Martín Garabal visita Madrid y aprovechamos para entrevistarle

El actor argentino de ‘División Palermo’ y ‘La cosa en la niebla’ ha rodado con Álex de la Iglesia

Martín Garabal es uno de los nombres más interesantes de la nueva generación de creadores audiovisuales argentinos. Actor, dibujante, guionista y humorista, ha desarrollado una carrera vinculada especialmente a la comedia, aunque su trabajo le ha permitido moverse entre diferentes formatos y registros. Ahora, además, comienza a ampliar su presencia en España con nuevos proyectos cinematográficos.

Una carrera ligada al humor

La trayectoria de Martín Garabal está marcada por una combinación poco habitual de interpretación y escritura. Su trabajo como humorista le ha llevado a desarrollar una voz propia, mientras que su faceta como guionista le ha permitido participar en la creación de algunos de los proyectos más destacados de la comedia argentina reciente.

Esa doble condición resulta especialmente interesante a la hora de enfrentarse a un personaje, ya que Garabal conoce tanto el proceso de construcción de una historia como las necesidades de un intérprete a la hora de llevarla a la pantalla.

‘División Palermo’

Uno de los títulos fundamentales de su carrera es ‘División Palermo’, la serie creada por Santiago Korovsky para Netflix. Garabal participa en ella como actor y guionista, formando parte de una producción que utiliza la comedia para abordar cuestiones como la inclusión, los prejuicios y las contradicciones de la sociedad contemporánea.

Su participación en la serie le permitió demostrar precisamente esa doble faceta profesional y formar parte de uno de los fenómenos recientes más importantes de la ficción argentina que además ha logrado fans en nuestras fronteras.

En el fantástico español con ‘La cosa en la niebla’

Ahora podemos verle en ‘La cosa en la niebla’, película dirigida por Chedey Reyes que combina ciencia ficción, terror y comedia y que sitúa a sus protagonistas (él y Elena de Lara) en una situación tan extraordinaria como claustrofóbica.

Garabal interpreta a uno de los personajes principales de esta historia, ambientada prácticamente en su totalidad en el interior de una cabina de avión. Una propuesta que supone un nuevo registro dentro de su trayectoria y que le permite convertirse en uno de los rostros de una producción española de género.

Su visita a España

La presentación de ‘La cosa en la niebla’ en Madrid sirve también como punto de encuentro entre el intérprete argentino y el público español. Garabal visita nuestro país en un momento especialmente interesante de su carrera, coincidiendo además con una etapa en la que su trabajo empieza a establecer nuevos vínculos profesionales con España.

En nuestra entrevista hablamos con él sobre el rodaje de la película, las dificultades de trabajar en un espacio tan reducido y la combinación de géneros que propone ‘La cosa en la niebla’.

Trabajar con Álex de la Iglesia

Otro de los proyectos que marca esta nueva etapa profesional es ‘Felicidades’, la película dirigida por Álex de la Iglesia para Netflix y rodada íntegramente en Argentina. La cinta adapta la obra teatral de Mariano Pensotti y cuenta con un reparto coral en el que también encontramos a Adrián Suar, Griselda Siciliani, Benjamín Vicuña, Violeta Urtizberea, Mike Amigorena y Diego Capusotto.

Para Garabal, trabajar a las órdenes de Álex de la Iglesia supone entrar en contacto con uno de los universos cinematográficos más reconocibles del cine español, caracterizado por la mezcla de comedia, absurdo, exceso y situaciones llevadas al límite. Un cineasta que según reconoce el propio actor ha marcado su vida y sus influencias cinéfilas.

Entrevistamos a Martín Garabal

Desde Madrid hablamos con Martín Garabal sobre su trayectoria, ‘La cosa en la niebla’, su trabajo en ‘División Palermo’ y su experiencia formando parte de ‘Felicidades’, la película de Álex de la Iglesia. Una conversación en la que también conocemos mejor al creador que se encuentra detrás de algunos de los proyectos más singulares de la comedia argentina y que ahora comienza a hacerse un hueco en el audiovisual español.

Crítica: ‘Ni contigo ni sin mi’

En qué plataforma ver Ni contigo ni sin mi

Lo difícil de afrontar el desamor

Cuando no se es capaz de superar una ruptura es todo mucho más complicado. Si junto a eso, añades que descubres al tiempo que te ha mentido, todo se complica mucho más. ‘Ni contigo ni sin mí’ es la nueva película de María Ruiz que llega este próximo viernes a nuestros cines.

El amor es complicado y el desamor mucho más

Una casa de playa con unas vistas espectaculares es el lugar elegido para contarnos esta historia de desamor con tintes de comedia. Intentando remontar desde que su mujer le dejó y aun con los papeles del divorcio en la mano, sigue con esperanza, Ernesto intenta celebrar su cumpleaños con su mejor amigo. Todo se complica al ver a la nueva novia de su vecino.

No se si ha sido porque la película está rodada como si estuviésemos viendo una obra de teatro o porque me esperaba algo más de comedia. Pero no he logrado entrar del todo en ‘Ni contigo ni sin mí’. No he entrado en el humor de la cinta y creo que tiene bastante que ver con la dirección de actores. Y es que como acabo de comentar, parece muy sobreactuada y no llego a comprender el por qué. La historia pues sin más, una historia de enredos en la que el protagonista la lía bastante al intentar recuperar a su mujer.

Reparto, dirección y fecha de estreno

Gorka Otxoa, Adrián Lastra, Cristina Maisonnave, Iván Sánchez y Manuela Vellés, son estos 5 protagonistas tan locos y alterados que nos van a ir descubriendo una historia de traición y también de entendimiento. Donde no hay nada perfecto, donde el amor para unos, puede ser una cosa y para otros, otra. Donde alguien puede estar enamorado hasta las trancas y la otra persona simplemente haber dejado de querer. El ser humano es así y al final, la vida hay que vivirla, o eso dice uno de los personajes de la cinta. Y que da igual el genero que las traiciones se dan de la misma manera.

María Ruiz, es la directora y guionista de esta historia de enredos. Donde como he comentado nos muestra lo desgarrador que puede llegar a ser el desamor. Sobre todo, cuando no hay verdades desde el principio y se da con la realidad de bruces. También de esa enajenación que puede llegar a cegarnos de tal manera que solo quieres hacer sufrir a la persona que tanto has querido.

Sin mucho más que contar, ‘Ni contigo ni sin mí’ es una historia sencilla, sin complicaciones, pero en mi opinión, un tanto dejada para la poca duración que tiene. Creo que podría haber sido más divertida. Pero como siempre digo, yo no he entrado en la historia o en el humor, pero no significa que a todo el mundo le ocurra lo mismo. A partir del 17 de julio la tenéis en los cines de toda España.

 Ficha de la película

Estreno en España: 17 de julio de 2026. Título original: Ni contigo ni sin mi. Duración: 81 min. País: España. Dirección: María Ruiz. Guion: María Ruiz. Música: Mario de Benito. Fotografía: Juanmi Márquez. Reparto principal: Gorka Otxoa, Adrián Lastra, Cristina Maisonnave, Iván Sánchez, Manuela Vellés. Producción: Ni Contigo Ni Sin Mí LA Película S.L., Secuoya Studios, Álamo Producciones Audiovisuales, A Contracorriente Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Comedia. Web oficial.

 

Nominados a los Emmy 2026

‘The Pitt’ parte como gran favorita y dominan HBO Max, Apple TV+ y Netflix

La Academia de Televisión de Estados Unidos ha dado a conocer las nominaciones de la 78.ª edición de los Premios Primetime Emmy, una lista que confirma cuáles han sido las producciones televisivas más destacadas del último año y que anticipa una de las galas más competidas de los últimos tiempos.

La gran vencedora de las nominaciones ha sido ‘The Pitt’, que encabeza la clasificación con 25 candidaturas, convirtiéndose en la serie más nominada de esta edición. En el apartado de comedia, la última temporada de ‘Hacks’ suma 24 nominaciones, estableciendo además un nuevo récord para una comedia al conseguir el mayor número de candidaturas obtenidas por una única temporada del género.

Tras ellas aparece ‘Widow’s Bay’, de Apple TV+, con 19 nominaciones, seguida también por la producción de la plataforma ‘Pluribus’, que alcanza 18 menciones, mientras que ‘Beef (Bronca)’, de Netflix, completa el grupo de favoritas con 16 nominaciones.

