Tenemos un estreno en cines que llega de la mano de AlfaPictures que va a sorprender a más de uno. Y es que ‘La sonrisa del mal’ nos trae una de estas películas de terror que no te esperas.
Ya se pudo ver en festivales como Sitges o SEMINCI, además de llevarse el reconocimiento en el FestivalEuropeodeCineFantásticodeEstrasburgo con el Méliès de Plata a la Mejor Película Fantástica Europea y el Premio del Público. También se estrenó fuera de concurso en el FestivaldeVenecia, donde recibió el Premio FEDIC.
Pero, ¿Qué vamos a encontrarnos en ‘La sonrisa del mal’?
Después de un trágico suceso en la vida de Sergio Rossetti, marcha a trabajar a un instituto en un pequeño pueblo apartado en las montañas. Todos los habitantes parecen terriblemente felices. Todo esto es, gracias a que una noche a la semana lo habitantes se reúnen para abrazar a un joven adolescente.
Una historia que podría estar sacada de la mente de Stephen King, por lo bien que está reflejado todo el día a día de una pueblo donde todos se conocen. Esa cercanía entre unos y otros y a la vez ese secretismo extraño que invade todo el ambiente hace que la película te cree cierta incomodidad viendo la película.
Mola mucho ir viendo todo el misterio de ese pueblo, el como comienzan a suceder cosas extrañas como si de una secta se tratase.
Solo le pongo una pega, y es que la terminan alargando bastante sin necesidad, pero aun así, pienso que es una buena película con una historia bastante potente.
Equipo de la película
Paolo Strippoli es el encargado d dirigir esta cinta tan turbia, después de su éxito con la película ‘A classic horror story’ que dirigió junto a Roberto De Feo.
En el reparto encontraos a Michele Riondino, que está estupendo como este hombre perturbado por su pasado y que intenta averiguar que pasa en este lugar donde todo el mundo es feliz.
Romana Maggiora Vergano, Roberto Citran, Giulio Feltri, Sergio Romano, Anna Bellato, Sandra Toffolatti, son parte del reparto de esta cinta.
Conclusiones
Tiene sin duda uno de los mejores comienzos y desenlace de este año. ‘La sonrisa del mal’ es de estos estrenos pequeñitos que suelen pasar inadvertidos en pantalla, pero sinceramente, son de estas pequeñas sorpresas que te puedes encontrar una buena tarde en el cine. Como he dicho, una película diferente, donde la religión y la fe logra crear una gran historia de terror.
Ficha de La sonrisa del mal
Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Título original: La valle dei sorrisi. Duración: 122 min. País: Italia. Dirección: Paolo Strippoli. Guion: Jacopo del Giudice, Paolo Strippoli, Milo Tissone. Música: Federico Bisozzi, Davide Tomat. Fotografía: Cristiano Di Nicola. Reparto principal: Michele Riondino, Giulio Feltri, Paolo Pierobon, Romana Maggiora, Roberto Citran, Sergio Romano, Anna Bellato, Sandra Toffolatti, Diego Nardini. Producción: Fandango Produzione, Nightswim, SPOK Films, Vision Distribution, Ministero della Cultura, Friuli Venezia Giulia Film Commission, Intromagine Pictures. Distribución: Alfa Pictures. Género: Drama, terror. Web oficial.
El jurado internacional de la Sección Oficial – Competición Internacional Albar de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por Alexis Juncosa, Eva Llorach, Scott Macaulay, Carlos Marques-Marcet y Sophy Romvari, ha decidido otorgar los siguientes premios:
Premio al Mejor Largometraje: ‘Al Oeste, en Zapata’ David Bim.
Premio “AISGE” a la Mejor Actriz: Eszter Tompa por ‘Kontinental ‘25’.
Premio “AISGE” al Mejor Actor: Ben Wishaw por ‘Peter Hujar’s Day’.
Mención Especial: Andranic Manec por ‘Ari’.
Premio a la Mejor Dirección: Ángel Santos por ‘Así chegou a noite’.
El Jurado Internacional de la Sección Oficial – Competición Internacional FICX Premiere de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por Lisandro Alonso, Lina Lizardou y Mónica Stan, ha decidido otorgar los siguientes premios:
Premio Al mejor Largometraje de la Competición Ficx Premiere: ‘Los bobos’ de Sofía Jallinsky, Basovih Mariano.
Premio de la Competición Ficx Premiere a la Contribución Artística: ‘Mare’s Nest’ de Ben Rivers.
El Jurado FIPRESCI de la Sección Oficial – Competición Internacional Retueyos de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por Julien Camy, Holger Heiland y Joan Pons Pinac, ha decidido otorgar los siguientes premios:
FIPRESCI Award al Mejor Largometraje: ‘Skiff’ de Cecilia Verheyden.
Premio Especial Del Jurado: ‘Sugarland’ de Isabella Brunäcker.
El Jurado Internacional de la Sección Oficial – Competición Internacional de Cortometrajes de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por María Abenia, Nikki Bohm y Matteo Pianezzi, ha decidido otorgar los siguientes premios:
Premio Principado de Asturias al Mejor Cortometraje: Lyones de Dorian Jespers.
Mención Especial a los cortometrajes: ‘1:10’, de Sinan Taner; ‘Si el cielo fuera azul’ de Gabriela Muñoz Garay, Magdalena Fuenzalida, Benjamín Rojas, María Jesús Cardemil, Marc Pompermayer.
El Jurado Joven de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón ha otorgado los siguientes premios:
Premios del Jurado Joven al Mejor Largometraje de la Competición Retueyos: ‘Magic Farm’ de Amalia Ulman.
Premio del Jurado Joven al Mejor Cortometraje de la Sección Oficial: ‘Tolos fueos el fueu’ de Diego Flórez
El Jurado de Cine Español integrado por Iratxe Fresneda, Nila Núñez Urgell and Lilia Scena, ha concedido los siguientes premios de entre los largometrajes de producción española y/o dirigidos por cineastas españoles/as estrenados en la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón:
Premio al Mejor Largometraje Español: ‘A la cara’ de Javier Marco.
Mención Especial: ‘Al Oeste, en Zapata’, de David Bim.
Premio “RC Service” al Director de la Mejor Película Española: Javier Marco por ‘A la Cara’
Premio “DAMA” al Mejor Guion de Película Española: Anxos Fazáns, Ian de la Rosa por ‘As liñas descontinuas’
Premio “AMAE” al Mejor Montaje de Película Española: Federico Delpero por ‘Amílcar’
El Jurado CIMA integrado por Tábata Cerezo, Nati Juncal Portas e Irene Menéndez Palomino, ha concedido el siguiente premio de entre las películas estrenadas en las secciones competitivas de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón:
Premio CIMA al Mejor Largometraje Dirigido por una Mujer: ‘Love Me Tender’ de Anna Cazenave.
Mención Especial: ‘Sorella di Clausura’ de Ivana Mladenovic
El Jurado de la Noche del Corto Español de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por Marta Codesido, Alicia Moncholí y Carmen Chávez Muñoz, ha concedido los siguientes premios:
Premio Mejor Cortometraje de la Competición La Noche Del corto Español: ‘Bariazioak’ de Lur Olaizola.
Premio Distribución “Festhome”: ‘La diva, mi abuela y yo’ de Inés G. Aparicio.
El Jurado de cine Asturiano formado por Ana Domínguez, Aitor Martínez Valdajos y Maryam Harandi, ha decidido conceder los siguientes premios, patrocinados por RTPA:
Premio RTPA al Mejor Largometraje Asturiano: ‘Volver a casa tan tarde’ de Celia Viada Caso.
Premiu RTPA de la Competición Asturies al Meyor Curtiumetraxe: ‘Alimaña’ de Juan Villa.
Mención Especial RTPA de la Competición Asturies Curtiumetraxes: ‘Una mujer que conocí llamada Yudita’ de Rodrigo Agüeria.
Cortos de la Sección Asturies Curtiumetraxes – Competición: ‘Cases’ de Jandro Llaneza.
El Jurado integrado por África Preus Rodríguez, Carla Herrera Valdés y Francisca Mª Santiago Urdiales, ha concedido el siguiente premio, en memoria de Alberto Alonso: ‘Blanco’ (Rambal)
Premios Rambal de la Asociación Xega: ‘As liñas descontinuas’ de Anxos Fazáns.
Los jóvenes espectadores de la sección Enfants Terribles, por medio de sus votaciones, han otorgador el siguiente premio:
Premio Enfants Terribles al Mejor Largometraje: ‘Le Grand Noël des Animaux’ de Camille Alméras, Ceylan Beyoglu, Caroline Attia, Olesya Shchukina, Haruna Kishi, Natalia Chernysheva.
El público de la 63ª edición del Festival Internacional de cine de Gijón ha concedido los siguientes premios.
Gran Premio del Público: ‘Made in EU’ de Stephan Komandarev.
Premio Tierres en Trance: ‘The bewilderment of chile’ de Lucía Seles.
Premio Europa Film Festivals – Europa Joven: ‘Des preuves d’amour’ de Alice Douard.
El Jurado del Premio Nuevos Realizadores del Principado de Asturias y patrocinado por el Gobierno del Principado de Asturias, ha concedido el siguiente premio al proyecto:
Premio Nuevos Realizadores del Principado de Asturias: ‘Pasar l’agua’ de Pablo Casanueva.
Movistar Plus+ en colaboración de Milcilclos y Elamedia ha otorgado el Premio Proyecto Corto Movistar Plus+ 2025 al siguiente proyecto: ‘Trella de Miguel Guindos.
Mientras la gente lucha por sobrevivir bajo las sanciones en el Iraq de Saddam, Saeed, de 9 años, debe ingeniárselas para llevar el pastel obligatorio al cumpleaños del presidente o enfrentar prisión o muerte.
Crítica
Un cuento tan amargo como necesario
‘La tarta del presidente’, dirigida por Hasan Hadi, es una de esas películas que parecen pequeñas en su premisa pero que, poco a poco, se revelan como un poderoso recordatorio histórico y político. A través de los ojos de una niña, el filme nos invita a recorrer el Irak de los años 90, marcado por la pobreza, las sanciones internacionales y la sombra de un régimen autoritario que heredaba sus formas de gobierno de forma retrógrada y caciquista, como si de una monarquía medieval se tratase.
El punto de partida es tan entrañable como desolador: una niña que, acompañada siempre por su gallo, busca los ingredientes necesarios para preparar una tarta de cumpleaños encargada por el propio Sadam Huseín a toda la población en un ejercicio de autobombo y a la vez de extorsión a la ciudadanía. Lo que en apariencia podría ser una anécdota infantil cargada de candor e inocencia se convierte en una radiografía amarga de un país hambriento y en ruinas, donde las peticiones de un dictador exponen el contraste brutal entre lo cotidiano y lo absurdo, entre el capricho y la más urgente de las necesidades.
Hasan Hadi juega con la baza de la infancia y logra un contraste cautivador entre la inocencia de la protagonista y la tragedia de un pueblo sometido. El paisaje de casas sobre el agua, la niña y su barca cruzando de un lado a otro y el tono a medio camino entre el magnetismo de las fábulas y lo demoledor de los dramas, evocan un relato que podría formar parte de cuentos más próximos a ‘Las mil y una noches’. Sin embargo, tras la textura de cuento costumbrista se ocultan las cicatrices de una dictadura implacable y de un país desgarrado por las tensiones con Estados Unidos.
Los diálogos se mueven entre lo devastador y lo entrañable, como si en cada frase convivieran la dureza de la realidad y la ternura de un cuento contado al calor del hogar. En este sentido, la película conecta con la universalidad de títulos como ‘El monje y el rifle’, por citar una obra reciente, que trascienden sus contextos específicos para ofrecer reflexiones sobre el poder, la identidad y la memoria colectiva. Pertenece a ese tipo de películas que independientemente del escenario y el ambiente te llegan o pueden vincularse con tu propia historia o sociedad.
