James Watkins dirige una nueva visión del icónico villano de Batman
DC Studios continúa ampliando su universo cinematográfico con una propuesta muy diferente a las habituales películas de superhéroes. ‘Clayface’ apostará por el terror psicológico y el thriller para narrar el origen de uno de los enemigos más conocidos de Batman, alejándose de los grandes espectáculos de acción para ofrecer una historia mucho más oscura e inquietante.
La película estará dirigida por James Watkins (‘No hables con extraños’), cineasta especializado en el género de suspense y terror, mientras que el actor Tom Rhys Harries dará vida a Matt Hagen, una nueva versión del personaje clásico de DC.
La tragedia de Matt Hagen marcará el corazón de la historia
La película seguirá el ascenso de Matt Hagen desde las calles de Gotham hasta convertirse en una prometedora estrella de Hollywood. Sin embargo, su vida cambiará radicalmente cuando un poderoso jefe criminal provoque un accidente que lo deja gravemente desfigurado.
Desesperado por recuperar su antigua vida, Hagen acepta someterse a un innovador tratamiento experimental capaz de devolverle su aspecto físico. Lo que inicialmente parece un milagro termina convirtiéndose en una auténtica pesadilla cuando el procedimiento altera su percepción de la realidad y desencadena una espiral de obsesión, locura y sed de venganza que acabará transformándolo en el temible Clayface.
Con este planteamiento, DC Studios apuesta por una historia con claras influencias del cine de terror corporal y del thriller psicológico, explorando la pérdida de identidad, la obsesión por la apariencia y la corrupción moral del personaje.
Un reparto de primer nivel para el nuevo thriller de DC
Junto a Tom Rhys Harries, el reparto reúne a varios intérpretes destacados del panorama internacional:
Naomi Ackie
David Dencik
Max Minghella
Eddie Marsan
Nancy Carroll
Joshua James
Aunque todavía no se han revelado los personajes que interpretarán, todos ellos formarán parte de esta reinterpretación del universo de Gotham desde una perspectiva mucho más oscura y adulta.
Mike Flanagan firma la historia y James Gunn impulsa el proyecto
Uno de los aspectos más llamativos del proyecto es su equipo creativo. El guion está escrito por Mike Flanagan y Hossein Amini, a partir de una historia original desarrollada por el propio Flanagan basada en los personajes de DC Comics.
La producción corre a cargo de Matt Reeves, Lynn Harris, James Gunn y Peter Safran, responsables de buena parte del nuevo rumbo cinematográfico de DC Studios.
El apartado técnico también reúne nombres destacados como:
Rob Hardy, director de fotografía.
James Price, diseñador de producción.
Jon Harris, responsable del montaje.
Keith Madden, diseñador de vestuario.
Volker Bertelmann, compositor de la banda sonora.
Todo ello apunta a una producción con una marcada identidad visual y una fuerte apuesta por la atmósfera propia del cine de terror.
Estreno exclusivo en cines en octubre de 2026
Clayface llegará a los cines españoles el próximo 23 de octubre de 2026, distribuida por Warner Bros. Pictures.
Con esta producción, DC Studios continúa diversificando su catálogo con películas centradas en personajes icónicos, explorando nuevos géneros cinematográficos y ofreciendo una visión mucho más adulta del universo de Gotham. El resultado promete ser una de las propuestas más singulares de la franquicia, llevando a la gran pantalla una historia de horror, tragedia y transformación protagonizada por uno de los villanos más fascinantes del universo de Batman.
Uno pide irse de spa tras este baño de tensión, sangre y dolor
La franquicia ‘Posesión Infernal’ hace tiempo que dejó de competir por quién provoca más miedo. Su verdadera batalla consiste en descubrir hasta dónde puede llevar el sufrimiento físico de sus personajes sin perder esa sonrisa macabra que acompaña al espectador. Con ‘Posesión Infernal: En llamas’, Sébastien Vanicek entiende perfectamente cuál es el juego y entrega una película que apenas concede un segundo para recuperar el aliento.
Eso sí, conviene avisarlo desde el principio. Quienes no estén familiarizados con la saga, o quienes no disfruten del terror más sangriento, probablemente encuentren esta propuesta excesiva. Aquí no hay medias tintas. Cada muerte busca superar a la anterior mediante una sucesión de mutilaciones, heridas imposibles y un gore recreado con todo lujo de detalles. Si en ‘Posesión Infernal: El despertar’ muchos todavía recuerdan la escena del rallador de queso, esta nueva entrega convierte aquella secuencia casi en una anécdota. Es una película muy burra, extremadamente física y construida para hacer que el espectador sienta dolor simplemente contemplando lo que ocurre en pantalla. Y sé que el director no buscaba el gore por el gore, pero le ha saldo eso.
No es casualidad y el director es víctima de sus propias intenciones. El propio Vanicek explicó durante el desarrollo del proyecto que pretendía crear una experiencia tan visceral que el público saliera del cine completamente agotado. Y, desde luego, cumple su promesa. Cuando terminan los créditos, tras tanta tensión, sangre y dolor, uno siente que necesita más un spa que una secuela. Precisamente por eso merece la pena quedarse sentado en la butaca, porque hay una escena a mitad de los créditos y otra al final que conectan con el pasado y el posible futuro de la franquicia.
Aparcando ‘Vermin’ y para saciar al fan de ‘Posesión infernal’
Quien disfrutara con ‘Vermin’ quizá espere encontrar aquí aquella sensación de angustia constante que convertía las arañas en una auténtica pesadilla. Sin embargo, Vanicek no consigue transmitir el mismo nivel de terror psicológico ni de agobio o nerviosismo. También es verdad que la propia identidad de ‘Posesión Infernal’ nunca ha residido únicamente en el miedo. La saga siempre ha preferido sorprender con nuevas barbaridades antes que con simples sobresaltos.
En ese sentido, el director francés demuestra haber entendido perfectamente el legado recibido. Sam Raimi eligió personalmente a Vanicek tras quedar impresionado con su anterior trabajo, mientras Bruce Campbell continúa implicado como productor ejecutivo, una presencia que además va mucho más allá del apartado industrial gracias a varios guiños dirigidos directamente a los seguidores más veteranos.
También resulta simpático que el realizador deje pequeñas pinceladas de su procedencia, tanto mediante algunos apuntes musicales como con la elección de un actor que repite con él tras ‘Vermin’ y el fichaje de Souheila Yacoub como protagonista. La actriz suiza, muy vinculada al cine francés gracias a trabajos como ‘Climax’ o la serie ‘No Man’s Land’, aporta una intensidad física que encaja perfectamente con el tono del filme.
Más sangre que mitología, pero un entretenimiento salvaje para los fans
Personalmente, sigo inclinándome hacia la segunda entrega lanzada tras el remake de 2013. Me pareció una película que encontraba un mejor equilibrio entre el espectáculo gore y una historia capaz de sostenerse por sí misma. En ‘Posesión Infernal: En llamas’ el componente familiar vuelve a ocupar buena parte del relato, aunque en esta ocasión el argumento existe principalmente para enlazar una brutalidad con la siguiente.
Quizá por eso se echa de menos una mayor expansión de algunos elementos del universo de la saga, especialmente todo lo relacionado con el círculo de hombres sabios o la mitología kandariana, aspectos que aparecen apuntados pero nunca desarrollados con la profundidad que muchos aficionados agradecerían.
También resulta curioso cómo Vanicek juega deliberadamente con las expectativas del público. En un par de ocasiones parece que va a repetir dos de los momentos más icónicos de la franquicia: la pronunciación de las palabras de invocación y el inevitable protagonismo de la motosierra durante el clímax. Sin embargo, introduce pequeñas fintas cargadas de humor autoconsciente que funcionan bastante bien precisamente porque saben que el espectador espera esos instantes. Rebeldía de autor, supongo.
Eso no impide que el filme caiga en algunos tópicos muy vistos dentro del género. La acción vuelve a desarrollarse prácticamente en una casa decrépita, reaparece el recurso del perro para generar inquietud y tampoco falta ese personaje construido con todos los clichés posibles de la depresión (uñas oscuras, pelo teñido y sudadera con capucha incluida). También repite algunos recursos que hemos visto en ‘La Momia de Lee Cronin’, que se supone que está dentro de este universo, pero aún no llega la ansiada conexión.
