Análisis de DVD de ‘El Señor de los Anillos’

Una de las mejores adaptaciones de los libros de Tolkien

El pasado junio volvió a nuestras tiendas el formato doméstico de la versión animada de ‘El Señor de los Anillos’ (1978) dirigida por Ralph Bakshi y con las voces de Christopher Guard, William Squire, Michael Scholes, John Hurt, Simon Chandler, Dominic Guard, Norman Bird, Anthony Daniels o Michael Graham Cox, entre muchos otros.

La historia está muy bien adaptada, tenemos la historia de Frodo y su anillo, ese viaje hacia Mordor para intentar salvar a la Tierra Media. Elfos, magos, orcos, enanos, medianos y un sinfín de criaturas fantásticas, que Tolkien nos describió al dedillo y que en esta cinta intentan plasmar lo mejor posible. No está terminada, es una lástima, terminamos Las Dos Torres para no tener un desenlace final. No olvidemos que Bakshi nunca concluyó su adaptación, hay que desmentir una vez más que ‘El retorno del rey’ de Rankin/Bass (1980) sea una secuela.

La película fue una gran base para la trilogía de Peter Jackson y es que según la vamos viendo, vemos planos bastante parecidos a los que hemos visto en las cintas del director neozelandés.

Como pasa en todas las adaptaciones hay algunos personajes que tuvieron que ser omitidos, pero en general como he comentado es una buena adaptación de los libros. ‘El Señor de los Anillos’ está filmada predominantemente con actores en vivo en blanco y negro y mediante rotoscopia se fue animando. Aunque no todas las imágenes están filmadas así, si que le da un buen toque a la película. El carácter artesanal y el respeto hacia la obra original le han valido a esta versión legiones de fans que no admiten quejas hacia ella.

Como curiosidad la banda sonora es instrumental y está compuesta por Leonard Rosenman, ganador del Óscar de la Academia por ‘Barry Lyndon’ de Stanley Kubrick, pero Ralph Bakshi, quería que sonaran las canciones de Led Zeppelin y al final no le dejaron por temas de producción.

Tim Burton, trabajó en la película, pero no como se cree, en la animación, sino más bien, trabajo limpiando las distintas celdas de la película para que no quedarán motas de polvo. Todo genio tiene sus comienzos. Si veis este filme os quedará cristalinamente claro que Burton tuvo una muy buena escuela.

La película la podemos ver en Dolby Digital Mono: Castellano; Dolby Sorround 2.0.: Inglés; Alemán, Croata y Turco. Con subtítulos en Castellano, Portugués, Italiano, Francés, Inglés, Sueco, Alemán, Noruego, Danés, Finés, Hebreo, Polaco, Griego, Checo, Turco, Húngaro, Islandés, Croata. Además tiene Codificado para sordos, en inglés y alemán.

La edición que nos trae Arvi Licensing no contiene extras, pero es cierto que el poder tenerla en casa a mano para poder verla de vez en cuando es una verdadera maravilla. Rescatar este tipo de joyas es de las cosas que más me gusta del formato físico.

A continuación, os dejamos las fotografías del DVD de esta estupenda película.

Tráiler de ‘Here’

Robert Zemeckis regresa con Tom Hanks y Robin Wright

Adaptación de la novela gráfica homónima de Richard McGuire, portadista habitual de The New Yorker, llega a nuestras pantallas ‘Here’. Se publicaron las seis páginas originales en 1989 y rápidamente fueron reconocidas como una obra transformadora que ampliaba las posibilidades del cómic y casi 4 décadas después su influencia sigue vigente.

Dirigida por Robert Zemeckis, que 30 años después del estreno de ‘Forrest Gump’ vuelve a reunir a su guionista (Eric Roth) y dos de sus protagonistas (Tom Hanks y Robin Wright), que vuelven a coincidir en la gran pantalla.

Aunque la historia se centra en los personajes de Tom Hanks y Robin Wright, la película es un viaje cinematográfico en el tiempo en el que todas las escenas están conectadas y muestran el círculo de la vida. En el reparto encontramos también a Paul Bettany, Kelly Reilly y Michelle Dockery.

Zemeckis, gran apasionado de la tecnología y los efectos visuales, ha recurrido a Methaphysic Live, una innovadora herramienta de IA que, mediante tecnología hiperrealista, permite crear efectos de rejuvenecimiento en directo y en tiempo real, en la cara de los actores, sin necesidad de usar efectos especiales. Gracias a ella los actores pueden contar una historia que abarca distintas etapas de su vida.

El director de fotografía, nominado al Oscar Don Burgess, rodó ‘Here’ colocando la cámara de forma magistral para mostrar cómo la vida se mueve a través del tiempo y nunca deja de cambiar. Esta técnica deliberada consigue el asombroso efecto de que el público no sólo experimente la vida de los personajes como si fueran observadores en la sala, sino que también amplía el alcance para dar vida a la localización. El lugar es un personaje más.

A continuación os dejamos el tráiler, y sinopsis de la película que llegará a nuestras salas el próximo 5 de diciembre gracias a Vértice 360.

Sinopsis

Ambientada en una única habitación, ‘Here’, sigue a las numerosas generaciones de habitantes que formaron en esa habitación su hogar.

Una original historia de amor, pérdida, risas y vida, que nos hará viajar desde un pasado muy remoto hasta un futuro próximo. Este emocionante viaje a lo largo de cientos de miles de años, transcurrirá de principio a fin, en un solo lugar: Aquí.

Crítica: ‘Publio. El secuestro sin fin’

 En que plataforma ver Publio. El secuestro sin fin

Interesante serie documental con una gran narración 

Los true crimes es un género que está suscitando mucho interés en los últimos años y por ello Max se ha animado traernos unos cuantos en los últimos meses. Hace poco os hablábamos de ‘El hombre sin corazón’ y hoy os contamos un poco lo que nos ha parecido ‘Publio. El secuestro sin fin’, que llega a nuestras pantallas de casa el próximo 27 de junio.

Publio Cordón, era un empresario español, fundador del Grupo Hospitalario Quirón, fue secuestrado el 27 de junio de 1995 la salida de su vivienda de Zaragoza. Publio se disponía a hacer su rutina de ejercicios y no volvió a casa.

A partir de este momento la organización terrorista de los Grapo, se puso en contacto con la familia y pidió un alto rescate para que Publio quedase en libertad.

El documental está bastante bien montado, comienza con una escenificación del momento del secuestro para dar paso a las distintas entrevistas que veremos durante los 4 episodios de este documental.

En el conoceremos a todos los protagonistas de esta historia, desde la familia de Publio. Lo que lucharon sus hijos para poder averiguar que le ocurrió a su padre, policías e incluso vemos también testimonios de los terroristas. También tendremos imágenes de archivo y distintas grabaciones para dar el contexto necesario para entender toda la historia.

En estos 4 episodios de unos 50 minutos aproximadamente cada uno, también conoceremos las diferentes teorías que hubo sobre su puesta en libertad y desaparición. Además, de la actual investigación y de como a día de hoy siguen intentando encontrarle. En el primer episodio, conocemos todo acerca del secuestro y la familia. Seguidamente, en el segundo episodio, nos adentramos en la historia de GRAPO y de como la familia desconfiaba de la policía. Conocemos las distintas teorías que se dieron en la época cuando supuestamente le liberaron gracias al tercer episodio. Y en el cuarto ya vemos que sucedió cuando se conoció la verdad del paradero de Publio.

Fèlix Colomer Vallès, director de la serie. Logra un gran trabajo de investigación, en el que no solo nos logra contar el secuestro y desaparición de un hombre, o la lucha de su familia para poder encontrarle, sino también, nos muestra un pedazo de nuestra historia, bastante cercana de la que no se habla tanto. Pero no solo eso, gracias a este true crime, se ha logrado reabrir el caso e intentar volver a buscar a Publio.

Tráiler ‘Los hombres lobo’

Los juegos de mesa llegan a nuestras pantallas

François Uzan, guionista de ‘Lupin’ nos trae la adaptación del juego de mesa ‘Hombres lobo en Castronegro’. El famoso juego en el que se tiene que descubrir quienes son los lobos para no terminar cazado por ellos.

Netflix ha decidido sacar esta cinta que, viendo el tráiler oficial de la misma, se parece bastante a ‘Jumanji’. Pues los protagonistas de la misma se adentran en el juego de mesa lo que los lleva a la época medieval.

Jean Reno, Franck Dubosc, Suzanne Clément, Jonathan Lambert, Grégory Fitoussi y Bruno Gouery, entre otros, son los encargados de dar vida a los protagonistas de la película.

La película que llegará este próximo octubre de 2024, no será la primera adaptación de un juego de mesa que nos traerá Netflix, pues se acerca también el estreno de la serie de Gatitos Explosivos (Exploding Kittens) que también es bien famoso en el mundo de los tableros.

Tampoco es su primera adaptación al cine, ya que hace unos años pudimos ver en el Festival de Sitges ‘Un hombre lobo entre nosotros‘ (aquí os dejamos el enlace a la crítica) que se basaba en un videojuego que a su vez se basaba en ‘Hombres lobo en Castronegro’.

Sin más os dejamos el tráiler de ‘Los Hombres Lobo’ que es como se va a llamar la película en España.

Crítica: ‘Good Boy’

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Sinopsis

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Christian, un heredero millonario, conoce a Sigrid, una joven estudiante, a través de una aplicación de citas. Congenian rápidamente, pero solo hay un problema: Christian le habla de su perro y ese “perro” parece ser Frank, un hombre aparentemente secuestrado que se disfraza y actúa constantemente como un perro.

Crítica

Una cinta turbia que juega bien sus cartas

Sigrid encuentra a Christian a través de una App de citas. Congenian rápidamente, además de ser maravilloso y simpático, Christian es un famoso millonario. Sigrid decide ir a su casa donde conoce a Frank, un perro-hombre que convive con Christian. A partir de ahí su relación idílica comienza a ser algo turbia.

‘Good boy’ nos llega desde Noruega gracias a Viljar Bøe. Me esperaba una película bastante más perturbadora y creepy de la que he visto. Pero no significa que no me haya gustado, todo lo contrario.

El director logra una cosa bastante buena y es que el director logra mantener el mismo tono en la película bastante tiempo. Tranquilidad y curiosidad por parte de Sigrid hacia su nuevo romance. Pese a su extraño perro. Todo es bastante normal hasta que deja de serlo, claro, si no, la película simplemente sería una cinta romántica con un pequeño e insignificante detalle, Frank, el perro-hombre.

‘Good boy’ tiene el acierto de durar 76 minutos, es un acierto, no porque me gusten las películas cortas, sino porque esta pide serlo. Al final, ‘Good boy’ parece un corto alargado, pero muy bien hecho. Sin necesidad de meternos una trama intrincada para alargar la trama, Viljar Bøe, logra contarnos una historia sin complicaciones y sin demasiadas explicaciones. Y eso está muy bien.

Gard Løkke está genial en su papel de millonario romántico que no logra conocer al amor de su vida. Su compañera de reparto, Katrine Lovise Øpstad Fredriksen, también logra convencernos dando a Sigrid una inocencia bastante particular.

Técnicamente no resalta en nada, es sencilla y no quiere que te dediques a contemplar una gran fotografía o escuchar una gran banda sonora. El director, simplemente, quiere que contemples la situación que te está dando y pienses en ella.

La película llega este próximo 26 de enero a Filmin y la verdad que os la recomiendo bastante, es entretenida y como digo, tampoco se complica demasiado en torcer la situación, ya bastante turbia de por sí, sino que simplemente la desarrolla de una manera bastante natural.

 Ficha de la película

Estreno en España: 26 de enero de 2024. Título original: Good Boy. Duración: 76 min. País: Noruega. Dirección: Viljar Bøe. Guion: Viljar Bøe. Música: Martin Smoge, Isak Wingsternes. Fotografía: Reparto principal: Katrine Lovise Øpstad Fredriksen, Gard Løkke, Amalie Willoch Njaastad. Producción: Saban Films. Distribución: Filmin. Género: Terror. Web oficial: https://www.filmin.es/pelicula/good-boy

Alicia Framis se casará con una IA en una serie de performances

The Hybrid Couple explorará temas de actualidad contando con especialistas tecnológicos y pensadores

La artista multidisciplinar barcelonesa Alicia Framis (Mataró, 1967) inicia hoy un rupturista proyecto internacional en forma de una nueva serie de performances denominada “The Hybrid Couple”, donde entrelaza arte, tecnología y emociones.

Este proyecto abarca documental, investigación escultórica, dibujo, música, arquitectura, diseño de moda y del ritual de matrimonio, colaboraciones en inteligencia artificial y holografía. Framis colabora con especialistas en tecnología y pensadores de toda Europa, buscando explorar la integración de la IA en la vida diaria y el arte.

En la primera performance, titulada «The First Woman to Marry a Hologram”, la artista celebrará su matrimonio con una inteligencia artificial, una escultura holográfica entrenada a partir de perfiles de personas conocidas de la artista. Esta singular ceremonia tendrá lugar el próximo verano de 2024 en el museo Depot Boijmans Van Beuningen de Róterdam (Holanda), y promete innovar en la interacción humano-IA y en el arte contemporáneo.