Especial mención merece la actuación de Sajad Mohamad Qasem, la joven protagonista. Su interpretación equilibra dulzura y carácter, transmitiendo tanto la ingenuidad de la niñez como la consciencia, incipiente pero firme, de estar viviendo en tiempos decisivos. Su rostro es a menudo reflejo de una cultura rota, de un país al borde del sálvese quien pueda. ‘La tarta del presidente’ no es solo una película sobre Irak ni sobre Saddam Hussein: es un recordatorio de cómo la inocencia infantil puede servir como espejo de las tragedias colectivas. Hasan Hadi logra un relato que emociona, conmueve y, sobre todo, obliga a recordar.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de febrero de 2026. Título original: Mamlaket Al-Qasab. Duración: 102 min. País: Irán. Dirección: Hasan Hadi. Guion: Hasan Hadi. Fotografía: Tudor Vladimir Panduru. Reparto principal: Sajad Mohamad Qasem, Rahim AlHaj, Baneen Ahmad Nayyef, Waheed Thabet Khreibat. Producción: Maiden Voyage Pictures, Missing Piece Films, Spark Features, Working Barn Productions. Distribución: Atalante. Género: drama. Web oficial:https://www.thefilmcollaborative.org/fiscalsponsorship/projects/thepresidentscake
Mantiene la esencia del payaso y abre nuevas puertas al multiverso King
Cada 27 años It, Eso o Pennywise vuelve a acechar a los niños de Derry. Tras la TV movie de 1990 tuvimos que esperar ese mismo ciclo para tener dos partes (iniciadas en 2017) que nos devolviesen al mítico payaso de Stephen King. Por suerte, el monstruo interpretado por BillSkarsgård no se ha hecho derogar tanto. ‘It: bienvenidos a Derry’ nos hace volver a la visión de Andy y Bárbara Muschietti estrenándose el 26 de octubre. Aunque HBO Max no muestra el primer capítulo en España hasta el día 27 nosotros hemos podido ver los cinco primeros y pese a que esto es una precuela os contamos sin spoilers.
Respondamos antes que nada a una simple pregunta. Sí, si te gustaron las películas de los Muschietti te gustará ‘It: bienvenidos a Derry’. Y sí, vas a ver mismo escenario, mismo payaso y mismo tipo de horrores. Pero también has de estar abierto a un par de libertades creativas que como lector de Stephen King quizás no te gusten. Todos asumimos que la cronología de las películas es diferente, sin duda en un intento de congratularse con los jóvenes del siglo XXI. Las películas transcurrían en 1989 y 2016 y esta nueva serie ha de retroceder a 1962. Y eso no altera ni un milímetro la esencia de la historia, es más, el primer episodio arranca fuerte enganchando instantáneamente. Más adelante comentaremos qué tipo de libertad se han tomado, como he dicho, sin destripar nada.
HBO nos permite, tal y como aparece en el perfil de IMDB de la serie, contaros que como protagonista tenemos al soldado Hanlon interpretado por Jovan Adepo. Hace las veces del abuelo de Mike Hanlon, uno de los niños de ‘It’ que acabaron con el alien interdimensional Pennywise a través del Ritual de Chüd. Sin embargo, el patrón narrativo se mantiene fiel a la novela original: los protagonistas son un grupo de niños que emprenden la búsqueda de otros menores desaparecidos mientras enfrentan las atrocidades del payaso y la indiferencia de los adultos.
Aunque ‘It’ y con ello incluyo también a ‘It: bienvenidos a Derry’, tiene personajes magníficamente bien trabajados reconozcamos que el verdadero atractivo es Pennywise. El payaso sigue como constante obvia, aunque bastante menos visible que en los filmes, manifestándose con toda una batería de nuevos horrores y burlas macabras que os inquietarán y pondrán la adrenalina al máximo. Y como auguraba el meteorito del tráiler se cuenta su llegada a la Tierra y con ello toca hablar de su antagonista. Desde luego Maturin la Tortuga está en la mente de los Muschietti, aunque quizá no en el modo en que querrían los lectores. Lo que no se puede negar es que su presencia es la habitual, sutil y protectora. Aparece fugazmente como mascota del instituto, como amuleto en una pulsera, como garabato en la pizarra, en una caseta de feria, en unos dibujos animados…
Quizá lo más destacado de ‘It: bienvenidos a Derry’, sea otro de los pocos papeles ya hechos públicos. Chris Chalk interpreta a Dick Hallorann, el personaje de ‘El Resplandor’ que ayuda al niño protagonista. Se enlaza así con ese universo siempre conectado de Stephen King aferrándose a unas líneas de ‘It’ que colocan al personaje en Derry cuando se habla del incendio del club de noche para afroamericanos llamado Black Spot. Y es que este ‘It’ tiene momentos tan terroríficos como misteriosos, pero ya no es solo una simple historia de terror, es una celebración en forma de crossover tal y como quiso hacer en su día Mike Flanagan. Es una historia de horrores y género fantástico, que se disfruta a más niveles si has leído las novelas. Cuando Stephen King escribió ‘It’ puede que no pero ahora en su obra hay un sentido de universo compartido. Lo que ha de tener cuidado la serie en ese sentido es en no caer en incoherencias o en perder su espíritu. Ahí es cuando podemos pasar de un disfrute fan a una pesadilla para puristas. Es a mitad de la temporada cuando aparece un elemento que parece que se han sacado de la manga y que desentona bastante con lo que ha sido hasta ahora la historia, de tal modo que ya habrían querido los miembros del Club de los Perdedores disponer de esta nueva inclusión.
Quién sabe si lo que tienen en mente es dirigirse hacia la ‘La torre oscura’, desde luego Andy Muschietti disfruta de los crossovers como ya demostró con ‘Flash’, cómic al que dedica aquí un guiño. Ha introducido elementos como el Juniper Hill Asylum que está cerca de Castle Rock, se habla de la prisión de Shawshank que es donde transcurre ‘Rita Hayworth and Shawshank Redemption’, conocida en España como ‘Cadena perpetua’, vemos un cartel de un Hotel que se llama “punta de flecha”, que es el mismo nombre del proyecto que da luz a todo lo que pasa en ‘La niebla’… Incluso parece que por casualidad cuenta con el actor Joshua Odjick quien aparece en otra reciente historia basada en el universo King pues actúa en ‘La larga marcha’. El propio director hace un cameo y ha dejado caer por ahí un mate con el escudo del River Plate. Es un sin fin de alusiones. Y ahí reside la gran diferencia con las películas de ‘It’, que todo tiene un mayor sentido de conjunto pero arriesgando a perder la esencia.
‘It: Bienvenidos a Derry’ no reinventa el terror, pero sí lo enmarca dentro de una visión más amplia del universo de Stephen King y no se convierte en otra serie fallida tipo ‘Territorio Lovecraft’. Se respetan las pautas de la obra original y la atmósfera de las películas, al tiempo que introduce conexiones y referencias que harán las delicias de los fans más atentos. Pese a las libertades creativas que pueden distraer de la trama infantil, el resultado es un relato sólido, visualmente potente y con un tono de terror que demuestra que Pennywise sigue siendo una de las criaturas más fascinantes del género. Esperemos que el cosmos literario de King sigua expandiéndose de esta manera y los lectores lleguen a profundizar en el Macrocosmos.
Cerramos el festival con ambiciosas producciones orientales
Antes o después tenía que llegar esta entrada. Concluyó el último día de Sitges 2025, concluyó la 58 edición del Festival Internacional de Cinema Fantastic de Cayalunya. Y como siempre nos guardamos algunas recomendaciones para el final pero sobre todo cabe recordar que hemos visto alrededor de setenta películas sobre las cuales tenéis ya críticas en la web y en nuestros diarios. Así mismo tenéis el palmarés del festival publicado en esta entrada. Con todo ello podéis haceros una idea de qué es lo que se viene próximamente en cuanto a género fantástico y por si fuese poco dentro de unos días tendréis en nuestro canal de Youtube un programa especial.
Aún desconocemos la fecha y el leitmotiv para Sitges 2026 pero lo comunicaremos en cuanto se haga oficial. ¡Nos vemos en la siguiente edición!
‘Cesium fallout’
Nos vamos a Hong Kong, donde un incendio masivo va a destapar una trama de contrabando ilegal de basura. Por culpa de esto, tendrán una crisis de radiación y los bomberos tendrán que vérselas con el fuego para mitigar el gran desastre que se avecina.
Una película con más política que acción, algo que le perjudica un poco al durar casi 2 horas y media y ver que todo avanza lentamente. Me ha recordado mucho a la serie de ‘Chernobil’, no es el mismo caso, pero si que podemos ver muchas de las situaciones que se vieron en la serie.
Una película que critica mucho el tema de como las empresas no reciclan, si no que realmente se deshacen de la basura de la peor manera posible que es simplemente echándola en algún lugar donde no se vea. Esto puede crear grandes desastres como el que vemos en la cinta y es un poco pesimista, pero es algo que podría ocurrir en la realidad.
El juego de el equipo de bomberos es imprescindible en ‘Cesium Fallout’ y de hecho, al terminar la película se da las gracias a estos héroes por el trabajo que realizan diariamente y por todo lo que les han enseñado para poder rodar la cinta. Una película entretenida pero que bien podría haber durado algo menos.
‘Trapped’ es un western chino ambientado a finales de los noventa en Mangya, un pueblo minero en decadencia atrapado por el desierto. Con cuatreros, un botín escondido, ley casi ausente y un salón regentado por una mujer, la película evoca los clichés del oeste pero trasplantados a un paisaje hostil y asiático. La fotografía de Wang Jie-hong, con tonos tierra y tormentas de arena casi táctiles, refuerza la sensación de vacío y resistencia. La tensión se construye tanto en silencios como en enfrentamientos, logrando una atmósfera opresiva y fronteriza. Sin embargo, sus 131 minutos se convierten en su mayor lastre: el ritmo decae, los conflictos secundarios se alargan y la épica se diluye. Aunque Bai Ke aporta solidez al protagonista y los villanos evitan la caricatura, muchos personajes quedan desaprovechados. ‘Trapped’ convence por su ambientación y potencia visual, pero se pierde en su propia longitud, quedando como un prometedor ejercicio más atmosférico que narrativo.
El cine surcoreano sigue demostrando su capacidad para reinventar géneros y conectar con audiencias globales. Con ‘Hi-Five (Haipaibeu)’, Kang Hyeong-cheol ofrece una especie de “Chronicle coreano”, pero filtrado por humor, color y un aire comiquero. La historia se centra en cinco personajes que obtienen poderes a través de trasplantes de órganos, una premisa ingeniosa que da lugar a situaciones cómicas y épicas a partes iguales. La película combina efectos especiales coloridos, fotografía vibrante y una banda sonora dinámica que realzan tanto la acción como la comedia. El carácter coral de los protagonistas permite que cada uno brille en su momento, favoreciendo la conexión con el público. ‘Hi-Five’ confirma la versatilidad del cine surcoreano y su creciente capacidad para rivalizar con Hollywood.
Penúltimo día de Sitges 2025 y como cada año se ha dado a conocer le palmarés. Nos hemos llevado alegrías por Rose Byrne, ‘Exit 8’ o ‘The Furious’. Podéis consultar la lista completa aquí. El Festival de Sitges 2025 cerró su 58ª edición con proyecciones esperadas y un homenaje a la productora Gale Anne Hurd, reconocida con el Gran Premio Honorífico WomanInFan por su trayectoria en el cine fantástico y de terror.
