. Este número 45 de ‘Star Wars’ es un claro ejemplo de ello. El mes pasado iniciamos una historieta en la que veremos cómo los Rebeldes buscan aliados contra el Imperio y en esta ocasión nos encontramos en un impasse que nos dice poco sobre esa nueva aventura que nos proponen.
Básicamente estas nuevas viñetas consisten en algunas conversaciones de cantina, con la camaradería que ello conlleva y con la adulación hacia los héroes rebeldes que comienza a producirse. Por otro lado, siendo algo más interesante, tenemos discusiones políticas y estratégicas que desembocan en una breve misión. Mucha parte del cómic se pierde en escenas que a priori parecen triviales.
Esta es una grapa con poca acción en la que tenemos una brevísima sorpresa, muy reconocible gracias al fotorrealismo de Larroca. Es necesario haber leído los anteriores números para poder entender a que se refieren los protagonistas en las conversaciones que se imponen los momentos de confrontación y disparos. Y si eres seguidor de las película cuentas con el aliciente de ver más involucrados en la historia a personajes clásicos como el almirante Ackbar.
Parece que lo que leemos aquí es una válvula de escape a tanta acción de los anteriores cómics o que Gillen se toma con más calma la historia de el ‘Motín en Mon Cala’. Con la anterior entrega y con la naturalidad de los personajes que le aporta este guionista captaron mi atención. La flota de Mon Cala es una parte importante de los Rebeldes y descubrir cómo se unieron a ellos es un fleco que queda pendiente, es uno de esos huecos que sería curioso rellenar. El título nos sugiere que eso sucederá tras una revuelta, a si es que esperemos que si es una revuelta pacífica tenga un buen entramado político para que así al menos el interés no decaiga.
Ficha del cómic
Guionista: Kieron Gillen. Dibujante: Salvador Larroca. Color: Guru-eFX. Portada: David Marquez, Matthew Wilson. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., grapa, color, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: febrero 2019. Precio: 2,50€.
‘El vicio del poder’ explora la historia real jamás revelada sobre cómo Dick Cheney (Christian Bale) un callado burócrata de Washington, acabó convirtiéndose en el hombre más poderoso del mundo como vicepresidente de los Estados Unidos durante el mandato de George W. Bush, con consecuencias en su país y el resto del mundo que aún se dejan sentir hoy en día.
Crítica
McKay se consuma como un gran narrador y crítico de la Norteamérica contemporánea
Es un clamor que Christian Bale es un grandísimo actor, ya no solo por los premios que acapara, entre ellos un Oscar, sino por su capacidad para transformarse en otras personas hasta el punto de comprometer su propia salud o el aspecto de su cuerpo. Lo suyo más que una habilidad camaleónica son aptitudes de mímesis. Se mezcla con la historia de su personaje y con el entorno o reparto que ponen a su disposición. Esta vez, jugándose la salud hasta un límite opuesto al que llegó con ‘El maquinista’, sigue los pasos de uno de sus mentores, Gary Oldman, y se convierte en un político al que siempre hemos visto de buen año, Dick Cheney.
Bale es un tipo de extremos, de método. Aunque en ‘El vicio del poder’ le vemos con mucho maquillaje ha tenido que convertirse en un auténtico zampabollos para ganar peso. Con ese aspecto físico conseguido solo le quedaba calcar los ademanes del vicepresidente de George W. Bush hijo. Desde los andares hasta su tunante risa ladeada vemos al personaje hecho realidad. Pero no solo de Christian Bale es meritorio de ese logro. Otros actores como SamRockwell, Amy Adams o Steve Carell nos esbozan maravillosamente a las personas a las que interpretan, especialmente Rockwell que encarna ese sandio, embaucador y engreído que era Bush. Si la cinta deja claro que Bush llegó donde llegó por la gente que le rodeó también nos remarca que Cheney tenía en todo momento a su esposa que le aleccionó para llegar a las más altas esferas.
