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Acerca de Furanu

De origen irlandés y criado en tierras vetonas, este ingeniero curiosamente nació en Bloomsday. Pegado desde pequeño a una televisión y a cientos de páginas, ahora gasta su tiempo montándose películas y disfrutando las de otros.

CutreCon 16 celebrará su edición más apocalíptica del 3 al 7 de febrero de 2027

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El Festival Internacional de Cine Trash de Madrid dedicará su próxima edición al peor cine apocalíptico y de catástrofes

CutreCon, Festival Internacional de Cine Trash de Madrid, celebrará su decimosexta edición del 3 al 7 de febrero de 2027 con una programación de más de 20 títulos. Durante cinco jornadas, el certamen ofrecerá sesiones gratuitas y de pago en sus tres sedes habituales: la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, mk2 Cine Paz y mk2 Palacio de Hielo.

El eje temático de esta edición será el peor cine apocalíptico, una propuesta que reunirá películas sobre todo tipo de amenazas para la humanidad: animales gigantes que arrasan ciudades, plagas, virus mortales, invasiones zombis y distopías en las que la catástrofe ya se ha producido y los supervivientes deben enfrentarse a un entorno hostil. También habrá espacio para el cine de catástrofes y sus accidentes a gran escala.

El apocalipsis y las catástrofes desde el peor cine

Carlos Palencia, director de CutreCon, explica que la selección parte de películas en las que «la verdadera hecatombe se producía detrás de las cámaras», algo que terminó condicionando sus resultados. El responsable del festival apunta que tanto el cine apocalíptico como el de catástrofes necesitan una buena producción y una factura técnica solvente para transmitir tensión y dramatismo. Cuando esos elementos fallan, el resultado puede convertirse en una comedia involuntaria, precisamente el efecto que busca el certamen.

La temática permitirá recorrer distintas formas de imaginar el fin de la humanidad, siempre desde la perspectiva desenfadada y reivindicativa del cine trash.

Más de 20 películas y una nueva competición oficial

CutreCon mantiene su apuesta por los cineastas más intrépidos dentro de su consolidada Sección oficial a concurso. En ella competirán películas realizadas con pocos recursos y sin complejos, cuyo objetivo será hacerse con el Premio al filme de bajo presupuesto más divertido. El ganador será elegido mediante el voto de los espectadores.

La programación también incluirá estrenos nacionales e internacionales, procedentes de países poco habituales en los circuitos cinematográficos, además de clásicos del cine cutre restaurados con la mejor calidad de imagen y sonido posible.

Abonos de CutreCon 16 ya a la venta

El festival ha puesto a la venta dos modalidades de abono para asistir a sus sesiones de pago:

  • Abono General CutreCon 16: 80 euros. Incluye todas las sesiones de pago de los cinco días del festival, con más de 15 películas entre el 3 y el 7 de febrero. Comprar Abono General.
  • Abono Fin de Semana CutreCon 16: 65 euros. Da acceso a todas las sesiones de pago de los días 6 y 7 de febrero en mk2 Palacio de Hielo, con más de 10 películas en horarios de mañana, tarde y noche. Comprar Abono de Fin de Semana.

Ambos abonos estarán disponibles hasta agotar existencias y su compra está restringida a mayores de 18 años.

Con esta decimosexta edición, CutreCon vuelve a reivindicar el cine trash y sus producciones más disparatadas, esta vez con el apocalipsis como hilo conductor.

El making of de ‘El sueño fantástico de Batillo’ ya está disponible en YouTube

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El documental repasa el rodaje del corto de José Manuel Serrano Cueto y sus orígenes teatrales

El cortometraje ‘El sueño fantástico de Batillo’, dirigido por José Manuel Serrano Cueto, continúa su camino hacia el estreno con la publicación de un making of que ya puede verse en YouTube. La pieza recoge el proceso de creación y rodaje de esta producción, filmada el pasado mes de junio en Cádiz y basada en la obra teatral ‘El sueño’, de Pepe Bablé.

Disponible desde el lunes 9 de noviembre en el canal de YouTube de JRivera Producciones, el documental supera los quince minutos de duración y está dirigido y montado por el fotógrafo gaditano Pepe Freire. A través de imágenes del rodaje y entrevistas con sus responsables, ofrece una mirada a los entresijos de la producción, sus orígenes y el proceso creativo que ha dado forma al proyecto.

Cine y teatro se encuentran en la historia de Batillo

El making of cuenta con los testimonios de varios de los artífices del cortometraje. Pepe Bablé, director de la compañía titiritera La Tía Norica, habla desde una perspectiva personal sobre una historia que le acompaña desde hace muchos años. La compañía, con dos siglos de trayectoria, recibió recientemente la Medalla de Oro de la Ciudad de Cádiz.

Por su parte, José Manuel Serrano Cueto aborda el proyecto desde la ilusión de llevar a cabo una propuesta que combina cine y teatro. También interviene Jorge Rivera, productor del cortometraje, que explica algunos aspectos prácticos de la producción, y Eduardo Bablé, manipulador del títere protagonista.

El trabajo documental de Pepe Freire permite conocer mejor las decisiones creativas y las dificultades que ha planteado la puesta en escena de ‘El sueño fantástico de Batillo’. Una mirada entre bastidores que sirve también como anticipo del próximo estreno del cortometraje en la gran pantalla.

