Festival de Sitges 15/10/26: Sitges a los pies de los DeVito

Terminamos el día con la candidata italiana al Oscar

Hoy ha sido un día muy especial en el que hemos tenido la ocasión de poder ver al grandísimo Danny DeVito, presentando ‘Drag’ junto a sus hijos, película protagonizada por Lucy Devito y producida por el actor y por Jake DeVito, otro de sus hijos. Los tres han estado presentes en el día de hoy. Además, también ha sido el día en el que le han dado el Premio Honorífico por toda su carrera, a continuación, os dejamos el vídeo enlazado de su discurso.

También estuvimos en el coloquio con Judith Light que protagoniza la nueva temporada de ‘The Terror. Devil in Silver’, en el que nos ha contado muchas cosas sobre los diferentes personajes de la cinta, también ha soltado alabanzas hacia Karyn Kusama, que ha dirigido 2 episodios de esta nueva temporada. Aquí os dejamos un fragmento del coloquio.

Durante el día de hoy, en el festival han pasado también los equipos de ‘Victorian Psycho’, el equipo de ‘Drag’, ‘Corpus’, ‘The Spiral’, ‘Wash Away’, entre otros, incluidos a Meiko Kaji, Takashi Shimizu, Meiko Kaji o Judith Light.

 

‘Wildwood’ (crítica extendida)

La nueva película de Laika dirigida por Travis Knight, es una auténtica maravilla del stop-motion. La fluidez de los movimientos, los cambios de escenario y la integración de elementos meteorológicos son tan impresionantes que por momentos parece animación 3D por ordenador. Solo al detenerse en los detalles y en la cantidad de elementos animados en cada plano se aprecia la complejidad de esta obra artesanal, que ha requerido siete años de producción.

La historia lleva a Prue y su amigo Curtis a un bosque mágico de Portland para rescatar al hermano pequeño de ella, secuestrado por unos cuervos. Animales parlantes, criaturas misteriosas y una estética de cuento europeo componen un universo que evoca las leyendas de Baba Yaga.

En el guion no resulta tan revolucionaria, con ecos de ‘Dentro del laberinto’, ‘Las crónicas de Narnia’ y ‘Willow’. Pero la música de Dario Marianelli y las canciones de The Decemberists acompañan una experiencia visual extraordinaria. ‘Wildwood’ demuestra que la artesanía puede alcanzar una magia que parece imposible.

Comentado por Furanu.

‘Corpus’

He de decir que ‘Corpus’ ha hecho desde hace mucho tiempo, que viendo una película haya mirado el reloj mas de 6 veces. Y es que es una película en la que no ocurre realmente nada hasta que está a punto de terminar.

La película nos pone en el camino de tres amigos distanciados por varios motivos que acuden a una fiesta en un lugar apartado por la noche de San Juan con tres mujeres a las que solo uno de estos chicos conocen.

Realmente la película trata sobre la relación de un quiero y no puedo de dos de estos dos amigos. Con demasiada tensión sexual no resuelta y un tira y afloja que llega aburrir. No emociona y la verdad que cansa ese royito que se traen entre los dos. No hay un ambiente de gran tensión en tema fantástico, sabes que terminará ocurriendo algo durante esa noche de San Juan, pero lo dicho, creo que a partir de la última media hora de repente ves de porque están allí. Pero da igual, porque para el desenlace, todo lo que ocurre en este tiempo, no sirve para nada.

Eso sí, punto a su favor, al equipo que ha realizado los prostéticos de esta película, son tres en total, pero los tres están super bien realizados.

Comentado por Vicky Carras.

‘Future tense’ (crítica extendida)

Ha llegado la nostalgia climática. En ‘Future Tense’, Jenna Cato Bass imagina un futuro cercano en el que los más privilegiados pueden viajar en el tiempo para escapar de un planeta al borde del colapso. Lwando y Tara, una pareja interracial, visitan la Sudáfrica de 1647, antes de la colonización europea. Elementos deterministas, apartheid, dilemas morales y sentimentales son los ingredientes de este filme.

La película utiliza la ciencia ficción para relacionar la crisis medioambiental con el colonialismo y el expolio de recursos naturales. Mientras los ricos pueden comprar una escapatoria, el resto de la humanidad permanece atrapado en un mundo cada vez más inhabitable.

Sin olvidar esa dimensión política, Bass construye un relato íntimo sobre una pareja que no comparte la misma idea de futuro. ‘Future Tense’ no necesita grandes espectáculos tecnológicos: su fuerza está en las preguntas que plantea sobre la culpa, la identidad y la posibilidad de cambiar el pasado. Una distopía ecologista que recuerda que el paraíso que añoramos quizá sea el mundo que no supimos conservar.

Comentado por Furanu.

‘The Terror: devil in silver’ (crítica extendida)

Devuelve la antología de terror producida por Ridley Scott con una historia ambientada, por primera vez, en la actualidad. Dan Stevens interpreta a Pepper, un trabajador que acaba ingresado contra su voluntad en un hospital psiquiátrico tras un incidente relacionado con su mal carácter. Allí descubrirá que el centro esconde secretos y que quizá una entidad demoníaca se alimenta del sufrimiento de sus pacientes.

Chris Cantwell y Victor LaValle, autor de la novela original, ejercen como showrunners y guionistas. Karyn Kusama, directora de ‘La invitación’ y vinculada a ‘Yellowjackets’, se encarga de los dos primeros episodios.

La serie mezcla terror sobrenatural y crítica social para cuestionar una institución que parece más preocupada por aislar a quienes considera incómodos que por ayudarlos. Después de explorar una expedición polar y los campos de internamiento durante la Segunda Guerra Mundial, ‘The Terror’ encuentra un nuevo escenario aterrador en el presente. La temporada consta de seis episodios, se estrena en España el 19 de octubre en AMC+ y alunar que mantendrá el nivel de sus predecesoras

Comentado por Vicky Carras.

‘Bloody smart’ (crítica extendida)

Pero menuda sorpresa. ‘Bloody smart’ traslada unos cuantos relatos de Junji Ito a serie televisiva. Y después de ver el primer episodio, solo puedo decir que merece bastante la pena. La serie taiwanesa nos va mostrando pequeños detalles de este mundo tan oscuro. En un pueblo remoto con un colegio dedicado exclusivamente al estudio para poder aprobar y llegar a la universidad, comienzan a ocurrir extraños y terribles sucesos. Desapariciones de alumnos, apariciones fantasmagóricas, cambios de humor entre la gente que vive en la zona. Una espesa niebla que aparece de vez en cuando. Todo ello rodeado de esa atmósfera oscura que tanto nos gusta de Junji Ito.

De momento pinta muy bien y he de decir que me he visto muchas adaptaciones de este autor, ya que me gusta mucho y es de las mejores. Pero estas cosas siempre hay que hablarlas con cautela, porque los primeros episodios siempre suelen ser muy buenos y luego flojean.

Comentado por Vicky Carras.

‘El samurai y el prisionero’

Kiyoshi Kurosawa nos trae la adaptación de la novela ‘El samurái y el prisionero’, escrita por Honobu Yonezawa. En el Japón del siglo XVI, durante el periodo Sengoku, nos encontramos ante el asedio de un castillo. Allí en medio de toda la tensión militar, comienzan a ocurrir una serie de asesinatos dentro de esta fortaleza. El señor del castillo Murashige Araki, debe entablar una alianza con un prisionero brillante Kanbei Kuroda, para que le ayude a encontrar al posible traidor y asesino.

La película va poco a poco, mostrándonos un poquito de la historia de este conflicto y presentándonos a cada uno de los protagonistas. Un thriller con unas imágenes increíbles, aunque austeras y eso lo logra con unos encuadres perfectos y por supuesto con un equipo de producción increíble. La ambientación de toda la película está de 10.

Dadle una oportunidad a esta cinta que nos trae Adso films el próximo 23 de octubre porque realmente merece la pena.

Comentado por Vicky Carras.

‘Salmokji Whispering Water’ (crítica extendida)

Debut en el largometraje de Lee Sang-min, quien recupera buena parte de los códigos del terror oriental de principios de siglo: fantasmas de pelo largo y piel blanca, lugares encantados, metraje encontrado, doppelgängers y una fotografía dominada por la oscuridad. El título hace referencia al nombre real de un embalse de Yesan, en Corea del Sur, conocido además por historias paranormales y supuestos avistamientos de fantasmas.

