Crítica: ‘La cosa en la niebla’

Un viaje con gracia y misterio pero sin cinturón de seguridad a través de la ciencia ficción

Cuando nos sentamos en la butaca del cine para enfrentarnos a una ópera prima de un director, a menudo esperamos encontrarnos con un ejercicio de contención, un drama intimista o una historia que no arriesgue demasiado. Sin embargo, el director Chedey Reyes ha decidido que su carta de presentación en el largometraje sea exactamente lo opuesto. Con ‘La cosa en la niebla’, Reyes nos invita a abrocharnos los cinturones en un vuelo turbulento que esquiva a volantazos la prudencia narrativa. Encerrados en la cabina de un avión de pasajeros, nos sumergimos en una aventura que abraza el caos cósmico, el humor absurdo y el terror con una pasión desbordante que contagia desde el primer fotograma hasta los créditos finales donde han introducido unas siempre divertidas secuencias de tomas falasas.

Un despegue entre el homenaje pulp y el neón retro

Para entender la propuesta visual de esta cinta, hay que dejar los prejuicios estéticos del cine contemporáneo en la puerta de embarque. La película es una mezcla con sabor pulp y color retro lisérgico de las producciones fosforitas de ciencia ficción de los 60 y 70. Lejos de las paletas desaturadas y grises que inundan las superproducciones de hoy en día, aquí los colores estallan en la pantalla, creando una atmósfera alienígena, extraña e irreal.

Resulta interesante descubrir, buceando entre las curiosidades de su rodaje, que para lograr este entorno inmersivo sin caer en el aspecto plano del croma tradicional, el equipo rodó en Gran Canaria utilizando pantallas de tecnología LED, imitando el estilo Stagecraft tan popularizado por ‘The Mandalorian’. Al proyectar los fondos nubosos o interdimensionales en tiempo real, los rostros de Ismael, un piloto veterano interpretado con una vis cómica impecable por Martín Garabal, y Daniela, su atípica y novata copiloto a la que da vida Elena de Lara, se tiñen orgánicamente con esas luces vibrantes. A través de los cristales surge una amenaza que evoca directamente a los cómics clásicos sesenteros como ‘Mars Attacks’ o ‘Strange Tales’.

Más allá de John Carpenter: ecos de la ciencia ficción de culto

El título de la cinta es toda una declaración de intenciones. Cualquiera que ame el terror clásico sabe a qué maestro del terror se está invocando. Sin embargo, limitar la película a un simple tributo sería injusto. Aunque el propio título y muchos otros guiños recuerdan a películas de Carpenter como ‘They live’, a nuestra cabeza también vienen referentes más cercanos como ‘Perdidos’, ‘Fringe’, clásicos de la ciencia ficción cómica como ‘Men in Black’ o la actual ‘Pluribus’, rodada en buena parte también en Canarias. No quiero entrar en más detalles al respecto por no destriparos nada, pero espero que esos referentes susciten tanto vuestra imaginación como para comprar una entrada si os llegáis a cruzar con esta película.

El guion, firmado por Juan José Ramírez Mascaró, es un artefacto que asimila todas estas influencias y las destila en un formato claustrofóbico. Nos encontramos ante una narrativa que sabe combinar la tensión de la supervivencia a miles de pies de altura con las anomalías del estratosféricas. Los diálogos tienen una chispa y un carisma que lo protagonistas han sabido materializar, de tal modo que rápidamente nos enganchamos a su aventura.

La imaginación desatada como única regla de vuelo

Lo que verdaderamente convierte a ‘La cosa en la niebla’ en una experiencia divertida es su absoluta falta de complejos. Llega un momento en el que parece que puede salirte por donde sea, pero por donde sea en plan de términos fantásticos con cualquier tipo de giro o solución. Chedey Reyes y su equipo no tienen reparos en dar rienda suelta a la imaginación puramente de ciencia ficción, abandonando las pesadas ataduras del realismo para abrazar lo inverosímil.

Eso está divertido porque tanto guionista como espectador juegan con la trama según se va sucediendo. La película juega constantemente con la imaginación y con el conocimiento de fantástico del espectador. Cuando crees que la historia tomará la ruta predecible de un thriller de la aviación, te lanza a la cara una paradoja loca. Es evidente que no busca la verosimilitud científica, busca el impacto, la sorpresa y la pura diversión. En definitiva, ‘La cosa en la niebla’ es un billete de ida a otra dimensión que demuestra que, con atrevimiento, el cine de género puede volar por encima de cualquier expectativa.

PD: que los protagonistas vistan el mismo traje de tripulación que Robert Hays y Julie Hagerty en ‘Aterriza como puedas’ para mí ya es señal de que, a los autores no les importa el qué dirán y además tienen buen gusto.

Ficha de ‘La cosa en la niebla’

Estreno en España: 2026. Título original: La cosa en la niebla. Duración: 85 min. País: España. Dirección: Chedey Reyes. Guion: Juanjo Ramírez. Música: Fotografía: Teresa Ruano Santana. Reparto principal: Elena de Lara, Martín Garabal, Carla Miranda, Pablo Padrón, Paco Show. Producción: Barrios Producciones, Instituto del Cine Canarias, Jugoplástika. Distribución: por determinar. Género: comedia, ciencia ficción, terror. Web oficial.

Crítica: ‘Evolution’

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Puede ayudar a evolucionar a niños irresponsables y a padres distraídos. Si es así, misión cumplida

Al ver ‘Evolution’ como título de la nueva película española animada surgida del prometedor estudio Thinklab me ha venido a la cabeza la película de Ivan Reitman de 2001. En ella un meteorito traía consigo una serie de criaturas que evolucionaban a toda mecha y causaban descacharrantes desastres. Ni de lejos estamos ante un filme con un tono igual de gamberro, ni para adultos, pero si partimos de una premisa similar y las risas están aseguradas, solo que para un público más infantil.

Una animación infantil que entiende el ritmo del presente

‘Evolution’ se inscribe con naturalidad en esa corriente de cine de animación infantil que no subestima a su público y, al mismo tiempo, entiende a la perfección el contexto audiovisual en el que se mueven hoy los más pequeños. Desde sus primeros minutos, la película deja clara su apuesta formal: personajes que hablan deprisa, se mueven con energía constante y encadenan acciones como si el agua que los rodea estuviera mezclada con alguna bebida energética. Este frenesí no es gratuito. Es una técnica ampliamente utilizada en la animación contemporánea para mantener la atención y dotar de ritmo a historias sencillas en apariencia, pero densas en estímulos.

En este sentido, la dirección de Julio Soto Gurpide y Zayra Muñoz Domínguez demuestra un conocimiento sólido del lenguaje animado y de sus códigos actuales. El resultado es una película animada que no tiene nada que envidiar al cine estadounidense en términos de acabado, fluidez o claridad narrativa, algo que hace apenas una década habría parecido una aspiración lejana para muchas producciones nacionales.

Más allá del 3D: variedad visual y mensaje

Uno de los aspectos más interesantes de ‘Evolution’ es su capacidad para introducir, de manera puntual pero significativa, fragmentos que exhiben otros tipos de animación distintos al 3D predominante. Estos momentos funcionan casi como pausas expresivas, pequeños paréntesis visuales que enriquecen el conjunto y aportan matices emocionales o narrativos. No se trata de un alarde técnico, sino de una decisión consciente que refuerza el discurso de la película y evita la monotonía estética.

Ese discurso está claramente alineado con un mensaje animalista y ecologista. La película habla de responsabilidad, de convivencia con el entorno y de la necesidad de repensar nuestra relación con la naturaleza. Sin embargo, lo más interesante es que este mensaje no se presenta de forma doctrinal. ‘Evolution’ lo integra dentro de una historia de entendimiento entre padres modernos, muchas veces absorbidos por sus propias dinámicas, e hijos desatendidos que canalizan su frustración a través del gamberrismo como llamada de atención. Es una lectura sencilla, accesible para el público infantil, pero lo suficientemente clara como para resonar en un contexto social reconocible.

La crítica al corporativismo salvaje, aunque ligera, también está presente y añade una capa adicional al relato. No es una denuncia frontal, sino una insinuación que encaja bien en una película dirigida principalmente a niños, pero que no renuncia a ofrecer una visión del mundo con cierto posicionamiento ético y que hace lo que tantas otras, poner como villano del filme al tecnofeudalismo.

