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Crítica: ‘La tarta del presidente’

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Sinopsis

Mientras la gente lucha por sobrevivir bajo las sanciones en el Iraq de Saddam, Saeed, de 9 años, debe ingeniárselas para llevar el pastel obligatorio al cumpleaños del presidente o enfrentar prisión o muerte.

Crítica

Un cuento tan amargo como necesario

‘La tarta del presidente’, dirigida por Hasan Hadi, es una de esas películas que parecen pequeñas en su premisa pero que, poco a poco, se revelan como un poderoso recordatorio histórico y político. A través de los ojos de una niña, el filme nos invita a recorrer el Irak de los años 90, marcado por la pobreza, las sanciones internacionales y la sombra de un régimen autoritario que heredaba sus formas de gobierno de forma retrógrada y caciquista, como si de una monarquía medieval se tratase.

El punto de partida es tan entrañable como desolador: una niña que, acompañada siempre por su gallo, busca los ingredientes necesarios para preparar una tarta de cumpleaños encargada por el propio Sadam Huseín a toda la población en un ejercicio de autobombo y a la vez de extorsión a la ciudadanía. Lo que en apariencia podría ser una anécdota infantil cargada de candor e inocencia se convierte en una radiografía amarga de un país hambriento y en ruinas, donde las peticiones de un dictador exponen el contraste brutal entre lo cotidiano y lo absurdo, entre el capricho y la más urgente de las necesidades.

Hasan Hadi juega con la baza de la infancia y logra un contraste cautivador entre la inocencia de la protagonista y la tragedia de un pueblo sometido. El paisaje de casas sobre el agua, la niña y su barca cruzando de un lado a otro y el tono a medio camino entre el magnetismo de las fábulas y lo demoledor de los dramas, evocan un relato que podría formar parte de cuentos más próximos a ‘Las mil y una noches’. Sin embargo, tras la textura de cuento costumbrista se ocultan las cicatrices de una dictadura implacable y de un país desgarrado por las tensiones con Estados Unidos.

Los diálogos se mueven entre lo devastador y lo entrañable, como si en cada frase convivieran la dureza de la realidad y la ternura de un cuento contado al calor del hogar. En este sentido, la película conecta con la universalidad de títulos como ‘El monje y el rifle’, por citar una obra reciente, que trascienden sus contextos específicos para ofrecer reflexiones sobre el poder, la identidad y la memoria colectiva. Pertenece a ese tipo de películas que independientemente del escenario y el ambiente te llegan o pueden vincularse con tu propia historia o sociedad.

Especial mención merece la actuación de Sajad Mohamad Qasem, la joven protagonista. Su interpretación equilibra dulzura y carácter, transmitiendo tanto la ingenuidad de la niñez como la consciencia, incipiente pero firme, de estar viviendo en tiempos decisivos. Su rostro es a menudo reflejo de una cultura rota, de un país al borde del sálvese quien pueda. ‘La tarta del presidente’ no es solo una película sobre Irak ni sobre Saddam Hussein: es un recordatorio de cómo la inocencia infantil puede servir como espejo de las tragedias colectivas. Hasan Hadi logra un relato que emociona, conmueve y, sobre todo, obliga a recordar.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de febrero de 2026. Título original: Mamlaket Al-Qasab. Duración: 102 min. País: Irán. Dirección: Hasan Hadi. Guion: Hasan Hadi. Fotografía: Tudor Vladimir Panduru. Reparto principal: Sajad Mohamad Qasem, Rahim AlHaj, Baneen Ahmad Nayyef, Waheed Thabet Khreibat. Producción: Maiden Voyage Pictures, Missing Piece Films, Spark Features, Working Barn Productions. Distribución: Atalante. Género: drama. Web oficial: https://www.thefilmcollaborative.org/fiscalsponsorship/projects/thepresidentscake

Crítica: ‘Yakarta’

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Diego San José sorprende con ‘Yakarta’, una serie turbia, honesta y magistralmente interpretada

Diego San José apuesta de nuevo por el formato televisivo y nos presenta ‘Yakarta’. Esta serie de seis episodios que se estrena en Movistar Plus+ el 6 de noviembre, es una pieza compleja y profundamente moral que, arriesgando y en gran medida consiguiendo, traza el retrato de personajes al borde del abismo. En el centro está un hombre en horas bajas, un exjugador olímpico de bádminton convertido en profesor de educación física en un instituto de Vallecas (Javier Cámara), que ve su última oportunidad de vengarse de la vida en una muchacha adolescente con talento (Carla Quílez). Esa propuesta de “cumplir un sueño frustrado” a través de una joven promesa es tan genuina como inquietante, porque, desde el arranque, la reputación ética del protagonista queda comprometida: un sujeto denostado, con prácticas poco limpias, que prácticamente acosa a la joven y a su madre para obtener el permiso de entrenarla y llevarla hasta un torneo en Yakarta.

La fuerza de ‘Yakarta’ reside en su capacidad para situar la historia en un deporte poco o nada popular como el bádminton y, al mismo tiempo, abrir una ventana hacia lo turbio de la ambición, la manipulación y la fragilidad humana. Los personajes no son héroes: son grises, desplazados, víctimas de sus propias miserias y la serie no rehúye ese tono sombrío. La relación entre el entrenador y la joven promesa funciona como espejo de sus vidas rotas, de su necesidad de sentirse algo más que fagocitados por el sistema o el olvido. Y esa empatía que se forja entre ellos tiene tanto de salvación mutua como de coartada moral.

Bajo la dirección de Elena Trapé (acompañada de Fernando Delgado-Hierro e incluso de Javier Cámara al mando de algún episodio) la serie aprovecha el espacio de las ciudades de provincias, los polideportivos a medio gas, las pensiones desvencijadas, para narrar “esa España sin carisma” a la que, según el propio San José, le gustan las historias de gente que “pierde incluso cuando gana”.

La interpretación de Javier Cámara vuelve a demostrar su dominio y matiz: un hombre que quiere servir de ejemplo aunque sus métodos chirrían, al que vemos caer, arrastrarse y ofrecerse como salvador cuando en realidad él está más perdido que su alumna. Y Carla Quílez como la joven promesa da voz al conflicto y a la vulnerabilidad, abriendo la posibilidad de esa “otra revelación” que viene de la mano del descubrimiento mutuo. La relación entre Cámara y Quílez podría dar a luz a otro descubrimiento como el que en su día vivimos con ‘Vivir es fácil con los ojos cerrados’ y Natalia de Molina, aunque a Quílez ya se la haya reconocido por ‘La maternal’.

Como obra televisiva, ‘Yakarta’ es quizá la más seria de San José hasta la fecha, que nos tiene más acostumbrados a comedias como ‘Ocho apellidos vascos’, ‘Fe de etarras’ o ‘Superlópez’ e incluso la recientemente renovada ‘Su majestad’ o la saga ‘Vota/Vamos/Venga Juan’. Aquí abandona el registro ligero para internarse en la radiografía honda, casi áspera, de un deporte marginal, de vidas mediocres y como siempre de un pequeño fragmento de nuestro país. Y en ese margen encuentra libertad para contar algo que pocas veces se ve: lo que ocurre detrás de los focos, antes del aplauso, en la periferia de la gloria. Y lo hace sin concesiones, con personajes condenados a entenderse a través de la complicidad de su desdicha y planteando muchos detalles que acaban cobrando sentido. En sus secretos y revelaciones nos topamos con una historia a la altura del ‘Gracias a Dios’ de François Ozon, para el buen entendedor.

