‘Gremlins 3’ muestra a Gizmo en su primer teaser, pero retrasa su estreno hasta 2028

Estreno en octubre de 2028

Warner Bros. ha lanzado el primer teaser de ‘Gremlins 3’, la esperada tercera entrega de la saga, y aunque apenas dura unos segundos, permite volver a ver a Gizmo décadas después de su última aventura cinematográfica. El pequeño Mogwai aparece asomándose desde una mochila en un adelanto que también confirma un cambio importante en el calendario: la película llegará finalmente a los cines el 6 de octubre de 2028.

El estudio compartió el vídeo el 23 de septiembre acompañado de un escueto mensaje: “10.6.28. Only In Theaters”. El teaser apenas muestra una mochila que comienza a moverse hasta que Gizmo hace acto de presencia. El personaje emite además un pequeño “uh-oh” antes de que aparezca la nueva fecha de estreno. No hay imágenes de la historia ni se muestran todavía nuevos personajes.

La fecha supone un retraso considerable para ‘Gremlins 3’. La película estaba prevista inicialmente para el 19 de noviembre de 2027, por lo que su lanzamiento se ha desplazado casi once meses. Warner Bros. no ha explicado públicamente las razones de este cambio.

Gizmo vuelve al cine casi 40 años después

El regreso de Gizmo supone el primer paso visible de una nueva película que lleva décadas intentando hacerse realidad. ‘Gremlins 3’ será la continuación de ‘Gremlins 2: La nueva generación’, estrenada en 1990, por lo que entre ambas películas transcurrirán 38 años cuando la nueva entrega llegue finalmente a los cines.

Chris Columbus será el encargado de dirigir la película. El cineasta escribió el guion de la ‘Gremlins’ original de 1984 antes de convertirse en director de títulos como ‘Solo en casa’ o ‘Harry Potter y la piedra filosofal’. Para esta tercera entrega también participa en el guion junto a Zach Lipovsky y Adam B. Stein, responsables de ‘Destino final: Lazos de sangre’. Hannah Marks está trabajando además en la versión actual del guion.

Steven Spielberg regresará como productor ejecutivo a través de Amblin Entertainment. La película estará producida por Amblin y 26th Street Pictures, mientras que Warner Bros. Pictures se encargará de su distribución cinematográfica.

Por ahora, Warner Bros. mantiene en secreto tanto el argumento como el reparto de ‘Gremlins 3’. Tampoco se ha confirmado oficialmente el regreso de los protagonistas de las dos primeras películas. El único personaje que el estudio ha decidido mostrar en este primer adelanto es, precisamente, el más reconocible de toda la saga.

Un regreso con efectos prácticos

Uno de los aspectos que más interés ha despertado alrededor de ‘Gremlins 3’ es la intención de Chris Columbus de mantener el carácter artesanal de las criaturas. El director ya había explicado anteriormente que quería trabajar con marionetas y efectos prácticos en lugar de convertir a Gizmo y los Gremlins en personajes creados principalmente mediante CGI, algo que ya ha despertado mucha animadversión tras la denostada serie animada.

La decisión tendría especial importancia en una franquicia cuya identidad está estrechamente ligada al trabajo de los titiriteros y a los efectos físicos de las dos películas originales. El primer filme, dirigido por Joe Dante en 1984, contó con las criaturas diseñadas por Chris Walas y se convirtió en uno de los grandes referentes de la combinación entre comedia, terror y fantasía de los años ochenta.

Joe Dante, responsable de las dos primeras películas, no participa como director en esta nueva entrega. Columbus recupera así el vínculo con la saga desde su posición de guionista de la película original y se coloca al frente de su regreso a la gran pantalla.

Crítica: ‘Cotoye vs. ACME’

En qué plataforma ver Cotoye vs. ACME

Una película que no merece el habitual fracaso de su protagonista

Hay películas que nacen para triunfar, otras que sobreviven a varios accidentes durante su producción y luego está ‘Coyote vs. Acme’, una película que estuvo a punto de convertirse en material de archivo antes incluso de que el público pudiera verla. Warner Bros. decidió enterrarla cuando ya estaba terminada y llegó a plantearse como una pérdida fiscal, hasta que el proyecto consiguió escapar de ese destino y encontrar una nueva oportunidad. En España, Beta Fiction Spain es la encargada de llevarla a los cines el 18 de septiembre.

El Coyote contra el mundo empresarial

La premisa resulta tan sencilla como perfecta. Después de décadas sufriendo accidentes provocados por productos ACME, el Coyote decide que ya está bien de recibir explosiones, golpes, caídas y toda clase de desgracias. Esta vez no pretende atrapar al Correcaminos: pretende demandar a la compañía que fabrica todo aquello que sistemáticamente sale mal.

Y aquí aparece Kevin Avery (Will Forte), un abogado de poca monta que se convierte en su improbable aliado. La película encuentra así una manera muy inteligente de trasladar a imagen real la eterna persecución de los Looney Tunes. El Coyote sigue siendo el Coyote, pero ahora sus desgracias tienen consecuencias legales.

Hay algo particularmente reconocible en esta premisa. Vivimos en una época en la que parece que cualquier accidente puede terminar convertido en una reclamación y cualquier consumidor se siente con cierto poder solo por poder pedir una hoja de reclamaciones por aquello que considera un perjuicio. La película juega con esa mentalidad, pero también concede al Coyote una razón legítima para protestar. Después de todo, ACME le ha vendido durante décadas productos que, como mínimo, funcionan de una manera bastante cuestionable.

La paradoja es que el pobre Coyote tampoco puede considerarse un consumidor inocente. Sigue comprando. Sigue confiando en ACME. Sigue utilizando cohetes, explosivos, catapultas y artilugios absurdos para intentar alcanzar al Correcaminos. Su fidelidad a la marca roza lo irracional.

El guion aprovecha esa relación para introducir un discurso sobre el corporativismo y el desequilibrio entre el individuo y las grandes empresas. ACME es una entidad gigantesca, impersonal y prácticamente inalcanzable. El Coyote, en cambio, es un individuo que lleva décadas recibiendo las consecuencias de sus decisiones.

Una comedia con bastante más debajo de la superficie

Dave Green, responsable de ‘Ninja Turtles: Fuera de las sombras’, mantiene aquí su gusto por el espectáculo gamberro y por una puesta en escena que no teme abrazar el absurdo. La película entiende que no tiene sentido convertir al Coyote en un personaje realista. Su mundo debe seguir funcionando con la lógica de los dibujos animados, aunque alrededor de él existan abogados, tribunales y personas de carne y hueso.

Ahí está buena parte de su encanto. ‘Coyote vs. Acme’ pertenece a esa tradición de híbridos entre acción real y animación que inevitablemente hace pensar en ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’, ‘Space Jam’ o ‘Chip y Chop: los guardianes rescatadores’. Sin embargo, su diferencia está en que no utiliza a los personajes animados únicamente como reclamo nostálgico. Los integra dentro de una historia que tiene algo que decir sobre el mundo real. Y lo hace sin ponerse trascendente.

El Coyote se sacude el polvo y mantiene su esencia

El filme es, ante todo, una sucesión de gags físicos, accidentes imposibles, persecuciones y situaciones disparatadas. El humor visual sigue siendo fundamental. El Coyote continúa siendo un personaje condenado al fracaso y precisamente por eso resulta tan fácil empatizar con él. Su existencia es una versión animada del mito de Sísifo: empujar eternamente la piedra montaña arriba para verla caer una y otra vez. Lo interesante es que aquí esa piedra adquiere forma de pleito judicial.

El guion recupera además el espíritu del artículo ‘Coyote V. Acme’, escrito por Ian Frazier para The New Yorker en 1990. Frazier imaginaba un documento jurídico en el que el Coyote demandaba a ACME por los daños provocados por sus productos, convirtiendo los habituales gags de los dibujos en pruebas de un caso de responsabilidad civil. La película toma aquella idea y la amplía hasta convertirla en una historia de superación, desigualdad y resistencia. (The New Yorker), es decir materializar el tesón y insistencia del personaje.

John Cena no se come la película

Aunque James Gunn participa como productor y en la historia y John Cena interpreta al abogado de ACME, ‘Coyote vs. Acme’ no se convierte en una película diseñada alrededor de la estrella. Aunque está el nuevo ojito derecho de Warner, el verdadero protagonismo corresponde a Will Forte, al Coyote y a la relación que ambos construyen.