Una propuesta sólida dentro del renacer de la animación española

Es cierto que ‘Evolution’ no parece especialmente preocupada por conquistar al espectador adulto. Más allá de guiños muy concretos (como un profesor de ciencias que recuerda inevitablemente a Bryan Cranston o un robot que parece un híbrido entre WALL-E y EVE), la película mantiene su foco en el público infantil. Esto no es una debilidad, sino una decisión coherente con su planteamiento. ‘Evolution’ sabe lo que quiere ser y no intenta abarcar más de lo necesario.

En el contexto actual, la película se percibe como una confirmación de que la animación española ha dejado de ser una promesa para convertirse en una realidad tangible. Propuestas recientes como ‘Bella’ o ‘Decorado’ apuntan también en el último año en esta dirección. ‘Evolution’ refuerza la idea de que no se trata de casos aislados, sino de un tejido creativo en crecimiento. Hay aquí algo más que brotes verdes: hay oficio, ambición y una comprensión clara de los públicos a los que se dirigen estas historias.

Resulta estimulante encontrarse con una película infantil que no se refugia únicamente en el colorido o el gag fácil, sino que construye un relato coherente, con ritmo, identidad visual y un mensaje reconocible. ‘Evolution’ no pretende revolucionar el género, pero sí demuestra que la animación española puede competir, dialogar y convivir con las grandes producciones internacionales sin complejos. Y eso, en sí mismo, ya es una evolución digna de celebrarse.

Ficha de ‘Evolution’

Estreno en España: 3 de febrero de 2026. Título original: Evolution. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Julio Soto Gurpide, Zayra Muñoz Domínguez. Guion: Julio Soto Gurpide, Adela Gutiérrez, José Tatay. Música: Reparto principal (doblaje original): Elena Jiménez Montero, Claudia Martínez de Aguirre Canedo, Juan Amador Pulido Fernández, Luis Posada Cugat, Andrea Villaverde Hernández, Iker Bengotxea Goya, Rodrigo Martín Sacristán, Silvia Sarmiento, José María Larrú Cuevas, Verónica Bosch Moreno, Miriam Lisón, Abraham Aguilar Anegon. Producción: The Thinklab. Distribución: Beta Fiction. Género: comedia, aventura. Web oficial.

Nominados a los Oscars 2026

Una edición récord con muchas sorpresas

La 98ª edición de los Premios Oscar ha anunciado su lista completa de nominados, marcando un año de fuerte presencia internacional y novedades tanto en cine mainstream como en el circuito internacional. La película de Ryan Coogler, ‘Sinners’, ha logrado un récord histórico con 16 nominaciones, superando a cualquier otra producción en la historia de los galardones de la Academia de Hollywood. Ostentaron antes ese récord con 14 ‘Titanic’, ‘La La Land’ y ‘Eva al desnudo’.

Otras películas con varias nominaciones incluyen ‘Una batalla tras otra’, ‘Frankenstein’, ‘Marty Supreme’, ‘Sentimental Value’ y ‘Hamnet’, que han sido reconocidas en categorías importantes como Mejor Película, Mejor Director, Interpretación y Guion.

La gala se celebrará el 15 de marzo de 2026, con la ceremonia tradicional en el Dolby Theatre de Los Ángeles, y será un punto culminante de la temporada de premios.

‘Sirāt’: dos nominaciones para una película española

Uno de los grandes motivos de orgullo este año es la presencia de la película española ‘Sirāt’, dirigida por Oliver Laxe. El filme ha conseguido dos nominaciones a los Oscar, un resultado muy destacado para una producción nacional en un escenario internacional tan competitivo.

Competirá en la categoría de Mejor Película Internacional, junto a otras producciones provenientes de Brasil, Francia, Noruega o Túnez. Además esta producción española ha obtenido una nominación en la categoría de Mejor Sonido, lo que subraya el reconocimiento de su calidad técnica además de su valor narrativo.

Nominaciones principales de la edición 98

En la categoría de Mejor Película las candidatas son: ‘Bugonia’, ‘F1’, ‘Frankenstein’, ‘Hamnet’, ‘Marty Supreme’, ‘Una batalla tras otra’, ‘The Secret Agent’, ‘Sentimental Value’, ‘Sinners’ y ‘Train Dreams’, conformando una terna muy diversa en géneros y estilos.

Además, la amplia diversidad de títulos nominados este año pone de manifiesto el interés de la Academia por equilibrar cine comercial, independiente y obras de autor, ofreciendo un panorama amplio y competitivo de propuestas cinematográficas.

Listado completo de nominados a los Oscar 2026

Mejor película

  • ‘Bugonia’
  • ‘F1: La película’
  • ‘Frankenstein’
  • ‘Hamnet’
  • ‘Marty Supreme’
  • ‘Una batalla tras otra’
  • ‘El agente secreto’
  • ‘Valor sentimental’
  • ‘Los pecadores’
  • ‘Sueños de trenes’

Mejor dirección

  • Paul Thomas Anderson, por ‘Una batalla tras otra’
  • Josh Safdie, por ‘Marty Supreme’
  • Joachim Trier, por ‘Valor sentimental’
  • Ryan Coogler, por ‘Los pecadores’
  • Chloé Zhao, por ‘Hamnet’

Mejor actriz

  • Jessie Buckley, por ‘Hamnet’
  • Rose Byrne, por ‘Si pudiera, te daría una patada’
  • Kate Hudson, por ‘Song Sung Blue’
  • Renate Reinsve, por ‘Valor sentimental’
  • Emma Stone, por ‘Bugonia’

Mejor actor

  • Timothée Chalamet, por ‘Marty Supreme’
  • Leonardo DiCaprio, por ‘Una batalla tras otra’
  • Ethan Hawke, por ‘Blue Moon’
  • Michael B. Jordan, por ‘Los pecadores’
  • Wagner Moura, por ‘El agente secreto’

Mejor actriz de reparto

  • Elle Fanning, por ‘Valor sentimental’
  • Inga Ibsdotter Lilleaas, por ‘Valor sentimental’
  • Amy Madigan, por ‘Weapons’
  • Wunmi Mosaku, por ‘Los pecadores’
  • Teyana Taylor, por ‘Una batalla tras otra’

Mejor actor de reparto

  • Benicio del Toro, por ‘Una batalla tras otra’
  • Jacob Elordi, por ‘Frankenstein’
  • Delroy Lindo, por ‘Los pecadores’
  • Sean Penn, por ‘Una batalla tras otra’
  • Stellan Skarsgård, por ‘Valor sentimental’

Mejor guion original

  • ‘Blue Moon’
  • ‘Un simple accidente’
  • ‘Marty Supreme’
  • ‘Valor sentimental’
  • ‘Los pecadores’

Mejor guion adaptado

  • ‘Bugonia’
  • ‘Frankenstein’
  • ‘Hamnet’
  • ‘Una batalla tras otra’
  • ‘Sueños de trenes’

Mejor montaje

  • ‘F1: La película’
  • ‘Marty Supreme’
  • ‘Una batalla tras otra’
  • ‘Valor sentimental’
  • ‘Los pecadores’

Mejor fotografía

  • ‘Frankenstein’
  • ‘Marty Supreme’
  • ‘Una batalla tras otra’
  • ‘Los pecadores’
  • ‘Sueños de trenes’

Mejor casting

  • ‘Hamnet’
  • ‘Marty Supreme’
  • ‘Una batalla tras otra’
  • ‘El agente secreto’
  • ‘Los pecadores’

Mejor diseño de producción

  • ‘Frankenstein’
  • ‘Hamnet’
  • ‘Marty Supreme’
  • ‘Una batalla tras otra’
  • ‘Los pecadores’

Mejor vestuario

  • ‘Avatar: Fuego y ceniza’
  • ‘Frankenstein’
  • ‘Hamnet’
  • ‘Marty Supreme’
  • ‘Los pecadores’

Mejor maquillaje y peluquería

  • ‘Frankenstein’
  • ‘Kokuho’
  • ‘Los pecadores’
  • ‘The Smashing Machine’
  • ‘La hermanastra fea’

Mejores efectos visuales

  • ‘Avatar: Fuego y ceniza’
  • ‘F1: La película’
  • ‘Jurassic World: El renacer’
  • ‘Laberinto en llamas’
  • ‘Los pecadores’

Mejor sonido

  • ‘F1: La película’
  • ‘Frankenstein’
  • ‘Una batalla tras otra’
  • ‘Los pecadores’
  • ‘Sirat’

Mejor banda sonora original

  • ‘Bugonia’
  • ‘Frankenstein’
  • ‘Hamnet’
  • ‘Una batalla tras otra’
  • ‘Los pecadores’