El ritmo podría haber sido más ligero pues en algún tramo acusa cierta dilatación del viaje emocional, pero quizá ese tempo comedido es justo el que favorece que los detalles que parecen inconexos al inicio cobren significado al final. Con todo y con esto ‘Yakarta’ no es complaciente: incomoda, cuestiona, interpela. Y lo hace con una estética sobria, sin grandilocuencia, lo que agradece en este tipo de drama íntimo. Recomendable para quienes buscan ficciones que planteen más preguntas que respuestas y que no rehúyen el costo moral de sus personajes.

Crítica: ‘Norbert’

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Sinopsis

Norbert es un espía incompetente en una nación gris, burocrática y triste. Sus gobernantes sueñan con conquistar a su colorido vecino, un pequeño y alegre país donde todo funciona al revés en un caos total y absurdo, algo que hace terriblemente felices a sus habitantes. A pesar de su total inutilidad, Norbert se convertirá en una pieza clave para desbaratar los planes de su propio gobierno. Acompañado de sus estrafalarios compañeros, compartirá aventuras, diversión y peligros en un intento por salvar Colorlandia y, sobre todo, en la búsqueda de su propia felicidad.

Crítica

Llena de valores para los más pequeños y con muy buen ritmo musical

José Corral nos trae ‘Norbert’ divertida cinta con un mensaje muy claro, no hay que dejar de crecer, pero tampoco de ser feliz. La felicidad en Norbert llega a base de color y música. Y es que nuestro protagonista vive en Graylandia, una nación gris donde la burocracia es su fe y sobre todo no se es nada feliz, solo se está estresado. Los gobernantes quieren conquistar Colorlandia, donde la diversión, las leyes locas y la música están a la orden del día. Norbert se adentrará en este mundo lleno de color.

Hacía mucho tiempo que no veía una cinta infantil, quiero decir, últimamente, todas y cada una de las películas que van para los más pequeños, siempre adentran algo para los adultos que le acompañan, no está mal pensado, al final también son espectadores, pero es cierto, que quizás muchos de esos mensajes son conceptos algo más complejos para los pequeños de la casa. Norbert, tiene un mensaje bastante bonito, no dejes de soñar, de divertirte y de ser feliz, todo ello contado de manera muy sencilla, con personajes muy sencillos y sin ningún tipo de complicación. Y es algo que me ha encantado.

La animación de la película me ha parecido una maravilla. Es muy sencilla, son dibujos sin ningún tipo de complejidad y que con pocos movimientos nos muestran mucho. Tiene además una claridad y limpieza muy bien realizada. Pero donde destaca realmente es en el trabajo de la luz y el color. Hay escenas en las que se ve un brillo espectacular gracias a que la Luna está cerca de Colorlandia y está tan bien hecho que parece luz real. Es algo que me ha impresionado bastante. Y como vamos cambiando de ese mundo gris al color y al final terminan uniéndose para mostrarnos pequeñas “motas” de color en un mundo completamente sin color.

La banda sonora me ha gustado mucho también. Pero sin duda el montaje de sonido me ha parecido de lo mejor. Y es que cuando estás en esa ciudad tan “tenebrosa” donde los coches, los papeles, el ruido de las fábricas, hace que sientas pesar por sus habitantes. Mientras que el sonido de los pájaros, la música y el viento en Colorlandia, nos da la sensación de que allí todo está bien.

No puedo negar que la película me ha gustado mucho, además no podéis poner la excusa de no tener tiempo de llevar a los niños al cine ya que la película dura 1 hora y 10 minutos. Además, como os he comentado a lo largo de la crítica, tiene unos valores muy importantes que los niños deben conocer. La amistad, las relaciones con personas que no tienen los mismos gustos que uno mismo, la confianza y el aprender que no se debe obligar a cambiar a nadie. El próximo 17 de enero la tendréis en los cines gracias a Buena Vista Internacional.

 Ficha de la película

Estreno en España: 17 de enero de 2025.  Título original: Norbert. Duración: 75 min. País: España. Dirección: José Corral Llorente. Guion: José Corral Llorente. Música: Micaela Carballo y Lucy Patané. Fotografía: Natasha Braier, Chema Hernández y Ricardo Pérez. Producción: Capitán Araña, Aquí y Allí Films, Vista Sur Films S.r.l.  Distribución: Buena Vista Internacional. Género: Comedia. Web oficial: https://prensa.disney.es/noticias/norbert-la-nueva-pelicula-de-animacion-de-jose-corral-se-estrenara-el-17-de-enero-solo-en-cines

Crítica: ‘Longlegs’

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Sinopsis

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Mientras el FBI intenta atrapar a un retorcido asesino en serie, una agente descubre una serie de pistas que podrían llevarla hasta el criminal y poner fin a su terrorífica ola de asesinatos.

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Crítica

La tensión de ‘Longlegs’ me genera mono por el cine de Oz Perkins

Nicolas Cage levanta pasiones hoy en día, prueba de ello es que está viviendo una segunda o tercera juventud artística. Su último estreno, ‘Longlegs’, ha sido todo un taquillazo en USA, superado solo por la última película del universo ‘Gru’. Costó unos 10 millones, dejándose la mitad del coste del rodaje en el caché del actor y gastando casi lo mismo en publicidad. Se rentabilizó solo con la taquilla norteamericana en su primer fin de semana de estreno.

‘Longlegs’ ha llegado a cines anunciando que co-protagoniza Nicolas Cage, pero no se ha querido mostrar ni una sola imagen de él, ni en vídeos, ni en fotos, ni en carteles. ¿Justificado? Resulta que sí. Ese secretismo es parte del marketing que atraerá a sus fans con el dial de curiosidad al máximo y cuando empieza la película se prolonga como herramienta para fomentar el suspense, pero he de decir que a mi se me ha roto el efecto muy tempranamente.

Oz Perkins, hijo de Anthony Perkins (‘Psicosis’) y director de la versión oscura del cuento de Hansel y Gretel, es el director de este nuevo thriller policíaco. Tanto él como Cage han declarado que ‘Longlegs’ es un homenaje a sus madres. Mi impresión es que vista bajo ese prisma esta película es un tributo un tanto cuestionable y retorcido, no quiero saber cómo eran sus madres pues la película llega a ser por momentos turbia, inquietante y oscura, pero como decía antes, hay algo que destroza por completo la atmósfera conseguida.

Con imágenes y un devenir similares a ‘Zodiac’, ‘S7ven’, ‘El silencio de los corderos’ o ‘El coleccionista de huesos’ se consigue una película la mar de eficiente en la mayoría de sus secuencias. La película está compuesta por planos tranquilos rotos a veces por momentos o sonidos impactantes con un rojo setentero que siempre nos imbuye un horror sangriento. Es de admirar el cuidado que ha puesto Perkins en la imagen, llena de grandes y estudiadas composiciones, con zooms y algún paneo, sin travellings o steadicams que alteren el ritmo. En ese modus operandi de contar historias seguimos a una agente especial del FBI que tiene eso, bastante de especial. Se intuye que la protagonista reprime algo gracias a la gran interpretación de Maika Monroe y ello se suma al misterio del asesino al que persigue con una capacidad casi clarividente. Su papel me recuera un poco al Patricia T. Arquette en ‘Medium’. Teniendo en cuenta que dos de las películas más exitosas de Monroe, ‘It follows’ y ‘El extraño’, tratan sobre mujeres que son acosadas, pensaba que este filme iba a tratar una vez más de lo mismo. En parte sigue ese leitmotiv, pero se sale por la tangente. El problema no es ella ni esa especie de cruzada de concienciación que está haciendo con su carrera, sobra decir que argumentos y razones no le faltan.