Forte funciona especialmente bien como ese abogado desencantado que encuentra una causa por la que merece la pena volver a creer en su profesión. Su personaje aporta el contrapunto humano al silencio expresivo del Coyote y permite que el filme conserve su estructura de comedia judicial.

Nostalgia víctima de su propia historia

También hay espacio para la nostalgia. La película recupera numerosos elementos de la mitología Warner y hasta introduce al doctor Lorre, personaje inspirado en el actor Peter Lorre, otro de esos guiños que pueden pasar desapercibidos para los espectadores más jóvenes pero que funcionan como recompensa para quienes conocen la historia de la compañía y sus dibujos.

Lo más curioso de todo es que el discurso de la película terminó chocando contra su propia realidad. Una historia sobre un individuo que se enfrenta a una corporación gigantesca estuvo a punto de desaparecer precisamente por una decisión corporativa. Esa coincidencia convierte a ‘Coyote vs. Acme’ en algo más que una comedia simpática: su propia existencia parece el último gag de una historia escrita por los Looney Tunes.

No es perfecta. Puede alargar algunos de sus conflictos y en determinados momentos su mezcla de géneros resulta irregular. Pero funciona porque comprende algo esencial: el Coyote no necesita ganar para que queramos verle intentarlo. Después de tantas décadas cayendo por barrancos, explotando por los aires y estampándose contra las paredes, quizá ya le tocaba ganar una batalla.

Y, sobre todo, esta película no se merece el fracaso que estuvo a punto de sufrir. Al contrario que tantos planes del Coyote, este es probablemente el mayor que ha elaborado jamás y, por una vez, merece llegar hasta el final.

Ficha de ‘Cotoye vs. ACME’

Estreno en España: 18 de septiembre de 2026. Título original: Cotoye vs. ACME. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Dave Green. Guion: Samy Burch, Ian Frazier, James Gunn, Jeremy Slater, Samy Burch. Música: Steven Price. Fotografía: Brandon Trost. Reparto principal: Will Forte, Lana Condor, P.J. Byrne, John Cena Producción: Distribución: Beta Fictions. Género: Keylight Pictures, Troll Court Entertainment, Two Monkeys, A Goat and Another, Dead, Monkey, Warner Bros. Web oficial.

Esto es lo que podría incluir una de las futuras películas de ‘El Señor de los Anillos’

La historias que se eliminaron de la primera película de Peter Jackson

Aprovechando que los seguidores de las películas de ‘El Señor de los Anillos’ en España estamos de enhorabuena por las futuras visitas de Sean Astin y Elijah Wood (San Diego Comic-Con Málaga) y Peter Jackson (Festival de Sitges) hemos decidido explicaros qué podría incluir la película que narrará el filme ‘The Lord of the Rings: Shadow of the Past’.

Tras el estreno de la película de Gollum, que está actualmente en fase de producción más avanzada, la Tierra Media volverá a la gran pantalla para recuperar una parte de la historia que Peter Jackson tuvo que dejar fuera de su trilogía de ‘El Señor de los Anillos’. El nuevo filme nace de una de las grandes ausencias de ‘La Comunidad del Anillo’: seis capítulos completos de la novela de J.R.R. Tolkien que nunca llegaron a desarrollarse en las películas.

El cómico Stephen Colbert, el cual es muy fan de Tolkien, junto a su hijo Peter McGee y Philippa Boyens, trabaja en el guion con Peter Jackson implicado en el proyecto. Se rumorea que veremos a Merry, Pippim y Sam contando viejas batallitas y dando pie a narrar estos episodios cinematográficamente perdidos. No olvidemos que tanto ‘El Hobbit’ como ‘El Señor de los Anillos’ son obras que en la ficción escriben Bilbo y Frodo para que los hobbits conozcan sus aventuras.

El viaje que Jackson resumió en apena s unos minutos

La película abarcará desde el capítulo III al VIII de ‘La Comunidad del Anillo’, tal y como se anunció en vídeo. Por lo tanto veremos en acción real los fragmentos que J.R.R. Tolkien tituló ‘Tres son compañía’, ‘Un atajo hacia los hongos’, ‘Conspiración desenmascarada’, ‘El bosque viejo’, ‘En casa de Tom Bombadil’ y ‘Niebla en las Quebradas’.

Todo lo vivido en estas páginas está omitido rápidamente en el filme en las partes en las que Frodo y Sam se cruzan con Merry y Pippin, huyen de los Nazgûl y se dirigen hacia Bree a la posada del Pony Pisador antes de conocer a Trancos/Aragorn.

¿Qué nos van a contar y qué no podrán hacer en esta película?

El guión aún está en marcha y desde luego no se va a desvelar nada hasta que se ruede algo y se publique algún tipo de adelanto. Pero conociendo la obra original podemos adelantar qué contiene esta y qué coherencia podría tener para con el canon de las películas.

  • En la novela, Frodo no abandona Hobbiton inmediatamente. Hay meses de preparativos, rumores y movimientos destinados a ocultar sus verdaderas intenciones. Incluso compra una casa en Cricava para despistar. Esto no cuadraría con la partida precipitada del filme.
  • Fatty Bolger (un hobbit muy casero emparentado con los Tuk) descubre a Frodo y le ayuda con su conspiración de huida. Este evento podría incluirse de algún modo pues es amigo íntimo de Frodo, Merry y Pippin.
  • En la película los hobbits se cruzan con un grupo de Elfos Silvanos. Esta escena podría extenderse ahora ya que en las páginas uno de ellos, Gildor Inglorion, habla con los aventureros dándole valiosos consejos a Sam, como que no debe abandonar a Frodo.
  • En la película vemos a un hobbit gruñón que en los créditos recibe el nombre de Maggot. Existe en la novela y Frodo acostumbra a robarle setas. Aunque en el inicio del viaje se cruzan con él, el granjero acaba regalándole comida. Es el granjero al que están robando comida Merry y Pippin en la película justo cuando se unen sin saberlo a la Compañía del anillo (en el libro sí conocen que porta el anillo tras espiarle un tiempo). Esto no podrá suceder así en la nueva película ya que acaban huyendo, pero sí podría recrearse de manera más extendida el encuentro que tiene el agricultor con uno de los Nazgûl tratando de conseguir información.
  • El Bosque Viejo y una de las mayores ausencias. La primera aparición de árboles motrices y sintientes en la novela se produce realmente en este bosque. Se llaman Ucornos y/o Árboles despiertos. Están contenidos gracias a una empalizada que los propios hobbits construyeron.
  • Uno de esos árboles conocido como Hombre-Sauce atrapa a los hobbits. Frodo cayó bajo el hechizo del árbol y se quedó dormido al borde del río, e incluso el árbol intentó empujarlo al agua para ahogarlo. Sam se resistió al sueño mágicamente inducido. Al darse cuenta del peligro, logró despertar a Frodo a tiempo y ambos se salvaron de ser atrapados. Merry y Pippin se quedaron completamente dormidos apoyados contra el tronco. El Hombre-Sauce aprovechó esto para abrir grietas en su corteza y tragárselos vivos, atrapándolos en su interior. Esto no podría incluirse en el filme ya que, en las películas, los Hobbits se sorprenden en el bosque de Fangorn al conocer a Barbol. De hecho se replica la escena de la captura en el árbol, pero trasladándola a ese otro escenario.
  • Aquí viene uno de los puntos importantes. Es Tom Bombadil (a quien el gran público ha conocido en ‘Los Anillos de Poder’) quien rescata a los Hobbits cantando. Precisamente esa peculiar característica canturrona de Bombadil es la que no encajaba con el tono de las películas de Jackson.
  • Los hobbits pasan una noche en casa de Bombadil y de su esposa Baya de Oro. El atractivo de estos personajes es que realmente nunca se ha sabido quiénes son realmente, pero se deja intuir que Bombadil podría ser el espíritu de la Tierra y recibe el nombre de «El más viejo y el que no tiene padre» por parte de los elfos. Por su parte a Baya de Oro se la conoce como “hija del río” y no se alinea con las características de ninguna raza de la Tierra Media.
  • La prueba del Anillo ante Bombadil. Frodo le entrega el Anillo y Bombadil puede verlo y manipularlo sin quedar sometido a su poder, una de las escenas más extrañas y fascinantes de la novela.
  • Tras abandonar la casa de Bombadil, los hobbits atraviesan una región cubierta por la niebla y terminan separados. Aquí podría estar el punto más aventurero de ‘Shadow of the Past’. Un espíritu maligno captura a los hobbits y los lleva hasta una cámara funeraria o túmulo. Allí se salvan gracias a que Frodo consigue resistirse y pedir ayuda de nuevo a Bombadil. Este paréntesis podría encajar con la película de 2001, pero el siguiente quizás no.
  • Tras ser liberados por Bombadil, encuentran en los túmulos unas antiguas espadas procedentes del reino de Arnor. Los cuatro hobbits reciben esas armas y, aunque en ese momento parecen simplemente un regalo para continuar el viaje, una de ellas tendrá una importancia decisiva muchos capítulos después. En las películas las armas les son entregadas justo después de huir de Bree por parte de Aragorn.
  • ¿Por qué son importantes estas espadas? La espada de Merry será precisamente el arma que le permitirá herir al Rey Brujo de Angmar durante la batalla de los Campos del Pelennor. Es decir, una pequeña aventura que Jackson eliminó de ‘La Comunidad del Anillo’ contenía una pieza fundamental para el desenlace de ‘El Retorno del Rey’.