La clausura incluyó la proyección de ‘La larga marcha’ (crítica aquí), adaptación de la novela de Stephen King dirigida por Francis Lawrence, que emocionó al público con su crítica distópica. Entre los títulos más comentados estuvieron ‘The Ice Tower’ de Lucile Hadzihalilovic, ‘La sonrisa del mal’ de Paolo Strippoli y la película sorpresa ‘The Restoration at Grayson Manor’ de Glenn McQuaid.
Como hemos dicho, ha sido el día en que se ha podido ver ‘La larga marcha’, película basada en la obra de Stephen King que cuenta cómo unos jóvenes se someten a una prueba mortal en la que solo puede quedar uno en un futuro distópico. Suena a ‘Los juegos del hambre’ y el director es exactamente el mismo, Francis Lawrence. Y por otro lado, otro King, su hijo Joe Hill, ha visto otra obra suya adaptada, ‘Abramham’s boys’ que es una revisión del mito de Drácula en forma de secuela siguiendo los pasos de los Van Hellsing tras lo sucedido en la novela de Stocker. Tanto padre como hijo han tenido más presencia en el festival con películas como ‘La vida de Chuck’ o ‘The Black Phone 2’.
Stephen King, nos trajo hace muchos años un futuro distópico, donde tenemos un concurso de televisión en el que acompañamos a unos chavales que tienen que acabar una gran marcha y solo puede quedar uno. Si van perdiendo ritmo, si se paran o se van del camino, mueren.
Lo que uno espera de este tipo de historias es que todos en general se odien, pero no es así, es una historia de camaradería. Muy Stephen King, no os voy a engañar. Si que surge algún adversario que otro, pero también es porque el miedo se adueña de ellos, según van llegando a la meta.
‘La larga marcha’ me ha gustado mucho, es simple, sencilla y muy cruda. El reparto está de maravilla. Aunque han realizado otros trabajos, muchos son casi desconocidos y la verdad que están muy bien. Por supuesto teniendo a la cabeza a Mark Hamill, cualquiera puede darlo todo delante de la cámara.
Todo esto, se acompaña de una buena dirección, sí que es cierto que al final es ver a un montón de gente caminando, pero tenemos todo tipo de planos para mostrarnos el sufrimiento de estos chicos.
Una cinta que nos habla sobre la amistad y sobre la vida. Del rencor y el perdón, ya que cada uno de estos personajes, lleva una mochila llena de experiencias que es la que les hace andar para lograr el gran premio.
Otra sorpresa más que hemos tenido la oportunidad de ver en Sitges es ‘Thinestra’ y sin duda me ha gustado mucho. Una cinta un tanto desagradable, pero muy entretenida. Un body horror, al que el único pero que le pongo, es que a la gente le puede recordar un poco en base a ‘La Sustancia’ y seguramente comparen. Pero me parece muy buen producto, bien dirigido, actuado y con una buena fotografía. Eso sí, muy oscura.
Una mujer acepta unas pastillas de una supermodelo para adelgazar, a partir de ahí, sus noches serán un tanto extrañas y cada mañana verá poquito a poco cumplir su sueño, perder los kilos que quería perder.
‘Thinestra’ no intenta agradar, es gore y os recomiendo no ir con el estómago muy lleno. Es una gran crítica hacia esta nueva moda en las que los medicamentos te quitan toda la grasa del cuerpo para devolverte una figura impresionante. Una crítica a esas dietas rápidas que de poco sirven y también, a este mundo que, si no tienes un cuerpo normativo, te hace la vida un tanto imposible.
En los últimos años, el terror del Sudeste Asiático ha buscado abrirse a Occidente, con Joko Anwar como gran referente. En ese contexto aparece ‘Halabala’, de Eakasit Thairatana, que mezcla mitología tailandesa, suspense y horror corporal en un relato donde la selva se convierte en protagonista.
La trama sigue al inspector Dan, un policía marcado por la culpa, enviado a la jungla de Halabala. Allí deberá enfrentar tanto a un criminal que busca venganza como a los rumores de la tribu Batow, supuestos caníbales que rinden culto a un demonio.
El film brilla en su atmósfera: la vegetación, los sonidos y la luz crean un entorno que respira. Sin embargo, el ritmo irregular y un clímax sobrecargado debilitan su fuerza. Chantavit Dhanasevi logra transmitir el tormento del protagonista, mientras Vi, su esposa embarazada, aporta humanidad. ‘Halabala’ es un ejercicio ambicioso, irregular pero sugestivo, que combina lo moderno y lo ancestral en clave de terror.
Tras la muerte de Drácula, Abraham Van Helsing, decide escapar con sus hijos a Estados Unidos. Intentar vivir una vida normal, pero el pasado siempre regresa, aunque sea por los traumas que conlleva.
No me he leído el relato de Joe Hill, pero tengo ganas, ya que la idea es muy interesante, pero creo que más que para una película, esto debería de haber sido un corto. Durante el visionado de la cinta, tenemos más silencios que diálogos, miradas penetrantes, que tampoco nos dicen demasiado y esto hace que sea bastante tediosa.
En general la producción está bastante bien, vestuario, dirección, música, fotografía, pero la gran falla es el guion y el cómo está contado todo lo que vamos viendo.
Hoy ha sido otro día maravilloso, hemos tenido la oportunidad de tener a nuestra vera a los hermanos Muschietti, los cuales entre risas han comentado que solo nos han puesto los 10 primeros minutos de ‘It: bienvenido a Derry’ en Sitges por que no se fían de las filtraciones. Recordaban la última vez que estaban en Sitges, desde ‘Mamá’. “nuestro sueño es traer un nuevo largo a Sitges” comenta Bárbara. “La serie que hicimos es una exploración dentro de los grandes misterios que tiene el libro” aseguró Andy.
También hemos estado con la famosa productora Gale Anne Hurd, la cual nos ha contado varias anécdotas sobre su carrera. Recordar que viene a recibir el Gran Premio de Honor WomanInFan y es que esta mujer ha producido cintas como ‘The Terminator’, ‘The Abbys’ o ‘The Walking Dead’ por mencionar unas cuantas. Además de ser la guionista de ‘The Terminator’.
Y que deciros del gran honor de Terry Gilliam. Actor y cineasta británico conocido mundialmente por ser uno de los miembros del grupo humorístico Monty Python. Ha contado muchas cosas, entre que no le gusta la fantasía “Lo que me interesa es la imaginación, que es mucho más libre y no tiene reglas”. También le han preguntado acerca de la inteligencia artificial, a lo que ha respondido “Con la IA robando tantos oficios, recomiendo que abandonéis la ida de haceros cineastas, mejor haceros fontaneros o electricista. Así tendréis un trabajo seguro”.
Hemos podido presenciar la llegada del equipo de ‘Rafaela y su loco mundo’. En nuestra galería tenéis fotos de David Verdaguer, Ingrid Garcia-Jonsson, Carlos Areces, Joaquín Reyes, Arturo Valls, Carmen Ruiz y Aníbal Gómez.
También hemos conocido la Sesión Sorpresa del Festival, ‘The Restoration at Grayson Manor’, dirigida por Glenn McQuaid y coproducida por Fantastic Films. La película, que se presentará el 18 de octubre a las 22:30 en el Auditori del Hotel Meliá. Supone el regreso de McQuaid a la producción irlandesa en un cuento de terror que aborda la cuestión de la represión queer en un contexto doméstico.
Por otra parte, conocemos también las tradicionales maratones de clausura para el domingo 19 de octubre de este Sitges 2025.
Marató Matinée Auditori (10.00h)
New Group de Yûta Shimotsu
Chien 51 de Cédric Jimenez
Drácula de Luc Besson.
Marató Auditori (15.30 h.)
Primate de Johannes Roberts
Gaua de Paul Urkijo Alijo
No other choice de Park Chan-wook
The Plague de Charlie Polinger
The Furious de Kenji Tanigaki
‘It: bienvenidos a Derry’
‘It: Bienvenidos a Derry’ promete arracar con fuerza y sin rodeos, devolviéndonos al universo de Stephen King bajo la mirada de Andy y Bárbara Muschietti. Ambientada en 1962, la serie mantendrá el estilo de las películas, pero con un enfoque más coral y misterioso. El elenco y los tráilers ya adelantan que volveremos con elementos como los niños desaparecidos, adultos indiferentes y un mal antiguo que vuelve a despertar. Pennywise volverá con ese terror que llega sin que este se muestre del todo, mientras la historia explorará los orígenes del terror y ampliar el universo King con guiños a otras de sus obras. Derry está a punto de volverse aún más grande y aterradora.
A parte de del adelanto visto en el festival Sitges 2025, HBO Max nos ha permitido ver online ya 5 episodios de 8, pero hasta el día 22 de octubre no podremos publicar opinión alguna. Permaneced atentos a a nuestra web y a nuestras redes.
A priori podría parecer raro que Yorgos Lanthimos haya decidido embarcarse en el remake de una película coreana moderadamente reciente, ‘Save the green Planet!’, estrenada en 2003. Pero después de haberla visto queda claro que el proyecto le viene como anillo al dedo al director griego, estando muy en consonancia con sus últimos trabajos, especialmente ‘Kind of kindness’.
En ‘Bugonia’ recupera a dos de sus protagonistas de la cinta previamente citada. Jesse Plemons es Teddy, un hombre convencido de que los extraterrestres se han camuflado entre los humanos y que pide ayuda a su primo para secuestrar a Michelle (Emma Stone, ya convertida en musa de Lanthimos), sospechosa de ser alienígena. El plan, en su mente, es sencillo. Obligarla a confesar su identidad y lograr que les conduzca ante los líderes extraterrestres, para obligarles a abandonar el planeta Tierra.
La película está llena de momentos impactantes (como ver a una Emma Stone rapada al cero para que no pueda contactar con sus jefes del espacio usando su pelo) y un humor made in Lanthimos, es decir, entre la crueldad y el esperpento. Y lo cierto es que funciona a las mil maravillas. ‘Bugonia’ no tiene la ambición de otros títulos de su filmografía como ‘Pobres criaturas’ o ‘La favorita’. Eso es porque en realidad nos encontramos ante un simple pero efectivo divertimento, en el que el director vuelve a mostrarnos las miserias del ser humano al tiempo que lanza algunas ideas interesantes que, todo sea dicho, deberían hacernos reflexionar.
‘Si pudiera te daría una patada’
En ‘Si pudiera te daría una patada’, Mary Bronstein ofrece un asfixiante retrato de la maternidad y el agotamiento emocional. Rose Byrne está estupenda, digna de premio, en el papel de una mujer al borde del colapso, atrapada por una hija que nunca vemos pero cuya presencia domina cada escena. El uso de planos cerrados, cámara en mano y montaje nervioso transmite su ansiedad constante.
Aislada, sin apoyo y rodeada de relaciones tóxicas (incluida la que está dotada de los diálogos más ingeniosos, con su psicólogo interpretado por Conan O’Brien), la protagonista se hunde lentamente en un pozo interior que Bronstein materializa con un misterioso agujero en el techo y otros muchos detalles. El resultado es una película intensa, inquietante y profundamente humana: el retrato de una mente fracturada que busca respirar en medio del caos. Una nueva obra existencialista para Sitges 2025.
Una mujer servicial se ve entre la espada y la pared al ver que su dueño decide secuestrar a una joven para sustituirla. La película es bastante turbia, Anne, la protagonista de la cinta, está completamente cegada, después de a saber cuanto tiempo leva siendo esclavizada y sodomizada por este hombre. Ha sido tan humillada que simplemente se conforma con recibir premios como chocolate para saber que todo está bien.
Louiza Zouzias es la encargada de dirigir, escribir el guion y protagonizar esta cinta. Rodada en blanco y negro, tiene una fotografía bastante sencilla, al igual que la localización, una casa en medio de la nada. Las interpretaciones están bastante bien y nos dejan ver lo sufrido de esta situación en la que se encuentran.
