Crítica: ‘El final de Oak Street’

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Mitchell se pasa el cine de aventuras con una anomalía repleta de personalidad y sabor clásico

¿Recordáis aquella película de animación en la que una familia debía huir en su coche desde su cómodo barrio de casas y jardines porque eran atacados por seres implacables? Trataba de cómo familias acomodadas veían rota su rutina y tenían que ponerse en pie de guerra o atrincherarse en sus hogares. Se llamaba ‘Los Mitchell contra las máquinas’. Todo eso lo tenemos en esta nueva película que además está dirigida por alguien que se apellida Mitchell. David Robert Mitchell, director de ‘It Follows’ y ‘Lo que esconde Silver Lake’, es uno de esos cineastas que dificultan cualquier intento de anticipar su siguiente película. Entre ambas obras ya existía una distancia considerable y ‘El final de Oak Street’ confirma que su filmografía no parece dispuesta a acomodarse en una fórmula. El volantazo respecto a sus anteriores propuestas de terror psicológico y suspense es considerable: aquí Mitchell se adentra de lleno en el cine de criaturas, la ciencia ficción y la aventura familiar.

La película, protagonizada por Anne Hathaway, Ewan McGregor, Maisy Stella y Christian Convery, parte de una premisa tan sencilla, de esas que te sumergen en una cotidianidad de la que no quieres salir. Un barrio residencial de los años ochenta es arrancado de su realidad y transportado a un entorno prehistórico. La comparación inmediata con ‘Jurassic Park’ resulta inevitable, aunque Mitchell utiliza el concepto para construir algo diferente. Podría parecer un ‘Jurassic Park’ sangriento trasladado a la estética de ‘Cadillacs and Dinosaurs’, pero debajo de los dinosaurios hay una historia familiar que intenta sostenerse por sí misma.

Un Spielberg con la mirada puesta en lo desconocido… y en lo conocido

La música, la ambientación ochentera y el tono familiar remiten inevitablemente al cine de Steven Spielberg. Durante buena parte del metraje tenemos esa sensación de aventura al son de la música de John Williams, de hecho, la banda sonora la pone quien es considerado su heredero natural, Michael Giacchino. La familia se enfrenta a algo extraordinario, que conecta con el imaginario de los grandes clásicos de aquella época. Sin embargo, Mitchell introduce elementos que no encajarían tranquilamente en una película amigable al estilo Spielberg. Hay momentos de auténtico horror y violencia que alteran esa sensación de seguridad.

También aparece una dimensión casi verniana. Como en Julio Verne, el ser humano vuelve a sentirse diminuto ante la magnitud de un mundo que no comprende. Oak Street deja de ser un barrio conocido para convertirse en una isla diminuta frente a secretos que pertenecen a un pasado remoto. La serie ‘The Outer Limits’ ya había jugado con una idea semejante en ‘A Feasibility Study’, episodio en el que un vecindario entero era capturado misteriosamente. La coincidencia resulta especialmente curiosa porque la película parece tomar aquella premisa y convertirla en una aventura prehistórica a más escala.

Los dinosaurios son además uno de los grandes atractivos. La película se distancia de cierta imagen tradicional del cine Cretácico (a menudo confundido con el Jurásico) y apuesta por criaturas más próximas a la reconstrucción paleontológica contemporánea, con Sarcosuchus y Spinosaurus e incluyendo animales con plumas como el Gallimimus o el T-Rex. No se trata simplemente de recuperar dinosaurios reconocibles, sino de utilizarlos para convertir un barrio residencial en un territorio hostil y fascinante.

Mucho más que dinosaurios en un barrio

La principal virtud de ‘El final de Oak Street’ aparece cuando Mitchell entiende que las criaturas no pueden ser el único motor. El verdadero conflicto está también en la familia protagonista, en una pareja que arrastra problemas propios y en la manera en que ambos utilizan diferentes vías de escape para evitar afrontar una realidad que les resulta incómoda.

Por eso la película funciona mejor cuando alterna aventura y drama. El barrio convertido en escenario prehistórico podría haber sido únicamente un ejercicio de imaginación, una excusa para enfrentar a ciudadanos estadounidenses contra criaturas del Cretácico. Mitchell intenta darle una dimensión emocional que justifique que permanezcamos junto a estos personajes incluso cuando los dinosaurios no están en pantalla.

También resulta inevitable hablar de las expectativas generadas alrededor de J.J. Abrams y Bad Robot. El proyecto llegó a despertar teorías sobre una posible conexión con el universo ‘Cloverfield’, especialmente con su última entrega, ‘Paradox’ por los saltos espacio temporales y porque inicialmente se presentó también bajo otro nombre (‘Flowervale Street’). Sin embargo, aunque pudiese serlo y no esté realizada junto a Paramount Pictures, ‘El final de Oak Street’ no pertenece al universo ‘Cloverfield’. Las especulaciones fueron comprensibles (incluso yo hice mis hipótesis al respecto), pero conviene juzgar la película por lo que realmente es y no por la película que algunos espectadores imaginaron que podía ser. Y todo esto a pesar de la curiosa conexión extracinematográfica: Ewan McGregor es pareja de Mary Elizabeth Winstead, protagonista de ‘10 Cloverfield Lane’. McGregor llegó al proyecto después de que Oscar Isaac abandonara el reparto.

El único gran talón de Aquiles, de tamaño de una pata de Triceratops

La película concluye pero lo hace no solo con algo de fan service, sino también dejándonos un tanto descolgados. Porque Mitchell no es un director de franquicias, sino diría que esto podría ser un inicio de saga. La conclusión del filme tiene algo de ‘Tiempo’ de Shyamalan y de ‘The Cabin in the Woods’ de Drew Goddard. Nos dejan con la sensación de que lo ocurrido puede modificar un paradigma mucho mayor que el de los protagonistas, que tiene impacto mucho más allá de su círculo íntimo pero que en escala es mucho más difícil de desarrollar, como ya comprobamos con ‘Jurassic World: Dominion‘. Mitchell no se moja con explicaciones ni soluciones específicas, ni da pistas para que podamos desarrollar interpretaciones. ‘El final de oak street’ queda colgado como tantos misterios de la ya citada ‘The Outer Limits’ o de la mítica ‘The twilight zone’. Y como en esas series, se conforma con dejarnos una pequeña ligera moraleja y un final reconciliador.

Ficha de ‘El final de Oak Street’

Estreno en España: 14 de agosto de 2026. Título original: The End of Oak Street. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: David Robert Mitchell. Guion: David Robert Mitchell. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Mike Gioulakis. Reparto principal: Anne Hathaway, Ewan McGregor, Maisy Stella, Christian Convery. Producción: Bad Robot, Good Fear Content, Jackson Pictures, Tommy Harper Productions, Warner Bros. Discovery. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción, suspense. Web oficial.

David Dastmalchian y Leah Kilpatrick presentan Kingdom of Earth en Akira Comics

David Dastmalchian: “Los verdaderos monstruos son las personas con poder que usan ese poder para oprimir”

David Dastmalchian y Leah Kilpatrick visitaron Akira Comics para presentar ‘Kingdom of Earth’, la nueva serie publicada por Dark Horse Comics, una obra de terror, fantasía y crítica social que imagina un futuro en el que todos los monstruos de la mitología mundial han conquistado la Tierra y los seres humanos han pasado a ser ganado.

David Dastmalchian es conocido por el gran público por sus papeles en películas como ‘The Suicide Squad’, ‘Dune’ o ‘Late Night with the Devil’, pero en los últimos años también se ha consolidado como guionista de cómics. Es el creador de series como ‘Count Crowley’ y ha escrito historias para Marvel y DC, llevando su pasión por el terror y los monstruos al noveno arte. Junto a él trabaja Leah Kilpatrick, guionista, actriz y diseñadora de criaturas, que ha participado en títulos como ‘DC Horror Presents’, ‘Headless Horseman’ y ‘Minor Threats’, especializándose en historias de horror con un marcado componente humano. Juntos forman una de las parejas creativas más interesantes del cómic de terror actual. 

Durante el encuentro, ambos autores explicaron las influencias de la obra, hablaron de su proceso creativo y reflexionaron sobre el estado actual del mundo, dejando claro que ‘Kingdom of Earth’ es mucho más que una historia de monstruos. Por otro lado, manifestaron su asombro ante la calidad y la cantidad de tiendas de cómics en Madrid pues él lo primero que hace al llegar a una ciudad es buscar en mapas tiendas de cómics.

Un mundo inspirado por la realidad

Dastmalchian confesó que siempre ha sentido fascinación por las historias de monstruos y por el planteamiento de ‘El planeta de los simios’, pero explicó que la idea de ‘Kingdom of Earth’ nació al observar los cambios políticos y sociales que ha vivido Estados Unidos durante la última década: “Sentía que mi país estaba siendo tomado por otra especie. Todo estaba cambiando: la cultura, la política… Veía crecer el nacionalismo, el racismo, la intolerancia y la violencia.”

Junto a Leah Kilpatrick comenzaron a preguntarse qué ocurriría si invirtieran completamente la situación habitual de las historias de monstruos. “Pensamos en una historia donde los humanos fueran esclavos, ganado y comida para los monstruos. Hay monstruos buenos y monstruos malos luchando por controlar el mundo, pero el verdadero tema es la supervivencia, la identidad, la humanidad y la empatía.”