Como veis hay lore importante en estos fragmentos descartados. Ahora bien, la pregunta es… ¿Es suficiente para armar una película? Lo confirmado es ese bloque inicial de seis capítulos, acompañado por una historia marco situada catorce años después de la marcha de Frodo con Sam, Merry y Pippin regresando sobre los primeros pasos de su aventura y también estará Elanor, la hija de Sam, investigando un secreto relacionado con la Guerra del Anillo. Quizás hay algo más que vayan a incluir.

Si ’Shadow of the Past’ mantiene su planteamiento, el público podría descubrir por fin una parte de la Tierra Media que Tolkien escribió y que Peter Jackson tuvo que sacrificar para convertir «La Comunidad del Anillo» en una película de duración asumible y con un tono menos de cuento. Y pocas ausencias son tan importantes como Tom Bombadil, los Túmulos, el Viejo Hombre-Sauce y las espadas que terminarían cambiando la historia.

‘Harry Potter y la piedra filosofal’ desvela su segundo avance oficial

La nueva serie original de HBO basada en la saga literaria de J.K. Rowling llegará a HBO Max en Navidad de 2026

La magia vuelve a Hogwarts. La serie original de HBO ‘Harry Potter y la piedra filosofal’ ha presentado su segundo avance oficial, una nueva muestra de la adaptación televisiva de la popular saga literaria de J.K. Rowling. La producción contará con una primera temporada de ocho episodios que se estrenará en Navidad de 2026 en HBO Max.

La serie pretende trasladar nuevamente a la pantalla los acontecimientos del primer libro, acompañando a Harry Potter desde el descubrimiento de sus poderes y su llegada al Colegio de Magia y Hechicería de Hogwarts hasta su enfrentamiento con algunos de los secretos que se esconden tras los muros del castillo.

Harry Potter comienza su aventura en Hogwarts

Harry Potter ha crecido pensando que no tiene nada de especial, una idea reforzada por su tía Petunia. Todo cambia cuando recibe una misteriosa carta de admisión a Hogwarts, que le descubre la existencia de un mundo oculto de magia, criaturas extraordinarias y nuevas amistades.

Su llegada al colegio supondrá también el comienzo de una aventura en la que estará acompañado por Hermione Granger y Ron Weasley. Sin embargo, Hogwarts guarda secretos que irán saliendo a la luz y que llevarán a Harry a enfrentarse a una amenaza relacionada con el mago más oscuro de todos.

Un nuevo reparto para la saga

La primera temporada está protagonizada por Dominic McLaughlin como Harry Potter, Arabella Stanton como Hermione Granger y Alastair Stout como Ron Weasley. Junto a ellos, John Lithgow interpreta a Albus Dumbledore, Janet McTeer a Minerva McGonagall, Paapa Essiedu a Severus Snape y Nick Frost a Rubeus Hagrid.

El reparto se completa con Rory Wilmot como Neville Longbottom, Lox Pratt como Draco Malfoy, Leo Earley como Seamus Finnigan, Elijah Oshin como Dean Thomas, Tristan Harland como Fred Weasley, Gabriel Harland como George Weasley, Ruari Spooner como Percy Weasley, Alessia Leoni como Parvati Patil, Sienna Moosah como Lavender Brown, Finn Stephens como Vincent Crabbe, William Nash como Gregory Goyle, Warwick Davis como Filius Flitwick y Sirine Saba como Pomona Sprout.

También participan Daniel Rigby como Vernon Dursley, Bel Powley como Petunia Dursley, Paul Whitehouse como Argus Filch, Johnny Flynn como Lucius Malfoy, Bertie Carvel como Cornelius Fudge, Luke Thallon como Quirinus Quirrell y Katherine Parkinson como Molly Weasley, entre otros.

Francesca Gardiner lidera la nueva adaptación

La serie está basada en los libros de J.K. Rowling y cuenta con Francesca Gardiner como guionista y productora ejecutiva. Mark Mylod ejercerá como productor ejecutivo y dirigirá varios episodios.

La producción corre a cargo de HBO, en colaboración con Brontë Film and TV y Warner Bros. Television. J.K. Rowling, Neil Blair y Ruth Kenley-Letts, de Brontë Film and TV, y David Heyman, de Heyday Films, participan también como productores ejecutivos.

La primera temporada de ocho episodios de ‘Harry Potter y la piedra filosofal’ llegará a HBO Max en Navidad de 2026.

‘Clayface’: el terror se apodera del Universo DC

James Watkins dirige una nueva visión del icónico villano de Batman

DC Studios continúa ampliando su universo cinematográfico con una propuesta muy diferente a las habituales películas de superhéroes. ‘Clayface’ apostará por el terror psicológico y el thriller para narrar el origen de uno de los enemigos más conocidos de Batman, alejándose de los grandes espectáculos de acción para ofrecer una historia mucho más oscura e inquietante.

La película estará dirigida por James Watkins (‘No hables con extraños’), cineasta especializado en el género de suspense y terror, mientras que el actor Tom Rhys Harries dará vida a Matt Hagen, una nueva versión del personaje clásico de DC.

La tragedia de Matt Hagen marcará el corazón de la historia

La película seguirá el ascenso de Matt Hagen desde las calles de Gotham hasta convertirse en una prometedora estrella de Hollywood. Sin embargo, su vida cambiará radicalmente cuando un poderoso jefe criminal provoque un accidente que lo deja gravemente desfigurado.

Desesperado por recuperar su antigua vida, Hagen acepta someterse a un innovador tratamiento experimental capaz de devolverle su aspecto físico. Lo que inicialmente parece un milagro termina convirtiéndose en una auténtica pesadilla cuando el procedimiento altera su percepción de la realidad y desencadena una espiral de obsesión, locura y sed de venganza que acabará transformándolo en el temible Clayface.

Con este planteamiento, DC Studios apuesta por una historia con claras influencias del cine de terror corporal y del thriller psicológico, explorando la pérdida de identidad, la obsesión por la apariencia y la corrupción moral del personaje.

Un reparto de primer nivel para el nuevo thriller de DC

Junto a Tom Rhys Harries, el reparto reúne a varios intérpretes destacados del panorama internacional:

  • Naomi Ackie
  • David Dencik
  • Max Minghella
  • Eddie Marsan
  • Nancy Carroll
  • Joshua James

Aunque todavía no se han revelado los personajes que interpretarán, todos ellos formarán parte de esta reinterpretación del universo de Gotham desde una perspectiva mucho más oscura y adulta.

Mike Flanagan firma la historia y James Gunn impulsa el proyecto

Uno de los aspectos más llamativos del proyecto es su equipo creativo. El guion está escrito por Mike Flanagan y Hossein Amini, a partir de una historia original desarrollada por el propio Flanagan basada en los personajes de DC Comics.

La producción corre a cargo de Matt Reeves, Lynn Harris, James Gunn y Peter Safran, responsables de buena parte del nuevo rumbo cinematográfico de DC Studios.

El apartado técnico también reúne nombres destacados como:

  • Rob Hardy, director de fotografía.
  • James Price, diseñador de producción.
  • Jon Harris, responsable del montaje.
  • Keith Madden, diseñador de vestuario.
  • Volker Bertelmann, compositor de la banda sonora.

Todo ello apunta a una producción con una marcada identidad visual y una fuerte apuesta por la atmósfera propia del cine de terror.

Estreno exclusivo en cines en octubre de 2026

Clayface llegará a los cines españoles el próximo 23 de octubre de 2026, distribuida por Warner Bros. Pictures.