Una producción con apoyo institucional y participación local

‘El sueño fantástico de Batillo’ es una producción de JRivera Producciones, José Manuel Serrano Cueto, Juan Antonio Quiñones, Tireless Films y 32 Historias Producciones. El proyecto cuenta con el patrocinio del Ayuntamiento de Cádiz, la Junta de Andalucía, la Diputación de Cádiz y El Centinela del Misterio, además del apoyo de comercios locales.

La película también ha contado con la participación de los manipuladores de La Tía Norica y un amplio elenco de actores y actrices.

Crítica: ‘Josephine’

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En qué plataforma ver Josephine


El horror de perder la inocencia ante una realidad que ni los adultos podemos explicar

‘Josephine’, de Beth de Araújo, es una película magnífica. Me parecía obligatorio empezar con una aseveración como esa. Deja poso y espero que no pase desapercibida, tanto por la inteligencia de su guion como por la calidad de sus interpretaciones y, especialmente, por la extraordinaria dirección de su protagonista infantil.

La historia parte de una situación devastadora: una niña de ocho años presencia cómo una mujer es violada mientras pasea con su padre por un parque. A partir de ese momento, su vida y la de su familia cambian por completo. Lo interesante es que Beth de Araújo no convierte el suceso en un simple detonante argumental para construir un drama sobre el trauma, sino que se detiene en todas las consecuencias, atendiendo a cada una de las personas implicadas.

Y es que detrás de esta historia hay mucho más que un ejercicio de ficción. La propia directora vivió una experiencia similar durante su infancia: ella fue aquella niña que presenció una violación. De ahí que ‘Josephine’ tenga una dimensión autobiográfica especialmente significativa. Araújo parece haber encontrado en el cine una oportunidad para dar visibilidad a una lacra social que sigue siendo difícil de abordar, pero también para enfrentarse a sus propios fantasmas. Una manera de recuperar una conversación que, tal y como ha contado, nunca llegó a tener con su padre después de lo sucedido. Esta circunstancia añade una capa emocional al relato y permite entender mejor la sensibilidad con la que aborda cada una de sus situaciones.

La película plantea una pregunta tan sencilla como terrible: ¿cómo explicarle a una niña que todavía no sabe siquiera qué es el sexo en qué consiste una violación? ¿Cómo ayudarla a comprender algo que ni los propios adultos saben gestionar? Y, sobre todo, ¿hasta qué punto merece la pena exponerla a los mecanismos de un sistema judicial que, incluso ante hechos aparentemente evidentes, puede convertirse en un laberinto de obstáculos?

La difícil tarea de ser padres

Channing Tatum y Gemma Chan interpretan a Damien y Claire, dos padres que se encuentran de repente en un territorio completamente desconocido. Ambos quieren proteger a su hija, pero sus maneras de afrontar lo sucedido no siempre coinciden. ¿Es mejor llevarla ante la justicia y hacer que participe en el proceso o evitarle, en la medida de lo posible, una experiencia que podría resultar todavía más traumática? ¿Ahora conviene tratarla psicológicamente o prepararla físicamente para un mundo que acaba de tornarse crudo y hostil?

La paternidad, la educación, el trauma, el respeto hacia la mujer y la necesidad de encontrar acuerdos dentro de una pareja son cuestiones que aparecen constantemente en un guion que sabe mantener el interés durante sus dos horas de metraje. Porque aquí nadie tiene todas las respuestas y tampoco hay personajes infalibles. Cada uno es víctima, a su manera, de una situación que nunca habría imaginado tener que afrontar. Todos se encuentran ante lo desconocido.

Tatum y Chan están magníficos, componiendo dos interpretaciones llenas de matices, en las que el amor por su hija convive con el miedo, la frustración y los errores. Sus decisiones pueden parecernos equivocadas, pero la película consigue que nos preguntemos qué haríamos nosotros en su lugar. Además, evita caer en un discurso simplista que condene indiscriminadamente a los hombres. Su mirada es mucho más equilibrada: denuncia la violencia sexual, reivindica el respeto hacia las víctimas y entiende que la búsqueda de justicia no debería convertirse en una cuestión de enfrentamiento entre sexos.

El miedo tiene rostro

Sin embargo, quien acapara toda la atención es Mason Reeves. Su interpretación de Josephine resulta extraordinaria, especialmente por la naturalidad con la que transita entre la vulnerabilidad, la rabia, la confusión y esos comportamientos aparentemente inexplicables que nacen de un trauma que no sabe verbalizar. Es su primer trabajo como actriz y, aunque todavía es pronto para determinar si estamos ante un talento excepcional, resulta evidente que Beth de Araújo ha conseguido extraer de ella un trabajo impresionante. No es un mérito menor cuando hablamos de una película que depende tanto de la reacción de una niña.

Hay escenas brillantes, como la del patio del colegio, la playa, el juicio o la propia secuencia que desencadena el conflicto. La directora sabe cuándo mostrar, cuándo sugerir y cuándo dejar que la incomodidad se instale en el espectador. De hecho, la manera en la que Josephine visualiza la figura de su agresor tiene algo de película de fantasmas. Ese miedo que se materializa y parece perseguirla convierte por momentos este drama en una auténtica experiencia de terror psicológico. No es casualidad que pueda recordar a ‘Custodia compartida’, de Xavier Legrand, otra película que, desde el drama familiar, consigue generar una tensión y una angustia propias del cine de terror.

