Crítica: ‘Resident Evil’ (2026)

En qué plataforma ver Resident Evil

El Resident Evil de Zach Cregger es un pasaje del terror del tamaño de una ciudad

Las adaptaciones de ‘Resident Evil’ han tenido una relación bastante complicada con el material original. Curiosamente, la mayoría de las versiones animadas han sabido entender mejor el espíritu de los videojuegos que sus hermanas de acción real. En imagen real todo empezó con las películas de Paul W. S. Anderson y Milla Jovovich, que inicialmente entusiasmaron a buena parte del público, pero cuya deriva rápidamente se fue desfigurando hasta alcanzar seis entregas. Johannes Roberts rozó el palo con ‘Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City’, especialmente por su ambientación y escenografía, aunque tampoco consiguió redondear la adaptación.

Todas aquellas versiones tenían algo en común: intentaban llevar al cine personajes, acontecimientos o escenarios reconocibles de los videojuegos. La película de Zach Cregger toma otro camino. ‘Resident Evil’ transcurre paralelamente al universo de los juegos y nos introduce en el estallido zombi provocado por Umbrella Corporation, pero sin llevarnos literalmente por ninguno de los recorridos que conocemos. Es una estrategia parecida, en espíritu, a la que intentó la serie de Netflix, aunque aquí el resultado tiene bastante más sentido.

Y la pregunta inevitable, tratándose de Cregger, es: ¿estamos ante algo más cercano a ‘Barbarian’ o a ‘Weapons’? Definitivamente, a ‘Barbarian’. Hay violencia, terror grotesco y una voluntad muy clara de incomodar al espectador. Puede haber algún parentesco con ‘Weapons’ en determinados juegos con la infancia y, especialmente, en la utilización de la sangre, pero esto es fundamentalmente un gigantesco pasaje del terror.

Una sucesión de ideas para los próximos videojuegos.

La sensación de estar jugando se encuentra precisamente en esa sucesión de amenazas. Bichos verrugosos, criaturas amorfas, mutaciones y enemigos explosivos convierten prácticamente cada desplazamiento en una huida. Los puristas de las primeras entregas probablemente encontrarán motivos para protestar, pero Cregger demuestra conocer muy bien el lenguaje del videojuego y, sobre todo, su sensación de vulnerabilidad. No es necesario copiar una localización concreta para reproducir esa experiencia.

La película parece situarse en los primeros momentos del brote de Raccoon City. Bryan, interpretado por Austin Abrams, funciona como nuestros ojos. Es un protagonista deliberadamente desorientado, alguien que contempla lo que sucede con la misma perplejidad que nosotros. Su existencia consiste básicamente en correr, disparar de manera más o menos afortunada y preguntarse qué demonios está pasando. Dice tantas palabrotas que por momentos parece una versión involuntaria de Samuel L. Jackson o de El Nota de Jeff Bridges. A ver si alguien hace el recuento, porque esta película se puede meter en el podio de las películas con más palabrotas de la historia.

Además, ‘Resident Evil’ evita una estructura excesivamente fragmentada. No está planteada como un gigantesco plano secuencia, pero sí produce la impresión de que estamos ante una única carrera hacia adelante, con muy pocos descansos narrativos. Apenas hay elipsis que permitan respirar. Cregger convierte el montaje en una herramienta para mantenernos dentro de la cabeza del protagonista: sorpresa, miedo y, sobre todo, desconcierto.

Eso también permite que la película funcione como una historia paralela. Raccoon City siempre ha sido un lugar poblado y, si aceptamos que detrás de cada superviviente puede existir otra historia, resulta lógico que Cregger quiera explorar una de ellas. El director ha defendido precisamente esa idea: los grandes protagonistas de la saga ya tienen sus historias contadas en los videojuegos. Estoy seguro que si se está desarrollando ya un nuevo Resident Evil aquí van a coger muchas ideas.

Terror, humor y una lluvia de referencias

Aquí aparece otra diferencia importante: el humor. Aunque sus últimas películas son bastante terroríficas, Cregger procede de la comedia y su cine de terror nunca ha renunciado a ella. ‘Resident Evil’ tiene bastante más humor del que algunos seguidores podrían esperar, aunque el propio director confirmó que eliminó numerosos chistes después de las proyecciones de prueba porque consideró que estaban perjudicando el equilibrio del conjunto.

Personalmente, cuesta imaginar qué habría sido de ese montaje más cómico, porque los cambios de tono funcionan precisamente como una montaña rusa. Una situación puede arrancar casi como una broma y terminar convertida en una carnicería. Para quienes busquen terror puro y duro puede ser un inconveniente, pero en mi caso contribuye a transmitir mejor el nerviosismo Y me gustaría ver un montaje del director con esas escenas eliminadas.

También hay guiños para los jugadores, aunque Cregger no convierte la película en un catálogo de referencias. Son pequeños detalles que permiten disfrutarla como un juego paralelo de reconocimiento. Y eso termina siendo una de sus mejores decisiones: ‘Resident Evil’ no necesita reproducir los videojuegos para parecerse a ellos. Quizá ahí esté la clave de esta nueva adaptación. No pretende ser ‘Resident Evil 2’, ‘Resident Evil 3’ o ninguna otra entrega trasladada literalmente al cine. Quiere reproducir la sensación de avanzar por un mundo hostil sin saber qué monstruo aparecerá tras la siguiente esquina.  Personalmente creo que el director es de esas personas que ha entendido bien aquello que adapta.

Ficha de ‘Resident Evil’

Estreno en España: 18 de septiembre de 2026. Título original: Resident Evil. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Zach Cregger. Guion: Zach Cregger, Shay Hatten. Música: Hays Holladay, Ryan Holladay. Fotografía: Dariusz Wolski. Reparto principal: Austin Abrams, Zach Cherry, Kali Reis, Paul Walter Hauser. Producción: Capsom Entertainment, Columbia Pictues, Constantin Film, Davis Films, PlayStation Productions, Robert Kulzer Productions, Stillking Films, TriStar Pictures, Vertigo Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: terror, acción, adaptación. Web oficial.

‘Curtas Festival do Imaxinario’ reúne 85 cortometrajes y videoclips de 29 países

El festival gallego ofrecerá 78 estrenos, incluyendo 11 mundiales

El Curtas Festival do Imaxinario vuelve a situar el cortometraje en el centro de su programación con una selección internacional que reúne 85 obras de formato corto, entre ellas 78 cortometrajes y 7 videoclips. La 54ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Galicia contará con trabajos procedentes de 29 países y ofrecerá un total de 78 estrenos de distinta categoría.

La programación podrá disfrutarse en Vilagarcía de Arousa del 23 de octubre al 1 de noviembre de 2026 y mantiene una de las principales señas de identidad de Curtas: descubrir nuevas voces y acercar al público gallego obras que todavía no han tenido recorrido en Galicia.

De las 85 propuestas seleccionadas, 11 tendrán su estreno mundial, 3 serán estrenos internacionales, 5 tendrán su premiere europea, 28 se estrenarán en España y 31 llegarán por primera vez a Galicia.

66 cortometrajes en la Sección Oficial Fantástico

La Sección Oficial Fantástico concentra 66 cortometrajes procedentes de Europa, América, Asia y Oceanía. Terror, ciencia ficción, fantasía, humor negro y propuestas difíciles de clasificar convivirán en una selección que combina cineastas emergentes con autores de mayor trayectoria.

Entre los estrenos mundiales de esta sección se encuentran ‘Carne’, de Pasquale Russo; ‘Dagon’, de Olivier Beguin; ‘Dark Night’, de Nafiseh Zohari; ‘Period.’, de Nikola Petrovic; ‘Plato Estrella’, de Roberto Del Castar; ‘Sakana’, de Yun-Rei Chuang; ‘Sheep Code’, de Ali Rahmati; y ‘Turn it down’, de Niels Bourgonje.

La programación apuesta así por un cine fantástico abierto a diferentes lenguajes y formas de expresión, con especial atención a las voces emergentes y a las propuestas que buscan explorar los límites del género.

Además esta edición se convierte en la primera en la que el festival será clasificatorio para los Premios Fugaz, el certamen más importante de cortometrajes que hay en españa impulsado por la Comisión CortoEspaña de la cual este medio de comunicación en el que estáis leyendo formamos parte.

Cuatro secciones para ampliar la mirada sobre el formato corto

La oferta se completa con Feito en Galicia, que reúne seis trabajos de creación gallega; Vertical Contest, una nueva sección dedicada al formato vertical 9:16 con seis propuestas; y Fantastic Videoclips, que incorpora siete vídeos musicales a la programación.

La diversidad geográfica de la selección queda reflejada en la procedencia de los trabajos, que abarcan países como Francia, Reino Unido, España, Países Bajos, Australia, Suecia, Italia, Turquía, Hungría, Estados Unidos, Irán, Rusia, Alemania, Bélgica, Brasil, Canadá, Taiwán, Serbia, Finlandia, India, Irlanda, Polonia, China, Letonia, Panamá, Ecuador, México y Corea del Sur.