Aunque la historia nace desde una perspectiva norteamericana, el actor insistió en que el mensaje es universal. “Estados Unidos no es el único país que tiene problemas. Hay muchos lugares viviendo situaciones similares. Por eso ‘Kingdom of Earth’ no habla solo de Estados Unidos, sino del mundo entero.”

Una pasión compartida por los monstruos

Leah Kilpatrick explicó que ambos comparten una auténtica obsesión por las criaturas fantásticas: “Nos encantan todos los monstruos: hombres lobo, fantasmas, demonios, criaturas marinas… Nos inspira la mitología japonesa, latinoamericana, europea… Todo eso termina formando parte de este universo.”

Esa mezcla de folclore de diferentes culturas convierte ‘Kingdom of Earth’ en un escenario donde conviven criaturas procedentes de prácticamente todas las mitologías imaginables.

Los cómics como puerta de entrada a la imaginación

Kilpatrick también habló de su infancia y de cómo los cómics fueron fundamentales para despertar su creatividad: “De pequeña tenía muchas dificultades para leer. Los libros me intimidaban, pero los cómics no. Las imágenes me permitían construir la historia en mi cabeza.” Con el tiempo empezó a rellenar mentalmente los espacios que las historias dejaban abiertos, desarrollando así su propia imaginación como narradora.

Actualmente compagina la escritura con la interpretación y la improvisación, una disciplina que considera fundamental para trabajar junto a Dastmalchian: “Tenemos una especie de mente colmena. Pensamos de forma muy parecida y eso hace que construir mundos juntos sea muy natural.” Recordemos que ambos trabajan en la serie ‘Murderbot’.

Crear personajes frente a interpretarlos

Como actor, Dastmalchian ha pasado gran parte de su carrera interpretando personajes creados por otros, desde Shakespeare hasta franquicias contemporáneas. Por ello, explicó la diferencia que supone escribir sus propios cómics: “Cuando interpretas a un personaje creado por otra persona debes encontrar qué puedes aportar tú. Si me eligieran para interpretar al Joker, no tendría sentido intentar copiar a Jack Nicholson. Si me han elegido es porque esperan que aporte algo propio.”

Puso como ejemplo su incorporación al universo de ‘One Piece’ interpretando a Mr. 3. “Existe toda una tradición de actores que ya han dado vida al personaje. Mi trabajo consiste en encontrar al Mr. 3 que solo yo puedo interpretar.” Sin embargo, escribir resulta un reto completamente distinto. “Crear el personaje, el mundo y la historia da mucho más miedo. Nunca voy a escribir mejor que Julio Verne, Mary Shelley o Bram Stoker. Lo único que puedo aportar son las preguntas que me sigo haciendo con 50 años.”

Entre esas preguntas citó una especialmente importante. “Todavía intento entender por qué las personas se tratan tan mal unas a otras.”

Frankie, una esperanza para la humanidad

Uno de los personajes centrales de ‘Kingdom of Earth’ es Frankie, una niña de doce años que representa la esperanza en un mundo dominado por los monstruos.  Kilpatrick explicó que desde el principio querían que fuera un personaje con el que cualquiera pudiera identificarse. “Frankie representa la esperanza. Queríamos que fuera alguien capaz de representar a toda la humanidad.”

Además, decidieron que el personaje fuera no binario para facilitar esa identificación universal. “Queríamos que cualquier lector pudiera verse reflejado en Frankie, independientemente de su género.” También defendió que la infancia simboliza la parte más auténtica del ser humano. “Nuestro verdadero yo es el niño que fuimos. Cuando crecemos vamos perdiendo parte de esa autenticidad.”

Un futuro donde los monstruos dominan la Tierra

Durante la presentación, Dastmalchian resumió el punto de partida de la serie. “Estamos en un futuro no muy lejano donde todos los monstruos imaginados por la humanidad han surgido de la tierra y de los océanos. Los monstruos españoles, japoneses, norteamericanos… todos luchan por controlar el planeta.”

Pero insistió en que la historia no gira únicamente alrededor de los combates. “Es una historia sobre supervivencia, amistad y sobre encontrar esperanza donde menos lo esperas.” El autor también quiso destacar el trabajo artístico de la dibujante. “Aunque nuestra historia no os interese, comprad el cómic por el arte. Es absolutamente maravilloso.”

Drácula, el Hombre Lobo… y las adicciones

Preguntado por su monstruo favorito, Dastmalchian confesó sentir una conexión especial con Drácula. “Puedo entender a Drácula de muchas maneras porque durante mi vida he luchado contra las adicciones.” El actor explicó que la adicción deja una huella profunda. “Es una enfermedad que vive en tu ADN, en tu sangre y en tu espíritu.” Sin embargo, reconoció que el Hombre Lobo siempre ha sido su criatura favorita. “Desde pequeño estuve obsesionado con el Hombre Lobo. Me fascina esa lucha entre aceptar el monstruo que llevas dentro o dejar que te destruya.”

Su relación con Dark Horse Comics

El actor recordó que comenzó leyendo Marvel y DC, aunque pronto descubrió el cómic independiente. Especialmente quedó fascinado por el trabajo de Mike Mignola y el universo de ‘Hellboy’, además de autores como Steve Niles.

Su relación con Dark Horse Comics comenzó tras presentarles uno de sus primeros proyectos durante la San Diego Comic-Con. “Tuve la suerte de que dijeran que sí. Me dieron un editor extraordinario y los artistas con los que siempre había querido trabajar.” Desde entonces ha seguido colaborando con la editorial y aseguró que lo importante no es tanto dónde publica como encontrar editoriales que crean en sus ideas. “Los monstruos reales son mucho más aterradores”

La intervención terminó con una reflexión que resumió perfectamente el espíritu de ‘Kingdom of Earth’. Al ser preguntado por si teme más a los monstruos ficticios o a los reales, Dastmalchian no dudó. “Los monstruos reales, sin ninguna duda.” Y desarrolló una respuesta que fue uno de los momentos más aplaudidos del encuentro. “Nada me da más miedo que las personas con poder que utilizan ese poder para oprimir, asustar y marginar a otros para conseguir todavía más poder.”

El actor lamentó que la historia de la humanidad repita constantemente los mismos patrones. “Siempre encontramos un grupo diferente al que señalar: mujeres, personas homosexuales, inmigrantes, pobres… No entiendo por qué seguimos haciendo eso.” Pero concluyó con una reflexión todavía más personal. “Lo que más miedo me da es mirarme al espejo y reconocer que yo también tengo capacidad para convertirme en un monstruo.” Con esa idea quedó claro que, aunque ‘Kingdom of Earth’ esté poblado por vampiros, hombres lobo y criaturas mitológicas, los autores consideran que los verdaderos monstruos siguen siendo, demasiadas veces, los propios seres humanos.

Crítica: ‘Juggernaut’

Una narración consistente y poderosa que no necesita palabras

Hay ocasiones en las que un cortometraje demuestra que el cine sigue siendo, ante todo, un arte visual y narrativo que no entiende de tiempos. ‘Juggernaut’, dirigido por los hermanos Daniele Ricci y Emanuele Ricci, pertenece a esa categoría de obras que prescinden deliberadamente del diálogo para confiar toda su expresividad a la imagen, el sonido y la interpretación física. Es un cortometraje italiano, sí, pero también una propuesta profundamente universal, porque su historia podría comprenderse en cualquier rincón del mundo sin necesidad de traducción.

Lejos de convertirse en un mero ejercicio de estilo, el silencio es aquí una herramienta narrativa. No hay una sola línea de diálogo ni un solo texto explicativo, pero tampoco hacen falta. La historia es sencilla y está construida desde la acción, permitiendo que el espectador descubra poco a poco un universo mucho mayor del que realmente aparece en pantalla. Esa capacidad para sugerir un imaginario completo sin verbalizarlo es uno de los mayores logros del trabajo de los Ricci.

El protagonista transmite una resistencia casi sobrehumana sustentada en el estoicismo, como hacía el protagonista de ‘Sisu’, por ejemplo. Del mismo modo que el personaje creado por Jalmari Helander avanzaba soportando todo tipo de adversidades con una determinación inquebrantable, el héroe de ‘Juggernaut’ interpretado por Eugenio Krilov encuentra en la perseverancia su principal arma. Son personajes definidos mucho más por sus acciones que por sus palabras, auténticos supervivientes cuya personalidad se construye golpe tras golpe.

Una fantasía medieval de enorme riqueza visual

Si algo destaca desde el primer plano es el extraordinario trabajo fotográfico. La imagen posee un color muy trabajado, con un etalonaje que dota de personalidad propia a cada escenario. La fotografía juega constantemente con los contrastes entre espacios dominados por la oscuridad y pequeños estallidos cromáticos que enriquecen la composición sin romper la coherencia estética. Una prenda, una llama, un cielo, el color aparece para destacar entre lo tenebroso del ambiente.

La propuesta visual remite a esa fantasía medieval europea de tono oscuro que en los últimos años ha encontrado excelentes representantes. Es fácil pensar en el imaginario desarrollado por Paul Urkijo o recordar atmósferas cercanas a ‘Black Death’ y ‘El caballero verde’. No se trata de una imitación, sino de compartir una sensibilidad estética donde los bosques, las ruinas, la piedra y la naturaleza adquieren un peso dramático tan importante como los propios personajes.

