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¡Sorteamos un Blu-ray de ‘Michael’, la película sobre Michael Jackson!

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Una edición con un completo documental sobre el rodaje

El biopic ‘Michael’ (crítica aquí) lleva a la gran pantalla la vida de Michael Jackson, una de las figuras más influyentes, populares y controvertidas de la historia de la música. Dirigida por Antoine Fuqua, la película está protagonizada por Jaafar Jackson, sobrino del artista, en su debut como actor, y cuenta también con Nia Long, Laura Harrier y Miles Teller en su reparto. El filme recorre diferentes etapas de la trayectoria del llamado Rey del Pop, desde sus primeros años junto a The Jackson 5 hasta su consolidación como superestrella mundial, poniendo el foco tanto en su enorme talento y su proceso creativo como en algunos de los episodios que marcaron su vida personal y profesional. Una producción especialmente atractiva para los seguidores de Michael Jackson que ahora puedes conseguir en formato Blu-ray gracias a este sorteo de Moviementarios.com.

Ponemos en marcha un nuevo sorteo y puedes llevarte un Blu-ray de ‘Michael’ para disfrutar de la película en casa. Una edición que tenemos gracias a Arvi Licensing.

¿Cómo participar?

Participar es muy sencillo y puedes hacerlo a través de nuestras redes sociales.

Los requisitos son:

  1. Compartir la imagen del sorteo en la red social que quieras.
  2. Etiquetar a un amigo en la publicación.

¡Así de fácil! Compartiendo el sorteo y avisando a un amigo ya estarás participando.

Puedes participar en todas aquellas redes sociales en las que publiquemos el sorteo, siempre que cumplas los requisitos indicados. Consulta las bases más abajo.

El premio

El ganador o ganadora recibirá un Blu-ray de ‘Michael’, la película centrada en Michael Jackson y protagonizada por Jaafar Jackson en el papel del legendario artista. Tenemos un completo análisis justo en nuestra página web indicando qué tal son los extras de esta edición.

Una oportunidad para incorporar a tu colección una película que aborda la vida y la trayectoria de una de las figuras más influyentes de la historia de la música.

Bases

Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. Tenéis de plazo hasta el 20 de septiembre de 2026 a las 23:59h. El hecho de participar más de una vez no incrementa las posibilidades de ganar. Anunciaremos quien ha sido agraciado en nuestras redes y en esta entrada. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. El envío solo se realizará dentro del territorio Español. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para el envío y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Las redes sociales en las que aparece este sorteo no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella.

Análisis del Blu-ray de Michael

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Una inmersión en el biopic más taquillero de la historia

Después de convertirse en un auténtico fenómeno en las salas de cine, ‘Michael’ llega al mercado doméstico español de la mano de Arvi Licensing y Universal Pictures. El biopic dirigido por Antoine Fuqua no lo hace precisamente con un historial comercial discreto: durante su recorrido cinematográfico superó los 1.000 millones de dólares de recaudación mundial, convirtiéndose en el biopic más taquillero de la historia y en el primero del género en alcanzar semejante cifra. Guinness World Records reconoce oficialmente el récord y sitúa su recaudación en 1.016.068.388 dólares a 28 de julio de 2026.

El dato adquiere todavía mayor relevancia al comprobar que la película consiguió superar primero a ‘Bohemian Rhapsody’ como biopic musical más taquillero y posteriormente a ‘Oppenheimer’ para hacerse con el récord absoluto dentro del género.

Con semejante recorrido comercial a sus espaldas, el lanzamiento doméstico se presenta como una oportunidad para comprobar cómo se traslada a nuestros hogares una producción construida alrededor de la música, las coreografías y la figura de uno de los artistas más populares de todos los tiempos.

Una edición Blu-ray con una presentación audiovisual cuidada

La edición Blu-ray de ‘Michael’ se puso a la venta en España el 26 de agosto de 2026, distribuida por Arvi Licensing. Se trata de un lanzamiento en un único disco y presentación Amaray, con la película en formato 1.85:1 (16:9). La edición forma parte de una estrategia más amplia de Universal y Arvi, que también han comercializado la película en 4K Ultra HD, incluyendo una edición Steelbook.

La relación de aspecto respeta la presentación cinematográfica de la película y permite disfrutar de la puesta en escena de Antoine Fuqua en alta definición. En una producción donde las actuaciones musicales ocupan un lugar fundamental, la calidad de imagen resulta especialmente importante para apreciar tanto la fotografía como la elaborada reconstrucción de diferentes etapas de la carrera de Michael Jackson.

La duración de la película ronda las dos horas y ocho minutos, ofreciendo un recorrido por la trayectoria del artista a través de una producción que pone especial énfasis en sus actuaciones y en su proceso de transformación en una estrella mundial. El filme frena justo en los momentos escabrosos, pero todos sabíamos que esta iba a ser una película que evitaría polémicas.

En el apartado sonoro encontramos una de las características más interesantes de esta edición. La versión original en inglés dispone de Dolby Atmos, mientras que el doblaje castellano se presenta en Dolby Digital Plus 7.1. También se incluyen pistas en francés e italiano en Dolby Digital Plus 7.1, además de pistas de audiodescripción.

La presencia del Dolby Atmos en la versión original tiene especial sentido en una película como ‘Michael’. Las canciones, las actuaciones y el diseño sonoro tienen un peso considerable y una configuración compatible permite disfrutar de una experiencia mucho más envolvente, especialmente durante los números musicales.

Los subtítulos incluyen castellano, francés, italiano e inglés para personas sordas, entre otras opciones, completando una edición pensada para distintos perfiles de espectadores.

Extras (1h 20 min. aprox.)

No pares hasta que te hartes: cómo se hizo Michael (59:49 min.)

Extenso documental que abarca los restos, las intenciones o las perspectivas de esta película. Narrada por productores, actores, y por supuesto el director. Hay más de una curiosidad que solo aquellos que se acerquen a este reportaje conocerán.

Su hogar está donde tiene el corazón: detrás de las puertas de Hayvenhurst (5:34 min.)

Jaafar Jackson habla de su relación personal con el lugar donde transcurre buena parte del filme, donde él mismo creció y donde por supuesto Michael Jackson pasó buena parte de su vida.

En el espejo: cómo se convirtieron en Michael y Joe a cámara rápida (3:39 min.)

Un par de time lapses con el proceso de maquillaje de los protagonistas (con apartado especial a la recreación del zombie de Thriller) y

Primer vistazo (2:09 min.)

Una visita al rodaje en su primera sesión de grabación.

Convertirse en Michael (1:52 min.)

No basta con parecido facial ni con imitar la voz. Calcar los movimientos de uno de los mejores bailarines de la historia no ha sido fácil ni siquiera para su sobrino.

Ante la gran pantalla (1:49 min.)

Jaafar vivió conciertos de su tío y sintió lo que movía, a lo grande y es por eso que para él transportar eso a pantalla grande significa mucho.

En el plató de Michael (2:29 min.)

El entusiasmo, la emoción y el orgullo que ha sentido el equipo que ha rodado esta película resumido en unos pocos minutos.

Crítica: ‘Michael’

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En qué plataforma ver Michael

Casi una hagiografía, sin zonas incómodas y justo con la parte artística

Hay una decisión estructural que define por completo ‘Michael’: su límite temporal. El relato se detiene prácticamente a mediados de los ochenta y apenas roza los noventa. Es una elección que condiciona tanto el tono como el contenido, porque deja fuera (de forma deliberada) las polémicas más espinosas asociadas a Michael Jackson. Conviene advertirlo de entrada: quien acuda buscando el morbo de las acusaciones de abuso infantil no lo encontrará aquí. Ese material estuvo en versiones tempranas del guion, pero se eliminó tras una reconfiguración sustancial del proyecto (con un sobrecoste de 15 millones) y bajo las presiones de la familia de Jordan Chandler (primer niño en acusarle y en obtener un dinero sin ni siquiera presentar cargos).

