Crítica: ‘Lady Nazca’

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Las líneas de Nazca son un tesoro y una herencia cultural, pero Dorsaz consigue convertirlas en un viaje hacia la identidad

Hay películas que buscan resolver misterios y otras que entienden que el verdadero interés está en quienes los contemplan. ‘Lady Nazca’, dirigida por Damien Dorsaz, pertenece claramente al segundo grupo. Aunque parte de uno de los grandes enigmas arqueológicos del planeta, las célebres líneas de Nazca, el filme evita caer en la obsesión por las teorías y las respuestas para centrarse en algo mucho más humano: la búsqueda de identidad, de propósito y de un lugar propio en el mundo.

Ambientada en el Perú de 1936, cuando el nazismo comenzaba a proyectar su sombra sobre Europa y el mundo observaba con inquietud los cambios políticos que se avecinaban, la película sigue a María Reiche, matemática alemana que atraviesa una crisis tanto profesional como sentimental. Su encuentro con el arqueólogo francés Paul d’Harcourt la llevará hasta el desierto de Nazca, donde descubrirá unas figuras gigantescas trazadas sobre la tierra que terminarán transformando su existencia.

Resulta especialmente interesante cómo el largometraje convierte la ciencia en un lenguaje emocional. Mientras otros personajes hablan francés, alemán, inglés o español, y en determinados momentos también escuchamos lenguas indígenas como el quechua o el aimara, el verdadero idioma de María es el de las matemáticas. Son los números, las proporciones y las líneas geométricas los que le permiten interpretar el mundo y conectar con una antigüedad olvidada. La diversidad lingüística supone además un reto notable para el reparto y contribuye a transmitir la sensación de agitación internacional que rodea la historia.

El desierto como personaje y espectáculo visual

Uno de los grandes logros de ‘Lady Nazca’ reside en su apartado visual. Damien Dorsaz entiende que las líneas no pueden ser simplemente un decorado. Deben convertirse en una presencia casi espiritual que acompañe a la protagonista durante todo su recorrido vital.

Por motivos de conservación patrimonial, parte del trabajo visual se realizó mediante réplicas construidas en zonas autorizadas de Palpa, complementadas con localizaciones en Nazca, Ica y Lima. El resultado es notable porque en ningún momento se percibe artificioso.

Los grandes planos generales consiguen transmitir una sensación de asombro constante. Las líneas rompen la aparente uniformidad del paisaje y convierten el desierto en un espacio casi sobrenatural. Hay secuencias donde la inmensidad de la naturaleza parece dialogar directamente con la pequeñez del ser humano, recordándonos que algunas obras trascienden a quienes intentan comprenderlas.

La fotografía de Gilles Porte aprovecha además las tonalidades ocres y doradas del entorno para construir imágenes de enorme belleza contemplativa. A veces la película avanza con una lentitud deliberada que puede poner a prueba la paciencia de algunos espectadores, pero esa misma cadencia permite apreciar mejor la relación íntima que María desarrolla con el territorio.

Más allá del misterio arqueológico

Algo que remarca el guión es que María Reiche no fue quien descubrió las líneas de Nazca, pero sí una de las figuras fundamentales para su estudio, divulgación y protección. Durante décadas dedicó su vida a preservar aquel legado cultural hasta convertirse en una auténtica institución en Perú. No es casualidad que el museo situado junto a las líneas lleve su nombre y que allí reposen sus restos.

La María Reiche de Devrim Lingnau no es una heroína convencional ni una aventurera romántica al uso. Es una mujer inteligente y profundamente observadora que encuentra en aquellas marcas milenarias una vocación capaz de dar sentido a su vida. Lejos de presentar una visión colonial o paternalista, ‘Lady Nazca’ apuesta por mostrar a una mujer que se integra profundamente en la cultura peruana. La película subraya cómo su compromiso va más allá de la curiosidad científica y termina convirtiéndose en una auténtica misión de vida.

Por eso el misterio arqueológico acaba ocupando un lugar secundario. La pregunta principal no es quién creó las líneas ni cuál era su función, sino qué encuentra María en ellas. La respuesta tiene más que ver con la pertenencia, la vocación y la memoria que con cualquier teoría histórica.

Ficha de ‘Lady Nazca’

Estreno en España: 3 de julio de 2026. Título original: Lady Nazca. Duración: 99 min. País: Francia. Dirección: Damien Dorsaz. Guion: Damien Dorsaz, Fadette Drouard, Franck Ferreira Fernandes, Raphaëlle Valbrune-Desplechin, Aude Py. Música: Nascuy Linares. Fotografía: Gilles Porte. Reparto principal: Devrim Lingnau, Guillaume Gallienne, Olivia Ross, Amaranta Kun. Producción: Octopolis, 27 Films Productions, Memento Films Production, TOBIS Film, Rotor Film, Digital District, Unesco, FFA, DFFF, Rayo en la botella. Distribución: Vercine. Género: drama, hechos reales. Web oficial.

Crítica: ‘Nino’

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La fragilidad de una juventud que se cree inmortal

La ópera prima de Pauline Loquès parte de una premisa sencilla y devastadora. Nino acaba de cumplir 29 años cuando recibe una noticia que altera por completo el mapa de su existencia: padece un cáncer de garganta derivado de una infección por virus del papiloma humano que nunca fue tratada. A partir de ese momento, el protagonista dispone de apenas unos días antes de iniciar el tratamiento médico, una semana suspendida en el tiempo durante la que intenta reconectar con las personas importantes de su vida.

Loquès construye la película como una deriva emocional por las calles de París, siguiendo a un personaje incapaz de asimilar completamente lo que le está ocurriendo. La película está llena de una angustia existencial tratada con sensibilidad contemporánea. Aquí no encontramos grandes discursos sobre la muerte, sino conversaciones aparentemente cotidianas que terminan derivando hacia cuestiones metafísicas: qué hemos hecho con nuestra vida, qué quedará de quienes fuimos y qué sentido tiene proyectar un futuro cuando este acaba de volverse incierto.

La elección de la enfermedad no es aleatoria. Que el detonante sea un cáncer relacionado con el virus del papiloma humano no resulta gratuito. En una época en la que buena parte de la juventud parece escasamente concienciada sobre las enfermedades de transmisión sexual y donde la pornografía de Internet condiciona cada vez más la percepción de la sexualidad, resulta pertinente que una película recuerde que determinadas consecuencias siguen existiendo. Sin caer en el discurso moralizante, ‘Nino’ introduce una reflexión necesaria sobre la vulnerabilidad del cuerpo y sobre la falsa sensación de invulnerabilidad que acompaña a muchos jóvenes adultos.

Entre el realismo emocional y el exceso dramático

La interpretación de Théodore Pellerin sostiene prácticamente todo el recorrido narrativo. Su Nino es un hombre paralizado por el impacto de la noticia, incapaz de comunicarla con claridad a quienes le rodean. El actor trabaja desde los gestos mínimos y las vacilaciones, componiendo un personaje que parece vivir permanentemente unos segundos por detrás de la realidad.

Sin embargo, la película no siempre encuentra el equilibrio adecuado entre contención y acumulación dramática. En medio de ese recorrido de reencuentros y confesiones, uno de los conocidos de Nino atraviesa también un problema médico importante. Es aquí donde el relato empieza a mostrar ciertas costuras. Lo que hasta entonces funcionaba como una observación sensible de la fragilidad humana adquiere por momentos un tono excesivo. Como suele decirse, parece que alguien pone un circo y le crecen los enanos. La película resulta más poderosa cuando se limita a observar que cuando intenta subrayar el sufrimiento.

