Sitges 2026 anuncia a Peter Jackson, Danny DeVito y Amy Irving

Sitges anuncia sus invitados principales, homenajes y más películas

El Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya – Sitges 2026 prepara una 59ª edición que volverá a tender puentes entre la historia del cine fantástico y las nuevas tendencias del género. El certamen reunirá a figuras como Peter Jackson, Danny DeVito y Amy Irving, que recibirán el Gran Premio Honorífico, además de otros nombres fundamentales del fantástico que serán reconocidos con el Premio Màquina del Temps.

La edición estará marcada por el regreso de Peter Jackson a Sitges, más de treinta años después de la presentación de ‘Braindead’, y por una programación que recorrerá el terror, la ciencia ficción, la fantasía, la acción, la animación y las diferentes formas del cine de culto.

Peter Jackson regresa a Sitges con ‘Braindead’ y ‘King Kong’

Peter Jackson volverá al Festival para recibir el Gran Premio Honorífico y presentar una primera versión de la nueva restauración en 4K de ‘Braindead’. La película ya estuvo presente en Sitges en 1992, donde Richard Taylor y Bob McCarron fueron reconocidos por su trabajo en efectos especiales.

El regreso permitirá recuperar una de las obras que mejor representa la primera etapa del cineasta, antes de que Jackson se convirtiera en uno de los grandes nombres de la fantasía cinematográfica con ‘The Lord of the Rings’ y ‘King Kong’.

Además, Jackson compartirá con Rick Baker una sesión especial dedicada precisamente a ‘King Kong’. Baker, ganador de siete premios Oscar al mejor maquillaje y Premio Màquina del Temps en Sitges en 2015, ha sido responsable de algunas de las criaturas y transformaciones más importantes de la historia del cine de efectos especiales.

‘El ser querido’, ‘Los domingos’ y ‘La bola negra’, las tres películas españolas preseleccionadas para los Oscar 2027

El 16 de septiembre conoceremos el titulo definitivo

La Academia de Cine ya ha dado a conocer las tres películas españolas que continúan en la carrera para representar a España en la 99ª edición de los Premios Oscar en la categoría de Mejor Película Internacional. ‘El ser querido’, de Rodrigo Sorogoyen; ‘Los domingos’, de Alauda Ruiz de Azúa; y ‘La bola negra’, de Javier Calvo y Javier Ambrossi, son los tres títulos preseleccionados.

La actriz Miriam Garlo, ganadora del Goya a Mejor Actriz Revelación por ‘Sorda’ y primera actriz sorda en conseguir el galardón, ha sido la encargada de desvelar los tres títulos durante el acto celebrado este jueves 3 de septiembre en la Academia de Cine, acompañada por su presidente, Fernando Méndez-Leite y la notaria Eva Fernández Medina.

La elección supone el primer paso en el proceso que determinará qué película representará finalmente al cine español ante la Academia de Hollywood. El próximo 16 de septiembre se anunciará cuál de las tres será la candidata española a Mejor Película Internacional.

La terna confirma, además, una de las quinielas que más fuerza había cobrado durante las últimas semanas. ‘El ser querido’, ‘Los domingos’ y ‘La bola negra’ partían como tres de las producciones con mayores posibilidades gracias a su recorrido en festivales, el reconocimiento obtenido y el peso de sus respectivos cineastas.

‘El ser querido’, de Rodrigo Sorogoyen

Rodrigo Sorogoyen vuelve a situarse en la carrera por el Oscar con ‘El ser querido’, un drama protagonizado por Javier Bardem y Victoria Luengo y escrito por el director junto a Isabel Peña.

La película gira alrededor de Esteban Martínez, un prestigioso director de cine marcado por un pasado de violencia y excesos, que ofrece a su hija Emilia un papel en su nueva película con la intención de impulsar su carrera como actriz. El rodaje propicia un reencuentro entre ambos, pero también hace aflorar las heridas de una relación familiar rota. (Movistar Plus⁠)

‘El ser querido’ tuvo presencia en el Festival de Cannes y llegó a los cines españoles el pasado 26 de agosto, pocos días antes de conocerse la terna definitiva. La película supone además el regreso de Sorogoyen a la competición por el Oscar después de que ‘As bestas’ fuese seleccionada por España para los premios de 2023.

‘Los domingos’, de Alauda Ruiz de Azúa

La segunda integrante de la terna es ‘Los domingos’, la segunda película de Alauda Ruiz de Azúa después de su debut con ‘Cinco lobitos’.

La historia sigue a Ainara, una joven de 17 años brillante e idealista que sorprende a su familia cuando anuncia que se siente cada vez más cerca de Dios y se plantea ingresar en un convento de clausura. La decisión provoca un profundo conflicto familiar y obliga a todos sus miembros a enfrentarse a sus propias convicciones. (Premios Goya⁠)

La película llega a esta carrera con un respaldo especialmente contundente dentro del cine español. ‘Los domingos’ ganó la Concha de Oro a la Mejor Película en el Festival de San Sebastián y posteriormente consiguió cinco Premios Goya, incluyendo Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Guion Original para Ruiz de Azúa. (Premios Goya⁠)

Su recorrido la convierte en una de las candidatas con mayor respaldo de la industria española y en una opción especialmente sólida para representar al país en Hollywood.

‘La bola negra’, de Los Javis

Completa la terna ‘La bola negra’, la ambiciosa segunda película dirigida por Javier Calvo y Javier Ambrossi, Los Javis.

La película narra las vidas interconectadas de tres hombres pertenecientes a tres épocas diferentes, unidas por el deseo, la sexualidad, el dolor, la memoria y la herencia. El hilo conductor es una obra inacabada de Federico García Lorca. El reparto está encabezado por Guitarricadelafuente, Miguel Bernardeau, Carlos González, Lola Dueñas, Penélope Cruz y Glenn Close. (Movistar Plus⁠)

‘La bola negra’ llega a la carrera por el Oscar con un importante aval internacional. Los Javis ganaron el Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Cannes 2026, compartido ex aequo con Paweł Pawlikowski por ‘Fatherland’. (RTVE.es⁠)

La película, que toma su título de una obra inacabada de García Lorca y cuenta con un guion firmado por Calvo, Ambrossi y Alberto Conejero, tendrá además su estreno español en el Festival de San Sebastián antes de llegar a las salas comerciales. (Festival de San Sebastián⁠)

Una carrera que se decidirá el 16 de septiembre

Con los tres títulos ya seleccionados, comienza ahora la segunda fase del proceso. Los académicos deberán decidir cuál de estas películas será finalmente la representante de España en la categoría de Mejor Película Internacional de los Oscar 2027.

El nombre definitivo se conocerá el 16 de septiembre, cuando la Academia de Cine anuncie cuál de las tres candidatas recibe el respaldo final.

La decisión deja fuera de la terna a otras películas que también habían sonado con fuerza durante las últimas semanas, entre ellas ‘Amarga Navidad’, de Pedro Almodóvar, una de las grandes apuestas españolas de la temporada internacional.

España conocerá así dentro de apenas dos semanas qué película emprenderá oficialmente el camino hacia Hollywood, en una temporada especialmente prometedora para el cine español gracias al recorrido internacional de títulos como ‘La bola negra’, ‘El ser querido’ y ‘Los domingos’.

‘Gatibu, agur esan barik’ tendrá su estreno mundial en el Festival de San Sebastián

El documental de Jabi Elortegi sobre la despedida de la banda vizcaína competirá por el Premio Irizar al Cine Vasco

‘Gatibu, agur esan barik / Gatibu, sin decir adiós’, el documental dirigido por Jabi Elortegi sobre la despedida de la banda de rock Gatibu, tendrá su estreno mundial en la 74ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. La película formará parte de Zinemira, sección dedicada al cine vasco, y competirá por el Premio Irizar al Cine Vasco.

La producción acompaña a los integrantes de Gatibu durante la gira con la que pusieron fin a 25 años de trayectoria, recorriendo algunos de los momentos más importantes de esta despedida. Entre ellos se encuentran los grandes conciertos celebrados en Gernika y las tres actuaciones consecutivas con todas las entradas agotadas en el BEC-Bizkaia Arena, pero también espacios más íntimos vinculados a la historia de la formación.

Un recorrido por 25 años de historia

‘Gatibu, agur esan barik’ no se limita a documentar los últimos conciertos de la banda. El documental utiliza esta gira como punto de partida para reconstruir una trayectoria marcada por once discos, más de 800 conciertos y canciones que han pasado a formar parte de la memoria colectiva de varias generaciones.

El recorrido incluye lugares con un significado especial para el grupo, como el bar Zeppelin, donde tuvieron lugar sus primeros encuentros; Urepel, localidad que dio nombre a su primera canción; o Boise.