El resultado es un biopic curado y encapsulado, que prioriza la construcción del mito temprano. La producción, además, no es ajena al círculo íntimo del artista: familiares como hermanos o el hijo de Michael Jackson se encuentran en la producción y su sobrino (Jaafar Jackson) es quien le interpreta. Este dato no es menor: predispone a una mirada edulcorada, que aquí se confirma en numerosos pasajes. El guion insiste en un Michael casi angelical, con un punto de ingenuidad que, en algunos momentos, roza lo caricaturesco: infantil, inocente y a ratos sorprendentemente temeroso. Algo en la línea de lo que vimos con ‘Bob Marley one love’.

La película sí introduce las tensiones domésticas. El padre, interpretado por Colman Domingo, aparece como un patriarca severo, convencido de la eficacia de sus métodos y poco dado a la empatía. ‘Michael’ no esquiva los episodios de maltrato y control férreo, y en ese pulso íntimo encuentra su mejor material dramático y el propio eje del largometraje. La trayectoria del joven artista se dibuja entonces como una fuga progresiva del yugo familiar, una batalla por la autonomía creativa que conecta con biopics de corte más sobrio como ‘El método Williams’, antes que con las fantasías musicales estilizadas de ‘Bohemian Rhapsody’ o ‘Rocketman’. Esta contienda paternofilial se siente como tema recurrente si buscamos casos contemporáneos con artistas como Britney Spears o mirando un poco más atrás con lo que pasó con Amy Winehouse.

Entre la fábrica familiar y el nacimiento del icono

El arco narrativo recorre desde la infancia en un entorno obrero hasta la última gran gira con sus hermanos, con especial atención al tránsito de producto familiar a artista total. ‘Michael’ insiste en la idea de “juguete roto”, un eco que el propio filme subraya al asociarlo, en términos de percepción pública, a figuras como su amigo y defensor Macaulay Culkin y la combina con un relato de superación y emancipación.

Hay destellos bien elegidos que ayudan a humanizar al icono: su fascinación por Disney, la identificación con Peter Pan, las sesiones de cine con su madre, o su conocida faceta filantrópica. También se abordan los cambios de imagen, tanto como construcción consciente de marca como consecuencia de episodios como el accidente durante el rodaje con Pepsi. Este último lance es utilizado por el director Antoine Fuqua con más o menos veracidad como bisagra dramática.

Donde el filme sí brilla notablemente es en la recreación de algunos instantes icónicos. Por ejemplo, el momento ‘Thriller’. La secuencia vinculada al trabajo con John Landis está rodada con un respeto casi fetichista por el original, hasta el punto de recurrir a su localización original y coreografías con una precisión que, más que imitación, busca revivir un hito cultural. Es ahí donde ‘Michael’ se permite respirar y recordar por qué estamos ante un artista que no solo dominó la música, sino que redefinió el videoclip como forma narrativa.

Entre el mito y el mensaje

Aunque Antoine Fuqua ha explorado en su filmografía temas de empoderamiento afroamericano en una industria históricamente desigual, aquí opta por un enfoque menos frontal. Aun así, el subtexto es evidente: contar la historia de Michael Jackson es, indirectamente, narrar cómo un artista negro rompió techos de cristal y abrió camino a generaciones posteriores (como la de Bruno Mars, al que Fuqua ya dirigió un videoclip). La película no verbaliza en exceso esta lectura, pero la deja flotando, especialmente en la representación de los obstáculos iniciales y la conquista de espacios de visibilidad en la industria.

En términos interpretativos, Jaafar Jackson cumple con solvencia. El maquillaje y el vestuario hacen a veces un trabajo mimético, pero es en el movimiento donde se legitima: los números de baile transmiten una disciplina y una memoria corporal que conectan con el original. No siempre hay gran parecido ni volvemos a él como estamos resucitando a James Gandolfini viendo a su hijo en ‘Daredevil born again’, pero si se rememora con honestidad el espíritu de alguien a quien se busca recordar con mucho cariño en esta película.

El gran límite de ‘Michael’ es, precisamente, su voluntad de control. Al evitar los claroscuros más incómodos, el filme se queda a medio camino entre el retrato y la hagiografía. Funciona como crónica de la forja y como celebración de un talento irrepetible, pero no como radiografía completamente real. Ahora bien, el propio cierre sugiere una estrategia mayor: la sensación de que estamos ante la primera mitad de un díptico. Si la taquilla acompaña, es razonable pensar en una continuación que aborde los años más complejos y con ellos, algo más de objetividad examinando al mito. Pero quién sabe, quizás se conformen únicamente con retratar la red de relaciones con otros gigantes de la época, como por ejemplo la amistad y posterior distanciamiento, con Paul McCartney y Freddie Mercury o sus muchos trabajos colaborativos con otras estrellas que si llegaron a marcar nuestra cultura popular.

Ficha de ‘Michael’

Estreno en España: 22 de abril de 2026. Título original: Michael. Duración: 127 min. País: EE.UU. Dirección: Antoine Fuqua. Guion: John Logan. Música: Lior Rosner. Fotografía: Dion Beebe. Reparto principal: Jaafar Jackson, Nia Long, Laura Harrier, Miles Teller, Colman Domingo. Producción: Lionsgate, GK Films, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: Web oficial.

Crítica: ‘EPiC: Elvis Presley in Concert’

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En qué plataforma ver EPiC: Elvis Presley in Concert

Un homenaje bárbaro con entidad propia

El estreno de ‘EPiC’ llega como un complemento natural al fenómeno que supuso ‘Elvis’, la película que Baz Luhrmann lanzó en 2022 y que reintrodujo al gran público en la figura del Rey del Rock. Sin embargo, este nuevo trabajo no es un simple apéndice ni un producto oportunista: es un artefacto emocional y cinematográfico con entidad propia, capaz de sorprender incluso al fan más acérrimo de Elvis Presley. Y, lo más interesante, puede disfrutarse perfectamente sin haber visto el ‘Elvis’ de Austin Butler.

Luhrmann no se limita a ordenar material de archivo. Lo que construye es un homenaje bárbaro, en el sentido más amplio y arrebatado del término, mediante un montaje apabullante, vibrante e inteligente. El resultado no es solo nostalgia, es una sensación punzante de envidia hacia quienes pudieron vivir aquellos conciertos en directo. ‘EPiC’ no pretende desmitificar a Elvis y tampoco ponerle en un pedestal, sino reencuadrarlo desde múltiples perspectivas, desmontando caricaturas sin traicionar el mito.

Restauración, archivo y la dimensión épica del directo

Uno de los grandes valores de ‘EPiC’ es su trabajo de restauración. El metraje (procedente de conciertos, ensayos y material tras bastidores) ha sido sometido a un proceso técnico que, sin alcanzar los estándares digitales actuales, ofrece una calidad inimaginable para documentos de esa época. La textura es analógica, sí, pero el nivel de detalle resulta asombroso: los trajes, el sudor, la iluminación, los gestos casi imperceptibles. Seguro que algún que otro iluminado aparece para sugerir que aquí hay inteligencia artificial.

Luhrmann, obsesivo como siempre con la forma, ha tenido a su disposición una riqueza de ángulos que convierte cada actuación en una experiencia casi inmersiva. No hablamos únicamente de entrevistas o declaraciones retrospectivas, sino de una coreografía de cámaras que capturan a Elvis desde perspectivas frontales, laterales y traseras, dotando a cada canción de una dimensión casi litúrgica. El montaje intercala primeros planos del artista con planos del público en trance, creando una simbiosis emocional que explica por qué el fenómeno fue irrepetible.