El problema es que la película parece más interesada en recuperar esos recursos que en reinventarlos. Aunque incorpora cámaras 360, GoPros y otras técnicas actuales, los efectos no siempre están a la altura. La escena subacuática cercana al final es probablemente lo más destacable de una propuesta que encuentra en el agua su mayor fuente de inquietud.

Busca el manido choque entre lo rural y lo urbano, entre el escepticismo y las creencias tradicionales y entre la tecnología moderna y lo arcaico pero no innova. Dudo que consiga un fenómeno como el de Aokigahara y haya peregrinaciones al lugar.

Comentado por Furanu.

‘Drag’ (crítica extendida)

Pero que bien me lo he pasado con esta película. Un dolor de espalda destroza la noche dedos hermanas que no planeaban nada bueno. Realmente una de ellas iba a robar en una casa de un hombre que la debía dinero mientras la otra esperaba. Todo el plan era perfecto hasta que la que entro en la casa tiene un fuerte tirón en la espalda y la noche se complica de manera espectacular.

Me lo he pasado muy bien, la química entre las actrices es brutal, además de que el casting me parece muy bueno, ya que se parecen bastante. Y las peleas entre ambas, el guion tan fluido y las conversaciones banales que tienen, es parte de esa realidad que se le puede dar a la historia.

La verdad que sufres por ellas dos y te ríes bastante. ‘Drag’ tiene un giro macabro que sin duda os hará ver los cuadros de Picasso de otra manera diferente, no se cuando llegará a nuestras pantallas pero es una pequeña sorpresa.

Comentado por Vicky Carras.

‘The spiral’ (crítica extendida)

Paolo Strippoli convierte los secretos familiares en una fábula oscura sobre los pactos y el precio de intentar engañar al destino. La historia arranca cuando Anna confiesa a su hija Alice que, años atrás, selló un trato con una misteriosa desconocida para salvarle la pierna tras un accidente. Una decisión que terminará condicionando a toda la familia.

Dividida en cuatro capítulos, la película reconstruye los hechos desde distintos momentos para desmontar poco a poco la imagen de una familia perfecta. Su premisa recuerda a ‘La pata de mono’, ‘Cementerio de animales’ o ‘Wishmaster’. La trama está muy bien armada aunque podemos prever alguno de los giros. Sin embargo el personaje de Valeria Bruni Tedeschi, demasiado dependiente de su misterio, no acaba de resultar tan inquietante como debería.

Italia la ha elegido para los Oscar, pero personalmente no la veo a la altura de otras candidatas como ‘La bola negra’. Una fábula con buenas ideas que no termina de atraparme.

Comentado por Furanu. 

 

Crítica: ‘Bloody Smart’ 1×01

En qué plataforma ver Bloody Smart

Junji Ito vuelve a nuestras pantallas

Menuda sorpresita me he llevado al conocer el aterrizaje de la serie de Taiwán ‘Bloody Smart’. Y es que cuando voy al Festival de Sitges, que es donde la he podido ver, me gusta ir un poco a ciegas de lo que voy a ver. ¿Y que ha pasado? Pues me he encontrado que ‘Bloody Smart’ es una adaptación de las historias de Junji Ito. Y es que este mangaka es sin duda uno de mis escritores y dibujantes favoritos. Sus historias oscuras, raras y tan originales logran que pases miedo e incluso a veces hasta logre hacerte reir.

Que nos vamos a encontrar en Bloody Smart

Comenzamos en una comunidad escolar obsesionada con obtener la excelencia académica. Un pueblo dedicado a que estos estudiantes estudien desesperadamente todo el día, con unas estrictas normas para preservar el orden y la perfección. Todo esto va cambiando por los diferentes sucesos que van ocurriendo y es que comienzan a desaparecer personas, también tenemos apariciones fantasmagóricas. Unos extraños frutos rojos van rodando de un lado a otro.

Si habéis leído a Junji Ito sabéis que parte de su mundo macabro cuenta mucho con el tema de la juventud. Esos adolescentes ojerosos siniestros con tristes historias que contar. De momento todo lo que he visto me ha gustado. Si que es cierto que ha sido un episodio de 10 que va a tener la serie, pero tiene la atmósfera y tiene los personajes bastante bien retratados.

Guionistas, dirección y fecha de estreno

De momento la dirección de Chun-Yi Hsieh me ha gustado mucho, la oscuridad que crea, ese mal royo entre muchos de los peronajes. Las malas miradas de envidia. Personajes que parecen felices pero que realmente están tramando algo malo. Y luego están esos estudiantes a los que no les dejan ni respirar. Logra sacar todo el potencial a sus actores y eso dice mucho de él.

El guion lo hacen entre tres personas, Ya-Lan Cheng, Chun-Yi Hsieh y Sakana. Me parece de momento una buena adaptación, en este primer episodio se atisba ya varios de los personajes de Junji Ito, entre ellos Tomie o Soichii Tsujii. Al finalizar el episodio vemos todos los dibujos del mangaka y podemos ver que tendremos apariciones de sus relatos como La chica babosa o Globos Colgantes entre otros.

Así que ya sabéis, el próximo 23 de octubre de 2026 ‘Bloody Smart’ llega a nuestras casas gracias a AMC+ y Planet Horror. La esperamos con muchas ganas. Al finalizar la serie os haré una reseña completa habiendo visto los 10 episodios completos.

Crítica: ‘Reina Roja. Loba Negra’

En qué plataforma ver Reina Roja. Loba Negra

Reina Roja regresa preparándonos el final de la trilogía

Koldo Serra vuelve a reunirse con Victoria Luengo y Hovik Keuchkerian para devolvernos a la pequeña pantalla a ‘Reina Roja’. La segunda temporada de la exitosa serie de Prime Video, regresa pisando fuerte. Esta segunda temporada está basada en el segundo libro de la trilogía del aclamado autor Juan Gómez-Jurado, ‘Reina Roja. Loba Negra’. A partir del 2 de octubre podréis ver los seis episodios de esta nueva temporada.

Que tenemos en Loba Negra

Nuestra Reina Roja, Antonia Scott y su enorme escudero, Jon Gutiérrez, vuelven a unirse para intentar resolver un crimen relacionado con la mafia rusa en la Costa del Sol. Ha habido un tiroteo y tenemos una desaparecida, Lola Moreno, la esposa de un mafioso. Pero a Lola no solo la están persiguiendo los rusos, sino que también Loba negra, una asesina a sueldo que pondrá en jaque a Antonia.

Una temporada con bastante más acción de la que me esperaba y que tiene una muy buena historia de fondo. Aunque me ocurre como en la anterior, que quizás le falta un poco de fuerza a los diálogos. No se como explicarlo, pero me falta un poco de fuerza las actuaciones. No creo que sea algo de dirección o de los actores, si no que creo que viene desde el guion. Pero esto no hace que no veamos un buen producto. Ya que la serie tiene una gran historia que engancha y logra engañar al espectador con los giros que vamos viendo.

Victoria, Hovik y compañía

Sin duda el reparto me parece estupendo. Victoria y Hovik creo que son los perfectos Antonia y Jon. Tienen una química muy bonita y tierna, logramos ver como el personaje de Antonia cada día quiere más a Jon, confía más en el y sabe perfectamente que siempre la va a proteger. Mientras que Jon, aprende poco a poco a manejar las situaciones con Antonia y a ver todo lo bueno que tiene esa mujer tan inteligente y la que le cuesta sociabilizar. El cariño que ambos se tienen se ven en los gestos y miradas.

Junto ellos tenemos a Adriana Torrebejano, como esta mujer que no para de huir en toda la temporada. Que por cierto, está bastante bien en el papel de Lola Moreno. Silvia Abascal y Mauricio Morales (‘Luger’), los dos policías que se encuentran en Marbella y que no se lo pondrán nada fácil a nuestros protagonistas.

Alex Brendemühl, Vicenta N’Dongo, Fernando Guallar, Karmele Larrinaga, Alex Garrido, Mariamu Toure y Bruno Sevilla repiten personajes en esta nueva temporada.