Cortometraje muy bien dirigido, en el que Jamie tiene que ir a recoger la casa de su madre para vaciarla. Allí un gran armario parece esconder un secreto tenebroso. Después de sentir una extraña presencia decide llamar a su pareja para que vaya a por ella.
Dirigido por Dan Abramovici, ‘Heirlooms’ está muy bien tratado y con una buena fotografía. Todo muy lúgubre y triste, que nos hace ver como realmente está el personaje interpretado por Chloe van Landschoot (‘From’). Tiene una puesta en escena muy cuidada, donde vemos una mudanza. Una casa llena de cajas y trastos por todos lados, con los que el director trabaja super bien y aprovecha para darnos sustos a partir de sombras, juego de luces y también objetos que al final parecen que están y realmente no están ahí.
‘Heirlooms’ ha sido una pequeña sorpresa, que te deja con ganas de conocer toda la historia detrás de esas apariciones y ese armario tan espeluznante.
William Fichtner (‘Prison Break’) recibe su premio Màquina del Temps
Un día con mucho entretenimiento y películas curiosas. Además hemos visto al equipo de ‘Redux Redux’, también el equipo del corto de ‘Terapias y Mazmorras’ (aquí podéis ver el vídeo de su entrada a Auditori). Y por supuesto, hemos visto al equipo de ‘Talamasca’, la nueva serie de AMC+ que llega a nuestras pantallas el próximo 27 de octubre. Mark Johnson, productor de la serie y William Fichtner, actor de la serie y también premiado con la Màquina del Temps en el festival.
El actor de ‘Prison Break’, ‘El caballero oscuro’ o ‘Armageddon’, uno de los mejores secundarios que nos ha dado Hollywood, ha comentado parte de su carrera y nos habla del su trabajo en ‘Contact’ “Creo que el día más feliz de mi vida profesional fue cuando Robert Zemeckis me fichó para ‘Contact’. Hacía de científico ciego, algo muy distinto a los papeles que solían darme, que eran de policía o tipo duro o algo por el estilo». También sabemos que ya han llegado a Sitges, Andrés Muschietti que viene a presentar ‘IT: Bienvenidos a Derry’ y el gran Terry Gilliam, que va a recibir el Gran Premio Honorífico en el Festival.
Delivery Run
En 2020 tuvimos la ocasión de ver ‘Tailgate (Bumperkleef)’ y ‘Salvaje’, en esta última aparece Russel Crowe. En estas cintas vemos como un conductor provoca a otros con un comportamiento extremadamente correcto al volante. La cosa es que cuando estos hacen alguna infracción cambia su comportamiento y decide ir como un loco hacia ellos para darles una lección.
Algo así le ocurre a Lee Shaw, un repartidor que no está teniendo su mejor día y se convierte en la presa de un perturbado conductor de una máquina de quitanieves. Junto a su pequeño pez al que lleva en una bolsa, Lee tendrá que conducir lo mejor que pueda para escapar de una futura terrible muerte.
La película es bastante simpática, no te mete demasiados rollos, te presenta al protagonista, como digo, te muestra su terrible día y ya comenzamos con la locura de persecución en la que se ve envuelto. Es divertida y con unas imágenes bastante oscuras. Algo que le da un poco de realidad ya que conducir de noche en medio de la nada, es lo que tiene, que apenas se pueda ver nada.
Pocas productoras han dejado una huella tan distintiva en el cine de terror como Hammer Films. Desde sus humildes inicios en Londres hasta convertirse en un icono del género, la compañía transformó el terror en una experiencia visual y emocional que sigue inspirando a cineastas actuales. ‘Hammer: Heroes, Legends and Monsters’, dirigido por Benjamin Field, narra esta historia con la voz profunda de Charles Dance, combinando entrevistas, fragmentos de películas y material de archivo que sumergen al espectador en el proceso creativo.
El documental destaca no solo a directores y actores, sino también a maquilladores, diseñadores de sets y editores que, con ingenio y recursos limitados, crearon mundos creíbles y eludieron la censura. Revela datos sorprendentes para los profanos en el tema, como que Enrique Carreras, un español, fue uno de los fundadores de Hammer, y su hijo y nieto continuaron su legado. La serie ‘Quatermass’ se muestra como pieza clave en la diversificación del estudio.
Con testimonios de Tim Burton, John Carpenter o Joe Dante, entre otros y muy variados especialistas o miembros de sus películas, el documental celebra la pasión y creatividad de Hammer, un legado vivo del cine de terror.
Basada en la novela de Gu Byeong-mo. ‘The old woman with the knife’ nos trae la historia de una legendaria asesina de sesenta años especializada en eliminar la escoria del mundo. Un joven aparece en su vida para poner todo patas arriba y hacer que su pasado vuelva a por ella.
La película la verdad que me ha gustado bastante, la acción está muy bien rodada y la historia es bastante profunda. Conocemos a esta mujer, vemos como termina siendo la asesina que es, sus fortalezas y debilidades. Además, que las escenas de lucha están muy bien dirigidas.
Lee Hye-young es la encargada de dar vida a esta mujer y nos demuestra lo ágil que está. Sus escenas son cruentas y llenas de movimiento algo que hace que la película tenga un gran atractivo.
Dirigida por William Kaufman y escrita por Paul Reichelt, es un ejercicio de ciencia ficción y acción en clave serie B que recicla fórmulas conocidas. Un grupo de soldados es abducido en Siria y despierta en una nave espacial, donde descubre que ha sido convertido en presa de una cacería alienígena. Con ecos de ‘Skyline 2: Beyond’, ‘Doom’ y ‘Alien’, y con criaturas que recuerdan a los Locust del ‘Gears of War’, la película apuesta por escenarios limitados y trucos de producción como rodajes en almacenes. La acción está bien filmada, con un aire de cinemática de shooter, y los efectos son aceptables. Sin embargo, la trama no ofrece nada nuevo y se corta cuando empieza lo interesante. Ni siquiera la presencia de Linda Hamilton, testimonial, consigue elevar un producto del montón.
De metros japoneses infinitos, pasando por la fiereza de Sisu para llegar al Drácula más «imaginativo» de la historia
Hoy ha sido una jornada donde los encuentros con maravillosos artistas nos han dado mucho de si. Carmen Cuba, directora de Casting como ‘Stranger Things’, ‘The Apprentice’ o ‘Annete’, por nombrar unas cuantas, nos ha deleitado con una charla muy interesante.
También hemos estado con el gran Luc Besson. El director nos ha contado como lo que realmente quería era una historia de amor en palabras del director «No me gustan las películas de terror. Es sobre la historia de amor». También comentó como seguramente no guste a todo el mundo y que sin duda a sus haters les dice que «les quiero». Quería plasmar en la cinta «La historia de amor de este hombre que espera 400 años solo porque quiere decir adiós a su esposa».
También ha pasado por el Festival hoySean S. Cunningham, director de ‘Viernes 13’, el cual ha sido el destinatario de otros de los Premi Màquina del Temps.
‘Sisu: camino a la venganza’
Después del gran éxito de la primera entrega «el hombre que se niega a morir» regresa con una nueva entrega en la que ya no hay capacidad para la sorpresa pero en el que la diversión sigue intacta. En esta ocasión el protagonista regresa a su hogar (una cabaña situada en lo que ya es territorio soviético) con la intención de desmontarla y reconstruirla. Pero los rusos (los malos de la función sustituyendo a los nazis) no están muy por la labor de dejarle en paz, lo que le obligará a volver a usar todo su arsenal de trucos en una orgía de violencia y sangre.
Una cosa que se agradece mucho de «Sisu, camino a la venganza» es que sus responsables saben perfectamente lo que el público espera de ella y lo ofrecen con alegría y sin complejos. Hay una mínima historia de trasfondo (Stephen Lang, el villano de la función fue quien asesinó a la familia del protagonista) pero en realidad es una excusa para disfrutar de más carnicería y muertes espectaculares.
División por capítulos, el protagonista que no habla, su perro que parece igual de inmortal… Todo continúa igual en el universo de ‘Sisu’ y no creo que nadie se queje por ello. Quizás ligeramente más contenida que la primera parte, sin descanso y enseñándonos cómo esquivar el ataque de un avión, cómo hacer que un tanque dé varias vueltas de campana o cómo esconder armas de forma creativa. Lo dicho, un divertimento con mayúsculas que merece mucho la pena.
‘Eye for an eye’
En Estados Unidos tenemos muchas leyendas macabras y una de ellas es The Sandman, un monstruo que llega en los sueños y acaba con tu tranquilidad.
En ‘Eye for an eye’ este monstruo viene a vengar a los acosadores y es que la cinta se centra en el bullying y en como si quieres venganza solo tienes que escribir el nombre de tu acosador en un árbol y esperar a que ocurra la magia, bueno, más bien las pesadillas.
La película no nos trae nada original, pero me lo he pasado bastante bien. Tiene muy bien hilada la historia y las muertes que vemos en pantalla son bastante crueles. El CGI en general está bien, pero es cierto que cuando sale el monstruo deja un poquito que desear. El diseño está bastante trabajado, pero el conjunto final, no termina de funcionar.
Aun así, ‘Eye for an eye’ es una película bastante entretenida y que no pierde el ritmo en ningún momento, algo que es de admirar. Esto es gracias a Colin Tilley, que, aunque sea su primera película, ha dirigido muchísimos videoclips y supongo que al final es algo que le ha dado muchas tablas y recursos para que el espectador siempre mantenga los ojos en la pantalla.
La adaptación cinematográfica del videojuego ‘The Exit 8’ logra trasladar exitosamente la inquietante experiencia a la gran pantalla. El original, un walking simulator minimalista ambientado en un metro japonés hiperrealista, destacaba por su tensión psicológica y la búsqueda de anomalías para hallar la salida. La película reproduce esa atmósfera opresiva con un diseño de producción minucioso y una notable interpretación de Kazunari Ninomiya, capaz de transmitir confusión y terror creciente.
El filme añade capas propias: terror psicológico, jump scares y anomalías inéditas que sorprenden incluso a quienes conocen el juego. Además, otorga al protagonista una historia personal, inexistente en la obra base, que convierte el laberinto en metáfora de la rutina urbana y del miedo al cambio. Con planos secuencia que refuerzan la inmersión y un trasfondo ampliado, ‘Exit 8’ no se limita a copiar, sino que amplifica y reinterpreta, ofreciendo una experiencia desconcertante y rica en lecturas. Llevan más allá los juegos de encontrar las siete diferencias y los déjà vu que en su día se asociaron en la cultura popular a un fallo en ‘Matrix’.
Madre mía Luc Besson, todos esperábamos esta sorpresa como locos y para nada es lo que esperábamos. Este Drácula es muy complicado, una película que se asemeja tremendamente a ‘Drácula de Bram Stoker’ pero sin su romanticismo y buen hacer.
Pese a que no me ha gustado, he de decir, que ‘Drácula: a love tale’ tiene una gran producción. Vestuario, localizaciones, el trabajo de maquillaje, peluquería, todo a nivel técnico me parece muy trabajado. Pero la historia y las interpretaciones son otra historia. Y es que pese a tener una base tan buena como es la novela original o incluso la cinta de Coppola, Luc Besson nos lleva por unos derroteros bastante diferentes y se le va un poco de madre todo.
Mi opinión es, que no era la película que me esperaba, está claro que, si se hubiese ido hacia una parodia de la película de Coppola, hubiese triunfado bastante. ¿Por qué digo esto?, por qué al principio parecía eso. Ya nos iba anunciando con el cartel, una copia del ‘Nosferatu’ de Eggers y después con un sinfín de escenas sacadas de la película de Francis Ford Coppola, que esto iba a ser una parodia, pero al final, la película se toma muy en serio y al menos en mi caso, deja bastante mal sabor de boca. Lo dicho, una pena, ya que a nivel visual es una gozada.