La película aborda también cuestiones relacionadas con el paso del tiempo, los cambios personales y colectivos, la madurez y la necesidad de saber cuándo y cómo decir adiós. Para ello, la propuesta combina imágenes de conciertos, material de archivo, momentos de backstage y entrevistas personales con los integrantes de Gatibu y personas de su entorno.

El director Jabi Elortegi resume la intención del proyecto como una celebración más que como una despedida: «No queríamos hacer un funeral, sino una celebración». El realizador señala que las canciones de Gatibu han acompañado a muchas personas en momentos importantes de sus vidas y que la película busca trasladar esa dimensión emocional y cercana.

Jabi Elortegi se pone al frente del documental

Jabi Elortegi dirige y escribe la película, con Itziar Zeberio y el propio realizador como productores ejecutivos. La dirección de fotografía corre a cargo de Lander Andonegi, mientras que Hannot Mintegia firma el montaje y la música original. Asier Renteria se encarga del diseño de sonido.

‘Gatibu, agur esan barik’ es una producción de Pausoka Entertainment y llegará próximamente a los cines de la mano de Atera Films.

Elortegi (Bermeo, 1969) es director, guionista y productor y socio de Pausoka. Su trayectoria incluye tanto ficción como no ficción y televisión. Entre sus largometrajes se encuentran ‘Zorion perfektua’, presentado en Zabaltegi-Nuevos Directores del Festival de San Sebastián en 2009, y ‘El vasco’, que formó parte de Zinemira en 2022.

También ha dirigido los documentales ‘Galerna. The Unknown Storm’ y ‘1983. Euskadi inundada’, además de series como ‘Goenkale’, ‘Go!azen’, ‘Aitaren Etxea’, ‘Ihesaldia’ y ‘Desaparecido’.

Sinopsis

Tras 25 años de trayectoria, Gatibu se despide de los escenarios convertido en la banda sonora de toda una generación. El documental acompaña a sus integrantes durante esta última gira, captando momentos clave y pasajes íntimos cargados de emoción. Más allá de la crónica de una gira, la película reflexiona sobre el paso del tiempo, la transformación personal y colectiva, la madurez y la importancia de saber decir adiós.

Nuevo tráiler de ‘Street Fighter’

La película inaugura el «World Warrior Tour» en Japón

Paramount Pictures y Legendary Entertainment han presentado en Tokio el primer tráiler de ‘Street Fighter’, la nueva adaptación cinematográfica del popular videojuego de lucha. El lanzamiento ha dado además el pistoletazo de salida a la gira mundial «World Warrior Tour», que llevará la promoción de la película por diferentes territorios.

El tráiler se ha proyectado este martes 1 de septiembre en las pantallas de Shinjuku Yunika Vision, en Tokio, en un evento que ha contado con la presencia de parte del reparto y del equipo de la película.

‘Street Fighter’ arranca su gira mundial en Tokio

Las estrellas Noah Centineo, Andrew Koji, Callina Liang y Jason Momoa participaron en el evento junto al actor local y luchador profesional Hirooki Goto, la actriz de doblaje japonesa Eiko Kano, el director Kitao Sakurai y Takayuki Nakayama, director del videojuego ‘Street Fighter’.

El acto ha servido para inaugurar oficialmente el «World Warrior Tour», una campaña promocional internacional vinculada a la nueva película basada en la popular franquicia de Capcom.

Un tráiler que también se puede jugar

Una de las grandes novedades del lanzamiento es que el primer tráiler de ‘Street Fighter’ no se limita a mostrar imágenes de la película. Paramount Pictures y Legendary Entertainment han presentado en YouTube un tráiler de largometraje completamente jugable.

La propuesta invita a los espectadores a avanzar por el propio tráiler mientras luchan, convirtiendo el visionado en una experiencia interactiva vinculada al universo del videojuego. De esta manera, el lanzamiento pretende trasladar una de las principales características de ‘Street Fighter’, sus combates, al propio formato promocional de la película.

El estreno del tráiler jugable coincide con el comienzo de la gira mundial «World Warrior Tour» en Japón y supone una nueva apuesta por convertir la campaña de promoción de la película en una experiencia para los seguidores de la franquicia.

‘Street Fighter’, camino a los cines

La nueva película de ‘Street Fighter’ supone el regreso a la gran pantalla de una de las franquicias de videojuegos de lucha más conocidas. El proyecto está protagonizado por Noah Centineo, Andrew Koji, Callina Liang y Jason Momoa, entre otros intérpretes.

Paramount Pictures y Legendary Entertainment continuarán ahora con la gira internacional «World Warrior Tour», mientras los fans pueden descubrir el primer adelanto de la película a través de este nuevo tráiler interactivo.

SYFY se convierte en SciFi en España el 1 de octubre de 2026


Lo veremos como SciFi en España a partir del 1 de octubre con una nueva imagen y más estrenos

El canal especializado en ciencia ficción y entretenimiento fantástico SYFY cambiará de nombre en España y pasará a llamarse SciFi a partir del próximo 1 de octubre de 2026. El cambio vendrá acompañado de una nueva identidad visual y una programación de otoño que mantendrá la apuesta de la cadena por las series de género, el cine fantástico y las actividades dirigidas a los aficionados.

La renovación permitirá además al canal alinear su identidad en España con la presencia de la marca SciFi en otros mercados europeos, aunque mantendrá su apuesta por los contenidos que han convertido a SYFY en uno de los referentes televisivos para los aficionados a la ciencia ficción, la fantasía y el terror.

SciFi toma el relevo de SYFY con una nueva programación

La transformación de SYFY en SciFi se producirá el 1 de octubre, coincidiendo con el estreno de una nueva identidad para el canal. La compañía asegura que, pese al cambio de nombre e imagen, se mantendrá la esencia de su propuesta, con historias de ciencia ficción, aventuras espaciales, fantasía, misterios sobrenaturales y otras producciones vinculadas al entretenimiento de género.

La programación de otoño comenzará incluso antes del cambio de marca. El 7 de septiembre se estrenará ‘Crookhaven’, serie ambientada en una escuela muy particular en la que jóvenes delincuentes con habilidades especiales reciben formación para utilizar sus capacidades con fines positivos.

El gran estreno que acompañará al lanzamiento de SciFi será ‘The Ark’, que regresará con su tercera temporada el 1 de octubre. La serie de aventuras espaciales está producida por Dean Devlin, conocido por su trabajo como productor, guionista y director dentro del cine y la televisión de género.

Precisamente Devlin tendrá una presencia destacada en San Diego Comic-Con Málaga, que se celebrará del 1 al 4 de octubre. El creador participará en diferentes actividades destinadas a fans y prensa relacionadas con ‘The Ark’ y ‘The Librarians: The Next Chapter’, reforzando la apuesta de SciFi por la cultura fan.

El calendario continuará el 19 de octubre con el estreno de ‘The Killings at Parrish Station’, un thriller que combina misterio, crimen y drama, mientras que en noviembre llegará la segunda temporada de ‘The Librarians: The Next Chapter’, que continuará las aventuras de una nueva generación de Bibliotecarios.

La oferta se completará con ‘SciFi Games’, producción original dedicada al mundo del gaming, el entretenimiento y la cultura de género, con la que el canal pretende mantener su conexión con la comunidad de aficionados.

Ciencia ficción, terror y fantasía también en el cine

Además de las nuevas series, la llegada de SciFi vendrá acompañada de una programación cinematográfica centrada en algunos de los grandes títulos de la ciencia ficción, el terror y la fantasía.

Durante el último trimestre del año, el canal ofrecerá películas como ‘Dune: Parte Uno’, la trilogía de ‘El planeta de los simios’, ‘IT’, ‘Blade’ y ‘Furia de titanes’.

De esta manera, SciFi pretende mantener una oferta que combine los estrenos televisivos con títulos cinematográficos reconocibles para los seguidores del género.

Gorka Villar, VP of Marketing, EMEA & Country Lead, Iberia, de NBCUniversal International Networks & DTC, considera que la transformación de SYFY en SciFi supone una evolución natural de la marca y permitirá equiparar la identidad española con la existente en otros mercados europeos.

El cambio de nombre se hará efectivo el 1 de octubre de 2026, fecha a partir de la cual SciFi asumirá oficialmente la identidad de SYFY en España.

Sitges 2026 anuncia nuevos títulos de Panorama, Midnight X-treme y Brigadoon


El festival concede el Premio Nosferatu a Bárbara Rey

El Festival de Sitges continúa desvelando la programación de su 59.ª edición con una nueva batería de títulos que se incorporan a Panorama, Midnight X-treme y Brigadoon, tres de las secciones más vinculadas al cine fantástico, el terror y las propuestas más extremas del certamen. Además, el festival ha anunciado que Bárbara Rey recibirá el Premio Nosferatu en reconocimiento a su trayectoria dentro del fantástico español.