Tanto el casting como el tratamiento de los personajes de Maika Monroe y Alicia Witt me parecen un acierto. Muchos le tienen estigmatizado pues lo suyo ha hecho para ganarse esa fama, pero Nicolas Cage tiene muy buenas películas sin necesidad de ser comedidas o chifladuras palomiteras. ‘Longlegs’ se suma a ese saco de buenos largometrajes en los que está participando Nicolas Cage últimamente, tales como ‘Pig’ (de la misma productora) o ‘Dream Scenario’. Pero no precisamente gracias a él, que una vez más demuestra que interpretar personajes extremos o lunáticos sacan su lado más histriónico. Hay que reconocer que el maquillaje, casi a lo Eric Stoltz en ‘Mask’ no ayuda y parece más un Celebrities de Joaquín Reyes. Esto y la manera de gritar y reír del descendiente de los Coppola desmontan la peli. Cage ha declarado que debido a su violencia no quiere volver a interpretar un papel como este, yo desde luego se lo agradecería pues no exhibe aquello que le hace divertido, ni en el buen ni en el mal sentido.

Aunque como fan de Cage estoy decepcionado y como amante del terror me esperaba una resolución más aterradora he de decir que ‘Longlegs’ es una gran experiencia. De hecho ahora tengo más ganas de ver ‘El mono’, el próximo proyecto de Oz Perkins que adaptará un relato de Stephen King contando con Theo James y Elijah Wood.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de agosto de 2024. Título original: Longlegs. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Oz Perkins. Guion: Oz Perkins. Fotografía: Andrés Arochi. Reparto principal: Nicolas Cage, Maika Monroe, Alicia Witt. Producción: C2 Motion Pictures Group, Oddfellows Entertainment, Range Media Partners, Saturn Films, Traffic. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror, suspense. Web oficial: https://c2motionpictures.com/project/longlegs/

Publicados los cortos de Su móvil, tu responsabilidad

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Javier Jimeno Maté ha realizado tres cortometrajes para garantizar la concienciación de esta campaña

Ya se pueden ver los cortometrajes que forman parte de la campaña puesta en marcha por APEOGA (Asociación de Productores y Editores de Obras y Grabaciones Audiovisuales) bautizada como Su móvil, tu responsabilidad.

Su móvil, tu responsabilidad aborda el problema del acceso de menores a contenidos no adecuados para ellos, esta vez poniendo el foco “en el papel responsable de los adultos, tutores de los menores, a la hora de controlar el uso de los dispositivos que estos puedan llevar a cabo. Pero también apuntando a los centros educativos y las administraciones públicas para que lleven a cabo un control y una legislación efectiva que consiga controlar esta problemática”.

Los tres cortometrajes realizados por el director Javier Jimeno Maté presentan diferentes situaciones que exponen esta problemática, como es el ciberacoso, las adicciones tecnológicas y el acceso a contenidos inapropiados.

Caperucita Roja

Espectáculo interrumpido

Un rodaje accidentado

Tráiler de ‘Al-Shifa Hospital. Los crímenes enterrados’

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Podrá verse el 27 de junio en Madrid

El documental ‘Al-Shifa Hospital. Crimes They Tried to Bury’ (Los crímenes enterrados), producido por Al Jazeera 360 para denunciar los crímenes cometidos por Israel  en el complejo hospitalario más grande de la Franja de Gaza, se estrenará en España la próxima semana.

A través de testimonios exclusivos de los palestinos que sobrevivieron a los bombardeos, asesinatos, torturas y arrestos ejercidos por parte del ejército de Israel durante 14 días de asedio, entre marzo y abril de 2024, el film pretende fomentar el debate para poner fin al genocidio en Gaza.

 

Publicado por @moviementarios
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Con una duración de 44 minutos, la película, filmada con una de las pocas cámaras disponibles en este complejo, documenta cómo varios equipos médicos de Al-Shifa y algunos ciudadanos fueron obligados a enterrar a las víctimas de los bombardeos en fosas comunes dentro de los patios del hospital, siendo después exhumadas por parte de  las excavadoras israelíes. Además, enfermeras, acompañantes de pacientes y residentes de los alrededores del complejo advierten en esta cinta de que las 3.000 personas que permanecieron atrapadas en el hospital durante días, con escasas provisiones de comida y agua, fueron amenazadas por el ejército israelí de que les dispararían si abandonaban el lugar sin recibir antes instrucciones de evacuación.

Dirigida por Obada Al-Baghdadi con un guion firmado por Mahmoud Abu Ghalwa, ’Al-Shifa Hospital. Crimes They Tried to Bury’ cuenta con la supervisión de Jamaluddin El-Shayyal. Ibrahim Saber y Mohammed Al Adly son los coproductores. La película está producida por la nueva plataforma Al Jazeera 360, cuya presentación oficial tendrá lugar el próximo mes de septiembre.

No es la primera vez que Al-Shifa sufre el ataque de Israel, puesto que el hospital ya fue bombardeado en octubre, cuando el edificio principal del centro resultó gravemente dañado. Y eso a pesar de que funcionarios de Naciones Unidas han recordado en repetidas ocasiones que los hospitales no pueden ser atacados en conflictos bélicos. Por eso, el equipo de documental confía en que el film sirva como prueba evidente para que la Corte Penal Internacional (CPI) juzgue los crímenes de guerra israelíes cometidos en la Franja de Gaza.

Como subraya Awad Joumaa, jefe de contenido original de Al Jazeera 360, «el documental es una instantánea de la historia y del genocidio en curso que ha estado ocurriendo en Gaza desde el 7 de octubre. Lo que es diferente de esta película, y esa fue la intención desde el día en que decidimos que íbamos a hacer esto, es documentar lo que está sucediendo a través de las voces de la gente». 

El estreno de ’Al-Shifa Hospital. Crimes They Tried to Bury’ tendrá lugar el próximo jueves 27 de junio, en un pase privado a las 20:00 en cines Capitol de Madrid que contará con presentación a cargo del equipo de Al Jazeera 360.La sesión contará con representantes políticos, de ONGs y medios de comunicación. Se ha organizado un photocall en el hall del cine a partir de las 19:00. 

La productora del film ha subtitulado el documental en inglés, francés y español con el objetivo de garantizar su distribución mundial para poner fin a una situación que ha provocado ya la muerte de más de 37.000 palestinos y el desplazamiento de la mayor parte de los 2,3 millones de habitantes de la Franja de Gaza.

Crítica: ‘The Palace’

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Sinopsis

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El Hotel Palace es un extraordinario castillo diseñado a principios del siglo XX y situado en pleno valle nevado de Suiza. Cada año acoge a huéspedes adinerados de todo el mundo en un ambiente gótico y de cuento de hadas. En vísperas del año 2000 se han reunido todos para un acontecimiento irrepetible. Una multitud de camareros, porteros, cocineros y recepcionistas están allí para atender sus extrañas necesidades.