Un retrato generacional cercano a Zerocalcare, pero sin humor

Más allá del cáncer o de la cercanía de la muerte, ‘Nino’ acaba siendo un retrato bastante preciso de la juventud contemporánea. Los personajes viven rodeados de amigos, mensajes y conexiones permanentes, pero les cuesta enormemente comunicarse de verdad. Hablan mucho y expresan poco. Están presentes físicamente, aunque emocionalmente parezcan ausentes.

En ese sentido, el filme recuerda bastante a los trabajos de Zerocalcare, aunque desprovistos de sus mecanismos humorísticos. Existe la misma mirada sobre una generación marcada por la incertidumbre, la precariedad emocional y la dificultad para construir vínculos sólidos. La diferencia es que Loquès elimina casi cualquier válvula de escape cómica y apuesta por una sensibilidad más melancólica.

La directora demuestra además una notable capacidad para capturar la ciudad como estado mental. París aparece como un espacio de tránsito donde cada encuentro casual puede convertirse en una pequeña revelación. La cámara acompaña a Nino en su búsqueda de respuestas sabiendo que probablemente no las encontrará.

Ficha de ‘Nino’

Estreno en España: 26 de junio de 2026. Título original: Nino. Duración: 96 min. País: Francia. Dirección: Pauline Loquès. Guion: Pauline Loquès, Maude Ameline. Fotografía: Lucie Baudinaud. Reparto principal: Théodore Pellerin, William Lebghil, Salomé Dewaels, Jeanne Balibar. Producción: Blue Monday, France 2 Cinéma, Ciné+OCS, Disney+, France Télévisions, CNC, La Région Île-de-France, Distribución: Surtsey Films. Género: drama. Web oficial.

MARSUPILAMI presenta su tráiler oficial antes de su estreno en cines el 12 de agosto

Un clásico del cómic franco-belga que vuelve a adaptarse

La distribuidora YouPlanet ha presentado el tráiler oficial de ‘Marsupilami’, la nueva comedia familiar dirigida y protagonizada por Philippe Lacheau, que llegará a los cines españoles el próximo 12 de agosto tras convertirse en uno de los grandes fenómenos de taquilla en Francia.

La película superó los seis millones de espectadores en salas francesas, consolidándose como uno de los mayores éxitos comerciales del año en el país vecino. Con una mezcla de aventuras, humor físico y ritmo desenfrenado, la cinta busca conquistar también al público español durante la temporada estival.

Los orígenes de Marsupilami

El personaje de Marsupilami nació en 1952 de la mano del legendario dibujante belga André Franquin, uno de los autores más importantes de la historieta europea y figura clave de la llamada Escuela de Marcinelle. La criatura apareció por primera vez en las páginas de la popular serie ‘Spirou y Fantasio’.

Marsupilami es un extraño animal selvático de color amarillo con manchas negras y una larguísima cola prensil, capaz de realizar hazañas imposibles. Desde su debut, el personaje destacó por su carácter hiperactivo, su simpatía y su capacidad para conectar tanto con lectores infantiles como adultos.

Con el paso de los años, Marsupilami terminó convirtiéndose en un icono propio dentro del cómic franco-belga, protagonizando sus propias aventuras y expandiéndose posteriormente a series de animación, videojuegos y adaptaciones televisivas por parte de Disney y Marathon.

Una aventura familiar llena de caos y humor

En ‘Marsiupilami’, David acepta una peligrosa misión para salvar su trabajo en un zoológico: recuperar un misterioso paquete en Sudamérica. Sin embargo, todo se complica durante un crucero en el que viaja acompañado por su exmujer, su hijo y un compañero especialmente torpe.

El caos comienza cuando accidentalmente liberan a un bebé marsupilami, desencadenando una sucesión de situaciones disparatadas que obligarán a la familia a permanecer unida para intentar recuperarlo.

El reparto está encabezado por el propio Philippe Lacheau (‘Super ¿quién?’) junto a Jamel Debbouze, conocido internacionalmente por ‘Amélie’; Elódie Fontan, Tarek Boudali (‘Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?’) y el veterano Jean Reno (‘Los visitantes’).

Philippe Lacheau continúa su idilio con la taquilla

El cineasta francés Philippe Lacheau se ha convertido en uno de los grandes referentes de la comedia comercial europea gracias a títulos como ‘Alibi.com’, »Super ¿quién?’ o ‘Nicky Larson y el perfume de Cupido’. Su estilo, marcado por el slapstick, las referencias pop y el humor visual, ha conectado especialmente bien con el público familiar.

Con ‘Marsupilami’, el director vuelve a apostar por una producción de gran escala basada en un personaje muy popular dentro de la cultura francobelga, manteniendo el tono desenfadado y aventurero que caracteriza buena parte de su filmografía.

Crítica: ‘El amigo inesperado’

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Una manera ligera de tratar la impostura profesional y personal

Pongámonos en situación para esta nueva comedia francesa. El protagonista es un artista pluriempleado, algo que hoy en día tenemos casi todos ya normalizado, pero que no deja de ser un drama. Además de en su show trabaja en un call center insistiendo llamada tras llamada y recibiendo cortes constantes. Hasta que ve la oportunidad de aprovechar su maestría con la voz. O más bien alguien ve cómo sacarle provecho. Un escritor famoso agobiado por recibir tanta llamada y mensajes quiere usarle para que le suplante en determinados asuntos y así poder relajarse. Irónicamente esto le conlleva otro trabajo al teléfono, pero dado el aliciente que supone la rareza del encargo y el margen de improvisación que le deja, acepta y como podréis imaginar a partir de ahí las situaciones que se dan son cada vez más disparatadas. Aunque quizás menos disparatadas y menos frecuentes de lo esperado.

En ‘El amigo inesperado’, Fabienne Godet construye un filme que se mueve cómodamente dentro de los márgenes del cine feel good francés, con una premisa que inevitablemente remite a ‘Intocable’. Evidentemente la importancia del trabajo vocal y la modulación como eje interpretativo es muy importante marcando la diferencia. El filme lo explota con cierta eficacia pero no estamos ante una exhibición de virtuosismo cómico en ese sentido (sacad de la cabeza referentes españoles como Florentino Fernández, Latre o Hermoti), sino ante una herramienta narrativa que se utiliza para explorar la identidad y la impostura. Todo ello es debido a que el protagonista no es imitador profesional, de hecho, llegó a un punto intermedio con su compañero de reparto para encontrar una voz común.

Más allá del gag: una relación que se humaniza

Donde ‘El amigo inesperado’ encuentra su verdadera voz (nunca mejor dicho) es en la evolución de la relación entre sus dos protagonistas. La película plantea, desde el inicio, un contraste evidente: edad, clase social y raza funcionan como vectores de distancia. Sin embargo, el guion se esfuerza en diluir esas barreras progresivamente, apostando por una conexión que se construye desde lo cotidiano. Y todo esto se realiza sin partir de prejuicios, que es lo que diferencia este filme de ‘Intocable’.

El ADN del filme es claramente el del cine que aporta buenas vibraciones: la idea de que dos mundos opuestos pueden encontrarse en un punto intermedio. Pero lo interesante es que no se limita a reproducir el esquema de “uno salva al otro”. Sí, hay elementos previsibles (y algunos giros que se ven venir desde bastante lejos), pero también hay una voluntad de mostrar cómo ambos personajes se transforman mutuamente. No se trata solo de arreglar la vida del otro, sino de cómo ciertos estímulos (una nueva rutina, una voz distinta, una mirada externa) pueden reconfigurar la percepción de uno mismo.