Con esta producción, DC Studios continúa diversificando su catálogo con películas centradas en personajes icónicos, explorando nuevos géneros cinematográficos y ofreciendo una visión mucho más adulta del universo de Gotham. El resultado promete ser una de las propuestas más singulares de la franquicia, llevando a la gran pantalla una historia de horror, tragedia y transformación protagonizada por uno de los villanos más fascinantes del universo de Batman.

Crítica: ‘Posesión infernal: en llamas’

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Uno pide irse de spa tras este baño de tensión, sangre y dolor

La franquicia ‘Posesión Infernal’ hace tiempo que dejó de competir por quién provoca más miedo. Su verdadera batalla consiste en descubrir hasta dónde puede llevar el sufrimiento físico de sus personajes sin perder esa sonrisa macabra que acompaña al espectador. Con ‘Posesión Infernal: En llamas’, Sébastien Vanicek entiende perfectamente cuál es el juego y entrega una película que apenas concede un segundo para recuperar el aliento.

Eso sí, conviene avisarlo desde el principio. Quienes no estén familiarizados con la saga, o quienes no disfruten del terror más sangriento, probablemente encuentren esta propuesta excesiva. Aquí no hay medias tintas. Cada muerte busca superar a la anterior mediante una sucesión de mutilaciones, heridas imposibles y un gore recreado con todo lujo de detalles. Si en ‘Posesión Infernal: El despertar’ muchos todavía recuerdan la escena del rallador de queso, esta nueva entrega convierte aquella secuencia casi en una anécdota. Es una película muy burra, extremadamente física y construida para hacer que el espectador sienta dolor simplemente contemplando lo que ocurre en pantalla. Y  sé que el director no buscaba el gore por el gore, pero le ha saldo eso.

No es casualidad y el director es víctima de sus propias intenciones. El propio Vanicek explicó durante el desarrollo del proyecto que pretendía crear una experiencia tan visceral que el público saliera del cine completamente agotado. Y, desde luego, cumple su promesa. Cuando terminan los créditos, tras tanta tensión, sangre y dolor, uno siente que necesita más un spa que una secuela. Precisamente por eso merece la pena quedarse sentado en la butaca, porque hay una escena a mitad de los créditos y otra al final que conectan con el pasado y el posible futuro de la franquicia.

Aparcando ‘Vermin’ y para saciar al fan de ‘Posesión infernal’

Quien disfrutara con ‘Vermin’ quizá espere encontrar aquí aquella sensación de angustia constante que convertía las arañas en una auténtica pesadilla. Sin embargo, Vanicek no consigue transmitir el mismo nivel de terror psicológico ni de agobio o nerviosismo. También es verdad que la propia identidad de ‘Posesión Infernal’ nunca ha residido únicamente en el miedo. La saga siempre ha preferido sorprender con nuevas barbaridades antes que con simples sobresaltos.

En ese sentido, el director francés demuestra haber entendido perfectamente el legado recibido. Sam Raimi eligió personalmente a Vanicek tras quedar impresionado con su anterior trabajo, mientras Bruce Campbell continúa implicado como productor ejecutivo, una presencia que además va mucho más allá del apartado industrial gracias a varios guiños dirigidos directamente a los seguidores más veteranos.

También resulta simpático que el realizador deje pequeñas pinceladas de su procedencia, tanto mediante algunos apuntes musicales como con la elección de un actor que repite con él tras ‘Vermin’ y el fichaje de Souheila Yacoub como protagonista. La actriz suiza, muy vinculada al cine francés gracias a trabajos como ‘Climax’ o la serie ‘No Man’s Land’, aporta una intensidad física que encaja perfectamente con el tono del filme.

Más sangre que mitología, pero un entretenimiento salvaje para los fans

Personalmente, sigo inclinándome hacia la segunda entrega lanzada tras el remake de 2013. Me pareció una película que encontraba un mejor equilibrio entre el espectáculo gore y una historia capaz de sostenerse por sí misma. En ‘Posesión Infernal: En llamas’ el componente familiar vuelve a ocupar buena parte del relato, aunque en esta ocasión el argumento existe principalmente para enlazar una brutalidad con la siguiente.

Quizá por eso se echa de menos una mayor expansión de algunos elementos del universo de la saga, especialmente todo lo relacionado con el círculo de hombres sabios o la mitología kandariana, aspectos que aparecen apuntados pero nunca desarrollados con la profundidad que muchos aficionados agradecerían.

También resulta curioso cómo Vanicek juega deliberadamente con las expectativas del público. En un par de ocasiones parece que va a repetir dos de los momentos más icónicos de la franquicia: la pronunciación de las palabras de invocación y el inevitable protagonismo de la motosierra durante el clímax. Sin embargo, introduce pequeñas fintas cargadas de humor autoconsciente que funcionan bastante bien precisamente porque saben que el espectador espera esos instantes. Rebeldía de autor, supongo.

Eso no impide que el filme caiga en algunos tópicos muy vistos dentro del género. La acción vuelve a desarrollarse prácticamente en una casa decrépita, reaparece el recurso del perro para generar inquietud y tampoco falta ese personaje construido con todos los clichés posibles de la depresión (uñas oscuras, pelo teñido y sudadera con capucha incluida). También repite algunos recursos que hemos visto en ‘La Momia de Lee Cronin’, que se supone que está dentro de este universo, pero aún no llega la ansiada conexión.

Pero cuando uno entra en ‘Posesión Infernal: En llamas’ sabe exactamente qué viene a buscar. Y la película cumple con creces. Es grotescamente divertida, tremendamente salvaje y probablemente una de las entregas más extremas de toda la franquicia. Puede discutirse si supera o no sus predecesoras, pero cuesta negar que Vanicek ha firmado una experiencia tan agotadora como memorable para cualquier amante del horror más descarnado.

Ficha de ‘Posesión infernal: en llamas’

Estreno en España: 17 de julio de 2026. Título original: Evil Dead Burn. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Sébastien Vanicek. Guion: Sébastien Vanicek, Florent Bernard. Música: Xavier Caux, Douglas Cavanna, Double Danger. Fotografía: Philip Lozano. Reparto principal: Souheila Yacoub, Tandi Wright, Hunter Doohan y Luciane Buchanan. Producción: Ghost House Pictures, New Line Cinema, New Zealand Film Commission, Ontario Creates, Screen Gems, Warner Bros. Distribución: Sony Pictures. Género: terror. Web oficial

Crítica: ‘Superman: man of tomorrow’

En qué plataforma ver Superman: man of tomorrow

Un origen reinventado que no termina de despegarse de lo de siempre

Hablar de ‘Superman: man of tomorrow’ es volver a confirmar una idea que se ha repetido durante años: el Universo DC siempre ha funcionado mejor en la animación que en imagen real. Mientras el llamado Snyderverse dejaba sensaciones encontradas (especialmente con personajes como Martian Manhunter, cuyo potencial quedó en nada), esta película apuesta por un enfoque más contenido, directo y, sobre todo, coherente con la esencia del personaje.

Nos encontramos ante una reinterpretación del origen de Superman que, sin romper con la tradición, introduce matices interesantes, aunque poco explotados. La historia se sitúa en un mundo con tintes retrofuturistas, una elección estética que no es casual. Este entorno mezcla tecnología avanzada con una sensibilidad visual que remite a la América de mediados del siglo XX, lo que encaja perfectamente con el simbolismo del personaje: un ideal clásico enfrentado a un mundo cambiante.

La animación es, sin duda, uno de los puntos fuertes. El trazo es limpio, dinámico y muy “americano” en el mejor sentido del término: musculatura marcada, acción clara y una narrativa visual que prioriza el espectáculo a la brillantez visual.

Una premisa potente… que se diluye

La película parte de una idea muy potente: ¿qué ocurriría si la identidad extraterrestre de Superman se viera expuesta demasiado pronto? La llegada de otras razas alienígenas, entre ellas el carismático Lobo, introduce un conflicto que podría haber redefinido completamente la percepción pública del héroe.

Sin embargo, aquí es donde ‘Superman: man of tomorrow’ empieza a perder fuerza. Lo que se plantea como un “what if” interesante, una exploración alternativa del mito, termina resolviéndose de forma bastante convencional. La narrativa opta por caminos seguros, desaprovechando el potencial dramático de un Superman que podría haber sido visto como una amenaza desde el primer momento.