Mark Anthony Green debuta con ‘Opus’ mezclando sátira, thriller psicológico y comedia negra en un retrato afilado de la fama y sus cultos. La historia sigue a Alfred Moretti (John Malkovich), un músico legendario que, tras tres décadas de silencio, reaparece con un evento exclusivo en su finca. Ariel Ecton (Ayo Edebiri), periodista en busca de su gran oportunidad, descubre que lo que parecía un simple listening party es, en realidad, una experiencia inquietante sobre manipulación y devoción absurda hacia los ídolos.
Malkovich brilla como un mesías pop: excéntrico, ególatra y magnético. El detalle curioso es que grabó con su propia voz los temas de su personaje, dando lugar incluso a un álbum real, ‘OPUS: The Moretti’. Es un papel hecho a medida, a medio camino entre lo cómico y lo perturbador, tan fascinante como incómodo.
La película funciona como sátira y parodia del artisteo, cercana a los ecos de culto que ‘Los Simpson’ ya ridiculizaron con los movimentarios. Aunque el guion tropieza a veces en clichés, su magnetismo visual y su reflexión sobre cómo el artisteo gobierna el mundo actual la convierten en una ópera prima tan irregular como hipnótica, con un final que deja un eco inquietante en la mente del espectador.
Basado en el videojuego homónimo de éxito mundial creado por KOTAKE CREATE. Un hombre atrapado en una interminable estación de metro se propone encontrar la Salida 8. Las reglas de su búsqueda son sencillas: no pasar por alto nada fuera de lo normal. Si descubre una anomalía, debe dar media vuelta inmediatamente. Si no es así, puede continuar. Cualquier descuido le enviará de vuelta al principio. ¿Conseguirá alcanzar su objetivo y escapar de este pasillo infinito?
Crítica
Del error en Matrix al terror japonés en una inquietante película
La adaptación cinematográfica de ‘The Exit 8’ supone un reto similar al que ya planteaba el videojuego original: trasladar a otro medio un walking simulator minimalista que, a pesar de su sencillez mecánica, atrapaba por la tensión psicológica y su atmósfera opresiva. El juego, disponible en múltiples plataformas, nos sumerge en un bucle aparentemente interminable que recrea con un hiperrealismo perturbador los pasillos de un metro japonés. Eso sí, con un curioso contraste: mientras la arquitectura está recreada con un nivel de detalle casi fotográfico, los personajes parecen sacados de un título de finales de los 90. La clave estaba en detectar y esquivar anomalías para encontrar la salida correcta, la ansiada salida 8.
La película entiende que la tensión del juego no radica en la acción frenética sino en la espera, la observación y el nerviosismo creciente. Esa sensación de inseguridad, de tener que desconfiar de lo cotidiano, ha sido trasladada con bastante acierto a la gran pantalla. Buena parte de ello se debe tanto al diseño de producción, que replica con mimo ese submundo subterráneo, como a la interpretación de Kazunari Ninomiya, a quien muchos reconocerán de los live action de Gantz. Su rostro transmite el desconcierto, la confusión y, poco a poco, el terror latente que impregna cada rincón del laberinto.
El filme se atreve a ir un paso más allá: mientras el videojuego ponía a prueba la memoria y la concentración, aquí se añaden elementos de terror psicológico y jump scares que aportan variedad y dinamismo. Además, introduce anomalías nuevas que no estaban en el material original, lo que convierte la experiencia en algo novedoso incluso para quienes ya han exprimido el juego hasta el final. En paralelo, se expande el lore, ofreciendo pistas de un trasfondo que en el videojuego era completamente inexistente.
Uno de los mayores añadidos es una trama personal para el protagonista, algo ausente en la obra base que ni siquiera te pone en precedentes. Esa historia dota de mayor peso dramático al viaje, planteando una moraleja vinculada a la superación y al miedo al cambio. El laberinto pasa así a ser metáfora de un estado de shock del que el personaje no logra escapar, pero también una lectura más amplia sobre las rutinas asfixiantes de las grandes ciudades como Tokio, que pueden terminar anulando la identidad individual.
Dado el funcionamiento del juego era casi obligado que la película estuviese rodada con largos planos secuencia. No es un filme que se haya rodado en una sola toma, de hecho, tiene bastantes cortes y trucos, pero está lograda la sensación de continuidad que nos sumerge en el bucle. La escenografía calca a la que vemos frente a la pantalla del ordenador y dan ganas de hacerse con la versión jugable con gafas VR.
‘Exit 8’ no se limita a ser una copia literal del videojuego: lo amplifica, lo reinterpreta y lo enriquece. Si bien el metro real de Japón no es tan laberíntico como su propio mapa hace parecer, la cinta aprovecha esa sensación de desorientación para convertirse en una alegoría sobre la importancia de los detalles, sobre cómo nuestras decisiones, por nimias que parezcan, pueden definir el rumbo de nuestra vida. No es casual que el filme juegue con ecos de ‘Matrix’, recordando aquella célebre frase que se refería a los déjà vu como fallos en el sistema. Al final, la película funciona tanto para los jugadores que disfrutan con los retos de observación (como si de un “encuentra las siete diferencias” enfermizo se tratara) como para los espectadores que buscan un relato desconcertante, cargado de atmósfera y con más lecturas de las que se aprecian a simple vista.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de octubre de 2025. Título original: 8-ban deguchi. Duración: 95 min. País: Japón. Dirección: Genki Kawamura. Guion: Genki Kawamura, Hirase Kentaro. Música: Shouhei Amimori. Fotografía: Keisuke Imamura. Reparto principal: Kazunari Ninomiya, Yamato Kochi, Naru Asanuma, Kotone Hanase, Nana Komatsu. Producción: AOI Promotion, Story, Toho. Distribución: Vértigo Films. Género: terror, suspense, adaptación. Web oficial:https://exit8-movie.toho.co.jp/
Nuevas estrellas y grandes premiados han presentado hoy sus películas
El día de hoy ha arrancado con un maestro como Park Chan-wook y su nuevo trabajo, ‘No other choice’ (crítica aquí). Pero también con estrellas emergentes como el trío formado por Peter Cilella, Justin Benson y Aaron Moorhead que presentan ‘Descendent’ o los artífices de ‘Luger’, la nueva comedia de acción española. También ha llegado al festival a presentar ‘Bulk’ el director Ben Wheatley, autor también de ‘Megalodón 2’.
Wheatley defendió la diversidad de escalas de producción y dijo que le gusta trabajar con presupuestos variados: “No creo que haya un buen filme con más dinero o un mal filme con menos dinero”. El director ha recibido el Premio Màquina del Temps y reconoció que “me gusta la ciencia ficción de los 60, la franquicia de Marvel o jugar a videojuegos. Me lo paso bien con todo”.
‘Descendent’ es el debut como director de Peter Cilella, habitual en los filmes de Justin Benson y Aaron Moorhead, quienes también producen junto a Mark Ward (‘Hatchet’). La película se centra en Sean Bruner, un vigilante escolar atrapado entre la frustración laboral y la inminente paternidad. Tras un misterioso encuentro con una luz en el cielo, comienza a sufrir visiones, desarrolla un oído extraordinario y una inesperada habilidad para la pintura.
El planteamiento evita clichés: no seguimos a un profesor o alumno, sino a un trabajador común que enfrenta el miedo de repetir el trágico destino de su padre. El filme combina ciencia ficción, drama y thriller psicológico para explorar la herencia del trauma y la sombra del suicidio como amenaza intergeneracional.
Con ritmo pausado y un uso ambiguo de lo visual y sonoro, ‘Descendent’ propone una experiencia inquietante más cercana a la reflexión existencial que al espectáculo alienígena.
Si el año pasado ya sufrimos con los ancianos en ‘La ley de Penny Lane’, este año nos adentramos en un asilo un tanto peculiar. Una pequeña urbanización llena de fiestas y muy buen rollo
Aquí es donde entra nuestro protagonista después de varios avisos por parte de la policía de terminar en la cárcel. Su padre consigue que le dejen hacer trabajos sociales y así poder redimirse.
Pero, no todo es lo que parece en este lugar “feliz” y es que como todos los lugares tienen un gran secreto y esto ocurre en la cuarta planta, donde no todo es tan divertido como debería. A partir de este momento la vida de Max comienza a parecer una verdadera pesadilla.
‘The home’ es bastante entretenida, tiene una premisa interesante y el giro es bastante curioso. Además, cuando se pone rara es cuando más divertida es.
Comedia negra con corazón, donde un hombre despedido tras décadas de servicio se convierte en un villano torpe y desesperado, decidido a eliminar a su competencia laboral. Con esto ya os puedo adelantar que la ambigüedad moral y la comedia negra se acerca a ‘Breaking Bad’. Lee Byung-hun destaca al mostrar esa mezcla de solemnidad casi imponente (a lo Mads Mikkelsen) y torpeza absurda, mientras Son Ye-jin aporta al filme la tensión emocional: su madre/esposa funciona casi como brújula moral entre la sospecha y la complicidad. El enredo recuerda al estilo de Woody Allen, con entrevistas de trabajo que se vuelven rituales, malentendidos, e incluso humor slapstick, pero el suspense late fuerte bajo la superficie. El tema social es doloroso: la presión de mantener el empleo, el miedo de perderlo, la autoexigencia, temas que en Asia se reflejan también en alarmantes tasas de suicidio laboral. Quizá la película habría ganado fuerza si fuera algo más breve, concentrada, pero su ambición la convierte en uno de los trabajos más juguetones de Park Chan-wook.
Ai, una joven estudiante japonesa, comienza a observar comportamientos extraños de sus compañeros de clase. Tanto los alumnos como los profesores se convierten en una especie de secta que hace que las rutinas de gimnasia, se conviertan en una gran pesadilla.
Junji Ito, podría ser la mente pensante de esta locura. Tenemos una pirámide humana gigante moviéndose por todos lados, gente haciendo figuras intentando atrapar a quien no piensa como ellos.
Al final es una gran metáfora de la falta de individualismo que tiene últimamente nuestra sociedad. Donde no hay nada original y todo el mundo termina haciendo lo mismo. Ya sea por modas o simplemente no quedarse atrás o ser un marginado. La película está entretenida, aunque la esperaba algo más sangrienta.
Cumberbach recibe el Premio Máquina del Tiempo con una inconmensurable ovación
Emocionante el día de hoy es decir poco. Al margen de películas que hemos visto durante la jornada, cuyas mi-críticas tenéis en los párrafos tras la galería de fotos, hemos estado en compañía de gran talento francés y británico. Para empezar hemos acudido a la rueda de prensa sobre ‘El hombre menguante’, la nueva película que adapta la novela clásica. Para continuar hemos estado con un mítico actor francés como Dominique Pinon, presente en series actuales como ‘Outlander’ o ‘The walking dead’ y en clásicos como ‘Alien 4’ o ‘Amelie’. Y por último la gran estrella mediática del día Benedict Cumberbach acompañado del director de ‘Esa cosa con alas’.
En la presentación de ‘El hombre menguante’ contamos con su protagonista Jean Dujardin, su director Jan Kounen y su productor Alain Goldman. Todos remarcaron que esta película no es un remake de la película de Jack Arnold, sino una nueva adaptación de la novela de Richard Matheson. Pese a los avances de la época está hecha con efectos prácticos. Dujardin ha dicho al respecto que «le fue poco cómodo estar solo sin replicas de otros actores. Tuve que ser paciente y obedecer mucho. Nunca hubo araña o pelota de tenis como referencia, no diré que tenía para guiarme. Únicamente que la araña representa simbólicamente para mi los miedos, la angustia, las dificultades de la vida Pero en el rodaje no conté con nada de eso. Por su parte Kounen contó como contaron con la tecnología para rodar diferentes escalas del mismo espacio, pero todo desde lo práctico: «hemos hecho una película a la antigua, haciendo homenaje a Jack Arnold (soy gran fan de su obra) conectando con sus retos». Las referencias que el director tomó para inspirarse fueron «El naufrago o El planeta de los simios. Y la idea con el sonido era recordar que todo es muy grande, no él muy pequeño. Alexandre Desplat es un compositor al que le gusta proponer, íbamos en sintonía con el hilo que me presentó, intentando encajar con algo como los cuentos de Hans Christian Andersen» finalizó para transmitirnos cómo de sensorial es el filme.