Ni de lejos esta película se apoya solo en sus intérpretes. ‘El vicio del poder’ es tan buena porque la ha elaborado un gran contador de historias. Si los estadounidenses son expertos en saber contarnos sus propias crónicas Adam McKay ya es un artesano en ese campo. Elabora un discurso bien estructurado, fácil de seguir y en muchos puntos revelador. Todos los actores de su equipo o han trabajado juntos o con el director en otras películas. Sobre todo hay que tener en cuenta el anterior título de Adam McKay, ‘La gran apuesta’, que tiene un carácter similar y que cuenta también con Bale y Carell.
La película está trabajada a través de la comedia y el biopic, desde una orientación política clara pero sin los métodos agresivos de un extremista. Es menos combativa que las obras Michael Moore pero desde su lectura también hace uso de una gran sátira. Se palpa mucha improvisación en las escenas, pero también premeditación en un guión en el que se reconoce ya una marca de la casa, un estilo reclamado por McKay. La complicidad del reparto también es evidente, imagino que el rodaje debe haber ido como la seda.
De antemano el director y guionista nos manifiesta con humor cuáles son sus intenciones e inclinaciones políticas, así como que hay algo de ficción en la cinta dada la inaccesibilidad de su protagonista. Pero por si acaso no queda claro en los post-créditos no los remarca. Espero con total sinceridad que esta película sirva para que en nuestro país muchos puedan hacer examen de conciencia, para que establezcan los claros paralelismos que tiene. Este filme nos habla de las responsabilidades de los políticos, de las repercusiones históricas de sus actos y decisiones, así como de aquellos que les votan. El título hace referencia no solo al ansia de poder de los mandamases, sino también del pueblo que escoge a quién le gobierna guiándose por la necesidad de nutrir su hambre de superioridad y supremacía sobre el resto del mundo o sobre quienes considera inferiores.
Otro puntazo a favor es su narrativa. Desde una tercera persona nos elaboran una biografía que por si resulta menos explicativa que ‘La gran apuesta’ está repleta de metáforas, tanto gráficas como orales. Veo este título mucho más fácil de seguir que el anterior estrenado por McKay y sus alegorías son del todo acertadas y aclaratorias.
En ‘El vicio del poder’ vais a recorrer las etapas de Nixon, de Bush padre, de las elecciones con recuento de votos, del 11-S, de la segunda guerra de Irak… En estos dos últimos tramos que menciono el filme pierde mucho su sarcasmo y hace peligrar su ritmo. Muy importante es también que trate temas personales como los infartos de Cheney, por algo que no quiero desvelar para no quitarle gracia y porque el propio director sufrió uno antes de finalizar el filme e insertó imágenes de su intervención en la película.
Este nuevo estreno que ya tiene varias nominaciones en los Globos de Oro nos da brillantes momentos. Entre ellos una gran escena en la que hace una breve aparición Alfred Molina. En ese momento vemos con meridiana efectividad la sátira y crítica de McKay. Con esta mención quiero hacer énfasis en el tono sarcástico del filme, en su búsqueda de remover conciencias sin dejar nada al azar y en su denuncia hacia el ciudadano medio que mira con indiferencia y anestesia los actos evidentes de destrucción que tiene ante él. Comedia histórica que no os debéis perder.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de enero de 2019. Título original: Vice. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: Adam McKay. Guion: Adam McKay. Música: Nicholas Britell. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Christian Bale, Amy Adams, Steve Carell, Sam Rockwell, Tyler Perry, Eddie Marsan, Jesse Plemons, Naomi Watts, Alfred Molina. Producción: Gary Sanchez Productions, Plan B Entertainment, Annapurna Pictures. Distribución: eOne Films. Género: drama, biográfico. Web oficial:https://www.vice.movie/
Agosto de 2000. El submarino nuclear de la armada rusa K-141 naufraga durante un ejercicio en aguas del mar de Barents. Un desastre al que le sigue una marcada negligencia gubernamental internacional que tiene en vilo al mundo. Mientras los marineros luchan por sobrevivir atrapados dentro del submarino, sus familias se enfrentan desesperadamente contra los obstáculos políticos y las escasas probabilidades de rescatarlos.