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Crítica

Una comedia decadente de la que solo sale airoso Oliver Masucci

Roman Polanski se sube al carro de las historias ambientadas en estresantes y exigentes establecimientos. Nos plantea una “pesadilla en la cocina” de alto standing que ha rodado en Suiza cerca de su residencia actual gastándose cerca de 17 millones. Películas como ‘El gran Hotel Budapest’ y ‘Hierve’ o series como ‘The White Lotus’ o ‘The Bear’ podrían haber acudido a nuestra memoria viendo ‘The Palace’, pues dentro de la temática se alzan como  los referentes más evidentes. Por desgracia ‘The Palace’ está a años luz de todo eso. Desafortunadamente toda la obra consiste en gags básicos y en predecibles malentendidos. Es por eso que a la hora de establecer conexiones con títulos recientes en mi cabeza han aparecido películas como ‘Desmadre incluido (Hotel Colón)’, ‘El hotel de los líos’ o ‘La suite nupcial’. Y es que la última película de Polanski tiene gags más próximos a un José Luis Moreno intentando imitar a los hermanos Marx que al genio que rodó ‘La semilla del diablo’.

¿Es mala por el tipo de humor que tiene? Si el director quisiese lavar su imagen y huir de aquellos que reprochan su comportamiento y su trato hacia las mujeres, no es precisamente la película ideal. El humor es tan básico que llega a parecer grosera, soez y hortera. Supuestamente este tipo de apelativos se le suele atribuir a películas atrevidas pero en este caso lo veo más cerca a lo vago y lo desesperado. Es un claro síntoma de la decadencia por la que pasa este director. Tal es así que ‘The Palace’ cuenta entre sus curiosidades con ser la película en la que Mickey Rourke ha mostrado por primera vez su calvicie, como si de una exclusiva del Sálvame se tratase, ese es el nivel. Si te gusta el humor pueril, tontorrón y de chiste fácil te puedes reír con esta película, soy de los que defienden que tiene que haber de todo, pero desde luego no es mi tipo de comedia pues me sabe a rancio.

En ‘The Palace’ seguimos a los gestores, empleados y clientes de un hotel en la nochevieja que dio paso al malamente temido año 2000. Mafiosos rusos, ricachones snobs, matrimonios por interés, empleados presionados hasta el límite, visitantes que provienen de fuera de los círculos de la jet set, mujeres que han pasado tanto por el quirófano que tienen más plástico que carne… Es una comedia de enredos en la que se plantean muchos elementos, pero se entremezclan poco entre sí. Básicamente los miembros del Hotel The Palace van de acá para allá apagando fuegos.

Da pena ver a ases de la comedia como John Cleese sometidos a una comedia menor como esta. Para más inri comparte gag con ‘Isi Disi’ y se ve en una versión fallida de ‘Este muerto está muy vivo’. Amor a lo bestia’. Sin embargo sí que es curioso ver a Oliver Masucci, a quien conocéis de ‘Dark’, pero no reconoceréis por lo caracterizado que está. Es quien interpreta al regente del hotel y me parece magnífico cómo se mete en la piel de alguien que tiene que mantener la compostura ante el esperpento que tiene delante.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de abril de 2024. Título original: The Palace. Duración: 100 min. País: Italia, Suiza, Polonia, Francia. Dirección: Roman Polanski. Guion: Roman Polanski, Jerzy Skolimowski, Eva Piaskowska. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Pawel Edelman. Reparto principal: Oliver Masucci, Fanny Ardant, John Cleese, Joaquim de Almeida, Luca Barbareschi, Mickey Rourke. Producción: Eliseo Entertainment, Rai Cinema, Lucky Bob, Atlas Sztuki, CAB Productions, Moderator Inwestycje, Direct4Energy, Benitex, Polski Instytut Sztuki Filmowej. Distribución: Vértigo Films. Género: comedia. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/the-palace/

Tráiler de ‘Alien: Romulus’

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En cines el 16 de agosto

Tras ‘Prometeus’ y ‘Covenant’ llega la tercera de las “séquelas precuelas” de la saga ‘Alien’. El próximo 16 de agosto se estrena en cines ‘Alien: Romulus’ y podemos ver ya un tráiler de la película para la cual se había rumoreado que dirigiría Neill Blomkamp, entre otros, pero que finalmente ha llevado a cabo Fede Álvarez.

En este filme nos encontramos con uno de los repartos más jóvenes de toda la franquicia. Se enfrentarán al alien Isabela Merced, Cailee Spaeny, Archie Renaux, David Jonsson, Spike Fearn y Aileen Wu.

Se supone que ‘Alien: Romulus’ no transcurre en la línea de los dos últimos estrenos, sino que tiene lugar entre ‘Alien, el octavo pasajero’ (1979) y ‘Aliens: El regreso’ (1986). Al contrario que en sus dos predecesoras no habrá tanto efecto generado por ordenador, sino que se ha hecho uso de efectos prácticos, contando con el equipo del filme del 86.

Se lanza la campaña “Su móvil, tu responsabilidad”

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APEOGA busca concienciar sobre el acceso de los menores a contenidos para adultos

APEOGA, cuyas siglas corresponden a la Asociación de Productores y Editores de Obras y Grabaciones Audiovisuales, engloba prácticamente al 100% de las empresas dedicadas a la producción y edición de obras y grabaciones audiovisuales, especializadas en el sector erótico y para adultos.

En su lucha por evitar radical y contundentemente, el acceso de los menores a contenidos exclusivos para adultos, ha puesto en marcha la campaña SU MÓVIL, TU RESPONSABILIDAD. (CONCIENCIACIÓN. EDUCACIÓN. LEGISLACIÓN). Poniendo el foco en el papel responsable de los adultos, tutores de los menores, a la hora de controlar el uso de los dispositivos que éstos puedan llevar a cabo. Pero también apuntando a los centros educativos y las administraciones públicas para que lleven a cabo un control y una legislación efectiva que consiga controlar esta problemática.

La campaña cuenta tres vídeos y ya se ha lanzado el primero que podéis ver a continuación. 

Más información de la campaña SU MÓVIL, TU RESPONSABILIDAD en la web: sumovilturesponsabilidad.com

«Desde APEOGA, respetamos y cumplimos escrupulosamente el marco legal en todas las áreas que comprende nuestro sector: Administración, Producción, Edición, Distribución, Exhibición y Emisión. Y elaboramos protocolos muy estrictos para evitar, con la máxima eficacia, el acceso a menores a los contenidos para adultos con los que trabajamos.

Defendemos la pornografía como género cinematográfico, con todo lo que esto implica. Como un género más del Séptimo Arte, amamos esas historias de ficción donde podemos visionar nuestras fantasías sexuales y descubrir otras que nos provoquen evasión, gozo y excitación.

En plena era digital, en pleno siglo XXI, la realidad que nos rodea queda lejos de procurar una libertad de expresión más desprejuiciada y una comunicación más certera, constructiva y por qué no, divertida y estimulante. Comprobamos, preocupados, que se nos presenta oscura, manipuladora y negligente.

Por una parte asistimos a una posición donde impera lo políticamente correcto, encontrando en foros y redes sociales una censura ante contenidos libertinos y explícitos, que nos hacen sonrojarnos ante una mojigatería que creíamos superada. Pero a la vez, comprobamos cómo ciertos contenidos explícitos que se recrean en la violencia y lo atroz, que en muchos casos están además fuera de la legalidad, campan a sus anchas por internet sin que se vean afectados por cortapisa alguna. Y lo que es más grave, sin ningún control en el acceso de menores a esos contenidos.

Desde hace años, hemos estado persiguiendo sin descanso, una regulación de dichos contenidos pornográficos.

