Crítica: ‘El extranjero’

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Crítica

Entre la fidelidad a Camus y la frialdad narrativa de Ozon

‘El extranjero’, la nueva película de François Ozon, se adentra en un terreno que parecía inevitable: la adaptación de la célebre novela de Albert Camus. A primera vista, la combinación suena casi perfecta, pues ambos autores, cada uno en su disciplina, han dedicado su obra a cuestionar la vida y sociedad, sus absurdos y contradicciones. El resultado, sin embargo, es una propuesta profundamente existencialista, cargada de reflexiones valiosas, pero también marcada por un ritmo pausado, casi inmóvil, que pondrá a prueba la paciencia del espectador.

La cinta sigue a Meursault, un hombre aparentemente insensible, que vive como si se tratase de un autómata. Su mirada fría y su forma de caminar por la vida transmiten una desconexión total con el mundo. Apenas se inmuta cuando su madre muere, a la que había dejado en una residencia como si fuese una extraña. Y en el fondo, ese es uno de los temas centrales: Meursault es un extranjero tanto en la vida de su madre como en la suya propia.

Más allá del retrato íntimo del protagonista, la película funciona como un breve fresco sobre la Francia colonialista. La Argelia de Camus resurge como un territorio mestizo, atravesado por tensiones sociales y culturales, donde Francia es, en última instancia, una potencia extranjera. El contraste entre pertenencia y desarraigo resuena con fuerza en cada rincón de la historia.

‘El extranjero’ es, en definitiva, una película de hechos y consecuencias, con muy pocos porqués. La trama se despliega sin giros sorprendentes, sin respuestas tranquilizadoras. El asesinato que articula la narración desde el minuto cero cae en el olvido y se resuelve de forma insustancial, como si el acto más grave de la vida de Meursault no fuese más relevante que un simple accidente. Esa falta de trascendencia, que puede resultar frustrante para muchos, es precisamente la clave: aceptar el sinsentido de la vida, tal como proponía Camus.

Ozon ha plasmado con fidelidad el espíritu del Premio Nobel. Cuestionar la película es, en cierto modo, cuestionar la propia obra de Camus. Para gustos, los colores… o en este caso, la escala de grises. François Ozon logra trasladar la esencia del absurdo camusiano con imágenes contenidas y una puesta en escena sobria. Filmar en blanco y negro refuerza la sensación de distancia y atemporalidad. La escala de grises no solo remite a la época colonial en Argel, sino que convierte cada plano en un espejo de lo que Camus proponía: un mundo sin color, sin adornos, donde lo que vemos es lo que hay. El blanco y negro, en este sentido, aporta crudeza y evita cualquier romanticismo que pudiera suavizar el relato.

Ficha de El extranjero

Estreno en España: 19 de diciembre de 2025. Título original: L’Étranger. Duración: 120 min. País: Francia. Dirección: François Ozon. Guion: François Ozon. Música: Fatima Al Qadiri. Fotografía: Manuel Dacosse. Reparto principal: Benjamin Voisin, Rebecca Marder, Denis Lavant, Pierre Lottin, Swann Arlaud. Producción: FOZ, Gaumont, France 2 Cinéma, Macassar Productions, Scope Pictures, Canal+. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, misterio, adaptación. Web oficial.

Crítica: ‘El último arrebato’

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Sinopsis

‘Arrebato’ es hoy la gran película de culto del cine español e Iván Zulueta, su director, un cineasta maldito. La película que anticipó el final de la movida, una cinta oscura y cruda cuya historia e intrahistoria están íntimamente conectadas. Arrebato sirve como premonición de la vida del propio cineasta. Al igual que sus protagonistas, Zulueta acabará arrebatado por las drogas y el cine y, como ellos, también desapareciendo.

Crítica

Un gran trabajo de investigación y restauración

En Sitges tuvimos la oportunidad de ver ‘El último arrebato’, un documental en el que los autores se adentran de lleno en la película de Iván Zulueta, ‘Arrebato’. Y nos dan un poco de contexto para la desaparición de éste de la vida pública y de como la película se convirtió en una cinta de culto.

No he visto ‘Arrebato’, quitando todas las imágenes que nos muestran en esta película y sin duda uno de los objetivos de este documental es que tengas ganas de ver la cinta. En esta cinta, Marta Medina y Enrique López Lavigne, van buscando información acerca del autor y de la película. Con ello vemos escenas de la película y escenas actuales, donde vemos el Madrid de la Movida, ya en declive. Ese Madrid de Zulueta que nos muestra con bastante nostalgia, como antes su mundo había tenido días mejores y también de un nuevo Madrid que va resurgiendo mientras Zulueta se va diluyendo cada vez más en esas obsesiones y encerrándose en sí mismo.

La película se estrenó un 9 de junio de 1980 en el Cine Azul. Después de esto Iván Zulueta termina recluido en la casa de su madre en San Sebastián. Nunca más volvió a rodar nada. En el documental encontramos diferentes entrevistas con sus más allegados y también un montón de material inéditos. Imágenes de Super 8, pequeños retales de una vida restaurados por la Filmoteca Española. Un gran trabajo de documentación que nos van mostrando esta decadencia del director y de la propia Movida madrileña. Sin duda es un gusto ver imágenes de un Madrid tan cambiante, vemos las imágenes del pasado junto con las del presente. Los protagonistas de la cinta van pasando por los mismos lugares que Zulueta pasó mientras nos cuentan su historia.

Y es que, sin duda, lo que más me ha gustado de este documental ha sido conocer la figura de Iván Zulueta e indagar más en su trabajo. Para mí descubrir todo el trabajo que tiene de carteles de cine me ha fascinado, carteles que hemos visto mil veces, pero que sinceramente no conocía quien era el autor. Películas como ‘Asignatura pendiente’ de José Luis Garci, ‘Viridiana’ de Luis Buñuel o ‘Laberinto de Pasiones’ de Pedro Almodóvar llevan su sello. Si pincháis aquí, podréis ver parte de su trabajo que es inmenso.

Sin duda Marta Medina y Enrique López Lavigne, han logrado un gran trabajo de investigación y además logran que Iván Zulueta quede bien reflejado en el documental. Como he comentado, consiguen que tengas interés más allá de lo visto en la cinta y quieras conocer más sobre el trabajo de este hombre malogrado por una época llena de excesos. Como todo, no es perfecto, pero si que brilla más por sus luces que por sus sombras y ya solo por todo el trabajo que lleva por detrás, toda la gente que han logrado reunir y poder contemplar tanto material inédito, ‘El último arrebato’ es un documental que bien merece un buen visionado.

Ficha de la película

Estreno en España: Próximamente. Título original: El último arrebato. Duración: 108 min. País: España. Dirección: Marta Medina, Enrique López Lavigne. Guion: Marta Medina, Jaime Chávarri. Música: José Ignacio Arrufat. Fotografía: Álvaro Gómez Pidal. Reparto principal: Iván Zulueta, Jaime Chávarri, Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Marta Fernandez Muro, Carlos Heredero, Virginia Montenegro, Carlos Astiarraga, Enrique López Lavigne, Marta Medina. Producción: Apaches Entertainment, 39 Escalones. Distribución: Género: Biografía. Web oficial: https://x.com/39escalonescine?lang=es

Crítica: ‘La tarta del presidente’

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Sinopsis

Mientras la gente lucha por sobrevivir bajo las sanciones en el Iraq de Saddam, Saeed, de 9 años, debe ingeniárselas para llevar el pastel obligatorio al cumpleaños del presidente o enfrentar prisión o muerte.