Entre lo laboral y lo personal: el verdadero conflicto

Uno de los aspectos más interesantes del filme es cómo articula el conflicto entre vida personal y vida laboral. En un contexto donde el pluriempleo se ha normalizado, el protagonista encarna una figura reconocible (y dolorosamente actual): alguien que se encierra en una rutina de varios trabajos sin encontrar un verdadero sentido. Sin embargo, lo que cambia no es tanto la naturaleza del empleo como el significado que adquiere. La posibilidad de improvisar, de jugar con la identidad, de escapar momentáneamente de uno mismo, introduce un matiz liberador. Es ahí donde la película plantea su discurso más interesante: no es solo lo que haces, sino cómo te posicionas frente a ello.

Aun así, ‘El amigo inesperado’ peca de cierta contención dramática. Cuando parece que va a empujar hacia terrenos más incómodos o absurdos, decide replegarse hacia la calidez y la previsibilidad. Esto no la convierte en un mal filme, pero sí en uno que podría haber sido más audaz o dicharachero. Estamos ante una obra amable, bien interpretada y con una premisa sugerente que no siempre se explota al máximo. Funciona como entretenimiento y como reflexión ligera sobre la identidad y la conexión humana, aunque sin llegar a romper moldes. Un filme que se deja ver con agrado, pero que se recuerda más por lo que insinúa que por lo que finalmente desarrolla.

Ficha de ‘El amigo inesperado’

Estreno en España: 15 de mayo de 2026. Título original: Le répondeur. Duración: 102 min. País: Francia. Dirección: Fabienne Godet. Guion: Fabienne Godet, Claire Barré. Música: Éric Neveux. Fotografía: Eric Blanckaert. Reparto principal: Denis Podalydès, Salif Cissé. Producción: Le Bureau, France 3 Cinéma. Distribución: Surtsey Films. Género: comedia, adaptación. Web oficial.

Clip exclusivo de ‘Maigret y la muerte del embajador’

Primer vistazo al nuevo caso del mítico inspector que llega a cines el 27 de marzo

La adaptación cinematográfica de ‘Maigret y la muerte del embajador’ calienta motores antes de su llegada a salas, y tenemos la suerte de poder brindaros un clip exclusivo que adelanta el tono y la atmósfera de este nuevo caso protagonizado por el legendario comisario creado por Georges Simenon.

La película se estrenará en cines el próximo 27 de marzo de la mano de ADSO Films, tras su paso por la Sección Mosaico: Panorama Internacional del Festival de Málaga, que se celebró del 6 al 15 de marzo.

Un regreso al crimen clásico con el sello de Pascal Bonitzer

El encargado de dirigir esta nueva adaptación es Pascal Bonitzer, cineasta con una sólida trayectoria en el cine europeo y reconocido en festivales internacionales. Bonitzer recupera la esencia más pura del personaje de Maigret, alejándose del thriller moderno para apostar por una investigación más introspectiva y psicológica.

En palabras del propio director, la figura de Maigret representa “el fin de un mundo”, una forma de investigar previa al dominio de la tecnología forense y digital. Por ello, la historia se sitúa en un tiempo anterior a la omnipresencia de los smartphones e Internet, reforzando ese carácter clásico.

Denis Podalydès encabeza un reparto de alto nivel

El protagonista de la película es Denis Podalydès, quien da vida al icónico inspector en esta ocasión. El actor, nominado en cuatro ocasiones a los premios César, aporta una interpretación sobria y cargada de matices. Le acompañan nombres destacados del cine francés como Irène Jacob, Olivier Rabourdin, Anne Alvaro, Manuel Guillot, Dominique Reymond, Laurent Poitrenaux y Micha Lescot.

Un caso de intrigas diplomáticas y pasiones ocultas

Basada en la novela ‘Maigret et les Vieillards’, la trama arranca con el asesinato de un antiguo embajador francés. La investigación conducirá a Maigret a un entorno de secretos, relaciones ocultas y tensiones sociales, marcado por la relación sentimental entre la víctima y una princesa recientemente viuda.

Este nuevo caso promete recuperar la esencia del noir europeo más clásico, donde la psicología de los personajes es tan importante como la resolución del crimen.

Ya puedes ver el clip exclusivo de ‘Maigret y la muerte del embajador’

Un primer vistazo imprescindible para los amantes del cine policiaco clásico y de las adaptaciones literarias con personalidad propia.

Crítica: ‘Little Amélie’

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Crítica

La belleza de descubrir la vida a través de los ojos de una niña

Que película tan bonita es ‘Little Amélie’. Como representa la inocencia de la infancia, el paso obligado a comprender cosas que no quieres, llorar las despedidas y también aceptarlas. Visualmente es preciosa y llena de colores. Y la pequeña locura que es meterse en los recuerdos de la gran Amelie Nothomb.

Quién es Amélie

Una niña belga nacida en Japón nace sin ninguna necesidad de mostrar sus sentimientos, ninguno de ellos. De repente todo cambia de la noche a la mañana y empieza a descubrir el mundo gracias a su niñera Nishio-san.

Un viaje lleno de color, de diferentes sensaciones, ternura, delicadeza, emotividad, tristeza, alegría. Todo ello a través de una niña que está comenzando a vivir y a descubrir lo maravilloso de la vida.

La cinta adapta la novela autobiográfica Metafísica de los tubos de Amélie Nothomb. En la que nos cuenta sus recuerdos de su infancia en Japón. La famosa escritora ha vivido en un sinfín de lugares del mundo dada la profesión de su padre, que era diplomático. Amélie Nothomb sin duda percibe el mundo de una manera maravillosa. Se nota que siente de manera extrema, tanto lo bueno como lo malo y es fascinante su manera de contar historias.

Dirección de la película

Los directores ya nos deleitaron en 2015 con una preciosa historia de animación, ‘El Principito’ (aquí nuestra crítica). Liane-Cho Han Jin Kuang y Maïlys Vallade, logran despertarnos tanto amor con esta película. Una cinta de 77 minutos que tardaron 7 años en crear.

Una ternura que se logra con todo lo que vamos viendo en pantalla, que es una explosión de colores por todos lados. También nos llevan las diferencias culturales y los antiguos rencores a través de simplemente el cambio de vestimentas y decoraciones de las casas.

La animación me parece tan preciosa, es muy sencilla, sin grandes detalles, colores bastante planos sin apenas difuminados, algo que la hace muy fácil de ver y que simplemente necesites estar atenta a lo que cuenta y por supuesto, como digo, a la cantidad de color que hay.

No todo es la animación

Además, por supuesto del guion de la cinta, tenemos una música increíble de la mano de Mari Fukuhara, que es magnífica. Super tranquila, relajante como los paisajes que vemos en los jardines japoneses de la cinta.

Una manera más de adentrarnos en esta cinta tan sensorial, que hace el visionado una verdadera experiencia.