Viendo el fervor de las masas, uno podría imaginar giras internacionales multitudinarias. Sin embargo, el documental subraya esa paradoja histórica: el artista más icónico del rock nunca cruzó fronteras para tocar en vivo. En ese sentido, algunas imágenes del público (histérico, desbordado, casi religioso) resignifican incluso la parodia de ‘Top Secret’, la comedia de Jim Abrahams, David Rucker y Jerry Rucker, donde Val Kilmer encarnaba a un Elvis ficticio actuando en una Alemania ultraconservadora.

El Elvis bufón, cercano y consciente del personaje

Uno de los mayores aciertos de ‘EPiC’ es desmontar la idea del Elvis endiosado y distante. Aquí descubrimos a un artista cercano con su equipo, generoso con el público, saturado de morreos, bromas y gestos cómplices. Hay algo profundamente humano en su manera de habitar el escenario: no solo interpreta canciones, juega con ellas, con su banda y con la audiencia, con quienes tiene una complicidad fruto de la repetitividad sobre el escenario.

Las imágenes de ensayos son particularmente reveladoras. Elvis ríe, improvisa, exagera movimientos y rompe la solemnidad de su propio mito. Ese carácter payasil, casi autoparódico, conecta con artistas contemporáneos que han hecho del exceso una forma de identidad pública. Pensaba inevitablemente en el desenfado de Mojinos Escozíos o en la excentricidad performativa de Nicolas Cage: figuras que, bajo la máscara estrafalaria, son plenamente conscientes del personaje que interpretan.

Pero ‘EPiC’ va más allá de la anécdota simpática. El documental capta algo cercano al éxtasis gospel que Elvis alcanzaba en determinados momentos. Hay secuencias en las que la frontera entre concierto y ceremonia religiosa se diluye. La cámara recoge miradas elevadas al cielo, cuerpos que se balancean como en un rito colectivo, un clímax espiritual que explica por qué su figura trascendió lo musical.

Ese es, probablemente, el núcleo del proyecto de Luhrmann: retratar a un hombre que, por encima del éxito, las críticas o la presión mediática, disfrutaba profundamente de lo que hacía. No como obligación contractual ni como engranaje de una maquinaria industrial, sino como experiencia vital. Esa alegría, a veces desbordada, a veces ingenua, es la que convierte ‘EPiC’ en un documento valioso. Todos conocemos las sombras y el final del Rey, pero con esta película sabemos que antes que icono, fue un hombre que encontró en el escenario su forma más pura de felicidad.

Ficha de ‘EPiC: Elvis Presley in Concert’

Estreno en España: 27 de febrero de 2026. Título original: EPiC: Elvis Presley in Concert. Duración: 90 min. País: Australia. Dirección: Baz Luhrmann. Música: Elvis. Reparto principal: Elvis. Producción: Authentic Studios, Bazmark Films. Distribución: Universal Pictures. Género: documental, música. Web oficial

Crítica: ‘Chespirito: Sin querer queriendo’

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En qué plataforma ver Chespirito: Sin querer queriendo

Chespirito regresa, no con risas enlatadas, sino con emoción auténtica

En la era de los biopics televisivos que buscan humanizar a leyendas y escarbar bajo la superficie del mito, ‘Chespirito: Sin querer queriendo’ se suma con una propuesta que, si bien se alinea con títulos recientes como ‘¿Es el enemigo? La película de Gila’, encuentra su fuerza no tanto en la revelación sino en el homenaje. Es un regalo nostálgico, hecho con la clara intención de reconectar con una figura que marcó a generaciones enteras: Roberto Gómez Bolaños a.k.a. “Chespirito”. Y todo ello desde una perspectiva prácticamente blanca pues se basa en su autobiografía con un guión escrito por Paulina Gómez Fernández, la tercera de sus seis hijos e intérprete en la serie ‘Chespirito’.

La miniserie, estrenada ya en HBO Max, no pretende reinventar la fórmula del biopic, pero sí la matiza con un tono profundamente emotivo, nostálgico, cercano, casi familiar. Desde los primeros compases, queda claro que el objetivo no es deconstruir a Chespirito como se haría con figuras más polémicas, sino recordarlo en su humanidad, en sus inseguridades, en sus silencios y procesos creativos fuera del set. En ese sentido, se siente menos como una investigación y más como un abrazo a la memoria colectiva.

Uno de los grandes aciertos es la elección de Pablo Cruz como Roberto Gómez Bolaños. Es algo que va más allá del parecido físico y la caracterización, lo cual, ya de por sí puede despertar simpatía inmediata. Cruz logra capturar los matices del creador: su voz pausada, sus picardías, esa mirada entre tímida y brillante que definió al autor detrás de ‘El Chavo del 8’, ‘El Chapulín Colorado’ y una infinidad de personajes inolvidables. Cruz no imita; interpreta. Y eso marca la diferencia pues a la mayoría de espectadores les será ajena la etapa más joven del comediante.

El resto del elenco también merece reconocimiento. La recreación del universo de ‘El Chavo del 8’ es, por momentos, tan fiel que provoca una punzada en el pecho a quienes crecieron con esos episodios repetidos, los cuales estaban llenos de una repetitividad que hacen que hablar de redundancia se quede corto. La actriz que encarna a Florinda Meza (Margarita Ruíz) ofrece una visión que, al menos en el primer capítulo, augura tanto la complicidad como la tensión que definió su relación con Bolaños su impacto en el resto del reparto. Y por supuesto es importante la labor de Juan Lecanda como Carlos Villagrán/Quico, quien se ganó a los espectadores superando al protagonista de igual modo que en su día Bart Simpson cedió su trono a Homer Simpson. Los actores que interpretan al elenco original, Ramón Valdés (Don Ramón) o María Antonieta de las Nieves (La Chilindrina), también están presentes y ganarán protagonismo según avance la serie.

La producción navega con habilidad entre diferentes épocas, elaborando el humor blanco que definió a Chespirito y los momentos de introspección que lo muestran como un hombre obsesionado con su oficio, perfeccionista y, a ratos, atrapado en la contradicción entre su imagen pública y su vida personal. Es en esos momentos donde la serie es más interesante: cuando deja de lado la mitología y muestra al hombre que dudaba de sí mismo mientras hacía reír a la audiencia hispanohablante de todo el mundo.

‘Chespirito: Sin querer queriendo’ no pretende ser una obra crítica ni subversiva. Es, ante todo, un acto de cariño. Al igual que sucede en España con Martes y Trece o con Esteso y Pajares, esto iconos imborrables de la comedia tuvieron sus más y sus menos. Aunque no entra de momento en las disputas legales o salidas del show, es una serie que no esquivará del todo las sombras, las tensiones internas del elenco, las acusaciones de repetición, el agotamiento del formato. Lo que es evidente es que regresa constantemente al centro: el legado indeleble de un hombre que, sin proponérselo, cambió para siempre la comedia en español.

‘El Chavo del 8’ no solo fue un fenómeno cultural, sino también un ejemplo de cómo el éxito puede fracturar incluso los lazos más cercanos. Puede que los más cínicos consideren a ‘Chespirito: sin querer queriendo’ una obra indulgente. Pero para quienes alguna vez jugaron a ser El Chavo, merendaron junto a sus abuelos en el Vecindad del Señor Barriga, dijeron aquello de “es que no me tienen paciencia” o hacen aún hoy en día cosplays del Chapulín Colorado, esta serie no es solo televisión. Es una cápsula del tiempo. Una que, sin grandes pretensiones, logra emocionar, así, sin querer queriendo.