Crítica

Un cuento tan amargo como necesario

‘La tarta del presidente’, dirigida por Hasan Hadi, es una de esas películas que parecen pequeñas en su premisa pero que, poco a poco, se revelan como un poderoso recordatorio histórico y político. A través de los ojos de una niña, el filme nos invita a recorrer el Irak de los años 90, marcado por la pobreza, las sanciones internacionales y la sombra de un régimen autoritario que heredaba sus formas de gobierno de forma retrógrada y caciquista, como si de una monarquía medieval se tratase.

El punto de partida es tan entrañable como desolador: una niña que, acompañada siempre por su gallo, busca los ingredientes necesarios para preparar una tarta de cumpleaños encargada por el propio Sadam Huseín a toda la población en un ejercicio de autobombo y a la vez de extorsión a la ciudadanía. Lo que en apariencia podría ser una anécdota infantil cargada de candor e inocencia se convierte en una radiografía amarga de un país hambriento y en ruinas, donde las peticiones de un dictador exponen el contraste brutal entre lo cotidiano y lo absurdo, entre el capricho y la más urgente de las necesidades.

Hasan Hadi juega con la baza de la infancia y logra un contraste cautivador entre la inocencia de la protagonista y la tragedia de un pueblo sometido. El paisaje de casas sobre el agua, la niña y su barca cruzando de un lado a otro y el tono a medio camino entre el magnetismo de las fábulas y lo demoledor de los dramas, evocan un relato que podría formar parte de cuentos más próximos a ‘Las mil y una noches’. Sin embargo, tras la textura de cuento costumbrista se ocultan las cicatrices de una dictadura implacable y de un país desgarrado por las tensiones con Estados Unidos.

Los diálogos se mueven entre lo devastador y lo entrañable, como si en cada frase convivieran la dureza de la realidad y la ternura de un cuento contado al calor del hogar. En este sentido, la película conecta con la universalidad de títulos como ‘El monje y el rifle’, por citar una obra reciente, que trascienden sus contextos específicos para ofrecer reflexiones sobre el poder, la identidad y la memoria colectiva. Pertenece a ese tipo de películas que independientemente del escenario y el ambiente te llegan o pueden vincularse con tu propia historia o sociedad.

Especial mención merece la actuación de Sajad Mohamad Qasem, la joven protagonista. Su interpretación equilibra dulzura y carácter, transmitiendo tanto la ingenuidad de la niñez como la consciencia, incipiente pero firme, de estar viviendo en tiempos decisivos. Su rostro es a menudo reflejo de una cultura rota, de un país al borde del sálvese quien pueda. ‘La tarta del presidente’ no es solo una película sobre Irak ni sobre Saddam Hussein: es un recordatorio de cómo la inocencia infantil puede servir como espejo de las tragedias colectivas. Hasan Hadi logra un relato que emociona, conmueve y, sobre todo, obliga a recordar.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de febrero de 2026. Título original: Mamlaket Al-Qasab. Duración: 102 min. País: Irán. Dirección: Hasan Hadi. Guion: Hasan Hadi. Fotografía: Tudor Vladimir Panduru. Reparto principal: Sajad Mohamad Qasem, Rahim AlHaj, Baneen Ahmad Nayyef, Waheed Thabet Khreibat. Producción: Maiden Voyage Pictures, Missing Piece Films, Spark Features, Working Barn Productions. Distribución: Atalante. Género: drama. Web oficial: https://www.thefilmcollaborative.org/fiscalsponsorship/projects/thepresidentscake

Crítica: ‘La princesa orgullosa’

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Sinopsis

Ha llegado el momento de que el joven y apuesto rey Benjamín encuentre esposa. Cuando le presentan el retrato de la bella princesa Carolina, queda tan encantado que a cambio le envía su retrato, pero al mimada y orgullosa princesa Carolina lo rechaza. El rey Benjamín, decide seducirla y, disfrazado de jardinero, consigue trabajar en su castillo. Descubre que la princesa alguna vez fue feliz y amable y, con la ayuda de la música y las flores, se enamora de él. Cuando sus consejeros, deseosos de permanecer en el poder, encuentran para ella un príncipe débil con quien casarse, Carolina y Benjamín huyen juntos. Los numerosos obstáculos a los que se enfrentarán en su huida los unirán. Sin embargo, Benjamín aún tendrá que revelar la verdad pero el amor y la felicidad prevalecerán.

Crítica

Divertida y llena de magia

Basada en el famoso cuento checo, llega a nuestras pantallas de cine ‘La princesa orgullosa’. La inmortal historia de Božena Němcová, nos cuenta la historia del rey Benjamín, un joven que se enamora perdidamente de la bella pero orgullosa princesa Carolina. Para ganarse su corazón se hará pasar por un simple jardinero.

Cogiendo ideas del cuento y de la película de 1952. ‘La princesa orgullosa’ nos trae una divertida historia en la que al final triunfa el amor. Me han encantado el personaje de Carolina, esta hermosa princesa, pero con un terrible carácter. Es divertido ver un personaje así, saliéndose un poquito del estereotipo de princesa encantadora.

La película está dirigida por Radek Beran y David Lisý, ambos han querido hacer un gran homenaje a los paisajes checos. Y es que, sin duda, el gran punto fuerte de la película son esos grandes fondos que vemos rodeando a los protagonistas. Tenemos imágenes que parecen verdaderas fotografías. Contrasta un poco con la animación. Que no es mala, pero sí que es verdad que alguno de los movimientos, sobre todo en las caras de los personajes, son un poco torpes. Algo que no influye para nada el disfrute de esta historia.

Otro de los puntos fuertes que encontramos en la cinta, es el uso del color, colores fuertes y que llaman la atención, logrando caracterizar a nuestros protagonistas con los colores.

El diseño de los personajes está directamente basado en los actores Alena Vránová y Vladimir Ráz, actores de la película de Borijov Zeman, de 1952. Buscando imágenes de esta película, he podido ver el gran trabajo que han realizado logrando un gran parecido a éstos. Incluso hay escenas calcadas de la película del 52.

La banda sonora también es una mezcla de la música original de la película de Zeman, mezclada con nuevos temas. Se ha encargado de ella Ondrej Brzobohatý.

‘La princesa orgullosa’ me ha gustado bastante, creo que es una película que los niños van a disfrutar un montón. Ya que es divertida, tiene aventuras, magia, amistad y amor. Y está contada de una manera muy dinámica y con escenas llenas de movimientos. Así que no dudéis en acercaros a las salas de cine este próximo viernes para disfrutar de una buena tarde junto los más pequeños.

Ficha de la película

Título original: Pysná princezna. Duración: 84 min. País: República Checa. Dirección: Radek Beran, David Lisy. Guion: Radek Beran, Henryk Bloch, Oldrich Kautský, Borivoj Zeman. Música: Ondrej Brzobohatý. Fotografía: Álex D. Sala. Reparto principal: Marek Lambora, Anna Fialová, Ales Procházka, Martin Zahálka, Vasil Fridrich, Petr Pospíchal. Producción: Human, Luminar Film, PFX. Distribución: Vercine. Género: Aventura. Web oficial: La princesa orgullosa

Crítica: ‘Ángulo muerto’

Sinopsis

Estela y Ramón han atravesado una separación y el suicidio de Hugo, su único hijo, con tan solo 13 años, después de sufrir acoso escolar. Cuando Estela obtiene un vídeo grabado por los agresores de su hijo, cree que ha llegado el momento de tener una conversación con Ramón. Mientras descubren la realidad de lo ocurrido con Hugo, tratarán de esclarecer si podrían haberlo evitado y si estuvieron a la altura como padres.

Crítica

El giro final destroza

Hemos tenido la oportunidad de poder ver el cortometraje ‘Ángulo muerto’, dirigido por Cristian Beteta. Quizás os suene, ya que ganó a Mejor Dirección en los Premios Fugaz de 2025 (aquí la lista de ganadores) y también su actriz, fue galardonada en estos mismos premios.