Sorprende también el diseño de producción. A pesar de tratarse de una producción modesta, el cortometraje presenta un notable cuidado en la construcción de su universo. El vestuario, el atrezo y los diferentes elementos escénicos (props) poseen una credibilidad que ayuda enormemente a la inmersión. En ningún momento da la impresión de que el presupuesto limite la ambición artística, al contrario, la imaginación compensa cualquier restricción material.

Un ejercicio de cine puro que trasciende su condición de cortometraje

Quizá el mayor mérito de ‘Juggernaut’ sea precisamente su capacidad para sugerir mucho más de lo que enseña. En apenas unos minutos logra que el espectador intuya una mitología previa, un contexto histórico y unas reglas internas que nunca necesitan ser explicadas. Ese respeto por la inteligencia del público conecta con el mejor cine fantástico contemporáneo, donde la exposición deja paso a la observación.

También resulta llamativo el equilibrio entre espectáculo y sobriedad. La acción nunca cae en el exceso, sino que sirve para desarrollar al personaje y mantener un ritmo constante. No busca impresionar mediante la acumulación de secuencias grandilocuentes, sino construir una aventura de apariencia sencilla cuya verdadera riqueza reside en todo aquello que permanece implícito.

‘Juggernaut’ demuestra que el formato corto sigue siendo un extraordinario laboratorio creativo para el cine fantástico. Con una identidad visual muy marcada, una dirección artística sorprendentemente sólida y una narración completamente muda que jamás pierde claridad, Daniele Ricci y Emanuele Ricci firman una obra pequeña en duración pero grande en personalidad. Un recordatorio de que el cine puede seguir emocionando únicamente con imágenes cuando detrás existe una mirada cinematográfica auténtica.

Ficha de ‘Juggernaut’

Estreno en España: 2024. Título original: Juggernaut. Duración: 20 min. País: Italia. Dirección: Daniele Ricci, Emanuele Ricci. Guion: Eugenio Kirlov, Daniele Ricci, Emanuele Ricci. Música: Diego Guarnieri. Fotografía: Daniele Ricci. Reparto principal: Eugenio Krilov, Adriana Papana, Nicolò Cerreti. Producción: Mondo Rosso Productions. Género: terror. Web oficial.

Crítica: ‘Insaciable’

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Natalie Erika James vuelve a convertir el terror en un espejo incómodo

Desde su misma secuencia inicial, entre rutinas de fitness, dietas y una obsesión enfermiza por la comida, ‘Insaciable’ inevitablemente despierta el recuerdo de ‘La sustancia’. Sin embargo, sería un error considerar que el nuevo trabajo de Natalie Erika James pretende ir a rebufo del fenómeno protagonizado por Demi Moore. Ambas comparten un mismo campo de reflexión (la dictadura de la imagen, la obsesión por el cuerpo perfecto y la presión estética alimentada por las redes sociales), pero cada una desarrolla un camino muy distinto.

Si existe una producción que realmente puede entenderse como una continuación espiritual de ‘La sustancia’, esa sería ‘Thinestra’, mucho más condicionada por las inevitables comparaciones. ‘Insaciable’, en cambio, utiliza un punto de partida parecido (la aparición de un supuesto compuesto milagroso capaz de acercarte al físico que deseas), aunque pronto deriva hacia un territorio propio. La pregunta, por tanto, resulta inevitable: ¿consigue demostrar que posee una identidad diferenciada? En gran medida sí, aunque no sin ciertas contradicciones.

Natalie Erika James ya había demostrado en ‘Relic’ que el terror era únicamente el vehículo para hablar de conflictos profundamente humanos. Después llegaría su notable precuela de ‘Rosemary’s Baby’, donde volvió a exhibir una sensibilidad poco habitual para combinar el horror psicológico con dramas íntimos. En ‘Insaciable’ regresa precisamente a ese terreno donde mejor se mueve: un cine en el que el miedo nace mucho antes de que aparezca cualquier elemento sobrenatural.

El verdadero horror está en la necesidad de agradar

Lo más interesante de ‘Insaciable’ reside en que nunca limita su discurso únicamente a los trastornos alimentarios. Evidentemente estos ocupan el centro del relato, pero Natalie Erika James amplía el foco para hablar del control de las pulsiones en un sentido mucho más amplio.

La necesidad compulsiva de consultar constantemente el teléfono móvil, la facilidad con la que se ridiculiza a las personas con sobrepeso o la ansiedad por responder a unos cánones de belleza imposibles aparecen como síntomas de una misma enfermedad social. El filme plantea que la presión por agradar no solo nace del deseo de seducir a una posible pareja, sino también de la necesidad de satisfacer las expectativas familiares, especialmente las de unos padres cuya aprobación puede convertirse en una prisión invisible.

La directora construye esa angustia mediante la sugestión antes que mediante el sobresalto fácil. Su puesta en escena vuelve a apostar por imágenes desagradables, por una sensación física de incomodidad y por un ambiente malsano que consigue transmitir que algo se está pudriendo mucho antes de que el horror se haga explícito.

En ese sentido también resulta especialmente interesante la utilización de los trastornos del sueño. Aunque algunas escenas puedan parecer fantásticas, la película introduce una referencia muy real al Trastorno Alimentario Relacionado con el Sueño (TARS), una parasomnia en la que el paciente consume alimentos de forma compulsiva e incontrolada durante despertares nocturnos. Esa conexión con una condición médica existente aporta una dimensión especialmente inquietante a varias de sus secuencias.

Una parte sobrenatural menos inspirada que su discurso

El principal problema de ‘Insaciable’ aparece cuando decide explicar su componente sobrenatural. Hasta ese momento, Natalie Erika James consigue que todo funcione como una poderosa metáfora sobre la obsesión contemporánea por el aspecto físico. Sin embargo, conforme avanza el relato, esa dimensión fantástica termina desligándose del mensaje principal.

Las reglas que gobiernan esa amenaza sobrenatural responden a mecanismos mucho más convencionales, cercanos al J-Horror de principios de los años 2000 que a un terror psicológico moderno preocupado por desarrollar sus metáforas hasta las últimas consecuencias. Esa ruptura hace que el desenlace pierda parte de la fuerza acumulada durante su excelente primera mitad.

No obstante, incluso con esa irregularidad, ‘Insaciable’ continúa siendo una propuesta mucho más interesante que buena parte del terror comercial reciente. Natalie Erika James demuestra nuevamente que le interesa utilizar el género como herramienta para analizar conflictos profundamente contemporáneos tal y como hacen Alex Garland, Julia Ducournau, Damian McCarthy o Paco Plaza.

Ficha de ‘Insaciable’

Estreno en España: 24 de julio de 2026. Título original: Saccharine. Duración: 112 min. País: Australia. Dirección: Natalie Erika James. Guion: Natalie Erika James. Música: Hannah Peel. Fotografía: Charlie Sarroff. Reparto principal: Midori Francis, Danielle Macdonald, Madeleine Madden. Producción: Carver Films, IPR.VC, Thrum Films. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial.

Volvemos del Celsius 232 con 4 charlas imprescindibles

Nuestra cobertura del Celsius 232 nos deja cuatro conversaciones exclusivas con algunos de los grandes nombres de la literatura fantástica actual

Durante dos intensas jornadas hemos tenido la oportunidad de vivir desde dentro una nueva edición del Festival Celsius 232, el gran encuentro dedicado a la literatura fantástica, la ciencia ficción, el terror y el cómic que cada verano convierte Avilés en un punto de referencia para lectores, autores y profesionales del sector. El evento vuelve a demostrar por qué se ha consolidado como uno de los festivales culturales más prestigiosos del panorama nacional, reuniendo a escritores de primer nivel procedentes de distintos países y ofreciendo un programa repleto de presentaciones, firmas, mesas redondas y encuentros con el público.

Desde Moviementarios hemos querido acercaros parte de esa experiencia grabando una serie de charlas abiertas al público con cuatro invitados de enorme relevancia internacional. Cada encuentro ha permitido conocer mejor el proceso creativo, las influencias y la trayectoria de sus protagonistas, además de descubrir anécdotas inéditas y reflexiones sobre el presente y el futuro de la literatura y el cómic. A continuación os dejamos nuestras conversaciones completas con Matt Dinniman, Joe Hill, Drew Karpyshyn y Chris Claremont, cuatro nombres imprescindibles dentro de sus respectivos géneros.

Matt Dinniman: el fenómeno literario que ha conquistado a miles de lectores

Uno de los momentos más esperados de nuestra cobertura fue la charla con Matt Dinniman, autor que ha experimentado un crecimiento espectacular gracias a la popularidad de su saga Dungeon Crawler Carl (Carl el mazmorrero). Durante el encuentro, el escritor compartió cómo nació este universo que mezcla humor, fantasía, ciencia ficción y videojuegos, además de explicar el proceso de construcción de sus personajes y el inesperado éxito internacional de sus novelas. La conversación también sirvió para conocer su visión sobre la relación con los lectores y cómo afronta la evolución de una serie que no deja de sumar seguidores en todo el mundo. Además comentó detalles sobre el fin de la saga, la serie que está en desarrollo y los cómics basados en las novelas.