¿Cómo será la primera boda entre una humana y una inteligencia artificial? AILex, el holograma escogido por Alicia Framis, es una entidad de IA creada usando perfiles de personas conocidas por la artista. La holografía, una técnica avanzada de fotografía, crea imágenes tridimensionales mediante luz láser y la interferencia de dos haces de luz coherentes. Este proceso, aplicado a sistemas de vídeo, representa un desafío tecnológico que, de superarse, podría introducir a AILex en futuras televisiones tridimensionales. Esta boda sin precedentes, que se celebrará en la terraza del museo Depot Boijmans Van Beuningen de Róterdam, será un evento pionero en el que se llevará a cabo un ritual único para la unión entre un humano y un avatar. En la actualidad, Alicia Framis está diseñando su propio vestido para contraer matrimonio con un holograma, así como en el atuendo de los invitados a la ceremonia. También, junto al LAM museum, el museo de arte alimentario de Holanda, Framis trabaja para la creación de comida molecular que puedan disfrutar tanto humanos como humanoides. Este será el primer banquete de este tipo en el mundo.

A Alicia Framis le gustaría conseguir una hipoteca para comprar un novio inteligente. La artista, junto a Rabobank Art Collection, está explorando la posibilidad de crear la primera hipoteca para comprar un compañero holográfico, así como una casa diseñada específicamente para un holograma y un ser humano. Según Alicia Framis: “Es interesante cómo podemos obtener una hipoteca para comprar un automóvil nuevo, y ahora podemos tener una hipoteca para comprar un nuevo compañero. La artista se pregunta: ¿Puede un banco tener clientes que no sean humanos por primera vez? ¿Podemos yo y mi novio holograma tener una cuenta compartida? ¿Qué tipo de cobertura de seguro tendré para un holograma agresivo que grite a la gente?”.

Si queréis hacer seguimiento de este proyecto podéis hacerlo en la web www.aliciaframis.com y en las cuentas de Instagram @aliciaframis y @hybridcouples

Llegan los nuevos planes de Disney+, algunos con publicidad

 

En vigor desde el día de hoy

Tal y como adelantamos el pasado mes de agosto Disney+ tendrá nuevas modalidades de suscripción y algunas de ellas, las más básicas, incluirán anuncios durante los visionados. Las nuevas condiciones contemplan un plan de suscripción con publicidad junto con otras dos modalidades sin pausas publicitarias. A partir de ahora se puede obtener Disney+ al precio de 5,99€, sin prescindir de los títulos originales, taquillazos y series.

Simón Amselem, director general de The Walt Disney Company, España y Portugal: «Este lanzamiento representa un gran hito para Disney+ en España, ya que ofrece a nuestros clientes la flexibilidad para elegir el plan que mejor se ajuste a sus necesidades y presupuesto. Todos los suscriptores a cualquiera de los tres planes pueden disfrutar del amplio catálogo de series originales y taquillazos, que incluyen la aclamada serie “The Bear” de FX; series originales producidas en España como “La Última”, protagonizada por Aitana Ocaña y Miguel Bernardeau, o “548 días: Captada por una secta”; grandes éxitos cinematográficos como “Elemental” o “La Sirenita”; junto a otros increíbles títulos como la temporada 2 de “Loki” de Marvel Studios, “Los Simpsons” o “Anatomía de Grey”».

Casimiro Romero, director de Ad Sales y Partnerships, The Walt Disney Company, España: “Ofrecemos a los anunciantes una oportunidad única de sumarse a Disney+, con nuestras reconocidas marcas y excepcionales estrenos de películas y series. La respuesta de anunciantes y agencias está siendo abrumadoramente positiva, reforzando la calidad de nuestro contenido y el fuerte vínculo entre nuestras marcas y las audiencias a las que llegamos en todo el mundo. Estamos trabajando con un fantástico abanico de marcas en el mercado desde el primer día”. Algunos de los anunciantes que acompañarán a Disney+ en este lanzamiento son: Pandora, Vodafone, Carolina Herrera, Paco Rabanne, Ikea, Mondélez, Cupra, Volkswagen, Seat, Famosa, Lego, MGA, Toy Partners, Mediamark, Coches.net, Fotocasa, Carrefour, Redbull, Ultima de Affinity, Bimbo, DS, Jeep, Idôle de Lancôme, Amor Amor de Cacharel, o Garnier.

 

Primeras imágenes de ‘Basado en una historia real’

Kaley Cuoco, Chris Messina y Tom Bateman protagonizan la serie de Movistar Plus+

‘Basado en una historia real’ llega a nuestras pantallas el próximo 13 de noviembre a Movistar Plus+. Cada lunes se podrá ver un nuevo episodio de la serie protagonizada por Kaley Cuoco, Chris Messina y Tom Bateman.

La primera temporada de ‘Basado en una historia real’, está creada por el showrunner, productor ejecutivo y escritor nominado al premio Emmy Craig Rosenberg (‘The Boys’, ‘Gen V’), los productores ejecutivos de Aggregate Films Jason Bateman y Michael Costigan y UCP, una división de Universal Studio Group. Kaley Cuoco y Alexander Buono también son productores ejecutivos.

La serie es un thriller de comedia negra de ocho episodios que sigue a una agente inmobiliaria, una ex estrella del tenis y un fontanero, que aprovechan una oportunidad única para capitalizar la obsesión de Estados Unidos por el crimen.

Completan el reparto Priscilla Quintana, Liana Liberato, Natalia Dyer, Alex Aloma Akpobome, Aisha Alfa, Annabelle Dexter-Jones y Li Jun Li.

Aquí os dejamos alguna de las primeras imágenes de la serie.

Crítica: ‘La familia Stallone’

En qué plataforma ver La familia Stallone

Cosas de casa

¿Qué ocurre cuando el héroe vuelve después de un largo viaje en el cual ha salvado el mundo? Si queréis ver cómo fue la vida cotidiana de Odiseo después de la guerra de Troya y su largo viaje a casa… Este nuevo reality show tiene la respuesta, aunque no lo parezca.

Para el espectador profano que Sylvester Stallone tenga su propio reality puede parecer la enésima bizarrada en su carrera artística y en esta era en la que la televisión se ha visto obligada reciclarse y renacer de sus cenizas hibridándose con internet (algo que ya hizo la radio en su momento). Podréis comprobarlo en SkyShowtime con la serie de emisión semanal que arranca hoy mismo.

Para el espectador creyente este reality de la familia Stallone es un sueño hecho realidad, dedicado a toda una generación que ha crecido con uno de los mayores héroes de acción de la última mitad del siglo XX. Antes de que me emocione al hablar de lo que significa Sylvester Stallone para muchos que conocen su extensa filmografía es mejor que primero ponga un poco en contexto su importancia en la cultura popular de las últimas décadas.

En los cómics estaremos de acuerdo que, aunque los universos son casi infinitos e inabarcables llenos de miles de personajes con sus variantes, el gran público reconoce unos 3 instantáneamente: Wonder Woman, Superman y Batman, por un lado, Iron Man, Capitán America o Spiderman por otro… Incluso en mangas tan conocidos como Dragon Ball, cuyo reparto de luchadores no se quedan cortos si lo comparamos con Marvel o DC, los primeros nombres que se nos vienen a la cabeza son Son Goku y Vegeta. Pues en el cine de entretenimiento que surgió en plena guerra fría, a pesar de la larga lista de actores y actrices dedicados al cine de acción los más importantes, reconocibles y que mayor impacto han tenido en la cultura popular son Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone. Su rivalidad (al igual que los grandes héroes del cómic y el manga) ha sido también digna de leyendas que después de muchos años han sido material de anécdotas en las entrevistas.

Una rivalidad que han trasladado del cine a la televisión. Stallone ha optado por una serie mafiosa crepuscular con toques de noir y western, ‘Tulsa King’ en Paramount+ y Arnold Schwarzenegger ha entrado como un elefante en una cacharreria en Netflix con ‘Fubar’, en una secuela espiritual de ‘Mentiras arriesgadas’ manteniendo el espíritu gamberro, pero también reflexionando sobre los conflictos entre el éxito en una profesión y la vida familiar. Pero no acaba aquí la cosa, porque si Arnold ha aprovechado para rodar un documental de su vida en Netflix, Stallone no se queda atrás con su nuevo reality con su familia.

Si comparamos los dos formatos, el de Stallone es mucho más jugoso por supuesto, por varios motivos (incluso si descartamos de la ecuación las toneladas de pulsión de su familia) y quizás el más importante es el que ha caracterizado siempre a Stallone: ha sido más arriesgado a nivel creativo durante toda su carrera.

¿Riesgos creativos? ¿En el género de cine acción y aventuras? Pues sí, y el primer riesgo fue el que le dio el éxito diferenciándose de todos los demás. Los héroes Rocky y Rambo son personajes vulnerables, torturados, apartados de la sociedad, héroes con sus luces y sombras que cometen errores. Puede que en la actualidad sea algo a lo que estemos acostumbrados e incluso veamos necesario, pero en el año 1976, con Rocky, fue toda una revolución con la que el público se sintió totalmente identificado.

Arnold ha sido en su carrera cinematográfica, política e incluso en su vida cotidiana como el Capitán América o Superman, luchando por alcanzar cuotas de perfección impensables para cualquier ser humano. Y esa perfección de semidiós griego fue la carta que tenía bajo la manga Schwarzenegger para triunfar en su carrera, la fascinación de la humanidad por los mitos. En el caso de Stallone, esa cualidad humana en sus personajes ha jugado a su favor en su etapa madura. Sly ha sabido llevar a su terreno sus grandes franquicias cinematográficas como Rambo y Rocky asumiendo simplemente su edad. Y sus conflictos. En la serie ‘Tulsa King’ está soberbio por esa razón. Stallone abraza la impotencia que nos alcanza cuando alcanzamos una cierta edad echando una mirada al espejo retrovisor de su vida observando todos sus errores. Uno de los temas que trata es el de la familia (y a pesar de ser un mafioso en esa serie, no nos referimos a ‘esa’ familia) y el hecho de ser un estereotipo con patas que no le ha dejado ser tan humano y disfrutar de una vida mundana como querría.

Y ahí es donde conectamos con este reality de la familia Stallone que se entremezcla en determinados momentos con la serie, no de manera contundente en un ejercicio metanarrativo, sino para poder introducir a los espectadores de una manera natural a la humanización del personaje de Stallone. La familia de Stallone, compuesta por su mujer Jennifer y sus tres hijas (Sophia, Sistine y Scarlet) acompañan a Sly en este reality con intervenciones especiales del desconocido hermano y cantante Frank Stallone o de amigos como Dolph Lundgren o ¡Al Pacino! (atentos a ese momento en la pizzería). Las hijas de Stallone no son tan Kardashian como podría parecer de la manera en que se nos vende este reality. Se podría decir que las tres hijas tienen muy amueblada la cabeza, quizás más que el padre cuando tenía su edad.

Es Stallone (y su hermano) el que aporta la parte más bizarra y encantadoramente hortera. Las hijas como mucho son pijas (que tampoco pueden evitarlo por el entorno en el que han crecido) pero son estudiantes universitarias y trabajadoras. En cambio, Stallone se nota que vive sus personajes en la vida real y sigue siendo tan extravagante como en su juventud, además de que como buen hijo de la guerra fría tiene un conflicto interior sobre la realidad de su familia. Aunque es una familia bastante tradicional americana, con todo lo divertido que puede salir de ahí.

Este reality es un buen complemento para los muy cafeteros de Sylvester Stallone y para los espectadores profanos es una curiosa radiografía de las generaciones que crecieron en la segunda mitad del siglo pasado.

Crítica: ‘La Fortaleza’

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Sinopsis

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Tras la muerte de Arturo Viaplana, sus hijos asisten a la lectura del testamento con la esperanza de heredar su gran fortuna. Lo que no saben es que su difunto padre no ha elegido heredero, sino que ha ideado como última voluntad una especie de broma póstuma. Para heredar su patrimonio los hermanos Viaplana tendrán que superar las pruebas de un macabro juego que los enfrentará al secreto mejor guardado de la familia.

Crítica

Homenaje cómicamente negro a las películas de crímenes y misterios

‘La Fortaleza’, no confundir con una de las últimas películas de Bruce Willis o con la marca de cafés. Es la nueva película cómica de Chiqui Carabante, autor de obras como ‘12+1 una comedia metafísica’ u ‘Honor’, la serie que adapta el original protagonizado por Bryan Cranston.

Un casoplón, una familia numerosa, un muerto, una herencia que cobrar, un misterio que resolver… La película tiene los mismos ingredientes que los títulos de Agatha Christie o que las recientes películas de ‘Puñales por la espalda’, título que le vendría como anillo al dedo a ‘La Fortaleza’. En esa casa se reúnen cinco hermanos convocados por un notario que les ha transmitido la muerte de su padre. Acuden a la casa familiar tras llevar sin ir más de tres años debido a que su padre era bastante desgraciado y cargantemente bromista con ellos. Incluso muerto les gasta una broma pesada pues les obliga a jugar al algo que si no superan desencadenará en la pérdida de la herencia.