Listado completo de obras

SECCIÓN OFICIAL FANTÁSTICO

  • ‘27B’, David Talon — Francia, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘A Hand to Hold’, Philip Clyde-Smith — Reino Unido, 2025 — Estreno en España
  • ‘Amor de Padre’, Caye Casas — España, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘Behind the Door’, Justus van den Elsen — Países Bajos, 2026 — Estreno en España
  • ‘Brainrot’, Nathan Martin — Australia, 2026 — Estreno Internacional
  • ‘Breathwork’, Erik Westerström — Suecia, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘Canguro’, David Hebrero — España, 2026 — Estreno en España
  • ‘Cap al Cel’, Nicolás Solé — España, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘Carne’, Pasquale Russo — Italia, 2026 — Estreno mundial
  • ‘Cat in the Gul’, Buğra Mert Alkayalar — Turquía, 2026 — Estreno en Europa
  • ‘Charlie is Not a Boy’, Pol Kurucz — Francia / Hungría / Estados Unidos, 2026 — Estreno en España
  • ‘Compost’, de Jennifer Lumbroso — Francia, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘Dagon’, Olivier Beguin — Suiza, 2026 — Estreno mundial
  • ‘Dark Night’, Nafiseh Zohari — Irán, 2026 — Estreno mundial
  • ‘Donde el viaje termina’, Víctor D. Somoza y Nadia Mata — España, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘Dormant’, Cris Gavrilova — Rusia, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘Dosenmutter Vol. 1’, Alexander Peskador — Alemania, 2026 — Estreno en España
  • ‘Exit’, Lieven Vanhove — Bélgica, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘Favela Amarela’, Nícolas Lobato y Thiago Tuchu — Brasil, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘Frame’, Olivia Cordell y Libby Morris — Reino Unido, 2025 — Estreno europeo
  • ‘Gimme’, Steven Schloss — Estados Unidos, 2025 — Estreno en Galicia
  • ‘Hambre’, Imanol Ortiz López — España, N/D — Estreno en Galicia
  • ‘Happy’, Victor Basallote — España, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘Imprint’, Ran Jing — Estados Unidos, 2026 — Estreno en España
  • ‘influenZer’, Jandro (Alejandro López García) — España, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘Just One Minute’, Norah Alexandra Vega — España, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘L’Ultim Reflex’, Pablo Jimenez Gallardo — España, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘Last Call’, Christopher Carson Smith y Peter Sawyer — Estados Unidos, 2026 — Estreno europeo
  • ‘Legend Has It’, Thomas Lorber — Canadá, 2025 — Estreno en España
  • ‘Leonardo’, Meka Ribera — España, 2025 — Estreno en Galicia
  • ‘Loop’, Chuan Lin — Taiwán, 2026 — Estreno en España
  • ‘Mermelada’, Xanti Rodríguez — España, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘Mi Juego’, David Navarro Bravo — España, 2025 — Estreno en Galicia
  • ‘Michelle’, Julia Hernandez De La Cruz, Lautaro Ezequiel Machuca Leiba e Inés Matos López-jáuregui — España, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘Open Mic’, Jano Pita — España, 2025 — Estreno en Galicia
  • ‘Oumuamua’, Iker Iturria — España, 2026 — Estreno en España
  • ‘Parasomnia’, Henrique Faria — Brasil, 2026 — Estreno internacional
  • ‘Period.’, Nikola Petrovic — Serbia, 2026 — Estreno mundial
  • ‘Plato Estrella’, Roberto Del Castar — España, 2026 — Estreno mundial
  • ‘Quemar al padre’, Rafa Piqueras — España, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘Relieved’, Steffen Geypens — Bélgica, 2026 — Estreno en España
  • ‘Sakana’, Yun-Rei Chuang — Taiwán, 2026 — Estreno mundial
  • ‘Señuelo’, Martha G. Ayerbe — España, 2025 — Estreno en Galicia
  • ‘Sheep Code’, Ali Rahmati — Irán, 2026 — Estreno mundial
  • ‘Stay In’, Michael Buran — Estados Unidos, 2026 — Estreno en España
  • ‘Strive’, Jussi Rautaniemi — Finlandia, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘Switch Off’, Sandeep Francis — India, 2026 — Estreno en España
  • ‘Ten to Six’, Alessio Rupalti — Reino Unido, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘The Afters’, Jamie O Rourke — Irlanda, 2025 — Estreno en España
  • ‘The Call’, Kiko Prada — España, 2025 — Estreno en Galicia
  • ‘The Fabric of Darkness’, Maciej Wladyslaw Herzog — Polonia, 2026 — Estreno internacional
  • ‘The Inheritance’, Destinee Stewart — Estados Unidos, 2026 — Estreno en España
  • ‘The Last Cheap House’, Meg Favreau — Estados Unidos, 2025 — Estreno en España
  • ‘The One Minute Problem’, Nick Delgado — España, 2025 — Estreno en Galicia
  • ‘The Sorrows of Young Charlotte’, Shir Ariya — Reino Unido, 2026 — Estreno en España
  • ‘The Wake Up’, Clara Veci — Reino Unido, 2026 — Estreno en España
  • ‘The Whisperer in Darkness’, Andrew G. Cooper — Canadá, 2026 — Estreno internacional
  • ‘The Witch Doctor’, Nikita Voronin — Letonia, 2025 — Estreno en España
  • ‘Tria Fata’, Leslie Crocqeufere y Camille Tello — Francia, 2025 — Estreno en España
  • ‘Turn it down’, Niels Bourgonje — Países Bajos, 2026 — Estreno mundial
  • ‘Último superviviente a bordo’, Jorge Blas Borroy — España, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘Una langosta llamada deseo’, Sol Moreno y Risseth Yanguez — Panamá, 2025 — Estreno en España
  • ‘Vape Glow’, Steven Schloss — Estados Unidos, 2026 — Estreno en Galicia
  • ‘Waking’, Tingmu Yang — China, 2025 — Estreno en España
  • ‘WHITCH’, Hoku Uchiyama — Estados Unidos, N/D — Estreno en Galicia
  • ‘Yo primero’, Pedro Gusmão — España, 2026 — Estreno mundial

FEITO EN GALICIA

  • ‘8 portas’, Miguel R. Berride — España, 2025
  • ‘Ante o avesío’, Xaime Miranda — España, 2026
  • ‘Cara de Cona’, Guillermo de Oliveira — España, 2025
  • ‘Cena Familiar’, Oscar Abalo — España, 2026 — Estreno mundial
  • ‘Lucus’, David Fidalgo — España, 2025
  • ‘No son sus ojos’, Varo López y Alejandro Guisado González — España, 2026

VERTICAL CONTEST

  • ‘Again’, Anastasia Sidorova — Reino Unido, 2026 — Estreno mundial
  • ‘Derrière la porte’, Leonardo Valenti — Francia, 2026 — Estreno en España
  • ‘Find my phone’, Christopher Jorna — Reino Unido, 2026 — Estreno en España
  • ‘Greystanes Chapters 01-07’, Ryan Cauchi — Australia, 2024 — Estreno en Galicia
  • ‘Internal Fatal Ærror’, Elias Nathan Suarez — Ecuador, 2026 — Estreno en España
  • ‘Nahuales’, Alejandro Cervantes — México, 2026 — Estreno en España

FANTASTIC VIDEOCLIPS

  • ‘Jota de Noche’, Saúl González Abejón — España, 2025 — Estreno en Galicia
  • ‘Likho – Nightmare’, Patryk Dróżdż — Polonia, 2026
  • ‘Mama Doom “Woven Linen”’, Anne Hickey — Estados Unidos, 2026 — Estreno internacional
  • ‘Radiation April’, Sabrina Mendoza — Estados Unidos, 2026 — Estreno en Europa
  • ‘StAD – Ik kin hier gainaine’, Manon Dessainte y Kai Phan — Países Bajos, 2025
  • ‘Take It Back’, Lee Daehan — Corea del Sur, 2026 — Estreno en España
  • ‘Thinkin’ About’, Maurilio Rodríguez — México, 2025 — Estreno en Europa

Crítica: ‘El ritual de Lily’

En qué plataforma ver El ritual de Lily

Estupenda película de terror con un demonio impecable

Nos preparamos para la época de terror, aun falta para Halloween, pero ya comienzan a llegar los primeros títulos de este género que tanto nos gusta a nuestros cines. ‘El ritual de Lily’ es uno de ellos y aunque es una película pequeñita, tiene bastante talento delante y detrás de las cámaras.

Un ritual que sale rana

Tres amigas necesitan a una cuarta para lograr tener un cuarteto en un conjuro de magia blanca. Lily es la elegida, entre nervios, risas, alcohol y presentaciones varias, vamos viendo a estas jóvenes que parece que le están escondiendo algo a esta joven. Y es que parece ser, que lo que se venía siendo una noche de iniciación, se va a convertir en una noche de preparación para un sacrificio y de nuevo, Lily es la elegida.

La película me ha parecido bastante entretenida, con un comienzo bastante bueno, el desarrollo se hace un pelín lento. Pero el desenlace realmente merece la pena. Es ágil, distinto y con pequeña sorpresa.

El maquillaje de la película me ha parecido una maravilla, al igual que la ambientación, estamos casi en el año 2000 y el vestuario, maquillaje de las chicas y todo lo que vemos en la película me parece bastante bien estudiado. Se que puede no parecer tan difícil ya que no vemos tan lejos estos años, pero realmente han pasado ya 26 años desde el año 2000 y en todo este tiempo las cosas han cambiado mucho.

Actuaciones, maquillaje y dirección

En el reparto encontramos a Elena Gallardo, Patricia Peñalver y Eve Ryan como estas tres brujas en busca de un sacrificio. Maggie García es la encargada de dar vida a Lily. Pero no solo ellas aparecen en la película. También tenemos a Mike Fajardo en un pequeño papel, pero que nos muestra al monstruo al que nos enfrentamos.

En la dirección tenemos a Manu Herrera, que sin duda sabe lo que hace, los planos están bastante cuidados. El color de la película también está bastante bien, sobre todo cuando cae la noche y todo se desmadra.

Y como he comentado, el tema del maquillaje me ha parecido una chulada. Aunque es un diseño quizás un tanto reconocible, es cierto que tiene ciertos elementos bastante originales. La transformación, el como aparecen los dientes, me ha parecido un gran trabajo. Todo esto es gracias a Pedro de Diego que ya nos ha dejado con la boca abierta en otras ocasiones.

Estreno y premios

Este próximo viernes 11 de septiembre de 2026 llega a nuestros cines. Una película que ya ha pasado por varios festivales de índole de terror y ha conseguido bastantes premios. Como en Grimmfest, de Reino Unido donde consiguió el Premio al Mejor elenco y también una mención especial a los efectos especiales.

O en el festival de Nightmare in the Ozarks Film Festival, donde consiguió Mejor Largometraje, los Mejores Efectos Prácticos y Mejor Muerte. Pero no solo aquí, si no que también ha pasado por diferentes festivales de Estados Unidos, Alemania, Australia y en todos ellos ha conseguido muchos éxito entre la crítica. 

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de septiembre de 2026. Título original: El ritual de Lily. Duración: 105 min. País: España. Dirección: Manu Herrera. Guion: Manu Herrera , Javier Fernández Moratalla. Música: Joan Martorell. Fotografía: Felipe Alba, Manu Herrera, Sergio ‘Tigre’ Ortiz. Reparto principal: Maggie García, Patricia Peñalver, Eve Ryan, Elena Gallardo y Mike Fajardo. Producción: Chukumi Studio, The Room Films. Distribución: Moon Entertainment. Género: Terror. Web oficial.

‘Curtas Festival do Imaxinario’ despliega ocho exposiciones en su 54ª edición

El festival gallego reunirá en Vilagarcía de Arousa, del 2 de octubre al 15 de noviembre

El Curtas Festival do Imaxinario prepara una ambiciosa programación expositiva para su 54ª edición. El Festival Internacional de Cine Fantástico de Galicia convertirá Vilagarcía de Arousa en un punto de encuentro para los aficionados al cine fantástico, el terror y las diferentes disciplinas artísticas vinculadas al género.

Entre el 2 de octubre y el 15 de noviembre de 2026, la localidad gallega acogerá un total de ocho exposiciones repartidas entre la Sala Rivas Briones, el Auditorio y el Salón García. Todas ellas tendrán entrada gratuita y ofrecerán un recorrido por ámbitos tan diversos como el atrezo cinematográfico, los efectos especiales, la ilustración, el cómic, la fotografía y el arte fantástico contemporáneo.

Grandes producciones, terror y arte fantástico en la Sala Rivas Briones

La Sala Rivas Briones concentrará cinco de las propuestas de esta edición. Una de las principales será ‘Making Movies’, que podrá visitarse del 2 de octubre al 15 de noviembre. La muestra reunirá más de 100 piezas originales procedentes de películas legendarias como ‘Star Wars’, ‘Indiana Jones’ o ‘Alien’, incluyendo objetos que nunca antes habían sido expuestos en Galicia.

También en la Sala Rivas Briones se podrá visitar ‘O Gabinete de Curiosidades’, una propuesta que se presenta en primicia mundial en Curtas y que podrá contemplarse exclusivamente durante el festival. Con la colaboración de Un Mundo a Otra Escala, la exposición reunirá objetos autografiados y réplicas relacionadas con títulos y personajes de películas y series míticas como ‘Pesadilla en Elm Street’, ‘Hellraiser’, ‘El exorcista’, ‘El resplandor’, ‘La matanza de Texas’, ‘La historia interminable’ o ‘Dentro del laberinto’, entre otras.

Otra de las grandes apuestas será ‘Into the Abyss: The Art of Dariusz Kieliszek’, que supondrá la primera exposición en España dedicada a una selección de la obra del artista polaco Dariusz Kieliszek. Reconocido dentro del arte fantástico contemporáneo, Kieliszek ha desarrollado un universo visual marcado por el terror cósmico, la fantasía oscura y la influencia del imaginario de H. P. Lovecraft. Sus criaturas, paisajes imposibles y figuras exploran la frontera entre lo humano y lo monstruoso.

La programación se completa en esta sala con ‘Clayface, de Xermánico: Terror y Fantasía en un mundo de superhéroes’, centrada en el proceso creativo del artista gallego Xermánico para ‘Batman: One Bad Day – Clayface’. La muestra permitirá descubrir los originales realizados para la obra publicada por DC Comics y acercarse a la construcción visual del personaje y a su posterior resolución gráfica.