Pero cuando uno entra en ‘Posesión Infernal: En llamas’ sabe exactamente qué viene a buscar. Y la película cumple con creces. Es grotescamente divertida, tremendamente salvaje y probablemente una de las entregas más extremas de toda la franquicia. Puede discutirse si supera o no sus predecesoras, pero cuesta negar que Vanicek ha firmado una experiencia tan agotadora como memorable para cualquier amante del horror más descarnado.
Ficha de ‘Posesión infernal: en llamas’
Estreno en España: 17 de julio de 2026. Título original: Evil Dead Burn. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Sébastien Vanicek. Guion: Sébastien Vanicek, Florent Bernard. Música: Xavier Caux, Douglas Cavanna, Double Danger. Fotografía: Philip Lozano. Reparto principal: Souheila Yacoub, Tandi Wright, Hunter Doohan y Luciane Buchanan. Producción: Ghost House Pictures, New Line Cinema, New Zealand Film Commission, Ontario Creates, Screen Gems, Warner Bros. Distribución: Sony Pictures. Género: terror. Web oficial
Un origen reinventado que no termina de despegarse de lo de siempre
Hablar de ‘Superman: man of tomorrow’ es volver a confirmar una idea que se ha repetido durante años: el Universo DC siempre ha funcionado mejor en la animación que en imagen real. Mientras el llamado Snyderverse dejaba sensaciones encontradas (especialmente con personajes como Martian Manhunter, cuyo potencial quedó en nada), esta película apuesta por un enfoque más contenido, directo y, sobre todo, coherente con la esencia del personaje.
Nos encontramos ante una reinterpretación del origen de Superman que, sin romper con la tradición, introduce matices interesantes, aunque poco explotados. La historia se sitúa en un mundo con tintes retrofuturistas, una elección estética que no es casual. Este entorno mezcla tecnología avanzada con una sensibilidad visual que remite a la América de mediados del siglo XX, lo que encaja perfectamente con el simbolismo del personaje: un ideal clásico enfrentado a un mundo cambiante.
La animación es, sin duda, uno de los puntos fuertes. El trazo es limpio, dinámico y muy “americano” en el mejor sentido del término: musculatura marcada, acción clara y una narrativa visual que prioriza el espectáculo a la brillantez visual.
Una premisa potente… que se diluye
La película parte de una idea muy potente: ¿qué ocurriría si la identidad extraterrestre de Superman se viera expuesta demasiado pronto? La llegada de otras razas alienígenas, entre ellas el carismático Lobo, introduce un conflicto que podría haber redefinido completamente la percepción pública del héroe.
Sin embargo, aquí es donde ‘Superman: man of tomorrow’ empieza a perder fuerza. Lo que se plantea como un “what if” interesante, una exploración alternativa del mito, termina resolviéndose de forma bastante convencional. La narrativa opta por caminos seguros, desaprovechando el potencial dramático de un Superman que podría haber sido visto como una amenaza desde el primer momento.
El villano principal, aunque funcional, carece del peso necesario para sostener el conflicto, a pesar de sus dimensiones de kaiju. Aquí es donde entra en juego Lex Luthor, presentado como una figura ultratecnológica que anticipó versiones más modernas del personaje, en línea con lo que posteriormente desarrollaría James Gunn en su nueva visión del universo DC. Este enfoque es interesante, pero queda algo superficial en esta entrega.
Personajes secundarios y valor como puerta de entrada
Uno de los mayores aciertos de la película es su galería de personajes secundarios. La inclusión de Lobo no solo aporta dinamismo, sino que sirve como una excelente carta de presentación para el público general. Su personalidad irreverente y su brutalidad contrastan perfectamente con la moralidad de Superman, generando algunos de los momentos más entretenidos del metraje.
Por otro lado, la presencia de Martian Manhunter funciona casi como una compensación para los fans que esperaban más del personaje en otras adaptaciones. Aquí, aunque su papel no es central, al menos se le concede una relevancia narrativa que lo dignifica.
En este sentido, la película también adquiere un valor estratégico: sirve como introducción accesible a personajes que probablemente ganen protagonismo en futuros proyectos, incluyendo la esperada conexión con el universo de Supergirl. Este tipo de sinergias no son casuales y refuerzan la sensación de que sin llegar a formar parte de la misma narrativa estamos ante una pieza dentro de un plan mayor que se mantiene vivo gracias a la animación.
Ficha de ‘Superman: man of tomorrow’
Estreno en España: 2020. Título original: Superman: man of tomorrow. Duración: 86 min. País: EE.UU. Dirección: Chris Palmer. Guion: Tim Sheridan. Música: Kevin Riepl. Reparto principal (doblaje original): Darren Criss, Alexandra Daddario, Zachary Quinto, Ryan Hurst, Ike Amadi. Producción: DC Entertainment, Warner Bros. Animation. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción. Web oficial.
Harry Potter vuelve, en forma de serie y se nos va hacer muy largo este 2026
Ya tenemos el primer tráiler de la nueva serie de HBO Max basada en los libros de Harry Potter. La primera temporada ‘Harry Potter y la Piedra Filosofal’, llegará a nuestras pantallas en la Navidad de 2026. El tráiler se ha lanzado en un evento realizado en el Reino Unido e Irlanda.
En el tráiler vemos a casi todos los protagonistas de la cinta, entre ellos a los tres niños, Dominic McLaughlin como Harry Potter, Arabella Stanton como Hermione Granger, y Alastair Stout como Ron Weasley. Pero no solo a ellos les vemos en el tráiler, me ha hecho gran ilusión ver a Nick Frost como Hagrid y a John Lithgow como Albus Dumbledore.
Rory Wilmot, Lox Pratt, Leo Earley, Elijah Oshin, Tristan Harland, Gabriel Harland, Ruari Spooner, Alessia Leoni, Daniel Rigby, Johnny Flynn, Luke Thallon, o Anton Lesser son también parte de este gigantesco proyecto. Queda mucho todavía para el estreno pero sin duda este avance nos ha dado más de lo que esperábamos.
La serie, basada en los apreciados libros de J. K. Rowling, está escrita y producida por Francesca Gardiner. Mark Mylod será el productor ejecutivo y dirigirá varios episodios de la serie para HBO en colaboración con Brontë Film and TV y Warner Bros. Television. La serie cuenta con J.K. Rowling, Neil Blair y Ruth Kenley-Letts, de Brontë Film and TV, y David Heyman, de Hayday Films, como productores ejecutivos.
A continuación, os dejamos con el tráiler de la serie y su sinopsis.
Sinopsis
Harry Potter es un niño que vive con sus tíos en Inglaterra. El día que cumple 11 años, le llega una extraña carta de admisión en el Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería, algo que le abre un mundo totalmente oculto hasta ahora, un mundo de magia, diversión y amistad.
Jessie Buckley y Christian Bale llenan la pantalla de amor y locura
Una de las películas que más esperaba de este año. ‘La Novia’ llega para mostrarnos una historia bastante original, dentro de una historia ya conocida. Una mezcla de géneros que logra un gran entretenimiento y sin duda una gran puesta en escena.
Conocemos a un Frankenstein, deseoso de tener una novia, si, esto ya lo conocemos. Pero aquí no es él el protagonista. Antes conocemos a Ida, una joven que muere y revive de una manera salvaje y poderosa.
La película es romántica, es un drama, tiene música y bailes, tiene un poco de todo y sobre todo tiene una historia de descubrimiento.
Maggie Gillenhaal y su locura de atreverse con Mary Shelley
Además de dirigir, Maggie Gillenhaal decide hacer también el guion. Al igual que hizo con su ópera prima ‘La hija oscura’. Y que puedo deciros, lo hace bastante bien.
Hace una adaptación de esta novia de Frankenstein bastante punk, llena de ganas de vivir y de liarla y sobre todo con ganas de saber quien es y no subyugarse a un mundo que la quiere muerta.
