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Crítica: ‘El otro Chiquito’

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Arrojando luz sobre un caso que adquirió el estatus de leyenda urbana

Hay documentales que recuperan una historia olvidada y otros que directamente abren un cajón de nuestra memoria colectiva que parecía cerrado a cal y canto y que en muchas conversaciones se tiñe de leyenda urbana. ‘El otro Chiquito’ viene para desmentir bulos o verdades asumidas sobre un caso que llega hasta lo más profundo del ADN del español de los 90. Y tiene, además, una premisa de partida irresistible: ¿qué demonios ocurre cuando alguien imita a uno de los mayores fenómenos cómicos de la España reciente hasta el punto de que el asunto termina en los tribunales?

Con Diego San José detrás del guion y de la concepción del proyecto, el equipo creativo podría haber construido una comedia desmadrada. No habría faltado material. Entre sus responsables encontramos títulos como ‘El crítico’, ‘Vamos Juan’, ‘Mala persona’ u ‘Ocho apellidos vascos’. Sin embargo, ‘El otro Chiquito’ opta por algo bastante más inteligente: contener la carcajada para mirar a Chiquito de la Calzada con una mezcla de cariño, respeto y cierta solemnidad.

El centro de la historia es el conflicto entre Gregorio Sánchez y los responsables de Lucas Grijander, el personaje interpretado por Florentino Fernández en ‘Esta noche cruzamos el Mississippi’. El parecido no era precisamente sutil: Chiquitistán, el “torpedo pecador”, “hasta luego Lucas”, el lenguaje inventado, el deje flamenco, los movimientos, las camisas y hasta esa manera imposible de construir una frase. Resultaba difícil no pensar en plagio. Pero ahí está precisamente la gracia del documental: preguntarse dónde termina la imitación y empieza la propiedad intelectual.

Jarl, comor y la España de los noventa

La película utiliza el litigio como columna vertebral, pero no se queda en el juzgado. Hace una radiografía bastante certera de aquella España de principio y mediados de los noventa en la que Chiquito pasó de ser un cómico veterano a convertirse en un fenómeno transversal. Los tazos, los discos de bakalao, los programas de chistes, las campanadas y la televisión convertida en fábrica de personajes ayudan a comprender por qué aquello podía parecer una gallina de los huevos de oro.

Por el documental desfilan Ramón García, Juan y Medio, Mariola Cubells, Sergio Mora, Pedro Alarcón, Celia Villalobos, Manolo Sarria, Mario Conde o Nieves Herrero, además de juristas y periodistas. Y aparecen dos testimonios especialmente jugosos: Pepe Navarro y Florentino Fernández. No conviene destripar qué defiende o reconoce cada uno, pero sí señalar que el retrato de Navarro como figura crápula televisiva capaz de perseguir audiencia sin filtros añade una reveladora dimensión al conflicto.

También resulta fascinante recordar hasta qué punto aquellas coletillas aparentemente absurdas (“jarl”, “comor”, “te das cuen”, “al ataquer”) se incorporaron al habla popular. Chiquito no solo hacía chistes: estaba construyendo un código lingüístico. Décadas de imitaciones posteriores y hasta el interés de lingüistas demuestran que aquello trascendió la televisión y varias décadas.

Un juicio tan absurdo como revelador

Uno de los mayores aciertos de ‘El otro Chiquito’ consiste en no convertir el juicio en una simple anécdota televisiva. Hay mucho de leyenda urbana alrededor de aquel proceso: si realmente hubo juicio, quién ganó, qué se llegó a decir en la sala y hasta si los términos del universo Chiquito tuvieron que ser pronunciados ante un juez e incluso si estos causaron la risa generalizada.

El documental juega con esa incredulidad y recupera la dimensión casi surrealista de una vista en la que llegaron a entrar en escena las famosas muletillas del humorista. Pero, bajo la carcajada, aparece una cuestión mucho más seria: ¿puede alguien apropiarse de un personaje que ha creado, de sus gestos, de su forma de hablar y de sus gags? ¿Es robar imitar a un famoso cuando esa imitación genera dinero? ¿Dónde queda la parodia? ¿Habría sido diferente con las leyes de protección a los autores que hay hoy en día y que ponen multas que no las quitan ni Perry Mason?

Quizá lo más triste sea que Chiquito no esté aquí para participar en este ejercicio de memoria. ‘El otro Chiquito’ llega cuando ya no puede defender su propia versión de los hechos, pero consigue algo importante: devolverle la voz dentro de un relato que durante años estuvo dominado por la anécdota. Y dicho sea de paso, hacer que las generaciones más jóvenes nos entiendan a los nacidos en los sesenta, setenta y ochenta cuando decimos eso de “eres un fistro”.

Más que un documental sobre un juicio, estamos ante una película sobre la propiedad de la cultura popular. Y también sobre una época en la que un señor de Málaga consiguió que toda España hablara como él y como la gente del Huelin. Eso, por la gloria de mi madre, no lo consigue cualquiera, ¿te das cuen?

Ficha de ‘El otro Chiquito’

Estreno en España: 1 de octubre de 2026. Título original: El otro Chiquito. Duración: 77 min. País: España. Dirección: Javier Morales, Juan Zavala. Guion: Diego San José, Javier Morales, Juan Zavala. Música: Lucas Vidal. Fotografía: Lati Maraña. Reparto principal: Pepe Navarro, Florentino Fernández, Ramón García, Juan Y Medio, Manolo Sarria, Celia Villalobos, José Mercé, Paz Padilla, Manuel Jabois, Luz Sánchez-Mellado, Nieves Herrero, Manuel Campo Vidal, Mariola Cubells. Producción: Globomedia, Movistar Plus+. Distribución: Movistar Plus+. Género: documental, comedia. Web oficial.

Crítica: ‘El ser querido’

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Bardem y Luengo: un duelo a pecho descubierto entre dos monstruos de la interpretación

Rodrigo Sorogoyen vuelve a demostrar en ‘El ser querido’ que pocos directores españoles contemporáneos poseen su capacidad para convertir una conversación aparentemente cotidiana en un campo de minas emocional y de continuo debate. La película reúne a un director de cine y a su hija actriz después de trece años de distancia, y hace del rodaje de una película en Fuerteventura el territorio donde ambos mezclan lo profesional, lo familiar y aquello que llevan demasiado tiempo sin decirse.

La primera secuencia ya funciona como declaración de intenciones. Ese encuentro en un restaurante, prolongado durante yo diría que más de diez minutos, demuestra que Sorogoyen sigue siendo un As cuando se trata de incomodar al espectador y rascar las capas de sus personajes hasta conseguir que terminen hablando a pecho descubierto. La cámara se aproxima constantemente, el espacio parece encogerse y la tensión nace tanto de lo que se dice como de lo que permanece suspendido entre ambos.

El problema es que, a diferencia de ‘As Bestas’, donde prácticamente cada escena añadía una nueva capa de violencia, amenaza o significado, aquí existe una sobrecarga de secuencias que no siempre parecen justificar su existencia narrativa. Hay momentos en los que da la impresión de que Sorogoyen se está dando un gustazo como director. Son escenas poderosas, tensas y magníficamente interpretadas, pero no necesariamente necesarias.

Cuando el cine se convierte en espejo

Da la sensación de que ‘El ser querido’ está construida alrededor de cuatro o cinco grandes secuencias extraordinariamente alargadas. Y casi todas funcionan porque Bardem y Luengo consiguen convertir cada conversación en una batalla. Sin embargo, la reiteración termina pasando factura: la conclusión a la que llegamos en los últimos compases no difiere demasiado de aquello que ya habíamos comprendido al comienzo. Sí existe una evolución en la relación entre ambos, pero no siempre una evolución equivalente en lo que la película nos cuenta sobre ellos.

Aquí adquiere especial interés una de las ideas que atraviesan el filme: que todo director introduce algo personal en sus obras. Sorogoyen parece tomarse esa premisa al pie de la letra y exteriorizar, sin casi esterilización, algunas de sus inquietudes sobre el cine, la creación, la familia, la culpa y el modo en que construimos el relato de las personas públicas.

La comparación con ‘Valor sentimental’ resulta inevitable por la figura del padre ausente, el intento de redención, el aprovechamiento de una situación profesional para recomponer una relación, la presión de los rodajes, la necesidad de sentirse realizado, los valores vitales y hasta el nepotismo… Pero la película de Joachim Trier aprovecha mejor sus minutos y desarrolla de un modo más claro toda la evolución de su discurso. Aún así hay algo especialmente interesante en que una película sobre la legitimidad de las herencias familiares esté dirigida por Sorogoyen, nieto del cineasta Antonio del Amo, y protagonizada por Javier Bardem, heredero de una de las grandes dinastías interpretativas españolas. Del Amo dirigió, entre otras películas, varias protagonizadas por Joselito; Bardem, por su parte, pertenece a una saga que arranca con Rafael Bardem y Matilde Muñoz Sampedro y continúa con Pilar Bardem.

Bardem y Luengo contra las zonas grises

Las interpretaciones son, sin duda, la principal razón para permanecer dentro de ‘El ser querido’. Javier Bardem está imponente, capaz de pasar de la arrogancia al desamparo y de la calidez a lo iracundo sin que ninguna de sus caras contradiga a las demás. Esa versatilidad permite que nuestra relación de amor y odio con su personaje vaya mudando de posición junto con la protagonista interpretada por Victoria Luengo.

Luengo no se queda atrás. Su personaje es como un gato que, llevado por la curiosidad, acerca la mano a un fuego que añora y siente cálido, aunque sabe que ese mismo fuego puede volver a quemarla. Sorogoyen la coloca en situaciones de reacción casi instintiva, como si jugara por momentos a un De Niro de ‘Taxi Driver’ y Luengo responde con una mezcla extraordinaria de visceralidad contenida y vulnerabilidad.