El villano principal, aunque funcional, carece del peso necesario para sostener el conflicto, a pesar de sus dimensiones de kaiju. Aquí es donde entra en juego Lex Luthor, presentado como una figura ultratecnológica que anticipó versiones más modernas del personaje, en línea con lo que posteriormente desarrollaría James Gunn en su nueva visión del universo DC. Este enfoque es interesante, pero queda algo superficial en esta entrega.

Personajes secundarios y valor como puerta de entrada

Uno de los mayores aciertos de la película es su galería de personajes secundarios. La inclusión de Lobo no solo aporta dinamismo, sino que sirve como una excelente carta de presentación para el público general. Su personalidad irreverente y su brutalidad contrastan perfectamente con la moralidad de Superman, generando algunos de los momentos más entretenidos del metraje.

Por otro lado, la presencia de Martian Manhunter funciona casi como una compensación para los fans que esperaban más del personaje en otras adaptaciones. Aquí, aunque su papel no es central, al menos se le concede una relevancia narrativa que lo dignifica.

En este sentido, la película también adquiere un valor estratégico: sirve como introducción accesible a personajes que probablemente ganen protagonismo en futuros proyectos, incluyendo la esperada conexión con el universo de Supergirl. Este tipo de sinergias no son casuales y refuerzan la sensación de que sin llegar a formar parte de la misma narrativa estamos ante una pieza dentro de un plan mayor que se mantiene vivo gracias a la animación.

Ficha de ‘Superman: man of tomorrow’

Estreno en España: 2020. Título original: Superman: man of tomorrow. Duración: 86 min. País: EE.UU. Dirección: Chris Palmer. Guion: Tim Sheridan. Música: Kevin Riepl. Reparto principal (doblaje original): Darren Criss, Alexandra Daddario, Zachary Quinto, Ryan Hurst, Ike Amadi. Producción: DC Entertainment, Warner Bros. Animation. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción. Web oficial.

Tráiler de ‘Harry Potter y la Piedra Filosofal’

Harry Potter vuelve, en forma de serie y se nos va hacer muy largo este 2026 

Ya tenemos el primer tráiler de la nueva serie de HBO Max basada en los libros de Harry Potter. La primera temporada ‘Harry Potter y la Piedra Filosofal’, llegará a nuestras pantallas en la Navidad de 2026. El tráiler se ha lanzado en un evento realizado en el Reino Unido e Irlanda.

En el tráiler vemos a casi todos los protagonistas de la cinta, entre ellos a los tres niños, Dominic McLaughlin como Harry Potter, Arabella Stanton como Hermione Granger, y Alastair Stout como Ron Weasley. Pero no solo a ellos les vemos en el tráiler, me ha hecho gran ilusión ver a Nick Frost como Hagrid y a John Lithgow como Albus Dumbledore.

Rory Wilmot, Lox Pratt, Leo Earley, Elijah Oshin, Tristan Harland, Gabriel Harland, Ruari Spooner, Alessia Leoni, Daniel Rigby, Johnny Flynn, Luke Thallon, o Anton Lesser son también parte de este gigantesco proyecto. Queda mucho todavía para el estreno pero sin duda este avance nos ha dado más de lo que esperábamos.

La serie, basada en los apreciados libros de J. K. Rowling, está escrita y producida por Francesca Gardiner. Mark Mylod será el productor ejecutivo y dirigirá varios episodios de la serie para HBO en colaboración con Brontë Film and TV y Warner Bros. Television. La serie cuenta con J.K. Rowling, Neil Blair y Ruth Kenley-Letts, de Brontë Film and TV, y David Heyman, de Hayday Films, como productores ejecutivos.

A continuación, os dejamos con el tráiler de la serie y su sinopsis.

Sinopsis

Harry Potter es un niño que vive con sus tíos en Inglaterra. El día que cumple 11 años, le llega una extraña carta de admisión en el Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería, algo que le abre un mundo totalmente oculto hasta ahora, un mundo de magia, diversión y amistad.

Crítica: ‘¡La Novia!’

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Jessie Buckley y Christian Bale llenan la pantalla de amor y locura 

Una de las películas que más esperaba de este año. ‘La Novia’ llega para mostrarnos una historia bastante original, dentro de una historia ya conocida. Una mezcla de géneros que logra un gran entretenimiento y sin duda una gran puesta en escena.

Conocemos a un Frankenstein, deseoso de tener una novia, si, esto ya lo conocemos. Pero aquí no es él el protagonista. Antes conocemos a Ida, una joven que muere y revive de una manera salvaje y poderosa.

La película es romántica, es un drama, tiene música y bailes, tiene un poco de todo y sobre todo tiene una historia de descubrimiento.

Maggie Gillenhaal y su locura de atreverse con Mary Shelley

Además de dirigir, Maggie Gillenhaal decide hacer también el guion. Al igual que hizo con su ópera prima ‘La hija oscura’. Y que puedo deciros, lo hace bastante bien.

Hace una adaptación de esta novia de Frankenstein bastante punk, llena de ganas de vivir y de liarla y sobre todo con ganas de saber quien es y no subyugarse a un mundo que la quiere muerta.

Una historia donde los monstruos no lo son tanto como los que les persiguen, la base de Frankenstein sigue ahí, pero esta vez además con un fondo feminista en el que nos cuentan también una trama mafiosa. Esta trama, aunque tiene protagonismo, realmente queda tapada por la loca historia de amor que tienen estos dos monstruos y que sin duda, al menos para mí, es lo más importante de la película.

Actuaciones monstruosas

Ya sabemos que Jessie Buckley y Christian Bale son dos pedazo de artistas, pero es que aquí sorprenden y hacen dos papelones increíbles.

Christian Bale, sabemos que se adentra en cualquier cosa que le pidan, pero no os voy a negar que tenía mis dudas de verle como el Monstruo de Frankenstein, pero es que está increíble. Nos muestra bondad, ternura y también ese toque salvaje y destructor cuando es atacado.

Jessie Buckley está increíble como siempre. Este papel es una joya y ella lo representa de manera espectacular. Tiene dos papeles en la película, admito que no quiero hablar del primero ya que para mi ha sido una pequeña sorpresa y no quiero que os la perdáis. En ambos está fabulosa.

Junto a ellos tenemos a Penelope Cruz y Peter Sarsgaard. Con ellos me pasa lo contrario, su trama me pierde mucho y es que no me gustan mucho ni sus papeles ni sus actuaciones. Son sobrias y al final pasan a hacer que pierdas un poco el interés de lo que te están contando.

En cambio las actuaciones de Annete Bening y Jeannie Berlin, me han gustado mucho y sus personajes tan extraños y jugosos son de los mejores secundarios. Muy divertidos.

No todo es perfecto pero aun así merece la pena

A nivel técnico la cinta es bastante llamativa, con una banda sonora muy cuidada y una fotografía llena de detalles y colores vistosos, logran crearnos muchos estímulos y eso hace que la película sea muy rápida.

El montaje, quizás sea algo torpe en algunos momentos. No cuenta del todo bien que se podría la historia que tenemos de fondo y quizás por eso sea que como he comentado, se pierda un poco y no logre el interés que quizás la directora quería darle.

En general ‘La Novia’ me ha gustado mucho, creo que es una gran película en todo su conjunto, pese a que tiene alguna falla que otra. Pero es totalmente recomendable. Tiene una escena de baile que es un homenaje a ‘El Jovencito Frankenstein’, por supuesto ni con tanta guasa, pero que si utiliza su música. Es una cinta en la que nos muestran el amor hacia el cine y como éste puede calmar a un monstruo. No dudéis en acercaros al cine a verla y disfrutarla.  

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de marzo de 2026. Título original: The Bride! Duración: 126 min. País: Estados Unidos. Dirección: Maggie Gyllenhaal. Guion: Maggie Gyllenhaal. Música: Hildur Guonadóttir. Fotografía: Lawrence Sher. Reparto principal: Jessie Buckley, Christian Bale, Peter Sarsgaard, Penélope Cruz, Annette Bening, Jake Gyllenhaal, John Magaro, Jeannie Berlin. Producción: Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: Terror. Web oficial.

Crítica: ‘Cumbres borrascosas’

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Crítica

Artísticamente preciosa, pero lejos de la novela que representa

Olvidad la gran novela de Emily Brontë, porque si no, esta película no es para vosotros. Llega una nueva versión de ‘Cumbres borrascosas’ esta vez de la mano de Emerald Fennell. Una directora a la que le gusta mucho distanciarse de todo y hacer cosas artísticamente diferentes. Y es que sus ‘Cumbres borrascosas’ dejan atrás muchas cosas, centrándose mucho más en este amor imposible que ella nos cuenta desde su perspectiva.