Una película tan dura como constructiva

Conviene advertir que estamos ante una propuesta muy dura. La crudeza de algunas imágenes y el realismo de determinadas situaciones provocan una incomodidad difícil de esquivar. Sin embargo, la película huye del sensacionalismo y nunca utiliza el sufrimiento como espectáculo. Incluso cuando se aproxima a lo escabroso, mantiene una sensibilidad admirable, hasta alcanzar una resolución tan elegante como emotiva.

Su calificación R en Estados Unidos no sorprende, aunque el verdadero impacto de ‘Josephine’ no está únicamente en lo que muestra, sino en las secuelas que deja en quienes la presencian. Es una película sobre la pérdida de la inocencia, pero también sobre la impotencia de los adultos cuando descubren que no siempre pueden proteger a quienes más quieren.

Y quizá sea precisamente ahí donde reside una de sus mayores virtudes. Beth de Araújo ha convertido una experiencia personal que marcó su infancia en una obra que puede ayudar a otras personas a poner palabras a situaciones que nunca supieron cómo afrontar. Una película que, además de denunciar una realidad terrible, parece permitirle mantener aquella conversación pendiente con su padre. Es una de esas películas que no necesitan levantar la voz para hacer daño.

Ficha de ‘Josephine’

Estreno en España: 22 de enero de 2027. Título original: Josephine. Duración: 119 min. País: EE.UU. Dirección: Beth de Araújo. Guion: Beth de Araújo. Música: Miles Ross. Fotografía: Greta Zozula. Reparto principal: Mason Reeves, Channing Tatum, Gemma Chan, Philip Ettinger, Syra McCarthy, Eleanore Pienta. Producción: Free Association, Kaplan Morrison, Kinematics, Spark Features, Yintai Entertainment. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial.

Crítica: ‘Cecilia, una luz de la mañana’

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En qué plataforma ver Cecilia, una luz de la mañana

De la Peña retrata la insólita rebeldía de un ser de pura autenticidad

Hay artistas cuya importancia histórica no siempre se corresponde con el conocimiento que tenemos de su verdadera personalidad. Cecilia (Evangelina Sobredo Galanes) es una de ellas para mucha gente. Su música ha sobrevivido al paso de las décadas, algunas de sus canciones forman parte de la memoria colectiva española y su influencia sigue presente en varias generaciones de cantautoras. Sin embargo, detrás de ese legado musical se escondía una mujer mucho más compleja de lo que su imagen pública podía hacer pensar. Eso es precisamente lo que pretende descubrir ‘Cecilia. Una luz de mañana’, el documental dirigido por Chema de la Peña, que reconstruye la vida de Evangelina Sobredo con la intención de recuperar a la persona que existía detrás del personaje yendo más allá de enumerar curiosidades como el origen del nombre artístico o de la foto de su primer álbum.

El trabajo tiene algo de reivindicación histórica, pero su verdadero interés termina encontrándose en una cuestión mucho más universal: la autenticidad. Una idea que, salvando las distancias, conecta con otras películas de Chema de la Peña como ‘Shacky Carmine’ o ‘Isi/Disi’, donde también aparecía, desde registros completamente diferentes, esa necesidad de defender una identidad propia. Cecilia era una mujer empeñada en ser honesta consigo misma, con sus intenciones y con aquello que quería expresar. No componía para alcanzar la fama ni parecía especialmente interesada en satisfacer las expectativas de una industria que exigía resultados inmediatos. Necesitaba sentirse bien con sus canciones, reconocerlas como propias y no traicionar lo que quería contar. Si la intención del documental era transmitirme esto, misión conseguida.

La importadora de toda una corriente artística

El largometraje explica cómo aquella mujer cosmopolita, criada entre Estados Unidos, Reino Unido, Jordania y Argelia, llegó a una España todavía sometida a la represión de la dictadura franquista. Se encontró con una sociedad rancia, conservadora y anclada en convenciones culturales que poco tenían que ver con el mundo que había conocido durante su infancia y juventud. Llegaba sin demasiadas tablas en el negocio musical, con una sensibilidad diferente y un estilo que podía resultar extranjero, pero que poseía una personalidad absolutamente reconocible.

Su irrupción supuso un antes y un después para las artistas españolas. No solamente por sus composiciones o por la manera de interpretar, sino por la libertad con la que abordaba asuntos que difícilmente encontraban espacio en la música comercial de entonces. Cecilia tuvo que enfrentarse a la censura y a una industria discográfica que no estaba dispuesta a conceder demasiado tiempo ni demasiadas libertades a quien no encajaba en sus planteamientos mercantiles. Su manera de construir un universo propio fue su mayor escollo pero también una forma de resistencia.

La intimidad frente al personaje público

Uno de los mayores aciertos del documental es la manera de acercarse a su protagonista. En lugar de limitarse a encadenar entrevistas de familiares, amigos y especialistas, Chema de la Peña recurre a los diarios y las cartas personales que han cedido personas de su entorno. Es la propia Cecilia quien, a través de la voz de una actriz que interpreta sus escritos, va relatando su historia. Una decisión narrativa que permite establecer una relación mucho más íntima con ella y que evita que el relato quede reducido a una sucesión de recuerdos ajenos.