También resulta significativo el acercamiento lateral al conflicto saharaui a través de la película que están rodando, lo cual supongo que habrá sido aliciente para ambos actores pues siempre se han mostrado comprometidos con diversas causas de esta índole. La película no trata sobre el tema pero colocarlo en segundo plano es otra manera de mantenerlo vivo.

La herencia europea de un cine incómodo

Formalmente, además, vuelve a sentirse la influencia francesa y del cine europeo contemporáneo. Las zonas grises de la moral, tan presentes en Haneke o Dominik Moll, interesan a un Sorogoyen que convierte la película en un pulso constante de moralismos. La ausencia de música extradiegética en determinados pasajes, los planos largos y nerviosos y esa cámara que parece buscar siempre el lugar más incómodo recuerdan incluso al nervio físico de los hermanos Dardenne.

Sin duda el mercado al que va dirigido ‘El ser querido’ es el europeo. Aunque no alcanza la precisión o el impacto de ‘As Bestas’, porque a veces confunde intensidad con acumulación, Sorogoyen exhibe músculo y permite que Bardem y Luengo se miren, se hieran y se necesiten. Sin duda, en la actualidad de nuestro cine, es el cineasta que mejor sabe convertir una conversación en una herida abierta.

Ficha de ‘El ser querido’

Estreno en España: 26 de agosto de 2026. Título original: El ser querido. Duración: 135 min. País: España. Dirección: Rodrigo Sorogoyen. Guion: Isabel Peña, Rodrigo Sorogoyen. Música: Olivier Arson. Fotografía: Álex de Pablo. Reparto principal: Javier Bardem, Victoria Luengo, Raúl Arévalo, Marina Foïs, Mourad Ouani, Raúl Prieto, Melina Matthews, Laura Birn, Nuria Prims, Pablo Gómez-Pando, Pepa Gracia, Malena Villa. Producción: Caballo Films, Movistar Plus+, El ser querido, La Pacte, Canal+, Comunidad de Madrid, Crea SGR, ICEC, ICAA, Triodos Bank. Distribución: A Contracorriente Films, Movistar Plus+. Género: drama. Web oficial.

Crítica: ‘Los mejores años de nuestra vida’

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El mito de una amistad que ha traspasado décadas y fronteras

No voy a ser yo uno de tantos críticos de los Hombres G que les heche por tierra su siempre auto-atribuída rebeldía o irreverencia. Yo los escuché de niño y cuando fui desarrollando mi gusto me pasó como con La Fuga o Maná, que me harté de la repetitividad de sus leitmotivs. Pero hay una cosa, varias de hecho, que no se pueden negar al margen del gusto de cada uno. Y son el éxito, las ventas, las legiones de fans, la perdurabilidad en el tiempo… ‘Los mejores años de nuestra vida’ es un documental para aquellos amigos, fieles al grupo, que aún están ahí y que mantienen vivo el mito de esta banda.

Dirigida por Charlie Arnaiz y Alberto Ortega, se articula como un ejercicio de memoria profundamente emocional y estratégicamente construido. Lejos de limitarse a la cronología habitual del ascenso, caída y legado de una banda, el documental opta por una lectura mucho más íntima: la de un grupo de amigos que, casi sin pretenderlo, terminaron definiendo una era del pop español. Esa elección no es casual, ni inocente (de hecho, condiciona toda la estructura del relato).

Montaje ágil para subirse al carro de estos cuatro incansables

Desde el punto de vista formal, el trabajo de montaje y los recursos visuales que complementan el material de archivo resultan sobresalientes. En este sentido, la película se sitúa en una línea muy similar a ‘Raphaelismo’, anterior obra de los mismos directores, donde ya demostraban una notable capacidad para dinamizar material preexistente mediante soluciones gráficas y decisiones de ritmo muy contemporáneas. Aquí, ese lenguaje se afila aún más para reforzar la identidad “gamberra” que siempre han reivindicado los propios miembros de la banda.

El tono general está impregnado de humor, bromas internas y anécdotas que funcionan tanto como vehículo narrativo como herramienta de caracterización. No se trata solo de contar qué hicieron, sino de cómo eran (y siguen siendo). Esa constante sensación de camaradería convierte la película en algo más que un documental musical: es, en esencia, una historia de amistad sostenida en el tiempo. No es casual que el tema inédito que da título al filme esté concebido no como síntesis de una carrera, sino como declaración de principios de unos colegas que querían, en sus propias palabras, “provocar y divertir”, con referentes tan explícitos como Siniestro Total o Los Nikis.

Subjetividad y relato controlado

Ahora bien, conviene no perder de vista que ‘Los mejores años de nuestra vida’ es un documental profundamente subjetivo (y, en cierto modo, autoconsciente de ello). La narrativa está construida casi exclusivamente desde la perspectiva de los propios miembros de Hombres G y su entorno inmediato: músicos, técnicos, acompañantes de gira. Este enfoque aporta cercanía, sí, pero también limita el espectro crítico.

Se echa en falta la inclusión de voces disonantes. Durante años, la banda fue objeto de críticas que los tildaban de “pijos” o representantes de una juventud acomodada, los llamados niños bien. El documental opta por no confrontar directamente esas percepciones. Habría sido especialmente interesante incorporar testimonios de contemporáneos o “rivales” musicales que contextualizasen, por ejemplo, ciertas decisiones que el grupo interpretaba como provocadoras, como el caso de la censura en la canción ‘Mamón’. Ese contraste habría enriquecido el discurso, añadiendo capas de lectura más complejas.

Sin embargo, esta ausencia no invalida el impacto del documental. Los datos objetivos (ventas millonarias, múltiples números uno, giras multitudinarias, el salto a América) están ahí y son incontestables. La película no pretende desmontar el mito, sino consolidarlo desde dentro.

Archivo, intimidad y pequeñas revelaciones

Uno de los aspectos más sorprendentes del filme es la meticulosidad con la que los miembros del grupo han conservado su archivo personal. Grabaciones caseras, fotografías, documentos y manuscritos que permiten construir un relato extremadamente cercano, casi doméstico. Esta abundancia de material no solo facilita la tarea de los directores, sino que dota al documental de una textura íntima poco habitual en producciones de este tipo.

Es precisamente en esos detalles donde la película encuentra algunos de sus momentos más reveladores. Incluso para espectadores que han crecido escuchando sus canciones de forma tangencial, hay descubrimientos inesperados. Uno de los más llamativos es la implicación de Juan y Medio como manager en distintas etapas, acompañando al grupo en varias giras, un dato que ilustra bien el carácter casi improvisado (y a la vez sorprendentemente estructurado) de su trayectoria.

Quizás ‘Los mejores años de nuestra vida’ es un documental definitivo sobre Hombres G, sobre todo si pensamos en los fans. Celebra la complicidad, el paso del tiempo y la capacidad de la música para construir identidades colectivas. Puede que no responda a todas las preguntas, pero sí consigue algo más difícil: que el espectador entienda por qué estas cuatro personas siguen juntas después de tantos años.

Ficha de ‘Los mejores años de nuestra vida’

Estreno en España: 8 de mayo de 2026. Título original: Los mejores años de nuestra vida. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Charlie Arnaiz, Alberto Ortega. Guion: Charlie Arnaiz, Alberto Ortega, Myriam Casín, Emilio González, Mercedes Cantero. Música: Hombres G. Fotografía: Juan Luis Cabellos, Willy Jauregui. Reparto principal: David Summers, Dani Mezquita Hardy, Rafa Gutiérrez Muñoz, Javier Molina. Producción: A Contracorriente Films, Comunidad de Madrid, Crea SGR, Dadá Films & Entertainment, La calabaza amarilla, Los chicos de la puerta de al lado, Movistar Plus+, RTVE, Warner Music Spain. Distribución: A Contracorriente Films, Movistar Plus+. Género: documental. Web oficial.

Crítica: ‘Yo siempre a veces’

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Un retrato tan incómodo como honesto de una juventud entre la libertad y la deriva emocional

El estreno el 23 de abril en Movistar Plus+ de ‘Yo siempre a veces’, creada por Marta Loza y Marta Bassols, se sitúa dentro de esa corriente reciente del audiovisual español que busca capturar el pulso de una generación sin filtros ni paternalismos. En este sentido, no es casual que la serie se perciba como un nuevo hallazgo generacional impulsado directamente por la estela creativa de Los Javis, cuyo sello ha redefinido la forma de narrar la juventud contemporánea.

‘Yo siempre a veces’ funciona, ante todo, como un espejo. No idealiza ni demoniza, sino que pretende observar, o al menos así he percibido. La serie retrata a una juventud profundamente conectada con el mundo, cosmopolita, con referentes internacionales y una relación fluida con la cultura digital. Sin embargo, esa apertura convive con una cierta desorientación vital: los personajes se mueven en un terreno donde las responsabilidades tradicionales parecen diluidas, casi opcionales.

Uno de los aspectos más llamativos, y tratados con una naturalidad que puede incomodar a ciertos sectores, es la normalización del consumo de drogas. Lejos de moralismos, la serie lo integra como parte del ecosistema social de sus protagonistas, evidenciando hasta qué punto estos comportamientos forman parte de su día a día. No hay épica ni tragedia exagerada, solo rutina.

Este retrato se completa con una visión renovada y a menudo fragmentada de la familia. Las estructuras clásicas se diluyen en favor de modelos más líquidos, donde los vínculos afectivos se redefinen constantemente. La serie no juzga este cambio, pero sí deja entrever sus consecuencias emocionales: una sensación persistente de inestabilidad.