Mejor canción original

  • ‘Dear Me’, de ‘Diane Warren: Relentless’
  • ‘Golden’, de ‘Las guerreras k-pop’
  • ‘I Lied to You’, de ‘Los pecadores’
  • ‘Sweet Dreams of Joy’, de ‘Viva Verdi!’
  • ‘Train Dreams’, de ‘Sueños de trenes’

Mejor película de animación

  • ‘Arco’
  • ‘Elio’
  • ‘Las guerreras k-pop’
  • ‘Little Amélie’
  • ‘Zootrópolis 2’

Mejor película internacional

  • ‘El agente secreto’
  • ‘Un simple accidente’
  • ‘Valor sentimental’
  • ‘Sirat’
  • ‘La voz de Hind’

Mejor documental

  • ‘The Alabama Solution’
  • ‘Come See Me in the Good Light’
  • ‘Cutting Through Rocks’
  • ‘Mr. Nobody Against Putin’
  • ‘The Perfect Neighbor’

Mejor cortometraje de ficción

  • ‘Butcher’s Stain’
  • ‘A Friend of Dorothy’
  • ‘Jane Austen’s Period Drama’
  • ‘The Singers’
  • ‘Two People Exchanging Saliva’

Mejor cortometraje de animación

  • ‘Butterfly’
  • ‘Forevergreen’
  • ‘The Girl Who Cried Pearls’
  • ‘Retirement Plan’
  • ‘The Three Sisters’

Mejor cortometraje documental

  • ‘All the Empty Rooms’
  • ‘Armed Only with a Camera: The Life and Death of Brent Renaud’
  • ‘Children No More: ‘Were and Are Gone»
  • ‘The Devil Is Busy’
  • ‘Perfectly a Strangeness’

Crítica: ‘Papeles’

En qué plataforma ver Papeles

Sinopsis

Atrapada en el escándalo mundial de los Papeles de Panamá, Ana Méndez, directora jurídica del bufete Shubbert & Fassano, se enfrenta a un ataque mediático sin precedentes contra el país y el bufete en el que trabaja. Acusada de blanqueo de capitales, es perseguida por el fiscal Roberto Ramírez y la Interpol, por lo que Ana escapa a la selva para evitar su encarcelamiento. Allí, la soledad y la ausencia de sus tres hijos y de Eric, su marido, le causan un daño irreparable.

Crítica

Consigue ir más allá convirtiéndose en un acto de reivindicación frente al morbo mediático

Si hablamos de los Papeles de Panamá nos encontramos que todo el mundo conoce la enjundia de ese caso o ha oído nombres (rumoreados o confirmados). Los nombres de los famosos supuestamente implicados han sido muchos, pero casi nadie se ha preocupado nunca, salvo prensa o profesionales especializados, en confirmarlos pues es mejor ceder ante el cotilleo y el vapuleo popular. Y ni que decir tiene sobre indagar acerca de qué sucedió detrás o a qué personajes anónimos impactó.

Ahora, cuando parece que ya casis nadie se acuerda pero es un tema relativamente reciente, llega a las salas la película ‘Papeles’ con una propuesta sorprendentemente íntima para tratarse de un escándalo global. Más allá de los nombres que alimentaron semanas de morbo internacional el filme de Arturo Montenegro se sumerge en cómo funcionaba el engranaje que creaba las sociedades offshore que aparecían en estos archivos y en quienes eran los profesionales que los gestionaban. Esa es precisamente la grieta por la que se cuela Montenegro: la historia de los prácticamente anónimos, de quienes trabajaban en la maquinaria sin comprender todas las implicaciones o sin poder escapar a la presión de un sistema que los superaba.

La protagonista, Ana Méndez (interpretada por Megan Montaner), es un personaje ficticio, pero funciona como un espejo nítido de las más de dos decenas de empleados de la firma panameña que fueron enjuiciados y absueltos recientemente tras aquel terremoto mediático. Montenegro renombra la empresa real Mossack Fonseca como Shubbert Fassano, justificándolo con habilidad dentro del relato: una película que apunta de forma crítica no solo al sistema global de evasión y blanqueo, sino también al propio Occidente, al modo en que bautizó el escándalo y cargó contra Panamá como símbolo, ignorando la auténtica red internacional de corrupción que alimentaba esas estructuras.

El filme recuerda cómo estas sociedades offshore no eran ilegales por naturaleza, el problema surgía cuando se usaban para ocultar identidades, mover dinero sin control fiscal y facilitar corrupción o blanqueo de capitales. En ‘Papeles’, la creación de estas empresas se retrata con una ironía muy eficaz: nombres tan vagos, impersonales y absurdamente creados que estaban a la altura del alias de un jugador de Fortnite. Esa gestión imaginativa de corporaciones fantasma en Shubbert Fassano se convierte en un retrato casi surrealista de la burocracia del dinero invisible.

Pero Montenegro no se entretiene en explicar el mecanismo financiero ni en señalar con el dedo a políticos o celebridades. Esta no es una película política o punzante pese a contar con actores tan activistas como Carlos Bardem. De hecho, evita mencionar a muchos de los implicados reales y también prescinde de citar el nombre o nacionalidad reales de la periodista asesinada y que estaba investigando el caso (Daphne Caruana Galizia). En vez de eso, la película se concentra en el impacto personal, en cómo la digitalización completa del archivo de la firma y su posterior filtración y hackeo, destrozó vidas de empleados que, en su mayoría, no eran villanos internacionales, sino trabajadores atrapados en un sistema lucrativo que siempre protegió a los verdaderos beneficiados.

Este enfoque puede levantar suspicacias: habrá quien piense que ‘Papeles’ intenta lavar la imagen de ciertos protagonistas del caso. Pero me da la impresión de que la pretensión es más noble y el filme se posiciona claramente en otro terreno, defendiendo que la indignación global se cebó con los rostros más accesibles y pagaron el pato aquellos que no debían. Así, la película actúa como una llamada a mirar más allá del escándalo y preguntarnos quién paga realmente las facturas emocionales de un mundo obsesionado con el morbo y el vapuleo, incluso cuando eso signifique caer en la calumnia.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de diciembre de 2025. Título original: Papeles. Duración: 108 min. País: Panamá. Dirección: Arturo Montenegro. Guion: Andry J. Barrientos, Andrés Clemente, Arturo Montenegro. Música: Carla F. Benedicto. Fotografía: Aaron Bromley. Reparto principal: Megan Montaner, Carlos Bardem, Antonio Dechent, Gustavo Bassani. Producción: Q Films, El Sueño Eterno Pictures, Criatura Cine. Distribución: #ConUnPack. Género: suspense. Web oficial: https://www.eternopictures.com/papeles

Crítica: ‘Luger’

Sinopsis

Rafa y Toni son dos delincuentes de poca monta que trabajan para Ángela, una abogada de moral flexible que ofrece a sus clientes soluciones rápidas al margen de la ley. La historia se desarrolla a lo largo de un día frenético en un laberíntico polígono industrial, cuando son contratados para recuperar un coche robado para uno de esos clientes. En su maletero, encuentran una misteriosa caja fuerte que contiene una reliquia de la Segunda Guerra Mundial: una pistola Luger P08, muy codiciada por gente muy peligrosa del mundo del hampa.

Crítica

Cine de acción sin glamour, pero con carácter

‘Luger’, lo nuevo de Bruno Martín, se presenta como una bocanada de aire fresco para el cine de acción español, respirando no solo por su violencia cruda, sino por la química contagiosa de sus protagonistas. El productor de ‘Os Re­vien­to’, éxito reciente de la acción en España, da aquí su salto a la dirección con un filme que homenajea los ochenta, los beat’em ups de recreativa o las buddy movies convertidas en enjambre de mamporros, traiciones y lealtades rotas. En ‘Luger’ los personajes centrales son dos matones que, palabras textuales «emiten fracturas, no facturas»: están interpretados por David Sanz con acento canario y descaro, y por Mario Mayo con chispa callejera. Con ellos se construye una dupla memorable, pareja tipo “el cerebro y el forzudo”, como si Shane Black hubiera hecho casting callejero en alguna barriada española. Entre ellos hay amor-odio, fricciones, risas y mamporros que suenan tan rotundos que casi te duelen.

Toda la acción sucede en un polígono industrial (el ficticio “Santos 117”), escenario perfecto para las luces duras, los espacios de hormigón vacíos de vida o llenos de chatarra, los callejones entre naves oxidadas y esa atmósfera industrial que recuerda a la estética de los primeros filmes de Tarantino o Guy Ritchie cuando el barrio y el hampa se encontraban con estilo. No hay concesiones al glamour; los golpes duelen, las heridas no pasan desapercibidas ni dejan a los protagonistas indemnes y únicamente manchados como Rambo tras la batalla. Eso hace que ‘Luger’ no sea solo espectáculo visual de puñetazos, sino algo que se vive en la piel: la violencia como materia narrativa, no sólo decorado.