Tampoco se esquivan los aspectos menos luminosos de su personalidad. Su timidez y su carácter depresivo aparecen como elementos fundamentales para comprender sus contradicciones, sus inseguridades y esa distancia que parecía existir entre la mujer que se desenvolvía ante el público y la persona que regresaba a su intimidad. El documental no pretende convertirla en una figura perfecta ni construir un retrato hagiográfico, sino entender cómo alguien aparentemente tan reservado pudo desarrollar semejante determinación en un entorno que jugaba constantemente en su contra.

Visualmente, el trabajo de recuperación del material de archivo es extraordinario. Hay una enorme cantidad de imágenes rescatadas, coloreadas y animadas, con algunos recursos de inteligencia artificial que permiten reconstruir momentos para los que no existe documentación audiovisual suficiente. Las recreaciones de época están magníficamente integradas y consiguen transportarnos a aquellos años, especialmente a los de mayor popularidad de la cantante. No se trata simplemente de embellecer fotografías antiguas, sino de dotar al relato de una continuidad visual que ayuda a contextualizar tanto su trayectoria como el ambiente social y cultural en el que se desarrolló.

Una despedida que permanece

El tramo final encuentra su mayor virtud en la emoción sin necesidad de recurrir a grandes artificios dramáticos. Se evita una recreación excesivamente centrada en su accidente, algo largamente explorado. En lugar se ello, la recuperación de una grabación doméstica e inédita de ‘Un ramito de violetas’ constituye uno de esos momentos en los que el documental consigue que la distancia entre el espectador y la protagonista prácticamente desaparezca. Escucharla en unas circunstancias tan íntimas tiene una fuerza especial, precisamente porque devuelve a Cecilia a un espacio alejado de los escenarios, los discos y las exigencias de la industria.

Y hay más. La última secuencia, con varias cantantes interpretando una de sus composiciones, funciona como un reconocimiento a la herencia que dejó. Entre las participantes encontramos a Rozalén, Vega, Chica Sobresalto, Lídia Pujol y Sole Giménez, artistas de distintas generaciones que permiten visualizar hasta qué punto su influencia continúa vigente.

‘Cecilia. Una luz de mañana’ es, por tanto, mucho más que un repaso biográfico a una carrera truncada demasiado pronto y sumada a nombres como Nino Bravo, Eduardo Benavente o Tino Casal. Es un ejercicio de recuperación de la memoria, pero también una reflexión sobre el precio de mantener la integridad artística cuando todo alrededor te empuja a renunciar a ella. Un documental emotivo, visualmente muy trabajado y especialmente valioso cuando deja que sean las propias palabras y canciones de Cecilia las que hablen por ella.

Ficha de ‘Cecilia, una luz de la mañana’

Estreno en España: 9 de noviembre de 2026. Título original: Cecilia, una luz de la mañana. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Chema de la Peña. Guion: Conchi del Río. Fotografía: Almudena Sánchez. Reparto principal: Cecilia, Rozalén, Vega, Chica Sobresalto, Lidia Pujol, Sole Jiménez. Producción: Tu luz y mi calma. Distribución: DeAPlaneta. Género: documental, música. Web oficial.

Entrevistamos al reparto de ‘Fiesta Pagäna’, el biopic de Mägo de Oz

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Los actores y un exmiembro de la banda nos cuentan cómo ha sido el rodaje

La historia de Mägo de Oz llega a los cines con ‘Fiesta Pagäna’, una película que reconstruye el camino de una de las bandas más reconocibles del rock y el heavy español. Con motivo de su estreno, en Moviementarios.com hemos tenido la oportunidad de charlar con varios de sus protagonistas: Adrián Lastra, Guillermo Furiase, Carlos Librado, Adrià Mondaray y Luis Bondia, además de Pedro Díaz Peri, exbajista del grupo.

‘Fiesta Pagäna’: Mägo de Oz salta a la gran pantalla

Dirigida por Álvaro Brechner, ‘Fiesta Pagäna’ se adentra en la trayectoria de Mägo de Oz, desde sus comienzos hasta convertirse en un fenómeno musical con seguidores dentro y fuera de España. Una historia marcada por la combinación del heavy metal y el folk celta, pero también por las amistades, las ambiciones, los desencuentros y las contradicciones que acompañan a una aventura artística de semejante magnitud.

La película no se limita a recorrer los éxitos musicales de la formación, sino que pone el foco en las relaciones personales y en el precio que puede tener perseguir un sueño. El resultado es una aproximación cinematográfica a la historia de un grupo que consiguió convertir canciones como ‘Fiesta pagana’ en auténticos himnos generacionales.

Los actores que dan vida a Mägo de Oz

En nuestra entrevista contamos con Adrián Lastra, que interpreta a Txus di Fellatio, fundador y batería de la banda; Guillermo Furiase, que se mete en la piel de Carlos Prieto, Moha; y Carlos Librado, encargado de interpretar a Carlitos.

También participan Adrià Mondaray, que da vida al vocalista José Andrëa, y Luis Bondia, que interpreta a Kiskilla. A través de sus interpretaciones, el reparto reconstruye algunos de los personajes fundamentales de la historia de Mägo de Oz.

La conversación cuenta además con un invitado especialmente vinculado a la trayectoria del grupo: Pedro Díaz, Peri, antiguo bajista de Mägo de Oz y productor ejecutivo de ‘Fiesta Pagäna’. Su participación permite acercarse al proyecto desde la experiencia de alguien que conoce de primera mano el universo de la banda. Conviene señalar que José Sospedra es quien interpreta a Peri en la película, aunque no forma parte de los participantes de esta entrevista.