Entre aquello que figura en el legado está la fortaleza emplazada en los campos de Extremadura, que es obviamente donde transcurre la acción. Si queremos una similitud para esta película con algo actual habría que decir que es como un escape room retorcido. Con unas pocas pistas y unas estrictas exigencias los hermanos tienen que conseguir el objetivo marcado, que no voy a desvelaros ya que el factor desconcertante es un punto clave para entretenerse con este filme. ‘La Fortaleza’ se vende como una comedia negra de suspense pero yo creo que se le ajusta más el término de comedia de desconciertos y puñaladas. El suspense está en un seguidísimo plano y deja paso a la confusión y los giros locos. Es una comedia disparatada, de esas cuyos protagonistas sabemos que están en caída libre e irremediable al más estrepitoso fracaso.

Y todo esto es debido a que la familia está rota y formada por cinco hermanos, a cada cual más disfuncional. Un empresario fracasado, una deprimida empastillada, un escritor que no publica, una hermana mayor que vive de postureo y un siervo de la engañifa del mindfulness. Este último está interpretado por Vito Sanz y es de todos el que mejor capta y ejecuta el tono de esta comedia. Pero, al final, el personaje que va a ser más cómico es el que resulta más serio y cabal. Fernando Tejero aparece ante la cámara con unas gafas enormes asimilándose al Rompetechos de Ibáñez, pero recreando a un notario serio, firme y riguroso. Curiosamente, a pesar del carácter de ese personaje, es uno de los más graciosos.

‘La Fortaleza’ esgrime humor negro o macabro pero poco suspense. Es una sucesión de chistes que homenajean el género de crímenes y misterio en estratos altos de la sociedad burlándose de esta. Funciona como comedia de enredos que no busca ningún tipo de preciosismo, al contrario, se muestra burda. Los personajes son ambiciosos a rabiar, pero esta película no peca de querer morder más de lo que se puede masticar y se percibe consciente de sus aspiraciones. Es un entreteniendo que no rivaliza con estrenos recientes como ‘Misterio en Venecia’ pero que como tragicomedia disparatada sabe diferenciarse.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de septiembre de 2023. Título original: La Fortaleza. Duración: 92 min. País: España. Dirección: Chiqui Carabante. Guion: Chiqui Carabante, Salvador S. Molina, David Orea Arribas. Música: Darío González Valderrama. Fotografía: Juan Hernández. Reparto principal: Fernando Cayo, Goya Toledo, Fernando Tejero, José Manuel Poga, Vito Sanz, Carla Nieto, Lola Casamayor, Manuel Zarzo, Yan Tual, Manolo Solo, Nacho Fresneda. Producción: Canal Extremadura TV, Canal Sur Televisión, Featurent, Glow, ICAA, Lolita Films, Mediaevs, Un Fin De Semana Juntos. Distribución: SkyShowtime. Género: comedia, misterio. Web oficial: https://featurent.com/latest/la-fortaleza/

Primeras imágenes de lo nuevo de ‘The Witcher’

Este verano nos espera magia en nuestras casas

Dividida en dos volúmenes, regresa ‘The Witcher’ con esta tercera temporada que tanto estábamos esperando. El volumen 1 incluirá los episodios 1-5 y se estrenará el 29 de junio, mientras que el volumen 2 incluirá los episodios 6-8 y verá la luz el 27 de julio.

En esta nueva temporada, monarcas, magos y bestias del Continente competirán por capturar a Ciri mientras Geralt luchará por esconderla, decidido a proteger a su nueva familia de cualquier amenaza. Yennefer responsable de entrenar la magia de Ciri, les conduce a la fortaleza protegida de Aretuza, donde esperan descubrir más acerca del gran poder mágico de la joven. Sin embargo, lo que encontrarán es una gran batalla de corrupción política, magia negra y traición. Deberán luchar al límite o se arriesgarán a perderlo todo para siempre.

La tercera temporada de ‘The Witcher’ está protagonizada por Henry Cavill (presentación de la segunda temporada de ‘The Witcher‘), Anya Chalotra, Freya Allan, Joey Batey, Myanna Buring, Eamon Farren y Mimi M. Khayisa entre muchos otros.

Os dejamos el nuevo avance junto al cartel de la la nueva temporada y última en la que veremos a Henry Cavill como Geralt.

Tráiler de la 13 temporada de ‘La que se avecina’

Estreno el 18 de noviembre

Prime Video ha desvelado hoy el tráiler oficial de la nueva temporada de ‘La que se avecina’. La serie, producida por Mediaset España en colaboración con Contubernio Films, está protagonizada de nuevo por Jordi Sánchez (‘Señor, dame paciencia’), Nathalie Seseña (‘De moda’), Pablo Chiapella (‘Fuera de serie’), Félix Gómez (‘Carlos, rey emperador’), Carlos Areces (‘El Pueblo’), Luis Merlo (‘El internado’), Fernando Tejero (‘Modelo 77’), Miren Ibarguren (‘Supernormal’), Loles León (‘Padre no hay más que uno 3’), Petra Martínez (‘La vida era eso’), Eva Isanta (‘Aquí no hay quien viva’), Mamen García (‘Señoras del (‘h’)AMPA’) y Macarena Gómez (‘30 Monedas’), entre otros.

El 18 de noviembre se estrenarán los 3 primeros episodios de la serie y posteriormente se hará un estreno semanal cada viernes. La temporada 13 de La que se avecina podrá verse en exclusiva en Prime Video antes de su emisión en abierto en Mediaset España.

Tras la expropiación de Mirador de Montepinar, los vecinos fijarán su residencia en un inmueble en el centro de la ciudad, donde formarán parte de una comunidad de propietarios abanderada por una implacable presidenta. Terminaron la pasada temporada con las maletas a cuestas, tras haber sido víctimas de una injusta expropiación. Ahora, los vecinos de Mirador de Montepinar se disponen a iniciar una nueva vida en un céntrico inmueble, situado en la calle Contubernio 49, donde convivirán con nuevos vecinos, se asombrarán con las decisiones de una presidenta que dirige con mano firme la comunidad y vivirán toda suerte de aventuras y desventuras con el particular sentido del humor que les caracteriza.

Crítica: ‘Los herederos de la tierra’

Un gran trabajo de producción y dirección

Los herederos de la tierra llega este viernes a nuestras casas de la mano de Netflix. Continuación de ‘La Catedral del Mar’, nos volvemos a reencontrar con los protagonistas de esta historia que van dando paso poco a poco a nuevas caras. ‘Los herederos de la tierra’ consta de 8 episodios de 1 hora aproximada de duración.

Antes de comenzar la crítica os comento que no he visto ‘La Catedral del Mar’, así que no puedo daros mi opinión acerca si es una buena continuación. Y tampoco me he leído las novelas de Ildefonso Falcones, en las que están basadas estas series, así que no puedo comentaros si son buenas adaptaciones. Pero hablando como espectadora, puedo decir, que me ha entusiasmado mucho.

Nos trasladamos a Barcelona, a finales del siglo XIV y narra la historia del joven Hugo Llor, que trabaja en las atarazanas gracias a la generosidad de Arnau Estanyol. Su sueño de convertirse en constructor de barcos se verá truncado cuando la familia Puig, enemiga acérrima de su mentor, aprovecha su posición ante el nuevo rey para ejecutar una venganza que llevaban años acariciando.

Jordi Frades, es el encargado de dirigir los ocho episodios. Él ya se encargó de dirigir ‘La Catedral del Mar’ así que ha podido contar con el reparto anterior para continuar la serie.

La historia está muy bien narrada, nos va llevando poco a poco a conocer el pasado y el futuro de este muchacho y de todos los que le rodean. Me ha gustado mucho que no sea necesario haber visto ‘La Catedral del Mar’ para tener que ver ‘Los herederos de la Tierra’. Pues era una de las cosas que más me preocupaba, mas que nada, por falta de tiempo. Pero nos adentra de una manera sencilla en este mundo medieval, además de contarnos toda la historia sin necesidad de entrar en demasiados detalles.

Tampoco quiero contar demasiado, Hugo Llor, nuestro protagonista, vive un sinfín de desventuras. Si, llega un momento que es fácil pensar que este pobre hombre es gafe, pues le ocurre de todo. Pero también es la gracia de la serie, ya que detrás de todas las incertidumbres que pasa, avanza y crece.

Volvemos a ver a Michelle Jenner (‘Las últimas de la fila’), Aitor Luna (‘Sordo’) o Críspulo Cabezas (‘La Catedral del Mar’). Pero como he dicho, tenemos nuevas caras, como la de Yon González (‘Érase una vez en Euskadi’), encargado de dar vida a nuestro protagonista principal, junto a David Solans, que es el encargado de darle vida de joven. Ambos muy bien en su actuación.

Pero también tenemos al gran Rodolfo Sancho, que dará más de un dolor de cabeza a nuestro protagonista. En el reparto encontramos a Elena Rivera, Aria Bedmar, Natalia Sánchez, María Rodríguez Soto, Manel Sans entre muchos otros.

Tenemos ante nosotros una gran producción en la que no se han escatimado en gastos. Rodada entre Barcelona, Tarragona y Gerona, vemos maravillosas localizaciones que hacen que te adentres en la época sin un momento de duda. Gracias también al trabajo de vestuario y maquillaje.

No tengo ninguna duda que ‘Los herederos de la tierra’ va a gustar y que la disfrutaréis. Este viernes 15 de abril llega a nuestras pantallas.

Insiders se estrena el 21 de octubre

El primer reality de Netflix

‘Insiders’, el primer reality show de Netflix España, se estrenará en todo el mundo el próximo 21 de octubre. Conducido por Najwa Nimri (‘La casa de papel’), ‘Insiders’ es un reality de convivencia en el que el espectador descubrirá una nueva forma de contar la realidad, una innovadora experiencia televisiva en la que los doce concursantes creían estar en la fase final de un casting para entrar en un reality del que no conocían ningún detalle, pero ya estaban dentro sin saberlo, grabados desde el primer día.

En un mundo en el que los concursantes de realities se las saben todas, ¿cómo conseguir que doce personas muestren su verdadera cara? Gracias a un enorme esfuerzo humano y técnico, en un plató de 1600 metros cuadrados con más de 250 micrófonos ocultos y 70 cámaras escondidas, 23 de ellas en calidad cinematográfica, los concursantes de ‘Insiders’ se muestran tal y como son, ajenos a cámaras y micrófonos, en una vuelta al reality de convivencia más puro.

El reality de Netflix, producido por iZen, es una nueva forma de contar la realidad, en la que los doce concursantes participan sin saberlo en este experimento televisivo donde cualquier cosa puede pasar con el objetivo de ganar el premio de 100.000 euros.

Nuevo tráiler de ‘Dune’

Estreno el 17 de septiembre

Llevamos desde septiembre del 2020 viendo vídeos de ‘Dune’ y ahora nos llega un nuevo tráiler acompañado de su fecha de estreno, el 17 de septiembre.

Esta nueva versión, llamada a hacer justicia a la saga literaria de Fran Herbert y a superar la adaptación de Lynch ha sido dirigida por Denis Villeneuve. El guión ha sido cosa de Jon Spaihts (‘Prometheus’) y Eric Roth (‘Forest Gump’). Warner Bros. es quien la pondrá en cines.

En este nuevo vídeo, la mar de revelador podemos ver a Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Stellan Skarsgård, Dave Bautista, Stephen McKinley Henderson, Zendaya, David Dastmalchian, Chang Chen, Sharon Duncan-Brewster, Charlotte Rampling, Jason Momoa e incluso por ahí aparece el español Javier Bardem.

Sinopsis oficial:

‘Dune’, el viaje de un héroe mítico que soporta una enorme carga emocional, cuenta la historia de Paul Atreides, un joven brillante que ha nacido con un destino más grande que él mismo. En esta epopeya, deberá viajar al planeta más peligroso del universo para asegurar el futuro de su familia y de su gente. Mientras las fuerzas del mal se enfrentan para hacerse con uno de los recursos más excepcionales del planeta, que tiene el poder de desbloquear todo el potencial de la humanidad, solo los que logren dominar sus miedos podrán sobrevivir.

Crítica: ‘Relic’

Sinopsis

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Cuando la anciana Edna desaparece y reaparece inexplicablemente, su hija Kay y su nieta Sam viajan a la casa familiar en la que descubren que tras la demencia de la abuela se oculta una presencia malévola que trata de poseerla.

Crítica

Genera muy buen discurso entre generaciones

Para empezar a comprender bien ‘Relic’ hay que tener en cuenta que está protagonizada por tres actrices que además de dar la talla interpretativamente funcionan bien como familia. De menor a mayor, de nieta a abuela: Bella Heathcote, Emily Mortimer y Robyn Nevin. Es importante el relato generacional en este filme por lo que quiere contar.

Se que es una película difícil de tragar pero a mí me ha gustado. Construye muy poco a poco su argumentación y conforma toda ella una metáfora, con el terror como canal de transmisión. Algunos no admiten esa planificación que nos lleva de empezar con secuencias lentas y nos conduce a un climax intenso, pero yo creo que es la clave para sentir agobio, miedo y claustrofobia con esta película. Desde luego ‘Relic’ es capaz de materializar algunos temores inevitables dados en el ser humano.