Joe Hill: el terror contemporáneo visto desde una perspectiva muy personal

Nuestra siguiente parada nos llevó hasta la charla con Joe Hill, uno de los grandes referentes actuales del género fantástico y de terror. El autor de ‘Horns’, ‘Black phone’ o ‘Locke & Key’, entre otras, habló sobre su manera de entender el miedo, la importancia de crear personajes cercanos antes de enfrentarlos a situaciones extraordinarias y la libertad creativa que encuentra al alternar novelas y cómics. Durante la conversación también hubo espacio para reflexionar sobre el estado actual del género y sobre cómo las historias fantásticas continúan siendo una herramienta perfecta para hablar de las preocupaciones del mundo real. ¿Vienen más adaptaciones de sus obras? Nos habló al respecto.

Drew Karpyshyn: del universo de los videojuegos a la literatura

También tuvimos ocasión de conversar con Drew Karpyshyn, escritor ampliamente conocido por su trabajo en algunas de las franquicias más importantes del entretenimiento, tanto en literatura como en videojuegos: ‘Baldur’s Gate, Mass Effect, Star Wars: caballeros de la antigua república. Durante la charla repasó su experiencia creando historias para universos compartidos, explicó las diferencias entre escribir una novela y desarrollar la narrativa de un videojuego, y recordó algunos de los proyectos que marcaron su carrera. Su intervención permitió descubrir cómo se construyen mundos complejos capaces de atraer a millones de aficionados durante décadas. Por supuesto, nos habló del juego que está a punto de lanzar: Exodus.

Chris Claremont: una leyenda viva del cómic

Nuestra cobertura concluyó con una conversación muy especial junto a Chris Claremont, una figura imprescindible en la historia del cómic estadounidense. Responsable de algunas de las etapas más influyentes de los mutantes de Marvel, Claremont repasó parte de su trayectoria, habló sobre la evolución del medio y recordó cómo fueron naciendo algunos de los personajes e historias que hoy forman parte de la cultura popular. Su cercanía con los aficionados y su pasión por seguir contando historias convirtieron esta charla en uno de los grandes momentos de nuestro paso por el Celsius 232. ¡Una charla llena de humor que estuvo de una sesión maratoniana de más de 4 horas!

Crítica: ‘Posesión infernal: en llamas’

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Uno pide irse de spa tras este baño de tensión, sangre y dolor

La franquicia ‘Posesión Infernal’ hace tiempo que dejó de competir por quién provoca más miedo. Su verdadera batalla consiste en descubrir hasta dónde puede llevar el sufrimiento físico de sus personajes sin perder esa sonrisa macabra que acompaña al espectador. Con ‘Posesión Infernal: En llamas’, Sébastien Vanicek entiende perfectamente cuál es el juego y entrega una película que apenas concede un segundo para recuperar el aliento.

Eso sí, conviene avisarlo desde el principio. Quienes no estén familiarizados con la saga, o quienes no disfruten del terror más sangriento, probablemente encuentren esta propuesta excesiva. Aquí no hay medias tintas. Cada muerte busca superar a la anterior mediante una sucesión de mutilaciones, heridas imposibles y un gore recreado con todo lujo de detalles. Si en ‘Posesión Infernal: El despertar’ muchos todavía recuerdan la escena del rallador de queso, esta nueva entrega convierte aquella secuencia casi en una anécdota. Es una película muy burra, extremadamente física y construida para hacer que el espectador sienta dolor simplemente contemplando lo que ocurre en pantalla. Y  sé que el director no buscaba el gore por el gore, pero le ha saldo eso.

No es casualidad y el director es víctima de sus propias intenciones. El propio Vanicek explicó durante el desarrollo del proyecto que pretendía crear una experiencia tan visceral que el público saliera del cine completamente agotado. Y, desde luego, cumple su promesa. Cuando terminan los créditos, tras tanta tensión, sangre y dolor, uno siente que necesita más un spa que una secuela. Precisamente por eso merece la pena quedarse sentado en la butaca, porque hay una escena a mitad de los créditos y otra al final que conectan con el pasado y el posible futuro de la franquicia.

Aparcando ‘Vermin’ y para saciar al fan de ‘Posesión infernal’

Quien disfrutara con ‘Vermin’ quizá espere encontrar aquí aquella sensación de angustia constante que convertía las arañas en una auténtica pesadilla. Sin embargo, Vanicek no consigue transmitir el mismo nivel de terror psicológico ni de agobio o nerviosismo. También es verdad que la propia identidad de ‘Posesión Infernal’ nunca ha residido únicamente en el miedo. La saga siempre ha preferido sorprender con nuevas barbaridades antes que con simples sobresaltos.

En ese sentido, el director francés demuestra haber entendido perfectamente el legado recibido. Sam Raimi eligió personalmente a Vanicek tras quedar impresionado con su anterior trabajo, mientras Bruce Campbell continúa implicado como productor ejecutivo, una presencia que además va mucho más allá del apartado industrial gracias a varios guiños dirigidos directamente a los seguidores más veteranos.

También resulta simpático que el realizador deje pequeñas pinceladas de su procedencia, tanto mediante algunos apuntes musicales como con la elección de un actor que repite con él tras ‘Vermin’ y el fichaje de Souheila Yacoub como protagonista. La actriz suiza, muy vinculada al cine francés gracias a trabajos como ‘Climax’ o la serie ‘No Man’s Land’, aporta una intensidad física que encaja perfectamente con el tono del filme.

Más sangre que mitología, pero un entretenimiento salvaje para los fans

Personalmente, sigo inclinándome hacia la segunda entrega lanzada tras el remake de 2013. Me pareció una película que encontraba un mejor equilibrio entre el espectáculo gore y una historia capaz de sostenerse por sí misma. En ‘Posesión Infernal: En llamas’ el componente familiar vuelve a ocupar buena parte del relato, aunque en esta ocasión el argumento existe principalmente para enlazar una brutalidad con la siguiente.

Quizá por eso se echa de menos una mayor expansión de algunos elementos del universo de la saga, especialmente todo lo relacionado con el círculo de hombres sabios o la mitología kandariana, aspectos que aparecen apuntados pero nunca desarrollados con la profundidad que muchos aficionados agradecerían.

También resulta curioso cómo Vanicek juega deliberadamente con las expectativas del público. En un par de ocasiones parece que va a repetir dos de los momentos más icónicos de la franquicia: la pronunciación de las palabras de invocación y el inevitable protagonismo de la motosierra durante el clímax. Sin embargo, introduce pequeñas fintas cargadas de humor autoconsciente que funcionan bastante bien precisamente porque saben que el espectador espera esos instantes. Rebeldía de autor, supongo.

Eso no impide que el filme caiga en algunos tópicos muy vistos dentro del género. La acción vuelve a desarrollarse prácticamente en una casa decrépita, reaparece el recurso del perro para generar inquietud y tampoco falta ese personaje construido con todos los clichés posibles de la depresión (uñas oscuras, pelo teñido y sudadera con capucha incluida). También repite algunos recursos que hemos visto en ‘La Momia de Lee Cronin’, que se supone que está dentro de este universo, pero aún no llega la ansiada conexión.

Pero cuando uno entra en ‘Posesión Infernal: En llamas’ sabe exactamente qué viene a buscar. Y la película cumple con creces. Es grotescamente divertida, tremendamente salvaje y probablemente una de las entregas más extremas de toda la franquicia. Puede discutirse si supera o no sus predecesoras, pero cuesta negar que Vanicek ha firmado una experiencia tan agotadora como memorable para cualquier amante del horror más descarnado.

Ficha de ‘Posesión infernal: en llamas’

Estreno en España: 17 de julio de 2026. Título original: Evil Dead Burn. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Sébastien Vanicek. Guion: Sébastien Vanicek, Florent Bernard. Música: Xavier Caux, Douglas Cavanna, Double Danger. Fotografía: Philip Lozano. Reparto principal: Souheila Yacoub, Tandi Wright, Hunter Doohan y Luciane Buchanan. Producción: Ghost House Pictures, New Line Cinema, New Zealand Film Commission, Ontario Creates, Screen Gems, Warner Bros. Distribución: Sony Pictures. Género: terror. Web oficial

Análisis de ‘La escalera de Jacob’

Las terribles pesadillas de Jacob llegan a nuestros hogares

Divisa Films nos trae esta estupenda edición de ‘La escalera de Jacob’, una película que sin duda pone los pelos de punta y sigue funcionando muy bien a día de hoy. Además mejorando notablemente la imagen y dejando atrás el grano que tenía la cinta, dando imágenes más claras.

Jacob Singer, está teniendo terribles visiones, cada vez más extrañas que le están volviendo loco. Todo ello, tras regresar de la guerra de Vietnam, y no recordar realmente lo que le ocurrió a su unidad allí.

El tiempo ha hecho que ‘La escalera de Jacob’ se haya convertido en una película de culto, en su momento no se terminó de comprender, esas imágenes tan terribles, terror psicológico que quizás ahora estemos mucho más acostumbrados, hacen que la película de Adrian Lyne vuelva a tener un repunte en la actualidad.

Os dejamos con la galería de fotos de esta edición, que como podéis ver, la ilustración es maravillosa. Y por supuesto con las características técnicas y los extras.

Características técnicas

Disco 1

Imagen: 4K Dolby Vision / 1.85:1 / 114 min.