A la espera de la tercera temporada

Con ganas de que comiencen ya con el rodaje de la tercera temporada en la que tendremos por fin al Rey Blanco, título de la tercera novela de esta trilogía. Parte de esta temporada ya se nos ha marcado un poco también para que nos preparemos para lo que viene.

Sin duda una serie que en su conjunto me está gustando mucho, con bastante acción, donde Koldo Serra nos demuestra que es una de las cosas que mejor se le dan. Tiene una visión increíble y sabe perfectamente como lograr crear grandes luchas, hay una coreografía bastante trabajada con Javiera Sky como protagonista. Además la escena en la que Lola Moreno tiene que desaparecer está cuidadísima, tiene unos planos muy chulos y todos los actores se mueven como peces en el agua en el escenario.

Así que ya sabéis a partir del día 2 de octubre entrad a Prime Video para ver ‘Reina Roja: Loba Negra’ y si no habéis visto aun la primera temporada ya estáis viéndola.

Nuevas caras en la serie de Harry Potter

Más nombres junto a Kit Harrington

Después de ver el tráiler de la primer temporada (aquí podéis verlo), ya comienzan a aparecer los nombres confirmados de la segunda temporada de la nueva serie original de HBO de Harry Potter. Lenny Rush, Bonnie Hill y Billy Barratt son las nuevas incorporaciones a esta segunda temporada en la que veremos la adaptación de la segunda novela de J.K. Rowling, ‘Harry Potter y la cámara secreta’.

Detalles de los protagonistas

Lenny Rush, representado por Curtis Brown y Public Eye Communications, será el encargado de dar voz y vida a nuestro querido Dobby.

Bonnie Hill, representada por Northern Prep Squad Ltd., será la cara de Ginny Weasley, una más de la familia Weasley, tan importante en el futuro para Harry.

Billy Barrat, representado por CAA, SYA, Ace MGMT y Stewart Brookman, de Hansen, Jacobson, Teller, Hoberman, Newman, Warren, Richman, Rush, Kaller, Gellman y Meigs & Fox. Será ni más ni menos que Tom Ryddle, sin duda uno de los personajes más importantes de este libro.

Los tres personajes son de gran importancia en esta segunda aventura que ya está poniendo todas sus cartas en la mesa. Hace poco tuvimos el honor de saber que Kit Harrington será Gilderoy Lockhart.

Harry Potter y sus andanzas por Hogwarts

El 25 de diciembre tendremos la ocasión de disfrutar de la primera temporada de esta serie que pinta como una gran adaptación de los libros. Al final tienen más minutos para poder adaptar bien los libros de J.K. Rowling añadiendo pequeños detalles que en las películas tuvieron que omitir o incluso cambiar por falta de tiempo. Aun tendremos que esperar un poco para que esto ocurra, pero sin duda creo que la espera va a merecer mucho la pena.

‘Harry Potter y la piedra filosofal’ desvela su segundo avance oficial

La nueva serie original de HBO basada en la saga literaria de J.K. Rowling llegará a HBO Max en Navidad de 2026

La magia vuelve a Hogwarts. La serie original de HBO ‘Harry Potter y la piedra filosofal’ ha presentado su segundo avance oficial, una nueva muestra de la adaptación televisiva de la popular saga literaria de J.K. Rowling. La producción contará con una primera temporada de ocho episodios que se estrenará en Navidad de 2026 en HBO Max.

La serie pretende trasladar nuevamente a la pantalla los acontecimientos del primer libro, acompañando a Harry Potter desde el descubrimiento de sus poderes y su llegada al Colegio de Magia y Hechicería de Hogwarts hasta su enfrentamiento con algunos de los secretos que se esconden tras los muros del castillo.

Harry Potter comienza su aventura en Hogwarts

Harry Potter ha crecido pensando que no tiene nada de especial, una idea reforzada por su tía Petunia. Todo cambia cuando recibe una misteriosa carta de admisión a Hogwarts, que le descubre la existencia de un mundo oculto de magia, criaturas extraordinarias y nuevas amistades.

Su llegada al colegio supondrá también el comienzo de una aventura en la que estará acompañado por Hermione Granger y Ron Weasley. Sin embargo, Hogwarts guarda secretos que irán saliendo a la luz y que llevarán a Harry a enfrentarse a una amenaza relacionada con el mago más oscuro de todos.

Un nuevo reparto para la saga

La primera temporada está protagonizada por Dominic McLaughlin como Harry Potter, Arabella Stanton como Hermione Granger y Alastair Stout como Ron Weasley. Junto a ellos, John Lithgow interpreta a Albus Dumbledore, Janet McTeer a Minerva McGonagall, Paapa Essiedu a Severus Snape y Nick Frost a Rubeus Hagrid.

El reparto se completa con Rory Wilmot como Neville Longbottom, Lox Pratt como Draco Malfoy, Leo Earley como Seamus Finnigan, Elijah Oshin como Dean Thomas, Tristan Harland como Fred Weasley, Gabriel Harland como George Weasley, Ruari Spooner como Percy Weasley, Alessia Leoni como Parvati Patil, Sienna Moosah como Lavender Brown, Finn Stephens como Vincent Crabbe, William Nash como Gregory Goyle, Warwick Davis como Filius Flitwick y Sirine Saba como Pomona Sprout.

También participan Daniel Rigby como Vernon Dursley, Bel Powley como Petunia Dursley, Paul Whitehouse como Argus Filch, Johnny Flynn como Lucius Malfoy, Bertie Carvel como Cornelius Fudge, Luke Thallon como Quirinus Quirrell y Katherine Parkinson como Molly Weasley, entre otros.

Francesca Gardiner lidera la nueva adaptación

La serie está basada en los libros de J.K. Rowling y cuenta con Francesca Gardiner como guionista y productora ejecutiva. Mark Mylod ejercerá como productor ejecutivo y dirigirá varios episodios.

La producción corre a cargo de HBO, en colaboración con Brontë Film and TV y Warner Bros. Television. J.K. Rowling, Neil Blair y Ruth Kenley-Letts, de Brontë Film and TV, y David Heyman, de Heyday Films, participan también como productores ejecutivos.

La primera temporada de ocho episodios de ‘Harry Potter y la piedra filosofal’ llegará a HBO Max en Navidad de 2026.

Tráiler de la serie ‘Golden Axe’

Paramount+ trae Golden Axe el próximo mes

Mike McMahan (‘Solar Opposites’) y Joe Chandler (‘Padre Made in USA’) son los encargados de adaptar este videojuego que tantas horas nos ha dado desde 1989. Paramount+ es el encargado de traer la adaptación en forma de serie a su plataforma. Y tenemos el primer tráiler de la cinta que podéis ver a continuación.

¿De dónde sale esta serie?

En 1989 SEGA lanzó ‘Golden Axe’. Videojuego de fantasía, con algún que otro elemento que recuerdan al rol. En el podemos elegir a tres personajes distintos para embarcarnos en una gran aventura de rescate. Ax Battler, un bárbaro enorme, Tyris, una amazona y Gilius Thunderhead, un enano que lleva un hacha gigante. Cada uno de ellos tiene un plan de venganza contra el sanguinario Death Adder.

Reencuentros y nuevos personajes

La serie que se va a estrenar en Paramount+, nos trae el reencuentro de Gilius, Ax y Tyris. Y es que Darth Adder ha regresado entre los muertos y deben darle caza. Además como vemos en el tráier tenemos nuevos personajes que se unirán a nuestros protagonistas. Escucharemos las voces de Liam McIntyre, Lisa Gilroy, Matthew Rhys, Danny Pudi y Carl Tart como los personajes principales de la serie.

¿Donde lo podremos ver?

De momento no hay estreno oficial en España. A la espera de que SkyShowtime nos de buenas noticias, el 16 de septiembre, estará disponible en la plataforma de Paramount+.

Crítica: ‘Lanterns’

En qué plataforma ver Lanterns

Dos formas de entender el heroísmo que conviven perfectamente con la esencia de los Green Lanterns

Conviene dejar claro desde el principio que esta es una reseña del primer capítulo de ‘Lanterns’, no una valoración de la temporada completa ya que no he podido acceder a ella. Pero las ganas que tenía de abordar a estos personajes me supera.