El tráiler de ‘Chespirito: Sin Querer Queriendo’ os hará volver a la infancia

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El 5 de junio volveremos a enfrentarnos a Don Ramón

Pocos nombres en la historia del entretenimiento latinoamericano han dejado una huella tan profunda como el de Roberto Gómez Bolaños, conocido mundialmente como Chespirito. Creador, escritor y actor, dio vida a personajes entrañables como ‘El Chavo del 8’ y ‘El Chapulín Colorado’, que trascendieron fronteras, idiomas y generaciones. Con su humor blanco, sencillo y cargado de ingenio y bobaliconería, Chespirito logró construir un universo televisivo que no solo hizo reír a millones, sino que también abordó, con ternura y humanidad, temas universales como la amistad, la pobreza, el valor y la solidaridad.

El 5 de junio Max estrena la serie biográfica sobre este icono de la cultura iberoamericana que llenó de risas muchas casas y nos acompañó durante nuestras meriendas. En ella veremos como cómo nace un legado y cómo el talento de un comediante consigue materializar el deseo de provocar sonrisas. El viaje nos llevará desde los 50 y los 80. Descubriremos qué sacrificios y a qué retos tuvo que enfrentarse Chespirito para abrirse paso en la incipiente industria televisiva.

Pablo Cruz es quien ha aceptado el nada trivial encargo de interpretar a Roberto Gómez Bolaños a.k.a. “Chespirito”y por supuesto a sus personajes el Chavo del 8, el Chapulín Colorado y el Dr. Chapatín. Le acompaña un casting que busca el parecido con la que fue su mítica compañía actoral: Paulina Dávila como Graciela Fernández, Bárbara López como Margarita Ruíz (Doña Florinda), Arturo Barba como Rubén Aguirre (Profesor Jirafales), Andrea Noli como Angelines Fernández (La Bruja del 71), Miguel Islas como Ramón Valdés (Don Ramón), Juan Lecanda como Marcos Barragán (Quico), Eugenio Bartilotti como Edgar Vivar (Señor Barriga y Ñoño), Paola Montes de Oca como María Antonieta de las Nieves (La Chilindrina), Karina Gidi da vida a Elsa Bolaños, Rolando Breme en el papel de Mariano Casasola y Jorge Luis Moreno interpreta a Horacio Gómez. El elenco se completa con Sebastián Moncayo como Ernesto Figueras, Iván Aragón encarna a Roberto Gómez Bolaños en su juventud, mientras que Macarena García interpreta a la joven Graciela Fernández y Dante Aguiar encarna al pequeño Roberto en su niñez, entre otros.

Respondiendo a al interrogante de si habrá apariciones del elenco original o de amigos de Chespirito, la respuesta es sí. Estarán presentes María Antonieta de las Nieves, Edgar Vivar, Roberto Gómez Fernández y Esteban Valdés (hijo de Ramón Valdés).

Crítica: ‘Lee Miller’

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Sinopsis

La película gira en torno a la corresponsal de guerra Lee Miller (Kate Winslet) en su viaje a las primeras filas de la Segunda Guerra Mundial para embarcarse en la misión de destapar las verdades ocultas del Tercer Reich. Pero a consecuencia de la traición, llegará un ajuste de cuentas sobre las verdades de su propio pasado.

Crítica

Kate Winslet brilla en un nuevo zasca para los negacionistas del holocausto

El biopic ‘Lee Miller’ supone el segundo largometraje de Ellen Kuras como directora, quien hasta ahora se encargaba sobre todo de la fotografía en películas como ‘¡Olvídate de mi!’, ‘Jane’ o ‘Rebobine, por favor’. Protagonizado por Kate Winslet se sumerge en la fascinante vida de la fotoperiodista Lee Miller. Una fotógrafa retratando a otra fotógrafa.

Lee Miller fue una mujer que pasó de ser portada de Vogue, musa del artista visual Man Ray o modelo para Picasso a convertirse en una de las cronistas más crudas de la Segunda Guerra Mundial. Es una persona a la que los libros de historia cada vez retratan con más similitudes a Marie Curie o María Lejárraga, ambas mujeres talentosas a la sombra de sus parejas. Con un guion basado en la biografía escrita por su hijo, Antony Penrose, la película busca capturar la intensidad de una figura compleja y adelantada a su tiempo. Sin embargo, aunque la actuación de Winslet es notable y la figura de su personaje digna de muchos honores, la película no logra escapar de la estructura convencional de muchos biopics, lo que la hace perder fuerza en su conjunto.

Desde su primera escena, ‘Lee Miller’ establece su tono dramático con una explosiva secuencia en la que la protagonista se sumerge en la destrucción de la guerra. La película sigue una estructura fragmentada, saltando entre distintos momentos de la vida de Miller: desde sus años bohemios en París junto a Man Ray y Paul Éluard hasta su trabajo como corresponsal de guerra, donde acabó convirtiéndose en la mujer que se bañó y durmió en las dependencias de Hitler y Braun. La Gran Guerra es el eje del filme convirtiéndose la película poco a poco en un alegato más contra los negacionistas del holocausto y estas escenas son potentes y visualmente sobrecogedoras, pero la narrativa a veces pierde cohesión y no termina de profundizar en algunos aspectos clave de su vida personal y profesional, por mucho que materialice bien los momentos que llevaron a sus fotos más famosas.

Uno de los recursos más interesantes es el uso de una entrevista en 1977 entre Miller (ya en su vejez) y un joven periodista/hijo interpretado por Josh O’Connor. Este diálogo no solo estructura la película, sino que también enfatiza el contraste entre la indiferencia del pasado y la necesidad de contar la verdad que impulsaba a Miller. Sin embargo, el guion no siempre saca el máximo provecho de esta estructura, y en algunos momentos la trama se siente dispersa.

La interpretación de Kate Winslet es, sin duda, el mayor atractivo de la película. La actriz logra capturar la complejidad de Lee Miller, una mujer fuerte, apasionada y llena de contradicciones. Winslet encarna tanto su valentía en el frente de batalla como su vulnerabilidad en la intimidad, reflejando cómo el trauma de la guerra la llevó a refugiarse en el alcohol y el silencio. Sin embargo, aunque su actuación es sobresaliente, la película no logra aprovechar completamente la riqueza emocional de su historia, como hizo en un caso similar la reciente e injustamente olvidada en esta temporada de premios, ‘Civil War’.

El elenco secundario también es destacable, con actuaciones sólidas aunque breves de Marion Cotillard, Andrea Riseborough y Alexander Skarsgård. Sin embargo, algunos personajes parecen estar subutilizados, y ciertas relaciones clave, como la de Miller con la editora de Vogue, Audrey Withers, podrían haber tenido mayor desarrollo. Queda patente que Vogue está tras esta producción al intentar ensalzar la figura de la fotógrafa centrándose en la etapa de guerra y pasar por alto, por ejemplo, la hipocresía tras la frase “prefiero hacer fotografías, no ser una” pronunciada por alguien que pasó parte de su vida convirtiendo a mujeres en fotografías.

Visualmente, la película refleja el habitual desempeño de la directora tras las cámaras. Presenta un trabajo sólido, con una fotografía que oscila entre la luminosidad habitual del imaginario colectivo sobre de los años previos a la guerra y la crudeza de los campos de batalla. Pawel Edelman, el director de fotografía, logra capturar tanto la estética vibrante del círculo artístico de París como la brutalidad del conflicto bélico. La icónica imagen de Miller en la bañera de Hitler en Múnich, por ejemplo, es recreada con gran impacto simbólico. En el apartado sonoro, la banda sonora de Alexandre Desplat aporta elegancia y dramatismo, aunque el diseño de sonido en algunas escenas de combate podría haber sido más trabajado.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Título original: Lee. Duración: 116 min. País: Reino Unido. Dirección: Ellen Kuras. Guion: Liz Hannah, John Collee, Marion Hume. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Pawel Edelman. Reparto principal: Kate Winslet, Alexander Skarsgård, Josh O’Connor, Andy Samberg, Marion Cotillard, Andrea Riseborough. Producción: 55 Films, Brouhaha Entertainment, Embassy Films, Hantz Motion Pictures, Hopscotch Features, Juggle Productions, MS Participations S.A., Pasaca Entertainment, Pioneer Stillking Films, Sky Originals, Vogue Films. Distribución: Vértice Cine. Género: drama. Web oficial: https://www.sky.com/watch/lee

Crítica: ‘A Complete Unknown’

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Sinopsis

Ambientada en la influyente escena musical de Nueva York de principios de los años 60, ‘A Complete Unknown’, cuenta la historia del meteórico ascenso del músico de Minnesota Bob Dylan, un cantante de folk de 19 años, hasta las salas de conciertos y lo más alto de las listas de éxitos. Sus canciones y su mística se convirtieron en un fenómeno mundial que culminó en 1965 con su rompedora actuación de rock eléctrico en el Newport Folk Festival.