El ritmo tiene momentos más rítmicos que frenéticos, pero Bruno Martín sabe cuándo bajar el puño para dejar respirar la tensión, mostrar la vulnerabilidad, dejar que los personajes sangren emocionalmente. Constantemente nos vienen a la mente películas del corte ‘Arma letal’ o ‘Dos buenos tipos’, es decir, a Shane Black le gustará esta película. Y eso es porque hay estilo, hay esa escuela, no hay plagio o copia barata. La película está repleta de ecos, pero cuenta con una identidad española que se cuela en la jerga, los modismos, los ambientes del barrio, de los que viven al margen, de hecho aquí todo es calaña, no hay ni un solo personaje benigno. Puede que no todo en el guion sorprenda pues algunas decisiones siguen trazas conocidas, pero en conjunto ‘Luger’ se alza como un thriller de acción contundente, con corazón, adrenalina, risas y dolor.

Quizá su mayor acierto sea no permitirse la frialdad que tantas películas del género sufren: los personajes importan, sus heridas pesan, su relación importa. Y aunque la trama no sale del polígono ni de esos ambientes ese enfoque resulta, paradójicamente, su fuerza: la geografía cerrada aumenta la claustrofobia, las traiciones se sienten más cerca, la violencia más cruda. El ejercicio de arraigo y personalidad calé es quizá cercano al que hizo Miguel Ángel Vivas con ‘Asedio’ y si estuviésemos hablando de cine francés esta película llevaría el título de ‘Los miserables’ o si fuese una producción estadounidense quizá estaríamos ante un ‘The tax collector’ o cualquier otra de David Ayer. ‘Luger’ no es perfecta, pero es una película de acción que recuerda por qué vemos estas pelis: para que nos golpeen, para que nos rían, para que amemos a nuestros inadaptados. Bruno Martín demuestra que conoce el género, lo respeta, y lo revuelve hasta hacerlo suyo.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Luger. Duración: 96 min. País: España. Dirección: Bruno Martín. Guion: Bruno Martín, Santiago Taboada. Música: Levi Star. Fotografía: David Hebrero. Reparto principal: David Sainz, Mario Mayo, Ángel Acero, Ana Turpin, Ramiro Alonso, Bruno Martín, Mauricio Morales, Mónica Miranda, Daniel Ortiz, Kike Guaza, Roberto García, Mariví Carrillo, Javier Calleja, Ana Peregrina. Producción: La Dalia Films, The Go Betweeners, Far Seas Productions, Futurotel, BM, Labia.Distribución: Filmax. Género: suspense. Web oficial: https://lugerlapelicula.com/

Crítica: ‘Together’

En qué plataforma ver Together

Sinopsis

Dave Franco (The Disaster Artist, Malditos Vecinos) y Alison Brie (Mad Men, Community) interpretan a una pareja en crisis que se muda al campo, donde descubren una cueva con una fuerza sobrenatural. Al beber de su agua, comienzan a sentir transformaciones físicas y emocionales. Una experiencia de body horror intensa e inquietante que critica la codependencia en las relaciones de pareja.

Crítica

Una metáfora magnífica

Cuando uno se acerca a ‘Together’, debut en el largometraje para Michael Shanks, es inevitable pensar en referentes recientes que exploran el horror corporal como metáfora. Confieso que entré a la sala con la idea de que iba a toparme con algo similar a ‘Dos’ de Mar Targarona, aquella producción española donde dos desconocidos despiertan cosidos por el abdomen y luchan desesperadamente por liberarse. También me vino a la mente ‘Else’, de Thibault Emin, un título mucho menos conocido pero tremendamente perturbador, en el que el protagonista experimentaba el aislamiento existencial al ser absorbido por un edificio y expulsado por el recto del mismo (no es invent). No obstante, aunque ‘Together’ comparte con ambas la explotación y reinvención del body horror, su moraleja es otra: aquí lo grotesco sirve para diseccionar los pliegues más íntimos de las relaciones de pareja.

El body horror es un subgénero complejo y, durante mucho tiempo, relegado a un rincón de culto reservado a los fans de Cronenberg o de experimentos más extremos del cine independiente. Sin embargo, producciones recientes como ‘La sustancia’ han demostrado que puede tener un eco comercial y crítico, abriendo la puerta al público general a películas como esta. El cuerpo mutando, deformándose o desbordándose de lo humano se convierte en un espejo aterrador, un recordatorio de que lo físico es inseparable de lo psicológico. En ‘Together’, esa fusión orgánica entre dos amantes no es simplemente un efecto visual: es la materialización de una ansiedad colectiva sobre el amor, la convivencia y la pérdida de individualidad.

El argumento nos presenta a Millie (Alison Brie) y Tim (Dave Franco), una pareja que arrastra años de rutina y complicidades oxidadas. Su mudanza al campo parece un intento de recomponer lo que ya está resquebrajado. Pero la naturaleza (con un lago misterioso y una cueva que parece tragarse sus dudas) convierte su unión en un proceso irreversible: sus cuerpos comienzan a fundirse. Shanks construye a partir de ahí un relato que bascula entre lo íntimo y lo grotesco, entre la metáfora emocional y el espectáculo visual.

Lo fascinante de ‘Together’ es cómo utiliza la mutación para hablar del miedo al compromiso, del pánico a ser absorbido por el otro, de las crisis de ansiedad que nacen de relaciones estancadas. A la vez, plantea el otro extremo: el deseo profundo de pertenecer, de ser uno con la persona que se ama, incluso si eso significa desaparecer como individuo. El filme camina sobre esa paradoja con un pulso que mezcla horror y ternura, incomodidad y lirismo. Al fin y al cabo, ¿cuántas parejas no terminan funcionando como una sola entidad tras años de convivencia?

La película no ofrece respuestas fáciles ni moralejas simplistas, de hecho, plantea un enigma sobrenatural u ocultista de difícil intuición. Su cierre es tan perturbador como poético. No se trata de un “vivieron felices para siempre”, sino de otro tipo de conclusión que permite interpretaciones, con todas las implicaciones aterradoras que eso conlleva. Por supuesto todos coincidiremos en que el filme se proyecta para recordarnos que el amor puede ser un refugio, pero también una prisión invisible de la que no siempre hay escapatoria. Pero habrá quienes extraigan otras lecturas.

‘Together’ es un relato sobre el horror de sentirse atrapado en una relación infeliz y sobre la belleza y el peligro de entregarse sin reservas. Una obra que confirma que el body horror está viviendo una nueva juventud, donde las transformaciones físicas hablan de ansiedades sociales y emocionales con más verdad que cualquier melodrama convencional. Shanks debuta con una película incómoda y fascinante, destinada a quedarse en la memoria como una de las propuestas más arriesgadas y acertadas del 2025. Sin duda es una metáfora magnífica.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de octubre de 2025. Título original: Together. Duración: 102 min. País: Australia. Dirección: Michael Shanks. Guion: Michael Shanks. Música: Cornel Wilczek. Fotografía: Germain McMicking. Reparto principal: Alison Brie, Dave Franco. Producción: 1.21, 30West, Picturestart, Princess Pictures, Tango Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial: https://www.neonrated.com/film/together

Crítica: ‘Decorado’

Sinopsis

Arnold es un ratón de mediana edad atrapado en una crisis existencial. Su matrimonio se desmorona, su vida le parece absurda y empieza a sospechar que todo a su alrededor es una gran farsa. Cuando su mejor amigo muere en circunstancias sospechosas, Arnold se convence de que algo no encaja. Lo que comienza como una paranoia cotidiana se convierte en una huida desesperada hacia algo que se parezca, aunque sea un poco, a la libertad.

Crítica

Lo bello y lo terrible conviven en una dicotomía que nos reta

Una de las referencias que en algunas fases de ‘Decorado’ pueden venirnos a la cabeza es ‘El show de Truman’. La película consiste en el despertar de una persona que descubre que su mundo es una impostura, que su vida está llena de gente que finge constantemente. Evidentemente los derroteros son otros, esto que acabo de decir no es un spoiler, pero hay ahí un estudio similar de la condición humana. En Decorado, Alberto Vázquez construye un espejo distorsionado que nos obliga a mirar hacia nosotros mismos, a revisar nuestras máscaras, tanto las que nos ponen como las que voluntariamente aceptamos. Su película se mueve tanto en la sátira como en la reflexión existencialista, y lo hace a través de animales antropomórficos que resultan irónica y extremadamente humanos.