Álvaro Brechner dirige este biopic musical

El cineasta uruguayo Álvaro Brechner, responsable de títulos como ‘La noche de 12 años’, se pone al frente de esta producción escrita junto a Sofía Cuenca. La película, producida por Eterno Island Pictures, tiene previsto su estreno en los cines españoles el próximo 6 de noviembre de 2026.

Con un reparto coral y una historia que abarca distintas etapas de la trayectoria del grupo, ‘Fiesta Pagäna’ busca trasladar a la gran pantalla tanto la energía de sus conciertos como las tensiones que se esconden detrás del éxito.

Desde Moviementarios.com os invitamos a descubrir nuestra conversación con los protagonistas de una película y nuestra opinión sobre la misma en este enlace.

Sorteamos entradas dobles para la gala de clausura del Festival Cine por Mujeres Madrid

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Sorteamos entradas dobles para asistir a la gala de clausura con la proyección de ‘Josephine’, protagonizada por Channing Tatum.

El Festival Cine por Mujeres Madrid se prepara para poner el broche final a su programación con una cita especial para los amantes del séptimo arte. Con motivo de su gala de clausura, desde Moviementarios queremos que nuestros lectores puedan formar parte de esta celebración y, por ello, ponemos en marcha un sorteo de entradas dobles para disfrutar de una velada cinematográfica en uno de los espacios más emblemáticos de la capital.

La cita será el domingo 8 de noviembre, a partir de las 19:00 horas, en el Palacio de la Prensa de Madrid. Una oportunidad para acercarse a la programación del festival y participar en una jornada que reivindica el talento femenino y la diversidad de miradas dentro de la industria cinematográfica.

‘Josephine’, protagonista de la clausura

La gala, en la cual se anunciarán los premios, estará seguida de la proyección de ‘Josephine’, una película dirigida por Beth de Araújo que cuenta con un reparto encabezado por Channing Tatum, Gemma Chan y Mason Reeves.

La cineasta estadounidense de origen brasileño y chino, Beth de Araújo se pone al frente de este filme, que permitirá al público descubrir una nueva propuesta cinematográfica dentro de la programación del certamen. Su proyección será el colofón de una jornada dedicada al cine y a las historias contadas desde diferentes perspectivas.

La presencia de intérpretes como Channing Tatum y Gemma Chan añade atractivo a una sesión que servirá para despedir esta edición del Festival Cine por Mujeres Madrid.

Cómo participar en el sorteo

Desde Moviementarios queremos ofrecer a nuestros lectores la posibilidad de asistir a esta gala de clausura acompañados. Por eso, sorteamos entradas dobles para el evento del próximo 8 de noviembre.

Para participar en el sorteo debéis buscar esta imagen que acompaña esta noticia, compartirla etiquetando a un amigo además de seguirnos en redes sociales tanto a nosotros como al Festival Cine por Mujeres.

Una ocasión perfecta para vivir de cerca el ambiente de un festival que apuesta por dar visibilidad al trabajo de las mujeres en el cine y que convierte su clausura en una nueva celebración de la cultura cinematográfica.

¡Participa y disfruta con nosotros de la clausura del Festival Cine por Mujeres Madrid!

Tenéis de plazo para participar hasta el día 6 de noviembre a las  23:59h.

Ganadores

  • Gema Escudero
  • Amaia Aparicio Blázquez
  • Juan Marco Fiorin
  • Maria Cristina Puig García
  • Rafa Carmona

Crítica: ‘Ramayana: El nacimiento de una leyenda’

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En qué plataforma ver Ramayana: El nacimiento de una leyenda

Un espectáculo tan descomunal y excesivo como cabría esperar

Esta crítica de ‘Ramayana: El nacimiento de una leyenda’, dirigida por Nitesh Tiwari, está realizada después de haber sobrevivido (con mayor o menor entereza) a las tres horas y cuarto de su montaje del director. Porque sí, hay otra versión de dos horas y cuarenta y cinco minutos, una edición más “comercial”. Según nos ha comunicado Sony Pictures, ambas estarán disponibles: la primera en versión original subtitulada y la segunda doblada. Que cada cual elija su propia aventura. Pero esta no es la única advertencia de esta crítica.

La mitología hindú a escala de superproducción

Para entender las dimensiones de semejante empresa conviene recordar que el ‘Ramayana’, atribuido al sabio Valmiki, es uno de los grandes monumentos de la literatura universal. Escrito originalmente en sánscrito, su composición se sitúa tradicionalmente entre los siglos V y III antes de Cristo. Hablamos de aproximadamente 24.000 versos repartidos en siete libros o kandas, que narran las virtudes, el exilio y las aventuras del príncipe Rama en su lucha por rescatar a Sita de las garras del demonio Ravana. Rama es, además, considerado un avatar (encarnación terrenal) del dios Vishnu, por lo que su figura tiene una dimensión religiosa que trasciende la del héroe mitológico convencional. Conviene aclarar que no soy ningún experto en mitología india, por lo que mi aproximación a esta adaptación parte fundamentalmente de su condición cinematográfica y de lo que la propia película pone sobre la pantalla, más que de un conocimiento profundo de las fuentes religiosas y literarias que la inspiran. Así que, probablemente, para los devotos de esta epopeya, tres horas y cuarto todavía sepan a poco. Ya hablaremos luego sobre esto.