Por último, ‘Historias desde o Limiar’ reunirá los originales realizados por Santipérez para el proyecto literario y gráfico desarrollado junto al escritor Manuel Losada. Las historias pertenecen al universo narrativo creado por Curtas para su edición de 2026 y funcionan como una precuela del propio festival. Las ilustraciones originales podrán contemplarse antes de la publicación de los relatos en un volumen físico durante el certamen.

Dos propuestas dedicadas al arte y la fotografía en el Auditorio

El Auditorio acogerá otras dos exposiciones. ‘Desde el Umbral: Las pesadillas y alucinaciones de Luis Camacho’, disponible del 2 de octubre al 2 de noviembre, ofrecerá una inmersión en el particular imaginario del artista a través de una selección de obras que formarán parte de su próximo libro, ‘Manual Zoomórfico 2’, además de pinturas de gran formato y otras creaciones inéditas.

Por su parte, ‘O cinema e os seus protagonistas’ recorrerá más de cuatro décadas de historia cinematográfica a través de la fotografía de Josep Maria Contel, reconocido fotógrafo de prensa y amigo del festival. La exposición, abierta del 2 de octubre al 1 de noviembre, reunirá imágenes de grandes personalidades del cine captadas durante festivales, rodajes y estrenos.

Los monstruos regresan con ‘Monstrorama 2’

El Salón García volverá a convertirse en territorio de criaturas cinematográficas con ‘Monstrorama 2’, que podrá visitarse del 23 de octubre al 1 de noviembre.

La exposición recupera los grandes terrores del cine mediante figuras a tamaño real y contará en esta segunda edición con nuevas piezas y más animatrónicos, con el objetivo de ofrecer una experiencia todavía más inmersiva. La propuesta cuenta con la colaboración de la empresa británica especializada MadAboutHorror.co.uk, que además celebra su décimo aniversario.

La inauguración oficial de ‘Monstrorama 2’ tendrá lugar el 23 de octubre a las 20:30 horas.

Curtas, un referente del fantástico en Galicia

Con una trayectoria que se remonta a 1973, Curtas Festival do Imaxinario se presenta como el decano de los certámenes audiovisuales de Galicia y uno de los principales referentes españoles para el cine fantástico y de terror. Su propuesta trasciende el ámbito cinematográfico para integrar también literatura, cómic y artes visuales.

El festival forma parte de la Méliès International Festivals Federation (MIFF), lo que le permite conceder anualmente el premio Méliès d’Argent al mejor cortometraje fantástico europeo. Además, ha recibido la EFFE Label 2026-2027, distintivo concedido por la European Festivals Association con el apoyo de la Comisión Europea, y figura en el listado de Dread Central de los 90 mejores festivales de género del mundo. También es festival calificador de los Premios Goya y de los Premios Fugaz en la categoría de cortometraje.

La 54ª edición combinará esta programación expositiva con una selección internacional de largometrajes y cortometrajes, encuentros con creadores y talleres, consolidando una propuesta multidisciplinar que convierte cada otoño a Vilagarcía de Arousa en uno de los puntos de referencia para los aficionados a lo fantástico.

Todas las exposiciones tendrán entrada gratuita.

Sitges 2026 anuncia a Peter Jackson, Danny DeVito y Amy Irving

Sitges anuncia sus invitados principales, homenajes y más películas

El Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya – Sitges 2026 prepara una 59ª edición que volverá a tender puentes entre la historia del cine fantástico y las nuevas tendencias del género. El certamen reunirá a figuras como Peter Jackson, Danny DeVito y Amy Irving, que recibirán el Gran Premio Honorífico, además de otros nombres fundamentales del fantástico que serán reconocidos con el Premio Màquina del Temps.

La edición estará marcada por el regreso de Peter Jackson a Sitges, más de treinta años después de la presentación de ‘Braindead’, y por una programación que recorrerá el terror, la ciencia ficción, la fantasía, la acción, la animación y las diferentes formas del cine de culto.

Peter Jackson regresa a Sitges con ‘Braindead’ y ‘King Kong’

Peter Jackson volverá al Festival para recibir el Gran Premio Honorífico y presentar una primera versión de la nueva restauración en 4K de ‘Braindead’. La película ya estuvo presente en Sitges en 1992, donde Richard Taylor y Bob McCarron fueron reconocidos por su trabajo en efectos especiales.

El regreso permitirá recuperar una de las obras que mejor representa la primera etapa del cineasta, antes de que Jackson se convirtiera en uno de los grandes nombres de la fantasía cinematográfica con ‘The Lord of the Rings’ y ‘King Kong’.

Además, Jackson compartirá con Rick Baker una sesión especial dedicada precisamente a ‘King Kong’. Baker, ganador de siete premios Oscar al mejor maquillaje y Premio Màquina del Temps en Sitges en 2015, ha sido responsable de algunas de las criaturas y transformaciones más importantes de la historia del cine de efectos especiales.

El regreso permitirá recuperar una de las obras que mejor representa la primera etapa del cineasta, antes de que Jackson se convirtiera en uno de los grandes nombres de la fantasía cinematográfica con ‘The Lord of the Rings’ y ‘King Kong’.

Además, Jackson compartirá con Rick Baker una sesión especial dedicada precisamente a ‘King Kong’. Baker, ganador de siete premios Oscar al mejor maquillaje y Premio Màquina del Temps en Sitges en 2015, ha sido responsable de algunas de las criaturas y transformaciones más importantes de la historia del cine de efectos especiales.

Amy Irving, entre ‘Carrie’ y ‘The Fury’

Amy Irving recibirá también el Gran Premio Honorífico en una edición en la que ‘Carrie’ tendrá un protagonismo especial. La actriz debutó cinematográficamente en la película dirigida por Brian De Palma, donde interpretó a Sue Snell.

Irving presentará además ‘The Fury’ (1978), también dirigida por De Palma, en la que interpreta a Gillian Bellaver, una joven con extraordinarias capacidades psíquicas atrapada en una trama relacionada con personas dotadas de poderes paranormales.

La presencia conjunta de ambas películas conecta con el leitmotiv de Sitges 2026 y recupera el cine fantástico norteamericano de los años setenta, marcado por historias sobre telequinesis, percepción extrasensorial y capacidades mentales fuera de control.

Danny DeVito, el enemigo de Batman y Matilda

Otro de los Grandes Premios Honoríficos será para Danny DeVito, cuya trayectoria dentro del fantástico está inevitablemente asociada al Pingüino de ‘Batman Returns’, dirigido por Tim Burton.

El actor, director y productor también llegará a Sitges como productor de ‘Drag’, incluida en la Sección Oficial Fantàstic a Competició y protagonizada por su hija Lucy DeVito y coproducida por su hijo Jake DeVito.

El homenaje incluirá además una proyección especial de ‘Matilda’ (1996), que DeVito dirigió y protagonizó y que celebra este año su 30º aniversario. La película conecta con el leitmotiv de esta edición a través de una niña que descubre poderes extraordinarios y debe enfrentarse a un entorno adulto hostil.

Cinco nuevos Premios Màquina del Temps

Sitges reconocerá con el Premio Màquina del Temps a cinco figuras vinculadas a diferentes ámbitos del cine fantástico: Robert Eggers, Yuen Woo-ping, Bob Murawski, Takashi Shimizu y Mark L. Lester.

Eggers mantiene una relación especialmente estrecha con el certamen desde que ‘The Witch’ inauguró Sitges en 2015. El cineasta regresará para presentar un avance de ‘Werwulf’.

Yuen Woo-ping será homenajeado por su decisiva contribución a la evolución de la acción cinematográfica. Como director fue responsable de títulos como ‘Snake in the Eagle’s Shadow’ y ‘Drunken Master’, mientras que como coreógrafo trabajó en películas como ‘The Matrix’, ‘Crouching Tiger, Hidden Dragon’ y ‘Kill Bill’.

Bob Murawski recibirá el reconocimiento por una trayectoria que combina el montaje cinematográfico y la preservación del cine de culto. Colaborador habitual de Sam Raimi, ganó el Oscar por ‘The Hurt Locker’ y es cofundador de Grindhouse Releasing.

Por su parte, Takashi Shimizu, figura esencial del J-Horror, será reconocido por su trabajo en la saga ‘Ju-On’ y por su influencia en la expansión internacional del terror japonés. Finalmente, Mark L. Lester será homenajeado por títulos como ‘Commando’ y ‘Firestarter’, esta última especialmente vinculada al leitmotiv de Sitges 2026.

Alejandro Amenábar celebrará los 30 años de ‘Tesis’

Alejandro Amenábar recibirá el Premio Méliès Career coincidiendo con el 30º aniversario de ‘Tesis’. La película, presentada como una obra fundamental para entender la renovación del thriller y el cine de género español de los años noventa, obtuvo siete premios Goya.

Amenábar estará acompañado en Sitges por Eduardo Noriega y Fele Martínez, protagonistas de ‘Tesis’, que será proyectada con una copia restaurada que incorpora una nueva remasterización de sonido.

El Festival también concederá el Premio Nosferatu a Bárbara Rey, en reconocimiento a su trayectoria y presencia en la cultura popular y audiovisual española.

Más regresos y homenajes

Sitges 2026 contará también con el regreso de antiguos homenajeados. Nicolas Winding Refn, Premio Màquina del Temps en 2015, volverá al certamen, al igual que Michael Ironside, reconocido en 2011.

También regresará Pino Donaggio, Premio Màquina del Temps en 2013 y compositor de la banda sonora de ‘Carrie’, cuya música volverá a estar presente en la edición a través del homenaje a la película de De Palma. Donaggio también ha puesto música a ‘Her Private Hell’, que se proyectará en la Sección Oficial.

‘Found Alive’ inaugurará Sitges 2026

La 59ª edición comenzará con ‘Found Alive’, el nuevo largometraje de Carlota Pereda, protagonizado por Chloë Grace Moretz.

La película será la cuarta ocasión en la que Sitges inaugure con una película dirigida por una mujer y la primera en hacerlo con un largometraje dirigido por una cineasta española.

Pereda continúa así su relación con el Festival después de presentar ‘Cerdita’ y ‘La ermita’. ‘Found Alive’ sigue a una superviviente de un secuestro que colabora en la investigación para intentar salvar a otra víctima de un asesino psicópata. La película competirá además en la Secció Oficial Fantàstic a Competició.

Por cuarto año consecutivo, CUPRA será Automotive Partner del Festival. En este contexto se proyectará ‘Homing’, cortometraje internacional dirigido por Lizzie Atherton y Hansel Rodrigues y producido ejecutivamente por J.A. Bayona.

‘Wicker’ pondrá el punto final al Festival

La clausura correrá a cargo de ‘Wicker’, de Alex Huston Fischer y Eleanor Wilson, protagonizada por Olivia Colman y Alexander Skarsgård.

La película mezcla fantasía oscura, comedia y extrañeza a partir de una premisa tan insólita como fantástica: una pescadora solitaria y marginada, cansada de ser objeto de burlas, encarga un marido construido en mimbre.

La propuesta utiliza esta particular fábula para abordar cuestiones relacionadas con el deseo, la diferencia, el amor y las expectativas sociales.

La Sección Oficial amplía las fronteras del fantástico

La Secció Oficial Fantàstic a Competició reunirá propuestas de terror, ciencia ficción, fantasía, thriller y cine híbrido.