¿Es ‘Cumbres borrascosas’ una buena adaptación’?

Partiendo que en principio no se mete en toda la historia que nos cuenta Emily Brontë, la cinta nos lleva como digo más a la tormentosa historia de amor de Cathy y Heathcliff. Ambos se han criado juntos en un ambiente terrible de pobreza y maltrato. Un ambiente que termina con ella casándose con un joven millonario y con él marchándose despechado y lleno de ira. Para regresar rico y con ganas de venganza.

Emerald Fennell ha obviado personajes de la novela y momentos de ésta, como digo, para llevar la historia a una truculenta historia de amor llena de traición, odio, sexo y amor verdadero.

Aunque la cinta no sea una gran adaptación, nos cuenta otra historia y no lo hace mal del todo. Si que es cierto que a mitad de película da un giro que aunque en la novela realmente es así, aquí queda bastante mal, ya que nos está contando una gran historia de amor y pasa de repente a un odio exacerbado y que realmente no entiendes. No se, creo que en parte se quiere ceñir a la novela, pero cuando lo ha intentado, se le ha ido completamente de las manos.

Reparto y personajes

Tanto el personaje de Cathy como el de Heathcliff, me parecen muy bien tratados, hasta como os digo, ese giro que en la película no pinta nada. Cathy, una mujer caprichosa, que hace lo que le da la gana con Heathcliff y con su marido. Realmente le da igual todo, solo se interesa por ella misma y por sus deseos más cercanos.

Heathcliff en cambio es el eterno enamorado, con una tristeza bajo sus hombros increíble, ya que ha sido torturado por su “salvador” y también ignorado por el amor de su vida. Regresa rico y lleno de odio hacia Cathy.

Margot Robbie y Jacob Elordi logran crearnos una pareja perfecta. Tanto en los buenos momentos como en los malos, logran una química increíble y se nota que han trabajo muy a gusto juntos.

En el resto de reparto me gustaría mencionar a Alison Oliver, que tiene un papel terrible, en el sentido de que su personaje es super maltratado y la verdad la actriz logra una actuación bastante buena.

En cambio, el personaje de Shazad Latif, podría ser bastante más interesante, pero sinceramente llega a dar bastante igual. No creo que sea culpa del actor, si no que simplemente su personaje no está bien desarrollado.

El arte de la película

Lo que, si que me ha gustado bastante, aunque no tenga nada que ver con la época, es el vestuario y decoración. Y es cierto que las películas de esta directora son muy artísticas visualmente hablando.

El vestuario de la mano de Jacqueline Durran, es espectacular, está claro que es para que Margot Robbie se luzca, como lo hizo en ‘Barbie’, pues ya trabajaron juntas aquí. Son vestidos llamativos, con la gama de colores del rojo al rosa, resaltando el rostro y los ojos de la actriz.

Se han utilizado diferentes colores para los distintos personajes, pero es cierto que los de ella son los más llamativos. Que contrastan con el negro de Jacob Elordi, un personaje oscuro y lleno de rencor.

También es llamativa la gran fotografía de Linus Sandgren, mostrándonos grandes primeros planos de los labios, de las manos, la piel desnuda. Pero también planos generales de las habitaciones llenas de colores y bastante vacías de muebles, poco barroco para la época tan ostentosa que nos representa.

A nivel artístico lo que no me ha gustado nada es la música, me parece que no pega con la película.

Conclusiones

No puedo decir que ‘Cumbres borrascosas’ no me haya gustado, una cosa que me dio fue un gran debate al salir de verla y eso siempre es un gran punto a favor de la película. Pero sí que creo que podría ser mucho mejor y que si se hubiese centrado más en la novela hubiese sido tremenda. Pero como siempre digo, no es mi película, es la versión de la directora y el cine está para todo el mundo. ‘Cumbres borrascosas’ tiene cosas muy buenas y pese a mitad de película que para mí se pierde, el principio y el final de la cinta logra que mínimo pueda recomendárosla.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de febrero de 2026. Título original: Wuthering Heights. Duración: 136 min. País: Estados Unidos. Dirección: Emerald Fennell. Guion: Emeral Fennell. Música: Anthony Willis. Fotografía: Linus Sandgren. Reparto principal: Margot Robbie, Jacob Elordi, Hong Chau, Alison Oliver, Shazad Latif, Martin Clunes, Ewan Mitchell, Amy Morgan, Jessica Knappett, Charlotte Mellington, Owen Cooper, Vy Nguyen. Producción: MRC Film, LuckyChap Entertainment. Distribución: Warner Bros. Género: Drama. Web oficial.

El tráiler de ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ deslumbra con una arriesgada apuesta

‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ se estrena el 26 de junio de 2026 con Jason Momoa como Lobo

El nuevo tráiler de la película ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ ha irrumpido con fuerza entre los aficionados del universo DC. La producción dirigida por Craig Gillespie, conocido por películas como ‘Golpe a Wall Street’, marca el nuevo inicio para el personaje ya incluído en el nuevo DCU en el ‘Superman’ de James Gunn, cuya influencia estética y musical es evidente en cada plano del avance. Con su mezcla de humor irreverente, ambientación cósmica y una apuesta clara por la acción desenfrenada, el tráiler anticipa una película que aspira a redefinir a Kara Zor-El para toda una nueva generación.

Más allá del tono vibrante, el avance ha despertado una notable conversación entre los fans debido a su representación de la protagonista, que continúa el enfoque polémico ya mostrado en los minutos finales de ‘Superman’ (2025). Muchos seguidores no han recibido con entusiasmo esta versión más desinhibida, agresiva y, en ocasiones, presentada como una heroína de actitud adolescente y con comportamientos que podrían interpretarse como excesivos o ebrios.

Fecha de estreno y posición dentro del DCU

La película tiene previsto su estreno mundial para el 26 de junio de 2026 y se sitúa como una de las piezas centrales de la primera fase del DCU de James Gunn. Tras ‘Superman’ (2025), ‘Supergirl’ profundizará en la parte cósmica y alienígena del nuevo universo, abriendo puertas narrativas hacia otras facciones, planetas y enemigos clásicos del legado kryptoniano.

Un tráiler con ADN de ‘Guardianes de la Galaxia’

Nadie puede negar que el tráiler parece beber directamente del estilo que James Gunn consolidó en ‘Guardianes de la Galaxia’. Desde el uso de música diegética (un elemento clave en las producciones que ha liderado Gunn) hasta el ritmo frenético del montaje, la influencia es perceptible a pesar de que la dirección recae en Gillespie. Este toque cósmico, irreverente y lleno de energía marca un claro contraste con la aproximación más solemne que había dominado el antiguo universo DC.

La música vuelve a jugar un papel capital, como es habitual en las producciones que supervisa Gunn. El tráiler presenta un tono rebelde y despreocupado, subrayando la actitud desafiante de Supergirl, reforzado todo ello al son del ‘Call me’ de Blondie.

Personajes y reparto: Jason Momoa regresa al DCU pero como Lobo

Uno de los elementos más comentados del tráiler es la aparición fugaz de Jason Momoa como Lobo, el infame cazarrecompensas intergaláctico. Su presencia confirma que DC utilizará al actor para un personaje completamente diferente al Aquaman del universo previo, reforzando el tono gamberro y brutal de esta nueva etapa. El propio Momoa ha confirmado este nuevo rol en sus redes sociales y aunque hemos visto poco cabe reconocer que le viene como anillo al dedo.

En el reparto también aparecen actores y personajes como David Krumholtz como el mítico Zor-El (tío de Superman), Eve Ridley como la madre de Supergirl o Matthias Schoenaerts en el papel del villano Krem of the Yellow Hills.

Escenarios: ¿una primera mirada a Kandor?

El tráiler incluye varias secuencias que muestran una ciudad encapsulada o protegida en un domo energético, lo que numerosos fans habrán relacionado inmediatamente como una posible representación de Kandor. Si se confirma, supondría la primera aparición oficial de esta icónica ciudad kryptoniana en el cine moderno, además de un punto clave para enriquecer la narrativa sobre el pasado y el trauma de Kara.