Las plataformas vuelven a repartirse el protagonismo

Las nominaciones de este año reflejan la intensa competencia entre las principales plataformas de streaming. HBO Max vuelve a situarse entre los grandes referentes gracias al excelente rendimiento de ‘The Pitt’ y ‘Hacks’, mientras que Apple TV+ firma una de sus mejores cosechas hasta la fecha gracias a producciones como ‘Widow’s Bay’ y ‘Pluribus’. Netflix, por su parte, mantiene una fuerte presencia con ‘Beef’ entre las series más reconocidas por los académicos.

Primeros premios anunciados durante la mañana

Como ya es tradición, parte de las nominaciones fueron desveladas horas antes durante el programa estadounidense Today. Entre ellas figuraban dos categorías muy esperadas: Mejor Serie de Variedades y Mejor Reality de Competición.

Una de las notas más llamativas fue el regreso de ‘Dancing with the Stars’, que consigue su primera nominación en una década dentro de la categoría de programas de competición.

La ceremonia cambia de día por la NFL

Los ganadores de los Premios Emmy 2026 se conocerán el próximo 14 de septiembre durante una ceremonia que tendrá lugar en el Peacock Theater de Los Ángeles. La gala abandona excepcionalmente su tradicional celebración en domingo para trasladarse al lunes, evitando coincidir con una retransmisión de la NFL en la cadena NBC.

La presentación correrá a cargo de Mariska Hargitay, una de las grandes figuras de la televisión estadounidense, que precisamente afrontará este otoño su 28.ª temporada al frente de ‘Ley y Orden: Unidad de Víctimas Especiales’.

A continuación, la Academia de Televisión ha publicado la lista completa de nominados en todas las categorías, incluyendo también las correspondientes a los Creative Arts Emmy Awards, cuyos galardones se entregarán en una ceremonia independiente antes de la gala principal.

Mejor serie DRAMA

  • ‘La diplomática’ [Netflix]
  • ​’La edad dorada’ [HBO Max]
  • ‘El caballero de los Siete Reinos’ [HBO Max]
  • ‘Paradise’ [Hulu]
  • ‘The Pitt’ [HBO Max]
  • ‘Pluribus’ [Apple TV]
  • ‘Slow Horses’​ [Apple TV]
  • ‘Vicios ocultos’ [Apple TV]

Mejor actriz principal DRAMA

  • Carrie Coon por ‘La edad dorada’ ​
  • Chase Infiniti por ‘Los testamentos’
  • Keri Russell por ‘La diplomática’
  • Rhea Seehorn por ‘Pluribus’
  • Zendaya por ‘Euphoria’

Mejor actor principal DRAMA

  • Sterling K. Brown por ‘Paradise’ ​
  • Gary Oldman por ‘Slow Horses’ ​
  • Mark Ruffalo por ‘Task’ ​
  • Rufus Sewell por ‘La diplomática’ ​
  • Noah Wyle por ‘The Pitt’

Mejor actriz de reparto DRAMA

  • Taylor Deardon por ‘The Pitt’
  • Fiona Dourif por ‘The Pitt’
  • Allison Janney por ‘La diplomática’
  • Katherine LaNasa por ‘The Pitt’
  • Sepideh Moafi por ‘The Pitt’
  • Julianne Nicholson por ‘Paradise’
  • Karolina Wydra por ‘Pluribus’

Mejor actor de reparto DRAMA

  • Patrick Ball por ‘The Pitt’
  • Billy Crudup por ‘The Morning Show’
  • Shawn Hatosy por ‘The Pitt’
  • Gerran Howell por ‘The Pitt’
  • Jack Lowden por ‘Slow Horses’
  • Tom Pelphrey por ‘Task’
  • Carlos-Manuel Vesga por ‘Pluribus’

Mejor serie COMEDIA

  • ‘Colegio Abbot’ ​[ABC]
  • ‘The Bear’ [FX]
  • ‘Hacks’ [HBO Max]
  • ‘Margo tiene problemas de dinero’ [Apple TV]
  • ‘Nadie quiere esto’ [Netflix]
  • ‘Solo asesinatos en el edificio’ [Hulu]
  • ‘Terapia sin filtro’ [Apple TV]
  • ‘La maldición de Widow’s Bay’ [Apple TV]

Mejor actriz principal COMEDIA

  • Quinta Brunson por ‘Colegio Abbott’
  • ​Ayo Edeberi por ‘The Bear’ ​
  • Elle Fanning por ‘Margo tiene problemas de dinero’ ​
  • Lisa Kudrow por ‘The Comeback’ ​
  • Jean Smart por ‘Hacks’

Mejor actor principal COMEDIA

  • Yahya Abdul-Mateen II por ‘Wonder Man’ ​
  • Steve Carell por ‘Rooster’ ​
  • Matthew Rhys por ‘La maldición de Widow’s Bay’ ​
  • Jason Segel por ‘Terapia sin filtro’ ​
  • Martin Short por ‘Solo asesinatos en el edificio’

Mejor actriz de reparto COMEDIA

  • Dale Dickey por ‘La maldición de Widow’s Bay’
  • Hannah Einbinder por ‘Hacks’
  • Janelle James por ‘Colegio Abbott’
  • Kate O’Flynn por ‘La maldición de Widow’s Bay’
  • Michelle Pfeiffer por ‘Margo tiene problemas de dinero’
  • Megan Stalter por ‘Hacks’
  • Jessica Williams por ‘Terapia sin filtro’

Mejor actor de reparto COMEDIA

  • Colman Domingo por ‘Las cuatro estaciones’
  • Paul W. Downs por ‘Hacks’
  • Harrison Ford por ‘Terapia sin filtro’
  • Nick Offerman por ‘Margo tiene problemas de dinero’
  • Stephen Root por ‘La maldición de Widow’s Bay’
  • Michael Urie por ‘Terapia sin filtro’
  • Tayler James Williams por ‘Colegio Abbott’

Mejor serie antología o MINISERIE

  • »Su peor pesadilla’ [Peacock]
  • ​’La bestia en mí’ [Netflix]
  • ​’Bronca’ ​[Netflix]
  • ‘DTF St. Louis’ [HBO Max]
  • ‘Love Story: John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette’ [Hulu]

Mejor actriz principal MINISERIE

  • Claire Danes por ‘La bestia en mí’ ​
  • Sally Field por ‘Criaturas luminosas’ ​
  • Carey Mulligan por ‘Bronca’ ​
  • Sarah Pidgeon por ‘Love Story: John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette’ ​
  • Sarah Snook por ‘Su peor pesadilla’

Mejor actor principal MINISERIE

  • Riz Ahmed por ‘Bait’ ​
  • Jason Bateman por ‘Black Rabbit’ ​
  • Charlie Hunnam por ‘Monstruo: La historia de Ed Gein’
  • Oscar Isaac por ‘Bronca’ ​
  • Matthew Rhys por ‘La bestia en mí’

Mejor actriz de reparto MINISERIE

  • Linda Cardellini por ‘DTF St. Louis’
  • Dakota Fanning por ‘Su peor pesadilla’
  • Laurie Metcalf por ‘Monstruo: La historia de Ed Gein’
  • Joy Sunday por ‘DTF St. Louis’
  • Constance Zimmer por ‘Love Story: John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette’ ​

Mejor actor de reparto MINISERIE

  • Jason Bateman por ‘DTF St. Louis’
  • Richard Gadd por ‘Half Man’
  • David Harbour por ‘DTF St. Louis’
  • Richard Jenkins por ‘DTF St. Louis’
  • Charles Melton por ‘Bronca’
  • Nick Offerman por ‘Muerte por un rayo’

Crítica: ‘Haciendo amigos’

En qué plataforma ver Haciendo amigos

Divertida comedia veraniega

Una huida con bastantes fallos termina en un campamento de verano. Y es que básicamente esto es ‘Haciendo amigos’, la nueva película de David Marqués, guionista de ‘Campeones’ que esta vez se hace cargo de la dirección de la película.

¿Qué nos encontramos en ‘Haciendo Amigos’?

Félix y Antonio son dos delincuentes de poca monta, muy majos y que solo quieren la pasta. Después de terminar un robo en una joyería, se dan cuenta que no tienen como huir y se cruzan con Eva, monitora de un grupo de teatro formado con personas con discapacidad. Eva, tras un error, confunde a Félix con Ángel, un nuevo miembro del grupo al que aun no habían visto.