La expectación por ‘Lanterns’ no nace con el actual DCU de James Gunn, sino que es el último capítulo de una larga historia de intentos de devolver a Green Lantern a la primera línea audiovisual. Tras el fracaso de ‘Green Lantern’ (2011), Warner anunció en 2014 ‘Green Lantern Corps’, una nueva película que llegó a plantearse alrededor de Hal Jordan y John Stewart y que estaba vinculada a la etapa del DCEU de Zack Snyder. El propio Snyder quiso introducir a John Stewart en ‘Justice League’, llegando a rodar una escena con Wayne T. Carr que finalmente fue descartada por Warner y sustituida por la aparición de Martian Manhunter en ‘Zack Snyder’s Justice League’. Poco después, en 2019, Greg Berlanti anunció una serie de ‘Green Lantern’ para HBO Max que también sufrió una larga evolución hasta terminar siendo replanteada.

Con la creación de DC Studios, James Gunn y Peter Safran recuperaron el proyecto desde una nueva perspectiva, convirtiéndolo en ‘Lanterns’, con Chris Mundy, Tom King y Damon Lindelof al frente. Por eso la serie ha tardado tantos años en llegar: no estamos ante un proyecto que haya tardado en producirse desde su anuncio actual, sino ante más de una década de intentos, reinicios y cambios de enfoque para encontrar la manera adecuada de adaptar de nuevo a Green Lantern.

La historia arranca jugando con tres momentos temporales. En 1996 conocemos al joven John Stewart, todavía creciendo bajo la influencia de un padre estricto mientras observa a Hal Jordan como la encarnación de aquello que aspira a ser. En 2016, Hal ya es su mentor y ambos investigan una inquietante presencia extraterrestre en un pequeño pueblo de Nebraska. Finalmente, en 2026, un año después de lo sucedido en ‘Superman’, encontramos a John convertido en Green Lantern de pleno derecho y actuando por su cuenta. Es una estructura que funciona porque cada salto temporal aporta información sobre la relación entre ambos. Lo lógico es pensar que los siguientes episodios se moverán fundamentalmente entre 2016 y 2026, dejando la infancia de John como una pieza puntual para comprender su personalidad.

El resultado tiene una evidente naturaleza superheroica, pero también abraza el suspense policial. De ahí las inevitables comparaciones con ‘True Detective’, una influencia que, además, no es casual: James Gunn ya había definido el proyecto como un misterio terrestre con protagonistas que funcionan prácticamente como policías intergalácticos.

Hal Jordan y John Stewart: dos maneras de entender el heroísmo

Una de las mejores decisiones de ‘Lanterns’ es presentar a sus protagonistas sin necesidad de ocultar quiénes son. Hal Jordan no no es un eascarado: es un héroe conocido, cercano a la población y con libertad para intervenir cuando existe una amenaza extraterrestre. Es una representación muy cercana a la tradición de los cómics, donde la identidad de Green Lantern no siempre necesita funcionar como un secreto.

La relación entre Hal y John es todavía más interesante. Los dos son hombres honorables y quieren hacer lo correcto, pero entienden el deber de maneras muy diferentes. Ahí aparece el eco de aquel cómic ‘Green Lantern/Green Arrow’ de Dennis O’Neil, Elliot Maggin y Neal Adams en el que el personaje podía servir para confrontar distintas formas de interpretar la justicia, la responsabilidad y el poder.

Kyle Chandler da la talla como un Hal Jordan crepuscular, veterano y algo irreverente. Su actitud transmite el cansancio de alguien que lleva décadas desempeñando un trabajo extraordinario prácticamente en solitario. Vemos básicamente el desgaste de un héroe que ha vivido demasiado tiempo dentro de su propia leyenda.

Aaron Pierre encaja magníficamente con la rigidez de John Stewart. Tiene el porte, la mirada y esa sensación de disciplina contenida que asociamos al personaje en las viñetas. Y hay un concepto fundamental que atraviesa el episodio: el miedo. Para un Green Lantern, vencerlo no es una simple cuestión de valentía, sino parte de la esencia misma del personaje. La serie acierta en tratar esto constantemente y los actores han sabido incorporarlo a sus interpretaciones.

De momento las pistas van solo para los más cafeteros

Por el momento nos dan alguna pista de qué tipo de problemas van a encontrarse estos héroes en su aventura por la América cerrada. Pero solo aquellos que estén bien empapados de las historias de Green Lantern sabrán ver bien quién es el auténtico enemigo a batir en esta primera temporada. De hecho, los tráilers ya nos daban buenas pistas.

Por lo que deja entrever este primer capítulo, entre Jordan y Stewart también habrá espacio para una relación de rivalidad, admiración y cierto amor-odio que conecta directamente con la tradición de los cómics. Cuando John Stewart apareció por primera vez en ‘Green Lantern’ #87, en 1971, fue elegido como sustituto de Hal y el propio Jordan recibió el encargo de entrenarlo, aunque desde el principio desconfió de sus métodos y de su actitud frente a la autoridad. Con el tiempo, aquella relación pasó de la desconfianza inicial a convertirse en una auténtica camaradería, hasta el punto de que ambos han llegado a compartir el peso del legado de Green Lantern en diferentes etapas.

‘Lanterns’ parece recuperar esa dinámica, pero introduciendo una diferencia fundamental: todo apunta a que el gran protagonista de este nuevo DCU será John Stewart. Eso no significa, sin embargo, que vayamos a despedirnos de Hal Jordan. Al contrario, el primer capítulo deja claro que su presencia seguirá siendo determinante y que, incluso después de su muerte, podría continuar guiando a John a través de un peculiar “halograma”, una suerte de holograma que recuerda inevitablemente al papel que desempeñaba Jor-El con Superman. De esta manera, Hal puede convertirse en algo más que el mentor del nuevo Lantern: en la figura que representa el pasado del Cuerpo mientras John encarna su futuro. Una relación que, si la serie sabe desarrollarla, puede ser uno de sus grandes atractivos.

El peso de su historia y un futuro prometedor

No es casualidad que detrás de ‘Lanterns’ estén Tom King, Chris Mundy y Damon Lindelof. King aporta su experiencia como uno de los grandes guionistas contemporáneos de DC y autor de obras magnas, acostumbrado a utilizar los superhéroes para hablar de identidad, trauma y humanidad.  Mundy, responsable de ‘Ozark’, sabe construir tensión criminal y personajes sometidos a una presión constante.  Y Lindelof, creador de ‘Lost’, ‘The Leftovers’ y ‘Watchmen’, conoce perfectamente el misterio serializado y la capacidad de convertir una historia fantástica en un relato sobre personas.

El primer capítulo demuestra que la mezcla puede funcionar. Incluso cuando abraza el misterio, nunca pierde completamente la identidad superheroica. Y el destino de Hal Jordan deja claro que la serie no piensa limitarse a recuperar una franquicia: quiere utilizarla para construir un misterio con consecuencias.

Un último detalle especialmente interesante para el público español aparece al final de los créditos: el sello del Ministerio de Cultura. La explicación está en la participación de empresas españolas en la producción de efectos visuales, entre ellas El Ranchito, que figura entre las compañías encargadas de los VFX de la serie y que ha promocionado expresamente su trabajo en ‘Lanterns’.

Crítica: ‘X-Men 97’ Temporada 2

En qué plataforma ver X-Men 97

Cuando el homenaje mutante se convierte en un puzle incompleto

Hay algo especialmente valioso en esta segunda temporada de ‘X-Men ’97’: su voluntad de recordar que los X-Men nunca fueron simplemente un grupo de superhéroes. Son una familia, una comunidad, un conflicto ideológico y, sobre todo, uno de los universos de ciencia ficción más desbordantes que ha dado el cómic. La temporada abraza esa naturaleza poliédrica hasta sus últimas consecuencias, recuperando personajes, conceptos y sensibilidades procedentes de distintas etapas de Marvel.

El tributo a guionistas como Chris Claremont resulta evidente. La serie mezcla ecos de ‘La era de Apocalipsis’ con ‘Días del futuro pasado’, juega con diferentes líneas temporales y vuelve a demostrar que adaptar los cómics no significa reproducirlos literalmente. Hay modificaciones importantes respecto a las historias originales, pero lo verdaderamente destacable es que se conserva su espíritu y, al mismo tiempo, el ADN de la serie animada de los noventa.