Natalie Erika James (premiada en Sitges) se ha estrenado con este filme que a diferencia de otras muchas películas que solo buscan los sustos o el espectáculo grimoso se esfuerza en transmitir una inquietud. Siembra pistas que al final evidencian el resultado, como debe ser, sin finalizar de un modo enigmático o solo incomprensible con aclaraciones en entrevistas posteriores. No engaña al espectador que sale de la sala con una idea hecha de lo que ha visto.

La ambientación es otro logro de ‘Relic’. Con ella nos introducen en un lugar triste y que en algunos estadios del filme se hace literalmente agobiante. Hace que una casa funcione como un símil de una mente perdida y desorientada. Además consigue acabar con una escena sentida de verdad. Eso hace que la película gane enteros y no sea un título más entre los muchos que llegan con una temática similar.

En mi caso, no sigáis leyendo si no queréis spoilers o no queréis sacar conclusiones condicionadas, la historia habla del miedo a la muerte, de cómo la vejez acecha y nos hace sentir reliquias. Sobe todo de comprender y acompañar a los que están en una situación en la que los achaques de la edad tergiversan la personalidad. Por supuesto este es un filme que creo que habla de la demencia senil. Es un camino con sufrimiento pero con construcción personal que acaba sacando a la luz nuestra humanidad y el amor por los nuestros.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de marzo 2021. Título original: Duración: 89 min. País: Estados Unidos. Dirección: Natalie Erika James. Guion: Natalie Erika James, Christian White. Música: Brian Reitzell. Fotografía: Charlie Sarroff. Reparto principal: Emily Mortimer, Robyn Nevin, Bella Heathcote. Producción: AGBO, Carver Films, Film Victoria, Nine Stories Productions, Screen Autralia. Distribución: Selecta Visión. Género: terror, drama. Web oficial: https://www.ifcfilms.com/films/relic#&gid=1&pid=1

‘Fantasmas’, una serie de una mansión encantada que nos ha encantado

Una serie de Tom Kingsley llena de momentos divertidos

Nos llega ahora la serie británica ‘Fantasmas (Ghosts)’ y lo hará a través de Movistar+ desde el 26 de febrero. Una historia cómica, muy divertida, que está esperando estrenar su tercera temporada y que inicia su andadura en España. Debido a esto Movistar nos ha permitido ver el primer episodio y lo primero que debemos decir es… ¿Por qué no ha llegado antes?

‘Fantasmas’ es una serie con ese sarcasmo inglés que tanto se agradece en cuanto vemos que han sido capaces de desprenderse de la famosa sofisticación y refinamiento inglés. Una serie sin pelos en la lengua, que no por ello ha de considerarse de clasificación R, pero si que no tiene límites a la hora de ser descabellada o absurda.

Y para muestra su argumento. Una familia habita una gran mansión. Los Button velan por la Button House pero lo curioso es que no lo hace atemorizando a sus ocupantes, si no que cuidan y observan atentamente sus vidas, ya que todos comparten apellido, se preocupan porque su clan mantenga el hogar ancestral. Y eso es porque cada fantasma se ha ido incorporando con el paso del tiempo, son de diferentes épocas. Por eso tenemos un cavernícola, una dama cortesana, un militar del siglo XIX, un boy scout, un político, una mujer quemada por brujería… ¿Qué sucede? Pues que la última Button fallece sin descendencia y hereda la casa un familiar lejano, desarraigado, que quiere convertir el otrora majestuoso lugar en un hotel. Estando desacuerdo con esa transformación los fantasmas deberán aprender a asustar a sus nuevos inquilinos.

La comedia de esta serie viene sobre todo de la incapacidad y la torpeza de sus espectrales protagonistas. Llevan décadas e incluso siglos viviendo juntos en las tierras que han sido siempre de su familia y aun así no consiguen llevarse bien. Pero también son inútiles a la hora de asustar y esa absurda idea es de las que más juego dan. Absurda pero no única. En la famosa película ‘Ghost’ ya le pasaba eso a Patrick Swayze, no conseguía interactuar con el mundo de los vivos. A la ya clásica escena del movimiento de la moneda se le hace un guiño en ‘Fantasmas’.

Los guionistas Jim Howick y Mathew Baynton (que interpretan además a dos de los espectros protagonistas) desarrollan también sus gags a partir de las diferencias o contrastes que resultan evidentes nada más ver cómo va ataviado cada uno de ellos. Lo obvio es pensar que el enfrentamiento entre el mundo sobrenatural y aquellos que aún no se han ido al otro barrio es la principal arma de ‘Fantasmas’. Pero extrae muchas situaciones a partir de enfrentar los clichés de cada época.

En cierto sentido estos fantasmas tontorrones me recuerdan a los traicioneros hermanos de ‘Stardust’, son igual de bobalicones y se les coge cariño rápidamente. Pero a lo que más me ha recordado esta serie es al filme ‘El hotel de los fantasmas’, la película protagonizada por Steve Guttenberg y Daryl Hannah que nos enseñó el término esqueletear. Más allá del evidente símil que nos muestra su título, lo digo por el heterogéneo reparto y su capacidad para tomarse a broma el género fantástico de una manera bastante sana.

La serie tiene cierta candidez en sus argumentos y también algo de misterio, pues no sabemos si se acabarán llevando todos bien, si finalmente se convertirá en un hotel o simplemente por el hecho de ir descubriendo cómo murió cada uno de ellos. ¿Por qué el fantasma del político va siempre sin pantalones? Si toda la serie es como el primer episodio lo iremos descubriendo con sumo gusto.

Crítica: ‘The Mystery of the Pink Flamingo’

Sinopsis

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Rigo Pex es un ingeniero de sonido serio, lógico pero excéntrico que sueña con un extraño fenómeno que lo perturba: The Pink Flamingo. El flamenco, este pájaro rosado, estilizado y andrógino de mirada inquietante, posee un magnetismo increíble. Rigo se siente atraído y disgustado. Intenta ignorarlo, pero es inevitable. Estos pájaros rosas parecen seguirlo a todas partes como señales que llevan a Rigo a una investigación para revelar su misterioso significado. Estudiará su impacto en nuestra sociedad y eventualmente viajará a Estados Unidos para conocer una serie de personajes dispares que refuerzan su personalidad con la figura del pájaro: la sensación de Internet Pink Lady of Hollywood, la gurú de la música Allee Willis, la banda pop Kero Kero Bonito o el cineasta de culto John Waters, entre muchos otros. Rigo será nuestro guía a lo largo de este viaje sobre cómo los iconos pueden ayudarnos a encontrar nuestra propia identidad y eventualmente cambiar nuestras vidas.

Crítica

Se gana con creces el certificado de autenkitschidad

Pulula por España un falso documental llamado ‘Pirámides murcianas’ (crítica aquí) que a través de un viaje intenta desvelar un misterio insólito. ‘The Mystery of the Pink Flamingo’ también trata a cerca de un viaje y la resolución de un enigma. Pero en este caso es un viaje personal y la película a través de una historia que mezcla una identidad ficticia con una real enmascara un documental.

A partir de aquí poned videclips de Meneo, Little Big o similares. El músico Rigo Pex interpreta a un ingeniero de sonido que quiere dar sentido a las grabaciones que hace a todo lo que le rodea, pero sobre todo a la plaga de flamencos rosas. Presentando al palmípedo animal como un icono de la cultura pop, ‘The Mystery of the Pink Flamingo’ se convierte en una exploración de lo kitsch. La voz de Camilo García (habitual de Anthony Hopkins) le da mucho empaque a un documental que tiene bastante simpatía y que se narra de manera lineal, a base de entrevistas y conversaciones a veces oníricas.

Al igual que nos pasó a los lectores de cómics cuando Marvel los convirtió en un producto mainstream y de consumo masivo y casi vacío, el movimiento kitsch es defendido como una corriente que solo es auténtica si se hace sentida, con el corazón y sin afán de forzar su popularidad. Según esta película se entiende como kitsch aquello que marca la diferencia, define o provoca de un modo involuntario, convirtiéndose además en una especie de arte o gusto que no sigue ningún patrón específico.

Está claro que este es un ensalzamiento por parte de los hermanos Polo que dejan claro que todo esto está relacionado con lo pulp, lo hortera, lo descarado, lo pretencioso o lo extravagante. Un exponente de todo esto en nuestro país son Alaska y Mario, que precisamente en su balcón lucen flamencos. La pareja no aparece en la película, pero si Eduardo Casanova, cuya filmografía está teñida de rosa y él explica por qué. ‘The Mystery of the Pink Flamingo’ cuenta con representantes de dentro y fuera de nuestras fronteras. El filme ostenta el lujo de contar con John Waters (‘Pink flamingos’, ‘Hairspray, fiebre de los 60’) y con personas tan peculiares como la reina del rosa Kitten Kay Sera, el grupo Kero Kero Bonito o la compositora y coleccionista Allee Willis (a quien los productores dirigen una dedicatoria).

Este es sin duda un largometraje saturadísimo de color que sabe buscar referentes y argumentos para defender su postura. Os hará ir desde la definición estrictamente biológica hasta puntos muy creativos, pasando por el flamenco más español. Un buen acto de rebeldía contra lo canónicamente establecido como “bonito”.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de noviembre. Título original: The Mystery of the Pink Flamingo. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Javier Polo Gandía. Guion: Javier Polo Gandía, Sixto Xavier García. Música: Santero y los muchachos. Fotografía: Guillermo Polo. Reparto principal: John Waters, Eduardo Casanova, Rigo Pex, Antonyo Marest, Allee Willis, Kero Kero Bonito, Ana Urbiola, Claude Chapelaine, Sarah Schutt, Cindy Dunlow, Patricia Altschul, Brian Antoni, Denis Casali, Kitten Kay Sera. Producción: Los Hermanos Polo, Japonica Films. Distribución: Versus Entertainment. Género: documental. Web oficial: http://versusent.es/pelicula/the-mystery-of-the-pink-flamingo-2/

Crítica: ‘El jardín secreto’

Sinopsis

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Mary Lennox tiene 9 años y vive con sus padres en la India donde su padre trabaja para el gobierno inglés. Cuando los padres mueren a causa del cólera, Mary es enviada a vivir a una inmensa mansión con su malhumorado y solitario tío (Colin Firth) y su estricta ama de llaves (Julie Walters). Allí la niña se encontrará sola en una mansión con más de cien puertas (la mayoría cerradas) y un jardín amurallado donde con la ayuda de la fantasía y en compañía de su enfermizo primo y un joven del pueblo, emprenderán una maravillosa aventura.

Crítica

A la vista es correcta, pero cuando te acercas a husmear no desprende aroma

La actriz Julie Walters, el director Marc Munden y el guionista Jack Thorne ya coincidieron en ‘National Treasure’ pero ni esta es una película del mismo corte ni Walters es la protagonista. En ‘El jardín secreto’ ella es algo así como el ama de llaves de la casa en la que reside Colin Firth y a la que es destinada su sobrina interpretada Dixie Egerickx.

De nuevo vuelve a interpretarse la novela de Frances Hodgson Burnett, ‘El jardín secreto’, que ha tenido hasta películas animadas. Por mucho que contemos esta vez con Walters y de nuevo con Firth (ya hizo de Colin en la adaptación de 1987) realmente la niña y otros personajes son los protagonistas. El peso recae en Egerickx cuyo personaje se mueve por un terreno poco afable para intentar dar rienda suelta a sus juegos e imaginaciones.

En el marco de la guerra indo-pakistaní los padres de Mary (Egerickx) desaparecen. Ella es devuelta a Inglaterra donde tiene que alojarse en una casa rodeada de un feo páramo y entre paredes que crepitan y transportan el sonido de llantos. Allí ha de intentar ser feliz, en el lugar donde entre la melancolía y lo mustio encuentra el color.

Esta es una película cuyo punto de partida o mecánica puede recordar a ‘El laberinto del fauno’ o a ‘La casa del reloj en la pared’. Pero ni es tan intensa como la primera ni tan mágica como la segunda. Munden ha hecho la que probablemente es su película más infantil y también la más metafórica. Todo el filme es un relato que busca relacionar la tristeza con la enfermedad y la alegría con la vida. La capacidad de curar aquí va de la mano a la capacidad de creer y de querer sobreponerse a la tragedia.

Al margen lo que buenamente quiere transmitir es un relato bastante insípido, sobre todo porque no tiene una moraleja elaborada ni trabaja lo más mínimo la emoción. Si nos adentra en un contraste de lugares que nos lleva a un despliegue de color a través de un vergel, pero no consigue que empaticemos con unos personajes que de entrada son bastante apáticos. La protagonista sin ir más lejos tiene un carácter extremadamente repelente que evoluciona poco o nada.