Con Dominique Pinon revivimos películas míticas. En Sitges 2025 se proyectará ‘Delicatessen’ en 4k a si es que era ineludible tratarla en el encuentro que tuvimos con ellos: «fue una película diferente, loca. Y es que está llena de personajes locos. Fue la primera película para mucha gente, actores y técnicos. El sentimiento era el de estar en un rodaje especial. Desde el guion. Fue el primer proyecto que vi que contaba con storyboard». Sobre ‘Alien resurrection’: recibí la llamada de Jean-Pierre Jeunet, es lo primero que recuerdo siempre. Estaba por entonces en Francia en una obra de teatro. Me comentó que tenía algo para mí desde Hollywood, para Alien. Ok, muy bien. Con Sigourney Weaver. ¡¿Como?! Muy bien. Nunca pensé que un francés pudiese formar parte de una producción de ese tipo. Nunca imagine que pudiese ser yo». Y por supuesto le preguntamos por su participación en el live action de Mortadelo y Filemón: «fue divertido. fue difícil para mi por las frases en español y un trabalenguas que tenía que decir en catalán. Fesser me decía, que hablase más rápido siempre. Fesser es muy simpático y muy español. Había mucha gente amateur como Benito Pocino, que era un cartero de un pueblo catalán. Eso sumado a mis problemas de idioma… Fue muy divertido».
Benedict Cumberbatch y Dylan Southern protagonizaron el momento más multitudinario de la jornada. Vienen a presentar ‘Esa cosa con alas’, una adaptación de la novela de Max Porter sobre el duelo y el desconsuelo. Una obra que el director había leído hacía ya diez años y para cuya criatura realizada con prostéticos contó hasta cuatro artistas. El actor, que hace en el filme un gran trabajo de introspección ha señalado que «El duelo es una experiencia que forma parte de la naturaleza del ser humano. Y es importante poder hablar abiertamente de ello». La mayor ovación llegó cuando Cumberbatch finalizó su discurso sobre el arte declarando que «se trata de intentar hacer buen arte, no importa donde sea. Ya sea una obra de bajo presupuesto, ya sea algo de Hollywood». Poco antes de este encuentro el actor recibió el Premi Màquina del Temps. Pronto tendréis todo el encuentro subido en nuestro canal de Youtube.
‘Death of a Unicorn’
Un padre y una hija atropellan a un unicornio salvaje en su camino hacia una importante reunión con el jefe de una empresa farmacéutica. Lo que parecía un fin de semana de negocios se convierte en algo mucho peor.
‘Death of a unicorn’ no desfasa, pero sí que tiene las suficientes muertes macabras para divertir. Es como si fuese una película infantil pero que se les va de las manos. Lo digo, por la manera en la que está contada la cinta. Tenemos personajes un tanto tontos intentando cazar unicornios y realmente es como un pequeño cuento.
La película, como digo, es entretenida sin más, pero merece la pena su visionado ya solo por el diseño que tienen estas criaturas. El CGI, quizás a veces deja un poquito que desear. Supongo que esa es la razón para llevarla directamente a plataformas y no estrenarla en cines.
La ópera prima de Alex Scharfman es un divertimento simple con unas cuantas dosis de salvajes muertes que logra una mezcla un tanto peculiar.
Un documental que transita entre el documental real y el cine fantástico, haciendo que los directores de esta película se vean incluidos dentro de la propia trama de la cinta.
Es extraña y bastante curiosa, tiene sus altibajos y creo que es porque al final lo han alargado en exceso, pero no quita que sea un documental muy interesante. Además, podéis conocer ‘Arrebato’ y ver como estaba tan en paralelo con su propia realidad.
No conocía la figura de Iván Zulueta y una de las grandes cosas que hace ‘El último arrebato’ es devolvernos a este artista a la vida y lograr que veamos partes de ‘Arrebato’, su última película que se estreno en el cine Azul de Madrid el 9 de junio de 1980. Una cinta que sigue siendo uno de los grandes enigmas del cine español.
Marta Medina y Enrique López Lavigne son los encargados de dirigir este curioso documental y como digo, nos han devuelto a esta figura tan desconocida para muchos. Para mí conocer a uno de los grandes diseñadores de carteles del cine español ha sido una de las mejores cosas de ‘El último arrebato’. Los carteles de películas como ‘El Verdugo’, ‘Viridiana’, ‘Asignatura pendiente’ o ‘Matador’, salieron de su cabeza y sin duda es algo increíble.
Desde su arranque con una escena de body horror, ‘The Surrender’ de Julia Max marca el tono de una propuesta inquietante y visceral. Pronto queda claro que no se trata solo de terror físico, sino de un relato donde rituales, creencias y hechicería desafían tanto la ciencia como la cordura. Kate Burton interpreta a una madre que se aferra a prácticas homeopáticas y vudú para retrasar lo inevitable, mientras Colby Minifie encarna a una hija atrapada entre la lógica médica y la herencia de un mundo ancestral. El título juega con varios niveles: la resistencia filial, la negación materna ante la muerte y un giro que no puede desvelarse. Con ecos de Relic, la película combina drama familiar y terror metafísico, explorando el miedo a rendirse cuando un ser querido se transforma o desaparece. Julia Max firma un debut irregular pero poderoso, cargado de tensión y atmósfera malsana.
‘Together’, debut de Michael Shanks, se adentra en el body horror para explorar las relaciones de pareja desde lo grotesco y lo íntimo. La historia sigue a Millie (Alison Brie) y Tim (Dave Franco), una pareja desgastada cuya mudanza al campo deriva en un proceso insólito: sus cuerpos empiezan a fusionarse. Lo que podría ser simple efecto visual se convierte en metáfora del miedo al compromiso, la pérdida de individualidad y el deseo de pertenecer por completo al otro. Shanks combina horror y ternura, incomodidad y lirismo, en un relato que recuerda que el amor puede ser refugio o prisión. Con un desenlace perturbador y abierto a múltiples lecturas, la película confirma el buen momento del género y supone un arriesgado y prometedor debut.
Nos vamos de campamento, donde chavales adolescentes pasan parte del verano. Todo esto puede ser maravilloso, pero también un infierno para ciertas personas que puedan sufrir algún caso de bullying. ‘La plaga’ es eso, esa manera de contagiarte y terminar siendo marginado por la sociedad. En este caso, esa sociedad son adolescentes a los que nadie guía y actúan como animales.
Lo de guiar, es que es tremendo como los monitores, profesores, pasan totalmente de todo, no se dan cuenta de nada. Y claro, esto es al final, bastante real y nos hace darnos cuenta de lo desprotegido que están muchas veces estos niños y que no tienen ciertas herramientas para salir de esto ellos solos. La película es muy buena, realmente me ha dejado un poco fría, porque me esperaba algún elemento fantástico, pero una vez ya sabiendo lo que he visto, admito que me ha gustado bastante y los chavales están de 10.
Ópera prima de Ratchapoom Boonbunchachoke, es una fábula fantástica sobre el duelo, la memoria y el olvido. Tras morir por una enfermedad causada por la contaminación, Nat regresa como espíritu en una aspiradora, obligando a su marido a convivir con el pasado de forma literal. La propuesta, de tono absurdo y poético, recuerda por momentos al humor surrealista de José Luis Cuerda o Quentin Dupieux, jugando con la delgada línea entre la risa y la melancolía.
Boonbunchachoke crea un universo en el que los objetos conservan emociones y los fantasmas representan tanto pérdidas personales como olvidos sociales. Sin embargo, la película peca de olvidarse de su propia vis cómica en su tramo central, volviéndose más contemplativa que divertida. Aun así, su originalidad visual y su delicado equilibrio entre lo íntimo y lo político la convierten en una de las propuestas más sugerentes del cine tailandés reciente.
En 1957 ya se hizo una versión de la novela de Richard Mathenson y tengo que decir que me parece maravillosa, tiene mucho ritmo y unos grandes efectos. Desde Francia, nos llega una nueva versión de la novela y al igual que la anterior, me ha gustado, de manera diferente, pero creo que es una gran adaptación.
La cinta nos cuenta como un hombre normal comienza a encoger después de un suceso extraño pero nada llamativo en el cielo. Día a día ve como su ropa le queda grande y como su mujer se va convirtiendo en una persona más alta. Con una premisa muy sencilla, la película nos trae una historia llena de filosofía y con un gran mensaje.
Si que es cierto que esta adaptación no tiene mucho ritmo, es una película pausada, pero creo que le viene de perlas con la novela de Mathenson, con su escritura que parece poesía y sus frases que dan tanto para pensar. Además el tema de efectos especiales está de maravilla, la mayoría de ellos son prácticos. Y por supuesto Jean Dujardin está muy bien, la película recae sobre sus hombros y lo aguanta con soltura.
‘Luger’, ópera prima en la dirección para Bruno Martín (productor de ‘Os Reviento’), es un thriller de acción puro y duro, inspirado en los buddy movies de los ochenta y las películas de directores como Tarantino o Guy Ritchie. En un único día, dos buscavidas, el astuto Rafa (David Sanz) y el fornido Toni (Mario Mayo), se ven envueltos en una misión que escala rápidamente en violencia cuando descubren una reliquia de la Segunda Guerra Mundial en un coche robado. La película transcurre únicamente en un polígono industrial, lo que ofrece variedad escénica pese a los límites del espacio, y cada golpe duele, cada herida deja huella que no se cura al instante como sucede con la mayoría de personajes de acción hollywoodienses.
Aquí no hay un personaje bondadoso, todo es calaña. La relación de amor-odio entre los dos protagonistas aporta calor humano, chistes constantes con referencias y ese descaro callejero que sorprende. Luger no evade la crudeza ni la convicción del género: los personajes están manchados de violencia, pero no de indiferencia. No es solo adrenalina, sino también lealtad, traición y redención. Una nueva pieza que consolida al cine de acción en España como algo más que fuegos artificiales: con pulso, corazón y puñetazos.
Me ha tenido intrigada y a la vez aburrida. Una cinta un tanto repetitiva y que la verdad hace que pierdas bastante el hilo. En la cinta encontramos un antiguo espía jubilado que comienza a sentir curiosidad por la mujer que está en la habitación de al lado.
Antes de seguir, admito que tengo un problema con el cine italiano y me cuesta entrar bastante, no se el por qué, pero me pasa a menudo. Siguiendo con esto, la película es bastante interesante, tira de varios recursos y otra cosa no, no para, tiene un ritmo vertiginoso. Que como he dicho, en mi caso, ha hecho perderme. No quiere decir que ‘Reflection in a dead Diamond’ sea mala ni mucho menos, simplemente no es mi tipo de cine. Como virtudes, su fotografía, es increíble, tiene unos decorados super cuidados y nada está puesto gratuitamente.