Estela y Ramón han atravesado una separación y el suicidio de Hugo, su único hijo, con tan solo 13 años. Algo que para dos personas es demasiado. Esa tensión la vemos desde el primer momento en el que Ramón monta en el coche, en el que le ha ido a buscar Estela.

Aquí, los nervios de ella y el cómo intenta mantener la calma él, se ve en cada movimiento, respiración, gestos, casi ni se miran. Pero Estela solo quiere una cosa, y es hablar, y mostrarle la realidad.

Un cortometraje muy duro y por desgracia demasiado actual. En un año en el que ya hemos visto varios casos parecidos en la televisión, de niños llevados por la desesperación deciden desaparecer, ‘Ángulo muerto’ como digo es una manera de traernos ese dolor por parte de los padres. De no entender nada, de no comprender tantas cosas, de echarse culpas y ver que no pudieron ayudarle.

Cristian Beteta cuenta con el gran Carlos Santos, que me parece sensacional. Y con Eva Llorach, cuyo papel le ha dado ya bastantes premios en diferentes galas. Su personaje está destruido, tiene un vídeo que no para de ver, pero que nunca puede terminar. No comprende porque a su hijo le pudieron tratar así. Cada movimiento de sus manos, los gestos de su cara, muestran un dolor que le llega a las entrañas.

‘Ángulo muerto’ merece mucho su visionado, en el vemos todo el proceso de una pérdida tan cruel y difícil de llevar. Además, el querer venganza, el necesitar saber quiénes maltrataron a tu hijo y el por qué lo hicieron. En un mundo en el que este tipo de situaciones son “cosas de niños” deberíamos de afrontar más historias como estas y poder actuar con tiempo.

Ficha de la película

Título original: Ángulo Muerto. Duración: 15 min. País: España. Dirección: Cristian Beteta. Guion: David Verdugo. Música: Beatriz López. Fotografía: Álex D. Sala. Reparto principal: Eva Llorach, Carlos Santos. Producción: La Dalia Films. Distribución: Distribution with Glasses. Género: Drama. Web oficial: https://betetafilms.com/portfolio-item/angulo-muerto/

Crítica: ‘Hi-Five (Haipaibeu)’

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Sinopsis

¡Entre lo ordinario y lo extraordinario! ¿Quiénes somos? «High Five»

La chica del taekwondo «Wanseo», el aspirante a escritor «Jisung», la nueva gerente «Seonnyeo», el jefe del equipo de trabajo FM «Yakseon» y el hipster desempleado «Kidong».

Las cinco personas recibieron un trasplante de corazón, pulmones, riñón, hígado y córnea de un misterioso donante de órganos. Pero junto con sus cuerpos sanos, ¡también recibieron superpoderes inesperados!

Confirman la existencia de los demás a través de sus propias marcas y deciden formar un equipo, pero sus habilidades, personalidades y gustos son diferentes, y cada vez que se reúnen, pelean y tienen accidentes.

Mientras tanto, «Youngchun», el líder de la Iglesia del Nuevo Dios, que recibió un trasplante de páncreas y también obtuvo poderes especiales, se propone encontrar a los demás receptores para convertirse en el ser absoluto con el que ha soñado toda su vida…

Crítica

Un trasplante del cine de superhéroes que convierte la comedia coreana en cine global

El cine surcoreano lleva años demostrando su versatilidad a la hora de conquistar mercados internacionales. Con ‘Hi-Five (Haipaibeu)’, el director Kang Hyeong-cheol vuelve a demostrar que en Corea del Sur saben reinventar géneros populares y darles un sello propio. La película nos presenta un relato de superpoderes que podría hacer las veces del ‘Chronicle’ de Josh Trank, el cual, cambió la visión de las historias de personas con poderes. En esta ocasión no hay oscuridad ni tragedia adolescente, sino un espectáculo lleno de color, comedia y energía desbordante.

Para contextualizar, conviene recordar que ‘Chronicle’ sorprendió en su día como una propuesta independiente que exploraba la responsabilidad y el deterioro psicológico en torno a los superpoderes. Fue una película con efectos visuales notables y, además, un trampolín para talentos como Dane DeHaan o Michael B. Jordan. Pues bien, con ‘Hi-Five’ podríamos hablar de un “Chronicle coreano”, pero pasado por un filtro mucho más festivo y cercano al espíritu del cómic o el manga.

La cinta crea su propia mitología original para justificar cómo los personajes adquieren sus habilidades: en este caso, a través de trasplantes de órganos que les otorgan habilidades extraordinarias. Esta premisa, tan peculiar como ingeniosa, da pie a un grupo protagonista compuesto por cinco individuos totalmente heterogéneos. Kang Hyeong-cheol no se limita a mostrar sus poderes como simples recursos narrativos, sino que los utiliza al servicio de la comedia física y visual, explotando al máximo cada situación absurda o inesperada.

Uno de los aspectos más destacados es cómo la película equilibra humor y épica. Aunque la mayor parte del metraje busca arrancar carcajadas, también hay momentos que recuerdan al cine de aventuras con gran despliegue visual. El villano de turno, cerca de ser un mero estereotipo, se integra dentro de esa mitología inventada, dotando a la historia de un trasfondo que prácticamente cae en lo anecdótico.

En términos técnicos, ‘Hi-Five’ sorprende con unos efectos especiales competentes y coloridos, que aunque no buscan el hiperrealismo de Hollywood, cumplen con creces en el terreno estilizado que propone la cinta. La fotografía refuerza ese aire comiquero, con tonos vivos y composiciones que parecen sacadas de una viñeta. Además, la banda sonora dinámica aporta un ritmo adicional a la narración, subrayando tanto los momentos cómicos como los más heroicos.

Lo que termina de redondear la experiencia es el carácter coral de los protagonistas. La película se toma su tiempo para que cada uno de ellos tenga su momento de lucimiento, mostrando sus particularidades y, en consecuencia, favoreciendo la conexión con la audiencia. Esta construcción de personajes recuerda a otros títulos donde grupos dispares aprenden a colaborar, pero lo hace con un acento marcadamente coreano y con un humor que nunca se toma demasiado en serio a sí mismo.

‘Hi-Five’ se inscribe en esa tendencia reciente del cine surcoreano de mezclar géneros para alcanzar tanto al público local como al internacional. Al igual que en películas como ‘Smugglers’ o la delirante ‘Escape from the 21st Century’, aquí se parte de una premisa aparentemente sencilla para construir un producto redondo, capaz de entretener y sorprender a partes iguales. Es el tipo de filme que quizá pase desapercibido en taquillas globales, pero que sin duda encontrará su lugar en el catálogo de streaming y entre los aficionados al cine fantástico con un toque irreverente. ‘Hi-Five’ es una película fresca y no me sorprendería que generase su propio manhwa.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Haipaibeu. Duración: 119 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kang Hyeong-cheol. Guion: Kang Hyeong-cheol. Música: Kim Jun-seok. Fotografía: Choi Chan-min. Reparto principal: Lee Jaein, Ahn Jaehong, Ra Miran, Kim Hiewon, Oh Jungse, Park Jinyoung. Producción: Annapurna Films, Next Entertainment World. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: comedia, fantástico. Web oficial: https://its-new.co.kr/en/movie/works/detail.aspx?seq=1212&search=&year=2025&lang=en&pageNum=1&type=

Crítica: ‘Un fantasma útil’

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Sinopsis

Tras la trágica muerte de Nat a causa de la contaminación por polvo, su esposo March se ve consumido por el dolor. Pero su vida cotidiana da un vuelco cuando descubre que el espíritu de su mujer se ha reencarnado en una aspiradora. Por absurdo que parezca, su vínculo se reaviva, haciéndose más fuerte que nunca…

Crítica

Ópera prima de Ratchapoom Boonbunchachoke y ya podemos decir que estaremos pendientes de su segunda película. Es un filme que se propone explorar el dolor, la memoria y el olvido mediante una comedia negra fantástica que coquetea con lo absurdo, y que en muchos momentos nos ha hecho recordar a maestros del absurdo como José Luis Cuerda o Quentin Dupieux.