Una comedia muy divertida, sencillita y que os aseguro os hará soltar más de una carcajada. Las situaciones que viven estos dos pobres ladrones a causa de este grupo de personas van a ser tremendas. Y es que aprenderán a base de experiencias que tener una discapacidad no significa no tener inteligencia como ellos pensaban, y sin duda les van a dar una gran lección.

Reparto estelar

Carmen Lara Díaz, Cristofer Ortiz, Ignacio Gascón, Israel Romero, Juan Fernández, Luis Sánchez, Mario Navarro, María Masián, Mikel Rubia, Pablo Márquez, Raquel Cortés, Ángel Cecilia y Ana Mencía, son los integrantes de este grupo de teatro. Ellos solo quieren pasar una semana preparando ‘La vida es sueño’ y disfrutar de ese periodo de vacaciones.

Quim Gutiérrez y Antonio Resines, son los dos ladrones que se van a meter en sus vidas y los cuales no van a ser capaces de engañar a este grupo. Por ello tendrán que pagar las consecuencias.

Mientras que Megan Montaner y Marta González de Vega (guionista de la cinta) son las monitoras. Ellas que no se enteran de nada de lo que está pasando, solo intentan que sus muchachos se lo pasen bomba.

Todos ellos están estupendos. Mostrándonos con toda naturalidad su día a día, como tienen que defenderse de comentarios absurdos y como demuestran todo lo que valen desde el minuto uno.

Vestuario y música de moda

Aunque el vestuario es bastante sencillo al principio, aunque la camiseta que lleva Quim Gutiérrez del gatito se podría comentar seriamente. Todo cambia cuando entran en este retiro artístico y es que a partir de ahí el mismo Quim Gutiérrez tendrá que llevar unos modelitos increíbles. Y si, va un poco con ironía, pero realmente es super vistoso y no los lleva mal del todo.

Todo esto se añade Camela, y es que el dúo pone la canción principal de la película ‘Haciendo amigos’ la que podemos escuchar durante los créditos de la cinta. Viéndoles además con los protagonistas de la película. Pero también escucharemos uno de sus hits mas importantes durante toda la cinta.

Comedia, verano y un buen día de cine

Y si, os puedo decir que realmente merece la pena ir al cine y ver ‘Haciendo amigos’ es una película que va a gustar a toda la familia. Una película entretenida y que no tiene ninguna maldad. El productor de la cinta, Santiago Segura, vuelve a repetir una película fresquita para que pasemos los duros días del verano en el cine.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de julio de 2026. Título original: Haciendo amigos. Duración: 110 min. País: España. Dirección: David Marqués. Guion: Marta González de Vega. Reparto principal: Quim Gutiérrez, Antonio Resines, Megan Montaner, Marta González de Vega, Pilar Castro, Carmen Lara Díaz, Cristofer Ortiz, Ignacio Gascón, Israel Romer, Juan Fernández, Luis Sánchez, Mario Navarro, María Masián, Mikel Rubia, Pablo Márquez, Raquel Cortés, Ángel Cecilia, Ana Mencía. Producción: Bowfinger International Picture, Esto También Pasará, Glow, Pequeñas Grandes Cosas AIE, Studio 33 Producciones SA de CV, Atresmedia Cine, Prime Video, Mogamgo, Crea SGR. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia. Web oficial.

25 años después Stephen Chow estrenará ‘Nv Zu (Kung Fu Soccer)’

La esperada película ambientada en el universo de ‘Shaolin Soccer’ y el fútbol femenino

Tras varios años de desarrollo y una larga etapa de posproducción, la nueva película de Stephen Chow ya tiene fecha oficial de estreno. ‘Kung Fu Soccer’ (título internacional de ‘Nv Zu’ o ‘功夫女足’) llegará a los cines de China el próximo 11 de julio de 2026, poniendo fin a la incertidumbre que rodeaba su lanzamiento.

La confirmación llega apenas unas semanas después de que el propio director publicara un vídeo coincidiendo con su 64.º cumpleaños. En aquel mensaje explicó que el objetivo era estrenar la película el 10 de julio, aunque también contemplaba el día 17 como alternativa en caso de que los trabajos finales no estuvieran concluidos a tiempo. Finalmente, la distribución ha fijado el 11 de julio como la fecha elegida para el debut en salas, así lo ha confirmado el director Kei Nakata.

Una nueva historia inspirada en el universo de ‘Shaolin Soccer’

Lejos de tratarse de una secuela directa, ‘Kung Fu Soccer’ propone una historia completamente nueva ambientada en el mismo universo que hizo mundialmente famoso a Stephen Chow hace 25 años con ‘Shaolin Soccer’.

Al igual que la nueva etapa de Ted Lasso las protagonistas pertenecerán a un equipo femenino de fútbol. El proyecto fue anunciado en 2023 bajo el título provisional ‘Shaolin Women’s Soccer’, despertando rápidamente el interés de los seguidores del director. Desde entonces, la producción ha atravesado un prolongado proceso de rodaje y posproducción, especialmente debido al importante trabajo de efectos visuales que caracteriza las películas de Chow.

El propio material promocional destaca el mensaje de que, «25 años después de ‘Shaolin Soccer’, comienza una nueva historia», dejando claro que el filme busca recuperar el espíritu de aquella comedia deportiva mezclada con artes marciales, pero desde una perspectiva completamente diferente.

Un reparto repleto de rostros conocidos

La película estará protagonizada por Zhang Xiaofei, Dilraba Dilmurat y el cantante y actor Lay Zhang, miembro del grupo surcoreano EXO.

Además, la producción contará con la participación especial de dos intérpretes muy conocidos por el público asiático: Carina Lau y el actor japonés Takeru Satoh, cuya presencia ha llamado especialmente la atención entre los aficionados al cine y al manga por ser el protagonista de la exitosa saga cinematográfica de ‘Rurouni Kenshin’.

Aunque Stephen Chow no aparecerá como protagonista, sí vuelve a situarse detrás de las cámaras como director, una faceta en la que ha firmado algunas de las películas más influyentes del cine comercial hongkonés de las últimas décadas.

Uno de los estrenos asiáticos más esperados de 2026

La expectación en torno a ‘Kung Fu Soccer’ ha ido creciendo desde su anuncio. No solo supone el regreso de Stephen Chow a la dirección de un gran proyecto cinematográfico, sino que también recupera uno de los universos más recordados de su filmografía.

La combinación de humor absurdo, acción, artes marciales y fútbol convirtió a ‘Shaolin Soccer’ en un fenómeno internacional, por lo que las expectativas son elevadas respecto a esta nueva propuesta. Aunque todavía no se ha anunciado una fecha para su estreno internacional, el lanzamiento en China el próximo 11 de julio marcará el comienzo de su recorrido comercial y permitirá comprobar si Stephen Chow consigue repetir el impacto que logró hace un cuarto de siglo con una de las películas más emblemáticas de su carrera.

Crítica: ‘Obsession’

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Terror y comedia se unen para darnos una de las mejores películas del año

Los Simpson siempre han logrado grandes cosas y sin duda lograr influir en la cultura actual es una de ellas. Y os cuento todo esto, porque ‘Obsesión’ viene de una de las historias de ‘La casa-arbol del terror II’, capítulo en el que Homer consigue una mano de mono que cumple deseos.

Aquí no tenemos mano de mono, tenemos otro objeto que hará que el deseo de nuestro protagonista se haga real y consiga sus sueños, o no.

Una premisa ya muy machacada y aun así logra sorprender

Sin duda es lo bueno de ‘Obsession’, que, aunque sepamos de sobra que los deseos nunca hay que pedirlos a la ligera, se sigue haciendo. Y aun así sabemos que no va a salir bien. Bear desencadena un hechizo hacia Nikki, su amor platónico y esta se convertirá en su sombra.

Una historia contada mil veces, una historia donde el amor puede llegar a ser terrorífico si no se controla y sobre todo si llega a convertirse en algo demasiado controlador.

Me gusta como Curry Barker cuenta esta historia, una historia en la que los humanos hacen cosas de humanos sin mirar las consecuencias. Pero no juzga, deja al espectador que juzgue y tenga su propio debate al salir de la sala de cine. Aunque sepamos de sobra quien es el verdadero villano de la película, aun así, nos planta cuatro personajes nada agradables para que tampoco les cojas demasiado cariño a ninguno.