No es casualidad que el primer episodio lleve por título ‘Days of Past Future’: la temporada convierte el tiempo en otro personaje y utiliza las diferentes épocas para explorar las consecuencias de las decisiones de los mutantes. Además, la primera entrega está dedicada a Karen Hathaway, montadora y profesional de postproducción fallecida en 2025 que trabajó también en esta temporada. El problema aparece cuando todas esas piezas tienen que encajar.

Una temporada construida a golpe de piezas

‘X-Men ’97’ temporada 2 es, en buena medida, una serie hecha por parches. Y esto no tiene por qué ser necesariamente negativo. La narración fragmentada puede ser una herramienta magnífica cuando el espectador termina comprendiendo que cada pieza estaba colocada para conducir hacia un mismo punto. El problema es que aquí el ensamblaje no alcanza la contundencia esperada.

La temporada gira alrededor de Apocalipsis y de la profecía que condena a Cable a dedicar prácticamente toda su existencia a acabar con él. De ese conflicto nacen algunos de los mejores momentos de la temporada, pero también se abren demasiadas puertas. La relación entre Pícara y Gambito adquiere una nueva dimensión, mientras que, de forma más secundaria, se profundiza en Cíclope y Jean Grey o en la compleja amistad entre Magneto y Xavier.

Y después están X-Factor y X-Force, cuya presencia constituye una nueva demostración de la riqueza del material original. Para quienes conozcan menos los cómics, la experiencia puede recordar a lo que supuso ‘Deadpool 2’: descubrir que el universo mutante es muchísimo más grande que los protagonistas habituales.

Pero esa misma abundancia juega en contra de la temporada. Hay tantos personajes, tantas líneas argumentales y tantos conceptos que algunos quedan necesariamente relegados. Los X-Men son así en los cómics, sí, pero la televisión exige administrar el tiempo de otra manera.

Apocalipsis merecía mucho más

El gran problema llega con el clímax. Después de convertir a Apocalipsis en el eje de la temporada, su derrota resulta demasiado sencilla. El villano, cuya presencia debería justificar una auténtica culminación épica, termina siendo menos formidable de lo que la construcción previa hacía esperar. Es una sensación similar a la que produjo el tratamiento de Galactus en la reciente ‘Los 4 Fantásticos’: un personaje gigantesco sobre el papel al que la narración no termina de sacar todo el partido.

Y quizá haya que mirar también al número de episodios. La segunda temporada tiene nueve capítulos, uno menos que la primera. Beau DeMayo, creador y showrunner original despedido por Marvel, afirmó que la compañía había descartado el décimo episodio que había preparado. Según su versión, aquel capítulo resolvía la trama con Onslaught y terminaba con Gambito liberando a Bishop de una prisión situada en la realidad de ‘La era de Apocalipsis’, mientras ambos huían de un Cíclope malvado. Además, DeMayo aseguró que su plan era dedicar toda la tercera temporada a esa realidad alternativa. Todo bastante diferente a cómo ha sido.

No podemos saber si aquella versión habría sido mejor, pero sí resulta tentador pensar que un episodio adicional habría permitido que el enorme puzle de esta temporada respirase antes de llegar al desenlace. La escena postcréditos, además, deja claro que el objetivo es seguir ampliando el tablero. Es una declaración de intenciones tan evidente que resta algo de contundencia al cierre.

Y, pese a todo, ‘X-Men ’97’ sigue siendo una serie extraordinariamente disfrutable. Su capacidad para defender la diversidad de los personajes, su naturaleza de ciencia ficción sin límites, su respeto por el material original y su voluntad de explorar todas las caras del universo mutante compensan buena parte de sus desequilibrios. Puede que el puzle no encaje perfectamente, pero las piezas siguen siendo demasiado buenas como para dejar de jugar con ellas.

Crítica: ‘Ghost in the Shell’ (2026)

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‘Ghost in the Shell’: volver al manga ochentero para encontrar el futuro

Desde que Shirow Masamune publicara el manga en 1989, ‘Ghost in the Shell’ ha vivido múltiples vidas audiovisuales: la película de Mamoru Oshii de 1995, su continuación ‘Ghost in the Shell 2: Innocence’, las series ‘Ghost in the Shell: Stand Alone Complex’ y ‘2nd GIG’, ‘Solid State Society’, la etapa ‘Arise’, la película de 2015, la adaptación estadounidense de imagen real de 2017 y ‘SAC_2045’. Ahora Prime Video recupera el material original con una nueva serie producida por Science SARU que, paradójicamente, parece entender mejor que ninguna otra adaptación de dónde procedía realmente la singularidad de Shirow.

El ‘Ghost in the Shell’ más cercano a Shirow Masamune

Dirigen Touma Kimura y Tooru Hasutani (acostumbrados a series rápidas y ágiles como ‘Dan Da Dan’ o ‘Scott Pilgrim da el salto’) junto a Jun’ya Iwake (más vinculado a animes juveniles y preciosistas como ‘La princesa Kaguya del cosmos’) con el guión de Tô Enjo (que nos sorprendió en 2021 con ‘Godzilla Singular Point’) fuertemente inspirado en el manga de Shirow Masamune. 10 episodios de emisión semanal que escogen muy bien qué adaptar del manga original.

Y aquí está la principal virtud de la serie: es mucho más parecida al manga original, de hecho casi un calco en cuanto a estilo, personalidad de personajes y tramas. La animación puede parecer que da un paso atrás cuando vemos que los personajes adoptan en ocasiones un aspecto casi chibi (una representación deliberadamente deformada, con cabezas grandes, cuerpos simplificados y proporciones casi infantiles que Shirow utilizaba para introducir humor y ligereza), pero basta con detenerse en los fondos, la cantidad de elementos animados, los movimientos, los detalles mecánicos o las transiciones al mundo virtual para comprobar el extraordinario trabajo de Science SARU. De hecho el estilo puede recordar a series actuales como ‘Dorohedoro’. Y por otro lado es la primera adaptación que adopta deliberadamente el estilo visual del manga y que se atreve con la sexualidad del mismo. Si siempre se ha dicho que las adaptaciones cosificaban al personaje de Motoko Kusanagi, esta puede escandalizar a puritanos.

Cyberpunk sucio, humor y mucha más Motoko

Este ‘Ghost in the Shell’ es mucho más cyberpunk sucio que sus anteriores adaptaciones. Hay más calle, más mugre, más máquinas imperfectas y una sensación de futuro vivido que contrasta con la elegancia casi metafísica de Oshii. En algunos momentos se percibe compleja por su geopolítica y sus conceptos transhumanistas, pero resulta menos enrevesada o filosófica que las películas.

También hay más acción y, sobre todo, una Kusanagi más abierta y habladora, sin ese halo de misterio permanente que la acompañaba en otras versiones. Es más cómica, pero nunca deja de ser la tipa dura y eficiente que triunfa tanto en el mundo real como en el virtual. Es una recuperación muy inteligente de la Motoko de Shirow, capaz de pasar de una conversación técnica a una situación absurda sin perder autoridad.

El resultado tiene además un delicioso aroma a los años noventa: los títulos de crédito, el dibujo, las inquietudes científicas y hasta la manera de presentar la tecnología remiten a una época en la que el manga se adelantó muchísimo a su tiempo. Shirow bebía de ideas que iban desde ‘Neuromante’ hasta el transhumanismo y conceptos filosóficos como la paradoja de la nave de Teseo, pero lo hacía mezclándolos con una fascinación casi obsesiva por las máquinas y la ingeniería. Y todo esto sin perder de vista personajes tan bobalicones como Chicho Terremoto.

Hay un detalle para cafeteros que me encanta. Como en el manga, aparecen anotaciones del autor explicando tecnología, geopolítica y pormenores sociales. También se dibujan onomatopeyas. Lejos de infantilizar el relato, estos recursos devuelven la obra a la tradición del manga clásico y recuerdan que su complejidad nunca estuvo reñida con el humor. La serie comprende algo fundamental: ‘Ghost in the Shell’ no nació siendo solemne.