Una historia donde los monstruos no lo son tanto como los que les persiguen, la base de Frankenstein sigue ahí, pero esta vez además con un fondo feminista en el que nos cuentan también una trama mafiosa. Esta trama, aunque tiene protagonismo, realmente queda tapada por la loca historia de amor que tienen estos dos monstruos y que sin duda, al menos para mí, es lo más importante de la película.
Actuaciones monstruosas
Ya sabemos que Jessie Buckley y Christian Bale son dos pedazo de artistas, pero es que aquí sorprenden y hacen dos papelones increíbles.
Christian Bale, sabemos que se adentra en cualquier cosa que le pidan, pero no os voy a negar que tenía mis dudas de verle como el Monstruo de Frankenstein, pero es que está increíble. Nos muestra bondad, ternura y también ese toque salvaje y destructor cuando es atacado.
Jessie Buckley está increíble como siempre. Este papel es una joya y ella lo representa de manera espectacular. Tiene dos papeles en la película, admito que no quiero hablar del primero ya que para mi ha sido una pequeña sorpresa y no quiero que os la perdáis. En ambos está fabulosa.
Junto a ellos tenemos a Penelope Cruz y Peter Sarsgaard. Con ellos me pasa lo contrario, su trama me pierde mucho y es que no me gustan mucho ni sus papeles ni sus actuaciones. Son sobrias y al final pasan a hacer que pierdas un poco el interés de lo que te están contando.
En cambio las actuaciones de Annete Bening y Jeannie Berlin, me han gustado mucho y sus personajes tan extraños y jugosos son de los mejores secundarios. Muy divertidos.
No todo es perfecto pero aun así merece la pena
A nivel técnico la cinta es bastante llamativa, con una banda sonora muy cuidada y una fotografía llena de detalles y colores vistosos, logran crearnos muchos estímulos y eso hace que la película sea muy rápida.
El montaje, quizás sea algo torpe en algunos momentos. No cuenta del todo bien que se podría la historia que tenemos de fondo y quizás por eso sea que como he comentado, se pierda un poco y no logre el interés que quizás la directora quería darle.
En general ‘La Novia’ me ha gustado mucho, creo que es una gran película en todo su conjunto, pese a que tiene alguna falla que otra. Pero es totalmente recomendable. Tiene una escena de baile que es un homenaje a ‘El Jovencito Frankenstein’, por supuesto ni con tanta guasa, pero que si utiliza su música. Es una cinta en la que nos muestran el amor hacia el cine y como éste puede calmar a un monstruo. No dudéis en acercaros al cine a verla y disfrutarla.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de marzo de 2026. Título original: The Bride! Duración: 126 min. País: Estados Unidos. Dirección: Maggie Gyllenhaal. Guion: Maggie Gyllenhaal. Música: Hildur Guonadóttir. Fotografía: Lawrence Sher. Reparto principal: Jessie Buckley, Christian Bale, Peter Sarsgaard, Penélope Cruz, Annette Bening, Jake Gyllenhaal, John Magaro, Jeannie Berlin. Producción: Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: Terror. Web oficial.
Artísticamente preciosa, pero lejos de la novela que representa
Olvidad la gran novela de Emily Brontë, porque si no, esta película no es para vosotros. Llega una nueva versión de ‘Cumbres borrascosas’ esta vez de la mano de Emerald Fennell. Una directora a la que le gusta mucho distanciarse de todo y hacer cosas artísticamente diferentes. Y es que sus ‘Cumbres borrascosas’ dejan atrás muchas cosas, centrándose mucho más en este amor imposible que ella nos cuenta desde su perspectiva.
¿Es ‘Cumbres borrascosas’ una buena adaptación’?
Partiendo que en principio no se mete en toda la historia que nos cuenta Emily Brontë, la cinta nos lleva como digo más a la tormentosa historia de amor de Cathy y Heathcliff. Ambos se han criado juntos en un ambiente terrible de pobreza y maltrato. Un ambiente que termina con ella casándose con un joven millonario y con él marchándose despechado y lleno de ira. Para regresar rico y con ganas de venganza.
Emerald Fennell ha obviado personajes de la novela y momentos de ésta, como digo, para llevar la historia a una truculenta historia de amor llena de traición, odio, sexo y amor verdadero.
Aunque la cinta no sea una gran adaptación, nos cuenta otra historia y no lo hace mal del todo. Si que es cierto que a mitad de película da un giro que aunque en la novela realmente es así, aquí queda bastante mal, ya que nos está contando una gran historia de amor y pasa de repente a un odio exacerbado y que realmente no entiendes. No se, creo que en parte se quiere ceñir a la novela, pero cuando lo ha intentado, se le ha ido completamente de las manos.
Reparto y personajes
Tanto el personaje de Cathy como el de Heathcliff, me parecen muy bien tratados, hasta como os digo, ese giro que en la película no pinta nada. Cathy, una mujer caprichosa, que hace lo que le da la gana con Heathcliff y con su marido. Realmente le da igual todo, solo se interesa por ella misma y por sus deseos más cercanos.
Heathcliff en cambio es el eterno enamorado, con una tristeza bajo sus hombros increíble, ya que ha sido torturado por su “salvador” y también ignorado por el amor de su vida. Regresa rico y lleno de odio hacia Cathy.
MargotRobbie y JacobElordi logran crearnos una pareja perfecta. Tanto en los buenos momentos como en los malos, logran una química increíble y se nota que han trabajo muy a gusto juntos.
En el resto de reparto me gustaría mencionar a AlisonOliver, que tiene un papel terrible, en el sentido de que su personaje es super maltratado y la verdad la actriz logra una actuación bastante buena.
En cambio, el personaje de ShazadLatif, podría ser bastante más interesante, pero sinceramente llega a dar bastante igual. No creo que sea culpa del actor, si no que simplemente su personaje no está bien desarrollado.
El arte de la película
Lo que, si que me ha gustado bastante, aunque no tenga nada que ver con la época, es el vestuario y decoración. Y es cierto que las películas de esta directora son muy artísticas visualmente hablando.
El vestuario de la mano de JacquelineDurran, es espectacular, está claro que es para que MargotRobbie se luzca, como lo hizo en ‘Barbie’, pues ya trabajaron juntas aquí. Son vestidos llamativos, con la gama de colores del rojo al rosa, resaltando el rostro y los ojos de la actriz.
Se han utilizado diferentes colores para los distintos personajes, pero es cierto que los de ella son los más llamativos. Que contrastan con el negro de JacobElordi, un personaje oscuro y lleno de rencor.
También es llamativa la gran fotografía de LinusSandgren, mostrándonos grandes primeros planos de los labios, de las manos, la piel desnuda. Pero también planos generales de las habitaciones llenas de colores y bastante vacías de muebles, poco barroco para la época tan ostentosa que nos representa.
A nivel artístico lo que no me ha gustado nada es la música, me parece que no pega con la película.
Conclusiones
No puedo decir que ‘Cumbres borrascosas’ no me haya gustado, una cosa que me dio fue un gran debate al salir de verla y eso siempre es un gran punto a favor de la película. Pero sí que creo que podría ser mucho mejor y que si se hubiese centrado más en la novela hubiese sido tremenda. Pero como siempre digo, no es mi película, es la versión de la directora y el cine está para todo el mundo. ‘Cumbres borrascosas’ tiene cosas muy buenas y pese a mitad de película que para mí se pierde, el principio y el final de la cinta logra que mínimo pueda recomendárosla.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de febrero de 2026. Título original: Wuthering Heights. Duración: 136 min. País: Estados Unidos. Dirección: Emerald Fennell. Guion: Emeral Fennell. Música: Anthony Willis. Fotografía: Linus Sandgren. Reparto principal: Margot Robbie, Jacob Elordi, Hong Chau, Alison Oliver, Shazad Latif, Martin Clunes, Ewan Mitchell, Amy Morgan, Jessica Knappett, Charlotte Mellington, Owen Cooper, Vy Nguyen. Producción: MRC Film, LuckyChap Entertainment. Distribución: Warner Bros. Género: Drama. Web oficial.
‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ se estrena el 26 de junio de 2026 con Jason Momoa como Lobo
El nuevo tráiler de la película ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ ha irrumpido con fuerza entre los aficionados del universo DC. La producción dirigida por Craig Gillespie, conocido por películas como ‘Golpe a Wall Street’, marca el nuevo inicio para el personaje ya incluído en el nuevo DCU en el ‘Superman’ de James Gunn, cuya influencia estética y musical es evidente en cada plano del avance. Con su mezcla de humor irreverente, ambientación cósmica y una apuesta clara por la acción desenfrenada, el tráiler anticipa una película que aspira a redefinir a Kara Zor-El para toda una nueva generación.
Más allá del tono vibrante, el avance ha despertado una notable conversación entre los fans debido a su representación de la protagonista, que continúa el enfoque polémico ya mostrado en los minutos finales de ‘Superman’ (2025). Muchos seguidores no han recibido con entusiasmo esta versión más desinhibida, agresiva y, en ocasiones, presentada como una heroína de actitud adolescente y con comportamientos que podrían interpretarse como excesivos o ebrios.
Fecha de estreno y posición dentro del DCU
La película tiene previsto su estreno mundial para el 26 de junio de 2026 y se sitúa como una de las piezas centrales de la primera fase del DCU de James Gunn. Tras ‘Superman’ (2025), ‘Supergirl’ profundizará en la parte cósmica y alienígena del nuevo universo, abriendo puertas narrativas hacia otras facciones, planetas y enemigos clásicos del legado kryptoniano.
Un tráiler con ADN de ‘Guardianes de la Galaxia’
Nadie puede negar que el tráiler parece beber directamente del estilo que James Gunn consolidó en ‘Guardianes de la Galaxia’. Desde el uso de música diegética (un elemento clave en las producciones que ha liderado Gunn) hasta el ritmo frenético del montaje, la influencia es perceptible a pesar de que la dirección recae en Gillespie. Este toque cósmico, irreverente y lleno de energía marca un claro contraste con la aproximación más solemne que había dominado el antiguo universo DC.
La música vuelve a jugar un papel capital, como es habitual en las producciones que supervisa Gunn. El tráiler presenta un tono rebelde y despreocupado, subrayando la actitud desafiante de Supergirl, reforzado todo ello al son del ‘Call me’ de Blondie.
Personajes y reparto: Jason Momoa regresa al DCU pero como Lobo
Uno de los elementos más comentados del tráiler es la aparición fugaz de Jason Momoa como Lobo, el infame cazarrecompensas intergaláctico. Su presencia confirma que DC utilizará al actor para un personaje completamente diferente al Aquaman del universo previo, reforzando el tono gamberro y brutal de esta nueva etapa. El propio Momoa ha confirmado este nuevo rol en sus redes sociales y aunque hemos visto poco cabe reconocer que le viene como anillo al dedo.
En el reparto también aparecen actores y personajes como David Krumholtz como el mítico Zor-El (tío de Superman), Eve Ridley como la madre de Supergirl o Matthias Schoenaerts en el papel del villano Krem of the Yellow Hills.
Escenarios: ¿una primera mirada a Kandor?
El tráiler incluye varias secuencias que muestran una ciudad encapsulada o protegida en un domo energético, lo que numerosos fans habrán relacionado inmediatamente como una posible representación de Kandor. Si se confirma, supondría la primera aparición oficial de esta icónica ciudad kryptoniana en el cine moderno, además de un punto clave para enriquecer la narrativa sobre el pasado y el trauma de Kara.
La polémica imagen de Supergirl: eco del final de ‘Superman’ (2025)
El tráiler también refuerza la visión de una Supergirl dañada emocionalmente, impulsiva, incluso con comportamientos que pueden ser percibidos como autodestructivos. La caracterización recuerda al final de ‘Superman’, donde ya se mostró una versión más salvaje del personaje, algo que generó fuerte debate entre los seguidores más tradicionales. Esta decisión creativa vuelve a dividir a la comunidad, que se pregunta si este enfoque respetará la esencia del personaje o si la apartará demasiado de su identidad clásica.
¡Tom y Jerry viajan en el tiempo! Tras una loca persecución en el Museo Metropolitan de Nueva York, un portal del tiempo los transporta a una ciudad dorada inspirada en la Antigua China, llena de magia, guerreros y criaturas sorprendentes. Para regresar a casa, viven una increíble aventura repleta de acción y humor, donde deben enfrentarse a nuevos enemigos… ¡y quizás aprender a trabajar juntos!
Crítica
Tom y Jerry regresan a la gran pantalla
Nuestro ratón y gato favoritos regresan a la gran pantalla. Estamos en Nueva York, específicamente en el Museo Metropolitan. Donde Tom trabaja a destajo como vigilante de seguridad por la noche, mientras Jerry está deseando ver la gran exposición que han preparado sobre China. Como siempre, terminan persiguiéndose y destruyendo casi todo, pero hay una brújula que se activa y les hace viajar a la Antigua China.
No me esperaba mucho de la película y termina siendo muy entretenida. Además de una animación muy buena. Tiene una animación 3D y en ciertos momentos encontramos animación en 2D bastante bonita. Momentos en los que vemos los recuerdos de los nuevos protagonistas.
Tom y Jerry siguen sin hablar, algo que se agradece, no me los imagino con voces. Mientras que todos los personajes que están a su alrededor si que parlotean. Tenemos un enemigo bastante curioso y bien trabajado. Una rata gigante, que a veces puede recordar a Dr. Octopus, no llega a tener tantos brazos robóticos, pero si que se parece a la hora de crear artilugios capaces de parar a nuestros dos protagonistas.
No perdemos, como he comentado al principio de la crítica, las persecuciones de Tom y Jerry, seguimos viendo esa manera loca a la hora de que el ratón logre escapar siempre. Y como Tom sufre las consecuencias de estar intentando siempre cazar al ratón.
GangZhang se marca su primera película en esta película en la que China y Estados Unidos producen. Mientras que el jefe de animación es el famoso Paul Griffin, supervisor de efectos visuales de series como ‘Stargirl’ o películas como ‘Deep Blue Sea’
La película llega en el 85 aniversario de la serie de dibujos animados creada por William Hanna y Joseph Barbera. ‘Tom y Jerry: Aventura en el tiempo’ es una película sencilla, con una historia que no tiene complicación, en la que el gato y el ratón quieren volver a su hogar y también ayudar a sus nuevos amigos. Es una película quizás muy infantil, y para el público adulto se quede un poco corta. Pero al final ‘Tom y Jerry’ es para los más pequeños y no debemos olvidar que ellos también deben acostumbrase a ir a divertirse al cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de octubre de 2025. Título original: Tom & Jerry: Forbidden Compass. Duración: 104 min. País: China. Dirección: Zhang Gang. Guion: Zhang Gang. Reparto principal: Li Baixin, Zhang Gang, Jiang Wen Jin, Hanlin Li, Xiongfei Tu, Zhang Wenjie, Shun Zi. Producción: China Film Co. Ltd., Warner Bros. Discovery, Origin Animation. Distribución: Adso Films. Género: Comedia. Web oficial:https://www.tomyjerry.es/
Bob, el ya acabado revolucionario (DiCaprio) existe en un estado de paranoia y drogado. Sobrevive desconectado de los demás con Wilma, su enérgica y auto-suficiente hija (Infiniti). Cuando su malvado archienemigo (Penn) reaparece al cabo de 16 años y ella desaparece, el ex-radical lucha para encontrarla. Tanto la hija como el padre tienen que luchar contra las consecuencias del pasado de éste.
Crítica
La película más combativa y política de Thomas Anderson
Hay películas que parecen responder a un pulso histórico, como si hubieran nacido de la tensión acumulada en las calles y en los noticiarios. ‘Una batalla tras otra’ de Paul Thomas Anderson pertenece a esa categoría: un relato que no solo narra, sino que respira el malestar social y lo transforma en ficción febril. Anderson toma la semilla del descontento y la hace germinar en una historia donde la radicalización política, el terrorismo artesanal y la desconfianza hacia las élites conviven en un territorio difuso entre la sátira y la tragedia.