Alberto Vázquez continúa con su exploración de lo humano mediante un imaginario antropomórfico. En Decorado, protagonizada por ratones (Arnold y María) la trama parte de una crisis existencial: crisis laboral, matrimonio en ruinas, sensación de absurdo, sospecha de que todo lo que rodea al protagonista es una gigantesca farsa. El tema del consumismo está sobre la mesa, pero más todavía la cuestión de cómo las corporaciones (aquellas entidades omnipresentes y omnipotentes) moldean escenarios donde los individuos pierden autonomía; donde la personalidad, las relaciones y la salud mental se ven comprometidas. En ‘Decorado’, la megacorporación ALMA (Almighty Limitless Megacorporative Agency) funciona como símbolo de un poder que lo fabrica absolutamente todo, definiendo la estética, los roles, la ilusión de bienestar.

Ese decorado artificial alimenta un sentimiento de alienación profundo. Arnold no solo se enfrenta al mundo externo, sino a sus propias dudas: el síndrome del impostor cobra vida, la depresión aparece como un fantasma continuo, la vida íntima se resiente. Vázquez no ahorra crudeza ni violencia, ni visual ni psicológica. La película se erige como quizá la más pesimista y deprimente de sus obras, en la que la comedia se mezcla con la tragedia, y la fantasía con la pesadilla.

Visualmente, ‘Decorado’ destaca: su dirección de arte, a cargo de José Luis Ágreda (‘Robot dreams’), trae consigo una paleta que no renuncia a colores chillones, pero sí están rodeados de oscuridad. Los escenarios son ricos, trazados con cuidado y cargados de todo detalle. Los animalitos transmiten emociones muy humanas. Todo esto crea una extraña empatía y al mismo tiempo una distancia inquietante. Queremos acercarnos a achuchar y consolar a los personajes, pero a la vez queremos rehuir su mundo herido y sucio. Esa yuxtaposición es muy característica del cine de Vázquez: lo bello y lo terrible conviven en una dicotomía que nos reta.

El guion, firmado junto a Francesc Xavier Manuel, no elude lo contemporáneo: la dificultad para encontrar un trabajo digno, la precariedad, la imposibilidad de vivienda estable, la salud mental como asunto pendiente, relaciones vacías en eras tecnológicas, amistades que parecen puestos de utilería. Todos estos elementos forman parte de la fábula crítica compuesta para interrogar no solo lo que somos sino lo que aceptamos que seamos. La película obliga al espectador a verse reflejado, a pensar si su vida está siendo decorada por otros, si ha aceptado roles sin cuestionar. Esa lucidez resuena con frases como “No es síntoma de salud estar adaptado a una sociedad enferma” o “El mundo es un maravilloso escenario, pero tiene un reparto deplorable”.

Y aunque su retrato de la depresión y de la hipócrita sensación de cuidado que recibimos por parte de las multinacionales están muy bien reflejadas, sí que hay que advertir que ‘Decorado’ transmite demasiada pesadumbre. Esto es reflejo de haber conseguido una buena obra, de esas que calan en el espectador, pero para algunos, la opresión continua puede resultar agotadora, puede faltar un respiro o una luz al final que ofrezca cierto alivio, aunque claro, esa quizá no sea la intención principal. Y tal es la complejidad elaborada que en ocasiones el ritmo oscila, se siente que hay tantas capas simbólicas que puede perderse parte de la claridad en el mensaje.

Como siempre, no hay que confundir animación con producto infantil o alegre. Si buscas una película amable y liviana, ‘Decorado’ no es eso. Si buscas algo que te deje machacado, cuestionándote cuánto de lo que haces, piensas o sientes es auténtico, y cuánto parte de una función en un decorado gigantesco, entonces esta obra de Alberto Vázquez es imprescindible para ayudarte a desenredar tus ideas. ‘Decorado’ se alza como una visión feroz de lo que somos cuando aceptamos fingir, pero también como prueba de que todavía hay memoria, hay martillazos de verdad que importan y hay afecto real que resiste.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de octubre de 2025. Título original: Decorado. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Guion: Alberto Vázquez, Francesc Xavier Manuel Ruiz. Música: Joseba Beristain. Reparto principal (doblaje original): Chelo Díaz, Daniel Lema Blanco, Damián Cortés, Luís Iglesia Besteiro, Óscar Fernández, Gaspar González Somoza. Producción: Abano Producións, UniKo, The Glow, Sardinha em lata, María, Arnold AIE. Distribución: Barton Films. Género: drama, comedia, fantástico. Web oficial: https://www.uniko.com.es/filmografia/#Decorado

Divergente, la plataforma OTT gratuita de cortometrajes de ISII Group, amplía su catálogo

Divergente suma más de 450 cortometrajes gratuitos y estrena nuevas producciones propias

Divergente, la plataforma OTT gratuita impulsada por ISII Group, sigue creciendo como punto de encuentro para los amantes del cortometraje. Con más de 450 títulos disponibles online sin coste, su catálogo combina propuestas premiadas en festivales internacionales, candidatas a los Goya y obras de cineastas emergentes y consolidados.

Entre sus últimas incorporaciones destaca ‘Lo que no decimos’, un relato LGBTIQ+ que pone el foco en la presión dentro del mundo del fútbol. Este estreno forma parte de la apuesta por la producción propia de Inefable Productions, compañía del grupo, que ya ha desarrollado una docena de cortos desde su creación en 2024.

Próximamente también se podrán ver en la plataforma ‘Por un puñado de frases’ y ‘Jo, qué día’, dos comedias con rostros tan conocidos como Jorge Sanz, Raúl Cimas y Yolanda Ramos.

El catálogo de Divergente ofrece ficción, documental, animación y experimental, abarcando géneros tan variados como terror, comedia, ciencia ficción, drama, thriller, fantástico, romántico o musical. Entre los proyectos disponibles aparecen trabajos de cineastas como Carlota Pereda o Eduardo Casanova y cortos con intérpretes de prestigio como Verónica Forqué, María Barranco, Ingrid García Jonsson, Macarena Gómez o Fernando Cayo.

De esta forma, Divergente se consolida como una ventana digital para redescubrir cortometrajes que muchas veces quedan relegados tras su paso por festivales, ofreciendo al público la posibilidad de disfrutar de historias originales y comprometidas de manera gratuita y accesible.

Crítica: ‘Olympo’

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Nueva cantera de jóvenes actores llegados del Olympo

Netflix trae el deporte de élite a nuestras casas. ‘Olympo’ llega en buen momento a la plataforma. En un mes lleno de grandes estrenos, la ficción española se marca una serie con mucho deporte, sexo e intrigas en un colegio de alto rendimiento.

La serie de ocho episodios, nos presenta a un grupo de chavales con la gran meta de llegar a lo mas alto del deporte. Nadadoras, jugadores de rugby, atletas, se juntan en un centro para ser los mejores. Tras el desmayo de una nadadora, Amaia, su compañera, investiga que es lo que ha podido pasar.

Ibai Abad, Laia Foguet y Jan Matheu son los encargados del guion de esta cinta que intenta ser algo así como ‘Élite’, pero sin llegar a ser tan atrayente. Me ha recordado también a ‘Un paso adelante’, de hecho, hay algún suceso que ocurre, que hizo que me viniese a la cabeza esta serie. ‘Olympo’ entretiene y consigue mostrar ese mundo lleno de competitividad que es el mundo del deporte de élite.

Clara Galle es la protagonista principal de ‘Olympo’ una joven acomplejada por el éxito de su madre y que vive con el estrés de tener que ser la mejor del mundo. Junto a ella encontramos a Nuno Gallego, Martí Cordero, María Romanillos, Laura Ubach, Nira Oshaia, Juan Perales o Najwa Khliwa.

Mención especial para Agustín Della Corte, que vuelve a demostrarnos, después de ‘La sociedad de la nieve’ que no le teme a nada. Resalta entre todos sus compañeros. Completan el reparto Melina Matthews, Mario de la Rosa, Laura Moray, Arlette Torres, Nerea Mazo, Marta Larralde o Vicenta N’Dongo.

Una serie que nos demuestra como el ser humano hace de todo con tal de lograr ser el número uno. Da igual a quien se lleven por delante, traicionar o herir son las artimañas que utilizan estos jóvenes para lograr cumplir sus sueños.

Sin duda el trabajo físico de los actores se nota muchísimo. Son jóvenes a los que hemos visto en otras series o películas a lo largo de los años y sin duda el cuerpo con el que han llegado para lograr estar a punto para ‘Olympo’ es espectacular. Son detalles, que hacen que veamos que esta serie va en serio, y que sin duda sus actores lo han dado todo por ella.