Una adaptación que mira hacia atrás para avanzar

Quizá lo más estimulante de esta nueva versión sea precisamente su aparente contradicción. Mientras buena parte de la ciencia ficción contemporánea intenta modernizar ‘Ghost in the Shell’, esta serie decide volver a 1989 para descubrir que allí ya estaba buena parte del futuro que seguimos intentando imaginar.

No pretende competir con la profundidad filosófica de Oshii ni con la complejidad política de ‘Stand Alone Complex’. Su apuesta es distinta: recuperar el manga, su humor, su ritmo, su suciedad y su imaginación tecnológica. Y funciona especialmente bien porque no se limita a copiar su estética, sino que entiende qué había detrás de ella.

Cuida todos los detalles. Incluso los títulos finales hacen un breve repaso a la historia de la robótica, como una última declaración de intenciones. ‘Ghost in the Shell’ vuelve así a demostrar que quizá la mejor manera de actualizar un clásico no consiste en cambiarlo, sino en recordar por qué fue revolucionario.

Crítica: ‘Gatos Callejeros’

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La vida vista a través de una pandilla de gatos

Desde el momento en el que me enteré de que Ricky Gervais estrenaba una serie sobre gatos, me crearon una necesidad. ‘Gatos callejeros’ llega este viernes 7 de agosto con 6 episodios de unos 15 minutos más o menos cada uno.

En total, 90 minutos de serie que, aunque no era lo que me esperaba, me ha hecho pensar mucho y realmente me ha gustado ese aire pesimista que nos ha dado Gervais con esta serie de animación.

Los gatos nihilistas

Conocemos a un grupo de gatos callejeros viviendo su día a día en un barrio que pasa totalmente de ellos. Un barrio repleto de humanos que hacen como que no les conocen. Pero sus monótonos días cambian al conocer a una pequeña gatita que ha salido de casa y no sabe volver. Comienza así una pequeña aventura diaria donde le dan vueltas a la vida, la muerte y la existencia en general.

Creo que venderla como una comedia no es la mejor manera, si que tiene humor, ese humor ácido que tanto nos gusta británico, pero, aun así, es una serie bastante amarga. Que como digo, no lo veo mal, creo que deja un poso bastante hondo y va a dar mucho que hablar. Ya que estos gatos, reflejan perfectamente la sociedad, nos van desnudando desde el primer minuto y hasta el final.

Ricky Gervais y la animación

El comediante, creador, director y guionista de esta serie, ha comentado lo mucho que ha disfrutado haciendo esta historia. Además, según cuenta, se siente muy identificado con los gatos. En este caso además le pone voz a Gus, un gato gruñón pero que tiene un grandísimo corazón.

Esta pandilla está compuesta de Fang (Andrew Brooke) un gato enorme negro y blanco que tiene unos colmillos descomunales, Puke (David Earl), un gato débil y bastante enfermizo en muchos sentidos, Olive (Diane Morgan), una gata que vive cerca de ellos y Ponce (Tom Basden), un gato pijo que tiene hogar, pero aun así le gusta acercarse a charlar con sus amigos. A ellos se les une Kitten (Jo Hartley), la gatita perdida. Cada uno con su personalidad, con sus pensamientos y creando una gran familia.

Blink Industries ha sido el estudio de animación encargado de crear a todos estos animales. Una animación sencilla, un dibujo igual, bastante fácil, porque realmente no necesitamos una animación espectacular, ya que lo que verdaderamente importa es escucharles.

Moraleja de ‘Gatos callejeros’

Para mí el mensaje claro de esta serie es que la importancia de los amigos y la familia es lo más importante de todo. Incluso esos amigos, se suelen convertir en familia y logran hacer que no nos sintamos solos. Que todo lo que ocurra, puede superarse cuando te ves rodeado de gente que te quiere y que quieres.

Como digo, una serie un tanto amarga, una serie que muestra una realidad de manera quizás un poco brusca, pero que en el fondo nos enseña que todo se puede superar.

Crítica: ‘Batman: el cruzado enmascarado’

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Bruce Timm continúa siendo uno de los que mejor conoce al personaje de Kane y Finger

Cuando Bruce Timm recuperó el universo de Batman con ‘Batman: el cruzado enmascarado’, muchos pensaron que el objetivo sería recrear la magia de ‘Batman: La serie animada’. Sin embargo, la segunda temporada confirma que aquella comparación resulta cada vez menos pertinente. Sí, la influencia estética permanece intacta, pero el verdadero espíritu de la serie mira hacia otra dirección. Aquí el referente no es tanto la nostalgia como la reinterpretación contemporánea del Caballero Oscuro, muy cercana a la sensibilidad del universo cinematográfico construido alrededor del Batman de Matt Reeves.

La producción (desarrollada por Bruce Timm junto a J.J. Abrams y Matt Reeves tras el cambio de estrategia de Warner, que terminó llevando el proyecto de HBO Max a Prime Video) abraza sin complejos el cine negro. Gotham vuelve a ser una ciudad dominada por mafiosos, corrupción institucional, callejones iluminados por pobres farolas, automóviles inspirados en los años cuarenta y armas propias de los relatos criminales clásicos. Todo ello envuelto en una dirección artística donde la influencia del expresionismo alemán resulta incluso más evidente que en la primera temporada. Las sombras exageradas, las arquitecturas imposibles y los encuadres deformados convierten la ciudad en un personaje más.

La diferencia respecto a la serie de los noventa también es significativa. Aquella ya evitaba tratar al espectador como si fuera un niño, alejándose de otras producciones animadas de la época. Esta nueva versión responde a sensibilidades actuales y da un paso adicional hacia una violencia mucho más explícita, con asesinatos, cadáveres y consecuencias dramáticas que rara vez se ocultan tras una elipsis. Nunca pierde el tono clásico, pero sí endurece considerablemente su discurso.

Nuevos villanos, viejas ideas y algunos cambios que no terminan de convencer

La temporada vuelve a demostrar que el mayor acierto de la serie consiste en escapar constantemente de los villanos más habituales. Resulta refrescante recuperar personajes poco explotados como Roxy Rocket, cuyo episodio posee una marcada estética steampunk que recuerda inevitablemente a ‘The Rocketeer’. Además, el conflicto adquiere una lectura sorprendentemente contemporánea al abordar la fascinación por la tecnología militar y la escalada armamentística desde una aventura que nunca deja de ser entretenida.

También funciona especialmente bien la recuperación de Mister Zero, respetando el nombre original con el que debutó el personaje antes de convertirse en el popular Mr. Freeze. Es una muestra de que los responsables conocen profundamente la historia editorial de DC y disfrutan rescatando detalles olvidados por el gran público.

No todos los cambios, sin embargo, resultan igual de acertados. La nueva versión del Sombrerero Loco apenas conserva rasgos del personaje clásico. El problema no reside en el cambio de género, sino en convertirlo prácticamente en una presentadora televisiva con maneras que recuerdan inevitablemente a Ana Rosa Quintana. Más discutible todavía resulta la reinterpretación de Enigma, reducido aquí a un mafioso impulsivo y violento que pierde precisamente aquello que siempre definió al personaje: su superioridad intelectual.

Tampoco termina de funcionar el episodio dedicado a Barbatos. Su principal antagonista posee una apariencia que recuerda demasiado a Venger, el célebre villano de ‘Dragones y Mazmorras’, mezclado con algunos diseños de la serie animada de ‘Los Cazafantasmas’. El resultado roza involuntariamente el ridículo dentro de una serie que normalmente presume de enorme coherencia estética. Por fortuna, estos tropiezos son excepciones dentro de una temporada notable.

Un Batman implacable con un final que apunta hacia una tercera temporada

Uno de los mayores logros sigue siendo el propio Bruce Wayne. Este Batman desconfía profundamente de la naturaleza humana, se muestra frío, contundente y mucho menos compasivo que otras encarnaciones recientes. En ese contexto adquiere especial sentido la recuperación de Cerillas Malone como una herramienta más dentro de su guerra psicológica contra el crimen.

También convence el regreso de Harley Quinn. No deja de ser un guiño cargado de simbolismo recordar que el personaje debutó el 11 de septiembre de 1992 en el episodio ‘Un favor para el Joker’ de ‘Batman: La serie animada’, convirtiéndose con el tiempo en uno de los escasos personajes creados para televisión que terminaron integrándose plenamente en el universo de los cómics.