De Youtube a las grandes salas

Curry Barker, es un comediante famoso por sus sketches en su canal de youtube (That’s a bad idea) que ha pasado a convertirse en una de las revelaciones del cine de terror con ‘Obsesión’. Aunque ya antes había creado ‘Milk & Serial’ que lanzó gratuitamente en Youtube. Con ‘Obsession’ logra crear una atmósfera terrorífica pero no se olvida del humor que le caracteriza. Y eso es muy difícil de mantener y lo consigue de manera fluida y sin llegar al ridículo.

Todo ello es gracias al buen guion, que también llega de su mano y por supuesto a los actores que logran mantener la entereza desde el minuto uno. Michael Johnston, es Bear un chico débil, bastante sentimental y también retraído, el cual va evolucionando y desquiciándose según avanza la cinta.

Inde Navarrete, es la encargada de dar vida a Nikky, nos muestra una chica con bastante carácter que en segundos cambia y crea una verdadera pesadilla para todos los que están cerca. Sin duda, estamos ante uno de los grandes papeles del año y es que la actriz está increíble.

Cooper Tomlinson y Megan Lawless, son los otros dos miembros de la pandilla y consiguen mantener esa realidad viendo todo lo que está ocurriéndoles a sus amigos.

Diseño y fotografía vintage

Taylor Clemons es el encargado de la fotografía y es magnífico el trabajo que realiza. Trabajar con tantas sombras, los contraluces que hace dan bastante mal royo y los utilizan bastante bien. Es una película que no utiliza grandes sustos y logra crear malas sensaciones muchas veces gracias a las sombras creadas por Taylor Clemons.

Otro de los puntos fuertes de la película es el diseño de producción, lleno de detalles. La película está ambientada en la actualidad, pero todo lo que tenemos alrededor es bastante vintage, desde la casa donde vive Bear. La antigua casa de su abuela que ni siquiera ha perdido el tiempo en vaciarla o ponerla a su gusto. Algo que nos demuestra la dejadez de este chico hacia la vida. Todo está cuidado hasta el mínimo detalle para que veamos como son nuestros protagonistas y como parecen anclados a un lugar en el que no quieren estar.

Conclusiones

‘Obsesión’ es de estas películas que hay que ver en el cine con gente, disfrutarla, reírte, asustarte y luego debatirla. Porque como he comentado, Curry Barker quiere crear debate y que se hable de la película. Y de momento, solo puedo decir que lo ha conseguido, viendo el gran éxito que ha tenido ‘Obsession’.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de junio de 2026. Título original: Obsession. Duración: 100 min. País: Estados Unidos. Dirección: Curry Barker. Guion: Curry Barker. Música: Rock Burwell. Fotografía: Taylor Clemons. Reparto principal: Michael Johnston, Inde Navarrete, Cooper Tomlinson, Megan Lawless, Andy Richter, Darin Toonder, Chloe Breen. Producción: Capstone Studios, Tea Shop & Film Company, Under the Shell. Distribución: Universal Pictures. Género: Terror, romance. Web oficial.

Los peores hombres lobo del cine en una nueva sesión VHZ

CUTRECON lleva a la Sala Equis un espectáculo único que mezcla comedia, cine trash y hombres lobo imposibles el próximo 27 de junio

Los aficionados al cine más extravagante y a la comedia tienen una cita el próximo 27 de junio en Madrid. El espectáculo VHZ, creado por los responsables de CUTRECON, dedicará una de sus sesiones más peculiares a repasar algunos de los peores hombres lobo que han aparecido en la historia del cine mundial.

La función se celebrará a las 12:30 horas en la Sala Equis y ofrecerá un recorrido por producciones de bajo presupuesto llegadas de distintos rincones del planeta, desde Asia hasta Latinoamérica, donde el mito del hombre lobo ha sido reinterpretado de formas tan sorprendentes como delirantes.

Humor, cine trash y participación del público

Lejos de una proyección convencional, VHZ combina diferentes formatos para construir una experiencia única. Durante sus 90 minutos de duración, el público podrá disfrutar de monólogos de humor, tráilers imposibles, fragmentos de películas, carteles insólitos, sketches en directo e incluso cortometrajes creados expresamente para el espectáculo.

Según explica Carlos Palencia, creador y presentador del show, esta edición se centrará en licántropos que poco tienen que ver con los modelos clásicos popularizados por Hollywood. El recorrido incluirá criaturas surgidas de cinematografías tan diversas como la india, la filipina o la tailandesa, con caracterizaciones y transformaciones que desafían cualquier lógica narrativa o presupuestaria.

Uno de los rasgos distintivos de VHZ es precisamente la interacción con los asistentes. A lo largo de la función, los espectadores pueden intervenir, plantear preguntas y comentar las películas mostradas, generando una experiencia participativa que convierte cada sesión en un evento diferente.

Un espectáculo respaldado por los responsables de CUTRECON

Detrás de VHZ se encuentra el equipo de Cinecutre.com, portal especializado en cine trash y responsable de CUTRECON, el Festival Internacional de Cine Trash de Madrid. Con más de dos décadas dedicadas al estudio y divulgación del cine más extravagante y marginal, sus organizadores se han convertido en una referencia para los amantes de este tipo de producciones.

Carlos Palencia, además de dirigir CUTRECON, colabora habitualmente en medios de comunicación y programas de radio especializados en cultura y entretenimiento. Su experiencia y conocimiento del cine de culto más insólito sirven de base para un espectáculo que combina divulgación y humor a partes iguales.

Entradas ya disponibles

La representación tendrá lugar en La Plaza, el espacio principal de la Sala Equis, donde los asistentes podrán disfrutar del espectáculo mientras permanece abierta la barra del recinto. Además, la entrada incluye una consumición.

Con una trayectoria consolidada y valoraciones muy positivas entre el público, VHZ continúa demostrando que incluso las peores películas pueden convertirse en una fuente inagotable de diversión cuando se observan desde el prisma adecuado.

Crítica: ‘El drama’

En qué plataforma ver El drama

Zendaya y Pattinson encuentran terreno fértil para demostrar su madurez interpretativa

Hablar de ‘El drama’ implica necesariamente situarse en la mente (retorcida, incómoda y a menudo brillante) de Kristoffer Borgli, responsable de la inclasificable ‘Dream Scenario’. Si en aquella exploraba la viralidad, la fama y el absurdo desde lo onírico, aquí se adentra en un terreno aparentemente más reconocible: la relación de pareja. Pero que nadie se equivoque. ‘El drama’ no es una comedia romántica al uso, ni siquiera una de esas que pretenden subvertir el género desde la ironía ligera. Borgli opta por algo más incómodo: desmontar el concepto mismo de intimidad emocional.

En este sentido, la película se alinea con corrientes recientes como ‘Materialistas’, no solo por reunir un elenco famoso, sino por el denominador común de hacer que el amor deje de ser un refugio idealizado para convertirse en un espacio de negociación, tensión y en ocasiones, auténtico vértigo moral. Aquí no hay rastro de pasteleo ni de melodrama complaciente. Lo que hay es una disección fría (aunque revestida de humor negro) de las expectativas que proyectamos sobre quienes creemos conocer. No esperaba menos carácter innovador de una producción de A24.

La premisa es tan sencilla como devastadora: ¿qué es más perturbador, descubrir un secreto escabroso del pasado de tu pareja o darte cuenta de que, en realidad, no has llegado a conocerla del todo? Borgli no responde de forma explícita, pero articula toda la narrativa en torno a esa pregunta, convirtiendo cada escena en un ejercicio de incomodidad progresiva.

Zendaya y Pattinson: madurez, ansiedad y verdad emocional

El peso de ‘El drama’ recae en evidentemente sobre sus dos protagonistas, Zendaya y Robert Pattinson, dos intérpretes que llevan años intentando trascender su asociación con productos mainstream y franquicias masivas. Aquí encuentran un terreno fértil para demostrarlo.

Zendaya construye un personaje contenido, pero profundamente inestable. Su interpretación se basa tics nerviosos y miradas que uno no sabe del todo lo que esconden. Pattinson, por su parte, abraza el nerviosismo como motor dramático: su personaje parece vivir en un estado constante de alerta emocional, como si cada conversación pudiera detonar una crisis.