Crítica

Un biopic bastante sencillo con muy buenas interpretaciones

Llega a nuestros cines ‘A Complete Unknown’ , basada en el libro ‘Dylan Goes Electric!’ de Elijah Wald. Aquí vemos a Bob Dylan desde sus primeros éxitos en la música folk hasta cuando comenzó a utilizar instrumentos eléctricos.

James Mangold, director de ‘En la cuerda floja’ o ‘Logan’ nos trae un biopic bastante sencillo, no es una gran fiesta de situaciones locas o grandes dramas. No, al final, vemos a un músico encontrando su estilo, disfrutando de la vida y siendo algo egoísta en algún que otro sentido.

Vemos dos de sus grandes amores, al menos en aquella época. Interpretadas por Elle Fanning (‘Mary Shelley’) y Monica Barbaro, (‘Fubar’), esta última está estupenda y tiene la merecida nominación al Oscar.

Y por supuesto, que decir de Timothée Chalamet, está increíble, canta, y actúa como Bob Dylan. Físicamente no es que realmente se parezca, pero lo hace tan bien, que da igual, ves al músico e incluso, aunque su voz tampoco sea igual, le escuchas a él. Un gran trabajo que sin duda denota un gran estudio sobre la figura de Bob Dylan.

Si que me ha gustado mucho la historia que nos cuentan de Woody Guthrie y Peter Seeger. Interesantes personajes en la vida de Bob Dylan. Quizás lo más atractivo de la película.

Como ya habéis visto el punto fuerte de la cinta sin duda es su reparto y es que estos dos personajes están interpretados por un fantástico Edward Norton como Peter Seeger y Scoot McNairy como Woody Guthrie.

La ambientación, vestuario y montaje en general están muy bien. Si que creo que la película podría haber durado algo menos, y nos hubiesen contado lo mismo. Pero, como siempre digo, al final no es mí película y como espectadora, simplemente se me hizo un poquito larga, pero sigue siendo un buen producto.

‘A Complete Unknown’ está nominada al Oscar a Mejor Película, entre otras muchas nominaciones. Sin duda es un homenaje al comienzo de este Premio Nobel de Literatura y sobre todo compositor que nos ha dado grandes obras musicales.

Ficha de la película

Estreno en España:  28 de febrero de 2025. Título original: A Complete Unknown. Duración: 141 min. País: Estados Unidos. Dirección: James Mangold. Guion: Jay Cocks, James Mangold. Fotografía: Phendon Papamichael. Reparto principal: Timothée Chalamet, Edward Norton, Elle Fanning, Monica Barbaro, Eriko Hatsune, Peter Gray Lewis, Peter Garety, Scoot McNairy, Riley Hashimoto, Wloise Peyrot. Producción: The Picture Company, Veritas Entertainment Group, Fox Searchlight, Range Media Partners. Distribución: Walt Disney Pictures. Género: Drama. Web oficial: https://www.searchlightpictures.com/a-complete-unknown

Crítica: ‘Maria Callas’

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Sinopsis

‘María Callas’, la nueva película dirigida por Pablo Larraín, narra los últimos días de vida de la legendaria soprano María Callas en el París de los años 70. La película, protagonizada por Angelina Jolie, sigue un enfoque similar al de otras obras de Larraín, como Jackie y Spencer, explorando momentos específicos y cargados de emoción en la vida de estas icónicas mujeres.

Crítica

Jolie espléndida. Larraín anclado en el homenaje contemplativo basado en su propia imaginación

El cine de Pablo Larraín ha establecido una marca distintiva en el género biográfico, con una fijación casi obsesiva por desmenuzar a figuras icónicas, humanizarlas y al mismo tiempo, rendir homenaje a su legado. ‘Maria Callas’, protagonizada por Angelina Jolie, se suma a este corpus como un estudio íntimo y melancólico sobre los últimos días de la diva de la ópera, pero con un enfoque que, aunque admirable, se siente algo distante y poco efectivo, sin embargo, lejos de lo desastroso que fue ‘Spencer’.

Angelina Jolie encarna a Maria Callas con un porte elegante y un aire trágico que captura la fragilidad emocional de la soprano. Jolie no intenta imitar a Callas de manera literal (como comprobamos con las imágenes de los créditos), sino que interpreta su esencia con una profundidad emotiva que resulta conmovedora. Sin embargo, la película tiende a apoyarse demasiado en la presencia magnética de Jolie, dejando que la narrativa se deslice en una contemplación que a veces roza lo estático. Aunque el trabajo de Jolie es notable, no alcanza el nivel transformador de Natalie Portman en ‘Jackie’, donde Larraín parecía estar en completa sintonía con sus protagonistas. Aún así el enfoque psicológico aporta un matiz interesante a buena parte de la película, empleando metáforas y un poco de imaginería. Sin embargo, esta decisión también subraya un problema narrativo: la película parece preocupada por construir un homenaje atmosférico y subrayar como fantasmas los conflictos internos de La Callas, pero carece de hilo y es redundante.

En términos visuales, Maria Callas es un deleite, como es habitual en el cine de Larraín. La fotografía evoca tanto la opulencia de la ópera como la soledad de los escenarios vacíos. El filme parece gritar que las arias y cantos líricos que entonan tenores y sopranos también están dirigidos proféticamente a un arte que caerá en el olvido o el menosprecio. Prueba de ello es la mismísima secuencia inicial, la cual supone un repaso más propio de un epílogo que de un prólogo. Con muchos planos kubrickianos y ensalzando una opulencia muerta, las imágenes, a veces también de una grandiosidad que nos achica, amedrentan cualquier espíritu alegre u optimista con el que hayamos podido entrar a la sala. ‘Maria Callas’ es un filme triste y nostálgico.

La comparación con otros biopics de Larraín es inevitable. En ‘Jackie’, la viuda de Kennedy se enfrenta al duelo mientras navega por un panorama político implacable, brindándonos una oportunidad única de explorar una parte menos considerada en un momento tan histórico como el recogido por la cinta zapruder. En ‘Spencer’, Diana de Gales experimenta una crisis existencial en un entorno sofocante y una semana decisiva. Ambas películas presentan a mujeres atrapadas en jaulas doradas, pero ‘Maria Callas’ lo que hace es intentar elevar la intensidad psicológica a través de traumas y divagaciones imbuidas por medicamentos. Mientras que ‘Jackie’ y ‘Spencer’ se desarrollan en momentos críticos de las vidas de sus protagonistas, ‘Maria Callas’ opta por un enfoque más reflexivo y menos narrativamente dinámico, lo que podría desilusionar a algunos espectadores. En cuanto a su comparación con ‘Neruda’ y ‘El Conde’, este largometraje tiene mejor ritmo que la cinta sobre el poeta y carece absolutamente por completo del toque satírico o crítico de la experimentación empleada en la obra sobre el dictador. Larraín utilizó elementos metaficcionales y surrealistas para explorar a los personajes chilenos, pero en ‘Maria Callas’ adopta un enfoque más convencional y respetuoso. Si bien esto es apropiado para el personaje, también limita las posibilidades creativas de la película. No obstante, lo que queda claro es que Larraín se encuentra cómodo rellenando con su imaginación episodios y momentos íntimos de celebridades que nos dejaron.