La trama se centra en un grupo organizado de jóvenes que, cansados de la marginación y la desigualdad en temas como la inmigración o el racismo, encuentran en la violencia su única vía de expresión. Sus métodos remiten a las viejas guerrillas europeas: artefactos caseros, nombres en clave, escondrijos en plena naturaleza, asesinatos que llevan a la radicalización, confrontaciones improvisadas… No es casualidad que se autodenominen “El 75 francés”, evocando quizá a la rapidez y eficacia del legendario cañón de la Primera Guerra Mundial. Con ello, Anderson no solo alude a la violencia organizada, sino que sugiere la posibilidad inquietante de que este tipo de insurgencia pueda brotar en la Norteamérica contemporánea. Quizá ‘Una batalla tras otra’ es una sátira, quizá es una llamada de atención.
En paralelo, la película dibuja a esas élites que manejan el país en la penumbra, retratadas con un tono ambiguo: a ratos caricatura, a ratos crítica. Por momentos, el filme tiene la rabia de Spike Lee, la mordacidad de Adam McKay y la asfixia del ‘Sicario’ de Denis Villeneuve. Tal es la llamada de atención que el filme podría ser parte de un ciclo iniciado por ‘Eddington’ de Ari Aster y culminado con el ‘Civil War’ de Alex Garland. El equilibrio entre esas influencias u obras con las que se da la mano no disuelve la voz de Anderson, sino que la afila hasta convertirla en su obra más combativa y directamente política.
La música de Jonny Greenwood es esencial: es casi un jazz bebop disonante y nervioso que acompaña las persecuciones, los estallidos de violencia o las discusiones más encendidas. Dispone de persecuciones que emplean recursos que ponen de los nervios o carreras por azoteas realizadas por unos jóvenes a las órdenes de un sensei que parecen que buscar rememorar algo tan americano como las ‘Tortugas Ninja’. Esa mezcla, insólita y pop, casi pulp, termina por acentuar el desconcierto del espectador, atrapado entre la risa y la alarma.
En el reparto, Leonardo DiCaprio ofrece un papel autodestructivo en el que parece encontrarse muy cómodo y que no le presenta dificultad alguna. Su “Gringo Zapata” encarna tanto la fragilidad como la fuerza del héroe revolucionario. Junto a él, Chase Infiniti aporta un contrapeso sólido, aunque queda en segundo plano frente al magnetismo de Teyana Taylor, que arrasa con su energía. Sean Penn es otro de los pilares del filme, quizá en el rol que será más comentado. Apabullante en muchos pasajes, peca de exceso en otros, lo que le resta naturalidad.
Pero ‘Una batalla tras otra’ no se limita a la política: también es un relato íntimo sobre la incomunicación entre un padre y su hija. Esa fractura familiar funciona como espejo de la fractura social y generacional: en ambos casos, todo se reduce a una lucha constante, a una batalla tras otra. Aunque se base en la novela de Thomas Pynchon, con esta película, Anderson no se limita a narrar, sino que interpela al presente, obligando a preguntarnos si lo que vemos es advertencia o burla, profecía o sátira.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Título original: One Battle After Another. Duración: 170 min. País: EE.UU. Dirección: Paul Thomas Anderson. Guion: Paul Thomas Anderson. Música: Jonny Greenwood. Fotografía: Paul Thomas Anderson, Michael Bauman. Reparto principal: Leonardo DiCaprio, Teyana Taylor, Chase Infiniti, Sean Penn, Benicio Del Toro, Regina Hall. Producción: Ghoulardi Film Company, Warner Bros. Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, acción, comedia. Web oficial:https://www.warnerbros.es/peliculas/una-batalla-tras-otra
En Gotham City, donde la comedia ha sido prohibida, una aspirante a payasa sin gracia llamada «Joker the Harlequin» lucha por encontrar su identidad de género mientras intenta formar parte del único programa humorístico que queda en la ciudad. Pero su camino la llevará a enfrentarse a un oscuro y trastornado vigilante encapotado que mantiene el control sobre Gotham.
Crítica
La película que desafió a Warner y salió airosa (al menos en lo legal)
Antes de entrar en la anatomía misma de ‘The People’s Joker’, es imprescindible hablar del derecho a la parodia. La parodia, consagrada por la doctrina legal en numerosas jurisdicciones, protege la sátira, la crítica, la exageración humorística. Es precisamente este derecho el que autoriza a Vera Drew a jugar con personajes icónicos de DC Comics, a invertir arquetipos y a remecer expectativas. Si algo queda claro, es que, sin ese paraguas legal, el filme no existiría (o se habría enfrentado a demandas inabarcables). Así que, queda establecida esa premisa esencial: la parodia es legítima y necesaria.
Nada más aparecer este filme independiente en el Festival de Toronto, Warner Bros. envió una carta pidiendo explicaciones e instando a esperar a revisar si se infringía algún detalle relacionado con propiedad intelectual. El festival medió y la película se proyectó pero su directora la retiró del resto de festivales a los que aplicaba por miedo a no poder hacer frente a una demanda con un gigante como Warner. Aún así, la película ha sobrevivido y llega ahora a Filmin tras haberse podido ver en otros marcos fuera de España. A día de hoy no ha habido denuncia contra la película por parte de los propietarios de personajes como Batman, Joker, Harley Quinn y compañía.
‘The People’s Joker’ abre con dedicatorias: a Joel Schumacher, a quien Drew dedica esta obra por su despertar trans durante el visionado de su película ‘Batman Forever’, durante la cual sentía más afinidad con Nicole Kidman que con Val Kilmer. Y el filme también está dirigido a la madre de la directora y protagonista, la cual, aparece retratada con ironía. Figura como madre conservadora y cerrada se convierte en imagen cómica y cristal de contraste, muy al estilo de la madre de Sheldon Cooper. El doble sentido funciona: por un lado, homenaje, por otro, denuncia de lo retrógrado, como si Drew jugara al equilibrista entre reverencia y humor ácido.
Desde el primer fotograma, la película se define como trans y queer. No hay preludios: se declara identitaria, política y personal. Mezcla una realidad autobiográfica con elementos de ficción del universo DC, en un tono de “chifladura sentimental” que recuerda a algunos episodios de ‘Doom Patrol’: delirantes, emotivos, coloristas y totalmente fuera de lo convencional. Todo esto se debe a que el filme pretende ser un zasca. Surge del intento de responder a Todd Phillips (director de ‘Joker’), el cual comentó que la cultura woke limitaba actualmente a la comedia. Ese pulso cultural es valiente y necesario, pero al enfocarse tanto en lo autobiográfico, Vera Drew descuida la narrativa cómica, pierde perspectiva de su cometido principal. El desnudo frente a cámara es valiente, sí, pero el objetivo, la vuelta de tortilla que anuncia desde su germen… no termina de cuajar. Existen ejemplos recientes y exitosos: ‘Tomboy’ (Céline Sciamma) y ‘Feel Good’ (Mae Martin), que sí logran ese equilibrio entre lo íntimo, lo queer y lo universal. Aquí, en cambio, muchas buenas ideas quedarán en esbozo.
Algunas ideas paródicas funcionan: chispazos visuales, referencias meta, insinuaciones audaces. Incluso, en tono friki, diría que a Drew le vendría bien pasar por el universo Cálico Electrónico para asimilar timing y gags. Pero el gancho falla: los chistes no rematan, muchas ocurrencias mueren al instante. Y ahí reside la tragedia: la apuesta era fuerte, merecida, valiente… pero el resultado es plano. Sorprende hasta cierto punto que Warner no haya interpuesto demandas: la película no hace gracia, prácticamente refuerza el argumento de Phillips. Una auténtica pena. Además Drew no usa imágenes originales, no por lo menos un tiempo suficiente como para tener que pagar derechos.