La polémica imagen de Supergirl: eco del final de ‘Superman’ (2025)

El tráiler también refuerza la visión de una Supergirl dañada emocionalmente, impulsiva, incluso con comportamientos que pueden ser percibidos como autodestructivos. La caracterización recuerda al final de ‘Superman’, donde ya se mostró una versión más salvaje del personaje, algo que generó fuerte debate entre los seguidores más tradicionales. Esta decisión creativa vuelve a dividir a la comunidad, que se pregunta si este enfoque respetará la esencia del personaje o si la apartará demasiado de su identidad clásica.

Crítica: ‘Tom y Jerry: Aventura en el tiempo’

En que plataforma ver Tom y Jerry: Aventura en el tiempo

Sinopsis

¡Tom y Jerry viajan en el tiempo! Tras una loca persecución en el Museo Metropolitan de Nueva York, un portal del tiempo los transporta a una ciudad dorada inspirada en la Antigua China, llena de magia, guerreros y criaturas sorprendentes. Para regresar a casa, viven una increíble aventura repleta de acción y humor, donde deben enfrentarse a nuevos enemigos… ¡y quizás aprender a trabajar juntos!

Crítica

Tom y Jerry regresan a la gran pantalla

Nuestro ratón y gato favoritos regresan a la gran pantalla. Estamos en Nueva York, específicamente en el Museo Metropolitan. Donde Tom trabaja a destajo como vigilante de seguridad por la noche, mientras Jerry está deseando ver la gran exposición que han preparado sobre China. Como siempre, terminan persiguiéndose y destruyendo casi todo, pero hay una brújula que se activa y les hace viajar a la Antigua China.

No me esperaba mucho de la película y termina siendo muy entretenida. Además de una animación muy buena. Tiene una animación 3D y en ciertos momentos encontramos animación en 2D bastante bonita. Momentos en los que vemos los recuerdos de los nuevos protagonistas.

Tom y Jerry siguen sin hablar, algo que se agradece, no me los imagino con voces. Mientras que todos los personajes que están a su alrededor si que parlotean. Tenemos un enemigo bastante curioso y bien trabajado. Una rata gigante, que a veces puede recordar a Dr. Octopus, no llega a tener tantos brazos robóticos, pero si que se parece a la hora de crear artilugios capaces de parar a nuestros dos protagonistas.

No perdemos, como he comentado al principio de la crítica, las persecuciones de Tom y Jerry, seguimos viendo esa manera loca a la hora de que el ratón logre escapar siempre. Y como Tom sufre las consecuencias de estar intentando siempre cazar al ratón.

Gang Zhang se marca su primera película en esta película en la que China y Estados Unidos producen. Mientras que el jefe de animación es el famoso Paul Griffin, supervisor de efectos visuales de series como ‘Stargirl’ o películas como ‘Deep Blue Sea’

La película llega en el 85 aniversario de la serie de dibujos animados creada por William Hanna y Joseph Barbera. ‘Tom y Jerry: Aventura en el tiempo’ es una película sencilla, con una historia que no tiene complicación, en la que el gato y el ratón quieren volver a su hogar y también ayudar a sus nuevos amigos. Es una película quizás muy infantil, y para el público adulto se quede un poco corta. Pero al final ‘Tom y Jerry’ es para los más pequeños y no debemos olvidar que ellos también deben acostumbrase a ir a divertirse al cine. 

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de octubre de 2025. Título original: Tom & Jerry: Forbidden Compass. Duración: 104 min. País: China. Dirección: Zhang Gang. Guion: Zhang Gang. Reparto principal: Li Baixin, Zhang Gang, Jiang Wen Jin, Hanlin Li, Xiongfei Tu, Zhang Wenjie, Shun Zi. Producción: China Film Co. Ltd., Warner Bros. Discovery, Origin Animation. Distribución: Adso Films. Género: Comedia. Web oficial: https://www.tomyjerry.es/

Crítica: ‘Una batalla tras otra’

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Sinopsis

Bob, el ya acabado revolucionario (DiCaprio) existe en un estado de paranoia y drogado. Sobrevive desconectado de los demás con Wilma, su enérgica y auto-suficiente hija (Infiniti). Cuando su malvado archienemigo (Penn) reaparece al cabo de 16 años y ella desaparece, el ex-radical lucha para encontrarla. Tanto la hija como el padre tienen que luchar contra las consecuencias del pasado de éste.

Crítica

La película más combativa y política de Thomas Anderson

Hay películas que parecen responder a un pulso histórico, como si hubieran nacido de la tensión acumulada en las calles y en los noticiarios. ‘Una batalla tras otra’ de Paul Thomas Anderson pertenece a esa categoría: un relato que no solo narra, sino que respira el malestar social y lo transforma en ficción febril. Anderson toma la semilla del descontento y la hace germinar en una historia donde la radicalización política, el terrorismo artesanal y la desconfianza hacia las élites conviven en un territorio difuso entre la sátira y la tragedia.

La trama se centra en un grupo organizado de jóvenes que, cansados de la marginación y la desigualdad en temas como la inmigración o el racismo, encuentran en la violencia su única vía de expresión. Sus métodos remiten a las viejas guerrillas europeas: artefactos caseros, nombres en clave, escondrijos en plena naturaleza, asesinatos que llevan a la radicalización, confrontaciones improvisadas… No es casualidad que se autodenominen “El 75 francés”, evocando quizá a la rapidez y eficacia del legendario cañón de la Primera Guerra Mundial. Con ello, Anderson no solo alude a la violencia organizada, sino que sugiere la posibilidad inquietante de que este tipo de insurgencia pueda brotar en la Norteamérica contemporánea. Quizá ‘Una batalla tras otra’ es una sátira, quizá es una llamada de atención.

En paralelo, la película dibuja a esas élites que manejan el país en la penumbra, retratadas con un tono ambiguo: a ratos caricatura, a ratos crítica. Por momentos, el filme tiene la rabia de Spike Lee, la mordacidad de Adam McKay y la asfixia del ‘Sicario’ de Denis Villeneuve. Tal es la llamada de atención que el filme podría ser parte de un ciclo iniciado por ‘Eddington’ de Ari Aster y culminado con el ‘Civil War’ de Alex Garland. El equilibrio entre esas influencias u obras con las que se da la mano no disuelve la voz de Anderson, sino que la afila hasta convertirla en su obra más combativa y directamente política.

La música de Jonny Greenwood es esencial: es casi un jazz bebop disonante y nervioso que acompaña las persecuciones, los estallidos de violencia o las discusiones más encendidas. Dispone de persecuciones que emplean recursos que ponen de los nervios o carreras por azoteas realizadas por unos jóvenes a las órdenes de un sensei que parecen que buscar rememorar algo tan americano como las ‘Tortugas Ninja’. Esa mezcla, insólita y pop, casi pulp, termina por acentuar el desconcierto del espectador, atrapado entre la risa y la alarma.

En el reparto, Leonardo DiCaprio ofrece un papel autodestructivo en el que parece encontrarse muy cómodo y que no le presenta dificultad alguna. Su “Gringo Zapata” encarna tanto la fragilidad como la fuerza del héroe revolucionario. Junto a él, Chase Infiniti aporta un contrapeso sólido, aunque queda en segundo plano frente al magnetismo de Teyana Taylor, que arrasa con su energía. Sean Penn es otro de los pilares del filme, quizá en el rol que será más comentado. Apabullante en muchos pasajes, peca de exceso en otros, lo que le resta naturalidad.

Pero ‘Una batalla tras otra’ no se limita a la política: también es un relato íntimo sobre la incomunicación entre un padre y su hija. Esa fractura familiar funciona como espejo de la fractura social y generacional: en ambos casos, todo se reduce a una lucha constante, a una batalla tras otra. Aunque se base en la novela de Thomas Pynchon, con esta película, Anderson no se limita a narrar, sino que interpela al presente, obligando a preguntarnos si lo que vemos es advertencia o burla, profecía o sátira.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Título original: One Battle After Another. Duración: 170 min. País: EE.UU. Dirección: Paul Thomas Anderson. Guion: Paul Thomas Anderson. Música: Jonny Greenwood. Fotografía: Paul Thomas Anderson, Michael Bauman. Reparto principal: Leonardo DiCaprio, Teyana Taylor, Chase Infiniti, Sean Penn, Benicio Del Toro, Regina Hall. Producción: Ghoulardi Film Company, Warner Bros. Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, acción, comedia. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/una-batalla-tras-otra

Crítica: ‘The people’s Joker’

Sinopsis

En Gotham City, donde la comedia ha sido prohibida, una aspirante a payasa sin gracia llamada «Joker the Harlequin» lucha por encontrar su identidad de género mientras intenta formar parte del único programa humorístico que queda en la ciudad. Pero su camino la llevará a enfrentarse a un oscuro y trastornado vigilante encapotado que mantiene el control sobre Gotham.