Crítica
Sus escenas políticas y dramáticas la mantienen a flote durante todo el metraje
En la Rusia postsoviética sucedió un accidente cuyo final no quiero desvelar por si no conocéis el caso y queréis vivir la tensión de esta película. La cuestión es que allá por el año 2000 durante unas maniobras el submarino Kursk quedó aislado en las aguas del mar de Barents con toda su tripulación dentro. En la nueva película de Thomas Vinterberg se nos plantea una nueva versión de lo acontecido allí, con caras tanto dramáticas como políticas. Este director, del que hemos visto desde películas como ‘Lejos del mundanal ruido’ hasta videoclips de Metallica (a los que hace un guiño), se moja haciendo una crítica a los estamentos gubernamentales pero manteniendo un buen balance con la parte sentimental. De hecho la conclusión final que podemos extraer es que infortunios así crían a generaciones en el odio hacia sus gobernantes. Hay varias películas y documentales que exploran e indagan lo que pasó tanto dentro como fuera del vehículo nuclear. En este caso la visión en la que se apoya el director es la extraída de la novela de Robert Moore y de los testimonios de personas que realmente vivieron este incidente como el Comodoro David Russel, británico interpretado por Colin Firth.
Aunque cuente con nombres tan grandes como Colin Firth o Max Von Sydow, los dos principales protagonistas son Matthias Schoenaerts y Léa Seydoux. Ellos dos son los que nos guían por tierra y mar de un modo tan correcto que sentimos el malestar que se vive en casos como estos. En la película también interviene bastante el fallecido Michael Nyqvist en la que fue una de sus últimas películas, junto a la también en cartelera ‘Hunter killer’ y ‘Radegund’ en la que le veremos también compartiendo título con Schoenaerts. Vinterberg maneja bien a todo el reparto, tanto protagonista como secundario, aportándoles a todos matices con los que ejercer su rol.
‘Kursk’ se pasa rápido y eso que dura casi dos horas. No es que tenga una trama vibrante pero sabe enlazar las vicisitudes sufridas en un accidente como el del Kursk de manera que ni nos aburrimos ni sentimos repetitividad. Además alterna lo sucedido en el interior del submarino con toda la diplomacia que se puso en marcha en la superficie y con todas las reacciones suscitadas.
Esta es una película que ha escrito alguien como Robert Rodat, autor de películas patrióticas e históricas. Nos brindó el guión de ‘Salvar al soldado Ryan’ o el ‘Patriota’, pero mucho antes tendió puentes con Rusia con la comedia ‘Camaradas olímpicos’. Y aunque esta película también trata sobre la colaboración entre pueblos cobran mucha más importancia las trabas que puso en aquel momento el gobierno ruso para realizar las labores de salvamento por encima de proteger sus secretos militares, alimentando su orgullo, tapando su precariedad y procurando mantener su imagen lo más intacta posible. Puede que eso figurase tal cual en la novela pero lo que me parece más claro es que se habrá hecho más énfasis en ese aspecto tras los impedimentos puestos al equipo de rodaje por parte del gobierno actual. Por lo tanto estad seguros de que esta película va más allá del desastre mojándose con la vida política que hubo tras el suceso.
La técnica empleada por Vinterberg me parece inteligente. Sabe dividir bien las etapas del filme y relevar correctamente sus escenarios. Desde el detalle de mantener el inicio en formato scope pasando a 1,66:1 cuando entramos en el submarino hasta el ir permutando las escenas de unos y otros personajes sin detener el transcurso de la historia, consiguiendo que se mantenga la sensación de urgencia, aunque puede que si perdiendo algo de la claustrofobia que nos habría metido más en el thriller. Otro pormenor que le resta fuerza a la película es su rodaje en inglés. Creo que si hubiese estado interpretada en ruso e inglés habría resultado aún más creíble. Pero con lo que nos presenta es suficiente para ser una película solvente que no naufrague en tan inundada cartelera.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2018. Título original: Kursk. Duración: 117 min. País: Francia. Dirección: Thomas Vinterberg. Guion: Robert Rodat. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Matthias Schoenaerts, Léa Seydoux, Colin Firth, Max von Sydow, Michael Nyqvist, Peter Simonischek, Martin Brambach, Guido De Craene, Geoffrey Newland, August Diehl, Matthias Schweighöfer, Fedja Stukan, Miglen Mirtchev, Jehon Gorani. Producción: Europa Corp, Belga Productions, VIA EST. Distribución: A Contracorriente Films. Género: hechos reales, drama, thriller. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/902/kursk/
Un antiguo diplomático norteamericano (Jon Hamm) se ve envuelto en una operación de espionaje en el Líbano que le hará enfrentarse a un pasado traumático. Deberá rescatar a un viejo amigo, agente de la CIA, secuestrado por unos terroristas. En el camino se enfrentará a una trama llena de engaños y traiciones y con implicaciones de alto nivel político.