Ambos logran transmitir una ansiedad que va mucho más allá de los típicos nervios previos a una boda (contexto en el que se sitúa el relato). Borgli utiliza ese punto de partida para introducir elementos imprevistos: confesiones surgidas entre copas, comentarios aparentemente triviales que terminan adquiriendo un peso devastador. Uno de ellos en concreto es el que detona toda la relación y la película, pero evidentemente no lo voy a desvelar. Es en esos momentos donde la cinta alcanza su mayor potencia, porque transforma lo cotidiano en algo profundamente inquietante.

Como curiosidad que encaja con el enfoque del director, Borgli trabajó con amplios márgenes de improvisación en ciertas escenas clave, buscando capturar reacciones genuinas de los actores ante giros narrativos que no siempre conocían en detalle. Este recurso (habitual en el modus operandi de muchos directores) refuerza la sensación de incomodidad y autenticidad que atraviesa toda la película.

Confianza, perdón y la fragilidad de lo que creemos sólido

Más allá de su apariencia de comedia negra, ‘El drama’ es, en esencia, una película sobre la fragilidad de los vínculos humanos. Borgli plantea la confianza no como un estado estable, sino como un equilibrio precario que puede romperse con una sola frase mal entendida o una verdad revelada en el momento equivocado.

Hay catarsis pero no redención fácil. En su lugar, propone un recorrido emocional donde el espectador se ve obligado a cuestionar sus propias ideas sobre el amor, el perdón y la identidad dentro de una pareja. Mucho cuidado con repetir con vuestras parejas el juego que llevan a cabo Robert Pattinson, Zendaya, Alana Haim y Momodou Athie, podéis salir escaldados.

Uno de los mayores aciertos del filme es su capacidad para generar incomodidad sin caer en el cinismo absoluto. Aunque el tono es ácido, incluso cruel por momentos, nunca pierde de vista la humanidad de sus personajes. Esto es clave para que la historia funcione: no estamos ante caricaturas, sino ante individuos que intentan torpemente sostener algo que se desmorona. Puede que no sea una película cómoda ni complaciente (‘Sick of myself’ ya es bastante advertencia de que a Borgli le gusta removernos de la butaca), pero precisamente ahí reside su valor: en obligarnos a mirar de frente aquello que normalmente preferimos ignorar.

Ficha de ‘El drama’

Estreno en España: 29 de mayo de 2026. Título original: The drama. Duración: 106 min. País: EE.UU. Dirección: Kristoffer Borgli. Guion: Kristoffer Borgli. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Arseni Khachaturan. Reparto principal: Zendaya, Robert Pattinson, Alana Haim, Mamoudou Athie. Producción: A24, Live Free or Die Films, Square Peg. Distribución: Diamond Films. Género: comedia, drama. Web oficial.

Crítica: ‘Pizza movies’

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Aprovecha bien el gancho del costumbrismo incómodo y neurótico para abordar la épica de lo precario

Hablar de ‘Pizza Movies’ implica sumar un título más a lo que se está convirtiendo ya en una marca generacional dentro de la comedia española. Carlo Padial se alinea, de forma consciente, con ese humor de la incomodidad que han explorado series como ‘Vergüenza’ y ‘Poquita fe’. Aquí también encontramos personajes que no aspiran a ser admirados, sino diseccionados: individuos atrapados en su propia neurosis, incapaces de articular una épica personal y condenados a una rutina emocionalmente erosionada.

La protagonista de ‘Pizza Movies’ (Judit Martín) encarna ese tipo de figura tan reconocible como incómoda: alguien que quiere pertenecer al mundo cultural, pero que vive permanentemente al borde de la irrelevancia. Padial construye su filme desde esa fragilidad, con una mirada que oscila entre la compasión y la ironía, verbalizada muchas veces por quien hace de su esposo, Berto Romero. Como ocurría en las series mencionadas, el humor no surge del gag clásico, sino de la acumulación de pequeñas miserias cotidianas: conversaciones que no llevan a ningún sitio, ideas disparatadas, reacciones fuera de lugar o momentos de vergüenza ajena.

El resultado es un retrato bastante certero de cierta clase creativa urbana, atrapada entre la vocación y la precariedad. No es casual que el filme insista en mostrar entornos laborales difusos, proyectos a medio hacer y colaboraciones mal pagadas (o directamente inexistentes). En ese sentido, ‘Pizza Movies’ no solo busca la risa, sino también una cierta identificación incómoda por parte del espectador.

Humor, improvisación y los límites de la repetición

El humor está presente y, en líneas generales, funciona. Padial demuestra buen oído para el diálogo absurdo y para detectar esas microdinámicas sociales que generan incomodidad. Sin embargo, hay momentos en los que el propio mecanismo cómico se resiente. Algunas escenas, probablemente abiertas a la improvisación, caen en una repetición excesiva de una misma frase o idea (un recurso que, bien dosificado, puede ser efectivo, pero que aquí termina por diluir el chiste).

Esa insistencia acaba alargando innecesariamente ciertas secuencias, rompiendo el ritmo del filme y generando una sensación de desgaste. Es como si la película se recreara demasiado en su propio hallazgo cómico, perdiendo de vista la progresión narrativa. Este problema no invalida el conjunto, pero sí introduce altibajos que resultan evidentes.

A ello se suma una cierta irregularidad en los personajes secundarios. Mientras que la protagonista sostiene con solvencia el peso emocional del relato, algunos secundarios parecen menos definidos, casi esbozos de ideas más que personajes plenamente desarrollados, como si no tuviesen vida más allá del único gag que tienen. Esto afecta especialmente en las escenas corales, donde el contraste entre interpretaciones resta fuerza al conjunto.

Pizzas, cine y resistencia cultural

Donde ‘Pizza Movies’ encuentra su verdadero pulso es en su dimensión metacinematográfica. Cuando las pizzas entran en juego (con ese diseño deliberadamente infantiloide), la película activa un registro distinto, más lúdico y cómplice. No se trata solo de un recurso visual llamativo, sino de una declaración de intenciones: reivindicar el cine como experiencia compartida, como espacio de juego y de memoria colectiva.

En esos momentos, el filme parece dialogar directamente con películas como ‘Rebobine, por favor’, recuperando ese espíritu de “hazlo tú mismo” y de amor por la cultura popular. Las pizzas funcionan como catalizador, como un revulsivo frente a la apatía generalizada que domina el resto del relato. Es ahí donde Padial logra conectar de forma más directa con el espectador, apelando a una complicidad que trasciende la ironía inicial.

Este elemento entronca, además, con uno de los temas más interesantes del filme: el paralelismo entre la crisis personal de la protagonista y la crisis estructural de las salas de cine. Ambas comparten un mismo diagnóstico: la desidia, la falta de rumbo, la sensación de estar perdiendo relevancia. Pero también una posible salida: la reinvención, incluso a través de ideas aparentemente absurdas.

En este sentido, ‘Pizza Movies’ acierta al retratar el estado actual de la crítica cultural. Sin necesidad de subrayarlo en exceso, deja claro que muchos críticos se ven obligados a pluriemplearse para sobrevivir (una realidad cada vez más evidente). Esta capa añade profundidad al relato y lo ancla en un contexto reconocible, alejándolo de cualquier tentación de abstracción.

No obstante, el filme también se regodea en la crisis existencial, en la neurosis y en el patetismo de sus personajes, lo cual puede que le haga perder partidarios. Yo me quedo con que entre la incomodidad generada en algunas escenas y el amor por el cine como experiencia compartida, se construye una obra que logra capturar el desconcierto de una generación, tanto de consumidores como de profesionales.

Ficha de ‘Pizza movies’

Estreno en España: 15 de mayo de 2026. Título original: Pizza Movies. Duración: 91 min. País: España. Dirección: Carlo Padial. Guion: Carlo Padial, Desirée de Fez, Carlos de Diego. Música: Javier Rodero. Fotografía: Patricio Vial. Reparto principal: Judit Martín, Berto Romero, Joaquín Reyes, Bruna Cusí, Raúl Arévalo, Melina Matthews, Javier Botet, Tamar Novas, Belén Barenys, Miguel Noguera. Producción: El Cansancio, Bambina, Scorpora, Pioneros-Media Offline. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial.