La nueva tanda de películas confirma la amplitud de una edición que volverá a recorrer diferentes territorios del género, desde el terror familiar y sobrenatural hasta las criaturas monstruosas, el gore, la supervivencia, el cine de culto y las propuestas más experimentales.

Panorama apuesta por el terror familiar y la supervivencia

La sección Panorama incorpora una amplia selección de títulos independientes en los que los vínculos familiares, los traumas del pasado y el miedo asociado al entorno doméstico adquieren un especial protagonismo.

Entre las nuevas películas se encuentra ‘Posthumous’, de Josh Tanner, centrada en una joven que regresa a la casa donde pasó su infancia y descubre unas cintas que contienen una terrorífica información relacionada con sus primeros años y la muerte de su madre. También explora los traumas familiares ‘Rock Springs’, debut en el largometraje de Vera Miao, que combina drama familiar y terror sobrenatural a través de una familia que se instala en una nueva casa tras sufrir una tragedia.

El miedo a perder a un hijo aparece en ‘Impostores’, de Caleb Phillips, donde un padre comienza a sospechar que el niño que ha regresado después de un secuestro no es realmente su hijo. Una pareja sin hijos protagoniza ‘Only Child’, de Bálint Szentgyörgyi, mientras que ‘Ferine’, de Andrea Corsini, aborda la transformación de una mujer que, después de sufrir una pérdida, despierta una naturaleza primitiva y violenta.

La maternidad desde una perspectiva oscura será el eje de ‘La mala madre’, ópera prima de Alicia Albares, mientras que ‘The Eyes’, de Ji-ho Yeom, seguirá a una protagonista empeñada en descubrir la verdad sobre la muerte de su hermana gemela. El terror gótico llegará con ‘The Heretiks’, de Gregg Bishop, sobre una adolescente que debe aliarse con una bruja para salvar a su hermana de un aquelarre.

Panorama también llevará el terror a escenarios menos habituales. ‘American Dollhouse’, de John Valley, convierte la Navidad en una pesadilla; ‘What Happened to Doris?’, de Nick Simon, se adentra en el terreno paranormal; y ‘The Saviors’, de Kevin Hamedani, parte de una pareja que alquila su garaje a unos misteriosos inquilinos.

Entre las propuestas más extremas aparecen ‘Forbidden Fruits’, de Meredith Alloway, que mezcla terror y comedia alrededor de un culto secreto de brujas, y ‘Abandoned’, de Joby Stephens, una película de found footage protagonizada por dos exploradores que llegan a una instalación abandonada marcada por experimentos siniestros.

El instinto de supervivencia también tendrá un papel destacado en ‘No Way Down’, de Mohamed Chabane y Théo Jourdain, donde cuatro amigos intentan escapar de un edificio abandonado en el que cada planta esconde un terror diferente. ‘Oddities’, de Tyler Savage, seguirá a dos amigos que, tras matar accidentalmente a su camello, terminan en una inquietante tienda de carretera.

El aislamiento marcará ‘Breeder’, de Alex Goyette, ambientada en un rancho perdido, y ‘Bloody Tennis’, de Nikias Chryssos, que trasladará el terror a una elitista academia de tenis situada en el sur de Europa.

El agua y la naturaleza también serán fuentes de amenaza. ‘Salmokji: Whispering Water’, de Sang-min Lee, llevará a un equipo de rodaje hasta un embalse donde pretende actualizar unas imágenes de una figura no identificada. Por su parte, ‘Wash Away’, de Takuya Miyahara, convertirá un remoto complejo turístico junto a un lago en el escenario de una pesadilla relacionada con las propiedades purificadoras del agua.

La supervivencia frente a animales salvajes estará presente en ‘Hungry’, de James Nunn, sobre un grupo de turistas perdidos en los humedales de Luisiana que deberá enfrentarse a un hipopótamo descontrolado.

La naturaleza volverá a cobrar protagonismo en ‘Pacífico’, de Gonzalo Gutiérrez, con un grupo de jóvenes atrapados en una isla remota frente a una presencia maligna, mientras que ‘Split Rock’, de Ryan Glover, seguirá a unos geólogos atrapados por una fuerza destructiva. ‘Ithaqua’, de Casey Walker, trasladará la acción a un pequeño pueblo canadiense durante la decadencia del comercio de pieles.

Panorama también explorará la frontera entre realidad y ficción. En ‘Big Baby’, Spider One presenta a un guionista de terror que encuentra inspiración en un sueño sobre un asesino, aunque progresivamente su ficción empieza a mezclarse con su propia vida. ‘Grind’, codirigida por Brea Grant, Ed Dougherty y Chelsea Stardust, recurrirá al horror antológico para abordar cuestiones como la economía colaborativa, la cultura del esfuerzo y los excesos del capitalismo.

Desde Indonesia llegará ‘Sleep No More’, de Edwin, una propuesta que mezcla horror y fantasía con una mirada crítica hacia la explotación laboral.

El fantástico también tendrá su espacio con ‘The Fox’, de Dario Russo, un cuento oscuro y humorístico protagonizado por un cazador y un zorro parlante, mientras que ‘Trauma or, Monsters All’, de Larry Fessenden, cerrará la cuatrilogía de películas de monstruos desarrollada por el cineasta.

La sección contará además con dos sesiones especiales. El homenaje a Takashi Shimizu incluirá ‘Village of Eight Gravestones’, mientras que ‘The Tale of the Crimson Oni’, de Hidenori Inoue, narrará el reencuentro de una familia separada en una tierra oculta habitada por oni.

Midnight X-treme apuesta por monstruos, criaturas y terror sin filtros

La sección Midnight X-treme volverá a reunir algunas de las propuestas más salvajes y transgresoras del fantástico. En esta ocasión, las criaturas tendrán una presencia especialmente destacada.

Desde Japón llegará ‘Higuma! The Killer Bear’, de Eisuke Naito, que recupera la tradición del animal asesino a través de un gigantesco oso. ‘Gator Face’, de Padraig Reynolds, presentará a un asesino con máscara de caimán al frente de una terrorífica secta, mientras que ‘Hotspring Shark Attack: Great Kyushu Showdown’, de Morito Inoue, combinará monstruos, acción y humor en una nueva batalla acuática.

La fauna monstruosa continuará con ‘Frogman Returns’, de Anthony Cousins, y ‘Black Sheep’, de Jonathan King, que recuperará el terror animal a través de unas ovejas modificadas genéticamente.

La ciencia ficción y el body horror estarán representados por ‘Mum, I’m Alien Pregnant’, de Thunderlips, y ‘Insectasy’, de Angus Silver. Por su parte, ‘FLAPJAX’, de Rocko Zevenbergen, apostará por una combinación de excentricidad y humor.

‘Astrolatry’, de David Gordon, llevará la obsesión hacia terrenos violentos con una historia que termina dando lugar a una criatura asesina.

Midnight X-treme tampoco se olvidará del terror más contemporáneo. ‘Corporate Retreat’, de Aaron Fisher, transformará un encuentro empresarial en una lucha sangrienta por la supervivencia, mientras que ‘Kick On’, de Nick Kozakis, encerrará a un grupo de adolescentes en el escondite del hijo de un mafioso.

El cine asiático aportará algunas de las propuestas más singulares de la sección. ‘Get Undressed’, de Seji Chiba, enfrentará a un grupo de antiguas amigas con los espíritus de un antiguo lugar de ejecuciones. ‘The Tao Exorcist’, de Chiou Hau-jou, seguirá a un joven capaz de percibir espíritus, y ‘Kung Fu Deadly’, de Fergal Costello, mezclará fantasía, acción y violencia.

El terror sobrenatural estará representado por ‘The Demon Among Us’, de Claudio Fragasso, sobre dos sacerdotes que investigan unas muertes misteriosas en un convento, y ‘UNholy Night’, de Michael Gabriele, que combinará demonios, Navidad y una sangrienta matanza.

El calendario festivo continuará con ‘Hallowarrior’, de Ben Sottak, protagonizada por una superviviente postapocalíptica obsesionada con Halloween, e ‘I Love Paris’, de Nicky Murphy, sobre una cantante parisina que se convierte en vampira.

Por último, Daniel Goldhaber reinterpretará ‘Faces of Death’, trasladando su historia al entorno de una moderadora de una plataforma de vídeos que descubre un grupo dedicado a recrear asesinatos de una antigua película.

Brigadoon cumple 40 años y homenajea a Bárbara Rey

Una de las noticias más destacadas de este nuevo anuncio es el 40.º aniversario de Brigadoon, sección que desde 1986 se ha dedicado a recuperar y reivindicar películas, autores y movimientos vinculados al cine fantástico y de terror.