Personajes que incomodan porque resultan reconocibles

El mayor acierto de ‘Yo siempre a veces’ reside en su guion, que construye personajes complejos, contradictorios y profundamente humanos. La protagonista, interpretada por la debutante Ana Boga, es un ejemplo paradigmático de esta ambivalencia.

Su personaje vive atrapado entre dos mundos: el de una juventud prolongada (encarnada en una madre que se resiste a abandonar la fiesta y la despreocupación) y el de una adultez que exige responsabilidades que no está preparada para asumir. Este conflicto no se presenta de forma explícita, sino que se filtra en sus decisiones erráticas, en su incapacidad para aceptar trabajos o ayudas que le permitirían estabilizarse.

Hay algo casi desesperante en verla avanzar “como pollo sin cabeza”, consciente de sus problemas económicos pero incapaz de actuar en consecuencia. Y, sin embargo, esa frustración es precisamente lo que la hace creíble. No estamos ante una heroína ni ante un ejemplo moral, sino ante un reflejo incómodo de una generación que, en muchos casos, ha crecido con más opciones que certezas.

En este sentido, la interpretación de Ana Boga resulta especialmente destacable. Esta es su primera gran incursión en un proyecto de alcance popular, lo que añade una capa adicional de autenticidad a su interpretación: hay en su mirada una mezcla de fragilidad y atrevimiento que difícilmente podría impostarse.

Una serie sobre el error, el perdón y la reconstrucción

Más allá de su retrato generacional, ‘Yo siempre a veces’ articula un discurso más profundo sobre la gestión del error. Todos sus personajes, sin excepción, están definidos por sus fallos: decisiones equivocadas, relaciones mal gestionadas, oportunidades desperdiciadas…

Lo interesante es que la serie no busca redimirlos de forma convencional. En lugar de grandes giros dramáticos, opta por una aproximación más íntima, donde el perdón, tanto propio como ajeno, se construye de manera lenta y, a menudo, incompleta. Se nota un esfuerzo por entender y mostrar que crecer no implica necesariamente resolver todos los conflictos, sino aprender a convivir con ellos.

También resulta destacable cómo la serie plantea nuevas formas de entendimiento mutuo. Frente a modelos rígidos del pasado, los personajes exploran maneras más flexibles de relacionarse, donde la comunicación, aunque imperfecta, se convierte en una herramienta esencial. Con esto, aunque es una serie exasperante en la construcción de su protagonista, logra capturar algo difícil de definir pero fácil de reconocer: la incertidumbre de una generación que, pese a tenerlo todo al alcance, sigue buscando su lugar en el mundo.

Crítica: ‘Yakarta’

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Diego San José sorprende con ‘Yakarta’, una serie turbia, honesta y magistralmente interpretada

Diego San José apuesta de nuevo por el formato televisivo y nos presenta ‘Yakarta’. Esta serie de seis episodios que se estrena en Movistar Plus+ el 6 de noviembre, es una pieza compleja y profundamente moral que, arriesgando y en gran medida consiguiendo, traza el retrato de personajes al borde del abismo. En el centro está un hombre en horas bajas, un exjugador olímpico de bádminton convertido en profesor de educación física en un instituto de Vallecas (Javier Cámara), que ve su última oportunidad de vengarse de la vida en una muchacha adolescente con talento (Carla Quílez). Esa propuesta de “cumplir un sueño frustrado” a través de una joven promesa es tan genuina como inquietante, porque, desde el arranque, la reputación ética del protagonista queda comprometida: un sujeto denostado, con prácticas poco limpias, que prácticamente acosa a la joven y a su madre para obtener el permiso de entrenarla y llevarla hasta un torneo en Yakarta.

La fuerza de ‘Yakarta’ reside en su capacidad para situar la historia en un deporte poco o nada popular como el bádminton y, al mismo tiempo, abrir una ventana hacia lo turbio de la ambición, la manipulación y la fragilidad humana. Los personajes no son héroes: son grises, desplazados, víctimas de sus propias miserias y la serie no rehúye ese tono sombrío. La relación entre el entrenador y la joven promesa funciona como espejo de sus vidas rotas, de su necesidad de sentirse algo más que fagocitados por el sistema o el olvido. Y esa empatía que se forja entre ellos tiene tanto de salvación mutua como de coartada moral.

Bajo la dirección de Elena Trapé (acompañada de Fernando Delgado-Hierro e incluso de Javier Cámara al mando de algún episodio) la serie aprovecha el espacio de las ciudades de provincias, los polideportivos a medio gas, las pensiones desvencijadas, para narrar “esa España sin carisma” a la que, según el propio San José, le gustan las historias de gente que “pierde incluso cuando gana”.

La interpretación de Javier Cámara vuelve a demostrar su dominio y matiz: un hombre que quiere servir de ejemplo aunque sus métodos chirrían, al que vemos caer, arrastrarse y ofrecerse como salvador cuando en realidad él está más perdido que su alumna. Y Carla Quílez como la joven promesa da voz al conflicto y a la vulnerabilidad, abriendo la posibilidad de esa “otra revelación” que viene de la mano del descubrimiento mutuo. La relación entre Cámara y Quílez podría dar a luz a otro descubrimiento como el que en su día vivimos con ‘Vivir es fácil con los ojos cerrados’ y Natalia de Molina, aunque a Quílez ya se la haya reconocido por ‘La maternal’.

Como obra televisiva, ‘Yakarta’ es quizá la más seria de San José hasta la fecha, que nos tiene más acostumbrados a comedias como ‘Ocho apellidos vascos’, ‘Fe de etarras’ o ‘Superlópez’ e incluso la recientemente renovada ‘Su majestad’ o la saga ‘Vota/Vamos/Venga Juan’. Aquí abandona el registro ligero para internarse en la radiografía honda, casi áspera, de un deporte marginal, de vidas mediocres y como siempre de un pequeño fragmento de nuestro país. Y en ese margen encuentra libertad para contar algo que pocas veces se ve: lo que ocurre detrás de los focos, antes del aplauso, en la periferia de la gloria. Y lo hace sin concesiones, con personajes condenados a entenderse a través de la complicidad de su desdicha y planteando muchos detalles que acaban cobrando sentido. En sus secretos y revelaciones nos topamos con una historia a la altura del ‘Gracias a Dios’ de François Ozon, para el buen entendedor.

El ritmo podría haber sido más ligero pues en algún tramo acusa cierta dilatación del viaje emocional, pero quizá ese tempo comedido es justo el que favorece que los detalles que parecen inconexos al inicio cobren significado al final. Con todo y con esto ‘Yakarta’ no es complaciente: incomoda, cuestiona, interpela. Y lo hace con una estética sobria, sin grandilocuencia, lo que agradece en este tipo de drama íntimo. Recomendable para quienes buscan ficciones que planteen más preguntas que respuestas y que no rehúyen el costo moral de sus personajes.

Crítica: ‘Bejaranos, el oficio del ciclista’

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En qué plataforma ver Bejaranos, el oficio del ciclista

Sinopsis

‘Bejaranos, el oficio del ciclista’ es la historia de éxito de tres leyendas, Lale Cubino, Roberto Heras y Santi Blanco, pero también la de quienes, desde su infancia, soñaron con triunfar sobre la bicicleta y se enfrentaron a todo tipo de adversidades: Luis Roberto Álvarez “Rubi” y Moisés Dueñas. Los propios protagonistas relatan sus hazañas, pero también nos cuentan las sanciones por dopaje o el accidente que truncó el sueño de Rubi. Todo ello mientras se enfrentan a la incertidumbre de un futuro en el que deben reinventarse tras haber dedicado su vida entera a la pasión por el ciclismo.

Crítica

Pedaladas contra el olvido: Béjar recupera su voz ciclista

Como parte de los reportajes realizados por el sello ‘Informe Plus+’ llega a Movistar Plus+ el 2 de julio el documental ‘Bejaranos, el oficio del ciclista’. Una pieza repleta de entrevistas y de archivo que profundiza en el fenómeno producido en una ciudad tan pequeña como Béjar. Un lugar cuya industria rivalizaba con Cataluña o Mánchester hace solo unas décadas con fábricas que llegaban a constituir una ciudad en sí mismas y alcanzando el máximo de casi 18.000 habitantes. Hoy en día apenas supera los 12.000 empadronados y observa incapaz cómo sus joyas pasan inadvertidas al resto de un país que habitualmente mira mucho más al este que al oeste. Pero es un enclave que si algo ha demostrado es que la nobleza no está en la cantidad, sino en la épica de sus logros y la grandeza de sus montañas.

En este caso no nos hablan de su textil o de su curiosa tradición musgosa. Nos hablan de aquellos deportistas que en su día nos dejaron boquiabiertos. Ciclistas con los que he de decir, aunque me exponga con ello a ofrecer una visión poco objetiva de este material, con los que un servidor convivió en tiempo y espacio desde su infancia hasta su adolescencia, llegando incluso a compartir terreno de juego con alguno de estas figuras del ciclismo.

Bajo la producción de Iris Ladrero y Carlos Lorenzo y con la dirección de Andrés García Armero, ‘Bejaranos, el oficio del ciclista’ hace un repaso por las carreras de más de cinco deportistas que separados solo por unos veinte años se colocaron en el pináculo del mundo del pedal: Laudelino Cubino, Roberto Heras, Miguel Heras, Santi Blanco, Moisés Dueñas, Luis Roberto Álvarez, Dori Ruano…

Es por ello que nos llevan por paisajes de Béjar y Candelario, así como por ubicaciones tan impresionantes como el Meandro Melero, un lugar cercano, pero no bejarano. Béjar posee un entorno sobrecogedor, interminable para ciclistas, montañeros y senderistas, pero ese en concreto no es uno de sus encantos. Y eso es quizá lo único achacable a este reportaje, que no indaga realmente en cómo la orografía del terreno salmantino esculpió desde pequeños a tan extraordinarios escaladores.