Crítica
Un thriller político donde cada minuto vale oro
Dirigida por BradAnderson (‘El Maquinista’) y con guión de TonyGilroy(‘Saga Bourne’) nos llega esta semana ‘El Rehén’, un thriller que no va a dar mucho que hablar, pero que si es merecido su visionado.
Realmente es una cinta que no nos cuenta nada nuevo, una guerra, un rehén y las típicas conspiraciones de distintos países intentando cada uno conseguir beneficios de toda esta situación. Pero aunque la historia sea tan sencilla reconozco que la película me ha tenido enganchada desde el principio.
Cuenta con un ritmo muy llevadero, poco a poco vamos conociendo a todos los personajes con los que vamos a lidiar durante 109 min. El pasado de MasonSkiles, el protagonista de la película, es un punto clave para conocer por donde van a ir los tiros en este thriller donde la política, los espías y las negociaciones con terroristas harán que disfrutemos de una buena sesión de cine al más puro estilo de las novelas de JohnLeCarré.
JonHamm (‘Mad Men’) es el encargado de dar voz y cuerpo a un hombre destrozado que es de nuevo requerido en su antiguo trabajo, MasonSkiles. La desesperación y tristeza de su mirada hacen posible que nos creamos realmente esta historia.
RosamundPike(‘Perdida’) es su compañera en esta aventura en la que se ha visto metido, tampoco es que haga un papel enorme, pero sí que es cierto que se agradece ver un personaje como el de Rosamund que tiene todo bajo control en esta historia llena de incertidumbres.
En el reparto también encontramos a DeanNorris (‘Breaking Bad’), irreconocible por su apariencia pero estupendo como siempre, MarkPellegrino, ColinStinton, NickHolder, KateFleetwood, LeiaBehti, HichameOuraqa, KhalidBenchagra o YoavSadian, entre otros.
La historia no está basada en hechos reales, pero te introducen tan bien en el contexto de la Guerra Civil de Beirut, que bien podría ser una historia real. Además también utilizan el caso de la masacre de Munich, para darle más consistencia a todo lo que nos están contando, tanto que dudas si realmente si es algo que ocurrió en la realidad. Es algo muy loable y que me ha gustado mucho, pues han creado una historia muy veraz.
En general como he dicho nada más comenzar, ‘El Rehén’ no va a dar mucho que hablar, pero sí que es una muy buena opción para meternos en la sala de cine y disfrutar de un buen thriller.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de agosto 2018. Título original: Beirut. Duración: 109 min. País: Estados Unidos. Dirección: Brad Anderson. Guión: Tony Gilroy. Música: John Debney. Fotografía: Björn Charpentier. Reparto principal: Jon Hamm, Rosamund Pike, Mark Pellegrino, Dean Norris, Shea Whigham, Jonny Coyne, Larry Pine, Jay Potter, Alon Abourboul. Producción: Radar pictures, Bleecker Street MEdia. Distribución: DeAPlaneta. Género: Thriller. Web oficial:https://www.deaplaneta.com/es/el_rehen
Presentada por Focus Features y producida por Working Title Films, es una emocionante e inspiradora historia que tiene lugar días antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial. A los pocos días de convertirse en primer ministro de Gran Bretaña, Winston Churchill (Gary Oldman, nominado por la Academia) debe hacer frente a una de las decisiones más difíciles de su carrera política: negociar un tratado de paz con la Alemania nazi o mantenerse fiel a sus ideales y a la libertad de una nación. Con las imparables fuerzas nazis adentrándose en Europa Occidental, la amenaza de una invasión inminente, un pueblo que no está preparado, un rey escéptico y su propio partido conspirando en su contra, Churchill, a pesar de vivir el instante más oscuro, guiará a una nación e intentará cambiar el curso de la historia mundial.