Crítica: ‘El amigo inesperado’

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Una manera ligera de tratar la impostura profesional y personal

Pongámonos en situación para esta nueva comedia francesa. El protagonista es un artista pluriempleado, algo que hoy en día tenemos casi todos ya normalizado, pero que no deja de ser un drama. Además de en su show trabaja en un call center insistiendo llamada tras llamada y recibiendo cortes constantes. Hasta que ve la oportunidad de aprovechar su maestría con la voz. O más bien alguien ve cómo sacarle provecho. Un escritor famoso agobiado por recibir tanta llamada y mensajes quiere usarle para que le suplante en determinados asuntos y así poder relajarse. Irónicamente esto le conlleva otro trabajo al teléfono, pero dado el aliciente que supone la rareza del encargo y el margen de improvisación que le deja, acepta y como podréis imaginar a partir de ahí las situaciones que se dan son cada vez más disparatadas. Aunque quizás menos disparatadas y menos frecuentes de lo esperado.

En ‘El amigo inesperado’, Fabienne Godet construye un filme que se mueve cómodamente dentro de los márgenes del cine feel good francés, con una premisa que inevitablemente remite a ‘Intocable’. Evidentemente la importancia del trabajo vocal y la modulación como eje interpretativo es muy importante marcando la diferencia. El filme lo explota con cierta eficacia pero no estamos ante una exhibición de virtuosismo cómico en ese sentido (sacad de la cabeza referentes españoles como Florentino Fernández, Latre o Hermoti), sino ante una herramienta narrativa que se utiliza para explorar la identidad y la impostura. Todo ello es debido a que el protagonista no es imitador profesional, de hecho, llegó a un punto intermedio con su compañero de reparto para encontrar una voz común.

Más allá del gag: una relación que se humaniza

Donde ‘El amigo inesperado’ encuentra su verdadera voz (nunca mejor dicho) es en la evolución de la relación entre sus dos protagonistas. La película plantea, desde el inicio, un contraste evidente: edad, clase social y raza funcionan como vectores de distancia. Sin embargo, el guion se esfuerza en diluir esas barreras progresivamente, apostando por una conexión que se construye desde lo cotidiano. Y todo esto se realiza sin partir de prejuicios, que es lo que diferencia este filme de ‘Intocable’.

El ADN del filme es claramente el del cine que aporta buenas vibraciones: la idea de que dos mundos opuestos pueden encontrarse en un punto intermedio. Pero lo interesante es que no se limita a reproducir el esquema de “uno salva al otro”. Sí, hay elementos previsibles (y algunos giros que se ven venir desde bastante lejos), pero también hay una voluntad de mostrar cómo ambos personajes se transforman mutuamente. No se trata solo de arreglar la vida del otro, sino de cómo ciertos estímulos (una nueva rutina, una voz distinta, una mirada externa) pueden reconfigurar la percepción de uno mismo.

Entre lo laboral y lo personal: el verdadero conflicto

Uno de los aspectos más interesantes del filme es cómo articula el conflicto entre vida personal y vida laboral. En un contexto donde el pluriempleo se ha normalizado, el protagonista encarna una figura reconocible (y dolorosamente actual): alguien que se encierra en una rutina de varios trabajos sin encontrar un verdadero sentido. Sin embargo, lo que cambia no es tanto la naturaleza del empleo como el significado que adquiere. La posibilidad de improvisar, de jugar con la identidad, de escapar momentáneamente de uno mismo, introduce un matiz liberador. Es ahí donde la película plantea su discurso más interesante: no es solo lo que haces, sino cómo te posicionas frente a ello.

Aun así, ‘El amigo inesperado’ peca de cierta contención dramática. Cuando parece que va a empujar hacia terrenos más incómodos o absurdos, decide replegarse hacia la calidez y la previsibilidad. Esto no la convierte en un mal filme, pero sí en uno que podría haber sido más audaz o dicharachero. Estamos ante una obra amable, bien interpretada y con una premisa sugerente que no siempre se explota al máximo. Funciona como entretenimiento y como reflexión ligera sobre la identidad y la conexión humana, aunque sin llegar a romper moldes. Un filme que se deja ver con agrado, pero que se recuerda más por lo que insinúa que por lo que finalmente desarrolla.

Ficha de ‘El amigo inesperado’

Estreno en España: 15 de mayo de 2026. Título original: Le répondeur. Duración: 102 min. País: Francia. Dirección: Fabienne Godet. Guion: Fabienne Godet, Claire Barré. Música: Éric Neveux. Fotografía: Eric Blanckaert. Reparto principal: Denis Podalydès, Salif Cissé. Producción: Le Bureau, France 3 Cinéma. Distribución: Surtsey Films. Género: comedia, adaptación. Web oficial.

Crítica: ‘Cochinas’

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Volvemos al videoclub con muchas risas y cine para adultos

Prime Video nos lleva a Valladolid con una comedia divertidísima y con mucha nostalgia para los que vivimos la vida en el videoclub. Andrea Jaurrieta, Laura M. Campos y Núria Gago son las encargadas de dirigir los ocho episodios de esta divertida serie, creada por Irene Bohoyo y Carlos Del Hoyo.

‘Cochinas’ en el videoclub

Nines una mujer conservadora y dueña de su casa, ve como toda su vida da un giro de 180º al quedarse su marido en coma. De repente tiene que hacerse cargo del videoclub familiar y se da cuenta de que es un negocio que se va a pique. El “Dorothy” necesita clientela y Nines sabe perfectamente que tipo de cliente necesita. Al grito de “A los guarros no hay que echarlos, hay que quererlos” el “Dorothy” se convierte en el primer videoclub porno de la ciudad.

Es divertidísimo como vemos escandalizarse a Nines con lo que ella misma está creando. Además de ver como no solo van hombres en busca de cine para adultos, sino que, para sorpresa de todos, las mujeres también. Al final, en aquella época, el sexo era bastante tabú y mucho más, el ver películas de este estilo.

Poco a poco vamos viendo, como este barrio de Valladolid va perdiendo su vergüenza y sobre todo vemos una revolución sexual en las mujeres que notamos que tanto necesitaban.

Un reparto que lo da todo

Allá por 2024 tuvimos un evento de presentación de contenido de Prime Video. Allí ya nos presentaron esta serie que sin duda me llamó muchísimo la atención. En aquel momento la protagonista y quien nos presentó la serie fue Elena Anaya, pero supongo que por temas de agenda o temas personales al final no ha sido la encargada de dar vida a Nines. Comento esto, porque admito que me hubiese encantado ver a Elana Anaya en un papel como éste.

Pero, todo hay que decirlo, no han podido coger a mejor actriz que a Malena Alterio. Nos da una Nines tan tierna. Bajo esa fachada de mujer severa, ama de casa y conservadora, tenemos a una mujer que se quiere liberar, poco a poco y que tiene una muy buena mano para los negocios. Me gusta mucho como va avanzando su personaje, volviéndose medio loca entre sus pensamientos tan puros y sus ganas de cambiar.

Pero todo esto lo consigue gracias a Celia Moran y Álvaro Mel, los dos trabajadores del videoclub. Chon y Agustín le dan la fuerza para lograr sacar adelante el negocio. Que descubrimiento el de Celia Moran, me parece que está fantástica y tiene una vis cómica muy buena.

En el resto de reparto encontramos a Esperanza de la Encarnación, Josele Román, Raquel Pérez, Aina Picarolo, Álex Barahona, Ana Mencía, Paqui Horcajo o Edgar Costas entre muchos otros. Y cuando lo digo que lo dan todo, es que hay desnudos íntegros, sin dramas, cuerpos de todo tipo que nos muestran que el sexo es para todas las edades.

¿Por qué ver ‘Cochinas’?

Son ocho episodios en los que vas a desconectar y vas a pasar unas buenas risas. Sin duda, los comienzos de los episodios son tremendos, nos muestran pequeños fragmentos de películas versionadas para el cine porno como ‘La princesa prometida’ o ‘Se lo que hicisteis el último verano’, son tremendas.