Entre los títulos seleccionados destacan ‘Salitre’, de Norma Vila; ‘MUTTER: The Diary of a Mother’, de Alphan Eşeli; ‘Kakeru (Sheep in the Box)’, de Hirokazu Koreeda; ‘The Spiral’, de Paolo Strippoli; ‘Océano Titánico’, de Konstantina Kotzamani; ‘Hot Spot’, de Agnieszka Smoczyńska; ‘DreamQuil’, de Alex Prager; ‘El exterior’, de Víctor Moreno; ‘Sanguine’, de Marion Le Corroller; ‘River’, de Joshua Giuliano; y ‘The Incomer’, de Louis Paxton.

La sección también incluirá propuestas como ‘No Rest for the Wicked’, ‘Wildwood’, ‘We Are Aliens’, ‘Onslaught’, ‘Blades of the Guardians: Wind Rises in the Desert’, ‘Los Vampires’, ‘The Face of Horror’, ‘Full Phil’, ‘Company’, ‘Buddy’, ‘Frost’ y ‘The Ones Who Grieve’.

Entre los cineastas presentes aparecen nombres como Travis Knight, Adam Wingard, Yuen Woo-ping, Craig Mitchell y Quentin Dupieux, consolidando una Sección Oficial especialmente amplia en cuanto a géneros, procedencias y aproximaciones al fantástico.

Noves Visions y Òrbita exploran nuevos territorios

Noves Visions volverá a concentrar las propuestas más experimentales y transgresoras del Festival. La sección contará con ‘La muerte de Drácula’, de Burnin’ Percebes, e ‘I Love Boosters’, de Boots Riley, además de películas como ‘A Prayer for the Dying’, ‘Ciudad de muertos’, ‘Corpus’, ‘Demons’, ‘Future Tense’, ‘The Glorious Dead’, ‘Gregor’, ‘Heat of Madness’, ‘Interior’, ‘La mancha’, ‘Motherwitch’, ‘SICK’, ‘Anima’, ‘zi’, ‘Turn It Up!’, ‘Le Vertige’ y ‘Yellow Cake’.

Por su parte, Òrbita volverá a explorar el fantástico desde territorios como el thriller, el crimen, la acción y el suspense. La programación incluye ‘Arrested Memory’, de Sabu; ‘Karma’, de Guillaume Canet; ‘Dante’, de Hugo Ruiz; ‘Chapter 51’, de Tyler Shields; ‘Cold War 1994’, de Longman Leung; ‘El samurái y el prisionero’, de Kiyoshi Kurosawa; ‘Bad Lieutenant: Tokyo’, de Takashi Miike; ‘Father Joe’, de Barthélémy Grossmann, con Al Pacino y Kiefer Sutherland; y ‘Ikatan Darah’, de Sidharta Tata.

Sitges Collection y Seven Chances recuperan la memoria del género

Sitges Collection ampliará la programación con títulos como ‘Inherit’, de Banjong Pisanthanakun; ‘The Cycle’, de Jordan Downey; ‘5 minutos más’, de Javier Ruiz Caldera; ‘Boiúna: La leyenda del Amazonas’, de Mike P. Nelson; ‘Whalefall’, de Brian Duffield; ‘The Mage’, de Danny Pang y Oxide Pang; ‘Hope’, de Na Hong-jin; ‘The Swallow’, de Kevin Kölsch y Dennis Widmyer; ‘The House on the Moon’, de Nelson Yeo; ‘Red Snow’, de Ilja Rautsi; ‘La Oveja Shaun: Misión Calabaza’, de Steve Cox y Matthew Walker; ‘Rogue Trooper’, de Duncan Jones; ‘Sacrifice’, de Romain Gavras; y ‘Crawlers’, de Ángel Hernández Gómez.

Mientras tanto, Seven Chances recuperará siete películas de culto y obras fundamentales del género con al menos quince años de antigüedad. La selección incluye ‘Dead Mountaineer’s Hotel’ (1979), ‘Love Massacre’ (1981), ‘Misterio (Studio Q)’ (1980), ‘The Quiet Earth’ (1985), ‘The Bullet Train’ (1975), ‘Office Killer’ (1997) y ‘Carne apaleada’ (1978).

Nuevos jurados y reconocimiento al talento emergente

Una de las novedades institucionales de esta edición será la incorporación por primera vez de un Jurado FIPRESCI, que concederá su propio premio a una película de la Secció Oficial Fantàstic a Competició.

El Jurado Oficial Fantàstic estará formado por Giona A. Nazzaro, Valeria Vegas, Andy Starke, Alex Litvak y Merry Colomer. También habrá jurados específicos para Noves Visions, cortometrajes, Méliès d’Or, Méliès d’Argent, Òrbita y Sitges Documenta, Anima’t y Brigadoon.

El Jurado Carnet Jove – Sitges 2026 estará integrado por Anna Rodellas Gràcia, Hug Banqué Majó, Naomi Lladó Quer, Nerea Serrano y Noah Aznar Canorea.

Además, la Fundación SGAE y el Festival celebrarán la segunda edición del Premio Josefina Molina de Guion de Largometraje Fantástico de Autoría Femenina, dotado con 10.000 euros. El premio busca impulsar la presencia de autoras en el cine fantástico y mantener vivo el legado de Josefina Molina.

Los Premios SGAE Nueva Autoría celebrarán asimismo su 26ª edición, dedicada a descubrir y proyectar el talento audiovisual emergente de las escuelas y universidades de cine catalanas.

Sitges 2026 apuesta también por la sostenibilidad

El Festival mantendrá por cuarto año consecutivo a CUPRA como Automotive Partner y contará por tercer año con Repsol como partner energético.

Entre las medidas anunciadas figura el uso de combustibles 100 % renovables para los grupos electrógenos y vehículos de la organización, la recogida del aceite de cocina utilizado en los food trucks y el apoyo de energía solar para parte de la iluminación y los puntos de recarga de teléfonos móviles.

Las proyecciones se celebrarán en Auditori Melià Sitges, Sala Tramuntana, Sala Llevant, cinemes Casino Prado de Sitges, Escorxador – Centre Cultural y Centre Cultural Miramar.

La 59ª edición del Festival de Sitges volverá así a combinar grandes nombres del cine fantástico, estrenos, cine de culto, nuevos talentos y una extensa programación que conecta la tradición del certamen con las nuevas formas del género contemporáneo.

SYFY se convierte en SciFi en España el 1 de octubre de 2026


Lo veremos como SciFi en España a partir del 1 de octubre con una nueva imagen y más estrenos

El canal especializado en ciencia ficción y entretenimiento fantástico SYFY cambiará de nombre en España y pasará a llamarse SciFi a partir del próximo 1 de octubre de 2026. El cambio vendrá acompañado de una nueva identidad visual y una programación de otoño que mantendrá la apuesta de la cadena por las series de género, el cine fantástico y las actividades dirigidas a los aficionados.

La renovación permitirá además al canal alinear su identidad en España con la presencia de la marca SciFi en otros mercados europeos, aunque mantendrá su apuesta por los contenidos que han convertido a SYFY en uno de los referentes televisivos para los aficionados a la ciencia ficción, la fantasía y el terror.

SciFi toma el relevo de SYFY con una nueva programación

La transformación de SYFY en SciFi se producirá el 1 de octubre, coincidiendo con el estreno de una nueva identidad para el canal. La compañía asegura que, pese al cambio de nombre e imagen, se mantendrá la esencia de su propuesta, con historias de ciencia ficción, aventuras espaciales, fantasía, misterios sobrenaturales y otras producciones vinculadas al entretenimiento de género.

La programación de otoño comenzará incluso antes del cambio de marca. El 7 de septiembre se estrenará ‘Crookhaven’, serie ambientada en una escuela muy particular en la que jóvenes delincuentes con habilidades especiales reciben formación para utilizar sus capacidades con fines positivos.

El gran estreno que acompañará al lanzamiento de SciFi será ‘The Ark’, que regresará con su tercera temporada el 1 de octubre. La serie de aventuras espaciales está producida por Dean Devlin, conocido por su trabajo como productor, guionista y director dentro del cine y la televisión de género.

Precisamente Devlin tendrá una presencia destacada en San Diego Comic-Con Málaga, que se celebrará del 1 al 4 de octubre. El creador participará en diferentes actividades destinadas a fans y prensa relacionadas con ‘The Ark’ y ‘The Librarians: The Next Chapter’, reforzando la apuesta de SciFi por la cultura fan.

El calendario continuará el 19 de octubre con el estreno de ‘The Killings at Parrish Station’, un thriller que combina misterio, crimen y drama, mientras que en noviembre llegará la segunda temporada de ‘The Librarians: The Next Chapter’, que continuará las aventuras de una nueva generación de Bibliotecarios.

La oferta se completará con ‘SciFi Games’, producción original dedicada al mundo del gaming, el entretenimiento y la cultura de género, con la que el canal pretende mantener su conexión con la comunidad de aficionados.

Ciencia ficción, terror y fantasía también en el cine

Además de las nuevas series, la llegada de SciFi vendrá acompañada de una programación cinematográfica centrada en algunos de los grandes títulos de la ciencia ficción, el terror y la fantasía.

Durante el último trimestre del año, el canal ofrecerá películas como ‘Dune: Parte Uno’, la trilogía de ‘El planeta de los simios’, ‘IT’, ‘Blade’ y ‘Furia de titanes’.

De esta manera, SciFi pretende mantener una oferta que combine los estrenos televisivos con títulos cinematográficos reconocibles para los seguidores del género.

Gorka Villar, VP of Marketing, EMEA & Country Lead, Iberia, de NBCUniversal International Networks & DTC, considera que la transformación de SYFY en SciFi supone una evolución natural de la marca y permitirá equiparar la identidad española con la existente en otros mercados europeos.

El cambio de nombre se hará efectivo el 1 de octubre de 2026, fecha a partir de la cual SciFi asumirá oficialmente la identidad de SYFY en España.

Crítica: ‘Dulce sabor a muerte’

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Eli Roth y su versión gore de ‘Quién puede matar a un niño’

Eli Roth nunca ha sido precisamente un cineasta interesado en pedir permiso. Desde ‘Cabin Fever’ hasta ‘Hostel’ o ‘Black Friday’, su cine ha entendido el terror como un parque de atracciones particularmente desagradable, donde la sangre, los cuerpos mutilados y el humor macabro forman parte del mismo juego. ‘Dulce sabor a muerte’ continúa exactamente por ese camino, aunque llega acompañada de una polémica que resulta imposible separar completamente de la película.

Roth se ha ganado enemigos por sus posicionamientos públicos sobre Palestina y, ahora, también puede recibir críticas desde otro frente: el uso de inteligencia artificial. El problema no es únicamente utilizar esta herramienta, una cuestión ya suficientemente controvertida en la industria, sino la manera en que se comunicó inicialmente. El director explicó que las animaciones con estética de los años veinte procedían de un trabajo artesanal que él mismo había dibujado y desarrollado junto a animadores. Posteriormente tuvo que recular en sus declaraciones y admitir que la IA había intervenido en una pequeña parte de algunas escenas animadas. También se percibe en la escena de la avalancha desde el columpio. La presencia de Dark Half en los créditos, compañía especializada en efectos visuales con IA, en los créditos alimentó todavía más la controversia.

La cuestión resulta especialmente llamativa y contradictoria porque ‘Dulce sabor a muerte’ presume de una filosofía muy física. Hay prótesis, cabezas y manos de plástico, litros de líquido rojo (más que en la Tomatina) y unas tripas cuyo sonido parece directamente el de unos macarrones con bechamel. Roth vuelve a reivindicar el gore artesanal, genera suspicacias entre los más recatados y mantiene una filosofía que hoy en día parece regresar gracias a sagas como ‘Terrifier’.