En el marco de esta celebración, el festival concederá el Premio Nosferatu a Bárbara Rey, reconociendo su trayectoria y su vinculación con el fantástico español.

La actriz participó en algunas producciones fundamentales del cine fantástico y de terror realizado en España durante los años setenta. Entre ellas se encuentra ‘El buque maldito’ (1974), de Amando de Ossorio, una de las figuras esenciales del denominado Fanterror. Rey volvería a trabajar con el director en ‘La noche de los brujos’ (1974).

Su recorrido por géneros próximos al fantástico incluye también ‘La muerte ronda a Mónica’ (1977), de Ramón Fernández; ‘Carne apaleada’ (1977), de Javier Aguirre, y ‘Rostros’ (1978), de Juan Ignacio Galván.

Brigadoon continuará además con una de sus señas de identidad: la recuperación de la memoria del género a través del documental.

Entre las propuestas de esta edición se encuentra ‘Francesco Barilli – Il cinema e la follia’, de Luca Magri, centrado en la trayectoria artística y personal de Barilli, y ‘Gli anni d’oro di Dario Argento’, de Luigi Cozzi, construido alrededor de una extensa entrevista con el maestro del giallo.

El cine español tendrá representación con ‘Forqué, el oficio de hacer cine’, de Rafael Maluenda y Gaizka Urresti, mientras que ‘Mockbuster’, de Anthony Frith, seguirá la realización de un documental sobre una película de dinosaurios de serie B que termina sumida en el caos.

‘Scum of the Earth: Creating America’s Rural Communities of Horror’, de Xavier Mendik, analizará la representación de las comunidades rurales en el terror estadounidense, mientras que ‘Gli ultimi di noi’, de Giorgio Bruno, reunirá a Sergio Martino, Ruggero Deodato y al periodista y crítico Davide Pulici.

La ficción independiente también tendrá presencia en Brigadoon. ‘The Barn Part III’, de Justin M. Seaman, continuará la historia iniciada en las anteriores entregas; ‘The Rider: Burning Chrome’, de Justin Stillmaker, presentará un mundo donde matar se convierte en una forma de supervivencia, y ‘Blood Barn’, de Gabriel Bernini, llevará lo sobrenatural a una fiesta juvenil.

Finalmente, Spanish Archives recuperará dos títulos dentro de las sesiones ‘In Glorious VHS’: ‘Sexy Cat’, de Julio Pérez Tabernero, y ‘Operación Mantis (El exterminio del macho)’, de Jacinto Molina.

Con esta nueva tanda de anuncios, Sitges 2026 continúa dando forma a una programación que vuelve a apostar por la diversidad del fantástico, desde las nuevas voces del terror independiente hasta el cine extremo, las criaturas, el fantástico español y la recuperación del patrimonio cinematográfico del género.

Análisis del Blu-ray de ‘Super Mario Galaxy. La película’

Un festín de color, animación y nostalgia

Una de las cintas que ha llegado a nuestras casas gracias a Arvi Licensing es ‘Super Mario Galaxy. La película’. Las nuevas aventuras de Mario, Luigi y por supuesto Peach. A todo esto, el malvado Bowser se dará cuenta que tiene corazoncito gracias a Bowsy, su hijo. Y conoceremos a Estela.

Una película habla de la familia de muchas maneras, de la amistad y también, nos muestra con cariño muchos guiños a todos los videojuegos de Super Mario Bros.

Esta edición en Blu-ray contiene un montón de extras, con los directores, guionistas, actores y también el equipo de animación. Japón, Francia, Estados Unidos se unen para dar vida a este universo lleno de luz y color. Una fantasía para los ojos de los más pequeños y también de los mayores que hemos crecido con estos videojuegos.

Sin más os dejamos con la galería de esta edición de Blu-ray. A continuación de ésta tenemos la ficha técnica y también los extras de la película. Además, un pequeño vídeo con la edición.

Ficha técnica

Imagen: 2.39:1 Widescreen

Idiomas: Dolby Digital Plus 7.1: Castellano, Catalán, Danés, Finés, Noruego, Sueco / Dolby Atmos: Inglés.

Subtítulos: Castellano, Catalán, Inglés para sordos, Danés, Finés, Noruego y Sueco.

Extras (1h. aprox.)

Siguiente nivel: Cómo se hizo ‘Super Mario Galaxy La Película’. (15:03 min.)

Vemos a los diferentes creadores de la película, videojuegos y animadores. La cinta tiene un trabajo por detrás de las cámaras increíble y la verdad que se nota que han trabajado mucho en equipo y que han disfrutado muchísimo.

Selección de Personajes (22:28 min)

Dividido en cuatro pequeñas entrevistas con dos personajes cada una de ellas, vemos a los actores que ponen voces a sus personajes. Escuchamos a Chris Pratt y Charlie Day como Mario y Luigi. Brie Larson y Anya Taylor-Joy, como Estela y Peach. Jack Black y Benny Safdie, como Bowser y Bowsy. Y para terminar a Keegan-Michael Key y Donald Glover como Toad y Yoshi. Aunque Donald Glover no le vemos en los extras.

  • Mario y Luigi
  • Peach y Estela
  • Bowser y Bowsy
  • Toad y Yoshi

Explorando la galaxia (10:28 min)

Lo que han disfrutado añadiendo color e imaginación a este mundo. Dando vida a una galaxia totalmente inventada y llenando de vida todo un gran espacio.

Temáticas galácticas (05:17 min.)

Nos cuentan la importancia de la familia en esta película a través de todos los personajes.

Canciones Cósmicas (3:32 min)

Brian Tyler (‘Transformer one’), es el encargado de que volvamos a escuchar las melodías de Super Mario de una manera diferente y moderna, por supuesto sin perder ni un punto de su esencia.

Potenciadores (02:21 min.)

Lo que han disfrutado buscando y añadiendo los distintos potenciadores que vemos en los distintos videojuegos a la película. Nos van hablando del favorito de cada uno.

Secretos de la galaxia (02:45 min.)

Aquí vamos viendo los distintos guiños que aparecen en la película de todos los videojuegos de Super Mario Bros. Algunos evidentes, otros escondidos.

Crítica: ‘Dulce sabor a muerte’

En qué plataforma ver Dulce sabor a muerte

Eli Roth y su versión gore de ‘Quién puede matar a un niño’

Eli Roth nunca ha sido precisamente un cineasta interesado en pedir permiso. Desde ‘Cabin Fever’ hasta ‘Hostel’ o ‘Black Friday’, su cine ha entendido el terror como un parque de atracciones particularmente desagradable, donde la sangre, los cuerpos mutilados y el humor macabro forman parte del mismo juego. ‘Dulce sabor a muerte’ continúa exactamente por ese camino, aunque llega acompañada de una polémica que resulta imposible separar completamente de la película.

Roth se ha ganado enemigos por sus posicionamientos públicos sobre Palestina y, ahora, también puede recibir críticas desde otro frente: el uso de inteligencia artificial. El problema no es únicamente utilizar esta herramienta, una cuestión ya suficientemente controvertida en la industria, sino la manera en que se comunicó inicialmente. El director explicó que las animaciones con estética de los años veinte procedían de un trabajo artesanal que él mismo había dibujado y desarrollado junto a animadores. Posteriormente tuvo que recular en sus declaraciones y admitir que la IA había intervenido en una pequeña parte de algunas escenas animadas. También se percibe en la escena de la avalancha desde el columpio. La presencia de Dark Half en los créditos, compañía especializada en efectos visuales con IA, en los créditos alimentó todavía más la controversia.

La cuestión resulta especialmente llamativa y contradictoria porque ‘Dulce sabor a muerte’ presume de una filosofía muy física. Hay prótesis, cabezas y manos de plástico, litros de líquido rojo (más que en la Tomatina) y unas tripas cuyo sonido parece directamente el de unos macarrones con bechamel. Roth vuelve a reivindicar el gore artesanal, genera suspicacias entre los más recatados y mantiene una filosofía que hoy en día parece regresar gracias a sagas como ‘Terrifier’.

Un festival de barbaridades con aroma a serie B

Al margen de la polémica, ¿qué tal funciona ‘Dulce sabor a muerte’ como producto de entretenimiento macabro? Pues bastante mejor cuando se abandona cualquier pretensión de solemnidad. La película es una broma de muy mal gusto convertida en festival de barbaridades. Hay momentos en los que Roth parece estar rodando un sketch de ‘Scary Movie’ y otros en los que parece rendir homenaje a las películas de serie B más desquiciadas, con ‘Troll 2’, ‘The dentist’ o ‘The Stuff’ como espíritu perfectamente reconocible.