Crítica
Un Gary Oldman que roza la clonación.
No es de extrañar que Gary Oldman se haya llevado el Globo de Oro al Mejor Actor en la categoría de drama en la última edición pues su trabajo en esta película es magnífico. Tampoco me asombra su nominación al Oscar y de hecho me sorprendería si no lo ganase. Las fotografías y tráilers previos al estreno de la película eran vaticinio de un parecido digno de un mellizo. Aunque reconocemos mínimamente a Oldman bajo todo el maquillaje y la mímica, es innegable que tanto actor como equipo de caracterización han logrado clonar en la gran pantalla al primer ministro. Sus rasgos faciales, su ropa, su cuerpo… Los enérgicos gestos que realizaba, sus tics, sus míticas poses, su voz… Oldman ha trabajado muy bien la dicción, el acento, la entonación y el timbre del político inglés. Si antes de ver la película os buscáis audios y vídeos de Winston Churchill comprobaréis que las diferencias son mínimas.
El filme en lo que más efectivo resulta es en remarcar la importancia de la construcción de los discursos del Primer Ministro, en los mensajes que transmitía, en una época en la que la motivación era una de las armas más importantes para ganar la guerra pues el enemigo tenía las armas físicas más potentes y avanzadas. Realmente dan ganas de que surjan líderes así y la película funciona bien si lo que pretende es trasladar una imagen de gran dignatario.
Al margen del inconmensurable trabajo de Oldman hay que tener en cuenta el papel del director. Se palpa que Joe Wright ha intentado crear un largometraje casi a modo de veneración cargado de historia, ideología y simbolismo. Me parece elocuente, aunque no sé si intencionada, la secuencia en la que Churchill da un discurso, estando aún solo y sin apoyos. Ahí es cuando gracias a su carisma y carácter parece ganar enteros. Es entonces cuando, se le acerca una primera persona a darle la mano pero saliendo de detrás de una columna, como simbolizando que a partir de ese momento saldrán de las sombras todos esos partidarios que estaban escondidos. Me parece una manera brillante y casi subliminal de representar como con sus palabras era capaz de hacer cambiar no solo la opinión que se tenía de su persona si no las circunstancias de toda una guerra.
Pero si nos quedamos solo con la interpretación de Oldman y algunos instantes que consigue salvar Wright la película a nivel global se nos queda vacua. Hay buen reparto, en algunos casos con más o menos fidelidad en lo que se refiere hacia la persona real a la que interpretan, pero ninguno brilla más allá de lo habitual. Desde luego creo que John Hurt habría plasmado mejor a Neville Chamberlain que Ronald Pickup. Pero casting a parte, sin Oldman la película es insípida, sin sustancia ni revelación alguna. Es un drama histórico con un final harto conocido, que además se suma a las múltiples películas que hemos visto esta temporada sobre Dunkerque (‘Dunkeque’, ‘Su mejor historia’).
‘El instante más oscuro’ arranca con un parlamento inglés envuelto en tinieblas, dota a la secretaria de Churchill del rincón más lóbrego para colocar su máquina de escribir y recrea el nº 10 de Downing Street con habitaciones sombrías. Todo ello para acabar llevándonos a un momento de inflexión, cuya luz se ve al final del túnel. Y ese túnel no es otro que el del mítico Tube londinense donde veréis otra escena en la que se luce Gary Oldman citando incluso el ‘Horacio’ de Thomas Babington: «¿Qué mejor manera de morir puede tener un hombre, que la de enfrentarse a su terrible destino, defendiendo las cenizas de sus padres y los templos de sus dioses?». Palabras apropiadas para un hombre que parecía encontrarse solo y desesperado ante el peligro. Es decir Joe Wright nos lleva desde las sombras a la luz, pero tampoco es que consiga deslumbrarnos.