La historia parte de una premisa tan insólita como desgarradora: Nat muere víctima de una enfermedad respiratoria provocada por contaminación, y su esposo March queda sumido en el duelo. Cuando descubre que el espíritu de su mujer se ha reencarnado en una aspiradora doméstica, su vida cambia por completo. Aparentemente una idea de humor surrealista, pero bajo esa superficie late una reflexión sobre el olvido: la memoria de una persona querida, el miedo a ser olvidado, el modo en que los seres vivos y los objetos pueden retener o borrar rastros de lo que fue. También aparece otro fantasma, de un obrero muerto en la fábrica familiar, lo que introduce la idea de los olvidos colectivos, de las heridas que no cierran o que la sociedad prefiere ignorar.

Originalidad del planteamiento es innegable. La unión entre lo doméstico absurdo (una aspiradora poseída) y lo íntimo (el duelo, la culpa, el recuerdo) es potente, y permite jugar con tonos que van rondan sobretodo el humor chanante. Escenas de sexo con aspiradoras, combates entre electrodomésticos, poltergeists fabriles… Las situaciones son tan dispares durante la primera hora que no paras de reírte.  A parte la ambientación y estética del film se apoya en un diseño visual cuidado y en la capacidad de generar cuadros que resultan inquietantes, poéticos o cómicamente espeluznantes según el momento. Solo el primer fotograma con personajes ya nos recuerda a las comedias manchegas de Cuerda.

Y tras todo esto hay metáfora social. Un fantásma útil no es sólo una historia personal y cómica, pues el fantasma de la fábrica recuerda que hay olvidos sociales (accidentes laborales, contaminación, responsabilidad colectiva) que están presentes, aunque se trate de barrerlos bajo la alfombra de manera que los ricos o poderosos queden impunes.

Pero hay algo que no termina de cuajar. Lo más claro es que el film padece de olvidarse de su propia vis cómica en algunos tramos. Cuando el absurdo alcanza su cúspide, se espera que el humor sostenga el peso y en ciertos momentos, la película se vuelve demasiado contemplativa, demasiado asfixiada por sus propias metáforas y dramas, perdiendo ese equilibro entre lo ridículo y lo profundo que prometía al inicio. Eso hace que la narrativa decaiga a ratos, especialmente en la parte central, donde el ritmo se relaja y algunas escenas se sienten redundantes. Eso si, el final es un apoteosis asegurado.

‘Un fantasma útil’ es una obra ambiciosa que merece atención por cómo mezcla lo fantástico con lo político, lo íntimo con lo colectivo, lo visual con lo simbólico. Su defecto principal es un cierto desbalance: promete delirios cómicos pero no siempre los sostiene. Aun así, cuando acierta, conmueve, provoca y arranca carcajadas. Porque al final lo que perdura es esa idea punzante: olvidar no es simplemente dejar de recordar, sino permitir que lo que fue deje de existir, incluso cuando pasada la garantía la aspiradora siga funcionando.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Phi Chidi Kha. Duración: 130 min. País: Tailandia. Dirección: Ratchapoom Boonbunchachoke. Guion: Ratchapoom Boonbunchachoke. Música: Chaibovon Seelukwa. Fotografía: Pasit Tandaechanurat. Reparto principal: Davika Hoorne, Apasiri Nitibhon, Wanlop Rungkamjad, Wisarut Homhuan, Wisarut Himmarat. Producción: 185 Films, Haut les Mains Productions, Mayana Films, Momo Film Co, Tsixtysix. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: comedia, drama. Web oficial: https://185films.co/work/

Crítica: ‘Together’

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Sinopsis

Dave Franco (The Disaster Artist, Malditos Vecinos) y Alison Brie (Mad Men, Community) interpretan a una pareja en crisis que se muda al campo, donde descubren una cueva con una fuerza sobrenatural. Al beber de su agua, comienzan a sentir transformaciones físicas y emocionales. Una experiencia de body horror intensa e inquietante que critica la codependencia en las relaciones de pareja.

Crítica

Una metáfora magnífica

Cuando uno se acerca a ‘Together’, debut en el largometraje para Michael Shanks, es inevitable pensar en referentes recientes que exploran el horror corporal como metáfora. Confieso que entré a la sala con la idea de que iba a toparme con algo similar a ‘Dos’ de Mar Targarona, aquella producción española donde dos desconocidos despiertan cosidos por el abdomen y luchan desesperadamente por liberarse. También me vino a la mente ‘Else’, de Thibault Emin, un título mucho menos conocido pero tremendamente perturbador, en el que el protagonista experimentaba el aislamiento existencial al ser absorbido por un edificio y expulsado por el recto del mismo (no es invent). No obstante, aunque ‘Together’ comparte con ambas la explotación y reinvención del body horror, su moraleja es otra: aquí lo grotesco sirve para diseccionar los pliegues más íntimos de las relaciones de pareja.

El body horror es un subgénero complejo y, durante mucho tiempo, relegado a un rincón de culto reservado a los fans de Cronenberg o de experimentos más extremos del cine independiente. Sin embargo, producciones recientes como ‘La sustancia’ han demostrado que puede tener un eco comercial y crítico, abriendo la puerta al público general a películas como esta. El cuerpo mutando, deformándose o desbordándose de lo humano se convierte en un espejo aterrador, un recordatorio de que lo físico es inseparable de lo psicológico. En ‘Together’, esa fusión orgánica entre dos amantes no es simplemente un efecto visual: es la materialización de una ansiedad colectiva sobre el amor, la convivencia y la pérdida de individualidad.

El argumento nos presenta a Millie (Alison Brie) y Tim (Dave Franco), una pareja que arrastra años de rutina y complicidades oxidadas. Su mudanza al campo parece un intento de recomponer lo que ya está resquebrajado. Pero la naturaleza (con un lago misterioso y una cueva que parece tragarse sus dudas) convierte su unión en un proceso irreversible: sus cuerpos comienzan a fundirse. Shanks construye a partir de ahí un relato que bascula entre lo íntimo y lo grotesco, entre la metáfora emocional y el espectáculo visual.

Lo fascinante de ‘Together’ es cómo utiliza la mutación para hablar del miedo al compromiso, del pánico a ser absorbido por el otro, de las crisis de ansiedad que nacen de relaciones estancadas. A la vez, plantea el otro extremo: el deseo profundo de pertenecer, de ser uno con la persona que se ama, incluso si eso significa desaparecer como individuo. El filme camina sobre esa paradoja con un pulso que mezcla horror y ternura, incomodidad y lirismo. Al fin y al cabo, ¿cuántas parejas no terminan funcionando como una sola entidad tras años de convivencia?

La película no ofrece respuestas fáciles ni moralejas simplistas, de hecho, plantea un enigma sobrenatural u ocultista de difícil intuición. Su cierre es tan perturbador como poético. No se trata de un “vivieron felices para siempre”, sino de otro tipo de conclusión que permite interpretaciones, con todas las implicaciones aterradoras que eso conlleva. Por supuesto todos coincidiremos en que el filme se proyecta para recordarnos que el amor puede ser un refugio, pero también una prisión invisible de la que no siempre hay escapatoria. Pero habrá quienes extraigan otras lecturas.