‘El jardín secreto’ es una película fantasiosa que para mi se aleja del término fantástico. Si hubiese conseguido materializar un ambiente aún más de cuento y exprimido el potencial de sus actores seguramente estaríamos hablando de una película capaz de tocar la fibra.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2020. Título original: The secret garden. Duración: 99 min. País: Reino Unido. Dirección: Marc Munden. Guion: Jack Thorne. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Lol Crawley. Reparto principal: Colin Firth, Julie Walters, Dixie Egerickx, Edan Hayhurst, Maeve Dermody, Isis Davis, Amir Wilson. Producción: STX Films, StudioCanal, Heyday Films, Fundamental Films, Canal+, Ciné+. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, fantasía. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/el_jardin_secreto

Crítica: ‘Gretel & Hansel’

Sinopsis

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Hace mucho tiempo, en una tierra maldita, una niña y su hermano pequeños e ven obligados a abandonar su hogar familiar en busca de comida y trabajo.  A pesar de la ayuda que les presta un noble cazador, se desorientan y acaban perdidos en un profundo y oscuro bosque.

Al encontrarse con una cabaña mágica, habitada por una anciana de amable apariencia, Gretel y Hansel creen haber hallado un refugio seguro. Pero los inagotables banquetes que la mujer celebra en tiempos de hambruna, y los extraños murmullos de niños perdidos y las apariciones mágicas que alberga su hogar, sugieren que las cosas podrían no ser lo que parecen.

¿Podrá Gretel proteger a su hermano pequeño, o sucumbirá a las tentaciones que surgen en su interior? Algo malvado acecha en esta oscura reinvención del clásico cuento de hadas.

Crítica

Sin migas de pan y queriendo meter más miga

Nos vamos a Alemania, a una sucia Baviera en una oscura y sufrida época. Allí es donde se ambienta una vez más la historia de ‘Gretel y Hansel’. Oz Perkins vuelve a embadurnar una película de misterio y thriller, no tanto de terror. En su tercera obra como director reinventa el cuento clásico de los hermanos Grimm dotándole de menos candidez y aproximándolo más a la obra original.

Entiendo el cambio de orden en el título ya que realmente la película pone su foco en Gretel. De nuevo Perkins ha hecho un largometraje con protagonista femenina. Gretel es sensiblemente más mayor que su hermano Hansel (16 años frente a 8) y tiene siempre la iniciativa. Se ha desarrollado un personaje con más inquietudes que el del cuento y se muestra que tiene que enfrentarse a penurias de la época que van más allá que la falta de alimento. Esta es una historia sobre el crecimiento y las transformaciones sufridas en uno mismo. No es la primera vez que se usa el terror o lo fantástico para narrar el paso a la madurez, para mostrar los cambios que vive una mujer en una etapa tan trascendental. Véase por ejemplo ‘Verónica’.

‘Hansel y Gretel’ siempre ha sido un cuento para prevenir a los niños, para mostrar que no todo lo que parece bueno es necesariamente así. Y más allá es un relato que habla sobre refrenarse ante los impulsos y las ambiciones, que puede ser lo que la casa suponía o lo que la bruja quería perpetrar, su carnicería de niños. Aquí las tentaciones y los anhelos también están muy presentes, la bruja se encarga de satisfacer sus deseos, más allá incluso del de saciar su apetito.

Sophia Lilis, una de las protagonistas de ‘IT’ es quien encarna a Gretel. Pasa del terror basado en la espectacularidad y los sustos a uno más psicológico. Sigue sumando buenas actuaciones la joven actriz de Brookly. En esta ocasión está tan ligada a su hermano ficticio como si fuese su gemelo (lo cual no es nuevo para ella pues realmente tiene un gemelo en la vida real). Hace las veces de joven inconsciente y de madre a la vez, una hermana mayor creíble y con una interpretación nada exagerada.

Para mí hay otras virtudes mejores en esta película que no obstante me ha dejado algo frío al no tratar algo excesivamente novedoso. Por eso digo que este es un ‘Gretel y Hansel’ sin migas de pan y queriendo meter más miga. Me ha gustado el inquietante papel de Alice Krige que repite como bruja (‘The calling’, 2000). Su rostro arrugado y a veces como enajenado es de lo poco que da algo de miedo. Si la intención que tenían era la de rayarnos o perturbarnos con ella lo consiguen, además que le han dado una buena vuelta de tuerca a su concepción.

No hay migas de pan por el bosque y no hay casa de pan de jengibre. En su lugar tenemos una cabaña moderna que parece una de estas casas rurales de diseño que están tan de moda. Las formas picudas están por todas partes: en el tejado, los sombreros, las estrellas (aparece tanto la de David como el pentagrama invertido). Esto es porque el interesante diseño de producción nos quiere imponer, intenta constantemente hacernos sentir pequeños o amedrentarnos con sus imágenes. Y es que otra de las estrellas del filme es Galo Olivares, el director de fotografía. El que fue cámara y colaborador en la fotografía de la ‘Roma’ de Cuarón ha realizado una gran composición de escenas que buscan simetría, profundidad y vértigo horizontal. Desde luego está claro que le gustan las perspectivas con punto de fuga. Me gusta mucho el contraste de luces y sus colores otoñales que hacen que aunque haya pigmentación en la imagen esta se sienta gris y oscura.

Hay alguna referencia sutil a otros cuentos de los Grimm e incluso al simbolismo religioso que empleaban en algunas de sus escenas. No está mal el intento de hacer este cuento de fantasía terrenal y contenida, pero sus creadores tendrían que haber dado más rienda suelta a sus pretensiones.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de julio de 2020. Título original: Grete & Hansel. Duración: 87 min. País: EE.UU. Dirección: Oz Perkins. Guion: Rob Hayes. Música: Robin Coudert. Fotografía: Galo Olivares. Reparto principal: Sophia Lilis, Alice Krige, Sammy Leakey, Charles Babalola, Jessica de Gouw. Producción: Automatik Entertainment, Orion Pictures, BRON Studios, Creative Wealth  Media Fiance, Wild Atlantic Pictures. Distribución: Vértice Cine, Amazon Prime Video. Género: terror, thriller. Web oficial: https://gretelandhanselthemovie.com/

Crítica de ‘En casa’, la serie de HBO surgida en el confinamiento

Desafío creativo con algún episodio imaginativo

El confinamiento ha sido el tema central en nuestras vidas durante los últimos meses y también lo es ahora en el nuevo estreno español de HBO España, ‘En casa’. Todos hemos estado compartiendo extrañas costumbres como el salir a la calle con los guantes de cocina, atesorar el papel higiénico, asistir a decenas de videollamadas multitudinarias, plantar huesos de aguacate… Y algunos han estado además con mono de rodar. HBO le ha dado las herramientas a cinco artistas para que nos cuenten una historia desde su casa.

El próximo 3 de junio podréis ver los episodios de ‘En casa’, la serie creada, dirigida y en algunas ocasiones también protagonizada por Leticia Dolera, Rodrigo Sorogoyen, Paula Ortiz, Carlos Marqués-Marcet y Elena Martín. 5 episodios cuya duración oscila entre los 17 y los 44 minutos.

A veces lo improvisado gusta más por ser más sincero y espontáneo. Es por eso que han triunfado en las redes las ocurrencias de miles de ciudadanos que se han grabado con ánimos de crear el gag más gracioso o el vídeo más sentido. El motivo de estos episodios no llega a ser exactamente el de generar una obra motivacional o que siga la estela de los mejores virales. Son capítulos a modo antológico, no tienen nada que ver los unos con los otros y pretenden ser testigos de un evento histórico que nos marcará. Para ello hay diferentes lenguajes, está el que toca el género fantástico y metafórico, la pieza que podría ser parte de un museo de arte contemporáneo, la que parece un extenso anuncio del 016…

Y me parecen bien todos los episodios, aunque alguno toque muy de pasada el tema o resulte excesivamente trivial o disperso. Para mí el de Sorogoyen y Marta Nieto es el que más jugo saca de la situación y el que realmente supone una obra original, profunda e imaginativa. Pero me ha gustado la exposición de vídeos de archivo de Marqués-Marcet quien además de demostrar que es una persona viajada hace gala de intimismo y reflexión. Habría que guardarse varias de las frases que expone en su discernimiento. Habla de que parece que tenemos todos el impulso de contar algo constantemente para aportar nuestro granito de arena a la memoria colectiva que se está formando en Internet y de que además haya una especie de necesidad por intentar poetizar todas las situaciones. Me parece una manera muy franca y lúcida de describir nuestro comportamiento.

Otras cadenas e infinidad de usuarios de Internet han hecho algo similar a lo que nos plantea Warner Bros. ITVP España en colaboración con Caballo Films. En este caso el acabado es bastante profesional ya que el dispositivo de grabación ha sido un móvil (que da muy buena calidad, como podemos ver con la foto que ha extraído Paula Ortiz dirigiendo a sus actrices a través de videoconferencia) pero tras el rodaje hay técnicos de montaje y sonido que han ensamblado lo que cineastas acostumbrados a grabar les han enviado. Se percibe que se han usado soportes fijos y me aventuraría a decir que también algún micrófono extra o algún modelo de estabilizador. En cualquier caso los directores han aceptado el reto con los recursos enviados por Warner y alguno ha respondido devanándose bien los sesos.

Los artífices de estas obras no necesariamente se interpretan a sí mismos. A si es que absténganse de verla aquellos que pensaban que esto iba a ser una especie de invasión consentida de la vida íntima de estos famosos. Obviamente está rodado en sus casas con sus objetos cotidianos a si es que puede aplacar la curiosidad de muchos. Pero no olvidemos que estamos en una situación inusitada y lo que vemos es la anormal vida íntima de unos personajes que intentan hablarnos de algo que nos ha tocado vivir a todos. Y sobre todo en las rutinas que se han establecido y en los detalles que hemos descubierto los unos de los otros es donde consigue ser más realista.

Los hay que tiran de blanco y negro, que introducen algo de imágenes modificadas por ordenador, que sacan tonos más realistas… En común tienen que tratan de sacar buenas tomas de las cuatro paredes en las que habitan, hay buenos fotogramas, sin dejar mucho espacio al plano recurso.

Me queda la duda de si en algunos episodios los protagonistas estaban conviviendo realmente en la cuarentena o si se han juntado posteriormente, quiero creer más bien lo primero, porque si no ese detalle tiraría por tierra la frase que tanto se repite, que esta obra se ha realizado “siguiendo las más estrictas normas del estado de alarma”. Tampoco es que se predique con el ejemplo en algunos episodios con los cuidados de limpieza. Quizá puedan parecer apreciaciones tiquismiquis, pero algunas escenas me parecen algo descuidadas. No obstante, me quedo con que con recursos justos ‘En casa’ consigue mostrar inquietudes y conclusiones útiles.

La productora de Álex de la Iglesia crea ‘The Fear Collection’ junto a Sony y Amazon

El horror cósmico como eje central

Sony Pictures ha anunciado una asociación con Pkeepsie Films (‘El bar’, ‘Musarañas’, ‘Pieles’)y Amazon Prime Vídeo. En conjunto van a crear ‘The Fear Collection’. Una nueva casa cinematográfica que se centrará en el terror y el suspense, todo ello bajo el prisma de Álex de la Iglesia que en cada uno de los proyectos estará presente como director o como productor. Los filmes rodados se estrenarán en cines a través de Sony y luego estarán en Prime Vídeo.

Para Álex de la Iglesia, “Es un ambicioso proyecto que llevo arrastrando desde hace años. El concepto es generar una serie de películas que revelan un universo de terror más allá del tiempo. Los personajes se enfrentan a fuerzas sobrenaturales que amenazan la humanidad. La idea es generar un sello de películas con un carácter específico, el Horror cósmico. Nuestra intención es producir dos películas al año con directores y guionistas amantes del género. Si hay algo que conocemos bien en este país es pasar miedo, instalado en nuestros cerebros desde que, en una excursión del colegio, contemplamos por primera vez las pinturas negras de Goya. Sony y Amazon me brindan la oportunidad de dar luz verde a una pesadilla, que espero, nos quite el sueño.”

En palabras de Laine Kline, Head of International Productions de Sony Pictures, “Álex es un auténtico maestro del terror. ‘The Fear Collection’ es la plataforma perfecta tanto para Álex como para Sony Pictures International Productions, para explorar los límites de la cinematografía del género en el cine español.”

Iván Losada, Director General de Sony Pictures España, declara que “Álex es uno de los creadores más brillantes y prolíficos de este país, y celebramos con enorme entusiasmo el hecho de poder incorporar su talento al desarrollo de esta colección de películas de terror”.

Varios proyectos se encuentran actualmente en desarrollo, uno dirigido por el propio Álex de la Iglesia, a partir de un guion del consolidado tándem de la Iglesia/Guerricaechevarría, y futuros proyectos de la mano de Jaume Balagueró, Paula Ortiz, Fernando Navarro y Carlos Therón.

“Alex de la Iglesia es uno de los grandes referentes cinematográficos en España. Poder colaborar con él, de la mano de Sony Pictures Entertaintment y Pokeepsie Films, es un privilegio para nosotros, ya que nos permitirá ofrecer a nuestros clientes una colección de películas con un sello de calidad indiscutible”, ha declarado Ricardo Cabornero, Head of Content en Amazon Prime Video en España. “El cine es uno de los grandes pilares de nuestro servicio, y este proyecto nos ayudará a seguir desarrollando un catálogo de contenido español exclusivo, diferenciador e innovador”.