Sin duda, una serie que recomiendo y que como dije al principio, para los que vivimos horas decidiendo que película escoger en el videoclub, o la llegada de inmensos videoclubs, va a ser como un pequeño recordatorio de lo mayores que somos y lo bonito de aquella época

Crítica: ‘Errores épicos’

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Comedia neurótica, caos moral y decisiones al límite

Dan Levy junto y Taylor Ortega traen a través de Netflix la serie ‘Errores épicos’, una serie que se construye desde una premisa aparentemente sencilla: dos personajes profundamente desubicados en sus propias vidas se ven arrastrados a una espiral de decisiones absurdas con consecuencias cada vez más graves y criminales. Él, un pastor ejemplar incapaz de confesar su homosexualidad a su comunidad y ella, una actriz fracasada que regresa de Nueva York cargada de frustración y cinismo, forman un dúo tan improbable como explosivo.

Ambos son hermanos pero no biológicos, lo cual forma entre ellos una conexión tan frágil y volátil como obligatoria. Levy encarna a un protagonista que recuerda poderosamente al Leonard interpretado por Johnny Galecki en ‘The Big Bang Theory’: nervioso, dubitativo, atrapado en su propia inseguridad. Sin embargo, aquí ese arquetipo se desplaza hacia terrenos más incómodos, donde la represión personal no es solo un rasgo cómico, sino el motor de decisiones erráticas. Ortega, por su parte, construye un personaje abrasivo, casi hostil, un auténtico vórtice emocional que sorprende tanto por su agresividad como por el dato de haber mantenido una relación de 17 años con su pareja, lo que añade una capa de absurdo existencial a su carácter.

La química entre ambos no es la clásica de comedia ligera, es más bien un constante forcejeo. Se necesitan, pero también se empujan mutuamente hacia el desastre. En ese sentido, ‘Errores épicos’ encuentra su voz en el conflicto permanente, en la incomodidad sostenida, en el espectador que ríe pero también sufre con cada decisión equivocada.

Tradición de enredos criminales con sello propio

Narrativamente, la serie (que se estrena este 9 de abril en Netflix) se inscribe en una tradición bien conocida: la de individuos corrientes atrapados en tramas criminales que les superan. Transita un viaje similar al de ‘Una terapia peligrosa’ o ‘Falsas apariencias’, donde el humor surge del contraste entre la banalidad de los protagonistas y la gravedad de las situaciones en las que se ven envueltos. Incluso podría rastrearse una conexión conceptual con relatos como ‘La empresa de sillas’ o ‘Bronca’, donde lo cotidiano se descompone en una cadena de decisiones desafortunadas y momentos de locura y desconcierto.

Aquí, el detonante no es tanto el crimen en sí como la incapacidad de los personajes para gestionar el estrés. Cada error genera otro mayor, en una progresión casi matemática del desastre. La escritura destaca precisamente por eso: por su precisión en el caos. Los diálogos están cargados de timing cómico, pero también de una tensión creciente que convierte cada escena en una bomba a punto de estallar.

Esta podría ser una serie improvisada por cómo se va de madre y por cómo los personajes elevan aún más las réplicas de sus compañeros. Esto se traduce en momentos que se sienten naturales, casi incómodamente reales, como si el guion se estuviera desmoronando ante nuestros ojos… cuando en realidad parece calculado hacia el surrealismo.

Una comedia no apta para nervios sensibles

De algo que conviene mucho avisar con ‘Errores épicos’ es de su capacidad para generar ansiedad en el espectador. No es una serie relajante, de hecho, podría decirse que es abiertamente hostil para quienes sufren de “empatía hiperactiva”: ver a los personajes tomar decisiones claramente equivocadas, una tras otra, puede resultar estresante.

En este sentido, la figura materna interpretada por Laurie Metcalf actúa como catalizador del caos. Su personaje, histérico y controlador, evoca inevitablemente a la Madre Amantísima de ‘Futurama’, tanto por su ambición desmedida como por su capacidad para manipular emocionalmente a sus propios hijos. No es el problema central, pero sí el combustible que mantiene la maquinaria del desastre en funcionamiento.

La temporada ofrece una resolución satisfactoria sin renunciar a dejar cabos sueltos que apuntan claramente a una continuación. Así es que tampoco es apta para aquellos incapaces de convivir con finales abiertos y con cancelaciones de Netflix. Los hilos argumentales que se insinúan en los últimos episodios sugieren una segunda temporada aún más desbordada, donde las consecuencias de los errores acumulados podrían alcanzar dimensiones mayores.

Crítica: ‘Incontrolable’

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Una lección feel good que acaba con el estigma cómico del síndrome Tourette

Durante décadas, el cine ha tratado el síndrome de Tourette casi exclusivamente como un artefacto cómico, una suerte de recurso narrativo para generar risas incómodas. Lo hemos visto en personajes puramente caricaturescos como los de ‘Gigoló’, en la versión más cómica de ‘The predator’ e incluso en títulos españoles como ‘Toc toc’. Por fin, con el estreno de ‘Incontrolable’, la gran pantalla abandona la mofa para abrazar la complejidad del individuo. Kirk Jones nos entrega un relato en clave dramática que, lejos de buscar la carcajada ante el exabrupto, se sumerge en la psique del protagonista para ofrecernos una visión mucho más humana, digna y, sobre todo, necesaria.

‘Incontrolable’ asume el reto de desarrollar un drama donde, si bien existen situaciones irremediablemente graciosas por la naturaleza del trastorno, estas no restan potencia al relato. Jones consigue que la película no caiga en la caricatura, logrando un equilibrio muy elegante y, sobre todo, profundamente humano.

La humanidad de Robert Aramayo y el reencuentro con Peter Mullan

No es de extrañar los premios que ha recibido Robert Aramayo por este papel. Su interpretación es un ejercicio de contención y verdad; no cae en la parodia y expone con una crudeza necesaria la incomprensión social y familiar que sufre su personaje. Es especialmente notable la química en pantalla al ver que Aramayo repite con Peter Mullan, con quien trabajó en ‘Los Anillos de Poder’. Pero es aún mejor la fórmula que se desarrolla con Maxine Peake. Esta dupla actoral protagoniza lo que quizás sea la faceta más ejemplar del filme. En sus escenas compartidas se desarrolla la intención principal de la obra: alcanzar la verdadera comprensión de un síndrome que aísla a quien lo padece.

De la impotencia adolescente al reconocimiento real

Se nota que el equipo de producción ha estado en estrecho contacto con el personaje real en el que se han inspirado, John Davidson. La narrativa nos guía por un viaje emocional que va desde la burla y la impotencia que vivió en su adolescencia hasta su consolidación como activista en la vida adulta. El guion no edulcora el camino lleno de piedras que Davidson tuvo que transitar antes de alcanzar sus pequeños y grandes éxitos.

El momento cumbre, que en su día llenó portadas, es su condecoración como Miembro de la Orden del Imperio Británico, recibida de manos de la mismísima Reina de Inglaterra. Sin embargo, Kirk Jones decide que este honor no sea el único foco, sino el símbolo de una lucha por la visibilidad. ‘Incontrolable’ termina siendo una pieza fundamental para dar voz a un colectivo que, por lo general, sufre el estigma de ser el centro de las bromas ajenas, transformando el dolor en una lección de resiliencia y lección de vida. La película se alza como una feel good movie genuina que inyecta una dosis de originalidad y frescura muy por encima de lo que veníamos viendo últimamente en el género biográfico. Es ese tipo de cine que te deja con el corazón hinchado y la mente mucho más abierta.

Ficha de ‘Incontrolable’

Estreno en España: 10 de abril de 2026. Título original: I swear. Duración: 120 min. País: Reino Unido. Dirección: Kirk Jones. Guion: Kirk Jones. Música: Stephen Rennicks. Fotografía: James Blann. Reparto principal: Robert Aramayo, Peter Mullan, Maxine Peake, Shirley Henderson, Scott Ellins Watson, Paul Donnelly, Douglas Rankine. Producción: One Story High, Tempo Productions. Distribución: SelectaVisón. Género: drama, hechos reales. Web oficial.

Análisis del pack con Sisu 1 y 2 en Blu-ray

Dos entregas que son literalmente inmortales

Decir que Sisu es inmortal es hablar con dobles sentidos pues además de tratar sobre un personaje imbatible hablamos de un tipo de humor que perdurará en el tiempo y que seguro que permanecerá en tu estantería pasando de una generación a otra. El fenómeno de ‘Sisu’ se ha consolidado como una de las propuestas más contundentes del cine de acción europeo reciente. Con su mezcla de violencia estilizada, ambientación bélica y un protagonista implacable, la saga dirigida por Jalmari Helander ha conseguido ganarse un hueco entre los aficionados al género.