Entre los momentos más bizarros, la película extrae riffs y citas de ‘El regreso del caballero oscuro’ o el ‘Escuadrón Suicida’ de David Ayer. El Robin de Frank Miller se transforma, en un giro delirante, en el Joker de Jared Leto: un galimatías mental que podría ser fascinante… si tuviera coherencia. Pero termina siendo una breve chispa de locura sin desarrollo. Se queda en la anécdota. El estilo es una mezcla de técnicas, animación e imagen montada que coquetea con el horterismo kitsch, rayando lo extremadamente amateur. Se siente como un collage de bancos de imágenes superpuestas (recuerdos de ‘The Amazing Bulk’ han aparecido en mi mente), con estética mal pulida que distrae más que aporta. Podría ser un recurso expresivo, pero chirría. Tampoco es de extrañar pues de presupuesto han contado con apenas 100.000 dólares, de los cuales 19.000 se consiguieron por crowdfunding durante la pandemia, algo bastante poco significativo.
Fondos de matte painting, miniaturas, animación 2D y 3D, secuencias de stop-motion, collages digitales y hasta números musicales con marionetas interdimensionales. ‘The People’s Joker’ es un experimento personal y político: una provocación queer, un arrebato autobiográfico, una chifladura visual. Es legítima por derecho a la parodia, y valiente por desnudarse ante la cámara. Pero en su ímpetu autorreferencial, falla como comedia. Filmin suele ser buena apuesta para obtener combinaciones transgresoras, valiosas, independientes y diferenciadas. Por desgracia este es un punto negro en su catálogo que si acaso cumple los dos últimos adjetivos y quizá se convierta en placer culpable para alguien.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de agosto de 2025. Título original: The people’s Joker. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Vera Drew. Guion: Bri LeRose, Vera Drew. Música: Justin Krol, Quinn Scharber, Danni Rowan. Fotografía: Nate Cornett. Reparto principal: Vera Drew, Lynn Downey, Kane Distler, Nathan Faustyn, David Liebe Hart, Phil Braun, Griffin Kramer, Christian Calloway, Trevor Drinkwater, Ruin Carroll, Tim Heidecker, Bob Odenkirk. Producción: Open Road Films. Distribución: Filmin. Género: comedia. Web oficial:https://www.filmin.es/pelicula/the-peoples-joker
La secuela de ‘Mortal Kombat’ presenta su primer avance cargado de humor, luchadores clásicos y promesas de combates aún más sangrientos y espectaculares
Warner Bros ha revelado al fin el primer tráiler oficial de ‘Mortal Kombat II’, la esperada continuación del reboot cinematográfico estrenado en 2021. Dirigida nuevamente por Simon McQuoid, la secuela promete ser aún más fiel al universo del mítico videojuego, con más personajes clásicos, una narrativa más sólida y coreografías de lucha más intensas y sangrientas.
Vuelven los Fatalities y los clásicos del videojuego
El tráiler confirma el regreso de personajes emblemáticos como Liu Kang (Ludi Lin), Sonya Blade (Jessica McNamee), Kung Lao (Max Huang) y Shang Tsung, ahora interpretado por Chin Han. Pero sin duda, las grandes novedades son las apariciones de Johnny Cage, interpretado por Karl Urban, quien se alza como protagonista indiscutible de la cinta y por supuesto también como cabeza de cartel.
Además, los fans podrán ver por primera vez en acción a otros favoritos del videojuego como Kitana, Baraka, Shao Kahn, Mileena y Sindel, todos ellos luciendo un diseño visual mucho más cercano al material original de Mortal Kombat.
Más fiel al lore del videojuego
La primera entrega fue criticada por no incluir el torneo real que da nombre a la saga, pero esta secuela sí explorará el enfrentamiento definitivo entre Earthrealm y Outworld, con el Mortal Kombat como eje narrativo. El tráiler anticipa una atmósfera más épica, un tono más serio y un mayor cuidado en la recreación del universo creado por Ed Boon y John Tobias. Por supuesto hay garantías de más sangres y más referencias a los fatalities del juego.
Fecha de estreno y expectativas
‘Mortal Kombat II’ tiene previsto su estreno el 24 deoctubre de2025, aunque aún no se ha confirmado una fecha exacta. El tráiler ha sido recibido con entusiasmo por los fans, que celebran el tono más oscuro, la fidelidad al videojuego y la inclusión de luchadores icónicos ausentes en la primera película.
Con su estilo característico, James Gunn aborda al superhéroe original en el recién imaginado universo DC con una singular mezcla de acción épica, humor y emoción, presentando a un Superman al que guían la compasión y una confianza inquebrantable en la bondad de la humanidad.
Crítica
Vuelve el héroe de otro mundo que encarna lo mejor del nuestro
‘Superman’, la esperadísima película de James Gunn, ha aterrizado con la fuerza de un meteorito kriptoniano entre la crítica y en los corazones de los fans que ya la han visto. Esta nueva encarnación del Hombre de Acero será para muchos el reinicio que necesitaba el universo DC. Seguro que así lo percibirán aquellos que querían una versión más luminosa o marvelizada. Con un tono que mezcla el respeto absoluto al legado del personaje, pero con una visión moderna y coral, Gunn entrega un filme que honra al superhéroe más clásico y va más allá.
David Corenswet se cuelga la capa roja para interpretar al Superman más «boy scout» que hayamos visto desde Christopher Reeve. Aunque también veréis que tiene algo más de carácter. Ya desde los títulos de crédito nos adelantan que la intención es la de volver a la sintonía de 1978 pero aplicando las nuevas tecnologías. Y se hace con convicción, carisma y humanidad. Este Clark Kent recupera su esencia: el periodista torpe, el hijo de Kansas, el hombre de principios férreos que brilla tanto en los cielos como entre la gente común. Y ahí está una de las claves de la película, pues toda gira en torno a la dedicación de alguien que piensa que está en la Tierra para ser un faro de ejemplaridad y para recordarnos qué significa ser humano.
Aunque nada más empezar ya hay una referencia mayúscula como ‘Dioses y monstruos’, Gunn se inspira claramente en cómics fundamentales como ‘Superman All Star’, ‘Las cuatro estaciones’ y ‘Lex Luthor: Man of Steel’. Todo ello para devolvernos al Superman altruista, compasivo y cercano que habíamos perdido en la versión más sombría del Snyderverso. También para desarrollar a personajes como Luthor. Finalmente el logotipo escogido, el del ‘Kingdom Come’ de Alex Ross, no tiene más significado que el estético, pero si hay una parte de la película que parece dispuesta para llevar a Superman hacía el hartazgo de quien recibe la desagradecida respuesta de las masas, aun cuando te dedicas en cuerpo y alma a su servicio. Esto ya nos lo adelantaban los tráilers.
Y si el Superman de Corenswet es luz, el Lex Luthor de Nicholas Hoult es sombra… y qué sombra. Su interpretación es poderosa y absolutamente magnética. Hoult se coloca sin duda entre los mejores Luthor de la historia del cine, dotando al personaje de ese egocentrismo mesiánico tan bien desarrollado en los cómics citados. No solo quiere destruir a Superman, sino que quiere ocupar su lugar como salvador de la humanidad. Esa complejidad moral y su visión retorcida de la justicia hacen de él un antagonista tan memorable como temible. Sin embargo, para muchos su visión tan juvenil será una de las trabas del filme.
Por su parte, Rachel Brosnahan es una auténtica revelación como Lois Lane. Dinámica, incisiva, inteligente y con una química palpable con Corenswet, es la pieza perfecta para completar este trío protagonista. Brosnahan mantiene el espíritu clásico del personaje, pero lo actualiza con una energía contemporánea que se agradece. Gunn tiene claro que los tres protagonistas han de ser estos y el fan percibirá que se recupera el peso en dichos personajes.
La película está plagada de personajes secundarios y tramas paralelas que al borde de la saturación enriquecen enormemente el conjunto. Si queréis descubrirlos a todos leed este artículo. Gunn imprime su ya característico estilo coral para introducirnos en un universo en expansión: héroes, villanos, guiños para los fans más acérrimos y pequeños detalles que forman o formarán parte de algo mayor. Esto puede resultar confuso para el espectador no iniciado, pero para los lectores de cómics es como zambullirse en una grapa de 48 páginas donde cada viñeta tiene valor y sentido de conjunto. La Justice Gang, Linterna Verde, El Ingeniero, Mr. Terrific, Ultraman…Hasta los carteles corporativos vistos en Metrópolis tienen su sentido de saga cinematográfica. Cada personaje añade una capa, una etapa, una versión de este universo nuevo que quiere abarcarlo todo pero que en su ansia no se atraganta.