‘It Ends’, dirigida por Alex Ullom, es una de esas películas que, bajo la apariencia de un coming of age clásico, esconde una mirada más profunda sobre el tránsito a la madurez. Un grupo de jóvenes viaja por una carretera que parece no tener fin, símbolo de una generación que busca sentido en un mundo que se repite y se desgasta. Teniendo cerca el estreno de ‘La larga marcha’ recordará a muchos a historias de Stephen King. Lo sorprendente es que Ullom y su equipo, con apenas experiencia profesional y un presupuesto obtenido en partidas de póker online, logran una obra coherente, sensible y visualmente envolvente. Su tono contemplativo, su ritmo pausado y su sinceridad emocional le otorgan un peso inusual dentro del cine independiente reciente. ‘It Ends’ habla de lo que se pierde al crecer y de lo poco que entendemos sobre nosotros mismos mientras seguimos conduciendo hacia la nada. Un debut que, por madurez y ambición, merece ser escuchado.
Día de contrastes y con muchos artistas junto a nosotros
Hoy ha sido un día muy especial y es que después de demostrar lo gran artista que es, acogedor y amable, Joe Dante ha recibido su premio Honorifico en el Festival de Sitges. El director ha sido arropado por todo el público del Auditori.
Además de asistir al estreno de ‘Silencio’ la nueva serie de Movistar +Plus, dirigida por Eduardo Casanova, hemos tenido la ocasión de estar en la rueda de prensa que se ha realizado dentro del Festival de Sitges. Allí, el director iba acompañado de Leticia Dolera, Omar Ayuso, Lucía Díez, Mariola Fuentes y Carolina Rubio. Allí nos han hablado de muchas cosas entre ellas, el director nos ha comentado lo involucrado que está con el poder hablar del VIH, que como ha dicho se estrena a partir del día 1 de diciembre, día internacional de la lucha contra el VIH. Nos ha comentado acerca del trabajo de maquillaje junto a Oscar del Monte, “El diseño de producción que hicimos en cuanto al maquillaje de prostéticos para enfatizar el paralelismo aquellas personas que en aquella época del pasado morían o sufrían de SIDA era hacer unas vampiras que recordasen a eso”. También nos ha hablado de los que le gusta la comedia, aunque siempre se vaya al drama, “La comedia siempre ayuda a sobrellevar traumas”. Aquí tenéis un pequeño vídeo de la rueda de prensa.
Además de la rueda de prensa de la película ‘Exit 8’, también hemos estado charlando un poco con Paul Urkijo y hemos visto a Ben Loenberg. Una de las noticias del final del día, ha sido que al final no podremos contar con Scott Derrickson en el Festival. Una pena, pues venía a presentar, ‘Black Phone 2’ y sin duda hubiese sido una maravilla poder charlar con el. Pero Sitges continua y se sigue disfrutando igual.
Dirigida por Dylan Southern y protagonizada por Benedict Cumberbatch, es un drama introspectivo que aborda el duelo desde el desconsuelo, esa fase en la que la tristeza deja de ser emoción y se vuelve paisaje. Inspirada en el tono gótico de Allan Poe y con ecos de ‘Un monstruo viene a verme’, la película combina lo simbólico y lo íntimo para hablar de la aceptación y el consuelo compartido.
Cumberbatch brilla en un papel contenido y honesto, interpretando a un artista que busca curarse mediante la palabra y el arte. Southern filma con una ternura melancólica, sin dramatismos, explorando cómo las pérdidas nos obligan a reaprender a convivir con los demás. Una película que no consuela, pero sí comprende.
Un relato corto de Stephen King, es lo nuevo que nos trae Mike Flanagan. Sin duda, es uno de los mejores directores que adaptan a King, ya sea con su beneplácito o con enormes homenajes como pudo ser ‘Misa a Media Noche’.
Esta vez se enfrasca en el relato corto de ‘La vida de Chuck’, un cuento dividido en tres partes y que comienza por el final. Un extraño cartel comentando lo mucho que echaran de menos a un tal Chuck, aparece por toda la ciudad, todo se va desmoronando en el mundo, pero esos carteles aparecen sin parar. Así comienza esta historia que nos adentra en la historia de un hombre normal, un contable que no sobresale en nada y que simplemente es uno más en este loco mundo.
El reparto me parece perfecto, el miedo, desesperación y aceptación, es lo que vamos viendo en cada uno de estos personajes que van apareciendo en ‘La vida de Chuck’. Una película llena de reflexiones y que sin duda da para un gran debate al final y es que el sentido de la vida siempre es algo difícil de explicar.
Gabriele Mainetti vuelve a arriesgar con ‘La città proibita’, una mezcla de cine social y artes marciales que viaja de la China de la política del hijo único a la Roma multicultural. La historia sigue a Mei, interpretada con fuerza por Yaxi Liu, una mujer marcada por el pasado que llega a Italia en busca de su hermana.
Mainetti construye en ella a una auténtica heroína de acción europea: sus combates no son mero espectáculo, cada golpe refleja supervivencia, justicia y amor fraternal. La película brilla en sus coreografías y en su retrato de los marginados, enfrentando a Mei con mafias que trafican mujeres y explotan a inmigrantes.
Aunque algo extensa en duración, ‘La città proibita’ destaca por su ambición y por ofrecer una Roma distinta, lejos de la postal turística, donde conviven lucha, dolor y esperanza. Imperfecta, sí, pero emocionante y valiente.
Alberto Gastesi nos trae una interesante película en la que conocemos a Diana y Martín. Quienes después de la muerte de su hijo, hace ya 12 años, deciden reencontrarse en su antigua casa del lago. Cuando un joven aparece por la casa, salen a la luz antiguos secretos.
Una cinta bien contada, que no ha gustado a todo el mundo. Una cinta que aunque se repite, logra sorprender gracias a varios giros que vamos teniendo a lo largo del metraje. La Inteligencia Artificial y el duelo de una muerte, se aúnan en este drama en el que Patricia López Arnaiz y Javier Rey son los protagonistas.
Se nota la buena producción de la película, tiene algún que otro efecto bastante bien realizado. Sin duda aprovecharon bien la oportunidad, ya que esta cinta se ha podido hacer gracias a que en 2019, el proyecto consiguió el premio Pitchbox de Sitges.
‘Decorado’, de Alberto Vázquez, es una fábula oscura que recuerda a ‘El show de Truman’ en algunas partes, pero con un enfoque más existencialista y cruel. Protagonizada por animales antropomórficos, la historia refleja una vida en ruinas: trabajo precario, matrimonio fallido y la sospecha de vivir en un decorado fabricado por la megacorporación ALMA. La película cuestiona el consumismo, la manipulación de las corporaciones y la fragilidad de la salud mental en un mundo alienante.
Visualmente deslumbrante gracias a la dirección de arte de José Luis Ágreda, mezcla colores vivos con una atmósfera sombría. La comedia se entrelaza con la tragedia en una obra que incomoda y fascina a partes iguales. ‘Decorado’ no ofrece consuelo: transmite pesadumbre, pero también lucidez. Es un retrato feroz de nuestra sociedad y un recordatorio de que la autenticidad está en peligro de extinción.
‘La leyenda de Ochi’, de Isaiah Saxon y A24, es visualmente deslumbrante: la saturación cromática y los animatrónicos logran crear una isla escandinava que parece sacada de un cuento en technicolor. Sin embargo, más allá de lo estético, la película apenas ofrece innovación narrativa. La historia de la niña que se hace amiga de Ochi, un híbrido entre mono y vampirillo, se siente predecible y repetitiva, con paralelismos evidentes con ‘Cómo entrenar a tu dragón’.
El ritmo es excesivamente lento y la fábula de convivencia humano-monstruo nunca alcanza profundidad emocional. Peor aún, Emily Watson y Willem Dafoe (actores capaces de grandes matices dramáticos) quedan desaprovechados, reducidos a decorado en un relato que depende únicamente de su estética. En definitiva, ‘La leyenda de Ochi’ resulta aburrida, superficial y visualmente fascinante, pero narrativamente decepcionante.
Qué decir de ‘They call her death’. Odio hablar mal de las películas, ya que al final tienen un trabajo inmenso por detrás. Y muchas veces salen mal por la falta de presupuesto, tiempos y mil cosas más. Pero es que ‘They call her death’ parece sacada de un trabajo final de universidad y no termina de enganchar ni de entusiasmar.
La película nos presenta a una mujer a la que le matan a su marido, un ladrón que es buscado y daban una alta recompensa por él. Después de todo esto, levanta una gran trama de corrupción y busca venganza. Las actuaciones son bastante amateurs, al igual que sus efectos. Pero esto realmente no me importaría, si no fuese porque el guion también es bastante flojo. Es una película bastante cortita y se hace muy larga y creo que si se la hubiesen tomado un poco menos en serio podría haber sido divertida. No esperaba una comedia, pero sí que, si hubiese sido un poco más macarra, quizás el tono le hubiese beneficiado.
Ion de Sosa firma ‘Balearic’ una cinta super corta, 74 minutos y menos mal. La cinta nos lleva a la víspera de San Juan, un día propicio para la magia. En este día, un grupo de amigos se cuelan en una mansión y son atacados por tres perros feroces. Al otro lado, en otra mansión, unos ricos celebran el comienzo del verano.
No se que decir, de verdad. Hoy está claro que no ha sido mi día en el tema cine, y es que está claro que no he entendido la película, ya que según el director y una de las actrices, la cinta tiene muchas metáforas, que os puedo asegurar no he visto. Lo único a destacar, es que aparece Christina Rosenvinge.
Nicolás Postiglione nos lleva a un hogar alemán en pleno Chile, en Valdivia, 1957. Allí, Daniel, un niño que acaba de perder a su madre, conoce a la familia alemana de su padre quienes se harán cargo de el durante una temporada. Aislado, al no conocer el idioma ni sus costumbres, Daniel se hará amigo en Ema, una niña del servicio. Los secretos oscuros de esta familia le harán llegar a la venganza.
Una película muy lenta, con buena dirección, buenas actuaciones, pero que realmente no cuenta demasiado. Vamos viendo los dramas de esta familia, sin casi ningún interés, solo y únicamente que termine la película. Una pena, porque creo que le podría haber sacado más chicha. Además no tienen ningún elemento fantástico y al principio parecía que si.
Con ‘Silencio’, Eduardo Casanova lleva su universo estético y su ironía incómoda al mito del vampiro. Combina terror, melodrama y sátira queer para hablar del miedo social y el estigma. Rodada en 16 mm alterna entre la peste negra y la crisis del VIH en los 80, mostrando cómo la marginación se repite con distintos nombres. Visualmente impactante y emocionalmente brutal, convierte lo grotesco en arte y la comedia en denuncia. Casanova usa la música popular y su habitual marca estética para contar una historia sobre la exclusión, la libertad y el deseo. Y aun con todo su mensaje sabe ser tan cómica como un capítulo de ‘Lo que hacemos en las sombras’. Una gran metáfora que aporta visualización tanto por las mujeres con VIH como con los personajes femeninos vampíricos.
La película de Majid Al Ansari, es un terror psicológico que mezcla lo sobrenatural y lo psicológico con un drama familiar para explorar la poligamia sin consentimiento. Con una atmósfera opresiva, espacios cargados de tensión y algunas buenas decisiones con las lentes y los movimientos de cámara, la película captura el horror emocional. La actuación de Bdoor Mohammed da credibilidad a un conflicto que va más allá de lo doméstico: dolor, identidad femenina, y la traición de expectativas.
Sin embargo, la película tropieza: la resolución se siente excesiva, algo demasiado explícita comparada con la sutileza del desarrollo y muy sujeta a estereotipos del cine oriental. Además, si bien los temas culturales aportan profundidad, algunas capas emocionales no se exploran al máximo. Aun así y con sus ideas un tanto inocentes a la hora de buscar el susto, ‘The Vile’ es una propuesta valiosa, especialmente para quienes buscan terror con significado. No alcanza la grandeza, pero consolida a Al Ansari como director promesa en el horror que reflexiona.