El foco de ‘Bejaranos, el oficio del ciclista’ está puesto en la inspiración y el legado. Desde el alma impulsadora que fue Lale Cubino, hasta los padres y profesores que inculcaron en los ciclistas el amor por el deporte sobre ruedas. El documental no solo se limita a la crónica del esfuerzo y la gloria deportiva, sino que ahonda en el sacrificio cotidiano, en la dureza de entrenar a contrarreloj mientras otros niños jugaban. Nos muestra también la cara menos luminosa del ciclismo: la incertidumbre de hacer de una pasión una profesión inestable, plagada de caídas, lesiones y renuncias personales.

Retrata también el riesgo de apostar por un deporte como profesión. No esquiva lo delicado, tocando el tema del dopaje y el injusto trato a los ciclistas con este tema. Y lo hace con honestidad. Sin justificar, pero tampoco sin cargar las tintas. Reclama un trato humano a aquellos jóvenes que fueron parte de un sistema que a menudo les exigía más de lo que podían dar y que como muchos sospechamos siempre, responde a determinados intereses de unos pocos.

El reportaje destaca por su enfoque humano y cercano, centrado en testimonios íntimos y en archivo audiovisual que desdibujan la línea entre lo personal y lo épico. La dirección de Andrés García Armero, con la codirección de Manu Cid, consigue retratar no solo el éxito de Lale Cubino, Roberto Heras o Santi Blanco, sino también el lado más crudo y real del ciclismo. El resultado es un relato equilibrado y emotivo, capaz de rendir homenaje sin caer en la hagiografía.

‘Bejaranos, el oficio del ciclista’ emocionará a los vecinos de Béjar, que se verán en imágenes y fotos de archivo, además por lo bien que ensalza a una ciudad siempre vinculada al deporte y a sus valores. Pero sobre todo a los amantes del ciclismo, que comprobarán y recordarán que existe una cuna de escaladores fuera de serie como Béjar. Falta un monumento a estos cracks en la Ilustre Ciudad de Béjar, aunque quizá el tributo es el legado que dejaron. Béjar es una ciudad a la que he visto perder miles de ciudadanos, entre envejecimiento y jóvenes exiliados en busca de empleo. Pero sin duda, tomando ejemplo de sus figuras contemporáneas más famosas, sacará en algún momento las fuerzas de flaqueza y volverá a estar el podio que se merece.

El documental ha sido dedicado a maestros y deportistas como Tomás Martín, Ignacio González y Mateo Hernández, nombres clave y valedores de los campeones que han dado pie a esta película.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de julio de 2025. Título original: Bejaranos, el oficio del ciclista. Duración: 53 min. País: España. Dirección: Andrés García Armero. Música: Mario Quiñones Sandino. Fotografía: Guillermo Barberá Llorca. Reparto principal: Laudelino Cubino, Roberto Heras, Miguel Heras, Santi Blanco, Moisés Dueñas, Luis Roberto Álvarez, Dori Ruano. Producción: Lilicar Inversiones. Distribución: Movistar Plus+. Género: documental. Web oficial: https://www.movistarplus.es/documentales/bejaranos-el-oficio-del-ciclista/ficha?tipo=E&id=4017043

Palmarés Premios Fugaz 2025

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‘Una cabeza en la pared’ como gran ganadora de los Premios Fugaz

El pasado 25 de junio se celebró la gran gala de los Premios Fugaz. Un millar de asistentes se vistieron de gala para asistir a la Sala 25 de los cines Kinépolis Ciudad de la Imagen.

La gran triunfadora de la noche ha sido la cinta “Una cabeza en la pared”, que se ha alzado con seis galardones, incluyendo Mejor Cortometraje, Dirección de Producción, Dirección de Fotografía, Dirección de Arte, Vestuario y Banda Sonora. La obra, dirigida por Manuel Manrique, confirma así las expectativas generadas desde su paso por festivales, con una propuesta estética poderosa, narrativa inquietante y un despliegue técnico que ha dejado huella en esta edición.

Le ha seguido “Ángulo muerto”, que ha logrado dos galardones de enorme peso: Mejor Dirección para Cristian Beteta y Mejor Interpretación Femenina para Eva Llorach, cuya actuación fue una de las más aplaudidas de la temporada. “El otro”, ópera prima de Eduard Fernández, ha obtenido el premio a Mejores Efectos Visuales, mientras que “Cólera” ha sido distinguida con la Dirección Novel para Jose Luis Lázaro.

El guion más celebrado ha sido el de “Insalvable”, escrito por Belén Sánchez-Arévalo y Javier Marco, y el premio a la Mejor Interpretación Masculina lo ha obtenido Ramón Barea por “29 de febrero”. Otros títulos reconocidos han sido “893 kilómetros” (Mejor Montaje), “Donde se quejan los pinos” (Mejor Sonido) y “Líbranos del mal” (Maquillaje y Peluquería).

La gala ha sido presentada con afilado humor por el actor y ventrílocuo Jaime Figueroa y entre los asistentes han figurado nombres tan destacados como Eduard Fernández, Ana Wagener, Ramón Barea, Daniel Sánchez Arévalo, Eva Llorach, Pedro Casablanc, Rosario Pardo, Nerea Barros, Vanesa Romero, Blanca Paloma o Eva Isanta. También han estado presentes representantes del ICAA, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) y la Comunidad de Madrid.

Uno de los momentos más especiales de la gala ha sido la entrega del Premio Fugaz de Honor a Arantxa Echevarría, quien ha sido recibida con una prolongada ovación por parte del público. La cineasta, con una trayectoria reconocida tanto en el cortometraje como en el largometraje con títulos como “La Infiltrada”, “Carmen y Lola” o “Chinas”, ha obtenido el galardón como reconocimiento a su aportación al cine español contemporáneo.

Samuel Rodríguez, co-director de CortoEspaña, entidad organizadora de los premios, ha señalado: “cada año se suman más miradas, más estilos y más talento. Este 2025 hemos vuelto a confirmar que el cortometraje no es un formato menor, sino una expresión esencial del cine. Estas obras nos recuerdan que en pocos minutos se puede contar muchísimo.”

En total, se han entregado 21 galardones, incluyendo los estrenos de dos nuevas categorías: Mejor Cortometraje Hispanoamericano, que ha sido para “Cuando todo arde” (Argentina), y Mejor Cortometraje de Escuela, que ha reconocido a “De Madrid al Cielo”.

Los Premios Fugaz cuentan con el apoyo de importantes entidades e instituciones como Kinépolis, Cervezas Alhambra, el Instituto del Cine de Madrid, Menorca Doc Fest, The Core School, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), el ICAA, Elite Excellence – Federación española del Lujo, Filmin, Gobo, Mi guarida pulida, Welab, Esfera Visual, Mood, Excena, AM Escuela y Big School, además de la colaboración de Movistar+ y la Universidad Complutense de Madrid, haciendo posible que estos galardones continúen siendo el gran punto de encuentro del cortometraje español.

A continuación os dejamos la lista completa de los ganadores.

PALMARÉS – PREMIOS FUGAZ 2025

Mejor Cortometraje

Una cabeza en la pared

 Mejor Dirección

Cristian Beteta, por Ángulo muerto

Mejor Dirección Novel

Jose Luis Lázaro, por Cólera

Mejor Guion

Belén Sánchez-Arévalo y Javier Marco, por Insalvable

Mejor Dirección de Producción

Jaume Subirós, por Una cabeza en la pared

Mejor Dirección de Fotografía

Alejandro Buera, por Una cabeza en la pared

Mejor Montaje

Bruno Martín, por 893 kilómetros

Mejor Dirección de Arte

Helena Gallego, por Una cabeza en la pared

Mejores Efectos Visuales

Heliodoro Carbonell, por El otro

Mejor Vestuario

Héctor Loureiro, por Una cabeza en la pared

Mejor Maquillaje y Peluquería

Raquel Vadillo, por Líbranos del mal

Mejor Sonido

Pedro Iniesta, por Donde se quejan los pinos

Mejor Banda Sonora

Alberto Torres, por Una cabeza en la pared

Mejor Interpretación Masculina

Ramón Barea, por 29 de Febrero

Mejor Interpretación Femenina

Eva Llorach, por Ángulo muerto

Mejor Cortometraje de Animación

Carmen y la cuchara de palo

 Mejor Cortometraje Documental

Behind the wall 

Mejor Cortometraje Breve

Origami

 Mejor Cortometraje Hispanoamericano

Cuando todo arde (Argentina)

 Mejor Cortometraje de Escuela

De Madrid al cielo 

Mejor Largometraje

La estrella azul

Crítica: ‘Sirât’

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En qué plataforma ver Sirât

Sinopsis

Un hombre (Sergi López) y su hijo (Bruno Nuñez) llegan a una rave perdida en medio de las áridas y fantasmagóricas montañas del sur de Marruecos. Buscan allí a Mar, su hija y hermana, desaparecida hace meses en una de estas fiestas sin amanecer. Reparten una y otra vez su foto rodeados de música electrónica y de un tipo de libertad que desconocen. Empujados por el destino, y con la esperanza de encontrar ahí a Mar, deciden seguir a un grupo de raveros hacia la última fiesta que se celebrará en el desierto.