‘Olympo’ nos deja para una segura temporada en la que esperemos nos desvelen muchos de los enigmas que han dejado abiertos en estos primeros ocho episodios. El sexo, el dopaje, la homofobia en el deporte, el marketing abusivo, son los temas principales de esta serie que llega a nuestras pantallas este próximo 20 de junio.

Esta es la nueva producción de Álex de la Iglesia

‘Los Muértimer’ se estrena el 14 de agosto

Este verano llegará a cines una nueva película producida por Telecinco Cinema y Pokeepsie Films (Álex de la Iglesia y Carolina Bang), ‘Los Muértimer’. Con un guión de Jelen Morales y bajo la dirección de Álvaro Fernández-Armero (‘Ocho Apellidos Marroquíes’, ‘Sentimos Las Molestias’), tendremos el 14 de agosto una película que distribuye Paramount Pictures Spain.

En ‘Los Muértimer’ tenemos a Víctor Clavijo, Alexandra Jiménez, Belén Rueda, Fele Martínez y Pepe Lorente. Junto a ellos los protagonistas y jóvenes actores Diego Montejo, Iratxe Emparan, Melani, Adrián Checa y Bruna González.

‘Los Muértimer’ adapta el cómic de la joven ilustradora francesa Léa Mazé, nominada a los prestigiosos Premios de la Industria del Cómic Will Eisner de Estados Unidos y presente en la selección del Festival Internacional de Cómic de Angoulême.

La provincia de Vizcaya acogió las siete semanas del rodaje de ‘Los Muértimer’, donde se ha dado vida a la historia de cinco jóvenes que descubren una trama de robos de joyas en un cementerio sin que ningún adulto los crea. Esta aventura de terror y comedia les unirá en el viaje hacia descubrir la verdad.

Sinopsis oficial:

Nico (Diego Montilla) es un chaval de quince años inteligente e introvertido que sufre acoso escolar porque sus padres son propietarios de la única funeraria del pueblo. Con la esperanza de conseguir un amigo, participa en un programa de intercambio cultural. Sólo hay un problema: el chico de intercambio resulta ser una chica, Gabrielle (Iratxe Emparan), una francesa de espíritu desafiante acostumbrada a todo menos a vivir rodeada de muertos.

Cuando Pol (Pepe Lorente), el tallista de lápidas, les cuenta una de las muchas historias misteriosas que oculta el cementerio, deciden investigar. El hallazgo de un cadáver y unas joyas robadas va más allá de lo que esperaban. Cuando regresan con los padres (Alexandra Jiménez y Víctor Clavijo) al lugar de los hechos todo ha desaparecido y por supuesto no les creen. A partir de entonces, Gabi y Nico reciben amenazas y son perseguidos justo en el momento en el que estaban siendo acosados por sus abusadores habituales, Marc, Sofía y Raquel (Adrián Checa, Bruna González y Melani), lo que les obliga a huir todos juntos.

Ahora que ellos también sufren el terror de sentirse amenazados, no les queda otra que unirse a la investigación. Gabi, Nico, Marc, Sofía y Raquel forman una extraña pandilla dispuesta a descubrir la verdad, aunque eso signifique entrar de lleno en el sombrío mundo adulto que les espera.

Crítica: ‘Todo lo que no sé’

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Sinopsis

Laura a sus 35 años lleva una vida monótona, ayuda a su padre enfermo, trabaja en una tienda, comparte piso y pasa tiempo con su medio novio. Esta calma extraña se ve alterada cuando un compañero del pasado le propone retomar un antiguo proyecto en el sector tecnológico. Acepta para intentar conseguir el éxito. En este camino para recuperar una parte de ella que creía perdida, toma una serie de decisiones que tambalean su entorno enfrentándose al precio a pagar por priorizarse a sí misma.

Crítica

Un gran espejo de nuestra alma en esta sociedad tan “perfecta” en todo

Ana Lambarri, nos trae una tremenda ópera prima, tan actual como universal. Laura es una mujer que no se siente completa. Trabaja en una tienda habiendo abandonado un proyecto personal hace muchos años. Un antiguo conocido regresa a su vida para darle una gran oportunidad. Mientras tanto, tiene que cuidar a su padre enfermo y lidiar con una gran crisis existencial.

‘Todo lo que no sé’ es una historia totalmente actual. Esos sueños rotos, esas ganas de terminar con la monotonía y el no poder cambiar. El no poder evitar la responsabilidad y querer ser libre de todo, hasta de la familia.

Ana Lambarri logra un personaje tan humano. Laura no cae bien, tampoco mal, es una mujer que simplemente no está donde quiere. La directora y guionista te quiere mostrar a alguien real, a una persona egoísta pero también vulnerable, llena de fallos y también llena de aciertos. Con muchos miedos y con malas decisiones, pero, al fin y al cabo, decisiones. Esas que te llevan a un camino u otro. Esas que te enseñan lo que es la vida realmente y que los baches, son solo eso, baches de los que se terminan saliendo. De una manera u otra. Muchos duelen, pero son de los que más se aprenden.

La encargada de dar vida a Laura es Susana Abaitua, que como siempre, nos da una interpretación perfecta. Dando vida a esta mujer a la que le cuesta ser ella misma. Que intenta salir adelante, pero no se atreve a contarle a nadie sus verdaderos sueños ya que tiene miedo a fracasar. Nos enseña a una persona llena de contradicciones. Son una simple mirada sabemos que nada está bien en la mente de Laura y que necesita un descanso de todo y aclararse ella misma.

Junto a Susana encontramos a Iñaki Ardanaz, Fran Cantos, Andrés Lima, Francesco Carril, Ane Gabarain, Natalia Huarte, Javier Laorden, Stéphanie Magnin, Patrick Martino y Mark Schardan.

El ritmo de la película es lento, pero sin pausa. Es algo perfecto para lo que nos están contando, esa monotonía tan odiada por nuestra protagonista. Con una fotografía muy tenue y naturalista, sin filtros, sin florituras. Algo que hace que veamos más real aún esta historia. A veces oscura, como el estado de ánimo de la protagonista. Quien como he comentado, no está pasando por su mejor momento. Y sin duda esta fotografía tan lúgubre nos ayuda a ver sus sentimientos.

Una historia sencilla, de nuestro día a día. Actual e incluso con un final, que, aunque es bastante abierto, me parece perfecto. Porque como en la vida misma, las decisiones muchas veces tardan en ver resultados, y no necesitamos ver el siguiente paso.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de abril de 2025. Título original: Todo lo que no sé. Duración: 113 min. País: España. Dirección: Ana Lambarri. Guion: Ana Lambarri. Música: Alberto Torres. Fotografía: Carlos de Miguel. Reparto principal: Susana Abaitua, Francesco Carril, Natalia Huarte, Ane Gabarain, Stéphanie Magnin, Iñaki Ardanaz, Andrés Lima. Producción: Naif Films, 39 Escalones, The Other Film Production, Movistar Plus+, RTVE, Robot Productions. Distribución: 39 Escalones Films. Género: Drama. Web oficial: https://39escalones.es/

Crítica: ‘La luz de Aisha’

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Sinopsis

Aisha vive en un reino del Al-Ándalus del siglo XI, donde los fuegos artificiales son el espectáculo más popular. Sueña con convertirse en una gran pirotécnica como el legendario Maestro Hao, pero su padre, Ahmad, insiste en que siga la tradición familiar de la caligrafía. Cuando un alquimista, Txawir, engaña a Aisha para robar un peligroso libro custodiado por su padre, Ahmad es encarcelado injustamente. Aisha emprende un viaje lleno de aventuras para recuperar el libro y liberar a su padre.

Crítica

Pirotecnia visual para encender la autodeterminación

Hay algo profundamente luminoso y comprometido en ‘La luz de Aisha’, la nueva cinta animada de Shadi Adib. En ella, la directora iraní, conocida por su visión estética refinada y su meticulosa implicación en todos los aspectos de la producción, firma un relato que, bajo el disfraz de aventura juvenil, encierra un comentario sutil sobre la autodeterminación femenina, la herencia cultural y la ruptura de mandatos tradicionales.

Este debut en el largometraje está ambientado en un Al-Ándalus del siglo XI plagado de color, fuegos artificiales y alquimia. La película sigue a Aisha, una niña de 13 años que sueña con ser pirotécnica, enfrentando el peso de las expectativas familiares. La historia toma vuelo cuando la protagonista conoce a un alquimista legendario, lo cual, desemboca en cometer un grave error. Así se lanza a una odisea redentora, tan clásica como entrañable, que rescata los esquemas del viaje del héroe.