Palmarés del Cuarentena Film Festival

Más de 970 cortometrajes presentados

Muchas son las iniciativas y concursos que han surgido durante esos meses de cuarentena, meses, que se dice pronto. A algunos se nos ha pasado volando este tiempo gracias a proyectos que han incentivado la creatividad y originalidad de todos. Uno de ellos que os transmitimos fue el Cuarentena Film Festival. Un certamen digital que ya nos ofrece sus resultados.

En la primera convocatoria el Cuarentena Film Festical a través de Instagram ha conseguido casi 15K en la cuenta @cuarentenafilmfestival y más de 970 cortometrajes recibidos. Han llegado hasta a celebrar una gala el pasado 1 de mayo, vía streaming. Ahí los organizadores, Mikel Bustamante y María Algora, dieron a conocer el palmarés. Este festejo contó con la participación de los miembros del jurado: Isabel Coixet, Nadia de Santiago, Jose Mari Goenaga, Abril Zamora y Jon Plazaola. También se sumaron JAMESON, El Festival Rueda con Rueda y los diseñadores de las estatuillas, La Purísima Conchi.

-Mejor Cortometraje: EL ABRAZO de Larry Balboa y Lara Veliz.

-Mejor Dirección: IMPORTANTE de Héctor Martín.

-Mejor Comedia: LA VIDA EN CASA de Manuel Picó y Alejandro Pau.

-Mejor Guion y Mejor Actor: EL MONTGOMERY CLIFT ESPAÑOL de Alejandro Jato.

-Mejor Actriz: EL MOMENTO IDEAL de Eli León.

-Mejor Documental: ¿YA SE VAN? de Eduardo Arrona.

-Mejor Cortometraje de Animación: IMÁGENES DESPUÉS DEL APOCALÍPSIS de Ramón Catà.

-Mejor Rueda con Rueda: CUARENTENAMOOD de Carmen Dopico.

Tras el éxito de esta primera edición, la productora BEDMAR FILMS ya está imaginándose una posible Segunda Edición, aunque como dicen ellos, ojalá sea conmemorativa y no porque nos toque volver a estar confinados en nuestras casas.

Nuestra copia de ‘La trinchera infinita’ ya tiene destinatario/a

El conjunto de regalos es para…

Se acabó la espera. Nuestra copia de ‘La trinchera infinita’ podrá salir con destino a la persona que ha sido agraciada. Ahora podrá ver en una gran calidad de imagen y sonido esta estupenda película española protagonizada por dos pedazo de actores como son Antonio de la Torre y Belén Cuesta. En esta ocasión el ganador/a ha sido…

Edu

@danodino1976

¡Disfrútala! Contactaremos con la persona premiada por mensaje privado en su red social para que nos facilite sus datos de envío.

Agradecemos a nuestros lectores habituales y a los nuevos el participar. Bienvenidos a nuestra familia de moviementarios.

Regalo de un Blu-ray de ‘La trinchera infinita’

La película estupendamente protagonizada por Belén Cuesta y Antonio de la Torre

Podéis haceros con una copia de ‘La trinchera infinita’ (crítica aquí). Un excelente largometraje que le valió a Belén Cuesta los premios Feroz y Goya y que se llevó el Goya a Mejor Sonido. No es de extrañar que se llevase estos reconocimientos dada su calidad y perfectamente Antonio de la Torre pudo haber tenido algún premio también por su trabajazo.

Ya está a la venta y nosotros queremos regalaros un ejemplar para que degustéis, tanto la película como sus extras, los cuales analizamos aquí.

Si queréis optar a ganar el premio podéis hacerlo…

…a través de Facebook siguiendo estas normas…

  1. Haz me gusta a la página de Facebook de Moviementarios
  2. Comenta la fotografía del sorteo en Facebook etiquetando a dos amig@s
  3. Comparte dicha foto (de manera pública, para que podamos comprobarlo)

…o por Twitter con estas otras.

  1. Sigue a Moviementarios
  2. Haz retuit a la fotografía en Twitter etiquetando dos personas

Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. Tenéis de plazo hasta el 10 de mayo a las 23:59h. Puedes participar en todas las fotos del sorteo que publiquemos. El hecho de participar más de una vez no incrementa las posibilidades de ganar, a no ser que se etiquete a diferentes personas cada vez. El sorteo se hará por orden aleatorio tras listar a todos los participantes que cumplan los pasos requeridos. Anunciaremos quien ha sido agraciado el 11 de mayo de 2020. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para el envío y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Facebook, Twitter o Instagram no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella. El envío solo se realizará dentro del territorio español. ¡Mucha suerte a tod@s!

Análisis del Blu-ray de ‘La trinchera infinita’

Tras dos horas y media de excelente película devoramos sus extras

‘La trinchera infinita’ (crítica aquí) fue ganadora de un Premio Feroz para Belén Cuesta y de un Goya a Mejor Sonido y a Mejor Actriz también para Belén Cuesta. Además fue ganadora de la Concha de Oro a Mejor dirección y del Premio del Jurado a Mejor guion. Es un filme que ahora has sido nominado a ocho Premios Platino del Cine Ibero americano y desde el 11 de marzo está disponible a la venta en Blu-ray y DVD.

Es un filme dirigido a tres manos. Comparte artífices con ‘Handia’ y ‘Loreak’. Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga realizaron una estupenda película en la que el odio, la agorafobia, el miedo, la paranoia y los reproches tienen un papel muy importante. Una película transcurrida en la Guerra Civil, abarcando el caso de «los topos», aquellos que tuvieron que vivir periodos larguísimos de tiempo en auténticos zulos. Pero lo bueno es que no está teñida de ningún carácter político. ‘La trinchera infinita’ podría estar ambientada en cualquier guerra ya que plantea una situación universal.

Esta película estrenada el 31 de octubre de 2019 por eOne Films es sobre todo un filme que maneja muy bien las emociones y para ello hacían falta muy buenos actores. Antonio de la Torre y Belén Cuesta son los protagonistas que además de reflejar las penurias de una guerra de hermanos plasman impetuosamente el cómo afecta eso a una pareja. Al igual que en la película de Fernando Fernán Gómez (‘Mambrú se fue a la guerra’) se ofrece una serie de posibilidades y de matices muy interesantes.

Para poder acercarnos aún más al filme el Blu-ray tiene diferentes extras que describimos a continuación. Pero también se ha lanzado un audio que nos sumerge en el ambiente generado por todo su equipo técnico. Así podemos experimentar lo mismo que Higinio (Antonio de la Torre) durante su estancia entre muros. Podéis oírlo aquí.

El menú del Blu-ray está acompañado de la música de Pascal Gaigne y de imágenes del largometraje que no os van a suponer ningún spoiler. Se echan en falta subtítulos en varios idiomas para no hispanoablantes y personas con problemas de audición. Por supuesto podemos elegir ahí los diferentes extras que aportan muy buena información de cómo y porqué ha llegado ‘La trinchera infinita’ a materializarse.

Extras (2 horas aprox.)

Making of (16:41 min.)

Un «cómo se hizo» que se puede visionar dividido en 5 capítulos. Emilio Palacios comienza hablando de su personaje y de cómo ha tenido que afrontar esta historia. Seguidamente vemos cómo se han rodado las escenas más peligrosas tanto en estudio como en exteriores de Carboneras. Para eso oímos y vemos trabajar al equipo técnico que ha preparado todo el atrezo.

Escenas eliminadas (18:23 min.)

8 escenas eliminadas que van desde el momento en el que vivimos la trepidante huída de Higinio hasta momentos vividos en su encierro. Muy curiosa la escena en la que su hijo se cae mientras pinta la fachada. También algunos problemas surgidos en su casa que hacían surgir más dudas en el protagonista. Y una lectura de carta en la que la tensión y el hartazgo son dos términos que le vienen muy bien al personaje de Cuesta. Muy curiosa la escena con la Guardia Civil que va más allá del final de la película.

30 años de oscuridad – El documental que inspiró la película (1:25:42 min.)

Extenso documental que habla sobre el germen de la película. Todo a partir de un libro que habla de los topos de España, de aquellos que estuvieron décadas escondidos por miedo a cacerías, represalias y condenas por supuestos crímenes. Con recreaciones a través de ilustraciones algo animadas nos muestran escenas igual de difíciles a las de la película. Testimonios e imágenes de archivo hablan de muchos casos reales vividos por toda España. Historias increíbles que describen muy bien la España de guerra y sus tiempos posteriores. El actor Juan Diego pone voz a Manuel Cortés, el principal personaje que cuenta su atemorizante historia.

Crítica: ‘Vivarium’

Sinopsis

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Una joven pareja se plantea la compra de su primer hogar. Para ello visitan una inmobiliaria donde los recibe un extraño agente de ventas, que les acompaña a una nueva, misteriosa y peculiar urbanización para mostrarles una vivienda unifamiliar. Allí quedan atrapados en una laberíntica pesadilla surrealista.

Crítica

El terror de quedarte solo… con Jesse Eisenberg

En ‘Vivarium’ tenemos a una pareja joven (Imogen PootsJesse Eisenberg) que buscan la casa de su vida. Tras entrar en una peculiar inmobiliaria con un agente aún más excéntrico son llevados a una urbanización que parece una construcción gigante de un Monopoly (en la que por supuesto no hay cobertura). Una vez allí comienzan a experimentar extraños sucesos, al margen de que les es imposible encontrar la salida y siempre acaban regresando a la misma vivienda.

Lorcan Finnegan pone a prueba la fuerza de voluntad de los protagonistas, forzados a hacer cosas que no quieren (por algo que no voy a destripar). Pero con solo hora y media de película también consigue que este sea un ejercicio de fuerza de voluntad para los espectadores, para que eviten salir de la sala o quedarse dormidos. ‘Vivarium’ quiere funcionar como un retorcido cuento de ciencia ficción con tintes de terror pero se queda en una imitación de lo más aburrida de un episodio de ‘The twilight zone’.

Aunque la premisa es buena desde los mismos créditos ya nos han adelantado de qué va todo esto y cómo puede terminar. A si es que solo quedaría esperar que hubiese giros interesantes. Pero para nada, todo es monótono y repetitivo. Lo único maquiavélicamente divertido es una figura que se incorpora a la historia, que por si vais a tener ganas de verla no quiero desvelar.

Visualmente ‘Vivarium’ te vende bien la moto. Como un buen agente inmobiliario Finnegan ha conseguido que su película luzca plásticamente bonita gracias al diseño de producción. Pero también al más puro estilo agente inmobiliario nos esconde trampas. No solo las trampas que reserva este vecindario a los protagonistas, me refiero a que las lentejuelas brillan demasiado. Mucho oropel tapando una trama que no intriga y un actor de capa caída como Jesse Eisenberg. El neoyorkino continúa llevando a los personajes a su terreno de tal manera que parece que siempre es la misma persona en una y otra película. Que le pase eso a un Bruce Willis o a un Nicolas Cage podría entenderlo, pero a él que tiene aún mucho por explorar… De Eisenberg me lo esperaba pero quien me decepciona realmente es Poots, que se pasa el filme llevando cada escena a un extremo que no corresponde. El problema es que la película no tiene otros puntos a los que agarrarse que sus dos únicos actores principales y eso acentúa su pesadez.

No volvería a ver esta película, ni por su soporífera manera de llevar la sátira que quiere transmitir ni por aguantar de nuevo y tan en exclusiva los espavientos interpretativos de Jesse Eisenberg.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de abril de 2020. Título original: Vivarium. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Lorcan Finnegan. Guion: Garret Shanley. Música: Kristian Eidnes Andersen. Fotografía: Miguel De Olaso. Reparto principal: Imogen Poots, Jesse Eisenberg, Jonathan Aris, Senan Jennings, Eanna Hardwicke, Danielle Ryan. Producción: Lovely Productions, Fantastic Films, Frakas Productions, PingPongFilms, XYZ Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: ciencia ficción, thriller. Web oficial: http://xyzfilms.com/films/vivarium/

Crítica: ‘Hogar’

Sinopsis

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Javier Muñoz era un ejecutivo publicitario de éxito, pero, tras un año en el paro, él y su familia se ven obligados a dejar el piso que ya no se pueden permitir. Un día, Javier descubre que aún conserva un juego de llaves de su antiguo piso y empieza a espiar a la joven pareja que ahora vive allí. Poco a poco, Javier empezará a infiltrarse en la vida de los nuevos propietarios, decidido a recuperar la vida que ha perdido… aunque eso signifique destruir a quien se ponga en su camino.

Crítica

Un home invasion entre ‘Parásitos’ y ‘La mano que mece la cuna’

Barcelona vuelve a ser el escenario para una película de Álex y David Pastor tras su debut como directores con ‘Los últimos días’. ‘Hogar’ nos cuenta como un creativo de marketing y publicidad (Javier Gutiérrez) debe rebajar su estilo de vida y abandonar su casa, yéndose a un barrio obrero, a un piso mundano y a pensar en vender su cochazo. Pero este regresa a escondidas una y otra vez a su lujosa residencia, comienza a observar la vida de los nuevos inquilinos (Mario Casas y Bruna Cusí) cual voyeur y a inmiscuirse en sus asuntos, intentando saborear todo aquello que ha perdido.