El heladero macabro tampoco es una invención de Roth. El terror estadounidense ya había explotado anteriormente esa figura aparentemente inocente, incluso en ‘Masters of Horror’, donde Tom Holland dirigió el episodio ‘We All Scream for Ice Cream’. Por tanto, el vendedor de helados siniestro forma parte de un imaginario bastante más amplio.

También resulta inevitable pensar en ‘¿Quién puede matar a un niño?’, una referencia que Roth ha reconocido como fundamental. El director ha explicado en numerosas ocasiones hasta qué punto le fascina la película de Chicho Ibáñez Serrador, hasta el punto de que durante años consideró que acercarse al tema de los niños asesinos después de aquel clásico era casi imposible.

De ahí que las comparaciones con ‘Weapons’ sean comprensibles, aunque yo situaría ‘Dulce sabor a muerte’ más cerca del espíritu de ‘Terrifier’. No porque Roth pretenda subirse ahora al carro del éxito del gore slasher, sino porque lleva décadas jugando en ese terreno. De hecho, ha reconocido que el impacto de ‘Terrifier 3’ ayudó a demostrar que existía público para películas extremas proyectadas en salas comerciales.

Cuando el tercer acto derrite la película

El problema llega cuando Roth intenta convertir esta orgía de asesinatos en algo más parecido a una historia convencional. Mientras ‘Dulce sabor a muerte’ funciona como sucesión de atrocidades, humor negro y criaturas infantiles convertidas en pequeñas máquinas de matar, mantiene una identidad muy clara. Cuando llega el momento de frenar el caos y explicar qué está ocurriendo y por qué, todo se vuelve bastante más ridículo de lo que probablemente pretendía.

Ahí la película se desinfla considerablemente. Lo que parecía una decisión consciente de abrazar el absurdo termina pareciendo una explicación demasiado vaga para justificar todo el caos anterior. El tercer acto no está a la altura de la carnicería que lo precede y deja un sabor de boca bastante peor del que debería tener una película que, en esencia, prometía poco más que una masacre sin complejos. Incluso existe una escena tras los créditos que podría interpretarse como una puerta abierta a futuras historias (aunque también funciona perfectamente como último gag). La película queda como una gamberrada irregular pero coherente con el cine de Eli Roth. Su falta de sutileza es deliberada y sus excesos constituyen buena parte de su encanto. Lástima que, cuando decide explicar demasiado, termine descubriendo que detrás de tanta sangre no había una idea tan jugosa como el propio helado.

Ficha de ‘Dulce sabor a muerte’

Estreno en España: 4 de septiembre de 2026. Título original: Ice Cream Man. Duración: 86 min. País: EE.UU. Dirección: Eli Roth. Guion: Noah Nelson, Eli Roth, Noah Belson. Música: Brandon Roberts. Fotografía: Simon Shohet. Reparto principal: Ari Millen, Benjamin Byron Davis, Eli Roth, Karen Cliche, Dylan Hawco, Sarah Abbott, Shiloh O’Reilly, Kiori Mirza Waldman, Charlie Zeltzer, Charlie Storey. Producción: The Horror Section, MCT Studios, Head Gear Films, Sixth Dimension, Metrol Technology, Mass Appeal, Dentsu. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial.

Crítica: ‘Batman: Knightfall Part 1 – Knightfall’

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Una adaptación que mantiene intacto el clásico pero que no teme romper al héroe

Hay historias de Batman que forman parte del imaginario colectivo incluso para quienes jamás han abierto un cómic del personaje. ‘Batman: Knightfall’ es una de ellas. Publicada por DC Comics entre 1993 y 1994, la saga se articuló en tres grandes arcos (Knightfall, Knightquest y KnightsEnd) y ahora recibe una adaptación animada dividida también en tres entregas. La segunda llegará en 2026 y la tercera está prevista para 2027, por lo que, si no hay cambios, tendremos la trilogía completa antes de terminar el año que viene.

Jeff Wamester, responsable de buena parte de la animación superheroica reciente de DC y director de ‘Justice League: Crisis on Infinite Earths’, ‘Justice League: Warworld’ o ‘Green Lantern: Beware My Power’, se enfrenta aquí a uno de esos relatos que exigen conocer bien las posibilidades del personaje. También tiene experiencia en Marvel, donde trabajó en producciones como ‘Guardians of the Galaxy’, mientras que en ‘The Legend of Vox Machina’ participó como diseñador de personajes.

El resultado es una adaptación extraordinariamente fiel al espíritu del cómic, hasta el punto de que resulta inevitable encontrar paralelismos con ‘The Dark Knight Rises’. Hay un Batman agotado, una amenaza física aparentemente imposible de detener, un enemigo que conoce cómo llevarlo hasta el límite y una ciudad convertida en campo de batalla. Sobre todo se acerca a la película de Nolan a la hora de centrarse en el villano, Bane. Pero aquí está la diferencia fundamental: ‘Batman: Knightfall Part 1 – Knightfall’ no tiene que contenerse dentro de las reglas del cine de acción real ni de las exigencias de un actor o un estudio que puede querer continuar con la franquicia. Puede llegar hasta donde el cómic quería llegar y, sobre todo, puede ser mucho más cruel con Bruce Wayne.

Bane, Robin y el legado del murciélago

Porque esta no es solamente una historia sobre cómo derrotar a Batman. Es, en buena medida, una historia sobre qué queda de Batman cuando Batman ya no puede ejercer como Batman.

La cuestión de si el héroe debe matar vuelve a aparecer, como es habitual, pero el verdadero corazón de la película está en el legado. ¿Qué ocurre cuando una persona ha construido toda su identidad alrededor de una misión y esa misión deja de estar en sus manos? ¿Quién puede ocupar su lugar? ¿Y qué precio tiene convertir a un símbolo en una responsabilidad que otros deben cargar?

El filme es toda una antesala para algo que a muchos les cuesta asimilar, que Batman envejece y antes o después ha de ceder el testigo. Y para dar voz a todo ese discurso crepuscular se ha contado con una nueva voz. Si con la serie de Batman de Prime Video hablábamos del buen trabajo de Hamish Linklater en lugar del fallecido Kevin Conroy, en este caso toca hablar de Anson Mount ejerciendo de Batman. ¿Qué tal lo hace? No está mal, va por los derroteros del Batman de Affleck, de hecho hasta Bruce Wayne se le parece, pero no nos encontramos con la mejor voz de Batman. El actor retoma la tarea que ejerció en 2021 con ‘Injustice: Dioses entre nosotros’ y cumple el encargo.

Y es que este filme no trata únicamente del hombre murciélago. Ahí entra una de las grandes virtudes de esta adaptación: además de funcionar como una historia de caída, funciona como una historia de orígenes. Bane adquiere una dimensión mucho mayor que la de simple monstruo físico. El filme se detiene en su pasado y permite comprender cómo se ha construido el hombre que finalmente llega a Gotham para quebrar al Caballero Oscuro. Michael Mando encuentra una voz grave y algo enlatada, amenazante y con una presencia formidable. También destaca David Dastmalchian como Nygma, mientras Jack Giffin consigue que Tim Drake sea uno de los Robin más agradecidos de ver en una adaptación animada.

Studio Mir lo cruje con el murciélago

Visualmente, ‘Batman: Knightfall Part 1 – Knightfall’ es un auténtico festín. La animación corre a cargo del estudio surcoreano Studio Mir, responsable de trabajos como ‘The Legend of Korra’, ‘The Witcher: La pesadilla del lobo’, las primeras temporadas de ‘My Adventures with Superman’ y ‘X-Men ’97’. Fundado por Yoo Jae-myung, antiguo director de animación de ‘Avatar: La leyenda de Aang’, el estudio se ha convertido en uno de los grandes nombres de la animación occidental realizada en Corea del Sur.

Aquí su trabajo es especialmente notable en la iluminación, el color y el diseño de personajes. Los rostros tienen dureza, los cuerpos transmiten desgaste y el trazo consigue que Gotham parezca un lugar hostil incluso cuando no está ocurriendo una pelea o luce el sol. Personalmente nunca he sido demasiado fan del Batman de las hombreras puntiagudas, pero aquí funcionan porque forman parte de una estética deliberadamente heredada de los cómics de los noventa.

La suma de animación, montaje, diseño sonoro y una música nada baladí convierte el conjunto en una adaptación potentísima. Además, no estamos ante una producción infantil suavizada: es animación adulta, compleja y bastante salvaje, con violencia sangrienta y escenas especialmente brutales. El giro final, el cliffhanger de esta película así lo demanda.