Para una carrera con tantos altibajos como la de Joe Wright la actuación de Oldman le viene de lujo. Por supuesto que está por encima de la media de sus películas, pero deja mucho que desear como drama político pues no consigue contar nada relevantemente nuevo.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de enero de 2018. Título original: Darkest hour. Duración: 125 min. País: Reino Unido. Dirección: Joe Wright. Guión: Anthony McCarten. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Bruno Delbonnel. Reparto principal: Gary Oldman, Kristin Scott Thomas, Lili James, Stephen Dillane, Ronald Pickup, Ben Mendelsohn. Producción: Working Title Films. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, hechos reales. Web oficial:http://www.elinstantemasoscuro.es/
Hemos podido disfrutar de una charla con el director y protagonista de Selfie.
Víctor García León, director de ‘Mas pena que gloria‘, ‘Vete de mí‘, nos trae esta curiosa visión de una España dividida pero a la vez con ganas de salir hacia adelante. Con ‘Selfie’ (crítica aquí)ha logrado la mención especial del Jurado en el Festival de Málaga y la «Biznaga de plata», premio especial de la crítica.
Santiago Alverú, periodista de profesión y creador de los Premios Yago, debuta como actor para esta cinta, donde nos trae a Bosco, un niño rico y pijo que es desahuciado y tiene que buscarse las vueltas para poder sobrevivir en la jungla de Madrid.
«El público ríe muchas veces, supongo que es por la incomodidad, o el nerviosismo que provocan ciertas escenas».
ChristianÁlvarez, JuanLuppi, RominaFernandes y LisandroFiks protagonizan la obra de teatro ‘1982 Obertura Solemne’. El propio Fiks es el dramaturgo y director de esta representación que estará presente en el Teatro del Barrio (C/ Zurita 20, Madrid) hasta el 22 de febrero de 2017.
Esta es una historia que utiliza el drama y la comedia para dejar claro lo presentes que siguen en nuestra sociedad la ceguera y la violencia. Pero hemos tenido la ocasión de entrevistar al escritor y director para saber más de la obra y aquí tenéis nuestra conversación con él.
Háblanos un poco de ti antes de entrar en la obra que nos has traído. ¿Eres más actor, más director? ¿Dónde comenzó tu relación con el teatro y en qué punto se encuentra ahora?
LF: Hoy no podría decir si soy más actor qué director o al revés, pero el comienzo fue como actor y luego comencé a estudiar dirección en el intento de adquirir más conocimientos para intentar ser mejor actor y esto derivó en que comencé a dedicarme a dirigir teatro, así que hoy no podría hacer una separación en eso. Mi vocación teatral comenzó desde muy chico pero después de muchos años de dedicarme a la música casi exclusivamente comencé a dedicarme al teatro más profundamente y ahora es más el tiempo que dedico al teatro que a mi carrera musical. Hoy estoy con estos dos proyectos, ‘Mala praxis’ y ‘1982 obertura solemne’ aquí en Madrid y el 18 de marzo reestrenamos otra obra de mi autoría ’25 millones de argentinos’ por la cual estoy nominado a los premios María Guerrero como mejor autor argentino de teatro. Y para mitad de año estoy, como actor y músico, en un proyecto con la directora Corina Fiorillo en el Teatro San Martín de Buenos Aires, ‘El avaro’ de Molière… y algunas cosas más pero todavía no se concretaron.
Para el título de la obra has mezclado el año de la Guerra de las Malvinas con la obertura de Tchaikovsky que celebra una derrota militar de Napoleón. ¿Qué tienen en común para ti?