Conclusiones

No puedo deciros más, solo id a verla, disfrutadla. A mi se me encogió un poquito el corazón y la verdad que representa muy bien esa infancia, esos descubrimientos y también esas decepciones. Una película preciosa que sin duda no debéis perderos. Por supuesto, está en la carrera de los Oscar y aunque lo tiene difícil, creo que sería una gran ganadora.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de febrero de 2026. Título original: Amélie et la Métaphysique des tubes. Duración: 77 min. País: Francia. Dirección: Mailys Vallade, Liane-Cho Han Jin Kuang. Guion: Liane-Cho Han Jin Kuang, Eddine Noël, Aude Py, Maylis Vallade. Música: Mari Fukuhara. Reparto principal: Loïse Charpentier, Victoria Grosbois, Yumi Fujimori, Cathy Cerca, Mark Arnaud, Laetitia Coryn, Haylee Issenbourg, Isaac Schoumsky. Producción: Maybe Movies, IKKI Films, 2 Minutes France Télévisions, Puffin Picture, 22D Music. Distribución: Selecta Visión. Género: Drama. Web oficial.

Crítica: ‘Return to Silent Hill’

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Un gran regreso a Silent Hill

Que bueno ha sido volver a Silent Hill. Hace años, tuvimos la oportunidad de estar con Christophe Gans en el Festival de Sitges y sin duda se le veía con ganas de volver a este oscuro pueblo.

Adaptación de Silent Hill 2, antes de seguir, no he jugado al juego y tampoco puedo opinar demasiado en cuanto a adaptación. Me he empapado de vídeos en los que lo resume o gameplays, pero lo dicho, tampoco puedo opinar 100%. Por lo que he visto, puedo decir que la base está bien y que hay elementos que cambian en la película.

¿Por qué regresamos a Silent Hill?

James, un pintor deprimido, recibe una misteriosa carta por parte de su mujer, Mary. Pensando que estaba muerta, James decide embarcarse en un viaje de tinieblas al pueblo en el que en algún momento fueron felices, para poder localizarla. A partir de poner el pie en Silent Hill, criaturas del mismísimo infierno se lo van a poner bastante difícil a nuestro protagonista.

Como película me ha parecido muy entretenida. Vamos descubriendo la historia como si estuviésemos dentro del videojuego y poco a poco nos van presentando a los distintos personajes y por supuesto vamos viendo distintas criaturas a cada cual más chula.

Presupuesto bajo muy bien aprovechado

Una de las cosas que recuerdo del primer Silent Hill de Christophe Gans, es su CGI. Hace poco la volví a ver y evidentemente en la actualidad hemos visto cosas mucho mejores, pero allá en el año 2006 la verdad que impresionaba bastante. Sus criaturas, las texturas todo estaba de maravilla.

Lo que me ha pasado con ‘Return to Silent Hill’ ha sido lo contrario, el CGI es bastante regular, pero sin duda, el director ha sabido jugar bien con el poco presupuesto y cuando quizás no hubiesen funcionado esos efectos un tanto limitados, nos brinda escenas que parecen sacadas del videojuego y logra un efecto bastante curioso y elegante.

Reparto y equipo técnico

Una de las gozadas de la película sin duda ha sido la banda sonora y la fotografía. Y es que Akira Yamaoka es el encargado de la banda sonora que el mismo ya puso al videojuego. Mientras que la fotografía a manos de Pablo Rosso es una gozada, si que es verdad que está acostumbrado hacer este tipo de trabajos, gracias a ’30 monedas’, ‘Verónica’ o ‘REC’, está claro que el cine de monstruos es lo suyo y sabe captarlo perfectamente.

En cuanto a la dirección, que puedo deciros de Christophe Gans, que sin duda sabe muy bien lo que hace y cuida hasta el mínimo detalle. Los movimientos de cámara, la manera de dirigir a los actores, logra que nos creamos que estamos dentro de un videojuego. Es un gusto que haya vuelto a dirigir una película sobre la saga, porque sin duda se nota que le gusta.

Jeremy Irvine me ha impresionado mucho. Está estupendo en este papel protagonista y la verdad que luce bien como héroe atormentado. Junto a él encontramos a Hannah Emily Anderson, igual, no la conocía y ha sido también una grata sorpresa.

Evie Templeton, Robert Strange, Pearse Egan, Eve Macklin, Emily Carding, Martine Richards, Howard Saddler, Matteo Pasquini o Melissa Graham son parte de estos habitantes en el pueblo del que no pueden escapar.

Diseño de criaturas y final

Las criaturas me han parecido una pasada, repetimos algunas de ellas, como las enfermeras, con un aspecto un tanto diferente o incluso esos torsos con piernas que escupen ácido. Por supuesto tenemos a Pirámide, pero como digo, tenemos alguna que otra sorpresa que no voy a desvelar, pero que son tan criaturas japonesas que os va a encantar.

Como podéis ver, no puedo negaros que la película pese a sus carencias, me ha gustado mucho. Se que no es un 10, pero sinceramente, es ‘Return to Silent Hill’ merece mucho la pena y es una gran manera de volver adentrarnos en este pueblo tan misterioso. 

Ficha de ‘Return to Silent Hill’

Estreno en España: 23 de enero de 2026. Título original: Return to Silent Hill. Duración: 106 min. País: Francia. Dirección: Christophe Gans. Guion: Christophe Gans, William Schneider, Sandra Vo-Anh. Música: Akira Yamaoka. Fotografía: Pablo Rosso. Reparto principal: Producción: Davis Films, The Electic Shadow Company, Supernix, Work in Progress, Ashland Hill Media Fiance, Konami, Bloody Disgusting, Hassell Free Productions, Maze Pictures, Metropolitan. Distribución: Tripictures. Género: terror, adaptación. Web oficial.

Crítica: ‘El hombre menguante’

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Crítica

Poética y nostálgica

Richard Matheson es sin duda uno de los mejores escritores de ciencia ficción de toda la historia. ‘Soy Leyenda’, Más allá de los sueños’, ‘El diablo sobre ruedas’ o ‘El hombre menguante’, son parte de su imaginario.

En este caso, hoy os vamos hablar de la estupenda ‘El hombre menguante’ dirigida por Jan Kounen y protagonizada por Jean Dujardin. Una historia de supervivencia, poética y visualmente una maravilla.

¿Qué vamos a ver en ‘El hombre menguante’?

Aquí conocemos a Paul, un hombre de éxito, que tras un suceso extraño en el cielo, comienza a encoger. Poco a poco, día a día, su ropa le va quedando cada día más holgada, más grande. Piensa que está adelgazando, hasta que llega un momento en el que se da cuenta que su mujer está a su misma altura, siendo él, un hombre bastante alto.

Con esta premisa tan sencilla comenzamos a ver una película llena de filosofía, de imágenes increíbles y con una banda sonora preciosa.

‘El hombre menguante’ me ha gustado muchísimo, por lo que pude ver en el visionado en el Festival de Sitges, no va a gustar a todo el mundo. Es cierto que tiene un ritmo un tanto pausado, pero es que le viene perfecto. Justo esta novela no la he leído, pero he leído a Matheson y sus novelas son muy poéticas y es lo que vemos aquí. Escucho al escritor, escucho su manera de narrar y sin duda Jon … logra transmitir perfectamente esa manera de contar la historia.

Como digo, es una película preciosa, creo que no debéis compararla con la del año 1957, pues era una película de más acción, igual de buena, pero tiene un concepto totalmente diferente.

Equipo de la película

Jan Kounen es el encargado de la dirección, ha trabajado duro para lograr una película en mi opinión bastante perfecta. Visualmente es una delicia y además nos contó que los efectos especiales fueron bastante cuidados, porque querían que fuese todo bastante manual (aquí podéis escucharle durante el Festival de Sitges).

En el reparto tenemos a Marie-Josée Croze, Daphné Richard, Salim Talbi, Serge Swysen y Stéphanie Van Vyve. Todos ellos acompañan al gran Jean Dujardin, el cual siempre está perfecto.