Crítica

Oliver Laxe nos sumerge en lo sensorial y nos deja sin palabras

Películas como esta han hecho de la etapa de Domingo Corral una de las mejores en cuanto a contenido original de Movistar Plus+. Aún quedan algunos títulos por llegar tras su despedida como director de contenidos pero ya os adelanto que con ‘Sirât’ van a tener el listón alto. Con este filme Oliver Laxe consolida su posición como una de las voces más singulares y emergentes del cine europeo contemporáneo. Tras su paso por Cannes, donde la película fue galardonada con el Premio del Jurado ex aequo junto a ‘Sound of Falling’ de Mascha Schilinski, Laxe regresa con una obra que, sin renunciar a su poética habitual, se adentra en terrenos más políticos e impactantes.

Con una crisis de recursos y un estado de emergencia de fondo, la trama sigue a un padre (Sergi López) y su hijo (Bruno Núñez), los cuales buscan a un familiar en una rave en Marruecos. Este viaje físico se convierte en una odisea espiritual, donde el desierto y la música electrónica se entrelazan para reflejar las convulsiones de nuestro tiempo. Laxe, fiel a su estilo, combina actores profesionales con no profesionales, lo cual, a veces se delata con frases en exceso preparadas o pautadas, pero logra en general una autenticidad que potencia la carga emocional del relato.

Visualmente, ‘Sirât’ es una experiencia sensorial. Rodada en Super 16 mm, la película ofrece imágenes granuladas que capturan la aridez del paisaje y la intensidad de las emociones. Las ondas del sonido electrónico recorren el aire y casi se ven reflejadas en los estratos geológicos de los acantilados marroquíes. La dirección de fotografía y el diseño sonoro trabajan en armonía para sumergir al espectador en un estado casi hipnótico, donde cada grano de arena se mezcla con las notas musicales que flotan en el aire. El largometraje tiene un halo mágico a pesar de tratarse de un drama familiar y realista en resumidas cuentas. Pero eso es sobre todo en su primera hora. Tras eso llega un giro que convierte el filme en algo más propio de una obra de terror y supervivencia, dejándonos prácticamente sin habla.

El título, ‘Sirât’, hace referencia al puente que, según la tradición islámica, se cruza durante el Juicio Final, estando al borde del infierno. Es el camino que sigue el creyente hacia el paraíso mientras se evalúa su fe y su pasado. Esta metáfora atraviesa toda la película, planteando preguntas sobre la búsqueda o el sentido de la vida. Laxe no ofrece respuestas fáciles, pero invita a una reflexión profunda y necesaria. Sobre todo hace un esbozo del camino que sigue el héroe, el cual, se puede precipitar al infierno en cualquier momento. Este recorrido en ocasiones está plasmado casi a modo contemplativo y paisajístico, hasta tal punto que podría ser una de tantas series documentales de La2. Pero no deja de lado la evolución y progreso de sus protagonistas, de hecho, gracias a eso consigue su efecto final.

De nuevo la colaboración con Santiago Fillol (‘Matadero’) en el guion aporta una estructura sólida que sostiene la narrativa de lo que es en resumidas cuentas un road trip místico y conmocionante. Mientras que la producción de El Deseo, la compañía de los hermanos Almodóvar, garantiza una factura técnica impecable. Este respaldo puede haber empujado a Laxe explorar nuevas dimensiones de su cine sin perder su esencia o quizá es su visión como cineasta lo que ha hecho que los hermanos manchegos apuesten por él. Sea como fuere, esta comunión artística funciona, se percibe con alma y una frescura que contrasta con el árido desierto en que transcurre.

‘Sirât’ es una obra salvaje, indómita, que desafía y conmueve. Es un testimonio del compromiso de Oliver Laxe con un cine que no solo entretiene, sino que también interpela y transforma. Su reciente reconocimiento en Cannes no solo es merecido, sino que confirma que su mirada podría acabar siendo imprescindible en el panorama cinematográfico actual.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de junio de 2025. Título original: Sirât. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Oliver Laxe. Guion: Oliver Laxe, Santiago Fillol. Música: Kangdding Ray. Fotografía: Mauro Herce. Reparto principal: Sergi López, Bruno Núñez, Stefania Gadda, Joshua Liam Herderson, Tonin Javier, Jade Ouki, Richard Bellamyun. Producción: Movistar Plus+, Filmes da Ermida, El Deseo, Uri Films, 4A4 Productions. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial: https://bteampictures.es/sirat/

Nominados a los Premios Fugaz 2025

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‘Una cabeza en la pared’ y ‘893 kilómetros’ se alzan como principales candidatos.

Ya son nueve años en que el cortometraje es reconocido, valorado e impulsado por los Premios Fugaz de CortoEspaña, comisión de la que podemos decir orgullosamente de la que formamos parte. En la jornada de ayer, en el Espacio Movistar, uno de los avalistas de estos premios, tuvo lugar la lectura de los nominados. Una lista de candidatos que llega tras un extenso proceso de selección ya que la cantidad de material presentado ha sido inmensa.

La lectura de estos Fugaz 2025 tuvo lugar contando con la presencia de prensa, patrocinadores y un buen número de candidatos. Los actores Marta Belenguer y Christian Checa fueron los encargados de hacer pública la lista que podéis leer a continuación. Y todo ello tras la presentación de Samuel Rodríguez, co-director de CortoEspaña, el cual destacó, además del gran valor y peso del cortometraje en la industria española, la aparición de premios como los que reconocen el Mejor Cortometraje Hispanoamericano y el Mejor Cortometraje de Escuela.

Los cortometrajes ‘Una cabeza en la pared’ y ‘893 kilómetros’ se han alzado como principales candidatos acumulando 10 y 7 nominaciones respectivamente. Los Premios Fugaz 2025 serán entregados el 25 de junio en la sala número 25 de Kinépolis Madrid.

Palmarés Premios Fugaz 2025

Mejor Cortometraje

  • 893 kilómetros
  • Ángulo muerto
  • El Príncep
  • Insalvable
  • Pipiolos
  • Una cabeza en la pared

Mejor Dirección

  • 893 kilómetros– Rubén Guindo Nova
  • Agonía– Eulalia Ramón
  • Ángulo muerto– Cristian Beteta
  • Cuando llega el frío– María Salgado Gispert
  • Una cabeza en la pared– Manuel Manrique

Mejor Dirección Novel

  • City of pigs– Juan Ángel Hernández
  • Cólera– Jose Luis Lázaro
  • Cura sana– Lucía G. Romero
  • El otro– Eduard Fernández
  • Happy hour– Nico Romero y Álvaro Monje

Mejor Guion

  • Ángulo muerto– David Verdugo
  • El lado más bestia de la vida– Campos y Rioboó
  • Insalvable– Sánchez-Arévalo y Javier Marco
  • Piedra, papel, o tijera– Nach Solís
  • Una cabeza en la pared– Itziar Sanjuán Sáenz

Mejor Dirección de Producción

  • 893 kilómetros– Samantha Martín y Miguel Monteagudo
  • Donde se quejan los pinos– Mercè Batalla
  • El Príncep– Lahuerta y Radoselovics
  • Ne me quitte pas– Gemma Monzó
  • Una cabeza en la pared– Jaume Subirós

Mejor Dirección de Fotografía

  • Cuando llega el frío– Isabel Ruiz Ruiz
  • Donde se quejan los pinos– Hugo Prats
  • Ne me quitte pas– Uri Barcelona
  • Una cabeza en la pared– Alejandro Buera
  • Violetas– Mario López

Mejor Montaje

  • 893 kilómetros– Bruno Martín
  • Bedste– Louise Værum
  • El otro– Javier Frutos
  • El Príncep– Ona Bartrolí
  • Una cabeza en la pared– Pablo Barce

Mejor Dirección de Arte

  • Cuando llega el frío– Iris Ocampo
  • Líbranos del mal– Mey Monteroy y Violeta Soliva
  • Ne me quitte pas– John Blud
  • Una cabeza en la pared– Helena Gallego
  • Violetas– Lucía Meca

Mejores Efectos Visuales

  • 893 kilómetros– Zoltan Farkas
  • Agonía– María Maganto
  • Berta– Carbonell Almela y Stefan Susemihl
  • El otro– Heliodoro Carbonell
  • Huir– Dalila di Martino y Julán Martínez

Mejor Vestuario

  • Cuando llega el frío– José Antonio Martín
  • Líbranos del mal– Sara Madoz
  • Ne me quitte pas– Miguel Cervera
  • Una cabeza en la pared– Héctor Loureiro
  • Violetas– Alba Martínez Villamor

Mejor Maquillaje y Peluquería

  • 893 kilómetros– Marta Cuadrado
  • Líbranos del mal– Raquel Vadillo
  • Sexo a los 70– Johana Trujillo
  • Una cabeza en la pared– Beatriz Coloma
  • Violetas– Borja Escribano

Mejor Sonido

  • 893 kilómetros– Mario González
  • Agonía– Diego Gualino
  • Donde se quejan los pinos– Pedro Iniesta
  • Happy hour– Ruiz, Bernardo y Cabrera
  • Líbranos del mal– María Rodríguez

Mejor Banda Sonora

  • 893 kilómetros– Jesús Calderón
  • Carmen y la cuchara de palo– Iván Palomares
  • Donde se quejan los pinos– Simon Smith
  • Piedra, papel, o tijera– Sofía Sainz
  • Una cabeza en la pared– Alberto Torres

Mejor Interpretación Masculina

  • 29 de febrero– Ramón Barea
  • El otro– Eduard Fernández
  • El Príncep– Enric Auquer
  • Insalvable– Pedro Casablanc y Javier Pereira

Mejor Interpretación Femenina

  • Ángulo muerto– Eva Llorach
  • El lado más bestia de la vida– Rosario Pardo
  • La mort– Luisa Gavasa
  • Líbranos del mal– Ana Wagener
  • Pálpito– Cristina Fernández