Ahora, gracias a Arvi Licensing, llega al mercado un pack que reúne las dos películas publicadas hasta la fecha, convirtiéndose en una opción ideal tanto para nuevos espectadores como para aquellos que siguen este filme desde su proyección en festivales.

Un lanzamiento que reúne la saga completa hasta la fecha

Este pack de Sisu ofrece la oportunidad de disfrutar de las dos entregas disponibles en una única edición. Se trata de una propuesta especialmente atractiva para quienes buscan tener la colección completa en formato físico, algo cada vez más valorado en un contexto dominado por plataformas digitales pues antes o después las películas desaparecen de los catálogos.

La figura de Aatami Korpi, ese buscador de oro convertido en máquina de guerra, se consolida a lo largo de ambas películas como uno de los personajes más icónicos del cine de acción contemporáneo, elevando la saga a un estatus de culto.

Presentación y formato: sencillez funcional para el coleccionista

A diferencia de otras ediciones más recargadas, este pack apuesta por una presentación más funcional, reuniendo ambas películas en un mismo estuche y un interior a modo de libro alojando ambas películas en discos independientes. Y aunque la caja sea la clásica amaray al menos ambos blu-rays están serigrafiados con el cartel del filme.

Datos técnicos

Audios: Alemán DTS HD Master Audio 5.1, Castellano Dolby Digital 5.1, Inglés DTS HD Master Audio 5.1, Italiano DTS HD Master Audio 5.1

Calificación: No recomendada para menores de dieciséis años

Formato: Blu-ray

Formato de imagen: 2.40:1

Subtítulos: Alemán, Castellano, Estonio, Holandés, Inglés, Italiano, Letón, Lituano, Portugués, Turco

Zona: FREE

Extras en Sisu (25 min. aprox.)

Making of (24:25 min.)

Por suerte en estos extras se habla mucho más que en la película. Casi media hora de reportaje hablando sobre la concepción de este personaje y los retos que representa. Una película de guerra contra nazis en Finlandia es un rara avis, pero no es el único hándicap que el equipo de rodaje manejó para dar vida a esta especie de Chuck Norris europeo. Materializar escenas cada vez más locas, generar acción en un terreno baldío, dar vida a un héroe “creíble”, conectar con algún que otro elemento histórico…

Superar los límites de la realidad: los efectos visuales de Sisu (10:48 min.)

Que lo del aguante de Rambo en sus aventuras no es realista lo tenemos asumido. Pero lo de ‘Sisu’ traspasa la realidad hasta lo sobrenatural y surrealista. Para hacer todo esto más allá de contar con buenos especialista ha habido que tirar de efectos digitales capaces de mostrar en pantalla escenas completamente demenciales.

Extras en Sisu 2 (4 min. aprox.)

Subiendo la apuesta (3:03 min.)

Básicamente es una especie de tráiler en el que se sacan a relucir dos elementos claves: la acción va mucho más allá, sin límite alguno. Y se suman actores de la talla de Stephen Lang como antagonista de un héroe que gana trasfondo.

Escenas eliminadas (00:41 min.)

Una única escena en la que se realiza un pago y en la que por supuesto Aatami no pronuncia palabra.

Crítica: ‘La cosa en la niebla’

Un viaje con gracia y misterio pero sin cinturón de seguridad a través de la ciencia ficción

Cuando nos sentamos en la butaca del cine para enfrentarnos a una ópera prima de un director, a menudo esperamos encontrarnos con un ejercicio de contención, un drama intimista o una historia que no arriesgue demasiado. Sin embargo, el director Chedey Reyes ha decidido que su carta de presentación en el largometraje sea exactamente lo opuesto. Con ‘La cosa en la niebla’, Reyes nos invita a abrocharnos los cinturones en un vuelo turbulento que esquiva a volantazos la prudencia narrativa. Encerrados en la cabina de un avión de pasajeros, nos sumergimos en una aventura que abraza el caos cósmico, el humor absurdo y el terror con una pasión desbordante que contagia desde el primer fotograma hasta los créditos finales donde han introducido unas siempre divertidas secuencias de tomas falasas.

Un despegue entre el homenaje pulp y el neón retro

Para entender la propuesta visual de esta cinta, hay que dejar los prejuicios estéticos del cine contemporáneo en la puerta de embarque. La película es una mezcla con sabor pulp y color retro lisérgico de las producciones fosforitas de ciencia ficción de los 60 y 70. Lejos de las paletas desaturadas y grises que inundan las superproducciones de hoy en día, aquí los colores estallan en la pantalla, creando una atmósfera alienígena, extraña e irreal.

Resulta interesante descubrir, buceando entre las curiosidades de su rodaje, que para lograr este entorno inmersivo sin caer en el aspecto plano del croma tradicional, el equipo rodó en Gran Canaria utilizando pantallas de tecnología LED, imitando el estilo Stagecraft tan popularizado por ‘The Mandalorian’. Al proyectar los fondos nubosos o interdimensionales en tiempo real, los rostros de Ismael, un piloto veterano interpretado con una vis cómica impecable por Martín Garabal, y Daniela, su atípica y novata copiloto a la que da vida Elena de Lara, se tiñen orgánicamente con esas luces vibrantes. A través de los cristales surge una amenaza que evoca directamente a los cómics clásicos sesenteros como ‘Mars Attacks’ o ‘Strange Tales’.

Más allá de John Carpenter: ecos de la ciencia ficción de culto

El título de la cinta es toda una declaración de intenciones. Cualquiera que ame el terror clásico sabe a qué maestro del terror se está invocando. Sin embargo, limitar la película a un simple tributo sería injusto. Aunque el propio título y muchos otros guiños recuerdan a películas de Carpenter como ‘They live’, a nuestra cabeza también vienen referentes más cercanos como ‘Perdidos’, ‘Fringe’, clásicos de la ciencia ficción cómica como ‘Men in Black’ o la actual ‘Pluribus’, rodada en buena parte también en Canarias. No quiero entrar en más detalles al respecto por no destriparos nada, pero espero que esos referentes susciten tanto vuestra imaginación como para comprar una entrada si os llegáis a cruzar con esta película.

El guion, firmado por Juan José Ramírez Mascaró, es un artefacto que asimila todas estas influencias y las destila en un formato claustrofóbico. Nos encontramos ante una narrativa que sabe combinar la tensión de la supervivencia a miles de pies de altura con las anomalías del estratosféricas. Los diálogos tienen una chispa y un carisma que lo protagonistas han sabido materializar, de tal modo que rápidamente nos enganchamos a su aventura.

La imaginación desatada como única regla de vuelo

Lo que verdaderamente convierte a ‘La cosa en la niebla’ en una experiencia divertida es su absoluta falta de complejos. Llega un momento en el que parece que puede salirte por donde sea, pero por donde sea en plan de términos fantásticos con cualquier tipo de giro o solución. Chedey Reyes y su equipo no tienen reparos en dar rienda suelta a la imaginación puramente de ciencia ficción, abandonando las pesadas ataduras del realismo para abrazar lo inverosímil.

Eso está divertido porque tanto guionista como espectador juegan con la trama según se va sucediendo. La película juega constantemente con la imaginación y con el conocimiento de fantástico del espectador. Cuando crees que la historia tomará la ruta predecible de un thriller de la aviación, te lanza a la cara una paradoja loca. Es evidente que no busca la verosimilitud científica, busca el impacto, la sorpresa y la pura diversión. En definitiva, ‘La cosa en la niebla’ es un billete de ida a otra dimensión que demuestra que, con atrevimiento, el cine de género puede volar por encima de cualquier expectativa.

PD: que los protagonistas vistan el mismo traje de tripulación que Robert Hays y Julie Hagerty en ‘Aterriza como puedas’ para mí ya es señal de que, a los autores no les importa el qué dirán y además tienen buen gusto.

Ficha de ‘La cosa en la niebla’

Estreno en España: 17 de septiembre de 2026. Título original: La cosa en la niebla. Duración: 85 min. País: España. Dirección: Chedey Reyes. Guion: Juanjo Ramírez. Fotografía: Teresa Ruano Santana. Reparto principal: Elena de Lara, Martín Garabal, Carla Miranda, Pablo Padrón, Paco Show. Producción: Barrios Producciones, Instituto del Cine Canarias, Jugoplástika. Género: comedia, ciencia ficción, terror. Web oficial.