Una problemática que hemos expuesto a nuestros representantes políticos, una y otra vez, sin conseguir resultados. Un tema que, tampoco los medios de comunicación, han atendido con la urgencia debida, algo incomprensible para nosotros, debido a la gravedad del tema. Una cuestión que hemos recogido en nuestro libro de reciente publicación: EL LIBRO BLANCO DE CINE PARA ADULTOS.

Esta necesidad de regular el sector, ahora salta a la actualidad.

El Gobierno español está poniendo en marcha una ley para proteger a los menores del porno y la violencia en internet y va a poner en funcionamiento una serie de herramientas de control a los accesos de estos contenidos.

Este planteamiento APEOGA ya lleva años realizándolo. Por una parte poniendo en conocimiento, como hemos dicho, tanto de representantes políticos, como de los medios de comunicación, la problemática de los contenidos que campan sin control por las redes. Por otra parte consiguiendo, a través de nuestra plataforma de  cine para adultos: vivex.tv, un control efectivo, consiguiendo el NO ACCESO  de los menores. Demostrando así, desde hace tiempo, que este reto se puede conseguir.

En el pasado hubo tiempos oscuros donde encendimos la luz del desparpajo y la alegría de lo carnal. Nos encontramos con un presente en el que se cierne de nuevo la negrura de la censura por un lado y la ilegalidad de unos contenidos brutales sobre los que nadie actúa y que llegan a los más vulnerables, los niños.

Hemos buscado respuestas por parte de gobiernos, partidos e instituciones que siempre han vuelto la cabeza ante una realidad que a nosotros sí nos importa. Ahora parece que despiertan. Estaremos atentos a las propuestas y siempre abiertos a la colaboración.»

Antonio Marcos. Presidente de APEOGA

Crítica: ‘Riddle of fire’

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Sinopsis

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Érase una vez tres niños que intentaban descifrar el control parental de su videoconsola y dar con la receta de la tarta de arándanos perfecta. Érase una vez una secta de cazadores furtivos que no paraban de discutir y una niña con un don élfico.

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Crítica

Aventura impregnada de la sinvergonzonería de Pipi Calzaslargas

‘Riddle of Fire’ ilumina la pantalla con su fascinante historia de misterio, magia y aventura. Dirigida por el debutante en el largometraje Weston Razooli, esta encantadora película de fantasía lleva al público a un impresionante viaje por un mundo en el que chocan antiguas profecías y juegos infantiles. Una película tan carismática y entrañable que desde que la vimos en Sitges odio que sea comparada con ‘Stranger Things’ solo porque esté protagonizada por unos niños que van sobre ruedas.

Es un pintoresco cuento contemporáneo que no tiene reparos en mezclar géneros y argumentos. En ‘Riddle of fire’ unos críos intentan jugar a su nueva consola, la cual es robada, y para ello necesitan chantajear a su madre con un pastel de arándanos. En el proceso se sumergen en un road trip cargado de curiosos personajes. Con esa premisa no lo decimos todo pues la película se reserva aún más.

Aventura rodada en 16mm muy setenteros evocando el espíritu de antaño, no solo de hacer cine sino también de aquellos tiempos en los que era concebible jugar sin la necesidad de una pantalla de por medio. Sin darse cuenta de ello estos amigos evocan el espíritu desafiante de Pipi Calzaslargas enfrentándose sin reparos y jugueteando con el mundo adulto. Son unos trastos que cual Link de Zelda tienen una misión que los lleva a otras misiones secundarias escondidas en bosques y tabernas. Es como una aventura gráfica llena de sinvergonzonerías. Lástima que al final no cierre el mensaje que yo por lo menos he extraído y que tenga algunos momentos de bajón por recrearse en los secundarios, a los cuales, tampoco les da excesiva explicación.

Razooli es capaz de ofrecer una nueva visión de los tropos familiares al tiempo que brinda una narrativa atractiva y emocionante. Teje una narración absorbente, llena de giros, sorpresas y revelaciones inesperadas, además de extravagantes. La película explora temas como el poder de la amistad o el sentido de la aventura o la diversión. Se convertiría en un clásico instantáneo si recibiese la atención suficiente.

Admiro que se haya hecho una película así para niños que también puede entretener a adultos. Hoy en día todos los filmes dirigidos a audiencias infantiles vienen cargados de efectos y duraciones excesivas. ‘Riddle of fire’ es sencilla, campechana y llena de valores (aunque alguno de ellos llevará el cartel de “no hagas esto en casa”). Divierte, invita a salir a recuperar el espíritu de juego y en ocasiones conmueve. Para muchos este título quedará entre joyas desapercibidas o cine de culto, para nada como placer culpable. Desde luego sabe a clásico y no solo por el etalonaje.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Riddle of fire. Duración: 113 min. País: EE.UU. Dirección: Weston Razooli. Guion: Weston Razooli. Fotografía: Jake L. Mitchell. Reparto principal: Charlie Stover, Skyler Peters, Lorelei Olivia Mote, Phoebe Ferro, Weston Razooli, Lio Tipton, Charles Halford. Producción: ANAXIA, FullDawa Films. Distribución: Flamingo Films. Género: aventuras, comedia. Web oficial: https://www.riddleoffirethemovie.com/

Crítica: ‘Bâba’

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Sinopsis

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Una mujer se despierta en medio del bosque. Desorientada e intentando encontrar el camino de vuelta a casa, se topa con un pequeño conejo de peluche parlanchín que le invita a tomar el té. La mujer acepta la invitación mientras trata de poner sus ideas en orden.

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Crítica

Potente y resuelto, tocando un tema peliagudo y esquivo para la sociedad

Las casualidades en el mundo del cine existen. Llevaba tiempo teniendo como deberes pendientes ver el cortometraje ‘Bâba’ de Pablo Otero y ahora que he tenido espacio para ello resulta que entronca directamente con varios sucesos recientes o de actualidad. En primer lugar me ha hecho recordar el caso de la mujer esquizofrénica que tras ser puesta en libertad puso en jaque a El Molar durante unas horas empuñando un cuchillo. Por otro lado está el caso del crimen de Castro Urdiales cuyo móvil empieza a sonar que pudo haber sido un maltrato infantil no atendido a tiempo por la sociedad y las autoridades. Ambos son sucesos que nos han conmocionado y llenado de terror.

‘Bâba’ nos invita a tomar el té en medio del bosque en una mesa que bien podría ser la del Sombrerero Loco de ‘Alicia en el país de las maravillas’. Locura hay en esta historia pues es de locos el mantener una conversación con un conejito de peluche. Este podría haber sido un guión más acertado para el live action ‘Winnie the Pooh: Miel y Sangre’ pues lo que sucede es que una mujer se despierta en medio del bosque y allí se encuentra al amigo imaginario o peluche de su infancia, con el que comienza a conversar. Con esta enajenadora historia volvemos de nuevo a recurrir a la actualidad pues está a punto de estrenarse ‘Imaginary’ y por poco acaba la cosa como en ‘La mesita del comedor’. Resuelto es el corto pues sin miedos y empleando un lenguaje como el terror y la fantasía se atreve a tocar un tema que por lo general es escabroso y casi nadie atina a abordar.