Jean Dujardin carga con toda la película bajo sus hombros y hace un gran trabajo. Aguanta todo con gran soltura y logra mantenernos a la espera del siguiente paso de este pobre hombre que solo quiere entender que es lo que le está ocurriendo.

Pero esta cinta no sería lo mismo sin el gran trabajo de todo el equipo, desde el montaje, que sin duda tuvo que ser difícil, pasando por la gran banda sonora de Alexandre Desplat que es preciosa y la fotografía de Christophe Nuyens.

No puedo deciros otra cosa que le deis una gran oportunidad a ‘El hombre menguante’. Una cinta que tiene que verse en gran pantalla y con un gran equipo de sonido. Una película muy disfrutable y que sin duda os dará para una charla después del visionado.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de enero de 2026. Título original: L’homme qui rétrécit. Duración: 100 min. País: Francia. Dirección: Jan Kounen. Guion: Christopher Deslandes, Jan Kounen. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Christophe Nuyens. Reparto principal: Jean Dujardin, Marie-Josée Crozé, Daphné Richard, Salim Talbi, Serge Swysen, Stéphanie Van Vyve. Producción: Pitchipoï, Picture Perfect Entertainment. Distribución: DeAPlaneta. Género: Ciencia Ficción, drama. Web oficial.

Crítica: ‘Nouvelle Vague’

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Un cineasta libre resucitando a otros cineastas libres

Richard Linklater, causó sensación con aquel experimento cinematográfico que fue ‘Boyhood’, y ahora vuelve a demostrar que su cine no solo observa el paso del tiempo, sino también los momentos en que el arte decide reinventarse. Con ‘Nouvelle Vague’, el director estadounidense se enfrenta a una de las mitologías más complejas y reverenciadas de la historia del cine: aquella generación de cineastas franceses que, a finales de los años cincuenta, dinamitó las convenciones narrativas, estéticas e industriales heredadas. Consciente de lo inabarcable del movimiento, Linklater opta por una decisión tan inteligente como honesta: centrar el relato en Jean-Luc Godard y en el periodo concreto del rodaje de ‘Al final de la escapada’, la película que marcó un antes y un después en la manera de filmar y mirar el cine.

Godard como símbolo de una revolución colectiva

‘Nouvelle Vague’ entiende que la Nouvelle Vague no fue un estilo homogéneo, sino una actitud. Linklater no intenta resumir a toda una generación en un discurso académico, sino capturar el nervio creativo que unía a aquellos jóvenes críticos de Cahiers du Cinéma convertidos en cineastas. Godard emerge como epicentro narrativo no por ser el único, sino porque su figura condensó como pocas el inconformismo, la provocación intelectual y la ruptura consciente con el cine de calidad francesa dominante.

La película se sitúa en los márgenes del rodaje de ‘Al final de la escapada’, pero evita el biopic convencional. No se trata de reproducir paso a paso cómo se filmó aquel clásico, sino de reimaginar lo que sucedía alrededor: discusiones estéticas, decisiones improvisadas, tensiones con la producción y una sensación constante de estar inventando algo sin manual de instrucciones. Godard aparece como un creador obsesivo, brillante y errático, capaz de convertir la limitación presupuestaria en una declaración de principios.

Reimaginar un rodaje para capturar un espíritu

Uno de los mayores aciertos de ‘Nouvelle Vague’ es cómo clava las escenas que remiten directamente a ‘Al final de la escapada’ sin caer en la mímesis vacía. Linklater reproduce encuadres, movimientos y situaciones reconocibles, pero el foco nunca está en la reconstrucción fetichista. Lo importante es el clima creativo que rodea esas imágenes: la libertad de filmar en la calle, el desprecio por las normas clásicas de continuidad y la convicción de que el cine podía dialogar con la vida real sin filtros.

El filme transmite la idea de la Nouvelle Vague como un grito artístico contra los corsés de la época, tanto estéticos como industriales. Hay en cada escena una sensación de urgencia, de estar filmando antes de que alguien diga que no se puede. Linklater adopta ese mismo espíritu en la puesta en escena, con una narrativa que fluye de forma fragmentaria, casi caprichosa, como si la película se estuviera descubriendo a sí misma mientras avanza.

Un homenaje coral que asume el riesgo de perder al espectador

‘Nouvelle Vague’ se apresura deliberadamente en presentar nombres clave del movimiento, y en ese vértigo corre el riesgo de desorientar al espectador menos familiarizado con la historia del cine. Truffaut, Chabrol, Rohmer, productores, técnicos, actores y críticos aparecen y desaparecen con rapidez, únicamente con una presentación formal. Sin embargo, esa acumulación no es un error, sino una declaración de intenciones.

Linklater no quiere simplificar una revolución que fue, por naturaleza, caótica y colectiva. El filme funciona como un homenaje a todos los artistas y mentes inspiradoras que hicieron posible aquel cambio de paradigma, incluso a costa de sacrificar cierta claridad expositiva. El resultado es una obra que no busca ser definitiva, sino contagiar una pasión: recordar que el cine avanza cuando alguien se atreve a romper las reglas y filmar como si todo estuviera por inventarse. Está llena de citas y alusiones la que mejor define el filme es la que recupera la figura de Leonardo da Vinci, «El arte nunca se termina, solo se abandona».

Ficha de Nouvelle Vague

Estreno en España: 9 de enero de 2025. Título original: Nouvelle Vague. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Richard Linklater. Guion: Holly Gent Palmo, Richard Linklater, Laetitia Masson, Vincent Palmo Jr., Michèle Pétin. Fotografía: David Chambille. Reparto principal: Guillaume Marbeck, Zoey Deutch, Aubry Dullin, Adrien Rouyard, Antoine Besson, Jodie Ruth-Forest, Bruno Dreyfürst. Producción: ARP Sélection, Detour Filmproduction, Ciné+OCS, Centre national du cinéma et de l’image animée (CNC), Canal+, Chanel. Distribución: Elástica. Género: drama, comedia. Web oficial.

Crítica: ‘Arco’

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Apuesta por una visión optimista para el futuro de la humanidad

Algunas leyendas o cuentos narraban que si lograbas encontrar el final del arcoíris podías hallar el tesoro del leprechaun, un caldero lleno de oro. ‘Arco’ nos cuenta de manera casi metafórica que, si recuperamos la senda de ese tipo de fenómenos fantásticos, los cuales nos llenan de ilusión al verlos, podremos encontrar otro tipo de tesoros, como el de la conciencia colectiva de que el progreso solo tiene sentido si va acompañado de responsabilidad medioambiental y empatía intergeneracional. Esa es la moraleja que sobrevuela a la película desde su estreno en festivales: no se trata de regresar al pasado ni de demonizar la tecnología, sino de reconciliar al ser humano con su entorno antes de que el futuro se vuelva inhabitable.

Ugo Bienvenu, procedente del cómic y la ilustración, da el salto definitivo al largometraje con una obra que no busca agradar de manera inmediata, sino dejar poso. ‘Arco’ es una película de animación que personaliza los miedos que hoy sufre el planeta, el colapso climático, los desastres naturales extremos, la deshumanización tecnológica… Pero lo hace desde un tono inesperadamente esperanzador. No es un relato apocalíptico al uso, sino una advertencia envuelta en belleza, una llamada a la acción disfrazada de cuento futurista.