Ciertamente ‘Hogar’ suena y se parece en alguno de sus estadios a ‘Parásitos’. Soy de los que piensan que las coincidencias en el cine existen y las comparaciones hoy en día son inevitables siendo como es ‘Parásitos’ una ganadora del Oscar tan histórica y reciente. Pero hay que señalar que esta idea surgió hace tiempo, nosotros mismos anunciamos en nuestra web el inicio del rodaje de ‘Hogar’ en noviembre del 2018. A si es que sabiendo eso solo hay que coger las diferentes pautas de ‘Hogar’ y disfrutar pues es otro sutil «home invasion» donde un intruso se hace con la casa de otra persona perspicaz y paulatinamente, además sin hacer uso de la violencia física.

Los derroteros de ‘Hogar’ van por otro lado. Más allá de conformar una crítica social o el ascenso a un estrato mejor es una historia sobre la envidia, el orgullo (o la falta de él), la codicia y la venta de sueños. Es la caída de alguien que cada día se colaba en nuestras casas a través de la publicidad y que tras perder esa capacidad se introduce literalmente en casa de otros, buscando el ideal que ilustraba en sus reclamos publicitarios. Los hermanos Pastor nos recalcan que no existe la vida perfecta de los anuncios, siempre hay defectos o secretos que descubrir. Incluso vemos que también cuecen habas en las empresas que nos bombardean agresivamente con esas campañas. Esto también nos lleva a una crítica al trato que se les da a los profesionales entrados en años y en busca de trabajo. Lo cual me recuerda en cierto sentido a ‘La chispa de la vida’, la película de Álex de la Iglesia con José Mota.

Los giros de guión de ‘Hogar’ no son excesivamente sorprendentes aunque si algo retorcidos y a veces muy extremos. Tiene alguno que otro que es bastante maquiavélico y pone los pelos de punta. Todo se amolda a un plan orquestado al más puro estilo ‘La mano que mece la cuna’. Aunque comprendemos lo que está pasando es inconcebible pensar que pueda acabar bien, es una intrusión premeditada y por capas, muy malsana y desquiciante.

‘Hogar’ nos muestra a un Javier Gutiérrez oscuro y sibilino. Hace buen tándem con Mario Casas al que Nostromo Pictures vuelve a exigir su mejor porte y su registro más tenso, como vimos en la excelente ‘Contratiempo’. Como acierto de casting es el respaldo de Bruna Cusí y Ruth Díaz que nos aportan el lado más veraz, humano y terrenal de la cinta. Es un equipazo el de esta película, tanto delante como detrás de las cámaras. La fotografía saca los momentos más íntimos y más cercanos de cada uno. Espero que no pase desapercibida esta obra al no estar en carteleras de cine y espero también ver más a los hermanos Pastor tras la cámara.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de marzo de 2020. Título original: Hogar. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Álex Pastor, David Pastor. Guion: Álex Pastor, David Pastor. Música: Lucas Vidal. Fotografía: Pau Castejón. Reparto principal: Javier Gutiérrez, Mario Casas, Bruna Cusí, Ruth Díaz, David Verdaguer, David Ramírez, David Selvas, Raül Ferré, Vicky Luengo, Ernesto Collado. Producción: Nostromo Pictures. Distribución: Netflix. Género: thriller. Web oficial:

Crítica: ‘El plan’

Sinopsis

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El plan es la historia de tres perdedores, Paco, Ramón y Andrade, tres amigos que llevan en paro desde que cerró la empresa de seguridad en la que trabajaban.

Son las nueve de la mañana y han quedado para ejecutar un plan. Varios contratiempos les impiden salir de casa, y poco a poco se van viendo envueltos en una serie de incómodas discusiones que irán derribando sus muros y arrancarán sus máscaras cambiando para siempre su amistad.

Crítica

Un plan con más de trivial que de sustancial

Chema del Barco, Antonio de la Torre y Raúl Arévalo son los protagonistas de ‘El plan’ la película de Polo Menárguez que adapta con nuevos intérpretes (manteniendo a Del Barco) la obra de teatro de Ignasi Vidal. Son tres amigos y ex-compañeros de trabajo que tienen algo más en común, su carácter perdedor y su hartazgo, tanto por estar en paro como por lo mal que les han tratado en su vida laboral o en la vida en general. Son un grupo que por una vez quiere ganar y para ello tienen un nuevo objetivo en común, un plan.

Para poder diferenciarles o abarcar de diferente manera las cuestiones planteadas cada uno tiene una personalidad y situación diferentes. Paco (Antonio de la Torre) es más orgulloso, impulsivo y tiene la iniciativa. Ramón (Chema del Barco) se encuentra abstraído, en una momento reflexivo y es el más sumiso de los tres. Andrade (Raúl Arévalo) está algo anulado por su situación actual y aunque es el que se lo toma con más calma también es el más irresponsable. Con estos tres tipos se construye un pack que se sujeta a duras penas y que da bastante lástima (en la ficción).

La película habla en muchas ocasiones de la empatía y ciertamente uno puede ponerse en lugar de estos tres parados que además han sido explotados en su último trabajo. Es fácil ponerse en el lugar de ellos si miramos su situación laboral, sobre todo si uno ha vivido ese mal trago de ir mes a mes a fichar al INEM (desde hace años SEPE) o si ha estado en la extrema posición de EREs y huelgas. Es más difícil congeniar con los protagonistas cuando se toca el género femenino. Los tres tienen una historia individual que contarnos, algo que recientemente han descubierto o que les ha pasado. En este sentido es cuando pone sobre la mesa más problemáticas y cuesta saber a veces incluso donde se posiciona el filme. Si uno piensa en ‘El plan’ como una película con intenciones positivas y críticas ha de pensar que quiere denunciar desde un nuevo punto de vista, pero este tarda en llegar. Aunque sea en sus instantes finales es obvio que su final tiene mucho de alegato en contra de la violencia de género.

Y a todo esto diréis. ¿Y el plan? ¿Qué pasa con el plan que esto que estoy leyendo no me cuenta nada? Durante todo el metraje de ‘El plan’ pasa algo parecido. Es una ligerísima parte de thriller que tiene la película. No nos dan apenas pistas durante todo el filme y se tapa todo con discusiones, filosofeo y psicología de Wikipedia. Al final si se descubre a qué se refiere el título pero es mucho más llamativo el giro final del guión, un cambio de rumbo que tiene que ver con algo que a mí me ha pillado desprevenido. Quizá tendría que haber hecho más caso a la incómoda banda sonora que se construye solo con un contrabajo, tal vez intencionadamente concebida así como reflejo mental de alguno de los reunidos en la casa ubicada a caballo entre Usera y Carabanchel Bajo.

Durante casi toda la película he estado bastante aburrido, solo amenizado con alguna que otra gracia y a pesar de tanta cavilación psicoanalítica poco me ha incitado a discurrir. Los personajes han demostrado ser arquetípicos en el sentido de soltar frases de machito y tener el orgullo varonil muy susceptible. Eso puede ser reflejo de una parte del espectro social pero lo que no esperaba era el perturbador giro final. Vale que la película se mueve entre el drama y la comedia como buenamente puede con intenciones evidentes, pero el jarro de agua fría de su conclusión no me lo esperaba y tampoco me parece del todo bien cosechado.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de febrero de 2020. Título original: El plan. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Polo Menárguez. Guion: Polo Menárguez. Música: Pablo Martín Caminero. Fotografía: Alejandro Arévalo. Reparto principal: Antonio de la Torre, Raúl Arévalo, Chema del Barco. Producción: Capitán Araña. Distribución: Filmax. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/el-plan.129

Crítica: ‘Malasaña 32’

Sinopsis

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A finales de los 70 la familia Olmedo compra un antiguo piso en el número 32 de la calle Manuela Malasaña de Madrid. Atrás dejan el pueblo en busca de la prosperidad que parece ofrecerles la capital. Pero, hay algo que la familia Olmedo no sabe: en la casa que han comprado, no están solos… Algo que desconocen va a poner en peligro sus vidas y tendrán que defenderse. ¿Y si lo más terrorífico de la ciudad no estuviera fuera… sino dentro de tu casa?

Crítica

Terror con más susto que discurso

‘Malasaña 32’ nos traslada al año 1972, al barrio madrileño, antes de que se convirtiese en el frecuentado lugar tan de moda que es hoy en día, justo antes de que por él se viviese toda aquella apertura al mundo moderno y el fenómeno de la movida madrileña. Una familia llega a una casa en la que ya sabemos que no se cuece anda bueno ni de este mundo y ellos ante las primeras señales se mantienen optimistas pues han llegado ávidos de oportunidades, queriendo quitarse el polvo y las habladurías del pueblo que dejan atrás.

Albert Pintó es el director de esta nueva cinta española de terror. A día de hoy todos los trabajos que había visto de su puño y letra o bajo su lente habían venido firmados junto al director Caye Casas y además siempre a través del prisma de la comedia. Es por eso que siempre he recomendado enérgicamente que veáis su película ‘Matar a Dios’ o sus cortos ‘RIP’ o ‘Nada S.A.’. En ‘Malasaña 32’ se ha desvinculado de Casas y también del humor, aunque no ha podido evitar introducir algún que otro momento paródico, o así he querido entender alguna escena. Esta película que ha elaborado junto a guionistas de ‘Velvet’, ‘Las chicas del cable’ o ‘Gran reserva’ sabe al Madrid de transición, al que comenzaba a verse inundado por la industrialización y el comercio feroz. Pintó tiene buen hacer a la hora de dirigir a sus actores, elegir planos o mover la cámara y en ese ambiente de aires de cambio se genera su atmósfera de terror, en un gran piso polvoriento, obsoleto y por muchos años abandonado.

No es una película constantemente estruendosa, pero sí que hay que decir que se han pasado hasta subiendo el volumen de los interruptores o las garruchas de las cuerdas de tender. Tampoco sería correcto afirmar que constituya una montaña rusa de sustos pero si está muy fundamentada en darnos sobresaltos, se pierde la cuenta de los que hay. Y los que nos dan nos remontan a otros vistos en el cine clásico de terror.  Al fin y al cabo ‘Malasaña 32’ tiene muchos guionistas y supongo que cada uno ha querido meter su dosis de nostalgia, lo cual ha hecho del todo un conjunto de muchas referencias. El filme nos puede acercar con su diseño de producción retro y su música un poco a la reciente ‘Verónica’ de Paco Plaza pero sin duda su trama nos remonta más a títulos como ‘Insidious’ o aún más lejos a ‘Poltergeist’, por el juego que tiene con la infancia, lo sobrenatural, lo invisible y lo desesperante de la búsqueda. Por supuesto el rol de Concha Velasco nos remonta también a la película de Tobe Hooper pero su presencia se hace mucho menos carismática, demasiado arquetípica.

Sus actores están bien y la criatura que atemoriza a la familia podríamos haberla visto en cualquier producción norteamericana. Con su ambientación podría haber sido una película para morderse las uñas, aunque con ese monstruo de Javier Botet más bien habría que recomendarles un afilado cortaúñas. ‘Malasaña 32’ tiene sus buenos momentos, tensos y bien buscados pero también nos podemos ver venir el jump scare de turno.

Casi pillada por los pelos se la puede enmarcar en esas películas que emplean el terror para hablar de algo, es decir, no solo para meramente asustar. Su discurso está bien colocado, tanto cronológicamente como en el barrio en el que se enmarca, pero no le dedica el tiempo suficiente. Su mensaje final tiene que ver con algo que he mencionado precisamente al principio. La lástima es que no se desarrolla su explicación lo suficientemente bien durante el filme, si no que de una manera abrupta y precipitada se da en los instantes finales. ‘Malasaña 32’ habría tenido más jugo y más profundidad de haber explorado durante más tiempo las ideas que explora en sus últimos compases. Me choca que Pintó no se haya atrevido a mojarse más aún con el drama o la crítica de su argumento, sobre todo sabiendo lo punzante que es cuando se sumerge con tanta fluidez en el humor negro. No deja cabos sueltos, no se pone barreras, pero tendría que haberse adentrado más extensamente y mucho antes en los dramas de sus personajes, tanto los vivos como los muertos.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de enero de 2020. Título original: Malasaña 32. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Albert Pintó. Guion: Ramón Campos, Gema R. Neira, Salvador S. Molina, David Orea. Música: Fotografía: Daniel Sosa Segura. Reparto principal: Begoña Vargas, Iván Marcos, Beatriz Segura, Sergio Castellanos, José Luis de Madariaga, Iván Renedo, Javier Botet, María Ballesteros, Rosa Álvarez. Producción: 4 Cats Pictures, Atresmedia CIne, Bambú Producciones, Mr. Fields and Friends, Warner Bros. Entertainment. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: Terror. Web oficial: https://www.warnerbros.es/malasana-32

Crítica: ‘Puñales por la espalda’

Sinopsis

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Cuando el renombrado novelista de misterio Harlan Thrombey (Christopher Plummer) es encontrado muerto en su mansión justo después de su 85 cumpleaños, el inquisitivo y cortés detective Benoit Blanc (Daniel Craig) es misteriosamente reclutado para investigar. Entre la familia disfuncional de Harlan y su devoto personal, Blanc se mueve entre una red de pistas falsas y mentiras interesadas para tratar de descubrir la verdad tras la prematura muerte de Harlan.