Mejor Cortometraje de Animación

  • Adiós
  • Carmela
  • Carmen y la cuchara de palo
  • Homework
  • Pietra

Mejor Cortometraje Documental

  • Behind the wall
  • Disonancia
  • Emilia
  • Autorretrato
  • Zona Wao

Mejor Cortometraje Breve

  • Close your eyes
  • Origami
  • Siesta
  • Tesoro

Mejor Largometraje

  • El 47
  • La estrella azul
  • La habitación de al lado
  • La infiltrada
  • Marco

Mejor Cortometraje Hispanoamericano

  • Casa Paraíso(Guatemala)
  • Charrascas(México)
  • Cuando todo arde(Argentina)
  • La casa de arena(Chile)
  • Tenemos patria(Venezuela)

Mejor Cortometraje de Escuela

  • Daru/n
  • De Madrid al cielo
  • De-Sastre
  • Deadline
  • El otro lugar
  • Gaupasa
  • Patrimonio
  • Remember me

Universal inaugurará una experiencia relacionada con ‘Cómo entrenar a tu dragón’

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A partir del 6 de junio

No queda nada para el estreno del live action de ‘Cómo entrenar a tu dragón’ y la verdad es que, para lo que estamos viendo últimamente en lo que se refiere a llevar al mundo real las historias animadas, tiene pintón. Universal Pictures estrena esta nueva versión el 12 de junio a través de la dirección de Dean DeBlois (guionista de la versión original de ‘Lilo & Stich’ y de las dos películas de ‘Cómo entrenar a tu dragón’).

Pero antes de este regreso a cines nos quieren devolver al mundo de vikingos y dragones. En el Espacio Movistar de Madrid y del 6 al 15 de junio habrá una experiencia inmersiva dedicada a ‘Cómo entrenar a tu dragón’. Permitirá a los asistentes adentrarse en el universo vikingo de la película a través de un recorrido sensorial y visual que recrea algunos de los escenarios más emblemáticos de Isla Mema.

El acceso a esta experiencia es gratuito y está preparado para todos los públicos. Eso sí, hará falta reservar las entradas para los días que coincidan con fin de semana. Para ello será necesario acceder a la página web oficial de Espacio Movistar. La apertura de puertas el día 6 de junio tendrá lugar a las 16h.

  • Ubicación: Espacio Movistar – Gran Vía 28 – 28013, Madrid
  • De lunes a sábado: 10h – 21h
  • Domingos y festivos: 12h – 20h

Sinopsis oficial:

En la escarpada Isla Mema, donde vikingos y dragones han mantenido una amarga enemistad durante generaciones, Hipo (Mason Thames) es un muchacho diferente a los demás. El ingenioso y subestimado hijo del jefe Estoico el Inmenso (Gerard Butler) desafía siglos de tradición haciéndose amigo de Desdentao, un temido dragón Furia Nocturna. Su insospechado vínculo desvelará la verdadera naturaleza de los dragones, poniendo a prueba los cimientos de la sociedad vikinga.

En compañía de la feroz y ambiciosa Astrid (Nico Parker) y Bocón, el estrafalario herrero del pueblo (Nick Frost), Hipo planta cara a un mundo dividido por el miedo y la incomprensión.

Pero cuando surge una ancestral amenaza que pone en peligro tanto a vikingos como a dragones, la amistad de Hipo con Desdentao se convertirá en la clave para forjar un nuevo futuro. Juntos, deberán recorrer la delicada senda hacia la paz, volando más allá de los límites de sus mundos y redefiniendo para siempre el significado de ser un héroe y un líder.

La película también cuenta en su reparto con Julian Dennison, Gabriel Howell, Bronwyn James, Harry Trevaldwyn, Ruth Codd, Peter Serafinowicz y Murray McArthur.

Palmarés de los Oscar 2025

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La gran triunfadora es Anora

Sigue desde aquí en directo la gala de los Oscar 2025 y descubre todos los ganadores de la que siempre se conoce como la noche más importante del cine. Actualizamos esta entrada en tiempo real con los premiados por la Academia norteamericana de cine en cada categoría, desde los galardones técnicos hasta el colofón con el premio a Mejor Película.

Consulta la lista completa de nominados y ganadores de los Oscar 2025, los momentos más emocionantes de la ceremonia presentada por Conan O’Brien y las sorpresas que marcarán esta edición. ¿Quiénes se llevarán la estatuilla dorada?

La alfombra roja regresó definitivamente y dijimos adiós a la «original» color champan que se estrenó en 2023. Sobre ella han desfilado muchos trajes y vestidos de negro y han posado artistas entre los que por supuesto destacaron por su estilo Demi Moore, Willem Dafoe, Colman Domingo, Elle Fanning, Jeremy Strong, la cantante Lisa o Ariana Grande con un vestido que tenía un curioso vuelo, casi tan difícil de llevar como el Louis Vuitton de su compañera Cynthia Erivo. Premio al desafío al la superstición para Timothée Chalamet por su traje amarillo canario. Premio a los más motivados para los autores de ‘Wallace and Gromit’ por su motivación acudiendo con maquetas de sus personajes. Por supuesto estuvo presente la española Karla Sofía Gascón que no fue vista por la alfombra roja y su primera aparición fue tras un ácido chiste de O’Brien.

La gala arrancó con un pequeño homenaje a la ciudad de Los Angeles, que siempre la ha acogido, por motivo del incendio que ha acabado con muchas casas y ha costado 27 vidas. No fue el único recordatorio que a quemado también las casas de celebrities como Mel Gibson, Paris Hilton, Milo Ventimiglia, Tina Knowles o Jeff Bridges. Seguido ha llegado la actuación de Ariana Grande y Cynthia Erivo con el tema de ‘El Mago de Oz’ y por supuesto de ‘Wicked’, inmensas ambas. Acabada la emotiva introducción la noche comenzó prometedoramente gracias al carisma y la gracia de Conan O’Brien, quizá el mejor presentador desde que ya no está Billy Crystal al frente. La noche fue un sinfín de risas.

Por supuesto en estos Oscar 2025 hubo momentos para la reivindicación por la paz en Ucrania o los derechos de lo emigrantes. Pero el momento más fuerte al respecto llegó con el equipo de ‘No Other Land’, ganador del mejor documental, el cual, acusó a las «políticas de Estados Unidos de perpetuar un genocidio».

Uno de los momentos más simpáticos y genuinos de la noche fue la lectura errada por turnos de los ganadores a mejor corto animado. Letonia también nos trajo un entrañable momento al dedicar los autores de ‘Flow’ el premio a sus mascotas. Por supuesto Ben Stiller hizo el payasete «sufriendo» ciertos problemas con la plataforma que debía hacerle salir bajo el escenario. Como espontáneo e inconsciente se puede definir el momento en el que Adrien Brody le lanza el chicle a su acompañante tras darse cuenta que subía a recoger la estatuilla masticándolo.

Palmarés de los Oscar 2025 según número de estatuillas

  1. Anora 5
  2. The Brutalist 3
  3. Wicked 2
  4. Emilia Pérez 2
  5. Dune: parte II 2
  6. La sustancia 1
  7. Cónclave 1
  8. A real pain 1
  9. Flow 1
  10. Aún estoy aquí 1
  11. In the Shadow of Cypress 1
  12. The Only Girl in the Orchestra 1
  13. No Other Land 1
  14. I’m Not a Robot 1

Palmarés de los Oscar 2025

Mejor película

  • Anora, de Sean Baker
  • The Brutalist, de Brady Corbet
  • La Sustancia, Coralie Fargeat
  • Cónclave, de Edward Berger
  • Dune: parte dos, de Denis Villeneuve
  • Emilia Pérez, de Jacques Audiard
  • Wicked, de Jon M. Chu
  • A complete Unknown, de James Mangold
  • Aún estoy aquí, de Walter Salles
  • Nickel Boys, de RaMell Ross

Mejor dirección

  • Jacques Audiard, por Emilia Pérez
  • Sean Baker, por Anora
  • Brady Corbet, por The Brutalist
  • James Mangold, por A Complete Unknown
  • Coralie Fargeat, por La sustancia

Mejor actor

  • Adrien Brody, por The Brutalist
  • Timothée Chalamet, por A Complete Unknown
  • Colman Domingo, Las vidas de Sing Sing
  • Ralph Fiennes, Cónclave
  • Sebastian Stan, por The Apprentice

Mejor actriz

  • Mikey Madison, por Anora
  • Karla Sofía Gascón, por Emilia Pérez
  • Cynthia Erivo, por Wicked
  • Demi Moore, por La sustancia
  • Fernanda Torres, por Aún estoy aquí

Mejor actor de reparto

  • Yura Borisov, por Anora
  • Kieran Culkin, por A Real Pain
  • Edward Norton, por A Complete Unknown
  • Guy Pearce, por The Brutalist
  • Jeremy Strong, por The Apprentice

Mejor actriz de reparto

  • Ariana Grande, por Wicked
  • Felicity Jones, por The Brutalist
  • Isabella Rosselini, por Cónclave
  • Monica Barbaro, por A Complete Unknown
  • Zoe Saldaña, por Emilia Pérez

Mejor película internacional

  • Aún estoy aquí de Brasil
  • La chica de la aguja de Dinamarca
  • Emilia Pérez de Francia
  • La semilla de la higuera sagrada de Alemania
  • Flow de Letonia

Mejor película de animación

  • Flow
  • Del revés 2
  • Memorias de un caracol
  • Wallace & Gromit: la venganza se sirve con plumas
  • Robot salvaje

Mejor película documental

  • Black Box Diaries
  • No Other Land
  • Porcelain War
  • Soundtrack to a Coup d’Etat
  • Sugarcane