Si eres de los que piensa que un cortometraje es algo casero o con poca calidad, ‘Bâba’ va a hacer que cambies de opinión. Este trabajo nos sorprende con un personaje totalmente recreado por ordenador. Un conejito que nada tiene que envidiar a los animalillos hechos con CGI de las superproducciones que llegan a las carteleras. No es de extrañar tamaño nivel de calidad pues Pablo Otero es un 3D generalist que ha trabajado en producciones como ‘Ahsoka’, ‘Unwelcome’, ‘Alien Covenant’ o ‘Guardianes de la Galaxia Vol.2’ entre otras muchas. Quizá su trabajo más relacionado con ‘Bâba’ es ‘Christopher Robin’, pero desconozco si en ese proyecto participó recreando personajes. Lo que si que es que quien da voz a Bâba es Álvaro Ramos Toajas, un experimentado doblador habitual de James Scully o César Domboy que le da un empaque perfecto al cortometraje.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de julio de 2023. Título original: Bâba. Duración: 10 min. País: España. Dirección: Pablo Otero. Guion: Pablo Otero. Música: Álvaro Domínguez Vázquez. Fotografía: Jesús Perujo. Reparto principal: Carolina Castellano, Álvaro Ramos Toajas, Sebastián Haro, Lucía Hoyos. Producción: Evil Popcorn Films, TMK Estudios. Distribución: Antonio Rosa Lobo. Género: fantasía, drama.

Crítica: ‘Sound of freedom’

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Sinopsis

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Narra la historia de Tim Ballard, un ex Agente de Seguridad Nacional de Estados Unidos que dejó su trabajo para dedicar su vida, sumergiéndose en el submundo del tráfico de personas a lo largo de Latinoamérica, a intentar salvar las vidas de cientos de niños.

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Crítica

Una película mucho menor que toda la controversia que se ha generado

Llega a nuestras taquillas ‘Sound of freedom’. Una película que se ha convertido en un fenómeno de esos que surgen de manera esporádica. Ya no se sabe si ha vendido muchas entradas por la polémica que ha generado o ha causado controversia a partir de sus proyecciones y aquello a lo que se le ha asociado. Incluso es un filme del que se dice que ha comprado su propia taquilla (con un «innovador» sistema de regalo de entradas a terceros), algo no tan extraño en la industria y en este caso no del todo errado pues Angel Studios, distribuidora que finalmente se hizo con el largometraje, ofrece poder verla gratis en USA proporcionándote un lugar donde visionarla.

Comencemos con Angel Studios. Parece que lo de apropiarse de la palabra “libertad” por parte de la derecha religiosa no es algo solo de España. Angel Studios (que solo tiene que ver con el Padre Ángel la afiliación a la palabra de Dios) surgió a partir de la inquietud de sus creadores a la hora de asegurar contenido apropiado para el público infantil. Con mensajes como “Nuestro compromiso de compartir contenido que amplifique la luz…” promocionan audiovisual como ‘The Chosen’ que también está teniendo cierto éxito a través de la narración de la vida de Jesús de Nazaret. La trama de ‘Sound of freedom’ no entiende de creencias o politiqueos. Y no, Hollywood no está evitando que la veas por estar presuntamente vinculado, simplemente no ha encajado en los planes de majors como Disney que la rechazó tras haber comprado Fox por no verla rentable. Obviamente ha habido un revulsivo que ha demostrado el error. Pero… ¿Sin este rechazo y soporte de las parroquias cristianas que apoyan a Angel Studios habría habido efecto llamada?

Evidentemente el abuso infantil y el tráfico de personas es algo que hay que erradicar. Lo malo de la película de Alejandro Monteverde es que se le ve el plumero con el sensacionalismo de algunas escenas y los alegatos patrióticos o ultraconservadores. La obra fue estrenada el 4 de julio, tenemos a un padre de familia numerosa, van a comer a un restaurante llamado American Burgers, es el típico héroe americano hace de caballero andante, el actor protagonista es abiertamente ultracatólico… Cabe señalar también que todo esto está basado en hechos reales. No encontramos aquí nada descarado ni dicen en ningún momento estar alineados con ningún movimiento conservador, pero los tópicos hablan por si mismos y el origen de la distribuidora que ha comercializado el filme es aún más indiscutible.

Dado su argumento se ha vinculado la película con teorías conspirativas de QAnon tales como aquella que afirma que Donald Trump tiene una cruzada contra determinadas élites demócratas que se dedican a la pedofilia o incluso a los ritos satánicos. De ahí parte el fenómeno de masas y hay que reconocer que ‘Sound of freedom’ en ningún momento se pronuncia contra esos lobbies sistémicos o carga contra nadie en concreto. Aunque hay que hacer honor a esa verdad también hay que conocer la trastienda y descubrir detalles tales como que el productor Eduardo Verastegui (protagonista de una de las películas de Monteverde), pone en su Instagram “los niños de Dios no están a la venta”. Que se lo digan a monaguillos como los que retrata ‘Gracias a Dios’, por ejemplo. Nos llega así la sensación de una gran hipocresía que revela una vez más que aquí solo queremos ver lo que nos interesa. Pero no voy a ser como los políticos que solo saben defenderse sacando mierda del lado contrario y nunca demostrando que son inocentes de aquello a lo que se les acusan. ¿La película logra incomodar a ciertos poderes fácticos o genera una alarma social desmedida? Una vez más habrá que decir aquello de que “nadie está en posesión de toda la verdad”. Aquí lo único evidente es que hay podredumbre en todas partes, da igual el color o la ideología.

Puestos en situación creo que ya he dejado claro que esta no es una película que se posicione voluntaria o abiertamente. Como thriller policíaco o película clásica de extracciones está bien rodada y se atreve con un tema cuanto menos incómodo. Un tanto excesivamente larga, llena de esos tópicos que tanto se han usado cuando se narra la historia de un agente con complejo de ángel de la guarda, pero hay que reconocer que en el plano técnico está bien realizada. A Jim Cavizel parece que ya solo le vemos en producciones que tienen que ver con sus creencias o realizadas por su grupo de amigos. Como actor creo que ha demostrado su valía muchas veces y en ‘Sound of freedom’ no está parco en recursos.

Morbo es una palabra que se ajusta bien a ‘Sound of freedom’. Un morbo repugnante empuja a los villanos que abusan de niños y menos deleznable y más comprensible es el morbo de aquellos que se acerquen al cine a ver qué sucede realmente con este largometraje. Ya hemos visto películas movidas por pulsiones repelentes como las snuff films o sin ir más lejos tenemos el ejemplo reciente de ‘Mantícora’ aquí en España. Lo que más se amolda a este largometraje si queréis recurrir a ficciones similares es la trilogía de Carmen Mola. Una obra que también habla de poderosos secuestrando niños y que tampoco está exenta de polémica por lo que ha generado un intenso debate. ¿A caso no es ese uno de los objetivos del arte y el entretenimiento?

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de octubre de 2023. Título original: Sound of freedom. Duración: 131 min. País: EE.UU. Dirección: Alejandro Monteverde. Guion: Rod Barr, Alejandro Monteverde. Música: Javier Navarrete. Fotografía: Gorka Gómez Andreu. Reparto principal: Jim Caviezel, Mira Sorvino, Bill Camp, Kurt Fuller, Gerardo Taracena. Producción: Metanoia, Santa Fe Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: suspense, hechos reales. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/sound-of-freedom

Crítica: ‘Ninja Turtles: Caos Mutante’

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Sinopsis

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Después de pasar años apartados del mundo humano, los hermanos Tortuga se proponen ganarse el corazón de los habitantes de Nueva York y que les acepten como quinceañeros normales, llevando a cabo actos heroicos. Su nueva amiga April O’Neil les ayuda a enfrentarse a un misterioso sindicato del crimen, pero pronto se ven superados ante el ataque de un ejército de mutantes que se abalanza sobre ellos.