La película intenta trasladar semejante universo a la pantalla mediante una sobredosis de efectos especiales. No es para menos: hay criaturas sobrenaturales, ejércitos imposibles, poderes divinos y vehículos voladores que necesitan una intervención constante del CGI. Detrás de semejante despliegue encontramos a DNEG, el estudio británico responsable de algunos de los grandes espectáculos visuales contemporáneos y ganador de múltiples premios Óscar. La conexión con ‘Dune’ resulta especialmente evidente: no solamente comparten a Hans Zimmer en la composición musical (sí habéis leído bien) sino también al productor Namit Malhotra, fundador de Prime Focus y CEO de DNEG. La banda sonora supone, además, el debut de Zimmer en el cine indio, acompañado por A. R. Rahman (‘Slumdog Millionaire’), con colaboraciones de James Newton Howard (‘Señales’) y Rishab Rikhiram Sharma.

El trabajo de CGI es magnífico y permite dar forma a un universo de proporciones descomunales, con criaturas, escenarios y enfrentamientos que justifican semejante inversión. Eso no quita que algunos diseños de demonios recuerden inevitablemente a los orcos de ‘Warcraft: El origen’, con esa apariencia de fantasía digital que nos resulta bastante familiar. No es necesariamente un defecto, pero sí una comparación que cuesta quitarse de la cabeza cuando aparecen determinadas criaturas.

Y no es tan descabellado que parte del equipo de ‘Dune’ esté detrás de esta producción. Al fin y al cabo, las descripciones de los vimanas (vehículos voladores divinos presentes en la literatura hindú) han alimentado incluso teorías pseudocientíficas sobre antiguos astronautas y supuestas tecnologías extraterrestres. Aunque, por supuesto, su naturaleza en el relato original es mágica y espiritual, no espacial.

Una aventura épica con un protagonista demasiado plano

Resulta casi increíble encontrarse con una producción india de semejante duración que prescinde de los números musicales tradicionales, aunque sí incorpora música y baile. Sin embargo, conserva otros excesos habituales de su cinematografía: escenas interminables, abuso de la cámara lenta, una saturación cromática que pondría en apuros el potenciómetro de ‘This Is Spinal Tap’ y dramas con una intensidad digna de cualquier telenovela. Oro y ornamentos no le faltan, ni le sobran si sabes a qué has venido.

Lo curioso es que, pese a todo, estamos ante una aventura bastante entretenida. Recupera ese sentido de la épica mitológica del cine clásico hollywoodiense y europeo, trasladándolo al histrionismo característico del espectáculo indio, como ya hacían películas como ‘Baahubali’. Todo parece diseñado para alcanzar proporciones divinas, desde los enfrentamientos hasta las revelaciones dramáticas. El problema llega cuando la película necesita detenerse para desarrollar a sus personajes.

Ranbir Kapoor interpreta a un Ram que, lejos de transmitir la presencia de una divinidad, parece una especie de hippie élfico, inocente y permanentemente cándido. Su interpretación resulta bastante menos carismática de lo que exige el personaje y, salvo durante las secuencias de acción, sus apariciones terminan convirtiéndose en auténticos frenos narrativos. Hay momentos en los que uno desearía que volviesen los ejércitos, los monstruos o cualquier cosa que permitiera recuperar el pulso de la aventura. E incluso acaba pidiendo un flashmob.

En el extremo contrario encontramos a Yash como Ravana. El antagonista tiene mucha más presencia, una construcción dramática más interesante y suficientes aristas y motivaciones para convertirse en el verdadero motor de la función. No solamente destaca cuando empuña las armas, sino también cuando la narración profundiza en su condición de soberano y figura trágica. Sus momentos de pura mitología son, paradójicamente, los que más consiguen elevar la película.

El primer capítulo de una epopeya todavía incompleta

Os lo avisé en el primer párrafo, esto se queda corto y es intencionado. Por momentos, uno tiene la sensación de estar contemplando una suerte de ‘La Odisea’ india, salpicada de elementos de ‘El anillo de los nibelungos’, las leyendas artúricas y otras narraciones donde dioses, humanos y destinos sellados conviven en un mismo escenario. Una ambición enorme que, sin embargo, no siempre encuentra la manera de traducirse en una narración cinematográfica fluida.

Y todavía queda mucho por contar. Al terminar, la película nos recuerda que estamos ante la primera parte de una historia que no tendrá su conclusión hasta 2028. La siguiente entrega promete dar mayor recorrido a Rama y desarrollar acontecimientos fundamentales de la epopeya, con la participación de Hánuman, el célebre rey mono y aliado del príncipe. Habrá que esperar para una historia que sin duda también compartirá elementos con ‘La epopeya de Gilgamesh’ o el mito de Orfeo y Eurídice.

De momento, ‘Ramayana: El nacimiento de una leyenda’ es un espectáculo descomunal, irregular y excesivo, pero también bastante entretenido. Una producción que entiende perfectamente la dimensión visual de su mitología, aunque no tanto la necesidad de mantener vivos a sus personajes durante tres horas y cuarto. Si te gustan las grandes epopeyas, el CGI a raudales tipo superproducción china y el dramatismo sin moderación, aquí tienes un festín. Si buscas narración comprimida, quizá Vishnu tenga otros planes para ti.