Mejor guion original

  • Sean Baker por Anora
  • Brady Corbet, Mona Fastvold por The Brutalist
  • Jesse Eisenberg por A Real Pain
  • Coralie Fargeat por La sustancia
  • Moritz Binder, Tim Fehlbaum y Alex David por Septiembre 5

Mejor guion adaptado

  • Clint Bentley y Greg Kwedar por Las vidas de Sing Sing
  • Jacques Audiard por Emilia Pérez
  • Jay Cocks y James Mangold por A Complete Unknown
  • Joslyn Barnes y RaMell Ross por Nickel Boys
  • Peter Straughan por Cónclave

Mejor fotografía

  • The Brutalist
  • Dune: Parte II
  • Emilia Pérez
  • Maria
  • Nosferatu

Mejor montaje

  • Anora
  • Cónclave
  • Emilia Pérez
  • Wicked
  • The Brutalist

Mejor sonido

  • Tod A. Maitland, Donald Sylvester, Ted Caplan, Paul Massey y David Giammarco por A Complete Unknown
  • Gareth John, Richard King, Ron Bartlett y Doug Hemphill por Dune: Parte II
  • Simon Hayes, Nancy Nugent Title, Jack Dolman, Andy Nelson y John Marquis por Wicked
  • Erwan Kerzanet, Aymeric Devoldère, Maxence Dussère, Cyril Holtz y Niels Barletta por Emilia Pérez
  • Randy Thom, Brian Chumney, Gary A. Rizzo y Leff Lefferts por Robot salvaje

Mejor banda sonora

  • John Powell y Stephen Schwartz por Wicked
  • Kris Bowers por Robot salvaje
  • Clément Ducol y Camille por Emilia Pérez
  • Volker Bertelmann por Cónclave
  • Daniel Blumberg por The Brutalist

Mejor diseño de producción

  • The Brutalist
  • Cónclave
  • Dune: parte II
  • Nosferatu
  • Wicked

Mejor vestuario

  • A Complete Unknow
  • Cónclave
  • Gladiator II
  • Nosferatu
  • Wicked

Mejor maquillaje y peluquería

  • A Different Man
  • Emilia Pérez
  • Nosferatu
  • La sustancia
  • Wicked

Mejores efectos visuales

  • Alien: Romulus
  • Better Man
  • Dune: Parte II
  • El reino del planeta de los simios
  • Wicked

Mejor canción

  • Mi camino, de Emilia Pérez
  • El mal, de Emilia Pérez
  • Never Too Late, de Elton John: Never Too Late
  • The Journey, de The Six Triple Eight
  • Like a Bird, de La vida de Sing Sing

Mejor cortometraje de ficción

  • Anuja
  • The Last Ranger
  • A Lien
  • The Man Who Could Not Remain Silent
  • I’m Not a Robot

Mejor cortometraje documental

  • Death by Numbers
  • I Am Ready, Warden
  • Incident
  • The Only Girl in the Orchestra
  • Instruments of a Beating Heart

Mejor cortometraje de animación

  • In the Shadow of Cypress
  • Wander to Wonder
  • Yuck
  • Magic Candies
  • Beautiful Men

Óscar Honorífico: Quincy Jones (póstumo) y Juliet Taylor.

Premio Humanitario Jean Hersholt: Richard Curtis.

Premio en Memoria de Irving G. Thalberg: Michael G. Wilson y Barbara Broccoli.

Nominados a los Oscar 2025

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‘Emilia Pérez’, ‘The Brutalist’, ‘Wicked’, ‘Cónclave’ y ‘Anora’ a la cabeza con el golpe en la mesa de ‘La sustancia’

Yal cual leéis en el titular, los títulos con más nominaciones para la nueva edición de los Oscars son ‘Emilia Pérez’ (13), ‘The Brutalist’ (10), ‘Wicked’ (10), ‘Cónclave’ (8), ‘Anora’ (6) y ‘La sustancia’ (5). Habiendo visto todos los títulos queda patente que es un año en el que las perspectivas de género y las películas que abordan temas de inclusión y diversidad dominarán el palmaré. El próximo 2 de marzo conoceremos los escogidos por la Academia norteamericana.

Para España la buena noticia llega con la nominación casi automática para Karla Sofía Gascón, convirtiéndose en la cuarta española en tener una nominación al Oscar.

Mejor película

  • Anora, de Sean Baker
  • The Brutalist, de Brady Corbet
  • La Sustancia, Coralie Fargeat
  • Cónclave, de Edward Berger
  • Dune: parte dos, de Denis Villeneuve
  • Emilia Pérez, de Jacques Audiard
  • Wicked, de Jon M. Chu
  • A complete Unknown, de James Mangold
  • Aún estoy aquí, de Walter Salles
  • Nickel Boys, de RaMell Ross

Mejor dirección

  • Jacques Audiard, por Emilia Pérez
  • Sean Baker, por Anora
  • Brady Corbet, por The Brutalist
  • James Mangold, por A Complete Unknown
  • Coralie Fargeat, por La sustancia

Mejor actor

  • Adrien Brody, por The Brutalist
  • Timothée Chalamet, por A Complete Unknown
  • Colman Domingo, Las vidas de Sing Sing
  • Ralph Fiennes, Cónclave
  • Sebastian Stan, por The Apprentice

Mejor actriz

  • Mikey Madison, por Anora
  • Karla Sofía Gascón, por Emilia Pérez
  • Cynthia Erivo, por Wicked
  • Demi Moore, por La sustancia
  • Fernanda Torres, por Aún estoy aquí

Mejor actor de reparto

  • Yura Borisov, por Anora
  • Kieran Culkin, por A Real Pain
  • Edward Norton, por A Complete Unknown
  • Guy Pearce, por The Brutalist
  • Jeremy Strong, por The Apprentice

Mejor actriz de reparto

  • Ariana Grande, por Wicked
  • Felicity Jones, por The Brutalist
  • Isabella Rosselini, por Cónclave
  • Monica Barbaro, por A Complete Unknown
  • Zoe Saldaña, por Emilia Pérez

Mejor película internacional

  • Aún estoy aquí de Brasil
  • La chica de la aguja de Dinamarca
  • Emilia Pérez de Francia
  • La semilla de la higuera sagrada de Alemania
  • Flow de Letonia

Mejor película de animación

  • Flow
  • Del revés 2
  • Memorias de un caracol
  • Wallace & Gromit: la venganza se sirve con plumas
  • Robot salvaje

Mejor película documental

  • Black Box Diaries
  • No Other Land
  • Porcelain War
  • Soundtrack to a Coup d’Etat
  • Sugarcane

Mejor guion original

  • Sean Baker por Anora
  • Brady Corbet, Mona Fastvold por The Brutalist
  • Jesse Eisenberg por A Real Pain
  • Coralie Fargeat por La sustancia
  • Moritz Binder, Tim Fehlbaum y Alex David por Septiembre 5

Mejor guion adaptado

  • Clint Bentley y Greg Kwedar por Las vidas de Sing Sing
  • Jacques Audiard por Emilia Pérez
  • Jay Cocks y James Mangold por A Complete Unknown
  • Joslyn Barnes y RaMell Ross por Nickel Boys
  • Peter Straughan por Cónclave

Mejor fotografía

  • The Brutalist
  • Dune: Parte II
  • Emilia Pérez
  • Maria
  • Nosferatu

Mejor montaje

  • Anora
  • Cónclave
  • Emilia Pérez
  • Wicked
  • The Brutalist

Mejor sonido

  • Tod A. Maitland, Donald Sylvester, Ted Caplan, Paul Massey y David Giammarco por A Complete Unknown
  • Gareth John, Richard King, Ron Bartlett y Doug Hemphill por Dune: Parte II
  • Simon Hayes, Nancy Nugent Title, Jack Dolman, Andy Nelson y John Marquis por Wicked
  • Erwan Kerzanet, Aymeric Devoldère, Maxence Dussère, Cyril Holtz y Niels Barletta por Emilia Pérez
  • Randy Thom, Brian Chumney, Gary A. Rizzo y Leff Lefferts por Robot salvaje

Mejor banda sonora

  • John Powell y Stephen Schwartz por Wicked
  • Kris Bowers por Robot salvaje
  • Clément Ducol y Camille por Emilia Pérez
  • Volker Bertelmann por Cónclave
  • Daniel Blumberg por The Brutalist

Mejor diseño de producción

  • The Brutalist
  • Cónclave
  • Dune: parte II
  • Nosferatu
  • Wicked

Mejor vestuario

  • A Complete Unknow
  • Cónclave
  • Gladiator II
  • Nosferatu
  • Wicked

Mejor maquillaje y peluquería

  • A Different Man
  • Emilia Pérez
  • Nosferatu
  • La sustancia
  • Wicked

Mejores efectos visuales

  • Alien: Romulus
  • Better Man
  • Dune: Parte II
  • El reino del planeta de los simios
  • Wicked

Mejor canción

  • Mi camino, de Emilia Pérez
  • El mal, de Emilia Pérez
  • Never Too Late, de Elton John: Never Too Late
  • The Journey, de The Six Triple Eight
  • Like a Bird, de La vida de Sing Sing

Mejor cortometraje de ficción

  • Anuja
  • The Last Ranger
  • A Lien
  • The Man Who Could Not Remain Silent
  • I’m Not a Robot

Mejor cortometraje documental

  • Death by Numbers
  • I Am Ready, Warden
  • Incident
  • The Only Girl in the Orchestra
  • Instruments of a Beating Heart

Mejor cortometraje de animación

  • In the Shadow of Cypress
  • Wander to Wonder
  • Yuck
  • Magic Candies
  • Beautiful Men

El documental sobre el Mugaritz se podrá ver en Movistar Plus+

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En un mes llega la premiada película de Paco Plaza sobre el Mugaritz 

Triunfante tras el último Festival de San Sebastián podremos ver en Movistar Plus+ el documental ‘Mugaritz. Sin pan ni postre’. Este largometraje se alzó con el premio a Mejor Película en la sección Culinary Zinema y se adentra en las cocinas del Mugariz comandadas por el chef Andoni Luis Aduriz. Se estrenará el 21 de noviembre.