Crítica

La película que desafió a Warner y salió airosa (al menos en lo legal)

Antes de entrar en la anatomía misma de ‘The People’s Joker’, es imprescindible hablar del derecho a la parodia. La parodia, consagrada por la doctrina legal en numerosas jurisdicciones, protege la sátira, la crítica, la exageración humorística. Es precisamente este derecho el que autoriza a Vera Drew a jugar con personajes icónicos de DC Comics, a invertir arquetipos y a remecer expectativas. Si algo queda claro, es que, sin ese paraguas legal, el filme no existiría (o se habría enfrentado a demandas inabarcables). Así que, queda establecida esa premisa esencial: la parodia es legítima y necesaria.

Nada más aparecer este filme independiente en el Festival de Toronto, Warner Bros. envió una carta pidiendo explicaciones e instando a esperar a revisar si se infringía algún detalle relacionado con propiedad intelectual. El festival medió y la película se proyectó pero su directora la retiró del resto de festivales a los que aplicaba por miedo a no poder hacer frente a una demanda con un gigante como Warner. Aún así, la película ha sobrevivido y llega ahora a Filmin tras haberse podido ver en otros marcos fuera de España. A día de hoy no ha habido denuncia contra la película por parte de los propietarios de personajes como Batman, Joker, Harley Quinn y compañía.

‘The People’s Joker’ abre con dedicatorias: a Joel Schumacher, a quien Drew dedica esta obra por su despertar trans durante el visionado de su película ‘Batman Forever’, durante la cual sentía más afinidad con Nicole Kidman que con Val Kilmer. Y el filme también está dirigido a la madre de la directora y protagonista, la cual, aparece retratada con ironía. Figura como madre conservadora y cerrada se convierte en imagen cómica y cristal de contraste, muy al estilo de la madre de Sheldon Cooper. El doble sentido funciona: por un lado, homenaje, por otro, denuncia de lo retrógrado, como si Drew jugara al equilibrista entre reverencia y humor ácido.

Desde el primer fotograma, la película se define como trans y queer. No hay preludios: se declara identitaria, política y personal. Mezcla una realidad autobiográfica con elementos de ficción del universo DC, en un tono de “chifladura sentimental” que recuerda a algunos episodios de ‘Doom Patrol’: delirantes, emotivos, coloristas y totalmente fuera de lo convencional. Todo esto se debe a que el filme pretende ser un zasca. Surge del intento de responder a Todd Phillips (director de ‘Joker’), el cual comentó que la cultura woke limitaba actualmente a la comedia. Ese pulso cultural es valiente y necesario, pero al enfocarse tanto en lo autobiográfico, Vera Drew descuida la narrativa cómica, pierde perspectiva de su cometido principal. El desnudo frente a cámara es valiente, sí, pero el objetivo, la vuelta de tortilla que anuncia desde su germen… no termina de cuajar. Existen ejemplos recientes y exitosos: ‘Tomboy’ (Céline Sciamma) y ‘Feel Good’ (Mae Martin), que sí logran ese equilibrio entre lo íntimo, lo queer y lo universal. Aquí, en cambio, muchas buenas ideas quedarán en esbozo.

Algunas ideas paródicas funcionan: chispazos visuales, referencias meta, insinuaciones audaces. Incluso, en tono friki, diría que a Drew le vendría bien pasar por el universo Cálico Electrónico para asimilar timing y gags. Pero el gancho falla: los chistes no rematan, muchas ocurrencias mueren al instante. Y ahí reside la tragedia: la apuesta era fuerte, merecida, valiente… pero el resultado es plano. Sorprende hasta cierto punto que Warner no haya interpuesto demandas: la película no hace gracia, prácticamente refuerza el argumento de Phillips. Una auténtica pena. Además Drew no usa imágenes originales, no por lo menos un tiempo suficiente como para tener que pagar derechos.

Entre los momentos más bizarros, la película extrae riffs y citas de ‘El regreso del caballero oscuro’ o el ‘Escuadrón Suicida’ de David Ayer. El Robin de Frank Miller se transforma, en un giro delirante, en el Joker de Jared Leto: un galimatías mental que podría ser fascinante… si tuviera coherencia. Pero termina siendo una breve chispa de locura sin desarrollo. Se queda en la anécdota. El estilo es una mezcla de técnicas, animación e imagen montada que coquetea con el horterismo kitsch, rayando lo extremadamente amateur. Se siente como un collage de bancos de imágenes superpuestas (recuerdos de ‘The Amazing Bulk’ han aparecido en mi mente), con estética mal pulida que distrae más que aporta. Podría ser un recurso expresivo, pero chirría. Tampoco es de extrañar pues de presupuesto han contado con apenas 100.000 dólares, de los cuales 19.000 se consiguieron por crowdfunding durante la pandemia, algo bastante poco significativo.

Fondos de matte painting, miniaturas, animación 2D y 3D, secuencias de stop-motion, collages digitales y hasta números musicales con marionetas interdimensionales. ‘The People’s Joker’ es un experimento personal y político: una provocación queer, un arrebato autobiográfico, una chifladura visual. Es legítima por derecho a la parodia, y valiente por desnudarse ante la cámara. Pero en su ímpetu autorreferencial, falla como comedia. Filmin suele ser buena apuesta para obtener combinaciones transgresoras, valiosas, independientes y diferenciadas. Por desgracia este es un punto negro en su catálogo que si acaso cumple los dos últimos adjetivos y quizá se convierta en placer culpable para alguien.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de agosto de 2025. Título original: The people’s Joker. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Vera Drew. Guion: Bri LeRose, Vera Drew. Música: Justin Krol, Quinn Scharber, Danni Rowan. Fotografía: Nate Cornett. Reparto principal: Vera Drew, Lynn Downey, Kane Distler, Nathan Faustyn, David Liebe Hart, Phil Braun, Griffin Kramer, Christian Calloway, Trevor Drinkwater, Ruin Carroll, Tim Heidecker, Bob Odenkirk. Producción: Open Road Films. Distribución: Filmin. Género: comedia. Web oficial: https://www.filmin.es/pelicula/the-peoples-joker

Tráiler de ‘Mortal Kombat II’

La secuela de ‘Mortal Kombat’ presenta su primer avance cargado de humor, luchadores clásicos y promesas de combates aún más sangrientos y espectaculares

Warner Bros ha revelado al fin el primer tráiler oficial de ‘Mortal Kombat II’, la esperada continuación del reboot cinematográfico estrenado en 2021. Dirigida nuevamente por Simon McQuoid, la secuela promete ser aún más fiel al universo del mítico videojuego, con más personajes clásicos, una narrativa más sólida y coreografías de lucha más intensas y sangrientas.

Vuelven los Fatalities y los clásicos del videojuego

El tráiler confirma el regreso de personajes emblemáticos como Liu Kang (Ludi Lin), Sonya Blade (Jessica McNamee), Kung Lao (Max Huang) y Shang Tsung, ahora interpretado por Chin Han. Pero sin duda, las grandes novedades son las apariciones de Johnny Cage, interpretado por Karl Urban, quien se alza como protagonista indiscutible de la cinta y por supuesto también como cabeza de cartel.

Además, los fans podrán ver por primera vez en acción a otros favoritos del videojuego como Kitana, Baraka, Shao Kahn, Mileena y Sindel, todos ellos luciendo un diseño visual mucho más cercano al material original de Mortal Kombat.

Más fiel al lore del videojuego

La primera entrega fue criticada por no incluir el torneo real que da nombre a la saga, pero esta secuela sí explorará el enfrentamiento definitivo entre Earthrealm y Outworld, con el Mortal Kombat como eje narrativo. El tráiler anticipa una atmósfera más épica, un tono más serio y un mayor cuidado en la recreación del universo creado por Ed Boon y John Tobias. Por supuesto hay garantías de más sangres y más referencias a los fatalities del juego.

Fecha de estreno y expectativas

‘Mortal Kombat II’ tiene previsto su estreno el 24 de octubre de 2025, aunque aún no se ha confirmado una fecha exacta. El tráiler ha sido recibido con entusiasmo por los fans, que celebran el tono más oscuro, la fidelidad al videojuego y la inclusión de luchadores icónicos ausentes en la primera película.