Audio: Español Mono / Inglés DTS HD MA 5.1 + 2.0 Estéreo

Subtítulos: Español

Disco 2

Imagen: Blu-ray / 1080p HD / 1.85:1 / 114 min

Audio: Español Mono / Inglés DTS MA 5.1 +  2.0 Estéreo

Subtítulos: Español

 

EXTRAS (30 min aprox.)

Disco 1. 4k Dolby Vision

En los peldaños de ‘La Escalera de Jacob’ (VOSE) (27:52 min)

Un contenido muy bien realizado, tenemos entrevistas, reflexiones con el director y diferentes partes del equipo. Todo ello para explicar un poquito mejor hacia donde quiere llevar la película y la historia.

Tráiler (VOSE)

Disco 2 Blu-ray

Galeria de imágenes

Carteles de la película a lo largo de los años.

Crítica: ‘Obsession’

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Terror y comedia se unen para darnos una de las mejores películas del año

Los Simpson siempre han logrado grandes cosas y sin duda lograr influir en la cultura actual es una de ellas. Y os cuento todo esto, porque ‘Obsesión’ viene de una de las historias de ‘La casa-arbol del terror II’, capítulo en el que Homer consigue una mano de mono que cumple deseos.

Aquí no tenemos mano de mono, tenemos otro objeto que hará que el deseo de nuestro protagonista se haga real y consiga sus sueños, o no.

Una premisa ya muy machacada y aun así logra sorprender

Sin duda es lo bueno de ‘Obsession’, que, aunque sepamos de sobra que los deseos nunca hay que pedirlos a la ligera, se sigue haciendo. Y aun así sabemos que no va a salir bien. Bear desencadena un hechizo hacia Nikki, su amor platónico y esta se convertirá en su sombra.

Una historia contada mil veces, una historia donde el amor puede llegar a ser terrorífico si no se controla y sobre todo si llega a convertirse en algo demasiado controlador.

Me gusta como Curry Barker cuenta esta historia, una historia en la que los humanos hacen cosas de humanos sin mirar las consecuencias. Pero no juzga, deja al espectador que juzgue y tenga su propio debate al salir de la sala de cine. Aunque sepamos de sobra quien es el verdadero villano de la película, aun así, nos planta cuatro personajes nada agradables para que tampoco les cojas demasiado cariño a ninguno.

De Youtube a las grandes salas

Curry Barker, es un comediante famoso por sus sketches en su canal de youtube (That’s a bad idea) que ha pasado a convertirse en una de las revelaciones del cine de terror con ‘Obsesión’. Aunque ya antes había creado ‘Milk & Serial’ que lanzó gratuitamente en Youtube. Con ‘Obsession’ logra crear una atmósfera terrorífica pero no se olvida del humor que le caracteriza. Y eso es muy difícil de mantener y lo consigue de manera fluida y sin llegar al ridículo.

Todo ello es gracias al buen guion, que también llega de su mano y por supuesto a los actores que logran mantener la entereza desde el minuto uno. Michael Johnston, es Bear un chico débil, bastante sentimental y también retraído, el cual va evolucionando y desquiciándose según avanza la cinta.

Inde Navarrete, es la encargada de dar vida a Nikky, nos muestra una chica con bastante carácter que en segundos cambia y crea una verdadera pesadilla para todos los que están cerca. Sin duda, estamos ante uno de los grandes papeles del año y es que la actriz está increíble.

Cooper Tomlinson y Megan Lawless, son los otros dos miembros de la pandilla y consiguen mantener esa realidad viendo todo lo que está ocurriéndoles a sus amigos.

Diseño y fotografía vintage

Taylor Clemons es el encargado de la fotografía y es magnífico el trabajo que realiza. Trabajar con tantas sombras, los contraluces que hace dan bastante mal royo y los utilizan bastante bien. Es una película que no utiliza grandes sustos y logra crear malas sensaciones muchas veces gracias a las sombras creadas por Taylor Clemons.

Otro de los puntos fuertes de la película es el diseño de producción, lleno de detalles. La película está ambientada en la actualidad, pero todo lo que tenemos alrededor es bastante vintage, desde la casa donde vive Bear. La antigua casa de su abuela que ni siquiera ha perdido el tiempo en vaciarla o ponerla a su gusto. Algo que nos demuestra la dejadez de este chico hacia la vida. Todo está cuidado hasta el mínimo detalle para que veamos como son nuestros protagonistas y como parecen anclados a un lugar en el que no quieren estar.

Conclusiones

‘Obsesión’ es de estas películas que hay que ver en el cine con gente, disfrutarla, reírte, asustarte y luego debatirla. Porque como he comentado, Curry Barker quiere crear debate y que se hable de la película. Y de momento, solo puedo decir que lo ha conseguido, viendo el gran éxito que ha tenido ‘Obsession’.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de junio de 2026. Título original: Obsession. Duración: 100 min. País: Estados Unidos. Dirección: Curry Barker. Guion: Curry Barker. Música: Rock Burwell. Fotografía: Taylor Clemons. Reparto principal: Michael Johnston, Inde Navarrete, Cooper Tomlinson, Megan Lawless, Andy Richter, Darin Toonder, Chloe Breen. Producción: Capstone Studios, Tea Shop & Film Company, Under the Shell. Distribución: Universal Pictures. Género: Terror, romance. Web oficial.

Análisis de la edición 4K Ultra HD de ‘Send Help’

El agua de mar llega a nuestras casas gracias a Divisa Films y ‘Send Help’

Regresa el Sam Raimi que tanto nos gusta, ese director gamberro que le encanta manchar de sangre fresca a todos sus protagonistas. Ya os hablamos de Send Help (aquí nuestra crítica) y hoy os hablamos de la edición en formato doméstico que nos ha traído Divisa Films.

Qué nos cuenta ‘Send Help’ y que tenemos en esta edición

Nos vamos a una isla desierta donde dos supervivientes de un accidente de avión intentan llevarse bien. Hay un pequeño problema y es que son jefe y trabajadora y deben intentar trabajar juntos para lograr salvarse. Pero está claro, que esto no va a pasar.

La edición 4K Ultra HD + Blu-ray, es una delicia, sobre todo a los que nos encanta adentrarnos dentro de los rodajes gracias a los extras. Y es que esta edición nos trae mas de una hora de entretenimiento, entrevistas y muchas imágenes detrás de las cámaras. Sobre todo vemos a Sam Raimi disfrutando como un niño.

Sin más, os dejamos una pequeña galería de esta edición, abajo, podéis ver también un pequeño vídeo, en el que os comentamos un poquito y podéis ver la edición también.

Características técnicas

Send Help 4K Ultra HD

Imagen: 2160p Alta Definición /2.39:1 / 16×9

Idiomas: .1.4 Dolby Atmos: Inglés / DTS Digital Surround 5.1: Castellano / Dolby Digital Plus 7.1: italiano, Español Latino / Dolby Digital 2.0: Audiodescripción en Inglés.

Subtítulos: Castellano, Italiano, Español Latino, Danés, Finés, Noruego, Sueco, Inglés codificado para sordos.

Send Help Blu-ray

Imagen: 1080p Alta Definición /2.39:1 / 16×9

Idiomas: DTS Digital Surround 5.1: Castellano / Dolby Digital 5.1: Español Latino / DTS-HD MA 7.1: Inglés / Dolby Digital Plus 7.1: Italiano / Dolby Digital 2.0: Audiodescripción en Inglés.

Subtítulos: Castellano, Italiano, Español Latino, Danés, Finés, Noruego, Sueco, Inglés codificado para sordos.

EXTRAS (Casi 2H aprox)

Escenas eliminadas / extendidas (1:17:32)

  • El despacho de Bradley
  • Franklin en la máquina de café
  • Linda en el coche
  • La intro del avión
  • La escena del avión. Versión 1 – guiones gráficos
  • La escena del avión. Visualización con dobles
  • Encontrando agua y a Bradley
  • Cresta alta 1 y bambú
  • Noche de terror, día de hambre
  • La escena del jabalí – visualización con dobles
  • La escena del jabalí con una marioneta
  • Cascada
  • El largo adiós
  • El montaje con las enseñanzas
  • Campamento y baño de bradley extendidos
  • Cueva extendida
  • Paseo, charla y cena
  • Escena de la castración – guion gráfico
  • La cueva de las abejas
  • El regreso de Franklin
  • Prueba de casting

Tomas falsas (06:21 min)

Preparando la caza del jabalí (05:44 min)

Todo lo que liaron para lograr que pareciese lo más real posible. Aunque por supuesto tiene CGI, también hicieron una gran cabeza de este inmenso jabalí.

Del despacho a la isla (6:20 min)

Como dos personalidades tan diferentes cambian al pasar de una oficina a una playa desierta. Quien toma el control y quien lo pierde y como los roles cambian.

Convertirse en Linda Liddle (03:01 min)

Rachel McAdams nos explica como se enamoró de este personaje tan peculiar, como su evolución crea un personaje totalmente nuevo, que realmente estaba en su interior.

Instinto de supervivencia (03:18 min)

SOS: Sonidos de supervivencia (03:50 min)

Danny Elfman nos cuenta lo divertido que ha sido estar en esta producción y se centra bastante en el personaje de Linda, dándole una melodía muy entrañable al principio que poco a poco va evolucionando, sin perder su esencia.