Ficha de ‘Ramayana: El nacimiento de una leyenda’

Estreno en España: 6 de noviembre de 2026. Título original: Ramayana: Rise of a Legend. Duración: 195 min. País: India. Dirección: Nitesh Tiwari. Guion: Shreyas Jain, Shridhar Raghavan, Nitesh Tiwari. Música: Hans Zimmer, A.R. Rahman. Fotografía: Pankaj Kumar, Mahesh Limaye. Reparto principal: Ranbir Kapoor, Sai Pallavi, Yash, Sunny Deol, Ravi Dubey, Arun Govil, Lara Dutta, Anupam Kher. Producción: Double Negative (DNEG), Monster Mind Creations, Mukesh Chhabra Casting Company, Prime Focus Studios. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras, mitología. Web oficial.

Crítica: ‘Vital’

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Una nueva autopsia de una civilización anatómicamente fallida

Hay algo profundamente perturbador en asumir que el cuerpo humano puede convertirse en una mercancía. Sí, esto en España nunca deja de sonar extraño y esperemos que así siga siendo. Que un riñón, un hígado o cualquier otro órgano tenga un precio y que la supervivencia de una persona dependa de cómo sea de abultada su cartera es algo normal en muchos países. Esta es una realidad que Amir Zargara utiliza como punto de partida para ‘Vital’, un cortometraje de apenas catorce minutos que consigue plantear un dilema moral de enorme calado en diversos puntos del planeta y de nuestra “civilización”.

La historia de este corto que actualmente está en la carrera hacia el Oscar transcurre entre dos realidades aparentemente alejadas. En Irán, Fereshteh (Mahtab Servati) es una madre que contempla vender sus propios órganos para conseguir el dinero necesario para salvar a su hija enferma. En Estados Unidos, un médico (Reza Akhlaghirad) se enfrenta a una situación igualmente desesperada: necesita encontrar una solución para salvar a su hija y termina ante un conflicto ético relacionado con el comercio de órganos. Dos padres, dos sistemas sanitarios y una misma angustia. Porque cuando la vida de un hijo está en juego, las fronteras geográficas y morales parecen no existir.

Zargara parte de una experiencia personal para construir esta historia. Según ha explicado el propio cineasta, la idea nació de un recuerdo de su infancia en Irán, cuando supo que un conocido de su familia intentaba comprar un riñón para su madre. Una anécdota que no llegó a comprender del todo entonces, pero que permaneció en su memoria hasta convertirse en el germen de este proyecto. El director, iraní-canadiense y familiarizado con ambas sociedades, utiliza esa perspectiva para confrontar dos modelos radicalmente distintos de afrontar un mismo problema.

La carnicería como metáfora de una sociedad enferma

Y es que Irán es el único país que cuenta con un sistema legal de compensación económica por la donación de riñones en vida. En Estados Unidos, por el contrario, la compraventa de órganos está prohibida, pero eso no significa que el acceso a un trasplante esté libre de obstáculos. La escasez de donantes, las listas de espera y las desigualdades económicas dibujan otro escenario igualmente angustioso.

Uno de los elementos visuales más interesantes del cortometraje es el trabajo de Fereshteh en una carnicería. Existe una correspondencia incómoda entre su oficio y aquello en lo que está a punto de convertirse su propio cuerpo: materia susceptible de ser troceada, vendida y aprovechada por partes. La comparación resulta especialmente cruel porque mientras ella limpia los restos de otros animales, empieza a contemplar cómo desprenderse de una parte de sí misma para mantener con vida a su hija. Es un paralelismo que Zargara maneja con bastante inteligencia, sin necesidad de subrayarlo mediante grandes discursos.

Hay, además, una curiosidad de producción que refuerza esta idea de dualidad: aunque la narración nos sitúa en Irán y Estados Unidos, el cortometraje se rodó íntegramente en Estambul, utilizando la ciudad turca para representar ambos espacios. Una decisión que encaja con la intención de acercar dos sociedades que, pese a sus diferencias, comparten una misma problemática.

El privilegio de poder sobrevivir o salvar

Lo verdaderamente escandaloso de ‘Vital’ es que existan países donde se permita poner precio a los órganos humanos y que, al mismo tiempo, haya naciones consideradas desarrolladas donde recibir un tratamiento médico o acceder a un trasplante pueda convertirse en una auténtica ruina económica. No se trata de equiparar ambos modelos, sino de señalar cómo en pleno siglo XXI el dinero termina condicionando algo tan elemental como el derecho a vivir.

El cortometraje también habla de los privilegios. No todos partimos de las mismas condiciones, ni siquiera cuando nos enfrentamos a una desgracia semejante. La desesperación puede ser universal, pero los recursos para combatirla no lo son. Y ahí reside buena parte de la fuerza de la propuesta: no juzga con facilidad a sus personajes ni pretende ofrecer respuestas cómodas. Los coloca ante decisiones terribles y deja que sea el espectador quien se pregunte hasta dónde llegaría por salvar a alguien a quien quiere.

Es inevitable contemplar esta historia desde España y valorar lo que tenemos. Una sanidad pública y universal que, pese a sus carencias, la deriva hacia lo privado en los últimos años y los problemas de gestión, sigue siendo uno de los pilares fundamentales de nuestra sociedad. También resulta inevitable sentir cierta inquietud ante el progresivo deterioro de un sistema que durante décadas hemos considerado motivo de orgullo y que no deberíamos dar por garantizado.