‘Batman: Knightfall Part 1 – Knightfall’ demuestra una vez más que, cuando DC quiere explorar de verdad a sus personajes, la animación sigue siendo uno de sus territorios más fértiles. Esta primera parte no se limita a romperle los huesos a Batman. Lo más interesante es que empieza a preguntarse qué queda del mito cuando el hombre que lo sostiene ya no puede sostenerlo. Si eres de los que no soportan ver a los héroes recibir palizas o de los que apuntillaste eso con el ‘Superman’ de Jame Gunn, realmente vas a sufrir con este filme.

Ficha de ‘Batman: Knightfall Part 1 – Knightfall’

Estreno en España: 25 de agosto de 2026. Título original: Batman: Knightfall Part 1 – Knightfall. Duración: 78 min. País: EE.UU., Corea del Sur. Dirección: Jeff Wamester. Guion: Jeremy Adams. Música: John Jennings Boyd, Eric V. Hachikian. Reparto principal (doblaje original): Anson Mount, Jack Giffin, Michael Mando, Max Mittelman, David Dastmalchian, Simon Templeman, Mick Wingert, Bruce Boxleitner. Producción: DC Entertaiment, Warner Bros. Animation. Distribución: Pime Video. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial.

Crítica: ‘Black Box: vuelo 298’

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Steven Quale firma un eficaz ejercicio de suspense cósmico

Hay algo casi circular en la carrera de Steven Quale. El realizador dirigió ‘Destino final 5’, una de las entregas de la popular saga iniciada con aquella inolvidable visión premonitoria de un accidente aéreo que marcó a toda una generación de aficionados al fantástico. Entonces el avión era el detonante del relato, pero no fue el escenario principal de su versión. Ahora, con ‘Black Box: vuelo 298’, Quale sitúa prácticamente toda la acción a bordo de un aeroplano que a veces parece que está sobrevolando la colorida y saturadamente iluminada ciudad de Vigo en Navidad. Y demuestra que, incluso con un presupuesto contenido, todavía es posible construir una propuesta entretenida a base de suspense, incertidumbre y una acertada administración del misterio.

El planteamiento puede hacer pensar en una película de terror sobrenatural al uso, pero la realidad es algo distinta. El filme se mueve con mayor comodidad dentro del terreno del terror cósmico, donde la amenaza resulta mucho más inquietante precisamente porque escapa a la comprensión humana. Esa sensación de enfrentarse a algo imposible de racionalizar o a algo tan recientemente cercano como un virus, es la que sostiene buena parte de una historia que, pese a no reinventar el género, sabe dosificar la información para mantener el interés constante.

Quale posee una amplia experiencia como miembro de segundos equipos en grandes producciones, aprovecha las limitaciones espaciales del avión para convertirlas en una virtud narrativa. El resultado recuerda inevitablemente a esos relatos de confinamiento donde el verdadero enemigo es en buena parte la desconfianza. La premisa y solución de la película comparten además un elemento original que lastimosamente no se aprovecha pues de haber presentado todo el filme como metraje encontrado habría resultado más eficiente.

Un misterio que crece gracias a sus personajes

En muchos aspectos, ‘Black Box: vuelo 298’ comparte ADN con ‘La niebla’, de Frank Darabont. Ambas construyen su tensión menos desde el sobresalto inmediato que desde la acumulación progresiva de miedo, paranoia y conflictos entre personas obligadas a convivir en un espacio del que no pueden escapar. Cada nuevo acontecimiento añade una capa de incertidumbre y obliga a replantearse continuamente qué está ocurriendo realmente.

También resulta inevitable pensar en ‘La cosa en la niebla’, de Chedey Reyes, una película reseñada recientemente en este mismo medio. Más allá del evidente elemento fantástico y la ubicación aérea, ambas comparten esa sensación de aislamiento absoluto, donde la amenaza exterior termina contaminando las relaciones internas del grupo. En los dos casos el espectador avanza casi al mismo ritmo que los protagonistas, descubriendo pequeñas piezas de un puzle que nunca termina de mostrar todas sus cartas hasta el desenlace. Incluso la gestión del espacio cerrado y el creciente deterioro psicológico de los personajes generan sensaciones muy similares, pese a sus diferencias de tono.

Tom Brittney sostiene gran parte del peso dramático. Su personaje funciona como punto de referencia para el espectador y, al mismo tiempo, dispone de un pequeño arco emocional que aporta algo más que simples mecanismos de supervivencia. Esa dimensión personal evita que todo quede reducido a una sucesión de situaciones fantásticas y permite que el protagonista evolucione conforme aumenta la amenaza.

El actor británico demuestra suficiente carisma para liderar la función y deja la impresión de estar reclamando oportunidades más allá del circuito televisivo que le ha dado notoriedad con series como ‘Grantchester’ o ‘Los Westies’, conocidas principalmente en sus respectivos mercados. Aquí encuentra un escaparate interesante para demostrar que puede asumir un protagonismo cinematográfico con solvencia.

Una resolución conocida, pero eficaz

Uno de los mayores aciertos de ‘Black Box: vuelo 298’ reside en saber jugar sus cartas. La película nunca acelera innecesariamente y permite que el misterio sea quien marque el ritmo. Más que provocar miedo desde el primer minuto, opta por alimentar preguntas constantes. Esa estrategia consigue que el espectador vaya enlazando hipótesis mientras la tensión aumenta de forma orgánica.

Cuando finalmente llega el tercer acto, el terror estalla con mayor contundencia. La resolución probablemente no sorprenderá a quienes consumen habitualmente este tipo de propuestas, ya que no plantea una idea especialmente novedosa dentro del fantástico contemporáneo. Sin embargo, funciona porque todo el recorrido previo prepara adecuadamente ese desenlace y hace que resulte satisfactorio dentro de las reglas que el propio filme establece.

Como postdata. Señalar que una actriz española, previamente vista en ‘Jurassic World: dominion’, aparece en este filme con un papel muy presente en el tramo final. ¡Enhorabuena a Teresa Cendon-García por este nuevo trabajo!

Ficha de ‘Black Box: vuelo 298’

Estreno en España: 4 de septiembre de 2026. Título original: Black Box. Duración: 85 min. País: EE.UU. Dirección: Steven Quale. Guion: Steven Quale. Música: Raffertie. Fotografía: Steven Quale. Reparto principal: Tom Brittney, Holly White, Betsy-Blue English, Asa Ali. Producción: Capstone Pictures, Hammerstone Stuios, Inzide Media. Distribución: Vértice Cine. Género: suspense, terror. Web oficial.

Detrás de las cámaras de ‘Godzilla Minus Zero’

Godzilla regresa de una manera más espectacular

En 2023 ya nos dejaron con la boca abierta y tiene pinta que tres años después van a volver ha hacerlo. El equipo de ‘Godzilla Minus Zero’ nos regala un detrás de las cámaras increíble, con imágenes de la nueva película incluida.

Takashi Yamazaki, director, guionista y director de efectos especiales, vuelve a deleitarnos con el regreso de Godzilla. Combinando las técnicas tokusatsu con efectos visuales, la película se ha convertido en la primera película japonesa filmada íntegramente en las proporciones de imagen IMAX 1:1.43 y 1:1.90.

Las imágenes de Ryunosuke Kamiki y Minami Hamabe capturan expresiones auténticas que insinúan una sensación aún mayor de desesperación inminente, mientras que la producción también incluye un extenso rodaje en locaciones por todo Japón.

Equipo de Godzilla Minus Zero

Ganador del Premio Óscar a los Mejores Efectos Visuales, Takashi Yamazaki se une junto a 35 artesanos de efectos visuales para dar vida a este monstruo que tanto adoramos y que hace temblar todo Japón.

Está claro que después de ver este detrás de las cámaras, podemos decir que en los próximos Premios Óscar vamos a volverles a tener en las nominaciones a Efectos Visuales, porque las pocas imágenes que nos muestran son espectaculares.

No os hacemos esperar más y aquí tenéis esta maravilla que nos han ofrecido, disfrutadlo.

Crítica: ‘Una noche al año’

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Divertida manera de termina el verano

La vuelta al cole está cerca y siempre podemos refugiarnos en una buena comedia romántica en el cine. Will Gluck nos trae la estupenda ‘Una noche al año’ con Callum Turner y Monica Barbaro como protagonistas.

Una noche para el exceso

En una Nueva York ficticia, donde se ha prohibido el sexo extramatrimonial, el gobierno les da una noche al día para poder mantener relaciones entre solteros. Esa noche todos los solteros de la ciudad salen a la caza. Aquí es donde Owen y Allie se conocen, pero no empiezan las cosas con buen pie. Uno abandonado por su futura prometida, la otra, deseando encontrar al hombre de sus sueños en una noche donde nadie piensa en el amor. Miles de desventuras en una noche que sin duda no van a olvidar en la vida.