Crítica: ‘El pasajero nocturno’

En qué plataforma ver El pasajero nocturno

El autosop más auto que he visto

André Øvredal lleva años demostrando que es uno de los cineastas más interesantes del terror contemporáneo. Desde el falso documental folclórico de ‘Trollhunter’ hasta la inquietante ‘La autopsia de Jane Doe’, pasando por su peculiar aproximación a ‘Drácula’ en ‘El último viaje del Demeter’, el director noruego ha sabido moverse entre distintos subgéneros sin perder nunca una identidad reconocible. Ahora, con ‘El pasajero nocturno’, se lanza de lleno a un tipo de terror mucho más inmediato, más físico y deliberadamente diseñado para jugar con los nervios del espectador. Y sí, también más cercano a ese cine que muchos desprecian rápidamente como “películas de sustos para adolescentes” porque parecen que se hacen en piloto automático bajo determinados esquemas. El problema es que Øvredal demuestra aquí que incluso dentro de ese molde todavía se puede hacer cine tremendamente eficaz.

Porque ‘El pasajero nocturno’ tiene una idea fantástica desde su propia premisa: una entidad sobrenatural que se cuela en los vehículos de sus víctimas como si estuviera haciendo autostop sin haber sido invitada jamás a subir. Es por eso el autosop más auto que he visto en mi vida. La película convierte una camper, espacio cotidiano asociado a libertad y movimiento, en una trampa cerrada donde cualquier trayecto puede convertirse en una sentencia. Hay algo profundamente incómodo en la forma en la que el filme transforma algo tan rutinario como conducir de noche en una experiencia paranoica.

André Øvredal abraza el terror de sobresalto sin complejos

Lo interesante es que Øvredal no intenta disfrazar lo que está haciendo. No pretende construir un discurso elevado sobre el trauma ni esconder el terror bajo capas de simbolismo excesivamente solemne. ‘El pasajero nocturno’ quiere tensar al espectador, quiere jugar con él y quiere hacerlo saltar del asiento. De manera sincera y sinceramente y lo consigue.

El director demuestra dominio del tempo. Hay escenas construidas con paciencia, dejando que la tensión crezca lentamente antes de romperla con sobresaltos muy medidos. Y lo hace exprimiendo al máximo el cine tipo stalker o persecución sobrenatural, similar a ‘It follows’, ‘Dead end’ o ‘La monja’ de hecho en este filme también está inmiscuido el productor Gary Dauberman. Incluso quienes están muy curtidos en cine de terror probablemente se llevarán tres o cuatro sacudidas genuinas.

El primer gran susto ya deja claras las intenciones de la película, pero hay otra secuencia que es directamente una pequeña lección de suspense moderno. Øvredal exprime los espacios vacíos, la iluminación artificial y la vulnerabilidad cotidiana con enorme precisión. Hay una sensación constante de que cualquier rincón puede convertirse en una amenaza.

Sin embargo, la gran secuencia del filme es otra. La del proyector. Quien haya visto la película sabrá inmediatamente de cuál hablo. Y quien no la haya visto probablemente descubrirá ahí el verdadero corazón creativo de la propuesta. Tengo la sensación de que ‘El pasajero nocturno’ nace a partir de la necesidad de construir esa escena concreta. Como si alguien hubiese imaginado primero esa idea visual y luego hubiese levantado el resto de la película alrededor de ella. No explica nada de la trama ni resuelve el misterio principal, pero sí resume perfectamente el tipo de terror que busca Øvredal: uno basado en la percepción, en la anticipación y en la ansiedad de mirar donde no quieres mirar.

Un filme de esos que inventa reglas sobre la marcha

Eso sí, la película tiene defectos bastante evidentes. El principal es uno muy habitual dentro del terror sobrenatural moderno: las reglas de su universo parecen ir apareciendo e incluso cambiando según lo necesita el guion. La entidad funciona a veces de una manera y otras de otra completamente distinta, y el filme nunca termina de construir una mitología sólida que sostenga todas sus ideas. Hay elementos relacionados con el componente religioso cristiano que aparecen pero que no terminan de desarrollarse de forma realmente consistente.

Y, aun así, funciona. Funciona porque Øvredal entiende perfectamente que el cine de terror no siempre necesita una explicación perfecta para generar sensaciones potentes. La película sabe mantener el ritmo, sabe administrar la adrenalina y, sobre todo, sabe divertirse. Hay incluso momentos de humor inesperadamente efectivos que alivian la presión antes de volver a comprimir el estómago del espectador. El mejor ejemplo es probablemente esa escena del claxon, es absurda y liberadora al mismo tiempo.

Además, el filme conecta bastante bien con cierto retrato generacional contemporáneo. Sus personajes viven buscando experiencias constantes, emociones inmediatas y libertad absoluta, evitando cualquier tipo de atadura emocional o vital. No hay aquí grandes reflexiones filosóficas sobre ello, pero sí una mirada bastante clara hacia una juventud hiperestimulada que necesita sentir algo continuamente y a la vez buscar su lugar en el mundo. La película utiliza ese contexto simplemente como combustible narrativo, no como tesis moralizante.

Terror comercial hecho con auténtico talento

Quizá algunos espectadores encuentren ‘El pasajero nocturno’ superficial o vacía. Y probablemente tengan razón en parte. Pero también sería injusto exigirle una profundidad que jamás promete. Øvredal no está intentando reinventar el género ni construir una obra trascendental. Lo que quiere es fabricar un chorreo de tensión sobrenatural y demostrar que todavía se pueden hacer películas de sustos realmente eficaces en una época donde el público parece inmunizado.

Además, hay pequeños detalles de producción y puesta en escena que refuerzan esa sensación de autoría. Øvredal siempre se esmera por diseñar los sustos desde el lenguaje visual y sonoro antes incluso que desde el guion. Y se nota. Hay planos pensados para manipular la mirada del espectador y secuencias enteras construidas alrededor de silencios incómodos o sonidos aparentemente cotidianos.

Con ‘El pasajero nocturno’, André Øvredal añade otro título sólido a una filmografía cada vez más interesante. Puede que no sea su obra más redonda ni la más compleja, pero sí confirma algo importante: parece dispuesto a demostrar que puede sobrevivir dentro de cualquier variante del terror. Folklore, vampiros, fantasmas, brujas o sustos de manual. Todo pasa por su filtro con una solvencia envidiable.

Ficha de ‘El pasajero nocturno’

Estreno en España: 22 de mayo de 2026. Título original: Passenger. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: André Øvredal. Guion: Zachary Donohue, T.W. Burgess. Música: Christopher Young. Fotografía: Federico Verardi. Reparto principal: Jacob Scipio, Lou Llobell, Melissa Leo. Producción: 18Hz productions, Coin Operated, Pamount Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: terror. Web oficial.

Presentada la 8ª edición del Fantastic 7 en Cannes

Sitges vuelve a convertir Cannes en escaparate del fantástico mundial

El Sitges Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya presentó en el Marché du Film del Festival de Cannes la octava edición de Fantastic 7, una iniciativa que se ha consolidado como uno de los principales escaparates internacionales para descubrir las nuevas tendencias del cine de género.

El proyecto, impulsado por el certamen catalán junto al Marché du Film y el asesor internacional Bernardo Bergeret, reúne cada año siete películas respaldadas por siete festivales de referencia de todo el mundo. La propuesta funciona como una plataforma de visibilidad para títulos todavía en desarrollo o producción, facilitando conexiones con distribuidoras, agentes de ventas e inversores internacionales.

La edición de 2026 estuvo apadrinada por el cineasta japonés Takashi Miike, una figura fundamental del cine de culto contemporáneo, y volvió a demostrar la enorme diversidad del fantástico actual, con proyectos que van desde el folk horror hasta la dark fantasy o la comedia negra.

Siete películas llamadas a dar que hablar

La selección oficial de Fantastic 7 estuvo formada por siete producciones internacionales que representan distintas sensibilidades dentro del género fantástico.

Entre los proyectos destacados apareció ‘La Zona Sombra’, película española de folk horror escrita y dirigida por Marta Medina del Valle. El filme fue presentado por el Festival de Sitges y contó en Cannes con la presencia de la directora, además de los productores Luis Ferrón y Alejandro Millán.

Desde Corea del Sur llegó ‘Last Mankind’, nuevo trabajo del director Huh Gun, respaldado por el Bucheon International Fantastic Film Festival. El proyecto apuesta por una visión futurista y oscura dentro de la ciencia ficción asiática contemporánea.

Otra de las propuestas más llamativas fue ‘Rock, Paper, Sea’, debut de Randa Ali, definido como un drama familiar fantástico con elementos emocionales y sobrenaturales. La película fue presentada por el Cairo International Film Festival.

Terror, humor negro y fantasía oscura en una edición muy diversa

Fantastic 7 también dejó espacio para propuestas más desenfadadas y experimentales. ‘Metalheads vs The Witnesses’, codirigida por Wicho Rivera y Cabe Tejada, mezcla terror y comedia negra en una producción presentada por el Guadalajara International Film Festival.

El terror brasileño estuvo representado por ‘The Veil’, de Gabriel Motta, mientras que Italia participó con ‘Ting’, una producción de dark fantasy dirigida por Maximilien Dejoie y presentada por el PÖFF – Tallinn Black Nights Film Festival.

La selección la completó ‘The Coward at Kettle Creek’, proyecto estadounidense firmado por Noah Stratton-Twine y Jake Kuhn, jóvenes realizadores independientes que apuntan a convertirse en una de las nuevas voces del fantástico norteamericano.