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Crítica

Los garabatos trash más divertidos que he visto en pantalla grande

Se suele entender como garabato todo aquel dibujo irregular, impreciso o improvisado que se hace sobre un papel a mano alzada. Por lo general se consideran vagos o provisionales. Pero ‘Ninja Turtles: Caos Mutante’ consigue que unos dibujos pintarrajeados o caóticos e incluso de carácter trash sean la mar de divertidos, incluso visualmente impresionantes.

Si, efectivamente la animación puede recordar a la del Spiderverso. Pero la estética es marcadamente diferente. Dominan los colores sobre un ambiente nocturno y por lo tanto oscuro. Los personajes y las localizaciones distan mucho de ser preciosistas, estilizados o estéticamente agradables, de hecho son todos dignos del mayor vertedero que puedas imaginar. Y todo esto está muy bien traído para recordarnos que por muchas películas y series de animación y de acción real que hayamos visto las Tortugas Ninja proceden de los cómics. El estilo que de dibujo que han buscado desde Point Grey Pictures, la productora de Seth Rogen y Evan Goldberg, es más próximo que nunca al trazo de los cómics con los que Peter Laird y Kevin Eastman les dieron vida siguiendo muy de cerca lo aprendido de Frank Miller. Si no los habéis visto nunca ECC está sacando unas reediciones estupendas, incluidos sus crossovers con Batman, héroe al que mencionan varias veces en esta película y que por supuesto le debe también mucho a Frank Miller.

‘Ninja Turtles: Caos Mutante’ es anarquía, gamberrismo, dinamismo. Está embadurnada del espíritu suburbano y grafitero del trash de los ochenta pero lo traslada al 2023. Y como tal transcurre entre lo más bajo de la sociedad, las alcantarillas. Colectores de residuos y basura que aun así no están exentas de frecuentes alusiones a la cultura popular. Y por supuesto mucho sentido del humor, tanto para adolescentes como para adultos. La marca de Rogen y Goldberg se hace notar con ciertos gags y con un evidente amor por estos personajes tan sinvergüenzas y pueriles, pero todo está bastante ajustado para que la película tenga una categoría para mayores de siete años, al fin y al cabo también están involucrados Nickelodeon y estudios de animación como el francés Mikros Animation junto a expertos en VFX como son Cinesite.

Bien es cierto que se pasan por el forro el canon más popular y por ejemplo Bebop y Rocksteady ya no tienen el mismo origen de punks mutados por Shredder, Splinter aprendió sus artes marciales de películas (muy bien referenciadas), April es afroamericana… Esto último cuadra más que nunca dado que Eastman le puso el nombre de una afroamericana que había conocido y ambos creadores discrepaban en su raza, con lo que llegaron a la conclusión de que era mestiza. Pero lo que más te engancha de la película, a parte obviamente del espectáculo de animación que nos brinda, es todo el elenco de mutantes que rescata de los cómics y de la serie de la primera serie animada. Son una panda de granujas que pese a dar bastante asquete se antojan adorables. Y todos ellos son doblados por famosos como John Cena (Rocksteady), Seth Rogen (Bebop), Natasia Demetriou (Wingnut), Jackie Chan (Splinter), Ice Cube (Superfly), Paul Rud (Mondo Gecko)… y la lista sigue. Ese es otro gran acierto del filme, el doblaje, por lo menos el original, ya que las tortugas son quinceañeras y están dobladas por niños de esa edad que han grabado sus takes juntos, no en pistas separadas.

‘Ninja Turtles: Caos Mutante’ nos hace volver a conectar con esos mutantes que tanto nos han gustado siempre pero como aporte nos los muestra en su etapa más cándida. Al igual que el Hellboy de Guillermo del Toro son monstruos para la sociedad que añoran vivir bajo la luz del sol y tener la aceptación de sus vecinos. Esperemos que esta franquicia y no nos quedemos en ascuas como nos pasó con el personaje de Ron Perlman. Aunque habrá algunos que no soportarán el frenesí embrollado y casi epiléptico de las escenas de acción, sin duda ‘Ninja Turtles: Caos Mutante’ da para secuela, series, cómics o lo que les dé la gana. Las Tortugas Ninja no caducan y tal y como acaba este filme se puede explorar una faceta nunca vista de estas neoyorquinas, al menos así también nos lo deja ver la escena que se ha incluido a mitad de los créditos.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de agosto de 2023. Título original: Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem. Duración: 99 min. País: EE.UU. Dirección: Jeff Rowe, Kyler Spears. Guion: Seth Rogen, Evan Goldberg, Jeff Rowe, Dan Hernandez, Benji Samit. Música: Trent Reznor, Atticus Ross. Reparto principal (doblaje original): Micah Abbey, Shamon Brown Jr., Hannibal Buress, Rose Byrne, Nicolas Cantu, John Cena, Jackie Chan, Ice Cube, Natasia Demetriou, Ayo Edebiri, Giancarlo Esposito, Post Malone, Brady Noon, Seth Rogen, Paul Rudd, Maya Rudolph. Producción: Nickelodeon Animation Studios, Point Grey Pictures, Image Comics, Nickelodeon Movies, Paramount Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras, adaptación. Web oficial: https://www.teenagemutantninjaturtlesmovie.com/

Crítica: ‘Titina’

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Umberto Nobile, un ingeniero italiano de dirigibles, vive tranquilo junto a su perra Titina, a la que rescató de las calles de Roma. Un día, Umberto recibe un encargo del famoso explorador noruego Roald Amundsen, quien le pide que haga un dirigible para viajar al Polo Norte.

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Crítica

Pedagógica pero triste historia en formato infantil

Los años veinte son conocidos como los felices años veinte. Por supuesto nos referimos a los del siglo XX ya que los del XXI se van a conocer de una manera bien distinta. Fue una época de bonanza, optimismo y crecimiento cultural. También de hitos históricos. Fue por entonces cuando Roald Amundsen redondeó su hazaña y se convirtió en el primer hombre en haber conquistado el Polo Sur y el Polo Norte, irguiéndose así en todo un icono nacional para los noruegos. Pero no lo hizo sin ayuda ya que su logro fue compartido con el diseñador de dirigibles Umberto Nobile, el cual, tampoco lo habría conseguido sin el apoyo de su perra Titina.

Los pasos previos y sucesivos a la conquista de la cima del mundo son narrados en ‘Titina’. Una película que nos llega avalada por el premio de Excelencia en el Tokyo Anime Award y el premio a Mejor Película para Niños en el Zlín International Film Festival for Children and Youth. Y con eso resumo dos factores importantes del filme, es una película de animación para niños. Con lo cual nos explicamos también la única razón por la que el perro de uno de los exploradores es el eje del largometraje. Esta mascota con la que posó Nobile en casi todas sus fotos protagoniza la historia y nos ofrece su visión. Pero esto no se hace para ofrecer una perspectiva distinta de una conocida hazaña histórica, sino para suavizar lo que aconteció.

A pesar de que la conquista del Polo Norte fue más cómoda que la del Polo Sur no estuvo exenta de dificultades y momentos tensos. La relación entre Nobile y Amundsen se agrió paulatinamente y el dirigible tuvo que ser reparado más de lo que se muestra. No se ha disimulado el desencuentro entre ambos protagonistas pero como decía, el guión dulcifica lo que sucedió realmente. Y con todo y con ello tampoco disimula el triste final de esta historia que puede dejar en los espectadores un regusto de tristeza y aflicción.