‘Together’ es un relato sobre el horror de sentirse atrapado en una relación infeliz y sobre la belleza y el peligro de entregarse sin reservas. Una obra que confirma que el body horror está viviendo una nueva juventud, donde las transformaciones físicas hablan de ansiedades sociales y emocionales con más verdad que cualquier melodrama convencional. Shanks debuta con una película incómoda y fascinante, destinada a quedarse en la memoria como una de las propuestas más arriesgadas y acertadas del 2025. Sin duda es una metáfora magnífica.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de octubre de 2025. Título original: Together. Duración: 102 min. País: Australia. Dirección: Michael Shanks. Guion: Michael Shanks. Música: Cornel Wilczek. Fotografía: Germain McMicking. Reparto principal: Alison Brie, Dave Franco. Producción: 1.21, 30West, Picturestart, Princess Pictures, Tango Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial: https://www.neonrated.com/film/together

Crítica: ‘La hermanastra fea’

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Sinopsis

En una versión retorcida del clásico cuento de Cenicienta, ‘La hermanastra fea’ sigue a Elvira, mientras tiene que competir con su preciosa hermanastra. En un reino de cuento de hadas donde la belleza es un negocio despiadado, Elvira hará todo lo que haga falta para captar la atención del príncipe. ‘La hermanastra fea’ es el sangriento relato  de la sangre, sudor y lágrimas necesarias para convertir a Elvira en la reina del baile.

Crítica

Un cuento bastante gore

Tenemos ante nosotros una versión más de ‘La Cenicienta’. Una de cientos, tanto orales, como escritas, este cuento ha tenido un montón de interpretaciones distintas, muchas de ellas bastante crueles y hasta un tanto gore.

En este caso, ‘La hermanastra fea’ nos trae la versión de una de las hermanastras de Agnes (Cenicienta) y es la menos agraciada de todas. Elvira, interpretada por Lea Myren, es una joven con el deseo más grande del mundo y es casarse con el príncipe. Para ello, va a sufrir un sinfín de dolores para conseguir ser guapa. Las cirugías que vemos en esos tiempos son terribles. Se arregla la nariz, el pelo e incluso toma un remedio para adelgazar. Este remedio será definitivo.

La película es bastante entretenida y desagradable la verdad. Si que es cierto que, si habéis visto el tráiler, sabéis a lo que vais, pero, aun así, hay escenas un tanto fuertes para estómagos especiales, porque uno de los puntos fuertes es que está bastante bien hecha.

La historia, pues lo de siempre, cambia un poco, pero en general, la envidia hace que Agnes, la dueña del castillo, al morir su padre, termine limpiando todo y compitiendo con Elvira. Si que es cierto que no coges mucho cariño a ninguno de los personajes en general, y eso hace que te de un poco igual lo que les pase a cada uno, simplemente, vamos viendo la historia y lo único que interesa es que locura va ha hacer Elvira para lograr ser más guapa.

Si que me gusta que ningún personaje es bueno, todos tienen su lado oscuro, incluida Agnes, nuestra cenicienta, que desesperada por salir de esa casa, donde ni si quiera la han dejado enterrar a su padre, decide luchar por el amor del príncipe pese a estar enamorada de otra persona.

Emilie Blichfeldt, elige una atmósfera muy oscura y sucia. La película es bastante tosca en ese sentido, los lugares que tienen que ser bonitos, de lo recargados que están, logran desagradar. Pero se nota que es su intención y que al final veas que nada en este cuento es bonito. Para ser su debut, la verdad que tiene todo muy bien pensado. Y es que visualmente, ‘La hermanastra fea’ está muy bien cuidada.

‘La hermanastra fea’ tiene mucha crítica hacia el tema de la belleza por encima de todo. Las operaciones, las locuras de introducirnos algo en el cuerpo con la ilusión de que adelgazaremos pronto sin saber que va hacernos o mutilar algo de nosotros mismos para lograr ser más perfectos. Todo esto está aquí, además desde mi punto de vista, la envidia entre mujeres, porque si Elvira y Agnes hubiesen trabajado juntas, hubiesen sido felices cada una por su camino, pero no. Claro, que, si no, no tendríamos películas. Para terminar, contaros, que tenéis una escena post-créditos, es cortita, pero creo que es bastante significativa. 

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de octubre de 2025. Título original: Den Stygge Stesosteren. Duración: 110 min. País: Noruega. Dirección: Emilie Blichfeldt. Guion: Emilie Blichfeldt. Música: John Erik Kaada, Vilde Tuv. Fotografía: Marcel Zyskind. Reparto principal: Lea Myren, Thea Sofie Loch Naess, Ane Dahl Torp, Flo Fagerli, Isac Calmroth, Malte Gardinger, Ralph Carlsson, Isaac Aspberg. Producción: Lava Films, Motor MER Film, Zentropa International Sweden. Distribución: Betafiction. Género: Terror. Web oficial: https://betafiction.es/cine/la-hermanastra-fea/

Crítica: ‘Orang Ikan (Monster Island)’

Sinopsis

Ambientada en el Pacífico, 1942. Un soldado japonés y un prisionero de guerra británico están atrapados en una isla desierta, perseguidos por una criatura mortal. Dos enemigos mortales deben unirse para sobrevivir a lo desconocido.

Crítica

Aventura pulp con monstruo de goma y trasfondo bélico

‘Orang Ikan’, también conocida como ‘Monster Island’, es una curiosa propuesta del director Mike Wiluan que se adentra en el terreno del cine de monstruos de serie B con un marco histórico poco habitual: la campaña del Pacífico en la Segunda Guerra Mundial. La historia enfrenta a un soldado estadounidense y a un militar japonés, rivales naturales por el contexto bélico, que se ven obligados a cooperar en una isla inhóspita para sobrevivir a una amenaza mucho mayor: una criatura marina ancestral con un instinto depredador implacable.

La película recuerda inevitablemente a ‘Enemigo mío’, aquel clásico en el que dos combatientes de bandos opuestos terminaban forjando una alianza en un entorno hostil. Sin embargo, aquí la fórmula se lleva a un terreno más pulp, con un monstruo anfibio que encarna la naturaleza salvaje y primigenia. La tensión no solo proviene de la enemistad de los protagonistas, sino también de la incertidumbre de cuándo el “hombre pez” volverá a atacar.

El reparto está encabezado por Dean Fujioka, conocido por dar vida a Roy Mustang en el live action de ‘Fullmetal Alchemist’, y Callum Woodhouse, recordado por su papel en ‘Los Durrell’. Su duelo interpretativo es el parte del motor de la película, aunque el guion no aprovecha al máximo la carga dramática que podría desprender el choque cultural y bélico entre ambos.

En lo visual, el filme no esconde a su criatura, lo que resulta refrescante en un género acostumbrado a sugerir más que mostrar. El diseño combina influencias claras de ‘Creature from the Black Lagoon’ con un aire caricaturesco que recuerda a los murlocs de ‘World of Warcraft’. El monstruo, creado con prótesis y máscaras de goma, oscila entre lo fascinante y lo carnavalesco, algo que puede restar tensión a las escenas de terror pero que mantiene un encanto artesanal.