Networking internacional para impulsar el cine de género

Tras la presentación oficial celebrada en el Palais des Festivals, Fantastic 7 organizó una nueva edición de su encuentro profesional ‘Meet the Fantastic 7’ en el Fantastic Pavilion. La actividad permitió conectar a los responsables de los proyectos con distribuidoras, agentes de ventas y compañías internacionales interesadas en nuevas producciones de género.

Con esta iniciativa, el Festival de Sitges continúa reforzando su papel como uno de los grandes motores del cine fantástico internacional, no solo como escaparate de estrenos, sino también como plataforma activa para el desarrollo y la circulación de nuevos proyectos.

Crítica: ‘Hokum’

En qué plataforma ver Hokum

Con ‘Hokum’ los mitos y fantasmas irlandeses encuentran la forma de instalarse dentro del espectador

Esta película viene para reafirmar el gran potencial de un autor, porque de momento es eso, autor pues no responde a exigencias comerciales pese a contar con el estudio de ‘Longlegs’ y los productores de ‘Weapons’. Él es Damian McCarthy. En su día os avisamos con ‘Caveat’ y convencimos a otros muchos con ‘Oddity’ de que este director es un gran generador de historias y atmósferas tensas y terroríficas. Ahora con ‘Hokum’ reincidimos con energía, ved las películas de este irlandés.

La premisa puede ser arquetípica, un escritor busca apartarse del mundanal ruido y las distracciones para escribir su nueva novela. Esta es la excusa perfecta para desplazarse al lugar donde sus padres pasaron su luna de miel. Con esto llega un gran acierto de la película, parece que todo es más superficial o casual, pero responde a inquietudes más profundas. El hecho de que la acción suceda en las apartadas tierras irlandesas rememora inevitablemente a la figura de Bram Stoker (archiconocido autor de ‘Drácula’ nacido en Irlanda que dio a luz a su obra maestra en pequeños pueblos de la costa británica).

El protagonista interpretado por Adam Scott es irascible, borde y amargado. Eso responde a algo muy importante, que no voy a desvelar. Pero ese carácter sombrío aporta para desarrollar el terror de manera eficiente y no solo con sustos, sino con un desarrollo emocional. Todo responde a una historia de perdón personal y evolución, lo cual, se traduce en última instancia en un desbloqueo artístico y creativo.

El terror como reflejo de la culpa y la identidad

Lo verdaderamente interesante de ‘Hokum’ no es que Damian McCarthy vuelva a demostrar que domina el sobresalto o la atmósfera malsana (que lo hace), sino cómo consigue que todos los elementos sobrenaturales tengan un eco psicológico. El director irlandés entiende que el horror funciona mejor cuando las entidades, leyendas o apariciones no son únicamente amenazas externas, sino materializaciones de heridas internas.

La película juega continuamente con la frontera entre lo tangible y lo emocional. El hotel aislado, los pasillos húmedos, las habitaciones selladas y la sensación constante de podredumbre moral no solo sirven para construir tensión, sino para reflejar el estado mental del protagonista. Ohm Bauman (el personaje de Adam Scott) es alguien incapaz de escapar de sí mismo. Aunque viaja buscando silencio y concentración creativa, lo que realmente encuentra es una confrontación inevitable con aquello que ha reprimido durante años.

Aquí es donde McCarthy demuestra una inteligencia narrativa muy superior a la media del terror contemporáneo. Otros directores habrían convertido la película en una sucesión de sustos y criaturas extrañas. Él utiliza esos recursos para hablar de culpa, bloqueo emocional y trauma. El horror en ‘Hokum’ no nace exclusivamente de la amenaza física, sino de la incapacidad del personaje para procesar el dolor y aceptar responsabilidades.

En ese sentido, el filme conecta de manera brillante con la tradición del folk horror europeo. Hay algo profundamente ancestral en cómo la película plantea el choque entre el racionalismo moderno y el peso de las supersticiones locales. El protagonista llega a Irlanda con cinismo estadounidense, con una mirada descreída y práctica. Pero el entorno parece rechazar esa actitud. Los lugareños, las historias transmitidas oralmente y la propia geografía convierten el paisaje en una entidad hostil y antiquísima.

McCarthy vuelve a demostrar además su obsesión por los espacios cerrados y opresivos. Igual que ocurría en ‘Caveat’ o ‘Oddity’, aquí los pasillos estrechos, los sótanos y las habitaciones clausuradas generan una sensación enfermiza de encierro. Incluso cuando el personaje está al aire libre, Irlanda parece tragárselo. Hay barro, niebla, lluvia y vegetación húmeda por todas partes. La naturaleza nunca transmite paz, sino decadencia.

Conejos, folklore gaélico y el regreso de los fantasmas de McCarthy

A parte de la constante referencia a los conejos espeluznantes hay otras pautas que se repiten en la obra de McCarthy. Hay una mezcla de racionalidad moderna con superstición local y folklore antiguo, muy propia tanto de Stoker como de sus películas. En este caso lo que se maneja en ‘Hokum’ es el Cailleach, la figura de la mitología gaélica asociada al invierno, la vejez y encargada de traer el frío y las tormentas desde el Samhain, de ahí que la película se ambiente en Halloween.

Lo fascinante es que McCarthy jamás utiliza estos elementos mitológicos como simple decoración estética. El Cailleach funciona como símbolo de deterioro, culpa y muerte emocional. La película nunca necesita verbalizar demasiado sus metáforas porque todo está integrado en la puesta en escena. El clima, el deterioro del hotel y las propias criaturas parecen responder al estado psicológico del protagonista.

También resulta muy interesante cómo el director continúa desarrollando obsesiones visuales y temáticas que ya estaban presentes en sus trabajos anteriores. Los fans del cineasta encontrarán nuevamente figuras inquietantes inmóviles durante demasiado tiempo, objetos aparentemente inocentes convertidos en focos de tensión insoportable y salas que están pidiendo a gritos sal de aquí.

Los conejos, por supuesto, merecen mención aparte. Ya se habían convertido en una imagen recurrente dentro de su imaginario, especialmente tras ‘Caveat’, y aquí vuelven transformados en símbolos perturbadores que mezclan ternura deformada y amenaza subconsciente. Es uno de esos detalles que podrían parecer arbitrarios en otro director, pero que en McCarthy forman parte de una iconografía propia debido a un trauma de su propia infancia.

Además, ‘Hokum’ posee algo que el terror moderno suele olvidar: personalidad. Incluso cuando recurre a estructuras conocidas (la posada maldita, el huésped atormentado, la habitación prohibida), la ejecución tiene una sensibilidad muy concreta. La fotografía húmeda y sombría, el diseño sonoro agresivo y la forma de administrar el silencio convierten muchas escenas en ejercicios de pura tensión atmosférica. Y sí, hay jump scares. Pero están construidos con paciencia y precisión. McCarthy comprende que el susto funciona mejor cuando primero ha conseguido que el espectador se sienta incómodo. El sonido juega un papel esencial en ello, igual que la composición visual y la utilización enfermiza de la profundidad de campo.

‘Hokum’ no inventa el folk horror ni redefine el cine de fantasmas, pero sí confirma algo mucho más importante: Damian McCarthy empieza a poseer una voz completamente identificable dentro del terror contemporáneo. En una industria obsesionada con franquicias y fórmulas repetidas, eso vale muchísimo más que cualquier giro sorprendente. Porque al final, cuando termina la película, lo que permanece no son únicamente las imágenes terroríficas o los sobresaltos. Lo que se queda contigo es esa tristeza húmeda y enfermiza que recorre toda la obra. Como si Irlanda, sus mitos y sus fantasmas hubiesen encontrado una forma de instalarse dentro del espectador.

Ficha de ‘Hokum’

Estreno en España: 15 de mayo de 2026. Título original: Hokum. Duración: 101 min. País: Irlanda. Dirección: Damian McCarthy. Guion: Damian McCarthy. Música: Joseph Bishara. Fotografía: Colm Hogan. Reparto principal: Adam Scott, Peter Coonan, David Wilmot, Florence Ordesh, Will O’Connell, Michael Patric. Producción: Imagenation Abu Dhabi FZ, Tailored Films. Distribución: Beta Fiction Spain, Madfer Films. Género: terror. Web oficial.

Análisis de pack de Blu-ray de ‘Black Phone’

Black Phone llega a nuestras casas gracias a Arvi Licensing

Joe Hill sin duda es uno de los escritores de terror y ciencia ficción actuales que llevan ideas bastante originales a la pantalla y por supuesto al formato libro. Pero claro, que os puedo decir de él. Es que estamos hablando del hijo de Stephen King. Creador de novelas como ‘Horns’ o ‘NOS4A2’. Ambas llevadas a la gran y pequeña pantalla.

Si, Joe Hill es maravilloso, pero si encima, le unimos con Scott Derrickson, director de la estupenda ‘Sinister’ o ‘Doctor Strange’, ¿qué más podemos pedir? Gracias a ellos dos llega a nuestras pantallas ‘Black Phone’ y Arvi Licensing nos trae un estupendo pack con las dos películas de terror.

Os dejamos unas cuantas fotos de la edición en Blu-ray y también todas las características y extras de las películas.