Un festival de barbaridades con aroma a serie B

Al margen de la polémica, ¿qué tal funciona ‘Dulce sabor a muerte’ como producto de entretenimiento macabro? Pues bastante mejor cuando se abandona cualquier pretensión de solemnidad. La película es una broma de muy mal gusto convertida en festival de barbaridades. Hay momentos en los que Roth parece estar rodando un sketch de ‘Scary Movie’ y otros en los que parece rendir homenaje a las películas de serie B más desquiciadas, con ‘Troll 2’, ‘The dentist’ o ‘The Stuff’ como espíritu perfectamente reconocible.

El heladero macabro tampoco es una invención de Roth. El terror estadounidense ya había explotado anteriormente esa figura aparentemente inocente, incluso en ‘Masters of Horror’, donde Tom Holland dirigió el episodio ‘We All Scream for Ice Cream’. Por tanto, el vendedor de helados siniestro forma parte de un imaginario bastante más amplio.

También resulta inevitable pensar en ‘¿Quién puede matar a un niño?’, una referencia que Roth ha reconocido como fundamental. El director ha explicado en numerosas ocasiones hasta qué punto le fascina la película de Chicho Ibáñez Serrador, hasta el punto de que durante años consideró que acercarse al tema de los niños asesinos después de aquel clásico era casi imposible.

De ahí que las comparaciones con ‘Weapons’ sean comprensibles, aunque yo situaría ‘Dulce sabor a muerte’ más cerca del espíritu de ‘Terrifier’. No porque Roth pretenda subirse ahora al carro del éxito del gore slasher, sino porque lleva décadas jugando en ese terreno. De hecho, ha reconocido que el impacto de ‘Terrifier 3’ ayudó a demostrar que existía público para películas extremas proyectadas en salas comerciales.

Cuando el tercer acto derrite la película

El problema llega cuando Roth intenta convertir esta orgía de asesinatos en algo más parecido a una historia convencional. Mientras ‘Dulce sabor a muerte’ funciona como sucesión de atrocidades, humor negro y criaturas infantiles convertidas en pequeñas máquinas de matar, mantiene una identidad muy clara. Cuando llega el momento de frenar el caos y explicar qué está ocurriendo y por qué, todo se vuelve bastante más ridículo de lo que probablemente pretendía.

Ahí la película se desinfla considerablemente. Lo que parecía una decisión consciente de abrazar el absurdo termina pareciendo una explicación demasiado vaga para justificar todo el caos anterior. El tercer acto no está a la altura de la carnicería que lo precede y deja un sabor de boca bastante peor del que debería tener una película que, en esencia, prometía poco más que una masacre sin complejos. Incluso existe una escena tras los créditos que podría interpretarse como una puerta abierta a futuras historias (aunque también funciona perfectamente como último gag). La película queda como una gamberrada irregular pero coherente con el cine de Eli Roth. Su falta de sutileza es deliberada y sus excesos constituyen buena parte de su encanto. Lástima que, cuando decide explicar demasiado, termine descubriendo que detrás de tanta sangre no había una idea tan jugosa como el propio helado.

Ficha de ‘Dulce sabor a muerte’

Estreno en España: 4 de septiembre de 2026. Título original: Ice Cream Man. Duración: 86 min. País: EE.UU. Dirección: Eli Roth. Guion: Noah Nelson, Eli Roth, Noah Belson. Música: Brandon Roberts. Fotografía: Simon Shohet. Reparto principal: Ari Millen, Benjamin Byron Davis, Eli Roth, Karen Cliche, Dylan Hawco, Sarah Abbott, Shiloh O’Reilly, Kiori Mirza Waldman, Charlie Zeltzer, Charlie Storey. Producción: The Horror Section, MCT Studios, Head Gear Films, Sixth Dimension, Metrol Technology, Mass Appeal, Dentsu. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial.

Crítica: ‘Black Box: vuelo 298’

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Steven Quale firma un eficaz ejercicio de suspense cósmico

Hay algo casi circular en la carrera de Steven Quale. El realizador dirigió ‘Destino final 5’, una de las entregas de la popular saga iniciada con aquella inolvidable visión premonitoria de un accidente aéreo que marcó a toda una generación de aficionados al fantástico. Entonces el avión era el detonante del relato, pero no fue el escenario principal de su versión. Ahora, con ‘Black Box: vuelo 298’, Quale sitúa prácticamente toda la acción a bordo de un aeroplano que a veces parece que está sobrevolando la colorida y saturadamente iluminada ciudad de Vigo en Navidad. Y demuestra que, incluso con un presupuesto contenido, todavía es posible construir una propuesta entretenida a base de suspense, incertidumbre y una acertada administración del misterio.

El planteamiento puede hacer pensar en una película de terror sobrenatural al uso, pero la realidad es algo distinta. El filme se mueve con mayor comodidad dentro del terreno del terror cósmico, donde la amenaza resulta mucho más inquietante precisamente porque escapa a la comprensión humana. Esa sensación de enfrentarse a algo imposible de racionalizar o a algo tan recientemente cercano como un virus, es la que sostiene buena parte de una historia que, pese a no reinventar el género, sabe dosificar la información para mantener el interés constante.

Quale posee una amplia experiencia como miembro de segundos equipos en grandes producciones, aprovecha las limitaciones espaciales del avión para convertirlas en una virtud narrativa. El resultado recuerda inevitablemente a esos relatos de confinamiento donde el verdadero enemigo es en buena parte la desconfianza. La premisa y solución de la película comparten además un elemento original que lastimosamente no se aprovecha pues de haber presentado todo el filme como metraje encontrado habría resultado más eficiente.

Un misterio que crece gracias a sus personajes

En muchos aspectos, ‘Black Box: vuelo 298’ comparte ADN con ‘La niebla’, de Frank Darabont. Ambas construyen su tensión menos desde el sobresalto inmediato que desde la acumulación progresiva de miedo, paranoia y conflictos entre personas obligadas a convivir en un espacio del que no pueden escapar. Cada nuevo acontecimiento añade una capa de incertidumbre y obliga a replantearse continuamente qué está ocurriendo realmente.

También resulta inevitable pensar en ‘La cosa en la niebla’, de Chedey Reyes, una película reseñada recientemente en este mismo medio. Más allá del evidente elemento fantástico y la ubicación aérea, ambas comparten esa sensación de aislamiento absoluto, donde la amenaza exterior termina contaminando las relaciones internas del grupo. En los dos casos el espectador avanza casi al mismo ritmo que los protagonistas, descubriendo pequeñas piezas de un puzle que nunca termina de mostrar todas sus cartas hasta el desenlace. Incluso la gestión del espacio cerrado y el creciente deterioro psicológico de los personajes generan sensaciones muy similares, pese a sus diferencias de tono.

Tom Brittney sostiene gran parte del peso dramático. Su personaje funciona como punto de referencia para el espectador y, al mismo tiempo, dispone de un pequeño arco emocional que aporta algo más que simples mecanismos de supervivencia. Esa dimensión personal evita que todo quede reducido a una sucesión de situaciones fantásticas y permite que el protagonista evolucione conforme aumenta la amenaza.

El actor británico demuestra suficiente carisma para liderar la función y deja la impresión de estar reclamando oportunidades más allá del circuito televisivo que le ha dado notoriedad con series como ‘Grantchester’ o ‘Los Westies’, conocidas principalmente en sus respectivos mercados. Aquí encuentra un escaparate interesante para demostrar que puede asumir un protagonismo cinematográfico con solvencia.

Una resolución conocida, pero eficaz

Uno de los mayores aciertos de ‘Black Box: vuelo 298’ reside en saber jugar sus cartas. La película nunca acelera innecesariamente y permite que el misterio sea quien marque el ritmo. Más que provocar miedo desde el primer minuto, opta por alimentar preguntas constantes. Esa estrategia consigue que el espectador vaya enlazando hipótesis mientras la tensión aumenta de forma orgánica.

Cuando finalmente llega el tercer acto, el terror estalla con mayor contundencia. La resolución probablemente no sorprenderá a quienes consumen habitualmente este tipo de propuestas, ya que no plantea una idea especialmente novedosa dentro del fantástico contemporáneo. Sin embargo, funciona porque todo el recorrido previo prepara adecuadamente ese desenlace y hace que resulte satisfactorio dentro de las reglas que el propio filme establece.

Como postdata. Señalar que una actriz española, previamente vista en ‘Jurassic World: dominion’, aparece en este filme con un papel muy presente en el tramo final. ¡Enhorabuena a Teresa Cendon-García por este nuevo trabajo!

Ficha de ‘Black Box: vuelo 298’

Estreno en España: 4 de septiembre de 2026. Título original: Black Box. Duración: 85 min. País: EE.UU. Dirección: Steven Quale. Guion: Steven Quale. Música: Raffertie. Fotografía: Steven Quale. Reparto principal: Tom Brittney, Holly White, Betsy-Blue English, Asa Ali. Producción: Capstone Pictures, Hammerstone Stuios, Inzide Media. Distribución: Vértice Cine. Género: suspense, terror. Web oficial.

Crítica: ‘El final de Oak Street’

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Mitchell se pasa el cine de aventuras con una anomalía repleta de personalidad y sabor clásico

¿Recordáis aquella película de animación en la que una familia debía huir en su coche desde su cómodo barrio de casas y jardines porque eran atacados por seres implacables? Trataba de cómo familias acomodadas veían rota su rutina y tenían que ponerse en pie de guerra o atrincherarse en sus hogares. Se llamaba ‘Los Mitchell contra las máquinas’. Todo eso lo tenemos en esta nueva película que además está dirigida por alguien que se apellida Mitchell. David Robert Mitchell, director de ‘It Follows’ y ‘Lo que esconde Silver Lake’, es uno de esos cineastas que dificultan cualquier intento de anticipar su siguiente película. Entre ambas obras ya existía una distancia considerable y ‘El final de Oak Street’ confirma que su filmografía no parece dispuesta a acomodarse en una fórmula. El volantazo respecto a sus anteriores propuestas de terror psicológico y suspense es considerable: aquí Mitchell se adentra de lleno en el cine de criaturas, la ciencia ficción y la aventura familiar.

La película, protagonizada por Anne Hathaway, Ewan McGregor, Maisy Stella y Christian Convery, parte de una premisa tan sencilla, de esas que te sumergen en una cotidianidad de la que no quieres salir. Un barrio residencial de los años ochenta es arrancado de su realidad y transportado a un entorno prehistórico. La comparación inmediata con ‘Jurassic Park’ resulta inevitable, aunque Mitchell utiliza el concepto para construir algo diferente. Podría parecer un ‘Jurassic Park’ sangriento trasladado a la estética de ‘Cadillacs and Dinosaurs’, pero debajo de los dinosaurios hay una historia familiar que intenta sostenerse por sí misma.

Un Spielberg con la mirada puesta en lo desconocido… y en lo conocido

La música, la ambientación ochentera y el tono familiar remiten inevitablemente al cine de Steven Spielberg. Durante buena parte del metraje tenemos esa sensación de aventura al son de la música de John Williams, de hecho, la banda sonora la pone quien es considerado su heredero natural, Michael Giacchino. La familia se enfrenta a algo extraordinario, que conecta con el imaginario de los grandes clásicos de aquella época. Sin embargo, Mitchell introduce elementos que no encajarían tranquilamente en una película amigable al estilo Spielberg. Hay momentos de auténtico horror y violencia que alteran esa sensación de seguridad.

También aparece una dimensión casi verniana. Como en Julio Verne, el ser humano vuelve a sentirse diminuto ante la magnitud de un mundo que no comprende. Oak Street deja de ser un barrio conocido para convertirse en una isla diminuta frente a secretos que pertenecen a un pasado remoto. La serie ‘The Outer Limits’ ya había jugado con una idea semejante en ‘A Feasibility Study’, episodio en el que un vecindario entero era capturado misteriosamente. La coincidencia resulta especialmente curiosa porque la película parece tomar aquella premisa y convertirla en una aventura prehistórica a más escala.