La serie mantiene además un inteligente juego de anticipación mediante pequeños cliffhangers al final de prácticamente todos los episodios. Poco a poco va construyendo la presencia del Joker hasta convertirlo en el gran clímax de la temporada. Aunque su aparición resulta efectiva, quizá habría sido más estimulante apostar por un antagonista inesperado. El Joker era la opción más evidente y precisamente por ello también la menos arriesgada. En cualquier caso, el desenlace deja abierta de forma natural una tercera temporada y el doblaje por parte de Matthew Needham le viene como anillo al dedo a un Joker psicópata pero más frío que un alemán en plena filomena.

Si seguimos con el apartado interpretativo destaca Hamish Linklater, que asume el complejo reto de suceder al inolvidable Kevin Conroy aportando una personalidad propia sin caer en la imitación. Y, si hablamos del doblaje español, Claudio Serrano continúa siendo insustituible. Su identificación con Batman ya alcanza un nivel comparable al que Constantino Romero logró con otras grandes figuras del cine. Solo le falta presentar un programa de televisión para completar el paralelismo.

‘Batman: el cruzado enmascarado’ demuestra en esta segunda temporada que aún es posible reinterpretar al personaje sin renunciar a su esencia. Puede discutirse alguna decisión creativa concreta, visualmente sigue brillando gracias a su extraordinaria dirección artística, aunque algunas secuencias realizadas mediante animación digital en tres dimensiones (especialmente las relacionadas con vehículos) rompen ocasionalmente la armonía visual Pero el conjunto confirma que esta sigue siendo una de las aproximaciones audiovisuales más interesantes que ha recibido el Caballero Oscuro en los últimos años.

Crítica: ‘Stuart no consigue salvar el universo’

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Todo un laboratorio de posibilidades

Cuando se anunció que Stuart Bloom sería el protagonista de un nuevo spin off de ‘The Big Bang Theory’, pocos podían imaginar que la franquicia optaría por abandonar casi todas las convenciones que la hicieron mundialmente popular. Al contrario que ‘El joven Sheldon’, ‘Stuart no consigue salvar el universo’ no intenta repetir la fórmula de la sitcom original. Al contrario. La utiliza como punto de partida para lanzarse a un experimento mucho más ambicioso, extraño y, sobre todo, imprevisible.

La premisa de esta nueva serie, que se puede ver si haber visto la original y que se estrena el 23 de julio, es tan sencilla como efectiva. Una cadena de acontecimientos provoca que Stuart deba recorrer diferentes universos alternativos tratando de reparar un desastre que amenaza la realidad. A partir de ahí, la serie se convierte en un festival de ideas donde prácticamente cualquier escenario es posible.

Cada episodio propone un nuevo mundo con reglas completamente distintas. Lo mismo visitamos una sociedad postapocalíptica propia del mejor cine de ciencia ficción que un siglo XXI gobernado por la magia, una civilización completamente vegana o una delirante distopía donde las multas por pronunciar determinadas palabras (en un evidente guiño a ‘Demolition Man’) se llevan hasta consecuencias absolutamente absurdas.

Las referencias que se me vienen a la cabeza

Lo interesante es que la serie nunca se toma demasiado en serio. Cada realidad sirve tanto para desarrollar una aventura como para satirizar aspectos de nuestra sociedad, del fandom o incluso de la propia cultura popular.

Muchos establecerán inevitablemente comparaciones con ‘Doctor Who’, especialmente por la estructura de viajes entre realidades y el tono fantástico que adopta en determinados momentos. Sin embargo, la referencia que realmente viene a la cabeza es ‘Sliders’ (‘Salto al infinito’). Igual que ocurría en aquella reivindicable producción de los años noventa, los protagonistas saltan de una realidad alternativa a otra intentando regresar a su mundo original, lo que permite reinventar completamente el escenario en cada capítulo.

La conexión resulta incluso simpática si recordamos que en ‘Sliders’ participaba Jerry O’Connell, a quien muchos recuerdan por compartir reparto con Wil Wheaton en ‘Stand by Me’. Precisamente Wil Wheaton terminó convirtiéndose en uno de los cameos más recurrentes y divertidos de ‘The Big Bang Theory’, ejerciendo casi siempre como el gran dolor de cabeza de Sheldon Cooper.

Un cambio de tono que demuestra que la franquicia todavía tenía margen para sorprender

Lo primero que llama la atención es que desaparecen las risas enlatadas. Esa simple decisión transforma completamente la experiencia. La serie deja de sentirse como una sitcom tradicional para acercarse más a una aventura de ciencia ficción con abundantes dosis de humor y por supuesto mayor número de planos.

También nos congratulan con la presencia de momentos sorprendentemente sangrientos, algo completamente impensable en la serie matriz. No llega a convertirse en una producción especialmente violenta, pero sí demuestra que sus responsables buscan explorar territorios narrativos diferentes.

Aun así, el ADN de ‘The Big Bang Theory’ continúa presente. Siguen apareciendo cameos, referencias científicas y constantes guiños al mundo del cómic, los videojuegos, el cine y la televisión. Toda la narración gira alrededor de esa mezcla entre divulgación científica y cultura popular que siempre definió a la franquicia.

Resulta especialmente simpático comprobar cómo algunos objetos del decorado esconden referencias visuales a personajes y acontecimientos de la serie original, mientras determinados episodios incluyen pequeños detalles destinados únicamente a los espectadores más observadores.

Mención aparte merece la magnífica cabecera compuesta por Danny Elfman. Quizá no sea una melodía especialmente pegadiza, pero sí transmite perfectamente esa sensación de rareza permanente que envuelve toda la serie. Además, los títulos de apertura incorporan pequeñas variaciones visuales y mensajes ocultos entre episodios, un detalle que invita a prestar atención incluso antes de comenzar cada aventura.

Una serie tremendamente entretenida… con un desenlace demasiado prudente

‘Stuart no consigue salvar el universo’ funciona porque entiende perfectamente cuál es su objetivo. No pretende revolucionar la televisión ni construir complejas reflexiones filosóficas sobre el multiverso. Quiere divertir. Y lo consigue con enorme facilidad.

Cada episodio termina despertando la curiosidad por descubrir cuál será la siguiente realidad absurda, qué nuevo cameo aparecerá o hasta dónde estarán dispuestos a llevar una idea aparentemente imposible. Esa sensación convierte la serie en un producto francamente adictivo que invita a encadenar capítulos casi sin darse cuenta.

Precisamente esa capacidad para reinventarse constantemente es su mayor virtud. Nunca sabemos qué clase de universo visitaremos a continuación ni qué referencias cinematográficas, científicas o comiqueras aparecerán escondidas entre los diálogos.

Por desgracia, esa valentía desaparece parcialmente en el desenlace. El final resulta bastante flojo y transmite la sensación de que sus responsables prefieren dejar múltiples puertas abiertas antes que ofrecer una conclusión realmente satisfactoria. Se percibe claramente como un intento de mantener viva la posibilidad de futuras temporadas si la recepción del público acompaña.

No arruina el viaje, porque el recorrido continúa siendo enormemente divertido, pero sí deja un pequeño sabor a oportunidad desaprovechada. Quizá sea el único momento donde la serie parece contenerse cuando durante el resto del trayecto había demostrado no tener miedo a abrazar el disparate más absoluto.

En cualquier caso, este spin off confirma que el universo de ‘The Big Bang Theory’ todavía podía ofrecer propuestas inesperadas. No busca sustituir a la serie original, sino demostrar que sus personajes todavía pueden protagonizar historias completamente diferentes sin perder su esencia. Y eso, en una franquicia tan conocida, ya es un mérito considerable.

Crítica de la segunda temporada de ‘Avatar. La leyenda de Aang’

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La fuerza de la amistad lograra encaminar a Aang

Qué ganas tenía de poder hablaros de la segunda temporada de ‘Avatar: La leyenda de Aang’. Y es que como fan de la serie de animación, admito que estoy disfrutando como una enana este nuevo live action que llega a Netflix este 25 de junio de 2026.