‘Orang Ikan’ funciona como aventura ligera y entretenimiento directo, pero se queda corta en otros aspectos. Su presupuesto limitado justifica parte de sus carencias técnicas, pero no la falta de ambición narrativa. La cinta evita reflexionar sobre el trasfondo histórico o profundizar en la psicología de los personajes, quedándose en una superficie plana y predecible. En definitiva, aporta un nuevo monstruo al imaginario del género, pero no una voz propia que la distinga más allá de su estética.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Orang Ikan. Duración: 123 min. País: Singapur. Dirección: Mike Wiluan. Guion: Mike Wiluan. Música: Akihiko Matsumoto. Fotografía: Asep Kalila. Reparto principal: Dean Fujioka, Callum Woodhouse. Producción: Gorylah Pictures, Infinite Studios, SC Films Internationa, Tigon Pictures, Yaman Films, Zao Wei Films. Distribución: por determinar. Género: terror. Web oficial: https://scfilmsinternational.com/current-films-live-action-titles/orang-ikan/

Crítica: ‘Alpha’

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Sinopsis

Alpha es una problemática niña de 13 años que vive con su madre soltera. Su mundo se derrumbará el día que vuelve del colegio con un tatuaje en el brazo.

Crítica

Un pornodrama que deja pétreo tanto a sus personajes como a espectadores

Con ‘Alpha’, Julia Ducournau confirma que su cine no teme al abismo ni a la incomodidad. Tras la desconcertante ‘Titane’, esta nueva película logra ser más coherente, más emocional y con un mensaje mucho mejor articulado. La directora francesa parece haber encontrado un equilibrio más sólido entre su body horror y lo simbólico: la historia de una epidemia que convierte la piel en mármol funciona como metáfora de la fragilidad humana, del miedo al contagio y la negación a despedirnos de seres queridos. Hay ecos de los años ochenta y noventa, de aquel cine que hablaba del VIH desde la confusión y la culpa, pero también de un presente que aún arrastra la sombra del COVID. En esa mezcla de paranoia y carne, ‘Alpha’ encuentra su tono más honesto.

Sin embargo, Ducournau no renuncia a su estilo excesivo. ‘Alpha’ es un pornodrama en toda regla: una avalancha de emociones, cuerpos y metáforas que a veces sobrepasa lo necesario. La película carga con tanto dramatismo y simbolismo que termina rozando el agotamiento sensorial. Su propuesta se mueve entre la crudeza quinqui y el lirismo filosófico, como si Eloy de la Iglesia se encontrara con Cronenberg en plena crisis sanitaria. Esa mezcla resulta fascinante, pero irregular. Hay momentos de brillantez genuina, otros en los que el peso del discurso ahoga a los personajes.

El reparto sostiene el pulso con una entrega admirable. Mélissa Boros aporta vulnerabilidad, Tahar Rahim desprende una energía autodestructiva magnética y Golshifteh Farahani brilla como la madre médica, aportando calma y compasión a un universo dominado por el miedo. Su presencia humaniza lo que podría haber sido un simple experimento visual. Visualmente, ‘Alpha’ es impactante: fotografía precisa, estética enfermiza, texturas casi táctiles. Cada plano parece esculpido en mármol. Pero, de nuevo, tanta perfección puede volverse fría.

‘Alpha’ es mejor que ‘Titane’, sin duda, porque logra dar forma a su mensaje. Pero sigue siendo una película que exige más de lo que ofrece emocionalmente y lleva hasta el agotamiento tanto a personajes como a espectadores. Una obra que se debate entre el caos y la reflexión, entre el melodrama y la metáfora. Hermosa, intensa, saturada y absolutamente personal. Un cine que se atreve a sentir demasiado… incluso cuando no sabe muy bien cómo decirlo.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de noviembre de 2025. Título original: Alpha. Duración: 128 min. País: Francia. Dirección: Julia Ducournau. Guion: Julia Ducournau. Música: Jim Williams. Fotografía: Ruben Impens. Reparto principal: Tahar Rahim, Golshifteh Farahani, Mélissa Boros, Emma Mackey, Finnegan Oldfield. Producción: Mandarin & Compagnie, Kallouche Cinéma, Frakas Productions, France 3 Cinéma, RTBF, Proximus, BE TV. Distribución: Caramel Films, Youplanet. Género: suspense, drama. Web oficial: https://alphalefilm.fr/

Crítica: ‘Vieja loca’

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Sinopsis

En una noche de tormenta, Laura conduce por la autopista mientras mantiene una extraña conversación telefónica con su madre, Alicia. Inquieta por la reacción que ha tenido y sin poder localizar a la cuidadora, Laura pide ayuda a su exnovio Pedro, para que cuide de Alicia esa noche. Cuando Pedro llega a la casa se enfrenta a una noche aterradora en la que Alicia le propone practicar un sádico juego.

Crítica

Carmen Maura es la piedra angular de esta locura con atmósfera decrépita

‘Vieja loca’ aterriza en la cartelera envuelta en un aura de suspense heredado de los clásicos y con un aval de peso: J.A. Bayona como productor. No es un detalle menor, ya que el director de ‘El orfanato’ y ‘La sociedad de la nieve’ se adentra de nuevo en el terreno del género fantástico que tanto ha cultivado, pero esta vez desde la retaguardia. Bayona ejerce aquí de padrino y avalista, apoyando a un cineasta con el que ya había colaborado en diálogos para su último éxito.

La trama escrita por Martín Mauregui parte de una premisa sencilla que pronto se transforma en un viaje demencial. Una madre soltera, desbordada por el cuidado de su hija y de una madre que oscila entre la senectud y la locura, recurre a su expareja para que se haga cargo de la anciana. Ese gesto desencadena una de esas situaciones que, más que suponer un descenso progresivo a la locura, se convierten en un baño directo en lo demencial. Pedro (Daniel Hendler) queda atrapado en un escenario surrealista donde la cordura y los recuerdos fragmentados de Alicia (Carmen Maura) convierten la convivencia en un terreno minado.

La ambientación es uno de los grandes logros de ‘Vieja loca’. El caserón en el que transcurre gran parte de la acción es en sí mismo un personaje: paredes agrietadas, suelo crujiente, muebles desfasados y una loza que parece haber sobrevivido a otra época. Es un espacio cargado de atmósfera lúgubre, en el que uno no sabe qué tiene más goteras, si el techo de la casa o la mente de la protagonista. Pero lo que realmente eleva esta puesta en escena es la dirección de fotografía. La cámara juega con sombras, con zonas borrosas y detalles fuera de plano, generando incomodidad y sugiriendo que la verdadera locura siempre está en lo que se oculta, no en lo que se muestra abiertamente.

La película propone un pulso constante entre la cordura y la demencia. La confusión de Alicia contagia a quienes la rodean, como si sus recuerdos oxidados fueran un virus que se extiende lentamente por la memoria. Esta tensión desemboca en una dinámica que recordará a todo el mundo a ‘Misery’: el cautivo no tiene que escribir una novela, pero sí debe interpretar y seguir los delirios de su captora. En apenas media hora de metraje se establecen los códigos del subgénero de secuestros psicológicos: bucles de memoria, lagunas mentales, juegos retorcidos y escapes frustrados. El problema es que, como ocurre en muchas películas de este tipo, la reiteración de estos elementos acaba por rozar lo tedioso. Da la sensación que se pretende que la prisión mental de la protagonista sea contagiosa, pero nos podemos llegar a sentir excesivamente atrapados en una trama que no acaba de desenredarse. Hay, además, dos elementos que quedan desdibujados o mal integrados en la trama: el viaje para conocer al padre de la niña y el enigmático secreto del sótano, que no alcanzan la relevancia que parecían prometer. A ello le sumamos un final que más bien nos dice poco.

En el apartado interpretativo, el desequilibrio es evidente. Daniel Hendler no logra transmitir la desesperación y el dolor de un personaje sometido a una situación asfixiante y fuera de toda lógica. Su presencia es más plana de lo deseable en un rol que exigía matices de terror, resignación y furia contenida. En cambio, Carmen Maura está mucho más convincente. Su interpretación de Alicia, con un acento argentino resuelto con mayor o menor solvencia, se sostiene sobre la delgada línea entre la locura y la ternura. Lo hace sin caer en la parodia ni en lo histriónico, y eso convierte su trabajo en la auténtica piedra angular de la película.