LF: Lo que tienen en común es que el personaje que interpreto en ‘1982 obertura solemne’ quiere componer, imitando la obra de Tchaikovsky ‘obertura solemne 1812’… pero que sea un homenaje a las Malvinas. El personaje evidentemente está un poco confundido y perdido en su inspiración ya que por un lado Tchaikovsky dedico esta obra a un triunfo y mi personaje en la obra se lo dedica a una derrota. La búsqueda es que el personaje está obsesionada en componer una obra en homenaje a un evento bélico como la guerra de las Malvinas.
¿Porqué la guerra de las Malvinas como eje y no otro conflicto bélico?
LF: Bueno, porque Malvinas es una guerra que viví cuando yo era chico, es un una herida abierta en la sociedad argentina y es el tema que utilizo en la obra como disparador para los enfrentamientos sociopolíticos que se desarrollan en la obra. A partir de este tema, los personajes pueden tocar temas como la dictadura militar que vivió en Argentina, los enfrentamientos entre derecha e izquierda y los fundamentalismos políticos que lamentablemente hacen qué el que piensa distinto sea tu enemigo.
Que géneros se va a encontrar el espectador y en qué medida. Comedia, drama…
LF: Las dos obras son comedias dramáticas. Si bien tocan temas serios, hay algo en esa seriedad que puede convertirse en comedia muy fácilmente. Algunas situaciones rozan el humor negro. El público ríe muchas veces, supongo que es por la incomodidad, o el nerviosismo que provocan ciertas escenas.
Haznos un esbozo del elenco del que dispone ‘1982 Obertura Solemne’ pues algún nombre sonará a los espectadores españoles.
LF: El elenco está formado por Christian Álvarez, Romina Fernades, qué tal vez conozcan a su padre, que es el gran director argentino Augusto Fernandes, Juan Luppi, que supongo que es por él que me haces la pregunta, es el nieto de Federico Luppi. Tiene una carrera hecha aquí en España, donde hizo ‘Los Serrano’, ‘La pecera de Eva’, y algunas películas, entre otras cosas. Somos un elenco muy compacto donde nos llevamos muy bien y compartimos una misma metodología de trabajo.
¿Qué debate y que reacción esperáis o lográis conseguir entre el público?
LF: La respuesta del público por suerte es la esperada y creo que se debe a que no hacemos una obra panfletaria ni con un planteo de quiénes son los buenos y quiénes son los malos. No quiero plantear una manera de pensar, sino plantear preguntas y contradicciones y por suerte eso es lo que el público valora y nos comenta después de la funciones. Si bien la obra habla sobre enfrentamientos políticos abre también la pregunta de que si vale la pena llegar a esos extremos de violencia verbal o física.
¿’1982 Obertura Solemne’ es una hora de política o hay lugar para otros temas?
LF: La obra no solo habla de política, habla también de esta lamentable costumbre que tenemos las personas de discutir gratuitamente, de no escuchar al otro, de generar enfrentamientos por cualquier tema. Además de tocar temas históricos que aún no están resueltos en nuestra sociedad, 1982 intenta mostrar qué las ideologías opuestas en los extremos se parecen mucho.
Me gustaría recalcar que esta representación fue declarada de interés cultural en 2015 por el Senado de la Nación. ¿Cómo recibiste este nombramiento? ¿A qué crees que se debe?
LF: Creo que se debe a los temas que tocamos y como los tocamos. Intento dar una mirada bastante centrada de lo que es la realidad política argentina y no tomar partido por ninguna ideología. Por otro lado la obra fue elegida en 2012 y en 2014 por el Ministerio de Educación de la Ciudad de Buenos Aires para un proyecto que se llama Formación de Espectadores. Éste proyecto forma a adolescentes entre 13 y 18 años de distintos colegios a que desarrollen su gusto por el teatro. Supongo que esto también colaboró a que la declaren de interés cultural.
¿Estáis de gira? ¿Hacia dónde os llevará esta obra?
LF: Ahora estamos terminando esta gira española y volvemos a Buenos Aires para el reestreno de otra obra de la otra obra que te comenté, ’25 millones de argentinos’ y probablemente hagamos alguna temporada más durante el año y alguna gira por el interior del país con ‘Mala praxis’ y con ‘1982 obertura solemne’. Ya estamos planeando una nueva temporada aquí en Madrid, ojalá podamos venir con ’25 millones argentinos’ estamos haciendo los arreglos para poder concretarlo.