Los dinosaurios son además uno de los grandes atractivos. La película se distancia de cierta imagen tradicional del cine Cretácico (a menudo confundido con el Jurásico) y apuesta por criaturas más próximas a la reconstrucción paleontológica contemporánea, con Sarcosuchus y Spinosaurus e incluyendo animales con plumas como el Gallimimus o el T-Rex. No se trata simplemente de recuperar dinosaurios reconocibles, sino de utilizarlos para convertir un barrio residencial en un territorio hostil y fascinante.

Mucho más que dinosaurios en un barrio

La principal virtud de ‘El final de Oak Street’ aparece cuando Mitchell entiende que las criaturas no pueden ser el único motor. El verdadero conflicto está también en la familia protagonista, en una pareja que arrastra problemas propios y en la manera en que ambos utilizan diferentes vías de escape para evitar afrontar una realidad que les resulta incómoda.

Por eso la película funciona mejor cuando alterna aventura y drama. El barrio convertido en escenario prehistórico podría haber sido únicamente un ejercicio de imaginación, una excusa para enfrentar a ciudadanos estadounidenses contra criaturas del Cretácico. Mitchell intenta darle una dimensión emocional que justifique que permanezcamos junto a estos personajes incluso cuando los dinosaurios no están en pantalla.

También resulta inevitable hablar de las expectativas generadas alrededor de J.J. Abrams y Bad Robot. El proyecto llegó a despertar teorías sobre una posible conexión con el universo ‘Cloverfield’, especialmente con su última entrega, ‘Paradox’ por los saltos espacio temporales y porque inicialmente se presentó también bajo otro nombre (‘Flowervale Street’). Sin embargo, aunque pudiese serlo y no esté realizada junto a Paramount Pictures, ‘El final de Oak Street’ no pertenece al universo ‘Cloverfield’. Las especulaciones fueron comprensibles (incluso yo hice mis hipótesis al respecto), pero conviene juzgar la película por lo que realmente es y no por la película que algunos espectadores imaginaron que podía ser. Y todo esto a pesar de la curiosa conexión extracinematográfica: Ewan McGregor es pareja de Mary Elizabeth Winstead, protagonista de ‘10 Cloverfield Lane’. McGregor llegó al proyecto después de que Oscar Isaac abandonara el reparto.

El único gran talón de Aquiles, de tamaño de una pata de Triceratops

La película concluye pero lo hace no solo con algo de fan service, sino también dejándonos un tanto descolgados. Porque Mitchell no es un director de franquicias, sino diría que esto podría ser un inicio de saga. La conclusión del filme tiene algo de ‘Tiempo’ de Shyamalan y de ‘The Cabin in the Woods’ de Drew Goddard. Nos dejan con la sensación de que lo ocurrido puede modificar un paradigma mucho mayor que el de los protagonistas, que tiene impacto mucho más allá de su círculo íntimo pero que en escala es mucho más difícil de desarrollar, como ya comprobamos con ‘Jurassic World: Dominion‘. Mitchell no se moja con explicaciones ni soluciones específicas, ni da pistas para que podamos desarrollar interpretaciones. ‘El final de oak street’ queda colgado como tantos misterios de la ya citada ‘The Outer Limits’ o de la mítica ‘The twilight zone’. Y como en esas series, se conforma con dejarnos una pequeña ligera moraleja y un final reconciliador.

Ficha de ‘El final de Oak Street’

Estreno en España: 14 de agosto de 2026. Título original: The End of Oak Street. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: David Robert Mitchell. Guion: David Robert Mitchell. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Mike Gioulakis. Reparto principal: Anne Hathaway, Ewan McGregor, Maisy Stella, Christian Convery. Producción: Bad Robot, Good Fear Content, Jackson Pictures, Tommy Harper Productions, Warner Bros. Discovery. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción, suspense. Web oficial.

David Dastmalchian y Leah Kilpatrick presentan Kingdom of Earth en Akira Comics

David Dastmalchian: “Los verdaderos monstruos son las personas con poder que usan ese poder para oprimir”

David Dastmalchian y Leah Kilpatrick visitaron Akira Comics para presentar ‘Kingdom of Earth’, la nueva serie publicada por Dark Horse Comics, una obra de terror, fantasía y crítica social que imagina un futuro en el que todos los monstruos de la mitología mundial han conquistado la Tierra y los seres humanos han pasado a ser ganado.

David Dastmalchian es conocido por el gran público por sus papeles en películas como ‘The Suicide Squad’, ‘Dune’ o ‘Late Night with the Devil’, pero en los últimos años también se ha consolidado como guionista de cómics. Es el creador de series como ‘Count Crowley’ y ha escrito historias para Marvel y DC, llevando su pasión por el terror y los monstruos al noveno arte. Junto a él trabaja Leah Kilpatrick, guionista, actriz y diseñadora de criaturas, que ha participado en títulos como ‘DC Horror Presents’, ‘Headless Horseman’ y ‘Minor Threats’, especializándose en historias de horror con un marcado componente humano. Juntos forman una de las parejas creativas más interesantes del cómic de terror actual. 

Durante el encuentro, ambos autores explicaron las influencias de la obra, hablaron de su proceso creativo y reflexionaron sobre el estado actual del mundo, dejando claro que ‘Kingdom of Earth’ es mucho más que una historia de monstruos. Por otro lado, manifestaron su asombro ante la calidad y la cantidad de tiendas de cómics en Madrid pues él lo primero que hace al llegar a una ciudad es buscar en mapas tiendas de cómics.

Un mundo inspirado por la realidad

Dastmalchian confesó que siempre ha sentido fascinación por las historias de monstruos y por el planteamiento de ‘El planeta de los simios’, pero explicó que la idea de ‘Kingdom of Earth’ nació al observar los cambios políticos y sociales que ha vivido Estados Unidos durante la última década: “Sentía que mi país estaba siendo tomado por otra especie. Todo estaba cambiando: la cultura, la política… Veía crecer el nacionalismo, el racismo, la intolerancia y la violencia.”

Junto a Leah Kilpatrick comenzaron a preguntarse qué ocurriría si invirtieran completamente la situación habitual de las historias de monstruos. “Pensamos en una historia donde los humanos fueran esclavos, ganado y comida para los monstruos. Hay monstruos buenos y monstruos malos luchando por controlar el mundo, pero el verdadero tema es la supervivencia, la identidad, la humanidad y la empatía.”

Aunque la historia nace desde una perspectiva norteamericana, el actor insistió en que el mensaje es universal. “Estados Unidos no es el único país que tiene problemas. Hay muchos lugares viviendo situaciones similares. Por eso ‘Kingdom of Earth’ no habla solo de Estados Unidos, sino del mundo entero.”

Una pasión compartida por los monstruos

Leah Kilpatrick explicó que ambos comparten una auténtica obsesión por las criaturas fantásticas: “Nos encantan todos los monstruos: hombres lobo, fantasmas, demonios, criaturas marinas… Nos inspira la mitología japonesa, latinoamericana, europea… Todo eso termina formando parte de este universo.”

Esa mezcla de folclore de diferentes culturas convierte ‘Kingdom of Earth’ en un escenario donde conviven criaturas procedentes de prácticamente todas las mitologías imaginables.

Los cómics como puerta de entrada a la imaginación

Kilpatrick también habló de su infancia y de cómo los cómics fueron fundamentales para despertar su creatividad: “De pequeña tenía muchas dificultades para leer. Los libros me intimidaban, pero los cómics no. Las imágenes me permitían construir la historia en mi cabeza.” Con el tiempo empezó a rellenar mentalmente los espacios que las historias dejaban abiertos, desarrollando así su propia imaginación como narradora.

Actualmente compagina la escritura con la interpretación y la improvisación, una disciplina que considera fundamental para trabajar junto a Dastmalchian: “Tenemos una especie de mente colmena. Pensamos de forma muy parecida y eso hace que construir mundos juntos sea muy natural.” Recordemos que ambos trabajan en la serie ‘Murderbot’.

Crear personajes frente a interpretarlos

Como actor, Dastmalchian ha pasado gran parte de su carrera interpretando personajes creados por otros, desde Shakespeare hasta franquicias contemporáneas. Por ello, explicó la diferencia que supone escribir sus propios cómics: “Cuando interpretas a un personaje creado por otra persona debes encontrar qué puedes aportar tú. Si me eligieran para interpretar al Joker, no tendría sentido intentar copiar a Jack Nicholson. Si me han elegido es porque esperan que aporte algo propio.”

Puso como ejemplo su incorporación al universo de ‘One Piece’ interpretando a Mr. 3. “Existe toda una tradición de actores que ya han dado vida al personaje. Mi trabajo consiste en encontrar al Mr. 3 que solo yo puedo interpretar.” Sin embargo, escribir resulta un reto completamente distinto. “Crear el personaje, el mundo y la historia da mucho más miedo. Nunca voy a escribir mejor que Julio Verne, Mary Shelley o Bram Stoker. Lo único que puedo aportar son las preguntas que me sigo haciendo con 50 años.”

Entre esas preguntas citó una especialmente importante. “Todavía intento entender por qué las personas se tratan tan mal unas a otras.”

Frankie, una esperanza para la humanidad

Uno de los personajes centrales de ‘Kingdom of Earth’ es Frankie, una niña de doce años que representa la esperanza en un mundo dominado por los monstruos.  Kilpatrick explicó que desde el principio querían que fuera un personaje con el que cualquiera pudiera identificarse. “Frankie representa la esperanza. Queríamos que fuera alguien capaz de representar a toda la humanidad.”

Además, decidieron que el personaje fuera no binario para facilitar esa identificación universal. “Queríamos que cualquier lector pudiera verse reflejado en Frankie, independientemente de su género.” También defendió que la infancia simboliza la parte más auténtica del ser humano. “Nuestro verdadero yo es el niño que fuimos. Cuando crecemos vamos perdiendo parte de esa autenticidad.”

Un futuro donde los monstruos dominan la Tierra

Durante la presentación, Dastmalchian resumió el punto de partida de la serie. “Estamos en un futuro no muy lejano donde todos los monstruos imaginados por la humanidad han surgido de la tierra y de los océanos. Los monstruos españoles, japoneses, norteamericanos… todos luchan por controlar el planeta.”

Pero insistió en que la historia no gira únicamente alrededor de los combates. “Es una historia sobre supervivencia, amistad y sobre encontrar esperanza donde menos lo esperas.” El autor también quiso destacar el trabajo artístico de la dibujante. “Aunque nuestra historia no os interese, comprad el cómic por el arte. Es absolutamente maravilloso.”

Drácula, el Hombre Lobo… y las adicciones

Preguntado por su monstruo favorito, Dastmalchian confesó sentir una conexión especial con Drácula. “Puedo entender a Drácula de muchas maneras porque durante mi vida he luchado contra las adicciones.” El actor explicó que la adicción deja una huella profunda. “Es una enfermedad que vive en tu ADN, en tu sangre y en tu espíritu.” Sin embargo, reconoció que el Hombre Lobo siempre ha sido su criatura favorita. “Desde pequeño estuve obsesionado con el Hombre Lobo. Me fascina esa lucha entre aceptar el monstruo que llevas dentro o dejar que te destruya.”

Su relación con Dark Horse Comics

El actor recordó que comenzó leyendo Marvel y DC, aunque pronto descubrió el cómic independiente. Especialmente quedó fascinado por el trabajo de Mike Mignola y el universo de ‘Hellboy’, además de autores como Steve Niles.