Desde el punto de vista temático, la cinta recuerda a ‘Papicha’ o ‘Un diván en Túnez’, en su forma de retratar el anhelo de emancipación femenina dentro de estructuras tradicionales árabes. Si bien ‘La luz de Aisha’ transcurre en un pasado dispuesto para audiencias infantiles, la lucha de su protagonista por abrirse camino en un mundo dominado por hombres resuena con el mismo ímpetu que las jóvenes protagonistas de aquellas cintas. Hay un paralelismo emocional claro: la pirotecnia de Aisha no es tan distinta de los desfiles clandestinos de ‘Papicha’ o las sesiones de terapia subversiva en ‘Un diván en Túnez’. En ese sentido, la película enarbola un discurso de empoderamiento femenino y de desafío a las estructuras sistémicas que bien está inculcárselo a las nuevas generaciones. Por otro lado se olvida de su ambientación en la península ibérica y no hay absolutamente ningún personaje o elemento que nos recuerde que es territorio ocupado por diferentes culturas, lo que describe más menos el andalucismo, por lo que la historia bien podría transcurrir en Argelia, Persia o cualquier otro territorio únicamente musulmán.

Técnicamente está realizada en 3D digital, pero se ha diseñado para que su movimiento y estética recuerden al stop-motion tradicional, por lo menos así lo he percibido. Con movimientos ligeramente menos fluidos, texturas visuales que imitan materiales físicos (como tela, fuego o piedra) y una iluminación y sombreado que generan sombras duras y volúmenes que recuerdan a figuras modeladas a mano. Visualmente, la película brilla. Adib, también diseñadora y supervisora de storyboard, despliega un imaginario estético con inspiración oriental. No es gratuito que el director de animación sea Raúl García, veterano de Disney en ‘Aladdín’, ‘Pocahontas’ o ‘El rey león’. El resultado es una cinta que combina precisión técnica con un lirismo visual muy poco habitual en la animación europea. La ambientación permite a García introducir por ejemplo aquel “parkour” con el que Aladdín recorría los tejados de Agrabah.

‘La luz de Aisha’ trasciende en ocasiones su condición de “cine familiar” y se convierte en un canto a la libertad de elección, al valor de corregir los errores propios y al derecho de soñar, incluso cuando todo parece estar en contra. Una película que no necesita gritar para brillar y de la cual probablemente volvamos a oír hablar en época de Goyas. Ojalá el gancho de marketing que supone la voz de Michelle Jenner y Jordi Sánchez surta efecto porque la película bien merece la oportunidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de abril de 2025. Título original: La luz de Aisha. Duración: 85 min. País: España, Alemania, Singapur. Dirección: Shadi Adib. Guion: Xavier Romero, Llorenç Español. Música: Edi Pou. Reparto principal (doblaje original): Michelle Jenner, Jordi Sánchez, Nerea Rodríguez, Jose Posada, Toni Mora, Yolanda Gispert. Producción: Mago Production, Filmax, Peng! Boom! Tschak! Films, Sangnila. Distribución: Filmax. Género: aventura. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/la-luz-de-aisha/308

Crítica: ‘La niña de la cabra’

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Sinopsis

Madrid, 1988. Elena afronta la reciente pérdida de su abuela mientras se prepara para hacer la Primera Comunión. Su amistad con Serezade, una niña que no se separa de su cabra, le lleva a plantearse si realmente el mundo es tal y como se lo han contado.

Crítica

Retrato tierno de ruptura y desafío generacional

‘La niña de la cabra’, el filme de Ana Asensio, se adentra en un terreno que el cine español ha visitado con frecuencia en los últimos años: la infancia en los años 80 (véanse films como ‘Las niñas’, ‘El universo de Oliver’ o ‘Los Aitas’). Asensio debutó hace años con ‘Most Beautiful Island’ en un filme que te gustase o no se percibía íntimo y ahora apuesta por enfoque aún más introspectivo, sincero y profundamente humano. Este es un largometraje que evita el exceso de dramatismo y la idealización para ofrecer un testimonio honesto y emocionalmente resonante.

Protagonizada por la joven Alessandra González como Elena, la película nos sitúa en un barrio de la periferia sur madrileña, donde la niña vive entre preocupaciones cotidianas tales como su Primera Comunión, los grupitos del patio de recreo, la ausencia de su abuela o los prejuicios familiares hacia su nueva amiga gitana Serezade (Juncal Fernández). Esa pequeña joven en situación de riesgo de exclusión siempre va acompañada de una enigmática cabra que desata las fantasías y pesadillas de Elena, alimentados por sus lecciones escolares sobre las pinturas negras de Goya y los catecismos que te dicen que todo es pecado. Este cruce entre lo real y lo simbólico, entre la infancia como experiencia y como percepción alterada, es uno de los grandes aciertos narrativos del film que, en mi opinión refleja, como llega un momento en la vida en que se rompe el mundo que nos presentan nuestros padres.

Asensio opta por narrar desde la mirada infantil, lo que imprime al relato un filtro de inocencia, subjetividad y ternura. En lugar de imponer un discurso adulto, la cámara se alinea con la perspectiva de Elena, lo cual dota a la película de una autenticidad tan enternecedora como desarmante. Esta elección nos lleva a otro mundo y recuerda a la estrategia empleada por obras recientes como ‘El universo de Óliver’ o ‘Rita’, pero ‘La niña de la cabra’ consigue sobresalir por su equilibrio entre lo costumbrista, lo nostálgico y lo poético. Es tal en enfoque en la infancia que a veces parece que estamos en un capítulo de Snoopy, donde los adultos nunca eran vistos por encima de su cintura.

La dirección artística está meticulosamente cuidada, desde la ambientación hasta el vestuario, logrando una evocación nostálgica sin caer en la caricatura. A diferencia de otras cintas ambientadas en los 80, que abusan de la estética vintage para ganarse al espectador, aquí todo está al servicio de una historia que también podría transcurrir perfectamente en 2025. Los segmentos en blanco y negro aportan la misma confusión del expresionismo alemán y refuerzan el tono melancólico sin robar protagonismo a los silencios, tan importantes en esta narración cargada de emociones no verbalizadas, que en parte parece que buscan la complicidad del espectador y en parte reflejan la desorientación o el desafío que a veces está presente durante nuestros primeros años. No es igual de eficiente la voz en off (de la propia directora) que aparece de manera aleatoria.

Uno de los aspectos más destacables del filme es su retrato de la exclusión social. Sin recurrir al panfleto, Asensio visibiliza el racismo cotidiano y socialmente interiorizado que enfrentan personajes como Serezade, pero también la posibilidad de la amistad como puente entre mundos aparentemente inconciliables. El guion evita maniqueísmos y apuesta por la ambigüedad, dejando espacio para que el espectador reflexione sobre sus propios recuerdos de infancia y los prejuicios heredados. Así mismo plasma las barreras sentimentales que existían en la época y que impedían la comunicación y comprensión entre generaciones.

En cuanto al reparto y aunque con la voz en off parece que nos indica que hay algo de autobiográfico, la directora se enfrentaba al reto de contar una historia que no protagonizaba ella misma como, fue el caso de su anterior filme, y por lo tanto, de conseguir que otros transmitan lo que tiene en mente. Se podría decir que ha conseguido moldear a las dos pequeñas niñas para exteriorizar sus inquietudes. Alessandra González ofrece una interpretación poderosa y tierna, llena de matices que no parecen ni de su edad. Su química con Juncal Fernández aporta una naturalidad conmovedora, pilar esencial para sostener la historia.

‘La niña de la cabra’ es una película pequeña en escala pero enorme en sensibilidad. Un testimonio de ruptura generacional que no necesita grandes giros ni efectos para dejar huella. Ana Asensio consolida su voz como cineasta sensible y comprometida con las historias que para algunos son incluso tabú, las que no suelen aparecer en los titulares o las que rompen tradiciones, pero que forman el tejido emocional de quienes fuimos niños alguna vez.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de abril de 2025. Título original: La niña de la cabra. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Ana Asensio. Guion: Ana Asensio. Música: Marius Leftarache. Fotografía: David Tudela. Reparto principal: Alessandra González, Juncal Fernández, Lorena López, Javier Pereira, Enrique Villén, Zaira Romero, Gloria Muñoz. Producción: Aquí y Allí Films, Avalon, La niña de la cabra AIE, Avanpost. Distribución: Avalon. Género: drama. Web oficial: https://avalon.me/peliculas/la-nina-de-la-cabra/

Crítica: ‘Polígono X’

Sinopsis

Unas canchas de fútbol de barrio. Rana y su equipo se sienten humillados por los brasileños del barrio de al lado, que les ganan desde hace tiempo. Pero hoy no van a permitirse perder y menos delante de Alba, la ex de Rana, saliendo a jugar contra ellos en una partida de cinco contra cinco en donde todos tienen algo contra todos. Esta es la oportunidad perfecta para los chicos del barrio Polígono X de hacer algo que llevan esperando mucho tiempo: expulsar a los brasileños de su barrio.