Ya os comenté en su día que la primera temporada era una maravilla para los fans y sin duda un gran descubrimiento para los nuevos espectadores. Y sigo con la misma opinión y es que sin duda se nota mucho el cariño con el que tratan esta historia.

Nuevos compañeros de viaje y mucha más acción

Después de una pequeña batalla ganada, seguimos a Aang, Katara y Sokka camino hacia Ba Sing Se, hogar del Rey de la Tierra. En su viaje se encuentran a Toph, una joven invidente maestra de Tierra que se va a convertir en la maestra de nuestro héroe. Juntos tendrán que lidiar para que la Nación del Fuego no llegue a las imponentes murallas de la Ba Sing Se.

Admito que toda esta parte en la serie de animación me encanta y han logrado condensarla muy bien y contar todo con bastante detalle. Como siempre, está adaptado y hay algún detalle que se escapa, pero para puristas de la serie de animación. Me ha parecido una temporada bastante buena, llena de acción, con muchos conflictos entre los personajes que solo la amistad logrará calma.

Al final, ‘Avatar: La leyenda de Aang’, trata también el tema de la amistad, de como el Avatar, además de intentar salvar el mundo, debe darse cuenta de lo importante que no es hacerlo solo. De que los compañeros que le acompañan son de gran importancia y que todas las personas que aparecen durante este viaje son importantes para aprender. Ya sean cosas buenas o malas, pero el aprendizaje es importantísimo para lograr su objetivo.

Un casting perfecto para una adaptación impecable

Sin duda, el casting es tremendamente bueno. Gordon Cormier, el encargado de dar vida a Aang, ha crecido, pero esto podría ser un error en otro tipo de historias, pero aquí sabemos que está pasando el tiempo. Los viajes no se hacen en 4 días, pese a que vayan montados en Appa.

Kiawenttio, Ian Ousley, Dallas Liu y Paul Sun-Hyung Lee, Katara, Sokka, Zuko y El tío Iroh, respectivamente, van evolucionando, también crecen, pero no de manera física, sino psíquica. Cada uno va viendo que camino escoger y como quiere seguirlo.

Miyako, es la encargada de dar vida a Toph Beifong, un personaje que me encanta. Sin duda es de mis favoritas. Y la actriz logra adentrarse en el alma del personaje y hacerlo suyo. Me gusta mucho, además es de los mejores caracterizados, con ese peinado tan complejo que tiene el personaje. Y su personalidad arrolladora, la clava desde el minuto uno.

Quizás, al menos en mi opinión, el fallo de casting o más bien, a la hora de darle vida, es el casting de Azula. No creo que la actriz (Elizabeth Yu) sea mala, si no más bien, creo que es la dirección de este personaje. Lo dicho, siendo fan de la serie, creo que Azula debería estar un poco más loca, aquí la veo menos perturbada de lo habitual. Se que es en la siguiente temporada donde ya todo se magnifíca, pero aun así, creo que la evolución debería de comenzarse a ver en esta. Pero, quizás haya que esperar un poquito más para verla en todo su esplendor.

Un conjunto de buen trabajo en todos los ámbitos

Y con esto me refiero a que la producción de la serie es fascinante. Uno de sus puntos fuertes es el CGI que me parece algo digno de mencionar. La escena de la serpiente marina es increíble y por supuesto las luchas entre todos ellos, con los diferentes elementos están muy bien trabajadas.

Y ya no solo a este nivel técnico, sino también todo el conjunto de maquillaje, vestuario, localizaciones, están tan estudiadas y nos lleva directamente a los escenarios de la serie de animación.

Conclusiones

Estoy deseando que llegue el desenlace de la serie, no porque quiero que termine, todo lo contrario, pero si que me encantaría que después de esto, se metan en la serie de ‘La leyenda de Korra’ y poder seguir con este mundo que tanto me gusta. ‘Avatar. La leyenda de Aang’ me parece una gran adaptación, una gran nueva serie para quien no conoce la serie de animación y todo su conjunto me parece perfecto. La tercera temporada sin duda va a ser apoteósica y solo puedo recomendaros la serie de animación y por supuesto ‘La leyenda de Korra’.

Tráiler de ‘Stuart no consigue salvar el Universo’

Ciencia ficción de la mano del vendedor de cómics más famoso de la tele

HBO Max nos rescata a uno de los personajes mas peculiares de ‘Big Bang Theory’. Y es que ‘Stuart no consigue salvar el Universo’, llega a nuestras casas con esta serie compuesta de 10 episodios el próximo 24 de julio.

A partir de ese día, todos los viernes tendremos nuevo episodio de esta serie creada, escrita y producida por Chuck Lorre, Zak Penn y Bill Prady.

¿Por qué regresa Stuart?

Bueno, conocemos de sobra a este personaje, el propietario de la tienda de comics más conocida de la televisión. Stuart, tiene la misión de restaurar la realidad después de romper un dispositivo construido por Sheldon y Leonard, que provoca accidentalmente un Armagedón multiversal.

Con la ayuda de su novia Denise, su amigo geólogo Bert y el físico cuántico y auténtico grano en el culo Barry Kripke intentarán solucionarlo. Por el camino, encontrarán versiones de otros universos de los personajes que hemos llegado a conocer y amar en ‘The Big Bang Theory’.

Reparto y tráiler

La serie está protagonizada por Kevin Sussman (Stuart), Lauren Lapkus (Denise), Brian Posehn (Bert) y John Ross Bowie (Barry).

Pero también veremos a Johnny Galecki, Josh Brener, Tommy Walker, Wil Wheaton, Rich Ting o Jascha Charron entre muchos otros actores que aun no están confirmados.

A continuación os dejamos el tráiler de esta nueva serie que estará en HBO Max a partir del 24 de julio de 2026.

Crítica: ‘Oasis’

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El verano ya está aquí con romances, misterios y Oasis

Una de las cosas que mas nos gusta es una buena serie de amoríos adolescentes mientras hay un misterio que resolver. Podríamos hablar de muchas series así, como la exitosa y gran ‘Élite’, ‘Olimpo’ y la ahora también en Netflix ‘Oasis’. Una serie que llega el día 19 de junio de 2026 a la plataforma y que sin duda es un buen entretenimiento.

¿Qué nos cuenta Oasis?

Por supuesto nos vamos a un resort de descanso llamado ‘Oasis’, donde la gente más rica del mundo asiste para tener unas buenas vacaciones. Jugar al golf, reuniones de negocios en una gran piscina o fiestas nocturnas en la playa, es lo que nos vamos a encontrar.

Adolescentes snobs, con mucho dinero y los adolescentes trabajadores que están intentando sobrevivir a un verano más para lograr sacar algo de dinero.

Mientras tanto desaparece una chica y todo este Oasis se va a poner patas arriba para lograr descifrar este misterio y encontrar a esta muchacha desaparecida.

La serie de ocho episodios no nos trae nada nuevo, pero si que puedo deciros que es entretenida y para echar la tarde merece la pena. Tiene un guion aceptable, una dirección bien llevada y los actores la verdad que están bastante bien.

Equipo de la serie

Creada por Ramón Campos (‘El caso Asunta’) la serie cuenta en la dirección con Ana de Alva y David Pinillos. Además los guiones van de la mano de Ramón Campos, Javier Chacártegui, Jon de la Cuesta y David Orea.

Todos ellos trabajando mano a mano para lograr mantener una historia entretenida, sin lagunas y que logre enganchar desde el primer episodio.

El reparto es bastante desconocido y futuras promesas, como Berta Castañé, Tomy Aguilera, Ana Garcés, Victoria Kantch, Laura Simón, Jan Buxaderas o Blas Polidori, son parte de este reparto. Además de caras bien conocidas como Verónica Sánchez, Mercedes Sampietro, Paco Tous o Unax Ugalde.

El verano llega con Oasis

Series como Oasis son el comienzo del verano, productos necesarios, con romances, misterios y una historia sencillita para disfrutar de las tardes. Ocho episodios que llegan todos juntos a Netflix. Además un punto a su favor que no te deja con la serie abierta, ¿pueden hacer más? si quieren si, pero no te dejan con nada abierto. Así que ya sabéis, disfrutadla y ya me contaréis que os ha parecido.