La película es divertida, muy entretenida y con bastantes locuras. Vemos a la fauna que aparece buscando una noche desesperada de placer, una noche que llevan esperando un año. Personajes de todo tipo mostrando sus mejores galas para conseguir una presa. Sexo por todos lados de la ciudad, donde se pierde el pudor después de tanto tiempo esperando el momento.

El romance en un marco poco romántico

Will Gluck regresa con una comedia romántica, sencilla y divertida. Con dos protagonistas que ahora mismo están en auge. El guion ha estado en la Hollywood Blacklist desde hace años, que es una lista donde se encuentran los mejores guiones que aún no han conseguido producción. Este fue escrito por Travis Braun y reescrito por Wil Gluck.

Callum Turner y Monica Barbaro, están estupendos y sin duda logran una gran una gran química en pantalla. Ella que ya nos sorprendió en FUBAR y además ha demostrado su buen trabajo en ‘A Complete Unknown’ con la que se ganó la nominación al Oscar. Y él, nominado al Emmy por ‘Masters of the Air’ y conocido por ‘Animales Fantásticos’, logran crear muy buen royo en pantalla con dos personajes bastante tiernos.

Tenemos dos pequeños cameos en forma de fotografías de Glen Powell y Sydney Sweeney, los dos protagonistas de ‘Cualquiera menos tu’, película dirigida por Will Gluck.

El final del verano con una estupenda comedia

‘Una noche al año’ me parece una estupenda manera de terminar el verano en una buena sala de cine. Es muy entretenida, logra hacer reír con esta idea tan majara y también pensar en que pasaría si tuviésemos un decreto así en la actualidad, donde las prohibiciones pueden llegar a ser tan locas.

Ficha de ‘Una noche al año’

Estreno en España: 26 de agosto de 2026. Título original: One Night Only. Duración: 102 min. País: EE.UU. Dirección: Will Gluck. Guion: Travis Braun, Will Gluck. Música: Este Haim, Christopher Stracey. Fotografía: Yaron Orbach. Reparto principal: Callum Turner, Monica Barbaro, Maya Hawke, Julia Fox, King Princess, Ziwe, Ben Marshall, Molly Ringwald, Levar Burton. Producción: Universal Pictures, Olive Bridge Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, romance. Web oficial.

Robert Eggers recibirá el Premio Màquina del Temps en el Festival de Sitges 2026

El director será premiado y mostrará un avance de su nuevo filme

Robert Eggers regresará al Festival de Cine de Sitges 2026 para recibir el Premio Màquina del Temps, un reconocimiento a su trayectoria y a su contribución a la renovación del cine fantástico y de terror contemporáneo. El director de ‘The Witch’, ‘The Lighthouse’ y ‘Nosferatu’ volverá así a un certamen con el que mantiene una estrecha relación desde los primeros pasos de su carrera.

Durante su visita a la 59.ª edición de SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Eggers presentará además un clip de su próxima película, ‘Werwulf’, producida por Focus Features y Universal Pictures y cuyo estreno en los cines españoles está previsto para el 8 de enero de 2027.

Una trayectoria ligada al Festival de Sitges

La relación entre Robert Eggers y Sitges comenzó en 2015, cuando el cineasta inauguró la 48.ª edición del festival con ‘The Witch’, su debut en el largometraje. Eggers acudió acompañado por una entonces debutante Anya Taylor-Joy para presentar una película que había triunfado previamente en el Festival de Sundance.

Con ‘The Witch’, el director llamó la atención por su particular aproximación al terror a través del folclore, la superstición y una cuidada recreación histórica. Cuatro años después, Eggers regresó a Sitges con ‘The Lighthouse’, protagonizada por Willem Dafoe y Robert Pattinson y proyectada fuera de competición dentro de la Sección Oficial Fantàstic.

La película recibió una destacada acogida crítica y posteriormente obtuvo una nominación al Oscar a la Mejor Fotografía. Ahora, más de una década después de su primera visita, el cineasta volverá al festival para recibir un galardón que reconoce precisamente la trayectoria que ha construido dentro del género.

‘Werwulf’, el nuevo proyecto de Robert Eggers

Tras el éxito de ‘Nosferatu’ (2024), que recibió cuatro nominaciones a los Premios Oscar, Robert Eggers prepara el estreno de ‘Werwulf’, una nueva incursión en el terror folclórico.

La película estará ambientada en la Inglaterra del siglo XIV y seguirá a una comunidad rural aterrorizada por la presencia de una misteriosa criatura. El guion está escrito por Eggers junto al islandés Sjón, con quien el director ya colaboró en ‘The Northman’.

El reparto incluye a Aaron Taylor-Johnson, Lily-Rose Depp y Willem Dafoe, además de otros intérpretes vinculados al universo cinematográfico del director. ‘Werwulf’ llegará a los cines españoles el 8 de enero de 2027.

La presencia de Eggers en Sitges 2026 servirá así para celebrar su recorrido dentro del fantástico y, al mismo tiempo, para adelantar uno de los próximos proyectos más esperados del cine de terror contemporáneo.

Crítica: ‘El ser querido’

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Bardem y Luengo: un duelo a pecho descubierto entre dos monstruos de la interpretación

Rodrigo Sorogoyen vuelve a demostrar en ‘El ser querido’ que pocos directores españoles contemporáneos poseen su capacidad para convertir una conversación aparentemente cotidiana en un campo de minas emocional y de continuo debate. La película reúne a un director de cine y a su hija actriz después de trece años de distancia, y hace del rodaje de una película en Fuerteventura el territorio donde ambos mezclan lo profesional, lo familiar y aquello que llevan demasiado tiempo sin decirse.

La primera secuencia ya funciona como declaración de intenciones. Ese encuentro en un restaurante, prolongado durante yo diría que más de diez minutos, demuestra que Sorogoyen sigue siendo un As cuando se trata de incomodar al espectador y rascar las capas de sus personajes hasta conseguir que terminen hablando a pecho descubierto. La cámara se aproxima constantemente, el espacio parece encogerse y la tensión nace tanto de lo que se dice como de lo que permanece suspendido entre ambos.

El problema es que, a diferencia de ‘As Bestas’, donde prácticamente cada escena añadía una nueva capa de violencia, amenaza o significado, aquí existe una sobrecarga de secuencias que no siempre parecen justificar su existencia narrativa. Hay momentos en los que da la impresión de que Sorogoyen se está dando un gustazo como director. Son escenas poderosas, tensas y magníficamente interpretadas, pero no necesariamente necesarias.

Cuando el cine se convierte en espejo

Da la sensación de que ‘El ser querido’ está construida alrededor de cuatro o cinco grandes secuencias extraordinariamente alargadas. Y casi todas funcionan porque Bardem y Luengo consiguen convertir cada conversación en una batalla. Sin embargo, la reiteración termina pasando factura: la conclusión a la que llegamos en los últimos compases no difiere demasiado de aquello que ya habíamos comprendido al comienzo. Sí existe una evolución en la relación entre ambos, pero no siempre una evolución equivalente en lo que la película nos cuenta sobre ellos.

Aquí adquiere especial interés una de las ideas que atraviesan el filme: que todo director introduce algo personal en sus obras. Sorogoyen parece tomarse esa premisa al pie de la letra y exteriorizar, sin casi esterilización, algunas de sus inquietudes sobre el cine, la creación, la familia, la culpa y el modo en que construimos el relato de las personas públicas.

La comparación con ‘Valor sentimental’ resulta inevitable por la figura del padre ausente, el intento de redención, el aprovechamiento de una situación profesional para recomponer una relación, la presión de los rodajes, la necesidad de sentirse realizado, los valores vitales y hasta el nepotismo… Pero la película de Joachim Trier aprovecha mejor sus minutos y desarrolla de un modo más claro toda la evolución de su discurso. Aún así hay algo especialmente interesante en que una película sobre la legitimidad de las herencias familiares esté dirigida por Sorogoyen, nieto del cineasta Antonio del Amo, y protagonizada por Javier Bardem, heredero de una de las grandes dinastías interpretativas españolas. Del Amo dirigió, entre otras películas, varias protagonizadas por Joselito; Bardem, por su parte, pertenece a una saga que arranca con Rafael Bardem y Matilde Muñoz Sampedro y continúa con Pilar Bardem.

Bardem y Luengo contra las zonas grises

Las interpretaciones son, sin duda, la principal razón para permanecer dentro de ‘El ser querido’. Javier Bardem está imponente, capaz de pasar de la arrogancia al desamparo y de la calidez a lo iracundo sin que ninguna de sus caras contradiga a las demás. Esa versatilidad permite que nuestra relación de amor y odio con su personaje vaya mudando de posición junto con la protagonista interpretada por Victoria Luengo.