 

Black Phone

Un sádico asesino secuestra a Finney Shaw, un chico tímido e inteligente de 13 años y le encierra en un sótano insonorizado, donde de nada sirven sus gritos. Cuanto un teléfono roto y sin conexión empieza a sonar, Finney descubre que a través de él puede escuchar las voces de las anteriores víctimas, las cuales están decididas a impedir que Finney acabe igual que ellas.

Pantalla: 2.39:1 Widescreen

Audio: Castellano y Español Latinoamericano DTS-HD High REsolution Audio 7.1; Inglés DTS-HD Master Audio 7.1

Subtítulos: Castellano, Inglés para sordos, Mandarín Complejo, Checo, Danés, Finés, Coreano, Español Latinoamericano, Noruego, Polaco y Sueco

Este Blu-ray  no contiene extras.

Black phone 2

Ahora con 17 años, Finn sigue lidiando con las secuelas de su cautiverio, mientas su hermana pequea Gwen, una decidida adolescente de 15 años, comienza a experimentar visiones y recibir llamadas en sueños desde el misterioso teléfono. Las señales apuntan a tres chicos en peligro en un campamento de invierno llamado Alpine Lake.

Imagen: 2.39:1 Widescreen

Audio: Castellano y Francés Dolby Digital Plus 7.1; Inglés Dolby Atmos; Servicio de Autodescripción en Francés.

Subtítulos: Castellano, Inglés para sordos, Danés, Finés, Holandés, Francés, Noruego y Sueco.

EXTRAS

Escenas eliminadas (7:47 min)

  • Gwen and Ernesto hablando en la librería
  • Mustang talks to group
  • Mando Talks about The camp Closing
  • Mustang and Gwen Talk in the chapel
  • Ernesto and Gwen Kiss
  • Gwen Prays
  • Ken And Barb ask Gwen and Finn to come back

Conectados. El reparto de Black Phone 2 (10:33 min)

Entrevistas con el reparto de la película, con el director, rememorando la primera película y contando lo contenstos que estaban por volver a este mundo de pesadillas.

Una historia tallada en el hielo (10:45 min)

Vemos varias entrevistas y bastante tema de efectos especiales.

Congelado en el tiempo (10:12 min)

Crítica: ‘La Plaga’

En qué plataforma ver La Plaga

 Una cinta muy cruda, real y demasiado actual

Después de que causase furor en Cannes 2025, donde se presentó en la sección Un Certain Regard, ganadora a Mejor Reparto Masculino en el Festival de Sitges 2025 y también ganadora de DGA Award a Mejor dirección Revelación, llega la ópera prima de Charlie Polinger, ‘La Plaga’.

Una película demasiado actual que a más de uno le pondrá los pelos de punta. Terror realista, donde el bullying es el gran protagonista.

La Peste, la plaga, todo es lo mismo

Nos vamos a un campamento de waterpolo, ¡Bien!, felicidad y jolgorio. Todo sería así, si no fuese porque para Ben va a ser un maldito infierno desde el principio. Todos los niños que ahí allí se conocen, el es el nuevo y por alguna sinrazón comienzan a acosarle, a decir que tiene La Plaga y no querer acercarse a él por ser contagioso.

La historia es dura, sobre todo cuando todos hemos visto desde los ojos infantiles este tipo de situaciones. Cuando se jugaba a La Peste y te tocaba ser el apestado, te quedabas todo el día en el recreo solo/a y sin que nadie quisiese acercarse. Si que es cierto, que quizás en mi experiencia era un juego real en el que todos éramos cómplices, todos pasábamos por ese momento porque era un juego, y si incomodaba, o nuestro amigo/a se sentía mal el juego se terminaba. Aun así, ahora visto con ojos de adulto, me parece terrible un juego así, en el que durante un día, estabas solo/a.

En ‘La Plaga’ lo vemos en una escala bastante más grande y es que solo es una persona que no es capaz de defenderse, todos van a por el y todos le ignoran o huyen para no coger su “enfermedad”. El problema viene cuando la ansiedad decide actuar sobre el cuero de Ben y le aparecen unas extrañas manchas.

Dureza y realidad

Creo que la película muestra una realidad demasiado cruel y que se ha ido de las manos a mucha gente. En ‘La Plaga’, vemos como los monitores, esos adultos en los que todo niño confía, no son capaces de parar nada. Bajo palabras como ‘son cosas de niños’, ‘te tienes que defender’ o cosas que hemos escuchado todos, vamos viendo, como dejan que un montón de “matones” maltraten a un chaval débil y logren desquiciarlo.

‘La Plaga’ es dura, la verdad que lo pasas mal viéndola y la veo muy necesaria para que la gente, padres, monitores, profesores, se den cuenta de que no son cosas de niños, de que esto se les puede ir de madre y hacer que los traumas queden para siempre en ese futuro adulto/a y realmente sea demasiado tarde.

Charlie Polinger, dirige y escribe esta historia terrorífica que sin duda no sería nada si no fuese por el pedazo reparto de chavales que tiene. Rebecca Dealy, encargada del casting de actores, sin duda hizo un trabajazo y logró encontrar a unos actorazos. Everett Blunck con su delicadeza, nos muestra con los movimientos de su cuerpo, los gestos de su cara todo el estrés y ansiedad que tiene Ben cuando llegan sus compañeros. Kayo Martin logra que le odiemos, un personaje que sin duda borda, este papel le dio el Independent Spirit Award a Mejor Interpretación Revelación, sin duda merecida.

Terror realista

Recuerdo cuando vi la película en el Sitges Festival de 2025, me llevé un poco de chasco, porque yo me esperaba una película con elementos fantásticos. Me encontré una realidad cruda y difícil de asimilar en ese momento. Pero sin duda ‘La Plaga’ es una película de terror, como he dicho, muy real y por desgracia demasiado actual.

 Ficha de la película

Estreno en España: 30 de abril de 2026. Título original: The Plague. Duración: 95 min. País: Australia. Dirección: Charlie Polinger. Guion: Charlie Polinger. Música: Johan Lenox. Fotografía: Steven Breckon. Reparto principal: Everett Blunck, Jayo Martin, Kenny Rasmussen, Lucas Adler, Caden Burris, Elliott Heffernan, Lennox Espy, Joel Edgerton, Kolton Lee. Producción: Spooky Pictures, Imagenation Abu Dhabi FZ, The Space Program. Distribución: Youplanet. Género: Drama. Web oficial: https://youplanetdistribution.com/movie/la-plaga/

Crítica: ‘La ahorcada’

En qué plataforma ver La ahorcada

La obsesión no es buena amiga de la vida

El terror vuelve a nuestras salas de la mano de ‘La ahorcada’. Una historia con un fantasma de estos violentos que mejor sacarla de casa cuanto antes.

El amor fou y sus terribles consecuencias

Rosa Martín, una cantautora, se suicida en el jardín de su representante y amante Fran. La historia sería sencilla, si no fuese, porque Rosa no se marcha, se queda en aquella casa como fantasma acosador. No solo le hace la vida imposible a Fran, si no que también intentará captar la atención de sus hijas.

Una película que de verdad me ha parecido entretenida, no me he aburrido ni un momento, pero creo que en este caso hubiese sido una buena opción hacerla en miniserie. Va demasiado rápido para contar todo lo que quiere y supongo que es por falta de tiempo. Una pena, porque creo que la historia tenía bastante potencial.

Nos habla de lo malo del amor obsesivo, de como nos hacemos unas ideas en la cabeza que no son y al final se nos puede ir todo de las manos.

La novela y sus protagonistas llevados a la gran pantalla

Mayte Navales, escritora de la novela, es la encargada de escribir el guion de esta película. Creo que hace buen trabajo, como digo, para el poco tiempo del que dispone. Se nota mucho, que el tramo final, un giro bastante interesante, necesitaba más para poder haberse desarrollado de mejor manera. Por eso, mi apunte anterior, a que pienso que si hubiese sido una miniserie, la historia hubiese estado mucho mejor contada.

Miguel Ángel Lamata es el encargado de dirigir esta cinta. Ha dado un salto bastante valiente al dirigir esta cinta en la que vemos terror, thriller y amor obsesivo. Ya que estamos acostumbrados a verle en comedias.

En el reparto encontramos a Amaia Salamanca, como este fantasma ocupa que les va hacer la vida imposible a esta familia. Eduardo Noriega, Cosette Silguero y Anastasia Fauteck son los encargados de dar vida a esta familia al completo.

Localizaciones y final

La casa y su jardín son los otros protagonistas de la película. Una casa rústica, moderna y con bastante oscuridad en su interior. El ambiente de la película está bastante cuidado, con una fotografía bastante tenebrosa en general.

‘La ahorcada’ es un entretenimiento curioso con un giro a mitad de película bastante curioso. Ya que en mi caso, pensé que iba a ir por unos derroteros bastante diferentes y me ha logrado sorprender, sin ser una película perfecta.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de abril de 2026. Título original: La ahorcada. Duración: 91 min. País: España. Dirección: Miguel Ángel Lamata. Guion: Mayte Navales. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Teo Delgado. Reparto principal: Amaia Salamanca, Eduardo Noriega, Cosette Silguero, Norma Ruiz, Anastasia Fauteck. Producción: Bemybaby Films, Imposible Films, El Árbol y el Ruiseñor, RTVE. Distribución: Filmax. Género: Terror. Web oficial.