Crítica

‘Puñales por la espalda’ es una magnífica modernización de un género muy clásico

Podría decir que esta es la primera película en la que aparece Ana de Armas que quedo completamente contento y además satisfecho con la actuación de la protagonista. ‘Puñales por la espalda’ tiene un reparto enorme pero la atención recae claramente en la actriz cubana. La película escrita y dirigida Rian Johnson abre con la actriz para dejarla después un poco en suspense y seguidamente emplearla permanentemente como el centro de atención. Esta es una película muy coral donde vamos dados de la mano a De Armas y un excelente Daniel Craig.

Es un filme en el que hay que desentrañar una muerte, el enigma a resolver son sus causas y sus ejecutores, si es que los hay. Para ello se tira de manual y se ponen sobre el tablero unas fichas que parecen sacadas del cluedo o de cualquier otra historia clásica de Agatha Christie, Sherlock Holmes o Jessica Fletcher.  Un detective perspicaz y peculiar reúne a un variopinto clan para esclarecer lo que ha sucedido en la casa del cabeza de familia. Una casa con mucho atractivo visual, llena de detalles y de los recuerdos de un escritor de novelas de secretos y asesinatos. Puede parecer algo muy trillado pero ‘Puñales por la espalda’ está muy lejos de resultar manida. Es una película muy fresca que hace constantemente referencia y homenaje al cine policíaco y de misterio. Se ríe abiertamente del tipo de películas a las que pertenece pero desde un respeto auténtico.

El tono del filme es cómico pero mantiene paralelamente un tenso drama y por supuesto una intriga que va despejándose o complicándose según van apareciendo más y más giros de guión. El libreto tiene la maestría de hacernos sentir ante un relato con elementos muy previsibles y en esa predisposición en la que nos coloca nos pilla desprevenidos. Rian Johnson consigue sorprender, encaja muy bien las piezas, mucho mejor que en complejas producciones como ‘Looper’ o ‘Los últimos jedi’.

‘Puñales por la espalda’ es una grata modernización de un género muy clásico. Es capaz de saltar con un ritmo actual de un personaje o de un momento a otro. Cuando pensamos que hemos cerrado la historia de alguno de sus protagonistas nos aborda con novedades y no se deja ningún detalle por cerrar o explicar. Esa es la razón por la que, aunque tengamos gran parte de la verdad ante nosotros, necesitamos seguir viéndola, para saber cómo acaba todo el intríngulis que se ha generado y para descubrir al cien por cien cómo ha llegado cada trama del punto de partida al instante final. Y con un reparto tan simpaticón, carismático y entregado a esta comedia tan elaborada no es de extrañar que la película enganche: Ana De Armas, Daniel Craig, Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Don Johnson, Michael Shannon, Toni Collete, Christopher Plummer, Jaeden Martell… Todos son capaces de ejercer las extravagancias de la familia Thrombey, de aportar su granito de misterio y de contribuir poco a poco y con gracia a la gran revelación final.

Al margen de involucrarnos con nuestras sospechas y teorías en la película, Rian Johnson es capaz de introducir en este filme un mensaje social. Una lección de karma, prejuicios y sesgos que mantiene hasta el final con un plano muy clarificador en el que Ana de Armas está por todo lo alto. Me gusta como ha tirado de sarcasmo en ‘Puñales por la espalda’ y en cómo juega con el espectador. Siempre tendría que haber propuestas así de alocadas y tan bien planificadas en el cine.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de noviembre de 2019. Título original: Knives Out. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Rian Johnson. Guion: Rian Johnson. Música: Nathan Johnson. Fotografía: Steve Yedlin. Reparto principal: Ana De Armas, Daniel Craig, Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Don Johnson, Michael Shannon, Toni Collete, Christopher Plummer, Jaeden Martell, Katherine Langford, Rikki Lindhome, Lakeith Stanfield, Frank Oz, Noah Segan, M. Emmet Walsh. Producción: Filmnation Entertainment, Ram Bergman Productions, Media Rights Capital (MRC). Distribución: eOne Films. Género: misterio, crimen. Web oficial: https://knivesout.movie/

Programa especial cine fantástico (en directo)

Nos juntamos con Holocausto Zinéfago para compartir lo mejor y peor de Sitges y Nocturna

El fantástico nos vuelve a unir para contar lo que más, y lo que menos, nos ha gustado de festivales como Sitges y Nocturna. Las ediciones de 2019 han venido muy cargadas de títulos tanto nacionales como internacionales y os damos las guías para reconocer qué próximos estrenos de género de terror, ciencia ficción, fantasía… os pueden interesar más para esta temporada. Además hablamos de nuestras anécdotas con los invitados más destacados y realizamos un sorteo de un DVD firmado por Alex Proyas.

Diario de Nocturna 2019. 24 de octubre

Día de caníbales, naves espaciales, amigos y Godzilla

El tercer día de Nocturna nos ha sorprendido con cortometrajes tan potentes como ‘Blood machines’ y ‘Casa’ o devolviéndonos al genero kaiju más clásico con una buena dosis de información. También nos hemos reencontrado con ‘Amigo’, filme que ya vimos en el Festival de Sitges y del cual tenéis aquí una crítica ampliada. Pero también nos ha tocado dar alguna cabezada con películas como ‘I trapped the devil’ o ‘Koko-di, koko-da’.

Como es costumbre aquí tenéis nuestras opiniones de todo lo visto hoy.

Cortometraje ‘Blood machines’

Lo que podría parecer una película pequeña ha resultado ser una space opera literalmente alucinante. Tiene una calidad artística apabullante, en potencia y creatividad. Láseres, naves espaciales, nebulosas… No le falta de nada y todo tiene un detalle de primer nivel.

La historia nos lleva a acompañar a dos pilotos que intentan rescatar una nave espacial estrellada. Pero en su camino se interponen unas extrañas mujeres que cuidan de las naves pues realmente están vivas, son algo más que una IA. Esta es una aventura con un ritmo ochentero a base de sintetizador e imágenes abstractas. Otro de esos regalos audiovisuales que cobran vida gracias a un crowdfunding.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

‘Los albores del kaiju eiga’

Brillante trabajo que como una seta nuclear ilumina al espectador. Todos conocemos la relación de Godzilla con las bombas atómicas pero el documental de Jonathan Bellés nos pone como nunca en contexto. Descubrimos gracias a su trabajo cómo Godzilla surgió en respuesta a lo sucedido en Hiroshima y Nagasaki, como se vio afectada por la censura de los por entonces ocupantes EE.UU. o como a lo largo del tiempo su relación con la energía nuclear se ha ido usando para criticar o filosofar sobre la actualidad.

Como documento cinematográfico es muy valioso pues reúne a artífices de películas sobre el monstruo gigante de todas las épocas. Nos desvela quienes se han enfundado en la piel del lagarto atómico o quienes han ideado sus diferentes historias o enemigos, desde su creador hasta cineastas japoneses que crean obras tan distintas como ‘Shin Godzilla’. Incluso podréis aprender que el mítico grito de este Kaiju se creó rasgando con un guante de cuero las cuerdas de un contrabajo.

Para los amantes de los kaijus no es un repaso completo pues se basa solo en Godzilla pero sirve muy bien para descubrir los orígenes y la época en la que estos empezaron a decaer.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

Cortometraje ‘The last well’

¿Qué pasaría si nos quedáramos sin agua natural y limpia para beber? ¿Si tuviésemos que beber agua mineral que crea infecciones en la piel?

Europa está sumida en esta desgracia y solo un hombre en Croacia dispone de agua natural. Acción y un futuro muy oscuro es lo que se nos muestra en este corto, donde no solo el agua se vende a precio de oro.

Comentado por Vicky Carras.

‘Koko-di, koko-da’

Puedo divagar poco sobre esta película, he debido de perderme en algún momento algo que ha hecho que no entendiese bien el juego que estábamos viendo.

Una pareja después de perder a su hija viaja años después, de vacaciones y tras pasar una noche en el bosque de acampada son atacados por una especie de titiriteros macabros. Presenciamos un día de la Marmota, donde este ataque se repite una y otra vez.

La estética está muy bien, los tres malvados personajes entonan una canción macabra mientras van a perpetrar el ataque, da bastante respeto y admito que sentía curiosidad para ver que hacían nuestros protagonistas para intentar salvar sus vidas.

Pero en sí la película no me ha contado nada, me ha dejado muy fría y sus 86 minutos se me han hecho bastante eternos, supongo que él no entender del todo lo que me quería contar ha sido fundamental para que no me haya gustado.

Comentado por Vicky Carras.

Cortometraje ‘Amandine’

Mariam Hernández y Javier Pereira son los únicos actores de este malsano corto. Otro trabajo de Pereira en el festival, quizá más flojo que ‘La octava dimensión’ pero con un interesante juego de manipulación, control y arrepentimiento. Con el uso que se hace de las drogas es normal que tenga como referencia a la novela ‘Un mundo feliz’ de Aldous Huxley.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

‘I trapped the devil’

Matt es convencido por su mujer para visitar su casa de la infancia donde sigue viviendo su hermano. Llevan tiempo sin saber de él y quieren pasar las navidades juntos. Lo que no se esperan es encontrarse a su hermano en un estado un tanto paranoico y diciéndoles que tiene un demonio encerrado en su sótano.

El filme está rodado un juego de luces y colores estupendo, una casa bastante claustrofóbica y un sótano del que no sabes exactamente qué va a salir. Lo tiene todo para ser una buena película, pero es demasiado previsible y según avanza ves venir el siguiente paso sin emoción ninguna.

Comentado por Vicky Carras.

Cortometraje ‘Casa’

Una buena crítica hacia la crisis económica y el tema de los desahucios. Un corto directo y sin miramientos, muy bien realizado y sin duda deja la sangre helada.

Comentado por Vicky Carras.

‘Finale’

Dos dependientas de una gasolinera trabajan en la noche de una final, esperan poco trabajo ya que todo el mundo está viendo el partido, lo que no esperaban es que la noche se convirtiera en un verdadero infierno.

Su primera parte, durante en las que las dos protagonistas son básicamente troleadas por alguien en su puesto de trabajo, es muy buena. Va saltando flashbacks, en los que ves como han terminado secuestradas y luego el secuestro.

La película peca de querer ser espectacular y la verdad que termina siendo bastante sosa. Sí, hay torturas, mucha sangre y escenas un tanto dolorosas para el espectador. Pero aun así, debo de decir que le falta alma a las actuaciones. No ayuda nada los típicos fallos que tienen las víctimas en estas películas, en las que no son capaces de llamar a la policía, no cogen armas para defenderse o incluso en esta, no corren para huir de sus captores, prefieren deleitarse y observar bien el lugar donde las han tenido recluidas.

Comentado por Vicky Carras.

Cortometraje ‘I’m sorry’

El excesivo uso de la tecnología es lo que nos trae la moraleja de este simple corto. Los asistentes de voz tipo Alexa que cada vez están más presentes en nuestra vida preocupan a los directores Kris Carr y Sam Fowler y debería preocupar más a su protagonista. Una idea sencilla pero que no resulta fallida.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

‘The young cannibals’

Primer largometraje de Kris Carr y Sam Fowler. Es un survival horror en pleno bosque. Parte de una idea curiosa pero que tampoco está excesivamente aprovechada. Unos jóvenes son perseguidos por una criatura que solo devora a aquellos que comen carne humana. La gracia estaría en que los protagonistas son caníbales sin saberlo, pero ese giro se desmonta pronto y su final además se alarga demasiado.

Está bien hecha, con un maquillaje de la criatura logrado, pero también cumple con los pecados de las operas primas y se permite introducir guiños a los clásicos que les gusta a los directores. Como no, siendo hija de dos jóvenes primerizos sigue la moda de tener escena post-créditos.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

‘Amigo’

David Pareja y Javier Botet se han marcado un ‘Misery’ en toda regla. No hay una obra final que completar pero si una devoción por parte de uno de ellos hacia el otro. Una película sobre el sufrimiento, la lealtad, la paranoia, la redención, la culpa y por qué no decirlo, el hijoputismo. Se palpa bastante humor negro a costa del padecimiento de un ser querido (que no tiene por qué ser el enfermo). Pero esta película no es una comedia, se impone mucho más el drama o el thriller.

Tiene sus defectos y virtudes pero la actuación o calidad dramática de ambos actores protagonistas es incuestionable. El trabajo de Botet al mover su cuerpo y prolongar la agonía más allá de la pantalla en secuencias largas y agónicas es digno de aplauso.

La televisión es testigo y personaje de una historia que transcurre en un pasado de España. Más que la época conviene identificar el programa o tono de lo que ve el protagonista para así empatizar con su estado. Si querían exaltar la nostalgia y el apego lo han conseguido.

Comentado por Francisco J. Tejeda White

Las fotografías han sido realizadas por Vicky Carras y Francisco J. Tejeda White. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

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