Uno de los aspectos más interesantes de ‘Maria Callas’ es como retrata el aislamiento que acompaña a la grandeza, los anhelos por controlar la vida propia y una obsesión inmoladora por el canto. Larraín muestra a Callas como una mujer atrapada entre su arte y aquellos que facilitaron sus vicios y necesidades, lo cual empieza a ser un tema recurrente en su filmografía. Sin embargo, mientras que en ‘Spencer’ o ‘Jackie’ este cautiverio se traduce en un drama urgente, aquí se siente más como un retrato estático, como si Larraín estuviera más interesado en observar a Callas desde la distancia, sin prisas por rendirle homenaje.

En última instancia, ‘Maria Callas’ es una obra visualmente impresionante y emocionalmente resonante, pero no alcanza el impacto de las mejores películas de Larraín. Angelina Jolie ofrece una interpretación digna de admiración, pero la película, aunque sólida, carece de la chispa innovadora que caracteriza los trabajos más audaces del director chileno. Es una pieza que probablemente será apreciada por los amantes de la ópera y los seguidores tanto de Callas como de Jolie, pero que podría dejar a otros anhelando una conexión más profunda y visceral o por lo menos un chorreo de información más sugerente.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de febrero de 2025. Título original: Maria. Duración: 124 min. País: Italia, Alemania. Dirección: Pablo Larraín. Guion: Steven Knight. Fotografía: Edward Lachman. Reparto principal: Angelina Jolie, Pierfrancesco Favino, Alba Rohrwacher, Haulk Bilginer, Kodi Smit-McPhee, Stephen Asfield. Producción: The Apartment, Komplizen Film, Fabula. Distribución: Diamond Filmas. Género: drama, biográfica. Web oficial: https://www.komplizenfilm.de/en/movies/maria

Crítica: ‘Daaaaaalí!’

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Una joven periodista francesa se encuentra en varias ocasiones con el icónico artista surrealista Salvador Dalí para un proyecto documental que nunca llegó a realizarse.

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Crítica

La comunión inevitable de dos genios del surrealismo

Hace dos años tuve la inmensa suerte de conocer a Quentin Dupieux en el marco del festival de Sitges. Allí vivimos una de las ruedas de prensa más divertidas de todas las celebradas en la localidad catalana. Entre muchas sugerentes e interesantes preguntas pude lanzar un par. Una de esas cuestiones era más una sugerencia pues planteaba al director usar su característico estilo y aplicárselo a algún suceso real. Me respondió rotundamente que no. Ahora se estrena ‘Daaaaaali!’ y lejos de señalar que se ha contradicho, hay que reconocer que tanto en la realidad y la ficción, con el genio surrealista era difícil distinguir lo que eran ensoñaciones y lo que eran hechos reales. Por eso era inevitable la comunión entre el director francés y el mítico artista español, porque ambos tienen pocas ligaduras con la realidad.

‘Daaaaaali!’ no es una película únicamente para los muy cafeteros de Dupieux pero tampoco la más accesible. Aún así es una muestra del absurdo estilo distintivo de Quentin Dupieux, un cineasta conocido por su enfoque disparatado y su capacidad para desdibujar las líneas entre lo posible y la ficción más lunática. El guion de ‘Daaaaaali!’ mezcla elementos excéntricos, cómicos y oníricos, reflejando las ocurrencias de dos genios capaces de crear de manera libre. Es una obra audaz y creativa que captura la esencia del surrealismo y rinde homenaje a uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Dupieux demuestra su afinidad con el surrealismo y dadaismo de Dalí, sugiriendo que ambos habrían hecho buenas migas, estoy seguro de que se habrían adulado mutuamente. Al igual que Dalí podía soltar algo incomprensible que dejaba al oyente con el gesto torcido, Dupieux nos asalta siempre con escenas tan ocurrentes como sorprendentes e insondables. La película llega hasta el punto de ser capaz de deshacerse a sí misma e introducirnos en un bucle. Estoy seguro de que también le gustará a Christopher Nolan, de igual modo que los que amamos ‘Los Caballeros de la Mesa Cuadrada’ o ‘Top Secret!’ hemos encontrado gags conocidos.

Pero, ¿de qué tarta Dalí? Con todo lo que he dicho hasta aquí podrás imaginar que no es un biopic. La narrativa no sigue una estructura lineal tradicional, sino que se despliega como una serie de viñetas que exploran diferentes aspectos de la vida y la mente de Dalí, sobre todo acerca de su personalidad. Entre estos episodios se incluyen personajes como Gala, su musa y esposa, y su fiel chófer. El hilo conductor es una entrevista que no acaba de cuajar, subrayando así la naturaleza indómita y caprichosa del artista. Dupieux no tiene miedo de desafiar las expectativas del público, una valentía que es una de las fortalezas de su obra, de nuevo alineándose con otra característica de Dalí, su arrojo propiciado por su confianza ciega en su arte. A través de este enfoque, Dupieux logra retratar desde la imaginación a este maestro inigualable, llegando incluso a criticarse a sí mismo por intentar acercarse al arte del genio.

Una de las características más destacadas de la película es la interpretación de Dalí por múltiples actores. Las seis aes del título hacen referencia a los seis actores que llegan a lucir el bigote característico de Dalí. El de Figueres era inigualable pero hasta cierto punto no era inimitable, como demuestran casi todos los intérpretes del filme que clavan sus gestos y su hablar sin citar ni un solo detalle real. Este enfoque refleja la percepción pública de Dalí como una figura cambiante y multifacética. Dupieux utiliza este recurso para crear una sensación de desorientación y fascinación que mantiene al espectador cautivado.

A favor del filme está le haber rodado en la tierra de Salvador Dalí. Visualmente, la película es un festín para los ojos. Dupieux, quien también es conocido por su trabajo como director de fotografía, emplea una paleta de colores veraniegos y una composición visual meticulosa que captura la esencia del arte de Dalí, de hecho recrea por lo menos tres cuadros auténticos. Las escenas están llenas de imágenes surrealistas sumergiendo al espectador en un mundo casi sin sentido. Y por si queréis algo más de disparate. Dupieux es conocido por su faceta de Dj y su campaña con Flat Eric. Curiosamente la banda sonora de ‘Daaaaaalí!’ no está compuesta por él, sino por alguien con quien ya trabajó en ‘Reality’, Thomas Bangalter, uno de los miembros de Daft Punk.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de octubre de 2024. Título original: Daaaaaalí! Duración: 79 min. País: Francia. Dirección: Quentin Dupieux. Guion: Quentin Dupieux. Música: Thomas Bangalter. Fotografía: Quentin Dupieux. Reparto principal: Anaïs Demoustier, Gilles Lellouche, Edouard Baer, Jonathan Cohen, Pio Marmaï, Didier Flamand, Romain Duris. Producción: Atelier de Production, Associates M Productions, France 3 Cinéma. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial: https://es.unifrance.org/pelicula/55586/daaaaaali

Crítica: ‘Back to black’

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La extraordinaria historia del rápido ascenso a la fama de Amy Winehouse y la creación de su exitoso álbum ‘Back to Black’. Contada desde la perspectiva de Amy e inspirada en sus letras profundamente personales, la película descubre a la excepcional mujer detrás del fenómeno mediático y una tormentosa relación en el centro de uno de los discos más legendarios de todos los tiempos.