Arnold es un ratón de mediana edad atrapado en una crisis existencial. Su matrimonio se desmorona, su vida le parece absurda y empieza a sospechar que todo a su alrededor es una gran farsa. Cuando su mejor amigo muere en circunstancias sospechosas, Arnold se convence de que algo no encaja. Lo que comienza como una paranoia cotidiana se convierte en una huida desesperada hacia algo que se parezca, aunque sea un poco, a la libertad.
Crítica
Lo bello y lo terrible conviven en una dicotomía que nos reta
Una de las referencias que en algunas fases de ‘Decorado’ pueden venirnos a la cabeza es ‘El show de Truman’. La película consiste en el despertar de una persona que descubre que su mundo es una impostura, que su vida está llena de gente que finge constantemente. Evidentemente los derroteros son otros, esto que acabo de decir no es un spoiler, pero hay ahí un estudio similar de la condición humana. En Decorado, Alberto Vázquez construye un espejo distorsionado que nos obliga a mirar hacia nosotros mismos, a revisar nuestras máscaras, tanto las que nos ponen como las que voluntariamente aceptamos. Su película se mueve tanto en la sátira como en la reflexión existencialista, y lo hace a través de animales antropomórficos que resultan irónica y extremadamente humanos.
Alberto Vázquez continúa con su exploración de lo humano mediante un imaginario antropomórfico. En Decorado, protagonizada por ratones (Arnold y María) la trama parte de una crisis existencial: crisis laboral, matrimonio en ruinas, sensación de absurdo, sospecha de que todo lo que rodea al protagonista es una gigantesca farsa. El tema del consumismo está sobre la mesa, pero más todavía la cuestión de cómo las corporaciones (aquellas entidades omnipresentes y omnipotentes) moldean escenarios donde los individuos pierden autonomía; donde la personalidad, las relaciones y la salud mental se ven comprometidas. En ‘Decorado’, la megacorporación ALMA (Almighty Limitless Megacorporative Agency) funciona como símbolo de un poder que lo fabrica absolutamente todo, definiendo la estética, los roles, la ilusión de bienestar.
Ese decorado artificial alimenta un sentimiento de alienación profundo. Arnold no solo se enfrenta al mundo externo, sino a sus propias dudas: el síndrome del impostor cobra vida, la depresión aparece como un fantasma continuo, la vida íntima se resiente. Vázquez no ahorra crudeza ni violencia, ni visual ni psicológica. La película se erige como quizá la más pesimista y deprimente de sus obras, en la que la comedia se mezcla con la tragedia, y la fantasía con la pesadilla.
Visualmente, ‘Decorado’ destaca: su dirección de arte, a cargo de José Luis Ágreda (‘Robot dreams’), trae consigo una paleta que no renuncia a colores chillones, pero sí están rodeados de oscuridad. Los escenarios son ricos, trazados con cuidado y cargados de todo detalle. Los animalitos transmiten emociones muy humanas. Todo esto crea una extraña empatía y al mismo tiempo una distancia inquietante. Queremos acercarnos a achuchar y consolar a los personajes, pero a la vez queremos rehuir su mundo herido y sucio. Esa yuxtaposición es muy característica del cine de Vázquez: lo bello y lo terrible conviven en una dicotomía que nos reta.
El guion, firmado junto a Francesc Xavier Manuel, no elude lo contemporáneo: la dificultad para encontrar un trabajo digno, la precariedad, la imposibilidad de vivienda estable, la salud mental como asunto pendiente, relaciones vacías en eras tecnológicas, amistades que parecen puestos de utilería. Todos estos elementos forman parte de la fábula crítica compuesta para interrogar no solo lo que somos sino lo que aceptamos que seamos. La película obliga al espectador a verse reflejado, a pensar si su vida está siendo decorada por otros, si ha aceptado roles sin cuestionar. Esa lucidez resuena con frases como “No es síntoma de salud estar adaptado a una sociedad enferma” o “El mundo es un maravilloso escenario, pero tiene un reparto deplorable”.
Y aunque su retrato de la depresión y de la hipócrita sensación de cuidado que recibimos por parte de las multinacionales están muy bien reflejadas, sí que hay que advertir que ‘Decorado’ transmite demasiada pesadumbre. Esto es reflejo de haber conseguido una buena obra, de esas que calan en el espectador, pero para algunos, la opresión continua puede resultar agotadora, puede faltar un respiro o una luz al final que ofrezca cierto alivio, aunque claro, esa quizá no sea la intención principal. Y tal es la complejidad elaborada que en ocasiones el ritmo oscila, se siente que hay tantas capas simbólicas que puede perderse parte de la claridad en el mensaje.
Como siempre, no hay que confundir animación con producto infantil o alegre. Si buscas una película amable y liviana, ‘Decorado’ no es eso. Si buscas algo que te deje machacado, cuestionándote cuánto de lo que haces, piensas o sientes es auténtico, y cuánto parte de una función en un decorado gigantesco, entonces esta obra de Alberto Vázquez es imprescindible para ayudarte a desenredar tus ideas. ‘Decorado’ se alza como una visión feroz de lo que somos cuando aceptamos fingir, pero también como prueba de que todavía hay memoria, hay martillazos de verdad que importan y hay afecto real que resiste.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de octubre de 2025. Título original: Decorado. Duración: 93 min. País: España. Dirección:Guion: Alberto Vázquez, Francesc Xavier Manuel Ruiz. Música: Joseba Beristain. Reparto principal (doblaje original): Chelo Díaz, Daniel Lema Blanco, Damián Cortés, Luís Iglesia Besteiro, Óscar Fernández, Gaspar González Somoza. Producción: Abano Producións, UniKo, The Glow, Sardinha em lata, María, Arnold AIE. Distribución: Barton Films. Género: drama, comedia, fantástico. Web oficial: https://www.uniko.com.es/filmografia/#Decorado
Una niña descubre los misterios de la comunicación animal.
Crítica
Ni su sabor a fábula escandinava, ni la impresionante expresividad de sus animatrónicos consiguen transmitir algo más allá de lo visualmente cautivador
Con ‘La leyenda de Ochi’, Isaiah Saxon y A24 entregan una obra que parece surgir de un sueño febril y lúcido, un híbrido entre fábula escandinava y cine indie contemporáneo. La película no es solo un relato de aventuras, es un ensayo visual sobre la memoria de los mitos y la interacción entre humanidad y monstruosidad. En su estructura y tono, remite inevitablemente a ‘Cómo entrenar a tu dragón’, pero lo hace desde un lugar inexplorado: el norte de Europa, entre bosques brumosos y aldeas que parecen extraídas de un cuento de otra época.
Desde el primer plano, la película demuestra una obsesión estética que roza lo pictórico. La saturación cromática de cada escena, tan cuidada que recuerda a un cuento en technicolor, tiene la meticulosidad de un Wes Anderson. La música, pausada y con tintes melancólicos, se entrelaza con la flema de los diálogos, creando un ritmo hipnótico que no busca la espectacularidad sino la contemplación. Cada gesto de los personajes, cada movimiento de cámara, parece meditado para reforzar esa sensación de atemporalidad.
El universo de ‘La leyenda de Ochi’ es igualmente fascinante. La isla protagonista recuerda poderosamente a Isla Melé de ‘Monkey Island’, pero habitada por criaturas que son tanto entrañables como peligrosas. La población humana ha sufrido las embestidas de estos monstruos: personas con miembros amputados conviven con los que los temen y los veneran. La protagonista, una niña huérfana de madre entrenada para cazar a las criaturas, fracasa en su cometido y encuentra en la amistad con Ochi, un ser híbrido entre mono y vampirillo, la llave de una reconciliación imposible entre especies. De nuevo símiles y reminiscencias inevitables con la película de Dean DeBlois y Chris Sanders. Esta criatura, trabajada mediante animatrónicos con una expresividad sobresaliente, logra transmitir simultáneamente ternura y ferocidad, recordándonos que la línea entre lo temible y lo adorable es frágil y difusa cuando estamos en plena naturaleza.
La narrativa también juega con un anacronismo deliberado: casas de techo vegetal, armaduras y lanzas conviven con coches, postes eléctricos y abrigos de pluma. Esa mezcla de tiempos históricos crea un espacio liminal donde lo mítico se encuentra con lo cotidiano, reforzando la sensación de que estamos ante un relato fuera del tiempo. Saxon, lejos de limitarse a emular los clásicos de animación, transforma los elementos del cuento en un discurso sobre la convivencia y la violencia latente de la civilización.
Sin embargo, lejos de innovar, ‘La leyenda de Ochi’ se queda atrapada en su propia estética. La narrativa avanza con una lentitud que roza el tedio, y los paralelismos con clásicos animados no aportan novedad alguna. La película parece depender exclusivamente de su impacto visual, mientras desaprovecha el potencial dramático y emocional que podrían haber aportado sus actores. Emily Watson y Willem Dafoe, dos talentos de primer nivel, quedan reducidos a meros adornos en una historia que no les permite explorar profundidad alguna.
‘La leyenda de Ochi’ es un ejercicio visualmente atractivo, pero excesivamente superficial. La mezcla de technicolor, animatrónicos y ambientación nórdica no logra sostener una narrativa que resulta monótona y previsible. La película se percibe como un bello envoltorio sin contenido sólido: la relación humano-monstruo, la tensión moral y la fábula de convivencia apenas se desarrollan, dejando al espectador más frustrado que fascinado. Una obra que, pese a su atractivo estético, termina siendo excesivamente aburrida y desaprovecha tanto sus recursos técnicos como a su destacado elenco. Incluso su final, que se supone que tiene que transmitir unas lágrimas que traspasan la pantalla, no logra contagiar al público por forzado y mal cimentado.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de enero de 2026. Título original: The legend of Ochi. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Isaiah Saxon. Guion: Isaiah Saxon. Música: David Longstreth. Fotografía: Evan Prosofsky. Reparto principal: Helena Zengel, Finn Wolfhard, Emily Watson, Willem Dafoe. Producción: A24, Access Entertainment, IPR.VC, AGBO, Encyclopedia Pictura, Nieghborhood Watch, Year of the rat. Distribución: A Contracorriente Film. Género: fantástico, aventuras. Web oficial: https://a24films.com/films/the-legend-of-ochi
Para ofrecer las mejores experiencias, utilizamos tecnologías como las cookies para almacenar y/o acceder a la información del dispositivo. El consentimiento de estas tecnologías nos permitirá procesar datos como el comportamiento de navegación o las identificaciones únicas en este sitio. No consentir o retirar el consentimiento, puede afectar negativamente a ciertas características y funciones.
Funcional
Siempre activo
El almacenamiento o acceso técnico es estrictamente necesario para el propósito legítimo de permitir el uso de un servicio específico explícitamente solicitado por el abonado o usuario, o con el único propósito de llevar a cabo la transmisión de una comunicación a través de una red de comunicaciones electrónicas.
Preferencias
El almacenamiento o acceso técnico es necesario para la finalidad legítima de almacenar preferencias no solicitadas por el abonado o usuario.
Estadísticas
El almacenamiento o acceso técnico que es utilizado exclusivamente con fines estadísticos.El almacenamiento o acceso técnico que se utiliza exclusivamente con fines estadísticos anónimos. Sin un requerimiento, el cumplimiento voluntario por parte de tu proveedor de servicios de Internet, o los registros adicionales de un tercero, la información almacenada o recuperada sólo para este propósito no se puede utilizar para identificarte.
Marketing
El almacenamiento o acceso técnico es necesario para crear perfiles de usuario para enviar publicidad, o para rastrear al usuario en una web o en varias web con fines de marketing similares.
Para ofrecer las mejores experiencias, utilizamos tecnologías como las cookies para almacenar y/o acceder a la información del dispositivo. El consentimiento de estas tecnologías nos permitirá procesar datos como el comportamiento de navegación o las identificaciones únicas en este sitio. No consentir o retirar el consentimiento, puede afectar negativamente a ciertas características y funciones.