Un futuro fracturado

El mundo que presenta ‘Arco’ es uno de esos futuros que resultan inquietantes precisamente porque parecen plausibles. La humanidad se ha dividido en dos realidades: por un lado, quienes sobreviven en pequeñas cúpulas hipertecnológicas, acompañados de robots y hologramas que sustituyen el contacto humano, protegidos de las violentas tormentas, incendios y catástrofes climáticas que asolan el planeta. Por otro, una realidad que habita en enormes plataformas suspendidas, cuya disposición recuerda inevitablemente a un ajedrez tridimensional del universo de ‘Star Trek’, ese mismo tablero al que jugaba Sheldon Cooper en ‘The Big Bang Theory’. Quizá es un símil intencionado para indicarnos que estamos en jaque.

Bienvenu utiliza este escenario para plantear una fractura no solo social, sino moral. La tecnología ha permitido sobrevivir, pero también ha generado aislamiento y dependencia. Frente a ello, la fantasía, representada de manera simbólica por el arcoíris que siempre se presenta como elemento casi mítico. Aparece aquí como un recordatorio de lo que se ha perdido: la capacidad de asombro, el vínculo con la naturaleza y la idea de poder desear un futuro mejor. El choque entre fantasía y tecnología no es solo estético, sino ideológico, y se convierte casi en el verdadero motor del relato.

Voces conocidas para una historia que no busca la comedia

Uno de los aspectos más curiosos de ‘Arco’ es su reparto vocal en inglés. Natalie Portman no solo presta su voz, sino que, tras ver el material con el que había empezado la preproducción, decidió financiar la película. Un gesto que habla del compromiso artístico que percibió en el proyecto. A su alrededor encontramos nombres asociados habitualmente a la comedia como Will Ferrell, Mark Ruffalo, America Ferrera, Flea o Andy Samberg.

Sin embargo, ‘Arco’ no es una película de humor. Y es que las voces no buscan el lucimiento individual, sino reforzar la atmósfera de fábula adulta, donde cada personaje parece cargar con una culpa colectiva más que con un conflicto personal.

Una animación heredera de Miyazaki y Toriyama

Visualmente, ‘Arco’ se sitúa en una tradición muy reconocible. La influencia de Hayao Miyazaki es evidente a la hora de representar la naturaleza y en el movimiento de los personajes. Al mismo tiempo, ciertos diseños y dinámicas recuerdan a la obra de Akira Toriyama, especialmente en lo que se refiere al diseño de escenarios y todo tipo de artilugios.

Esta alineación estética no es un mero homenaje, sino una declaración de intenciones. Bienvenu entiende la animación como un lenguaje capaz de abordar temas complejos sin renunciar a la emoción ni al estilismo. Cada plano parece diseñado para reforzar el mensaje: la tecnología puede ser deslumbrante, pero también fría, la naturaleza puede parecer ingenua, pero encierra verdades arrolladoras. Como las obras de estos dos maestros, la comunión entre el progreso y nuestro entorno aparece como una comunión irremediable y casi onírica.

No es casualidad que ‘Arco’ haya sido muy premiada y que su nombre suene con fuerza en la conversación sobre los Oscars. Entre otros reconocimientos, ha obtenido el Premio Cristal a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy y el Premio del Público Sitges Collection en el Festival de Sitges. Ambos galardones reflejan su doble virtud: el reconocimiento crítico y la conexión emocional con el espectador.

‘Arco’ propone un viaje, una senda que, como el arcoíris de las viejas leyendas, no garantiza un tesoro inmediato, pero sí la posibilidad de encontrar algo más valioso: la voluntad de cambiar antes de que sea demasiado tarde.

Ficha de Arco

Estreno en España: 23 de enero de 2025. Título original: Arco. Duración: 82 min. País: Francia. Dirección: Ugo Bienvenu. Guion: Ugo Bienvenu, Félix De Givry. Música: Arnaud Toulon. Reparto principal (doblaje original): Oscar Tresanini, Margot Ringard Oldra, Louis Garrel, Alma Jodorowsky, Nathanaël Perrot, Vincent Macaigne, Swann Arlaud. Producción: Remembers, MountainA, France 3 Cinéma, Netflix. Distribución: Caramel Films, YouPlant. Género: Web oficial.

Crítica: ‘Drácula: A love tale’

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Sinopsis

Tras una devastadora pérdida, el príncipe Vlad II, el conde de Drácul, renuncia a Dios y es maldecido a la vida eterna, condenado a vagar en solitario a lo largo de los siglos. Este es el relato sobre la historia de amor jamás contada del infame vampiro, que desafiará al destino y la mortalidad en busca de su amor perdido.

Crítica

Extravagante y muy loca

En 1897 se publicó una novela de terror llamada ‘Drácula’, en 1992 llegó a nuestras pantallas ‘Drácula de Bram Stoker’ dirigida por Francis Ford Copola y este 2025 Luc Besson nos sorprende, en mi caso para mal, con una versión totalmente libre de ambas. ‘Drácula: A love tale’

Soy muy fan de Luc Besson, me encantan sus locuras, sus películas llenas de acción y violencia y también sus extravagancias. Pero aquí creo que se ha pasado bastante de excentricidades. Y es que su Drácula es una película demasiado peculiar.

Tiene la historia básica, en al que el joven Vlad acaba corrompido por culpa de la muerte de su mujer. Este vampiro romántico que nos mostró Coppola está ahí, incluso hay pequeños detalles en los peinados o vestuario que puede recordar. Pero desvaría por muchos sitios.

No voy a soltaros spoilers, pero solo deciros que no salen las novias de Drácula, pero tiene otros extraños ayudantes, que de verdad llegan a ser un tanto ridículos. Y qué decir la manera en la que engatusa a la gente, normalmente los vampiros tienen ese don de hacer que la gente quede hechizada con solo su presencia, este Drácula utiliza otro método que bueno, al principio, hasta puede colar, pero luego, en fin, tiene escenas realmente raras. Aunque admito que la escena en el convento es inmejorable.

Pero no solo tiene cosas que me hayan disgustado. He de comentaros que la producción es muy buena, los decorados, vestuario, maquillaje, son perfectos y muy trabajados. Sin duda es una de las cosas que más se disfrutan. Pues ‘Drácula. A love tale’ es visualmente muy bonita. Además las escenas de la guerra son muy potentes, recuerdan a la de Coppola pero sin duda con mejor resolución.

En el reparto encontramos a Caleb Landry Jones, con el que vuelve a trabajar después de ‘Dogman’. Zoë Bleu, Christoph Watlz, Guillaume de Tonquédec, Ewens Abid, David Shields o Raphael Luce son parte de esta historia. En general, todos bastante sobreactuados. Pero supongo que es algo que les pidió el director. La banda sonora de Danny Elfman es otro de los puntos fuertes de la cinta y la fotografía de Colin Wandersman es muy bonita y llena de detalles.

Está claro que Luc Besson es un espíritu libre y hace lo que le da la gana. Y que como siempre, para gustos los colores. En mi caso, este Drácula me ha dejado alucinada, pero para mal. Pero como siempre os digo, vedla, quien sabe, quizás simplemente no sea una película para mí. Ya me diréis que os parece. 