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Crítica

Habría sido más justo un biopic tan disruptivo como lo fue su carrera

‘Back to black’ es la película que trata la figura de Amy Winehouse a través de la interpretación y la voz de Marisa Abela. El reto podía ser fácil pues es una historia reciente ampliamente documentada por todo tipo de prensa, la estética pin-up de la cantante era muy singular y sus canciones hablaban con marcada sinceridad sobre su vida o estado de ánimo. Lo realmente retador era el tema de la voz y hacer de esta una película necesaria.

Facialmente no se parece la actriz y su voz está lejos de ser como la de la fallecida artista. Pero hay que reconocer que Marisa Abela canta muy bien temas que requiren tonos muy complicados. Si ella fuese capaz de igualar la voz Winehouse estaría grabando discos que siguiesen su escuela y no películas. No obstante me aventuro a decir que este filme le será a la actriz como buenísima carta de presentación. Gracias a eso y a que se calcan fotografías o momentos públicos de su vida tenemos cierto sentimiento de remembranza. Pero no vale solo con calcar. Los fans buscan que se respete su estilo y espíritu. Los no seguidores querrán ser informados sobre una estrella que quizá en su día no siguieron. Y creo que no me equivoco si digo que todos esperan la historia completa sin omisiones, llegaremos a eso, no voy a cortarme como hace la película.

Amy Winehouse provenía de una familia judía londinense. Su padre era taxista, y su madre farmacéutica. Apenas hay alusiones a su hermano en el filme. Murió alcoholizada en su amado Candem Town entrando así en el club de los 27 y dejándonos dos únicos álbumes en solitario. Entre otros, frecuentaba el bar The Hawley Arms, el mismo que está relacionado con el protagonista de ‘Mi reno de peluche’. Curiosamente ella también llevo una relación tormentosa y tumultuosa con alguien a quien conoció en un bar. Una relación con idas y venidas de la cual surgió la canción que da título a esta película. Él llegó a decir que le gustaba más el crack más que la propia Amy. De nuevo una omisión pues es una cita que no aparece en el filme.

No es que a la directora Sam Taylor-Johnson (‘50 sombras de Grey’) le gusten las relaciones de pareja fuera de la norma, es que este es un aspecto fundamental para entender la vida de Amy Winehouse y las letras de algunas de sus canciones. Esa relación tóxica, el divorcio de sus padres, la muerte de su abuela, las adicciones… Todo el ello aparece en ‘Back to black’. Aunque nos cueste creerlo está plasmado de un modo suavizado. Tanto física como artísticamente la película se queda muy corta en cuanto a la degradación que sufrió. Claro que hay que considerar que el filme cuenta con el visto bueno y colaboración de Mitch Winehouse, con quien Eddie Marsan habló para preparar su papel. Vomitonas y lapsus sobre el escenario, un cuerpo demacrado, salidas de tono en público, la necesidad de llevar guardaespaldas… No todo eso está tratado en esta recreación, no en su justa medida. Solo se hace mucho inciso en su alcoholemia y en el acoso de los paparazzi, sobre los cuales se arroja mucha parte de culpa de su intoxicación etílica. Por supuesto, sería pecado capital, también se habla de cómo ella se coló en todas las listas y se bañó en premios gracias a su poderosa voz y la manera en cómo recordaba a la vieja escuela.

‘Back to black’ se proyecta sin un montaje, guión o tomas talentosas. Por suerte solo hay un par de secuencias que recuerdan a ‘50 sombras de Grey’. La película no está mal pero sin aportar información extra o un enfoque fuera de la norma se antoja poco relevante o necesaria. Ojalá este biopic hubiese sido tan disruptivo como fue su carrera. Quizá habría que haber esperado más tiempo para que este filme tenga su papel de tributo y rescate en la memoria, para que las futuras generaciones comprueben que las estrellas fugaces siguen existiendo a pie de calle.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de mayo de 2024. Título original: Back to black. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Sam Taylor-Johnson. Guion: Matt Greenhalgh. Música: Nick Cave, Warren Ellis. Fotografía: Polly Morgan. Reparto principal: Marisa Abela, Eddie Marsan, Jack O’Connell, Lesley Manville, Juliet Cowan, Sam Buchanan. Producción: StudioCanal UK, Monumental Pictures, Canal+, M6, W9. Distribución: Universal Pictures. Género: biografía, drama. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/back-to-black/

Crítica: ‘Segundo Premio’

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Granada, finales de los 90. En plena efervescencia artística y cultural, un grupo de música indie vive su momento más delicado: la bajista rompe con la banda buscando su sitio fuera de la música y el guitarrista está inmerso en una peligrosa espiral de autodestrucción.  Mientras, el cantante se enfrenta a un complicado proceso de escritura y grabación de su tercer disco. Nadie sabe que ese disco cambiará para siempre la escena musical de todo el país.

Esta (no)es una película sobre los Planetas.

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Crítica

Se lleva por delante a cualquier otra película reciente sobre bandas musicales, que últimamente no son pocas en nuestro país

Personalmente nunca he sido fan de Los Planetas, a si es que podéis presuponer que esta no es una crítica sesgada por un sentimiento fan. El indie español, grupos como Lori Meyers, Love of Lesbian, Vetusta Morla o IZAL, me suenan a rock mustio, pero tienen un papel relevante en la escena musical española y hay que reconocerles sus legiones de fans. Ya me habían dicho que ‘Segundo Premio’ era una película diferente, que no era solo para fans del grupo, de hecho puede que desagrade a alguno de sus seguidores. Con la mente abierta he entrado en la sala, dispuesto a redescubrir a una banda y ver un biopic diferente. El Festival de Málaga avaló ese tipo de alabanzas y tras verla suscribo sus reconocimientos al montaje y la dirección, entre otras cosas.

La propuesta de Isaki Lacuesta, Pol Rodríguez y Fernando Navarro ofrece una mirada penetrante y evocadora a una época crucial del grupo Los Planetas. A diferencia de los biopics convencionales, esta película se aleja de las narrativas pulidas, anecdóticas o rigurosas. ‘Segundo premio’ opta por un enfoque más fragmentado y visceral que captura la esencia turbulenta y creativa del grupo durante la grabación de su tercer disco, que data de 1998. Como si de una era remota y lejana se tratase se habla del siglo XX, se proyecta en 4:3 y se nos transporta a ambientes muy diferentes a los habituales dentro del mundo del rock y la música contemporánea. Al igual que otras películas sobre bandas musicales, véase ‘Dardara’ por ejemplo, se agradece el cambio de perspectiva y el no endiosamiento de los miembros de la formación.

La espina dorsal del guión es la relación tumultuosa de hermandad y amistad de dos de sus miembros. La trata de tal modo que llega hasta el punto de recordar a la historia de los hermanos Gallagher. Tanto en su dinámica interna como en su impacto en la escena musical, Los Planetas vivieron momentos de intensa creatividad y autodestrucción. Las secuencias de ‘Segundo Premio’ a veces son caóticas y siempre llegan cargadas de emoción, evocando la pasión del flamenco y la Semana Santa que tan presenta están en las raíces de Jota, Florent y May. Con eso llegamos a uno de los puntos más fuertes y curiosos de ‘Segundo Premio’, su capacidad para sumergir al espectador en el underground granadino de la época. La ambientación y la atmósfera son palpables, logrando una inmersión completa en el entorno que vio nacer, mutar y casi morir a Los Planetas. Se capta la esencia de una Granada vibrante y poética, un caldo de cultivo perfecto para la explosión indie que representaron.