Su relación con Dark Horse Comics comenzó tras presentarles uno de sus primeros proyectos durante la San Diego Comic-Con. “Tuve la suerte de que dijeran que sí. Me dieron un editor extraordinario y los artistas con los que siempre había querido trabajar.” Desde entonces ha seguido colaborando con la editorial y aseguró que lo importante no es tanto dónde publica como encontrar editoriales que crean en sus ideas. “Los monstruos reales son mucho más aterradores”

La intervención terminó con una reflexión que resumió perfectamente el espíritu de ‘Kingdom of Earth’. Al ser preguntado por si teme más a los monstruos ficticios o a los reales, Dastmalchian no dudó. “Los monstruos reales, sin ninguna duda.” Y desarrolló una respuesta que fue uno de los momentos más aplaudidos del encuentro. “Nada me da más miedo que las personas con poder que utilizan ese poder para oprimir, asustar y marginar a otros para conseguir todavía más poder.”

El actor lamentó que la historia de la humanidad repita constantemente los mismos patrones. “Siempre encontramos un grupo diferente al que señalar: mujeres, personas homosexuales, inmigrantes, pobres… No entiendo por qué seguimos haciendo eso.” Pero concluyó con una reflexión todavía más personal. “Lo que más miedo me da es mirarme al espejo y reconocer que yo también tengo capacidad para convertirme en un monstruo.” Con esa idea quedó claro que, aunque ‘Kingdom of Earth’ esté poblado por vampiros, hombres lobo y criaturas mitológicas, los autores consideran que los verdaderos monstruos siguen siendo, demasiadas veces, los propios seres humanos.

Crítica: ‘Juggernaut’

Una narración consistente y poderosa que no necesita palabras

Hay ocasiones en las que un cortometraje demuestra que el cine sigue siendo, ante todo, un arte visual y narrativo que no entiende de tiempos. ‘Juggernaut’, dirigido por los hermanos Daniele Ricci y Emanuele Ricci, pertenece a esa categoría de obras que prescinden deliberadamente del diálogo para confiar toda su expresividad a la imagen, el sonido y la interpretación física. Es un cortometraje italiano, sí, pero también una propuesta profundamente universal, porque su historia podría comprenderse en cualquier rincón del mundo sin necesidad de traducción.

Lejos de convertirse en un mero ejercicio de estilo, el silencio es aquí una herramienta narrativa. No hay una sola línea de diálogo ni un solo texto explicativo, pero tampoco hacen falta. La historia es sencilla y está construida desde la acción, permitiendo que el espectador descubra poco a poco un universo mucho mayor del que realmente aparece en pantalla. Esa capacidad para sugerir un imaginario completo sin verbalizarlo es uno de los mayores logros del trabajo de los Ricci.

El protagonista transmite una resistencia casi sobrehumana sustentada en el estoicismo, como hacía el protagonista de ‘Sisu’, por ejemplo. Del mismo modo que el personaje creado por Jalmari Helander avanzaba soportando todo tipo de adversidades con una determinación inquebrantable, el héroe de ‘Juggernaut’ interpretado por Eugenio Krilov encuentra en la perseverancia su principal arma. Son personajes definidos mucho más por sus acciones que por sus palabras, auténticos supervivientes cuya personalidad se construye golpe tras golpe.

Una fantasía medieval de enorme riqueza visual

Si algo destaca desde el primer plano es el extraordinario trabajo fotográfico. La imagen posee un color muy trabajado, con un etalonaje que dota de personalidad propia a cada escenario. La fotografía juega constantemente con los contrastes entre espacios dominados por la oscuridad y pequeños estallidos cromáticos que enriquecen la composición sin romper la coherencia estética. Una prenda, una llama, un cielo, el color aparece para destacar entre lo tenebroso del ambiente.

La propuesta visual remite a esa fantasía medieval europea de tono oscuro que en los últimos años ha encontrado excelentes representantes. Es fácil pensar en el imaginario desarrollado por Paul Urkijo o recordar atmósferas cercanas a ‘Black Death’ y ‘El caballero verde’. No se trata de una imitación, sino de compartir una sensibilidad estética donde los bosques, las ruinas, la piedra y la naturaleza adquieren un peso dramático tan importante como los propios personajes.

Sorprende también el diseño de producción. A pesar de tratarse de una producción modesta, el cortometraje presenta un notable cuidado en la construcción de su universo. El vestuario, el atrezo y los diferentes elementos escénicos (props) poseen una credibilidad que ayuda enormemente a la inmersión. En ningún momento da la impresión de que el presupuesto limite la ambición artística, al contrario, la imaginación compensa cualquier restricción material.

Un ejercicio de cine puro que trasciende su condición de cortometraje

Quizá el mayor mérito de ‘Juggernaut’ sea precisamente su capacidad para sugerir mucho más de lo que enseña. En apenas unos minutos logra que el espectador intuya una mitología previa, un contexto histórico y unas reglas internas que nunca necesitan ser explicadas. Ese respeto por la inteligencia del público conecta con el mejor cine fantástico contemporáneo, donde la exposición deja paso a la observación.

También resulta llamativo el equilibrio entre espectáculo y sobriedad. La acción nunca cae en el exceso, sino que sirve para desarrollar al personaje y mantener un ritmo constante. No busca impresionar mediante la acumulación de secuencias grandilocuentes, sino construir una aventura de apariencia sencilla cuya verdadera riqueza reside en todo aquello que permanece implícito.

‘Juggernaut’ demuestra que el formato corto sigue siendo un extraordinario laboratorio creativo para el cine fantástico. Con una identidad visual muy marcada, una dirección artística sorprendentemente sólida y una narración completamente muda que jamás pierde claridad, Daniele Ricci y Emanuele Ricci firman una obra pequeña en duración pero grande en personalidad. Un recordatorio de que el cine puede seguir emocionando únicamente con imágenes cuando detrás existe una mirada cinematográfica auténtica.

Ficha de ‘Juggernaut’

Estreno en España: 2024. Título original: Juggernaut. Duración: 20 min. País: Italia. Dirección: Daniele Ricci, Emanuele Ricci. Guion: Eugenio Kirlov, Daniele Ricci, Emanuele Ricci. Música: Diego Guarnieri. Fotografía: Daniele Ricci. Reparto principal: Eugenio Krilov, Adriana Papana, Nicolò Cerreti. Producción: Mondo Rosso Productions. Género: terror. Web oficial.

Crítica: ‘Insaciable’

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Natalie Erika James vuelve a convertir el terror en un espejo incómodo

Desde su misma secuencia inicial, entre rutinas de fitness, dietas y una obsesión enfermiza por la comida, ‘Insaciable’ inevitablemente despierta el recuerdo de ‘La sustancia’. Sin embargo, sería un error considerar que el nuevo trabajo de Natalie Erika James pretende ir a rebufo del fenómeno protagonizado por Demi Moore. Ambas comparten un mismo campo de reflexión (la dictadura de la imagen, la obsesión por el cuerpo perfecto y la presión estética alimentada por las redes sociales), pero cada una desarrolla un camino muy distinto.

Si existe una producción que realmente puede entenderse como una continuación espiritual de ‘La sustancia’, esa sería ‘Thinestra’, mucho más condicionada por las inevitables comparaciones. ‘Insaciable’, en cambio, utiliza un punto de partida parecido (la aparición de un supuesto compuesto milagroso capaz de acercarte al físico que deseas), aunque pronto deriva hacia un territorio propio. La pregunta, por tanto, resulta inevitable: ¿consigue demostrar que posee una identidad diferenciada? En gran medida sí, aunque no sin ciertas contradicciones.

Natalie Erika James ya había demostrado en ‘Relic’ que el terror era únicamente el vehículo para hablar de conflictos profundamente humanos. Después llegaría su notable precuela de ‘Rosemary’s Baby’, donde volvió a exhibir una sensibilidad poco habitual para combinar el horror psicológico con dramas íntimos. En ‘Insaciable’ regresa precisamente a ese terreno donde mejor se mueve: un cine en el que el miedo nace mucho antes de que aparezca cualquier elemento sobrenatural.

El verdadero horror está en la necesidad de agradar

Lo más interesante de ‘Insaciable’ reside en que nunca limita su discurso únicamente a los trastornos alimentarios. Evidentemente estos ocupan el centro del relato, pero Natalie Erika James amplía el foco para hablar del control de las pulsiones en un sentido mucho más amplio.

La necesidad compulsiva de consultar constantemente el teléfono móvil, la facilidad con la que se ridiculiza a las personas con sobrepeso o la ansiedad por responder a unos cánones de belleza imposibles aparecen como síntomas de una misma enfermedad social. El filme plantea que la presión por agradar no solo nace del deseo de seducir a una posible pareja, sino también de la necesidad de satisfacer las expectativas familiares, especialmente las de unos padres cuya aprobación puede convertirse en una prisión invisible.

La directora construye esa angustia mediante la sugestión antes que mediante el sobresalto fácil. Su puesta en escena vuelve a apostar por imágenes desagradables, por una sensación física de incomodidad y por un ambiente malsano que consigue transmitir que algo se está pudriendo mucho antes de que el horror se haga explícito.

En ese sentido también resulta especialmente interesante la utilización de los trastornos del sueño. Aunque algunas escenas puedan parecer fantásticas, la película introduce una referencia muy real al Trastorno Alimentario Relacionado con el Sueño (TARS), una parasomnia en la que el paciente consume alimentos de forma compulsiva e incontrolada durante despertares nocturnos. Esa conexión con una condición médica existente aporta una dimensión especialmente inquietante a varias de sus secuencias.

Una parte sobrenatural menos inspirada que su discurso

El principal problema de ‘Insaciable’ aparece cuando decide explicar su componente sobrenatural. Hasta ese momento, Natalie Erika James consigue que todo funcione como una poderosa metáfora sobre la obsesión contemporánea por el aspecto físico. Sin embargo, conforme avanza el relato, esa dimensión fantástica termina desligándose del mensaje principal.

Las reglas que gobiernan esa amenaza sobrenatural responden a mecanismos mucho más convencionales, cercanos al J-Horror de principios de los años 2000 que a un terror psicológico moderno preocupado por desarrollar sus metáforas hasta las últimas consecuencias. Esa ruptura hace que el desenlace pierda parte de la fuerza acumulada durante su excelente primera mitad.

No obstante, incluso con esa irregularidad, ‘Insaciable’ continúa siendo una propuesta mucho más interesante que buena parte del terror comercial reciente. Natalie Erika James demuestra nuevamente que le interesa utilizar el género como herramienta para analizar conflictos profundamente contemporáneos tal y como hacen Alex Garland, Julia Ducournau, Damian McCarthy o Paco Plaza.

Ficha de ‘Insaciable’

Estreno en España: 24 de julio de 2026. Título original: Saccharine. Duración: 112 min. País: Australia. Dirección: Natalie Erika James. Guion: Natalie Erika James. Música: Hannah Peel. Fotografía: Charlie Sarroff. Reparto principal: Midori Francis, Danielle Macdonald, Madeleine Madden. Producción: Carver Films, IPR.VC, Thrum Films. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial.

Volvemos del Celsius 232 con 4 charlas imprescindibles

Nuestra cobertura del Celsius 232 nos deja cuatro conversaciones exclusivas con algunos de los grandes nombres de la literatura fantástica actual

Durante dos intensas jornadas hemos tenido la oportunidad de vivir desde dentro una nueva edición del Festival Celsius 232, el gran encuentro dedicado a la literatura fantástica, la ciencia ficción, el terror y el cómic que cada verano convierte Avilés en un punto de referencia para lectores, autores y profesionales del sector. El evento vuelve a demostrar por qué se ha consolidado como uno de los festivales culturales más prestigiosos del panorama nacional, reuniendo a escritores de primer nivel procedentes de distintos países y ofreciendo un programa repleto de presentaciones, firmas, mesas redondas y encuentros con el público.