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de noviembre de 2025. Título original: Dracula: A Love tale. Duración: 129 min. País: Francia. Dirección: Luc Besson. Guion: Luc Besson. Música: Danny Elfman. Fotografía: Colin Wandersman. Reparto principal: Caleb Landry Jones, Christoph Waltz, Zoë Bleu, Guillaume de Tonquédec, Matilda De Angelis, Ewens Abid, David Shields, Bertrand-Xavier Corbi, Raphael Luce, Liviu bora, Anne Kessler. Producción: LBP Productions, Europa Corp, Actarus. Distribución: Vertice 360. Género: drama. Web oficial: https://vertice360.com/es/ficha/0/dracula#sinopsis

Crítica: ‘Angelo en el bosque misterioso’

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Sinopsis

Angelo, de 10 años, sueña con convertirse en explorador y zoologo. Cuando emprende el viaje con su familia para visitar a su querida abuela, sus padres, distraídos, lo dejan atrás en un área de servicio. Dejado a su suerte, Angelo decide atravesar el bosque en busca de su familia. Se adentra en un mundo oscuro y misterioso habitado por extrañas criaturas, algunas más amigables que otras…

Crítica

Divertida, emocionante que va a encantar a los más pequeños

Tenemos ante nosotros una película llena de aventuras y que pone fin a este verano caluroso. Y solo puedo decir que pasar un ratito en el cine viendo ‘Angelo en el bosque misterioso’ va a ser un gran acierto.

En la película, conocemos a Angelo, un niño con una imaginación desbordante, siempre pensando en historias y aventuras. Un día, junto con su familia se embarcan en un viaje a casa de su abuela, la cual está gravemente enferma. El queda perdido y tiene que adentrarse en un bosque para poder llegar a su destino y reencontrarse con la persona que mejor le entiendo. Pero para ello debe de pasar miles de aventuras.

‘Angelo en el bosque misterioso’ es muy divertida, no es la típica película en la que decimos, para niños y adultos, no. Es una película infantil, pero aun así no os vais aburrir. Tiene una animación bastante chula y cuando nos adentramos en la cabeza de Angelo y en sus historias imaginarias, cambian el estilo de dibujo y la verdad que es bastante chulo.

Trata temas muy universales, la valentía, el amor hacia la familia y la infancia. Lo importante de tener una infancia llena de imaginación para sobrevivir a todo lo que nos viene encima y de como esa imaginación puede ayudar siempre.

Vincent Paronnaud, es el encargado de llevar esta película a la realidad. Basada en su propio cómic, Dans La Forêt Sombre et Mystérieuse, publicado en 2016. Con este cómic, fue galardonado con un Pépite d’or en el Salon du Livre Jeunesse de Montreuil. Vincent Paronnaud, gran conocido entre los aficionados al cómic, sobre todo por su trabajo como coguionista y codirector junto a Marjane Satrapi de Persepolis en 2007, firma la película junto a Alexis Ducord.

La película también es bastante ecologista, también el tema de las Inteligencias Artificiales. Todo ello explicado para niños, para que vayan conociendo ciertos problemas que hay en el mundo y como trabajando pueden intentar hacer un mundo mejor. Además el diseño de las criaturas es bastante chulo.

‘Angelo en el bosque misterioso’ llega a nuestras pantallas de cine y como digo, es la mejor manera de terminar este verano que tanto buen cine nos ha dado.

 Ficha de la película

Estreno en España: 19 de septiembre de 2025. Título original: Angelo dans la forêt mystérieuse. Duración: 81 min. País: Francia. Dirección: Alexis Ducord, Vincent Paronnaud. Guion: Vincent Paronnaud. Música: Oliver Bernet. Reparto principal: Yolande Moreau, Philippe Katerine, José García. Producción: Je Suis Bien Content, Gao Shan Pictures, ZEILT Productions, Le Pacte, France 3 Cinéma, Ev.L Prod, France TV, Canal+, Ciné+. Distribución: VerCine. Género: Aventuras. Web oficial: https://www.vercine.org/ficha/es/829-angelo-en-el-bosque-misterioso/

Crítica: ‘Bejaranos, el oficio del ciclista’

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Sinopsis

‘Bejaranos, el oficio del ciclista’ es la historia de éxito de tres leyendas, Lale Cubino, Roberto Heras y Santi Blanco, pero también la de quienes, desde su infancia, soñaron con triunfar sobre la bicicleta y se enfrentaron a todo tipo de adversidades: Luis Roberto Álvarez “Rubi” y Moisés Dueñas. Los propios protagonistas relatan sus hazañas, pero también nos cuentan las sanciones por dopaje o el accidente que truncó el sueño de Rubi. Todo ello mientras se enfrentan a la incertidumbre de un futuro en el que deben reinventarse tras haber dedicado su vida entera a la pasión por el ciclismo.

Crítica

Pedaladas contra el olvido: Béjar recupera su voz ciclista

Como parte de los reportajes realizados por el sello ‘Informe Plus+’ llega a Movistar Plus+ el 2 de julio el documental ‘Bejaranos, el oficio del ciclista’. Una pieza repleta de entrevistas y de archivo que profundiza en el fenómeno producido en una ciudad tan pequeña como Béjar. Un lugar cuya industria rivalizaba con Cataluña o Mánchester hace solo unas décadas con fábricas que llegaban a constituir una ciudad en sí mismas y alcanzando el máximo de casi 18.000 habitantes. Hoy en día apenas supera los 12.000 empadronados y observa incapaz cómo sus joyas pasan inadvertidas al resto de un país que habitualmente mira mucho más al este que al oeste. Pero es un enclave que si algo ha demostrado es que la nobleza no está en la cantidad, sino en la épica de sus logros y la grandeza de sus montañas.

En este caso no nos hablan de su textil o de su curiosa tradición musgosa. Nos hablan de aquellos deportistas que en su día nos dejaron boquiabiertos. Ciclistas con los que he de decir, aunque me exponga con ello a ofrecer una visión poco objetiva de este material, con los que un servidor convivió en tiempo y espacio desde su infancia hasta su adolescencia, llegando incluso a compartir terreno de juego con alguno de estas figuras del ciclismo.

Bajo la producción de Iris Ladrero y Carlos Lorenzo y con la dirección de Andrés García Armero, ‘Bejaranos, el oficio del ciclista’ hace un repaso por las carreras de más de cinco deportistas que separados solo por unos veinte años se colocaron en el pináculo del mundo del pedal: Laudelino Cubino, Roberto Heras, Miguel Heras, Santi Blanco, Moisés Dueñas, Luis Roberto Álvarez, Dori Ruano

Es por ello que nos llevan por paisajes de Béjar y Candelario, así como por ubicaciones tan impresionantes como el Meandro Melero, un lugar cercano, pero no bejarano. Béjar posee un entorno sobrecogedor, interminable para ciclistas, montañeros y senderistas, pero ese en concreto no es uno de sus encantos. Y eso es quizá lo único achacable a este reportaje, que no indaga realmente en cómo la orografía del terreno salmantino esculpió desde pequeños a tan extraordinarios escaladores.

El foco de ‘Bejaranos, el oficio del ciclista’ está puesto en la inspiración y el legado. Desde el alma impulsadora que fue Lale Cubino, hasta los padres y profesores que inculcaron en los ciclistas el amor por el deporte sobre ruedas. El documental no solo se limita a la crónica del esfuerzo y la gloria deportiva, sino que ahonda en el sacrificio cotidiano, en la dureza de entrenar a contrarreloj mientras otros niños jugaban. Nos muestra también la cara menos luminosa del ciclismo: la incertidumbre de hacer de una pasión una profesión inestable, plagada de caídas, lesiones y renuncias personales.

Retrata también el riesgo de apostar por un deporte como profesión. No esquiva lo delicado, tocando el tema del dopaje y el injusto trato a los ciclistas con este tema. Y lo hace con honestidad. Sin justificar, pero tampoco sin cargar las tintas. Reclama un trato humano a aquellos jóvenes que fueron parte de un sistema que a menudo les exigía más de lo que podían dar y que como muchos sospechamos siempre, responde a determinados intereses de unos pocos.