‘Vieja loca’ no revoluciona el género ni aporta grandes novedades, pero sí logra construir un microcosmos inquietante en el que se mezclan las ruinas de la memoria y la tensión claustrofóbica de un secuestro emocional. Como carta de presentación para Martín Mauregui, funciona. Y como regreso indirecto de Bayona al terreno fantástico, sirve para recordar que aún tiene olfato para detectar proyectos en los que la atmósfera y la sugerencia pesan más que los golpes de efecto o los manidos scare jumps.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Título original: Vieja loca. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Martín Mauregui. Guion: Martín Mauregui. Música: Pedro Osuna. Fotografía: Julián Apezteguia, Marc Gómez del Moral. Reparto principal: Carmen Maura, Daniel Hendler, Tamara Rocca. Producción: Bambú Producciones, La Unión de los Ríos, Películas la Trini, Primo Content, Studiocanal S.A.S. Distribución: DeAPlaneta. Género: suspense. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/vieja_loca

Crítica: ‘Sketch. Cuidado con lo que dibujas’

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Sinopsis

Una niña con mucha imaginación deja caer accidentalmente su cuaderno en un misterioso estanque y sus dibujos cobran vida. Criaturas disparatadas y un poco peligrosas se escapan por la ciudad, sembrando el caos. Junto a su hermano y con la ayuda de su despistado padre, deberán atrapar a sus propias creaciones antes de que el desastre sea total.

Crítica

Eficiente aventura con el trazo como catarsis terapéutica

En un momento en que el cine fantástico a menudo parece haber perdido el asombro en favor del espectáculo vacío, ‘Sketch. Cuidado con lo que dibujas’ emerge como una propuesta original y fresca. Dirigida por Seth Worley, esta cinta mezcla acción real con animación dibujada a mano para ofrecernos una historia inquietante sobre los sentimientos reprimidos y los peligros de proyectar nuestros deseos sin control.

Lejos de ser una simple película juvenil o una fantasía complaciente, ‘Sketch. Cuidado con lo que dibujas’ se adentra en terrenos oscuros y profundamente emocionales. La premisa podría recordar a estrenos cercanos como ‘Harold y el lápiz mágico’, pero Worley imprime un tono completamente distinto, más introspectivo y adulto, donde el acto de crear deja de ser un juego para convertirse tanto en un bálsamo terapéutico como en una amenaza. Aquí, el cuaderno de dibujos no es un portal a la maravilla, sino un espejo del subconsciente de su protagonista. Para sorpresa esta es una película de Angel Studios (la productora cristiana de ‘Sound of freedom’) y por ninguna parte aparecen argumentos religiosos, al contrario, es un filme que funciona de manera universal y tiene un carácter inesperadamente indie e incluso con tintes de comedia negra.

La historia sigue a Amber (Bianca Belle), una joven retraída que descubre en un cuaderno de bocetos el bálsamo para sus penas, rabias e inquietudes. Todos hemos visto en películas de terror sobrenatural o de criaturas esas escenas escalofriantes en las que el profesor de turno enseña a los padres los espeluznantes dibujos que ha hecho su hijo/a. Con este filme sucede lo mismo e incluso estamos ante una obra que podría estar dentro del survival horror o el monster movie. Pero el carácter de las criaturas rompe esa sensación ya que estamos ante seres garabateados que aparecen por el bosque cual pokémon que te asalta.

La cinta funciona muy bien como aventura, como comedia e incluso a veces como título que puede dar miedo. Sobre todo es un filme que funciona como terapia. En la actualidad se habla mucho de la salud mental pero poco se toca tanto el tema infantil. Worley juega con el espectador y con los enfoques familiares para desarrollar bien su idea y sus giros. Cada trazo dibujado es una pincelada emocional, un símbolo que conecta con la psique de Amber y con sus conflictos internos. No es casualidad que muchas de las criaturas creadas reflejen sus miedos, deseos reprimidos y culpa, convirtiendo el filme en un estudio sobre el poder de la creatividad y el tratamiento del trauma.

A nivel visual, ‘Sketch. Cuidado con lo que dibujas’ es una delicia muy divertida. La transición entre el mundo tangible y los dibujos no busca el hiperrealismo, sino que apuesta por el contraste expresivo. Esto refuerza la fragilidad de lo imaginado frente a lo real, y también la idea de que todo poder creativo conlleva un enorme riesgo. Uno de los mayores logros de ‘Sketch’ es la forma en que integran los garabatos animados en la narrativa visual. Lejos de ser un mero recurso estético, estos dibujos cobran vida con una lógica propia, caótica y a veces inquietante. Su estilo visual (intencionadamente rudimentario, como si hubieran sido esbozados deprisa por una mente agitada y evidentemente infantil) contrasta con la fotografía realista y sobria del mundo tangible. La animación no pretende fundirse con la imagen real, sino invadirla, como si la imaginación estuviera filtrándose por las grietas de la realidad. Este choque estilístico refuerza la sensación de descontrol, ya que los trazos parecen expandirse más allá de lo que el protagonista desea, actuando con voluntad propia. Los dibujos interactúan físicamente con los personajes y el entorno, rompiendo las leyes naturales y desafiando cualquier lógica, lo que añade tensión y amenaza constante a cada escena. Evidentemente esto último forma parte de otra de las capas psicológicas del filme.

En cuanto al reparto, hay un gran equilibrio entre todo el elenco. Credibilidad en la relación de los hermanos protagonistas y un Tony Hale que podría ser un claro ejemplo para aquellos padres que se piensan que lo están haciendo todo bien (pero no). Si acaso habría que reprochar que el elenco infantil tiene momentos menos naturales, sobre todo en el caso de Kalon Cox, quien hace las veces del típico bromista cargante del instituto. Aun así todo el casting infantil funciona en los momentos en los que entra en juego la comedia.

‘Sketch’ no es solo una fantasía oscura, sino también una meditación sobre el arte como refugio y como amenaza. En una época donde la inteligencia artificial y la generación automática de contenido están en auge, la película plantea preguntas inquietantes: ¿Qué ocurre cuando no encontramos canales a través de los cuales transmitir lo qué sentimos? ¿Qué sucede cuando nuestras creaciones dejan de obedecernos? ¿Dónde acaba la inspiración y empieza la locura? Seth Worley ha firmado una obra valiente, emocionalmente compleja y visualmente particular. Una cinta que, aunque bebe de referentes clásicos, traza su propio camino con rotundidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Título original: Sketch. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Seth Worley. Guion: Seth Worley. Música: Cody Fry. Fotografía: Megan Stacey. Reparto principal: Bianca Belle, Tony Halle, D’Arcy Carden, Kue Lawrence, Kalon Cox. Producción: Morphan Time Productions. Distribución: a Contracorriente Fillms. Género: aventuras, fantasía. Web oficial: https://www.angel.com/movies/sketch

Crítica: ‘Ya no quedan junglas’

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Sinopsis

Theo, conocido como «The Gentleman», es un ex soldado estadounidense, cuya existencia solitaria y miserable transcurre entre sus recuerdos de un pasado mejor con su difunta esposa y su habitual cita de los jueves con Olga, una prostituta, a la que paga por conversar, recordando quién fue una vez y soñando con lo que podría haber sido. Cuando Olga es asesinada, busca una venganza brutal. El rastro de sangre que deja es seguido por Iborra, una inspectora de policía alcohólica, y Herodes, un despiadado asesino a sueldo. El cruce de estos personajes al límite tendrá un abrupto desenlace cuando el presente venga a cobrarse las deudas del pasado.