No es nada ajeno a para Paco Plaza, director de ‘Verónica’ o ‘La abuela’, el ponerse al frente de un documental. «En un momento del documental el rapero Kase. O exclama: “Veníamos en busca de inspiración y esto te quita el miedo”. No se me ocurre un resumen mejor. ¿Qué he encontrado yo en Mugaritz? Exactamente eso, un ejemplo implacable de que la pérdida de miedo es la herramienta imprescindible para la creación», ha declarado el cineast.

Por su parte Andoni Luis Aduriz ha icho que «He vivido todo el proceso de rodaje con la misma cantidad de calma que de curiosidad. Sobre todo, porque creo que tiene un nivel de complejidad muy alto. Es muy difícil hacer una historia en pocos minutos de un proceso como este que dura casi seis meses y plasmar el latido de una casa como Mugaritz, donde hay tanta gente implicada. Además, refleja un proceso de transformación que se produce desde el principio del periodo de creatividad hasta prácticamente llegar a las puertas de la nueva temporada».

Sinopsis oficial:

El equipo de Mugaritz trabaja a puerta cerrada para diseñar una propuesta gastronómica en la que no caben “grandes éxitos” del pasado. Cada temporada es un salto al vacío imprevisible. Un camino repleto de preguntas que, con suerte, se responden en la apertura del restaurante cada temporada con el objetivo de desafiar a los comensales curiosos que recojan el guante y acepten el reto.

Crítica: ‘Action’

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Un tributo al oficio de los actores de acción a través de 87North

Hace poco se estrenó ‘El especialista’ en cines. Aquello fue todo un tributo a los actores de acción pero a su vez la mayor reivindicación para que este gremio tenga por fin el reconocimiento que se merece. Pero esto solo es la guinda del pastel del momento tan reivindicativo que vive el mundo de los dobles de acción. Gracias a que artistas como David Leitch y Chad Stahelski decidieron ponerse del lado de los que gritan «action» y no de los que materializan la acción dando el salto a la dirección, se está culminando una época en la que puede que por fin estos actores que se juegan el tipo para darnos el máximo espectáculo tengan los honores que merecen.

El 12 de agosto en Movistar Plus+ se estrena ‘Action’. Una serie documental dirigida por Chelsea Allen y Bridger Nielson que en seis episodios intenta rendir tributo a los actores que siempre vemos en pantalla pero, que cumplen el doble papel de interpretar a un personaje y el hacerse pasar por el actor famoso que también lo interpreta. Para ello nos narra la historia de los creadores y empleados de 87North, los cuales, están en la vanguardia del género de acción.

David Leitch, quien en su día fue especialista en Matrix o doble de acción de Brad Pitt en ‘El club de la lucha’ o ‘Troya’, junto a Kelly McCormick, productora de ‘Deadpool 2’ o ‘Fast & Furious: Hobbs & Shaw’, fundaron 87North. Este estudio se encarga de proveer las mejores escenas de persecución, choques, peleas y saltos el cine, siendo los primeros en mostrar previsualizaciones de coreografías a los productores. Arrancaron con ‘Nadie’ y a partir de ahí todo han sido éxitos como ‘Kate’, ‘Bullet Train’ o ‘El especialista’.

Salvo en contadísimas ocasiones como las de Jackie Chan, Tom Cruise o Keanu Reeves, tras las estrellas de acción siempre hay un héroe que se juega el tipo de verdad. Ellos son los auténticos héroes que salvan las producciones que llegan a nuestras pantallas y consiguen hacer lo casi imposible sin que nadie salga herido, al menos gravemente. Estos profesionales que tienen en su ADN una buena dosis de locura se sacrifican, no solo al llevar a cabo sus escenas, sino también al aparecer en una maraña de nombres en los créditos. En ‘Action’ hablan Keanu Reeves, Tommy Wirkola, Jonathan “Jojo” Eusebio, Mitra Suri, Phong Giang, Chris O’Hara, David Harbour, Keir Beck, Logan Holladay, Can Aydin, Justin Eaton, Winston Duke, Ben Jenkin, Troy Brown… Quisiera que apareciesen todos mezclados, como deberían aparecer en los títulos de crédito.

En ‘Action’ se habla de ‘Matrix’, ‘El especialista’, ‘Atómica’, ‘John Wick’, ‘Noche de Paz’, ‘Bullet Train’… Sobre todo de películas de la Universal Pictures, no solo porque sea quien produce esta docuserie, sino porque realmente Leitch y McCormick formaron 87North Productions como una sociedad con esta major. Les seguimos principalmente por los rodajes de ‘Noche de paz’ y ‘El especialista’. De este modo nos cuentan cuál es la historia y el modus operandi de 87North. ‘Action’ narra la vida, orígenes, sacrificios y aspiraciones de aquellos que trabajan en este negocio. Les seguimos en todo el proceso que conlleva una película, mientras se lamentan por la distancia con su familia y vemos escenas que por lo general acaban destinadas a los extras de los Blu-rays. Cómo se ensaya todo, de qué manera se rellena lo que describe el guión, en qué formato se capta en imágenes, qué medidas de seguridad se emplean… Todos esos detalles aparecen para los más curiosos o quienes se estén pensando entrar en esta profesión.

Por desgracia ‘Action’ no es el repaso histórico que cabría esperar. No se habla mucho del humor físico, el western, las películas de la Canon o la lucha libre que fueron las bases del trabajo de estos especialistas. En lugar de ello Universal nos enseña las entrañas de dos de sus películas, dos que tienen evidentemente mucho que ver con seguir haciendo efectos prácticos y acrobacias con el mínimo retoque informático. Saldrán de esta y las otras corporaciones del entretenimiento más películas plagadas de arreglos llevados a cabo con IA, seguirán estos actores intentando convivir con los efectos generados por ordenador, las agendas 2030 les recortarán sus efectos prácticos… Pero el público apreciará su trabajo, a veces sin saberlo.

Movistar Plus+ estrenará una serie tributo a los especialistas

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‘Action’ mostrará el trabajo de los actores de 87North

El estreno de ‘El especialista’ solo fue la guinda del pastel para una serie de películas que desde hace años están reivindicando el papel de los dobles de acción en el cine. Cada vez está más cerca el Oscar a mejor doble de acción o stunt, no es de extrañar pues títulos como ‘John Wick’ o ‘Mad Max’ demuestran que son una parte vital en el cine actual.

Movistar Plus+ estrenará el próximo 12 de agosto ‘Action’, la serie documental de 87North, la productora de los cineastas de blockbusters David Leitch y Kelly McCormick, que están detrás de películas como ‘Bullet Train’, ‘Fast & Furious: Hobbs & Shaw’ y ‘Atómica’. En esta serie, de seis episodios, el equipo de especialistas de 87North toma el protagonismo, mostrando las historias de estas personas corrientes que se sienten atraídas por el electrizante mundo de los deportes de acción, las artes marciales, el motocross y más. Estos temerarios navegan por el mundo altamente cualificado, de alto octanaje y a menudo peligroso, de los especialistas de cine, haciendo un equilibrio entre su pasión profesional y las exigencias de la vida cotidiana.

En un momento en el que la fascinación mundial por las películas de acción multimillonarias ha alcanzado un punto álgido, ‘Action’ lleva a los espectadores entre las bambalinas de los platós cinematográficos más importantes de Hollywood para presenciar cómo estos héroes anónimos se convierten en dobles de estrellas de primer nivel como Ryan Gosling (‘El especialista’) y David Harbour (‘Noche de paz’). La serie cuenta también con el testimonio de Keanu Reeves, que explica su amor por el arte de la acción y por qué estos héroes de acción de la vida real merecen el reconocimiento de la industria.

En ‘Action’, cada episodio revela el espíritu indomable y la camaradería que une a este extraordinario grupo de especialistas. Sus sueños compartidos y su amor por todo lo relacionado con la acción los une mientras graban sus nombres en los anales de la historia de Hollywood. Pero hay algo más que acrobacias asombrosas; la serie profundiza en sus vidas personales y es testigo de los sacrificios que hacen y los desafíos que conquistan mientras llevan a cabo malabarismos con el trabajo diario más singular del planeta.

Leitch y McCormick son productores ejecutivos de ‘Action’ y han trabajado en la serie documental con un equipo creativo galardonado formado por el productor ejecutivo Josh Oreck (‘John Wick’, ‘Sherlock Holmes’) y los directores Bridger Nielson (‘El auge y hundimiento de Tower Records’, ‘The Prodigy’) y Chelsea Allen (‘Prop Culture’, ‘Fam Jam’).

Además, el estreno de ‘Action’ vendrá acompañado en Movistar Plus+, del 12 al 25 de agosto, de una programación especial en la plataforma de grandes películas de acción, trabajos de intérpretes que fueron antes especialistas (Michelle Yeoh, Zoë Bell, Burt Reynolds, Chuck Norris, Steve McQueen, Jackie Chan, Jean-Claude Van Damme, Scott Adkins…), películas en las que los intérpretes hacen directamente las escenas de acción (Milla Jovovich, Tom Cruise, Jason Statham, The Rock y Jeremy Renner…) y varios documentales.