Desde 2014 se te ha podido ver en un par de series de televisión. ¿Te veremos en las pantallas españolas en algún momento?
LF: No sé si las series argentinas se ven aquí en Madrid. Filmé algunos capítulos para la tira de Disney, ‘Soy Luna’. Sé que la están pasando aquí y creo que tiene bastante éxito.
Agradecemos a Lisandro Fiks el tiempo dedicado a esta entrevista. Recordamos que aún se puede ver su obra en Madrid. Las entradas pueden adquirirse aquí.
En una mañana de diciembre de 1970, el rey de Rock n Roll se presenta en el patio de la Casa Blanca para solicitar una cita con el hombre más poderoso del mundo, El Presidente Richard Nixon. Protagonizada por el nominado a un Oscar®, Michael Shannon, interpretando a Presley y el ganador de dos premios de la Academia, Kevin Spacey, cómo Nixon, Elvis & Nixon relata la historia nunca contada que hay tras ese revelador momento histórico en el despacho Oval, inmortalizado en la fotografía más solicitada de los archivos nacionales.
Crítica
Elvis is in the House.
Un Elvis preocupado por el comunismo, la juventud, las drogas, el racismo… decide visitar a Nixon para poner su personaje al servicio del estado. Para ello pide una placa con la que ejercer de agente federal autónomo y así poder trabajar de incógnito. ¿Quién iba a sospechar que Elvis se infiltrase en el mundo de la droga para acabar con los traficantes a golpe de karate? Así de surrealista es el encuentro que sucedió realmente y que se representa en esta película que bien podría haber sido una obra teatral.
No se puede tomar por la vía del drama una historia tan cómica, real sí, pero cómica. Al margen de las situaciones absurdas y burlescas se incluye la historia de Jerry (Alex Pettyfer) que nos muestra cómo puede haber gente a la sombra de artistas tan grandes como el Rey que tienen que renunciar a su vida privada para realizar su trabajo. Han tirado por lo disparatado al no tener la transcripción del encuentro, como se advierte al comienzo. Pero se conocen los detalles de la petición de la placa, algunas palabras o la insistencia del Rey por culpar a los Beatles de muchos de los males de Norteamérica. Es por ello que le ha faltado algo más de hilaridad a la cinta para hacerla más divertida aún ya que el resultado la deja entre lo delirante y lo trágico.
Pese a ser una película menor podría ser la primera de gran calado para su directora, Liza Johnson. Michael Shannon (irreconocible tras su General Zod) interpreta a un Elvis infantil, perturbado y excéntrico que se encuentra afectado por el trato de objeto que recibe de la sociedad. Gesticula y emula bien a Elvis pero no llegamos a ver realmente al cantante. Mucho más acertado esta Kevin Spacey, cuyo parecido físico podría haberse arreglado con más caracterización, detalle que sin duda el actor suple con una soberbia imitación de posturas y voz.
“Elvis & Nixon” supone una anécdota curiosa de la historia de Estados Unidos, merecía la pena ser contada, para ello se ha acertado en el formato y en la puesta en escena, pero no tanto en el libreto.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de agosto de 2016. Título original: Elvis & Nixon. Duración: 86 min. País: EE.UU. Director: Liza Johnson. Guión: Joey Sagal, Hanala Sagal, Cary Elwes. Música: Ed Shearmur. Fotografía: Terry Stacey. Reparto principal: Michael Shannon, Kevin Spacey, Evan Peters, Ashley Benson, Alex Pettyfer, Colin Hanks, Johnny Knoxville, Tate Donovan, Ahna O’Reilly, Justin Lebrun, Candice Harrison, Tracy Letts, Dylan Penn. Producción: Jellyfish Bloom, Autumn Productions, Elevated Films. Distribución: Sony Pictures. Género: Comedia. Web oficial: http://www.sonypictures.com/movies/elvisnixon/
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