Crítica

Un Ron Perlman crepuscular en una película de moral ambigua

‘Ya no quedan junglas’, dirigida por Luis Gabriel Beristáin y protagonizada por Ron Perlman, llega como una propuesta de cine negro con aspiraciones clásicas, pero atrapada entre sus propias sombras. La película, producida por Álvaro Ariza (responsable de la más que solvente ‘Tierra de nadie’), intenta construir un universo crepuscular en la Parte Vieja de San Sebastián, un escenario urbano cargado de corrupción, narcotráfico y prostitución. En ese ambiente se mueven antihéroes y depredadores sociales, personajes que encarnan la decadencia y la justicia por mano propia.

La apuesta estética y narrativa es clara: un thriller que recurre a monólogos interiores, un protagonista con moral difusa y un clima peligroso. Sin embargo, el resultado final se ve lastrado por un uso excesivo de clichés. Prostitutas, villanos horteras, narcotraficantes latinos de manual y españoles en guerra contra la droga importada: un catálogo de estereotipos que, en lugar de aportar identidad, hacen que la cinta se perciba como un eco de tantas historias ya vistas. Para más inri la película tiene puntos comunes con ‘Asher’, un título en el que comparte reparto con otra española, Marta Milans.

Ron Perlman, con más de setenta años y una carrera marcada por personajes icónicos y brutales, interpreta aquí a un protagonista contenido, casi introspectivo. Su presencia se siente auténtica, quizá porque el papel refleja su propia etapa vital. No es el Perlman desatado de la Serie B pero tiene sus momentos sangrientos. Aunque sólido en su rol, el guion (y quizá también su estado físico) no le permite sostener el metraje completo y lo obliga a ceder minutos a personajes secundarios, como los de Megan Montaner y Hovik Keuchkerian, cuya subtrama carece de la fuerza necesaria y recuerda demasiado a registros previos como el de ‘Reina Roja’. La película se diluye cuando descansa en esos y otros personajes.

El reencuentro de Perlman con Gabriel Beristáin, tras su trabajo conjunto en ‘Blade 2’, y la presencia de Karra Elejalde como secundario con toques de humor aportan cierto magnetismo al proyecto. Sin embargo, el filme no termina de definirse: cuando la narración se concentra en el noir y en los dilemas del protagonista, funciona; cuando divaga hacia los lugares comunes del thriller televisivo, pierde tensión.

‘Ya no hay junglas’ me deja la sensación de haber visto un thriller más, que podría haber sido un episodio de tantas series policiacas emitidas en los canales lineales, pero querría ver una secunda parte con este protagonista. No es solo por la química conseguida entre Perlman y Elejalde o por el cariño que le tengo a varios de los actores que aparecen en los créditos, es más por como acaba la historia. La conclusión deja al protagonista en una situación más interesante y jugosa que con la que arranca. En ese punto sí que se percibe una oportunidad de desarrollo para la historia y el personaje. Es lo mismo que sucedió con ‘Skyline’, que se dejaron para el final lo que realmente era más original y tenía más posibilidades de sorprender al espectador.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Título original: Ya no quedan junglas. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Luis Gabriel Beristáin. Guion: Juma Fodde. Fotografía: Javier Salmones. Reparto principal: Ron Perlman, Megan Montaner, Hovik Keuchkerian, Damián Alcázar, Marco de la O, Natti Natasha, Unax Ugalde, Karra Elejalde, Rubén Ochandiano, Itziar Ituño, Diego Anido, Daniel Grao. Producción: Crea SGR, Esto también pasará, Film Factory, LKS Next Legal, SBD Films, Ya no quedan jungla. Distribución: Género: suspense. Web oficial: https://estotambienpasara.com/es/ultimas-noticias/ya-no-quedan-junglas-estreno-el-26-de-septiembre

Crítica: ‘La astronauta’

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Sinopsis

Sam Walker (Kate Mara) regresa en extrañas circunstancias de su primera misión espacial. El general William Harris (Laurence Fishburne) la obliga a permanecer en cuarentena, bajo la estricta vigilancia de la NASA, en una casa aislada de alta seguridad. Pese a vivir en una aparente normalidad, Walker empieza a percibir sucesos inquietantes en los alrededores de la propiedad. Es entonces cuando comienza a temer que no haya vuelto sola a la Tierra.

Crítica

Un home invasion que quiere disfrazarse de otra cosa, pero la ambigüedad juega en su contra

La directora Jess Varley presenta con ‘La astronauta’ una película que se adentra principalmente en el género del home invasion: un espacio confinado, una amenaza latente desde el exterior, inquietantes ruidos nocturnos y una paranoia creciente. Sin embargo, el misterio inicial y el título (‘The Astronaut’) prometen y ofrecen más: una vertiente de ciencia ficción que cuestiona lo real frente a lo psicológico.

Kate Mara interpreta a Sam Walker, una astronauta que regresa de su primera misión espacial, rescatada en el mar tras una reentrada problemática. Mara lleva el peso emocional y el metraje de la película, siendo uno de esos filmes donde prácticamente dependemos de un solo actor protagonista. Su actuación transmite con cierta eficacia la fragilidad, la confusión, los hematomas y el tinnitus, elementos comprensibles tras un regreso accidentado. Sin embargo, se suman a ellos brotes de flashbacks y recuerdos en su mente que son demasiado reveladores. En ocasiones, Mara ilumina escenas de tensión, pero el guión no permite un desarrollo auténtico y se queda en lo trillado: nadie la cree, confunde alucinaciones con realidad… Se intenta mantener tanto recelo sobre el personaje y su pasado que aparecen elementos tan descaradamente discordantes, hay tanta omisión de su trasfondo que es relativamente fácil intuir el desenlace. La relación con su esposo, su hija, apenas asoman como líneas dramáticas que podrían explorar su interior, pero muchas quedan como telón de fondo. Es más, su padre es Laurence Fishburne, así es que como sospechareis algo raro hay.

Varley logra generar esa sensación de tensión creciente apoyándose sobre todo en medios técnicos como la edición de sonido. De igual modo, contribuye el ambiente ubicado en una lujosa casa donde guarda una anómala cuarentena. Todo eso está bien y a pesar de los flecos que quedan pendientes y el mal CGI, esta podría haber sido una película interesante si hubiese tenido un desenlace mejor. La ambigüedad de la película juega en su contra y revela cierta evidencia, creando una sensación de cierre abrupto y desconectado. Por no decir que habría sido más interesante explorar lo que se plantea en el final que haber desarrollado todo como algo tan trillado como un home invasion. La elección de ese género imposibilita casi automáticamente cualquier posibilidad de desarrollar una trama que hable de la identidad o el significado de familia (que son dos temáticas que parecen haber querido plantear).

Giros tardíos, cambios de tono y género, o una insólita manera de desaprovechar a los actores secundarios son los mayores defectos de ‘La astronauta’. Puede ser capaz de generarte intriga, pero si conoces títulos como ‘The Brother from Another Planet’, ‘Impostor’ o ‘The Forgotten’, sabrás lo que se avecina. Y aún si no eres fan del género, no podrás evitar acordarte de ‘E.T.’.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Título original: The astronaut. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Jess Varley. Guion: Jess Varley. Música: Jacques Brautbar. Fotografía: Dave Garbett. Reparto principal: Kate Mara, Laurence Fishburne, Gabriel Luna, Ivana Milicevic, Macy Gray. Producción: Fuller Media, The Wonder Company, Bee-Hive Productions, Fith Season, Wild Atlantic Pictures. Distribución: DeAPlaneta. Género: suspense, ciencia ficción. Web oficial: http://deaplaneta.com/es/the_astronaut