Luengo no se queda atrás. Su personaje es como un gato que, llevado por la curiosidad, acerca la mano a un fuego que añora y siente cálido, aunque sabe que ese mismo fuego puede volver a quemarla. Sorogoyen la coloca en situaciones de reacción casi instintiva, como si jugara por momentos a un De Niro de ‘Taxi Driver’ y Luengo responde con una mezcla extraordinaria de visceralidad contenida y vulnerabilidad.

También resulta significativo el acercamiento lateral al conflicto saharaui a través de la película que están rodando, lo cual supongo que habrá sido aliciente para ambos actores pues siempre se han mostrado comprometidos con diversas causas de esta índole. La película no trata sobre el tema pero colocarlo en segundo plano es otra manera de mantenerlo vivo.

La herencia europea de un cine incómodo

Formalmente, además, vuelve a sentirse la influencia francesa y del cine europeo contemporáneo. Las zonas grises de la moral, tan presentes en Haneke o Dominik Moll, interesan a un Sorogoyen que convierte la película en un pulso constante de moralismos. La ausencia de música extradiegética en determinados pasajes, los planos largos y nerviosos y esa cámara que parece buscar siempre el lugar más incómodo recuerdan incluso al nervio físico de los hermanos Dardenne.

Sin duda el mercado al que va dirigido ‘El ser querido’ es el europeo. Aunque no alcanza la precisión o el impacto de ‘As Bestas’, porque a veces confunde intensidad con acumulación, Sorogoyen exhibe músculo y permite que Bardem y Luengo se miren, se hieran y se necesiten. Sin duda, en la actualidad de nuestro cine, es el cineasta que mejor sabe convertir una conversación en una herida abierta.

Ficha de ‘El ser querido’

Estreno en España: 26 de agosto de 2026. Título original: El ser querido. Duración: 135 min. País: España. Dirección: Rodrigo Sorogoyen. Guion: Isabel Peña, Rodrigo Sorogoyen. Música: Olivier Arson. Fotografía: Álex de Pablo. Reparto principal: Javier Bardem, Victoria Luengo, Raúl Arévalo, Marina Foïs, Mourad Ouani, Raúl Prieto, Melina Matthews, Laura Birn, Nuria Prims, Pablo Gómez-Pando, Pepa Gracia, Malena Villa. Producción: Caballo Films, Movistar Plus+, El ser querido, La Pacte, Canal+, Comunidad de Madrid, Crea SGR, ICEC, ICAA, Triodos Bank. Distribución: A Contracorriente Films, Movistar Plus+. Género: drama. Web oficial.

Crítica: ‘Tadeo Jones y la lámpara maravillosa’

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Tadeo Jones sigue siendo una aventura que nunca agota sus deseos

Hay sagas de animación que, llegada una determinada entrega, parecen limitarse a repetir la fórmula que les dio éxito. No es el caso de ‘Tadeo Jones y la lámpara maravillosa’, cuarta aventura cinematográfica del arqueólogo más despistado del cine y, una vez más, dirigida por Enrique Gato. Lejos de conformarse con el terreno conocido, la película vuelve a ampliar su universo y demuestra que todavía es posible encontrar nuevas rutas para un personaje que lleva más de una década conquistando al público familiar. Y eso que rompe su cadencia de estreno y en vez de llegarnos cinco años más tarde nos llega solo cuatro años después del estreno de ‘Tadeo Jones: La tabla esmeralda’.

La sensación desde los primeros minutos es clara: estamos ante la producción más ambiciosa de la serie. La animación alcanza un nivel superior al de sus predecesoras, tanto por la riqueza de escenarios como por el tratamiento de la iluminación y la expresividad de los personajes. También se percibe un esfuerzo evidente por incrementar la escala del relato. Nunca antes (creo) la franquicia había reunido semejante cantidad de personajes, secundarios y cameos vocales, hasta el punto de dar la impresión de que es la entrega que más actores de doblaje ha necesitado.

Como es habitual, el viaje vuelve a ser uno de los grandes motores narrativos. La aventura conduce al espectador desde Londres hasta Perú (con la siempre sugerente referencia a Paititi), pasando por Atenas, la Capadocia y otros enclaves que mantienen intacto ese espíritu de exploración heredero del cine clásico de aventuras.

Un cóctel de leyendas que funciona gracias a su espíritu lúdico

El gran acierto del guion reside en mezclar referentes que pertenecen al imaginario oriental. Conviven ‘Las mil y una noches’, Solimán el Magnífico, la lámpara maravillosa, Alí Babá y los cuarenta ladrones o Simbad en una misma narración. Es cierto que muchos de estos personajes y relatos nunca coexistieron realmente y que algunas conexiones nacen más de la tradición literaria que de la Historia. Sin embargo (y aquí está precisamente la clave), la película nunca pretende convertirse en una lección académica.

Al contrario, juega con esa mezcla de culturas y épocas para construir una fantasía accesible al público infantil. Incluso resulta curioso comprobar cómo determinadas referencias temporales permiten enlazar el relato con la leyenda de Paititi y con las expediciones de Cristóbal Colón, una coincidencia histórica que aporta una capa adicional de interés para los espectadores adultos sin romper el tono desenfadado de la propuesta.

Más personajes, más voces, más estilos

La familia de personajes sigue creciendo. La incorporación de una hija llamada Olimpia introduce nuevas dinámicas dentro del grupo, mientras que los villanos, aliados circunstanciales y nuevos compañeros de viaje enriquecen una aventura que no concede pausas. También resulta simpática la decisión de dar voz a los habituales compañeros animales de Tadeo, sustituyendo el viejo recurso del pájaro que mostraba carteles (tan cercano al humor del Coyote de los Looney Tunes) por un trabajo vocal de Carlos Latre que, precisamente por su naturalidad, termina siendo prácticamente invisible y conste que no soy nada fan de sus doblajes teniendo clavada en el alma su versión de Gardfield. Petra Martínez también se suma y aporta además una enorme personalidad a la genia de la lámpara.

Especialmente llamativo resulta uno de los flashbacks, resuelto mediante un segmento de animación con claras reminiscencias del Disney clásico, un cambio estético que aporta variedad visual sin romper la coherencia del conjunto.

Referencias cinéfilas, humor muy español y una moraleja que nunca pasa de moda

Si algo caracteriza desde hace años a la saga de Enrique Gato es su capacidad para jugar con la cultura popular. ‘Tadeo Jones y la lámpara maravillosa’ evidentemente mantiene esa costumbre. La película abre con una introducción que recuerda al suspense de Alfred Hitchcock, convierte la inolvidable melodía de ‘Jurassic Park’ en una desafinada interpretación a flauta, homenajea la espectacularidad de ‘Mad Max’ y sus persecuciones, recrea la icónica escena de ‘Titanic’, juega con secuencias muy reconocibles de ‘Aladdin’ (1992) e incluso reproduce el famoso momento del monopatín y la desaparición progresiva de la fotografía de ‘Regreso al futuro’. Sobre todo, continúa siendo evidente la influencia del cine de Steven Spielberg y, muy especialmente, de ‘Indiana Jones y el dial del destino’, cuya huella se deja sentir en buena parte del guión.

Todo ello convive con un humor muy reconocible para el espectador español, capaz de ridiculizar grandes mitos universales mezclando la lámpara maravillosa con unos callos o unos churros, o presentando una inesperada versión gallega de Cristóbal Colón, también interpretada por Carlos Latre.

Entre tanta comedia también aparece una pequeña reflexión sobre la creciente presencia de inteligencias artificiales y robots capaces de sustituir a las personas, una inquietud que se introduce sin excesiva solemnidad pero que conecta con preocupaciones muy actuales.

Y, como no podía ser de otra manera tratándose de una historia alrededor de una lámpara mágica, la película recupera la moraleja clásica de que no todos los deseos conducen necesariamente a la felicidad. Un mensaje sencillo, perfectamente integrado en una aventura que confirma que la saga continúa creciendo sin perder su identidad y que además da paso a un final bastante emotivo.

Ficha de ‘Tadeo Jones y la lámpara maravillosa’

Estreno en España: 26 de agosto de 2026. Título original: Tadeo Jones y la lámpara maravillosa. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Enrique Gato. Guion: Manuel Burque, Josep Gatell. Música: Zacarías M. de la Riva. Reparto principal (doblaje original): Óscar Barberán, Michelle Jenner, Luis Posada, Ana Esther Alborg, Petra Martínez, Carlos Latre. Producción: Films AIE, Mediaset España, Movistar Plus+, Mediterráneo Mediaset España Group. Distribución: Paramount Pictures. Género: aventuras. Web oficial.