‘Segundo Premio’ huele a cloretilo, a producto de limpieza de garito, a sudor de estudio, al sol de Sierra Nevada, a cerveza repegada en el suelo, a abrazos resacosos… Consigue ensalzar a un grupo a través de su historia en B, tan en B que llega a referenciar a Jess Franco. Es la historia que nadie ve y han querido imaginar. No sé hasta qué punto guarda fidelidad con la realidad, pero creo que ni a mi ni a los artífices de la película, les ha parecido eso una prioridad. Se percibe como una autopsia de un grupo, un coming of age musical, maduro, atrevido y tan paradigmático que se lleva por delante a cualquier otra película dedicada a cantantes o bandas musicales, que últimamente no son pocas en nuestro país.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de mayo de 2024. Título original: Segundo Premio. Duración: 109 min. País: España. Dirección: Isaki Lacuesta, Pol Rodríguez. Guion: Isaki Lacuesta, Fernando Navarro. Música: Susana Hernández ‘Ylia’, Los Planetas. Fotografía: Takuro Takeuchi. Reparto principal: Daniel Ibáñez, Cristalino, Stéphanie Magnin, Mafo, Chesco Ruiz, Edu Rejón. Producción: La Terraza Films, Áralan Films, Ikiru Films, Bteam Prods, Sideral Cinema, Los Ilusos Films, Toxicosmos AIE. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://bteampictures.es/segundo-premio/

Crítica: ‘Ferrari’

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Verano de 1957. Detrás del espectáculo y el peligro de la Fórmula 1, el ex piloto Enzo Ferrari (Adam Driver) está en crisis. La quiebra acecha a la empresa que él y su esposa, Laura (Penélope Cruz), construyeron de la nada hace diez años. Su inestable matrimonio se ve aún más fracturado por el dolor de la muerte de su único hijo. Ferrari lucha contra el reconocimiento de su otro hijo con Lina Lardi. La pasión de sus pilotos por ganar les lleva al límite. Todos sus destinos convergen en una carrera, la que atraviesa 1.000 millas a lo largo de toda Italia, la icónica Mille Miglia.

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Crítica

Sensación tan agridulce como el vinagre de Módena

Módena es la región donde se establece la sede de Ferrari y también la zona del norte de Italia que da nombre al agridulce vinagre. No es avinagrado el sabor que nos deja la nueva película de Michael Mann pero si es agridulce pues nos brinda momentos estupendos y nos desvela facetas poco conocidas para los ajenos al mundo automovilístico, pero el guión marea la perdiz hasta tal punto que cuesta vislumbrar cuál ha sido la intención de rodar este fillme.

El principal problema que se atisba es que el foco no está nada definido o demasiado repartido. ‘Ferrari’ no es un biopic como tal. Siendo exactos habría que indicar que aunque siga constantemente a Enzo Ferrari (Adam Driver) es la narración de un momento concreto y crucial en la historia de Ferrari, con todo lo que le rodea. En esa locación el director nos plantea un escenario con un imperio empresarial, un matrimonio marcado por la tragedia y líos de faldas. El esquema es bastante reiterativo y redundante y aun así cuesta discernir el auténtico sino de la película. Quizá se comprenda mejor si se entiende como un drama palaciego. Haciendo similitudes con las grandes familias medievales descubrimos que hay un feudo comercial, dos socios reinando sobre él, batallas que ganar a base de carreras, amantes que surgen de la clase baja del reino y hasta un hijo bastardo.

Al comienzo pensaba que la película tenía un problema de enfoque, pero luego fui comprobando que se busca un realismo que nos hace cambiar de punto de vista constantemente, quizá eso está relacionado con la diversidad de focos que mencionaba. Mann nos somete a un exceso de split diopter, esa técnica óptica tan usada en el cine para lograr acercarse estrechamente al espectador pero conservando distintos puntos de foco. Cuando deja de abusar tanto de ese efecto nos mete en carreras que están muy bien rodadas. ‘Ferrari’ transmite el riesgo de manipular y conducir un coche de la época con planos cerrados, cortos y vibrantes. Está fuera de toda duda que Michael Mann sabe mover la cámara y lo que es decir más, sabe qué tipo de lente o técnica le viene bien a la historia. El problema de ’Ferrari’, como decía, no es la técnica sino el enfoque que se le da al proyecto. Es como si todo aquello de lo que adolece la película fuese una extensión de lo que le viene pasando en los últimos años al equipo de Formula 1.

Parece que el tema del parecido físico ha caído en el olvido. Recientemente hablábamos de ‘Griselda’ y lo poco que se parecía Sofía Vergara e incluso con Adam Driver estudiamos lo mismo cuando se estrenó ‘La casa Gucci’. Quizá habría sido mejor escoger al futbolista Mesut Özil para dar vida al creador de la marca de coches, quien sabe, a lo mejor habríamos descubierto un talento oculto. Pero nos habrían privado del buen hacer de Driver, quien además de parecer predestinado a hacer un papel automovilístico dado su apellido, es capaz de calcar ciertos momentos, gestos o carácter del magnate. Ni que decir tiene que Penélope Cruz y el resto del reparto de actores famosos tampoco guardan similitudes, ni siquiera lejanas, con las personas reales a las que devuelven a la vida. Al menos la actriz española puede decir que solo cuando ella le da la réplica al protagonista ‘Ferrari’ sube de nivel dramático e interpretativo.

Siendo un filme de 2021, con el que comparte protagonista y tocando un personaje clave para Italia la comparativa con ‘La casa Gucci’ va a ser inevitable. Yo me decanto más por esta película ya que al menos no da risa de comedia involuntaria ni es tan culebrón. Simplemente con el bofetón y la crudeza con la que nos sacude en una de las escenas finales ya merece más la pena.

Con lo entusiasmados que nos había dejado Mann tras su participación en la serie ‘Tokyo Vice’ hemos recibido un jarro de agua fría. Por momentos la película es aburrida y solo cuando tenemos carreras o se tocan momentos contrastables de la historia crece el interés. Intenta acercarse a ‘Le Mans ‘66’ pero está lejos de clásicos históricos como ‘Heat’, ‘El último mohicano’ o ‘Ali’.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de febrero de 2024. Título original: Ferrari. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Mann. Guion: Troy Kennedy-Martin, Michael Mann. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Daniel Pemberton. Reparto principal: Adam Driver, Penélope Cruz, Shailene Woodley, Sarah Gadon, Patrick Dempsey, Jack O’Connell. Producción: Forward Pass, Storyteller Productions, Iervolino & Lady Bacardi Entertainment, STX Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://www.ferrari-film.com/

Tráiler de ‘Priscilla’

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La nueva película de Sofía Coppola

Cailee Spaeny y Jacob Elordi protagonizan el nuevo largometraje de Sofía Coppola, ‘Priscilla’. Elastica Films y BTeam Pictures pondrán este título en cines a partir del 14 de febrero. Si hace poco vimos un filme sobre Elvis Presley ahora llega el turno para profundizar más en una de las personas que influyeron en su vida Priscilla Beaulieu, quien fue su esposa y protagonista en películas como ‘Agárralo como puedas’.

Jacob Elordi es quien se mete en la piel del mítico cantante pero realmente la protagonista es Priscilla y está interpretada por Calilee Spaeny. Esta última salió del Festival de Venecia con la Copa Volpi a la Mejor Actriz bajo el brazo.

‘Pirscilla’ está basada en la autobiografía ‘Elvis & Me’, evidentemente escrita por Priscilla Presley. El relato rememora el noviazgo y matrimonio con Elvis y abarca desde el momento en el que se conocieron en la base militar alemana hasta su convivencia en Graceland.

Sinopsis oficial:

Cuando la adolescente Priscilla Beaulieu se encuentra con Elvis Presley en una fiesta, él ya es una meteórica superestrella del rock and roll. Su genuina conexión inicial les lleva a pensar que están hechos el uno para el otro, y así surge una gran amistad y un apasionante flechazo que dará lugar a una relación en la que ambos creen que ninguno volverá a sentirse solo.