El reportaje destaca por su enfoque humano y cercano, centrado en testimonios íntimos y en archivo audiovisual que desdibujan la línea entre lo personal y lo épico. La dirección de Andrés García Armero, con la codirección de Manu Cid, consigue retratar no solo el éxito de Lale Cubino, Roberto Heras o Santi Blanco, sino también el lado más crudo y real del ciclismo. El resultado es un relato equilibrado y emotivo, capaz de rendir homenaje sin caer en la hagiografía.

‘Bejaranos, el oficio del ciclista’ emocionará a los vecinos de Béjar, que se verán en imágenes y fotos de archivo, además por lo bien que ensalza a una ciudad siempre vinculada al deporte y a sus valores. Pero sobre todo a los amantes del ciclismo, que comprobarán y recordarán que existe una cuna de escaladores fuera de serie como Béjar. Falta un monumento a estos cracks en la Ilustre Ciudad de Béjar, aunque quizá el tributo es el legado que dejaron. Béjar es una ciudad a la que he visto perder miles de ciudadanos, entre envejecimiento y jóvenes exiliados en busca de empleo. Pero sin duda, tomando ejemplo de sus figuras contemporáneas más famosas, sacará en algún momento las fuerzas de flaqueza y volverá a estar el podio que se merece.

El documental ha sido dedicado a maestros y deportistas como Tomás Martín, Ignacio González y Mateo Hernández, nombres clave y valedores de los campeones que han dado pie a esta película.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de julio de 2025. Título original: Bejaranos, el oficio del ciclista. Duración: 53 min. País: España. Dirección: Andrés García Armero. Música: Mario Quiñones Sandino. Fotografía: Guillermo Barberá Llorca. Reparto principal: Laudelino Cubino, Roberto Heras, Miguel Heras, Santi Blanco, Moisés Dueñas, Luis Roberto Álvarez, Dori Ruano. Producción: Lilicar Inversiones. Distribución: Movistar Plus+. Género: documental. Web oficial: https://www.movistarplus.es/documentales/bejaranos-el-oficio-del-ciclista/ficha?tipo=E&id=4017043

Crítica: ‘Algo le pasa a mi yerno’

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Sinopsis

El doctor Béranger es un exitoso psicoanalista. Su vida sería perfecta si no fuera por un paciente muy ansioso y extremadamente pegajoso: Damien Leroy. Para librarse por fin de él, le hace creer que la única forma de curarse es encontrar el amor. Mientras el doctor se prepara para celebrar su 30 aniversario de boda, su hija, le cuenta que ha encontrado al hombre de su vida que no es otro que… Damien. La fiesta se convertirá en una pesadilla.

Crítica

Risas ocasionales en piloto automático

En un panorama cinematográfico escaso de espectadores y saturado de comedias familiares que buscan apelar a un público intergeneracional, ‘Algo le pasa a mi yerno’ intenta destacar con un enfoque ligeramente irreverente. Sin embargo, lo que prometía ser una comedia atrevida e incisiva termina siendo un pastiche de situaciones previsibles y personajes que rara vez escapan del estereotipo.

La película, dirigida por Arnaud Lemort (‘Un verano en Ibiza’), narra la historia de un joven que debe ganarse la aceptación de su nuevo suegro, partiendo del hecho de que este último es su psiquiatra. A simple vista, el argumento evoca un sinfín de comedias similares, como ‘La familia de mi novia’, ‘Sácame del paraíso’ o PELICULA PSICÓLOGO DE NIRO. Pero mientras estas lograron un equilibrio entre el humor ridículo y el desarrollo de relaciones, ‘Algo le pasa a mi yerno’ se queda atrapada en un bucle de gags forzados que rara vez logran trascender lo anecdótico.

Lo que podría haber sido una exploración divertida y emotiva de las tensiones fruto de los prejuicios y la hipocresía, se convierte en una acumulación de malentendidos y confrontaciones que se sienten más calculadas que orgánicas. Aunque hay momentos que logran arrancar una carcajada, la película carece de mala leche y picardía. También hay que reconocer que el ver de nuevo a Christian Clavier en la piel de un padre enfrentándose al nuevo novio de su hija le resta gracia ya que sale perdiendo en comparación con ‘Dios mío ¿pero qué te hemos hecho?’.

El mayor defecto de ‘Algo le pasa a mi yerno’ radica en su parodia mal ejecutada. Las fobias, los celos, el suegro… Son clichés que en el cine siempre dan pie a comedia, pero están mal aprovechados a causa de que se busca un enfoque suavizado o distinto. El otro protagonista, interpretado por Baptiste Lecaplain, parece una versión diluida del “pez fuera del agua” que hemos visto en innumerables ocasiones. Aunque tiene momentos de encanto, su evolución emocional es abrupta e inverosímil. Los suegros, por su parte, caen en clichés demasiado familiares: el patriarca rígido y desconfiado, la madre más comprensiva pero igualmente controladora. La hija, quien debería ser el puente entre ambos mundos, se ve relegada a un papel secundario, desaprovechando así el juego humorístico que podrían dar los secretos.

Uno de los pocos puntos brillantes del reparto es Clavier, cuyo impecable timing cómico logra elevar algunas escenas a pesar incluso de ir en piloto automático. Sin embargo, incluso su desempeño se ve limitado por un guion que prioriza la cantidad de chistes sobre la calidad de los mismos. Tan estándar es la película, que al igual que le sucede a Dani de la Orden con sus remakes, se percibe carente de personalidad. Todo se mueve entre lo genérico y predecible.

Esto no quiere decir que ‘Algo le pasa a mi yerno’ sea un desastre total. Hay detalles aislados que muestran potencial, como algunos diálogos mordaces o algún secundario limítrofe con lo chiflado. No obstante, estos aciertos son demasiado esporádicos para salvar una película que, en su conjunto, se siente como una oportunidad desaprovechada. En última instancia, ‘Algo le pasa a mi yerno’ es una propuesta que aspira a ser irreverente pero se conforma con lo convencional. Si bien puede ofrecer entretenimiento ligero para una tarde sin muchas expectativas, difícilmente logrará dejar una impresión duradera en el público. El esfuerzo mental será recíproco, si bien los guionistas no se han devanado mucho los sesos para ser originales, las neuronas del espectador no trabajarán en exceso por dejar impronta de esta película en la memoria.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de junio de 2025. Título original: Jamais sans mon psy. Duración: 112 min. País: Francia. Dirección: Arnaud Lemort. Guion: Arnaud Lemort. Música: Romain Trouillet. Fotografía: Christophe Graillot. Reparto principal: Christian Clavier, Baptiste Lecaplain, Claire Chust, Chistina Reali. Producción: Atelier de Production, TF1. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial:

Nuevas imágenes de ‘June & John’

Luc Besson regresa a las salas de cine

Matilda Price y Luke Stanton Eddy protagonizan la nueva película de Luc Besson. El director de ‘Dogman‘ se pone a los mandos del guion y la dirección de este thriller romántico.

Una de las peculiaridades de la película es que se rodó en secreto con un iPhone durante el confinamiento del COVID-19. Tenemos mezcla de géneros con tintes dramáticos, toques de humor y un alocado romanticismo. El 20 de junio en las mejores salas.

Os dejamos a continuación tres clips, en los que vemos a sus actores protagonistas, ambos debutantes en la gran pantalla con este filme.