La animación es digna de un libro de ilustración. Con trazos limpios, paleta de colores claros y no excesivos detalles nos muestran desde la Roma de hace un siglo hasta los confines helados del Ártico. El diseño de personajes es algo caricaturesco, recreando el rostro real de los que intervinieron en la gesta. Podrían ser perfectamente los dibujos de una aventura gráfica y su composición refleja perfectamente los instantes de una época en la que aún se filmaba en banco y negro. Dicho esto hay que señalar que se intercalan muchísimas fotografías y vídeos de archivo. Ahí quizá es donde está uno de los mayores valores de ‘Titina’. Rellena todo aquello que no se filmó por entonces, por supuesto imaginando la situación dentro del tono buscado, pero también sirviendo de gran instrumento divulgativo. Esta podría ser perfectamente una pieza para exponer en un museo relacionado con el tema.

Mi yo ecologista se apena porque se haya perdido una oportunidad con este filme. Al final de la película, bajo el retrato de Titina, se hace una llamada para detener las actividades humanas entorno a los casquetes polares, para que se mengüe su deshielo. Pero este llamamiento aparece en letras minúsculas y el largometraje no aborda en ningún momento esta materia.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de agosto de 2023. Título original: Titina. Duración: 90 min. País: Noruega. Dirección: Kajsa Næss. Guion: Kajsa Næss, Per Schreiner. Música: Kajsa Næss, Per Schreiner. Reparto principal (doblaje original): Jan Gunnar Røise, Kåre Conradi, John F. Brungot, Ingar Helge Gimle, Thorbjørn Harr, Christian Skolmen, Silje Torp, Nader Khademi. Producción: Mikrofilm, Vivi Film. Distribución: Alfa Pictures. Género: aventuras, comedia, drama. Web oficial: https://www.mikrofilm.no/Titina

Crítica: ‘El Hombre del Saco’

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A partir de las misteriosas desapariciones de varios niños en un pequeño pueblo, un grupo de adolescentes descubre que la terrorífica leyenda de El Hombre del Saco es real…

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Crítica

Spanish horror manteniendo vivo nuestro legendario

El Boogeyman, el Slenderman, el Grinch… La cultura norteamericana ha trasladado al cine a esas criaturas imaginarias o folclóricas que se usan para asustar a los más pequeños y hacer que se porten bien. Siempre nos han exportado ese tipo de productos basados en leyendas o cuentos chinos y a pesar de no llegar nunca a ser excelentes películas han salido airosas en taquilla o por lo menos han calado en el imaginario colectivo hispano. En España tenemos una amplísima tradición de historias negras y siempre han empapado o influido de un modo u otro nuestra en cultura. Pero es ahora cuando nos estamos atreviendo de manera más abierta a juguetear con nuestros terrores. Hace tiempo Paco Plaza se mojó con ‘Romasanta’, no hace mucho vimos ‘La Vampira de Barcelona’ tocando la figura de Enriqueta Martí. Ahora le ha llegado el turno a otro miedo infantil con base real, el Hombre del saco.

Aunque en muchas regiones se utiliza el pseudónimo del Hombre del Saco para amedrentar a los niños más trastos de la casa, la película de Ángel Gómez Hernández se basa en la versión conocida en la región de Almería, más en concreto en Gádor. Allí en 1910 vivió Francisco Leona Romero, un curandero que flirteaba con las malas artes y con mejunjes compuestos en parte de sangre y manteca de niños, lo cual, le llevó a cometer el crimen que finalmente le condenó a garrote vil. Desde entonces su nombre y apodo se usa para asustar a los niños que se portan mal.

Me parece bien que se usen nuestras leyendas locales y se intenten adaptar al cine con los esquemas o técnicas del cine del otro lado del charco. Pero hay un factor que puede jugar en contra de estos valientes y nada fáciles intentos. Al ser una historia circunscrita en nuestro territorio y al tener en España la mala costumbre de no valorar lo que tenemos se corre el riesgo de que el espectador ya vaya con una expectativa tóxica a ver el filme. En nuestro país tenemos la extraña afición de tirar por tierra todo aquello que generamos aquí si no se parece a lo de fuera o no es exactamente lo que esperamos. Eso es lo que va a suceder con el Hombre del Saco. Al no estar en la película ningún actor de esos que vemos por las alfombras rojas de Hollywood o el logotipo de un Disney o un Netflix ya parte con el rechazo de todos esos espectadores que lo único que están demostrando es tener una cultura bastante limitada.

Con todo esto no pretendo hacer de abogado del diablo. Haciendo uso de todo el respeto posible y el conocimiento de que sacar adelante estos proyectos no es nada fácil, he de decir que aunque me he entretenido con ‘El Hombre del Saco’ no puedo decir que vaya a pasar a formar parte de mis favoritas. Ángel Gómez Hernández me sorprendió con ‘Voces’, en la que ya trabajaba bastante con el tema infantil, pero en este caso eso precisamente le hace mella. Uno de los mayores problemas de esta película son las interpretaciones de los protagonistas, en su mayoría niños o adolescentes, salvándose pocos, como Lucas Blas que repite con el director. El otro factor que me descoloca es que les ha salido una aventura tipo ‘Los Goonies’ con tintes de terror y drama paternofilial tipo ‘IT’ o ‘Stranger Things’ además de una escena de motosierra a lo ‘Evil Dead’ y el tono contrasta mucho y se difumina bastante. Va a resultaros familiar el hecho de que el terrorífico ser tenga una pauta periódica como Pennywise o el Creeper y que el grupo de amigos esté compuesto por forasteros, vecinos y abusones que van sobre sus bicis. No pierde nunca de vista que es una película de terror fantástico con sus jumpscares y escenas nocturnas, pero los detalles que os he comentado, los momentos de comedia o la escasa aparición de la criatura hacen que no resulte eficiente.

Hay que valorar el esfuerzo por ir más allá de lo que nos han contado de generación en generación sobre el Hombre del Saco, que ha sido siempre más bien poco, y generar un trasfondo y reglas para este monstruo. Y más valorable aún es el estupendo maquillaje que una vez más convierte a Javier Botet en una criatura de pesadilla. El CV del actor manchego daría ya para crear un parque de atracciones solo con los engendros que ha encarnado. He de decir también que me ha gustado el uso que se hace del sintetizador para la música y de la arpillera, convirtiendo el saco en un arma más al servicio del terror similar a lo que se hacía con las vendas de la momia de Stephen Sommers.

Quién sabe si lo siguiente no será el Tren de la Bruja, el Sacamantecas o el Coco. Yo sigo animando a nuestros cineastas a seguir intentando mantener nuestro legendario vivo para que este no sobreviva solo a base de programas de Cuarto Milenio.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de agosto de 2023. Título original: El Hombre del Saco. Duración: 91 min. País: España. Dirección: Ángel Gómez Hernández. Guion: Manuel Facal, Juma Fodde, Ignacio García Cucucovich, Ángel Gómez Hernández. Música: Jesús Díaz. Fotografía: Javier Salmones. Reparto principal: Javier Botet, Macarena Gómez, Manolo Solo, Lorca Prada, Claudia Placer, Iván Renedo, Carla Tous, Guillermo Novillo, Lucas de Blas. Producción: Esto También Pasará, Mother Superior Films, Bowfinger International Pictures, BTF Media, Atresmedia, Prime Video, Canal Sur, Crea SGR, INCAU, ANDE. Distribución: Filmax. Género: terror. Web oficial: https://mothersuperior.tv/project/el-hombre-del-saco/