A nivel narrativo, ‘Superman’ no solo emociona y entretiene, también prepara el terreno para lo que viene. Personalmente disfruto mucho de las películas que funcionan como One Shot, usando lenguaje comiquero. Pero si este es el inicio de un plan, de una gran historia con continuidad entre películas o de una serie de fases, como bien conocen los marvelitas, bienvenido sea. Gunn ha labrado la tierra y diseminado un montón de semillas que podrían germinar, dejando de camino un par de detalles gamberretes propios de quien en su día dio sus primeros pasos con la Troma. Y arriesga, con un plan que podría ser tildado de demasiados proyectos no llevados a cabo y también con cierta crítica social haciendo una especie de metáfora con todo lo sucedido entre Trump, Musk, Israel y Gaza.
Es importante remarcar que el diseño de producción no es aleatorio. Estas películas de superhéroes están atiborradas de personajes tecnológicos, naves espaciales o smartphones retratando la sociedad tecnófila en la que vivimos. ‘Superman’ no es ajena a ello. Pero tanto su diseño de personajes, vestuario, escenarios, localizaciones… tienen un toque ciertamente retro que casi subliminalmente intenta que nuestra mente retroceda unos años y sintamos cierta nostalgia.
He de avisaros que hay dos escenas post-créditos estas no tienen nada que ver con lo que se viene y son meramente anecdóticas. Tampoco son necesarias tras todo lo visto en el filme. Hay acción, emoción, ternura, humor de todo tipo y, sobre todo haciendo honor al significado de la “S” que luce Superman en el pecho, hay esperanza. Esa palabra tan manoseada y tantas veces mal entendida, aquí cobra sentido con cada nota de la banda sonora (la cual esperaba mejor), con cada vuelo sobre Metrópolis y con cada acción heroica del protagonista. James Gunn lo ha logrado: ha reinventado sin traicionar. Atreviéndose con personajes como Krypto y otras bizarradas. Ha mirado al pasado para construir el futuro. Y nosotros, como espectadores objetivos e incluso como fans del Superman de Henry Cavill, solo podemos agradecerle que nos haya devuelto al Superman más simbólico, como inspiración y como entretenimiento cinéfilo.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de julio de 2025. Título original: Superman. Duración: 129 min. País: EE.UU. Dirección: James Gunn. Guion: James Gunn. Música: John Murphy, Dave Fleming. Fotografía: Henry Braham. Reparto principal: David Corenswet, Rachel Brosnahan, Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan, Nathan Fillion, Isabela Merced, María Gabriela de Faría, Frank Grillo, Skyler Gisondo, Wendell Pierce, Beck Bennett, Mikaela Hoover, Sara Sampaio, Pruitt Taylor Vince, Neva Howell, Christopher McDonald, Terence Rosemore, Sean Gunn, Milly Alcock, Alan Tudyk, Will Reeve. Producción: DC Studios, Troll Court Entertainment, The Safran Company, Warner Bros. Distribución: Warner Bros Pictures. Género: ciencia ficción, acción, comedia, adaptación. Web oficial:https://www.dc.com/movies/superman-2025
Mickey Barnes (Robert Pattinson) es un insólito héroe que se encuentra en la extraordinaria circunstancia de trabajar para un empresario que exige el máximo compromiso con el trabajo: morir para ganarse la vida.
Crítica
Un Bong Joon-ho más excéntrico que incisivo
Nueva película de Bong Joon-ho nueva adaptación de un texto que ya existía. De nuevo dentro de la ciencia ficción y a partir de una novela de Edward Ashton regresamos al discurso humanista de este director que tantas mentes ha suscitado. ‘Mickey 17’ deslumbra con su carisma, ingenio y mordacidad en su primera mitad. La premisa es intrigante: dispone a un hombre destinado voluntariamente a morir y ser clonado repetidamente en una misión espacial, que bien podría ser parte del universo ‘Altered Carbon’. Es una metáfora perfecta para explorar la deshumanización del capitalismo y la explotación laboral. La película combina desde el principio humor negro con una sátira incisiva, recordando lo mejor del director en trabajos anteriores. Luego… la cosa cae.
Robert Pattinson brilla en su interpretación(es), aportando matices a un personaje atrapado en un ciclo de muerte y resurrección. Su actuación es el eje central de la historia, logrando transmitir tanto la comicidad como la demencia y desesperación de un individuo que se enfrenta a su propia multiplicidad. La dinámica entre sus distintas versiones introduce un juego narrativo interesante que aporta frescura y originalidad a la trama. Es innegable que el actor hace un tremendo trabajo de voz.
Tras analizar la novela uno veía porqué este director en concreto se había decantado a adaptarla. Al margen de todos los detalles científicos sobre las calorías o la conciencia, los cuales, apenas aparecen en el filme, se podía pronosticar que la llevaría a su terreno y la elevaría más allá en lo que se refiere al tema de la lucha de clases. Sin embargo, a medida que ‘Mickey 17’ avanza, la crítica social que en un principio parecía afilada se va diluyendo en un espectáculo más preocupado por la excentricidad que por la profundidad. Bong Joon-ho, quien en películas como ‘Parásitos’ y ‘Snowpiercer’ construía comentarios sociales sólidos a través de personajes y situaciones bien definidas, aquí parece ceder demasiado al absurdo. Lo que comienza como una sátira ingeniosa termina repitiendo las mismas ideas sin darles un desarrollo significativo. No obstante, como en ‘Okja’, consigue tocar los palos del animalismo y la soberbia humana.
Uno de los aspectos más problemáticos es el tono, que oscila entre la farsa y la denuncia social sin encontrar un equilibrio claro. Algunos personajes, en particular el líder de la misión (Mark Ruffalo), son caricaturas exageradas de líderes y presidentes corporativos actuales que funcionan como bromas recurrentes, pero que nunca evolucionan hacia algo más sustancial. En lugar de servir como una representación matizada del poder y la corrupción, estas figuras quedan atrapadas en la repetición de los mismos chistes y excentricidades.
A nivel visual, ‘Mickey 17’ es capaz de transportarnos a otro mundo. El diseño del planeta donde se desarrolla la historia es envolvente y hostil, y los efectos especiales contribuyen a la sensación de un mundo alienígena creíble. La dirección de Bong Joon-ho sigue siendo magistral en la construcción de secuencias impactantes, pero el guion no logra mantener el mismo nivel de precisión que en sus mejores trabajos.
El principal problema radica en el ritmo: la segunda mitad de la película se siente alargada, con situaciones que reiteran lo que ya se ha establecido en la primera parte. En lugar de profundizar en sus temas, la historia se entrega demasiado a su extravagancia, perdiendo la oportunidad de dejar una huella más contundente y sacándose demasiados elementos de la chistera. ‘Mickey 17’ es una película ambiciosa y entretenida, con una premisa provocadora y momentos de gran ingenio. Sin embargo, a diferencia de las obras más logradas de Bong Joon-ho, aquí la sátira se dispersa en un relato que no termina de afinar su mensaje.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Título original: Mickey 17. Duración: 137 min. País: EE.UU. Dirección: Bong Joon Ho, Corea del Sur. Guion: Bong Joon Ho. Música: Jung Jae-il. Fotografía: Darius Khondji. Reparto principal: Robert Pattinson, Naomi Ackie, Steven Yeun, Toni Collette, Mark Ruffalo. Producción: Warner Bros., Plan B Entertainment, Offscreen, Kate Street Pictures Company. Distribución: Warner Bros. Género: drama, ciencia ficción, comedia. Web oficial:https://www.warnerbros.es/peliculas/mickey-17
La muerte de un multimillonario desencadena una serie de acontecimientos para Iris y sus amigos durante un viaje de fin de semana a su finca junto al lago.