Desde Moviementarios hemos querido acercaros parte de esa experiencia grabando una serie de charlas abiertas al público con cuatro invitados de enorme relevancia internacional. Cada encuentro ha permitido conocer mejor el proceso creativo, las influencias y la trayectoria de sus protagonistas, además de descubrir anécdotas inéditas y reflexiones sobre el presente y el futuro de la literatura y el cómic. A continuación os dejamos nuestras conversaciones completas con Matt Dinniman, Joe Hill, Drew Karpyshyn y Chris Claremont, cuatro nombres imprescindibles dentro de sus respectivos géneros.

Matt Dinniman: el fenómeno literario que ha conquistado a miles de lectores

Uno de los momentos más esperados de nuestra cobertura fue la charla con Matt Dinniman, autor que ha experimentado un crecimiento espectacular gracias a la popularidad de su saga Dungeon Crawler Carl (Carl el mazmorrero). Durante el encuentro, el escritor compartió cómo nació este universo que mezcla humor, fantasía, ciencia ficción y videojuegos, además de explicar el proceso de construcción de sus personajes y el inesperado éxito internacional de sus novelas. La conversación también sirvió para conocer su visión sobre la relación con los lectores y cómo afronta la evolución de una serie que no deja de sumar seguidores en todo el mundo. Además comentó detalles sobre el fin de la saga, la serie que está en desarrollo y los cómics basados en las novelas.

Joe Hill: el terror contemporáneo visto desde una perspectiva muy personal

Nuestra siguiente parada nos llevó hasta la charla con Joe Hill, uno de los grandes referentes actuales del género fantástico y de terror. El autor de ‘Horns’, ‘Black phone’ o ‘Locke & Key’, entre otras, habló sobre su manera de entender el miedo, la importancia de crear personajes cercanos antes de enfrentarlos a situaciones extraordinarias y la libertad creativa que encuentra al alternar novelas y cómics. Durante la conversación también hubo espacio para reflexionar sobre el estado actual del género y sobre cómo las historias fantásticas continúan siendo una herramienta perfecta para hablar de las preocupaciones del mundo real. ¿Vienen más adaptaciones de sus obras? Nos habló al respecto.

Drew Karpyshyn: del universo de los videojuegos a la literatura

También tuvimos ocasión de conversar con Drew Karpyshyn, escritor ampliamente conocido por su trabajo en algunas de las franquicias más importantes del entretenimiento, tanto en literatura como en videojuegos: ‘Baldur’s Gate, Mass Effect, Star Wars: caballeros de la antigua república. Durante la charla repasó su experiencia creando historias para universos compartidos, explicó las diferencias entre escribir una novela y desarrollar la narrativa de un videojuego, y recordó algunos de los proyectos que marcaron su carrera. Su intervención permitió descubrir cómo se construyen mundos complejos capaces de atraer a millones de aficionados durante décadas. Por supuesto, nos habló del juego que está a punto de lanzar: Exodus.

Chris Claremont: una leyenda viva del cómic

Nuestra cobertura concluyó con una conversación muy especial junto a Chris Claremont, una figura imprescindible en la historia del cómic estadounidense. Responsable de algunas de las etapas más influyentes de los mutantes de Marvel, Claremont repasó parte de su trayectoria, habló sobre la evolución del medio y recordó cómo fueron naciendo algunos de los personajes e historias que hoy forman parte de la cultura popular. Su cercanía con los aficionados y su pasión por seguir contando historias convirtieron esta charla en uno de los grandes momentos de nuestro paso por el Celsius 232. ¡Una charla llena de humor que estuvo de una sesión maratoniana de más de 4 horas!

Crítica: ‘Posesión infernal: en llamas’

En qué plataforma ver Posesión infernal: en llamas

Uno pide irse de spa tras este baño de tensión, sangre y dolor

La franquicia ‘Posesión Infernal’ hace tiempo que dejó de competir por quién provoca más miedo. Su verdadera batalla consiste en descubrir hasta dónde puede llevar el sufrimiento físico de sus personajes sin perder esa sonrisa macabra que acompaña al espectador. Con ‘Posesión Infernal: En llamas’, Sébastien Vanicek entiende perfectamente cuál es el juego y entrega una película que apenas concede un segundo para recuperar el aliento.

Eso sí, conviene avisarlo desde el principio. Quienes no estén familiarizados con la saga, o quienes no disfruten del terror más sangriento, probablemente encuentren esta propuesta excesiva. Aquí no hay medias tintas. Cada muerte busca superar a la anterior mediante una sucesión de mutilaciones, heridas imposibles y un gore recreado con todo lujo de detalles. Si en ‘Posesión Infernal: El despertar’ muchos todavía recuerdan la escena del rallador de queso, esta nueva entrega convierte aquella secuencia casi en una anécdota. Es una película muy burra, extremadamente física y construida para hacer que el espectador sienta dolor simplemente contemplando lo que ocurre en pantalla. Y  sé que el director no buscaba el gore por el gore, pero le ha saldo eso.

No es casualidad y el director es víctima de sus propias intenciones. El propio Vanicek explicó durante el desarrollo del proyecto que pretendía crear una experiencia tan visceral que el público saliera del cine completamente agotado. Y, desde luego, cumple su promesa. Cuando terminan los créditos, tras tanta tensión, sangre y dolor, uno siente que necesita más un spa que una secuela. Precisamente por eso merece la pena quedarse sentado en la butaca, porque hay una escena a mitad de los créditos y otra al final que conectan con el pasado y el posible futuro de la franquicia.

Aparcando ‘Vermin’ y para saciar al fan de ‘Posesión infernal’

Quien disfrutara con ‘Vermin’ quizá espere encontrar aquí aquella sensación de angustia constante que convertía las arañas en una auténtica pesadilla. Sin embargo, Vanicek no consigue transmitir el mismo nivel de terror psicológico ni de agobio o nerviosismo. También es verdad que la propia identidad de ‘Posesión Infernal’ nunca ha residido únicamente en el miedo. La saga siempre ha preferido sorprender con nuevas barbaridades antes que con simples sobresaltos.

En ese sentido, el director francés demuestra haber entendido perfectamente el legado recibido. Sam Raimi eligió personalmente a Vanicek tras quedar impresionado con su anterior trabajo, mientras Bruce Campbell continúa implicado como productor ejecutivo, una presencia que además va mucho más allá del apartado industrial gracias a varios guiños dirigidos directamente a los seguidores más veteranos.

También resulta simpático que el realizador deje pequeñas pinceladas de su procedencia, tanto mediante algunos apuntes musicales como con la elección de un actor que repite con él tras ‘Vermin’ y el fichaje de Souheila Yacoub como protagonista. La actriz suiza, muy vinculada al cine francés gracias a trabajos como ‘Climax’ o la serie ‘No Man’s Land’, aporta una intensidad física que encaja perfectamente con el tono del filme.

Más sangre que mitología, pero un entretenimiento salvaje para los fans

Personalmente, sigo inclinándome hacia la segunda entrega lanzada tras el remake de 2013. Me pareció una película que encontraba un mejor equilibrio entre el espectáculo gore y una historia capaz de sostenerse por sí misma. En ‘Posesión Infernal: En llamas’ el componente familiar vuelve a ocupar buena parte del relato, aunque en esta ocasión el argumento existe principalmente para enlazar una brutalidad con la siguiente.

Quizá por eso se echa de menos una mayor expansión de algunos elementos del universo de la saga, especialmente todo lo relacionado con el círculo de hombres sabios o la mitología kandariana, aspectos que aparecen apuntados pero nunca desarrollados con la profundidad que muchos aficionados agradecerían.

También resulta curioso cómo Vanicek juega deliberadamente con las expectativas del público. En un par de ocasiones parece que va a repetir dos de los momentos más icónicos de la franquicia: la pronunciación de las palabras de invocación y el inevitable protagonismo de la motosierra durante el clímax. Sin embargo, introduce pequeñas fintas cargadas de humor autoconsciente que funcionan bastante bien precisamente porque saben que el espectador espera esos instantes. Rebeldía de autor, supongo.

Eso no impide que el filme caiga en algunos tópicos muy vistos dentro del género. La acción vuelve a desarrollarse prácticamente en una casa decrépita, reaparece el recurso del perro para generar inquietud y tampoco falta ese personaje construido con todos los clichés posibles de la depresión (uñas oscuras, pelo teñido y sudadera con capucha incluida). También repite algunos recursos que hemos visto en ‘La Momia de Lee Cronin’, que se supone que está dentro de este universo, pero aún no llega la ansiada conexión.

Pero cuando uno entra en ‘Posesión Infernal: En llamas’ sabe exactamente qué viene a buscar. Y la película cumple con creces. Es grotescamente divertida, tremendamente salvaje y probablemente una de las entregas más extremas de toda la franquicia. Puede discutirse si supera o no sus predecesoras, pero cuesta negar que Vanicek ha firmado una experiencia tan agotadora como memorable para cualquier amante del horror más descarnado.

Ficha de ‘Posesión infernal: en llamas’

Estreno en España: 17 de julio de 2026. Título original: Evil Dead Burn. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Sébastien Vanicek. Guion: Sébastien Vanicek, Florent Bernard. Música: Xavier Caux, Douglas Cavanna, Double Danger. Fotografía: Philip Lozano. Reparto principal: Souheila Yacoub, Tandi Wright, Hunter Doohan y Luciane Buchanan. Producción: Ghost House Pictures, New Line Cinema, New Zealand Film Commission, Ontario Creates, Screen Gems, Warner Bros. Distribución: Sony Pictures. Género: terror. Web oficial

Análisis de ‘La escalera de Jacob’

Las terribles pesadillas de Jacob llegan a nuestros hogares

Divisa Films nos trae esta estupenda edición de ‘La escalera de Jacob’, una película que sin duda pone los pelos de punta y sigue funcionando muy bien a día de hoy. Además mejorando notablemente la imagen y dejando atrás el grano que tenía la cinta, dando imágenes más claras.

Jacob Singer, está teniendo terribles visiones, cada vez más extrañas que le están volviendo loco. Todo ello, tras regresar de la guerra de Vietnam, y no recordar realmente lo que le ocurrió a su unidad allí.

El tiempo ha hecho que ‘La escalera de Jacob’ se haya convertido en una película de culto, en su momento no se terminó de comprender, esas imágenes tan terribles, terror psicológico que quizás ahora estemos mucho más acostumbrados, hacen que la película de Adrian Lyne vuelva a tener un repunte en la actualidad.

Os dejamos con la galería de fotos de esta edición, que como podéis ver, la ilustración es maravillosa. Y por supuesto con las características técnicas y los extras.

Características técnicas

Disco 1

Imagen: 4K Dolby Vision / 1.85:1 / 114 min.

Audio: Español Mono / Inglés DTS HD MA 5.1 + 2.0 Estéreo

Subtítulos: Español

Disco 2

Imagen: Blu-ray / 1080p HD / 1.85:1 / 114 min

Audio: Español Mono / Inglés DTS MA 5.1 +  2.0 Estéreo

Subtítulos: Español

 

EXTRAS (30 min aprox.)

Disco 1. 4k Dolby Vision

En los peldaños de ‘La Escalera de Jacob’ (VOSE) (27:52 min)

Un contenido muy bien realizado, tenemos entrevistas, reflexiones con el director y diferentes partes del equipo. Todo ello para explicar un poquito mejor hacia donde quiere llevar la película y la historia.

Tráiler (VOSE)

Disco 2 Blu-ray

Galeria de imágenes

Carteles de la película a lo largo de los años.