Crítica

Un retrato sin concesiones de la tensión del cemento

Hay que decirlo desde el inicio: pocos cortos logran condensar con tanta precisión y tensión narrativa un universo tan reconocible como el que plantea Néstor López en ‘Polígono X’. Un director que ya sabe lo que es levantar un Goya, vaticinamos hace poco el éxito de ‘Semillas de Kivu’ y aprovechamos esta ocasión para dar nuestra sincera enhorabuena. Esta vez nos golpea con una pieza compacta y brutal que se mueve con la precisión de una coreografía… pero sin artificios, sin alardes vacíos. Aquí, el plano secuencia no es un capricho técnico, es una necesidad narrativa que sirve para subrayar la tensión psicológica, el asedio de gallitos y la sensación de que algo puede explotar en cualquier momento.

Uno de los méritos y aciertos de ‘Polígono X’ reside en cómo consigue que la cámara se convierta en un personaje más, un testigo que respira el mismo aire cargado que los protagonistas. No hay cortes y tampoco hay pausas. Todo fluye con una naturalidad inquietante, como si de manera arriesgada la cámara se hubiese sumergido en un barrio real y a modo de documental. Esa cámara nerviosa pero precisa no solo capta la acción sino también el contexto: esas fachadas desconchadas, ese lenguaje corporal endurecido por los años, esa jerga que es tan música como amenaza.

‘Polígono X’ no habla solo de un conflicto puntual: habla de una cultura enquistada, de una masculinidad tóxica que sobrevive inexplicablemente al paso del tiempo. Viviendo actualmente con bombardeo de discursos progresistas y de un audiovisual que enarbola discursos en aras de la igualdad, sorprende que aun parece lejos el ganar pulso a “los trogloditas” que necesitan el refuerzo físico para sentirse alguien. En pleno siglo XXI, cuando las pantallas han educado a generaciones enteras y deberían habernos enseñado otras formas de ser, López nos recuerda que hay realidades donde la evolución no ha llegado, o ha llegado a medias. Y no lo hace desde la superioridad moral ni el panfleto: lo hace desde una mirada que parece fruto de la observación, desde una mirada que entiende el barrio, tanto como los que hemos crecido en él y lo hemos mamado casi como firma de vida.

En este sentido, quienes hemos transitado esas calles, esas pistas de fútbol sala donde se juega más que el marcador, encontramos en ‘Polígono X’ una fidelidad completa, vibrante. Porque no es solo el decorado, es el código gestual, la violencia sorda que se esconde tras mirada, el orgullo ridículo que se convierte en detonante de una tragedia. López clava estos matices con precisión y lo hace apoyado en un reparto que parece no actuar, sino simplemente estar. Ahí está el otro gran acierto del corto. Juan José Ballesta suma una nueva interpretación que clava los patrones de aquellos que son endémicos de las calles de la España de los 2000. Pero no solo él, sino que todo un reparto encabezado realmente por Guillermo Hego, que compone una pandilla veraz que podríamos cruzarnos si salimos ahora mismo a barrios madrileños de zonas como Carabanchel, Vallecas, El Pilar o Villaverde.

El corto se ve rápido, sí, pero deja una sensación amarga que permanece. Como una bronca mal cerrada o una conversación pendiente. ‘Polígono X’ es cine social, quizá la versión actual del cine quinqui de los 70 u 80. Sin florituras, sin condescendencias. Una ventana para quienes no quieren mirar y un recordatorio para los que vivimos o hemos vivido momentos como este.

Ficha de la película

Estreno en España: 2025. Título original: Polígono X. Duración: 15 min. País: España, Francia. Dirección: Néstor López. Guion: Néstor López. Fotografía: Juanjo Sánchez. Reparto principal: Guillermo Hego, Juan José Ballesta, Deivis de Jesús, Carlos Cábalas, Antonio Belvis, Anjel Collado, Alba Tissera. Producción: Filmakers Monkeys, Cvpvla Studio, La Última Sensación, The Other Films, La Luna Productions. Distribución: La Luna Productions. Género: drama. Web oficial: https://laultimasensacion.com/project/poligono-x/

Crítica: ‘Sorda’

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Sinopsis

Ángela, una mujer sorda, va a tener un bebé con Héctor, su pareja oyente. La llegada de la niña altera la relación de pareja, y lleva a Ángela a afrontar la crianza de su hija en un mundo que no está hecho para ella.

Crítica

Un relato poderoso sobre la comunicación en todas sus formas

La ópera prima de Eva Libertad, ‘Sorda’, se alza como una de las propuestas más conmovedoras y casi obligatorias del cine español reciente. Ganadora de dos premios en Berlín y de la Biznaga de Oro a la mejor película española en el Festival de Málaga, así como del premio del público y de los galardones ex aequo a mejor interpretación para Miriam Garlo y Álvaro Cervantes, la película aborda con sensibilidad las barreras comunicativas y emocionales que enfrenta una pareja en la que uno de sus miembros es sordo y el otro oyente, especialmente en el reto de la paternidad.

A través de la historia de los personajes de Ángela y Héctor, Sorda explora los desafíos que surgen cuando una pareja compuesta por una persona sorda y oyente deciden traer alguien a este mundo. La llegada del bebé intensifica las dificultades de comunicación, la incertidumbre sobre cómo enfrentar la crianza y la necesidad de encontrar un equilibrio en una sociedad que sigue sin estar completamente adaptada a la diversidad funcional. La película no solo denuncia las barreras externas que se encuentran aquellos que no son oyentes, sino también las internas, aquellas que nacen de los miedos, las inseguridades y las múltiples o posibles faltas de entendimiento dentro de la pareja.

‘Sorda’ construye con sutileza un relato entrañable y cotidiano que, en su tercer acto, despliega con mayor claridad las inquietudes y dilemas que atraviesa la pareja protagonista. Es especialmente valioso que el filme evite caer en el melodrama fácil, alejándose de los conflictos basados en discusiones o tragedias. En cambio, abre un debate que muchos jamás se habrán planteado. Para aquellos menos familiarizados con la comunidad sorda, o incluso para quienes desconocen la relevancia de la lengua de signos en la vida de tantas personas, la película supone una auténtica inmersión en una realidad distinta, especialmente en sus últimos diez minutos. La controversia radica en la diferencia entre aceptar y desear tener un hijo sordo. Mientras algunos padres no oyentes rechazan la idea de criar hijos CODA (oyentes con padres sordos), lo que algunos consideran una postura contraria a la evolución, los abuelos, por otro lado, temen transmitir una herencia que implique el reto adicional. Además, la película aborda con sensibilidad la compleja transición de quienes deben salir de la comunidad en la que se sienten comprendidos para integrarse en entornos ajenos que la paternidad les impone.

El trabajo de Miriam Garlo es sobresaliente, aportando una autenticidad única a su personaje. Su expresividad y dominio del lenguaje corporal logran transmitir la complejidad emocional de Ángela sin necesidad de artificios. Por su parte, Álvaro Cervantes ofrece una interpretación matizada, encarnando con sensibilidad el papel de un hombre que, pese a su amor y voluntad de apoyo, se enfrenta a dificultades que no siempre sabe cómo manejar.

Con una puesta en escena sobria pero efectiva y un guion que equilibra lo íntimo con lo universal, Sorda no solo es un drama sobre la discapacidad auditiva, sino también un reflejo de los retos que enfrentan muchas parejas al convertirse en padres. Es, en última instancia, una llamada a la empatía y la comprensión, recordándonos que la comunicación va mucho más allá de las palabras.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de abril de 2025. Título original: Sorda. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Eva Libertad. Guion: Eva Libertad. Música: Aránzazu Calleja. Fotografía: Gina Ferrer. Reparto principal: Miriam Garlo, Álvaro Cervantes, Elena Irureta, Joaquín Notario. Producción: Distinto Films, Nexus CreaFilms. Adolfo Blanco, RTVE, Movistar Plus+, La7, ICAA, ICEC, Región de Murcia, Ayuntamiento de Molina de Segura. Distribución: A Contracorriente Films, Latido Films. Género: drama. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/deaf-2