Crítica
Repleta de cuestiones actuales… y sangre
En ‘La acompañante’, Drew Hancock nos entrega un filme que, lejos de limitarse al terror enlatado, apuesta por un convertir su relato en una aventura sangrienta con materia a tratar. La película plantea preguntas incómodas sobre las dinámicas de poder en las relaciones, el papel del individuo en una sociedad cada vez más dependiente de la tecnología y lo que realmente significa ser humano en un mundo que nos reduce a meros consumidores o acompañantes. Sin entrar en detalles específicos, el relato aborda temas como el empoderamiento y la resistencia en una sociedad que, a menudo, cosifica y deshumaniza tanto a las mujeres como a aquellos que dependen sentimental o económicamente de sus parejas.
Sophie Thatcher, a la que pudimos ver recientemente en ‘Heretic’, registra una actuación que sorprenderá a muchos. Su interpretación es sutil, compleja y cargada de matices. Logra transmitir una mezcla de vulnerabilidad y fuerza que eleva la película de un simple ejercicio de terror a un relato que aborda sentimientos y conciencia. Hancock aprovecha su talento al máximo, dándole escenas que son emocionalmente limite sin perder de vista el horror y diversión que subyace en la narrativa.
El casting nos proporciona, desde un simpático boy scout a una versión rusa de Charlie Sheen, ofreciéndonos el abanico de posibilidades de esos survival horror o slasher en los que sabes que va a morir hasta el apuntador, pero no sabes cómo o en qué orden. Quien busque un divertimento sanguinolento debe recordar que este director ha sido guionista en series de Adult Swim como ‘Mr. Pickles’, a si es que lo tiene asegurado. Quien busque terror quizá se decepcionará porque el propio cartel del filme vende más miedo del que realmente hay. Pero la película tiene más que ofrecernos, mucho más que no hay que leer entre líneas precisamente.
A partir de aquí hablaré en clave de spoiler ya que los propios tráilers de Warner Bros. mostraban abiertamente lo que vamos a tratar.
Precedentes como ‘Muñeco diabólico (Child’s play)’ o ‘Pequeños guerreros’ son el germen moderno de películas como ‘La acompañante’, pero estamos ante un cine que se atreve o se ve obligado incluso a desarrollar otros argumentos, ya sea por evitar la repetitividad o por poner sobre la mesa otras cuestiones. Recientemente hemos tenido nuevas versiones de Chucky, la muñeca bailarina de ‘M3gan’ o siguiendo con ese nombre la película que protagonizaba hace unos meses Megan Fox (‘Alice. Subservience’). Lógicamente en ‘La acompañante’ también está aquel miedo que sembró en su día ‘Terminator’, el cual, hoy por hoy se ha tornado real entre los artistas con el creciente uso de las inteligencias artificiales. Por supuesto están muy presentes las leyes de la robótica de Asimov y el hecho de que vivimos en un mundo con coches y casas automatizadas. A esto hay que añadirle que pasamos por una época en la que el entretenimiento audiovisual no parece tener límites y quién mejor para protagonizar una película que contiene connotaciones sexuales y violencia que uno de los protagonistas de ‘The Boys’ como Jack Quaid. Toda esta serie de referencias o símiles no suponen el nacimiento de esta película de Drew Hancock pero sí nos ponen contexto y precedentes suficientes. Llegamos con ello a una de las lecturas que extraemos de ‘La acompañante’, que no es otra es que el ser humano tiene una naturaleza violenta y el hombre en concreto es visto como un maltratador. No creo que el director haya querido retratar a todos los hombres como artífices de violencia de género pero sí, mostrar que estamos ante una generación que cree que puede controlar a sus parejas simplemente con un teléfono móvil. Esa lectura es escalofriantemente real y al margen del entretenimiento sangriento y cómico que supone ‘La acompañante’ hemos de saber apreciarla.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de enero de 2025. Título original: Companion. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Drew Hancock. Guion: Drew Hancock. Música: Hrishikesh Hirway. Fotografía: Eli Born. Reparto principal: Sophie Thatcher, Jack Quaid, Harvey Guillén, Rupert Friend, Megan Suri, Lukas Gage, Marc Menchaca. Producción: BoulderLight Pictures, New Line Cinema, Vertigo Entertainment. Distribución: Warner Bros. Género: terror. Web oficial:https://www.instagram.com/boulderlightpictures/
Tras el secuestro de Papá Noel, nombre en clave: RED ONE, el Jefe de Seguridad del Polo Norte (Dwayne Johnson) debe formar equipo con el cazarrecompensas más infame del mundo (Chris Evans) en una misión trotamundos llena de acción para salvar la Navidad.
No te pierdas #RedOne, protagonizada por Dwayne Johnson y Chris Evans. Disfruta de la película a partir del 6 noviembre solo en cines.
Crítica
Un sin fin de criaturas mágicas llenan la pantalla en esta divertida historia de Navidad
Hoy mismo llega a nuestras pantallas ‘Red One’ uno de los estrenos navideños de este año que se adelanta para traernos la magia de Santa Claus.
Tras el secuestro de Papá Noel, nombre en clave: Red One, el Jefe de Seguridad del Polo Norte debe formar equipo con el cazarrecompensas más infame del mundo en una misión trotamundos llena de acción para salvar la Navidad.
Teniendo en cuenta que soy una persona que ve todo tipo de películas navideñas y que sea la bizarrada que sea me suele convencer, he de decir que con ‘Red One’ me lo he pasado muy bien. Con un montón de criaturas del mundo de la Navidad, Krampus, Osos polares, elfos, brujas… de todo lo que podáis imaginaros y por supuesto un Papá Noel que esta vez está en un grave aprieto.
Dirigida por Jake Kasdan, encargado de traernos a la gran pantalla las nuevas películas de Jumanji, ‘Red One’ logra divertirnos y también contarnos una historia diferente pero que nos deja el mismo poso que cualquier película de esta época, y es la importancia de la familia y de perdonarnos a nosotros mismos. Además de, por supuesto, creer en la magia y volver a creer en Papá Noel y todos sus ayudantes.
El tándem que hacen Dwayne Johnson y Chris Evans me encanta. Funcionan muy bien juntos en pantalla y logran escenas divertidas y con bastante acción.
J.K. Simmons como Santa Claus, pega bastante. Su cara llena de bondad contrasta bastante con su cuerpo atlético que nos demuestra como hace este hombre para llegar a todas las casas durante una noche.
Kiernan Shipka es la encargada de dar el toque de maldad a la película, su personaje quiere justicia y como único objetivo es lograr que las personas que se portan mal, paguen por ello.
Mary Elizabeth Ellis, Wesley Kimel, Nick Kroll, Lucy Liu, Makana David o Wyatt Hunt, son parte del reparto de este cuento moderno de Navidad.
Mención especial para Kristofer Hivju, que, quitando su voz, está totalmente irreconocible. Nos regala a un Krampus divertido y tenebroso. De hecho, la escena en la que estamos en los terrenos de este ser es muy divertida y estéticamente una maravilla. Además es donde más criaturas aparecen y el maquillaje y CGI es buenísimo.
Por poner alguna pequeña pega a la película, es verdad que el público al que está dirigida es algo complejo, pues no es una cinta para niños, pero tampoco es para adultos, se queda como en un limbo. Que supongo que si nos ceñimos un poquito, quizás el público más específico sea el juvenil, esos niños que ya no lo son tanto y que quieran ver algo diferente. Pero aun así, en mi caso la he disfrutado.
Ficha técnica
Estreno en España: 6 de noviembre de 2024. Título original: Red One. Duración: 123 min. País: Estados Unidos. Dirección: Jake Kasdan. Guion: Chris Morgan, historia de Hiram García. Música: Henry Jackman. Fotografía: Daniel Mindel. Reparto principal: Dwayne Johnson, Chris Evans, Kiernan Shipka, Lucy Liu, J.K. Simmons, Bonnie Hunt, Mary Elizabeth Ellis, Nick Kroll, Kristofer Hivju, Wesley Kimmel, Jenna Kanell, Jeff Chase. Producción: Seven Bucks Productions, Chris Morgan Productions, Detective Agency, Amazon MGM Studios. Distribución: Warner Bros. Género: Acción. Web oficial:https://redone.entradaswb.com/
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