‘Vital’ es un cortometraje contundente, con una metáfora visual muy bien encontrada y una premisa que incomoda precisamente porque está demasiado cerca de nuestra realidad. Al final, la pregunta que deja en el aire no es cuánto vale un órgano, sino cuánto hemos permitido que valga una vida. Y, sobre todo, quién puede permitirse pagar por ella.

Ficha de ‘Vital’

Estreno en España: por determinar. Título original: Vital. Duración: 14 min. País: Canadá, Irán, Turquía. Dirección: Amir Zargara. Guion: Gabe Berry, Amir Zargara. Música: Kamyar Behbahani. Fotografía: Jelan Maxwell. Reparto principal: Mahtab Servati, Reza Akhlaghirad, Hossein Soleimani, Tahereh Baigy, Shoale Shahbazi, Narshin Tahamtan, Delyar Chavoshi, Rastin Paknahad. Producción: Zargara Productions. Distribución: por determinar. Género: drama. Web oficial.

Palmarés de la SEMINCI 2026

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‘Dao’ conquista la Espiga de Oro y ‘La Gradiva’ se alza con la Espiga de Plata

La 71.ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI) ya tiene palmarés. ‘Dao’, del cineasta Alain Gomis, se ha llevado la Espiga de Oro, mientras que ‘La Gradiva’, de Marine Atlan, ha conseguido la Espiga de Plata y otros dos reconocimientos. Lisandro Alonso, Alba Rohrwacher y Swann Arlaud figuran también entre los nombres destacados de una edición que ha repartido sus galardones entre el cine internacional, el documental y el cortometraje.

La SEMINCI 2026, celebrada del 23 al 31 de octubre, ha dado a conocer sus premios en una edición que vuelve a reivindicar la diversidad de miradas y propuestas cinematográficas. El máximo reconocimiento de la Sección Oficial Internacional ha recaído en ‘Dao’, película dirigida por Alain Gomis y coproducida por Francia, Senegal y Guinea-Bisáu.

Por su parte, ‘La Gradiva’, de la realizadora francesa Marine Atlan, ha obtenido la Espiga de Plata. La cinta no se ha conformado con este reconocimiento y también ha conseguido el Premio José Salcedo al Mejor Montaje, para Guillaume Lillo, y la Espiga Arcoíris.

‘Dao’ y ‘La Gradiva’ encabezan el palmarés de la Sección Oficial

La Espiga de Oro para ‘Dao’ sitúa a Alain Gomis en lo más alto de una competición internacional que ha reconocido diferentes aproximaciones al lenguaje cinematográfico. La película, fruto de una coproducción entre Francia, Senegal y Guinea-Bisáu, se convierte así en la gran vencedora de la categoría principal.

El palmarés también ha distinguido a Lisandro Alonso con el Premio Ribera del Duero a la Mejor Dirección por ‘La libertad doble’, coproducción de Chile, Argentina, Luxemburgo, Alemania y Reino Unido.

En el apartado interpretativo, Alba Rohrwacher ha conseguido el premio a la Mejor Actriz por ‘A Good Little Soldier’, mientras que Swann Arlaud ha sido reconocido como Mejor Actor por ‘Un hombre de nuestro tiempo’. Esta última película también se ha llevado el premio a la Mejor Dirección de Fotografía, para Olivier Boonjing.

El Premio Miguel Delibes al Mejor Guion ha recaído en Sandra Wollner por ‘Everytime’, mientras que ‘Aquí’, de Tiago Guedes, ha recibido una mención especial del jurado.

‘Promised Spaces’ y ‘Alea Jacarandas’ destacan en las secciones paralelas

Más allá de la competición internacional, la SEMINCI ha repartido sus principales reconocimientos entre las distintas secciones del festival.

En Punto de Encuentro, el premio principal ha sido para ‘9 Temples to Heaven’, de Sompot Chidgasornpongse. El Premio FUNDOS ha distinguido a ‘Cinemanía’, de Marc Ferrer, mientras que el Premio ESCAC ha recaído en Manon Coubia por ‘Forest High’.

En Alquimias, el Gran Premio ha sido para ‘Promised Spaces’, de Ivan Marković, mientras que ‘Benigno’, de David Baute, ha obtenido una mención especial. Esta última producción también ha recibido la Espiga Verde, uno de los reconocimientos especiales del certamen.

Por su parte, ‘Alea Jacarandas’, de Hassen Ferhani, se ha alzado con el Gran Premio de Tiempo de Historia. El documental ‘Biografía de Jorge Luis Borges’, de Mariano Llinás, ha recibido el Premio Especial de esta sección, mientras que ‘Todo es cárcel’, de Eloy Enciso Cachafeiro, ha conseguido el Premio DOC. España. La mención especial ha sido para ‘At Night’, de Beatrice Gibson.

‘Salen las lobas’ y ‘Rose’ se llevan los premios del público

Los reconocimientos concedidos fuera de las secciones competitivas principales también han dejado espacio para el cine español.

El Premio Pilar Miró a la Mejor Dirección ha sido para Sebastián Uría por ‘Adiós, ríos’. El público de Miniminci ha elegido ‘Momonsters. Película de Navidad’, dirigida por Javier Martínez y Christian Garnez, mientras que el Premio Seminci Joven ha recaído en ‘Salen las lobas’, de Claudia Estrada Tarascó.

Precisamente, ‘Salen las lobas’ ha conseguido también el Premio del Público de Punto de Encuentro. En la Sección Oficial Internacional, ese reconocimiento ha sido para ‘Rose’, de Markus Schleinzer.

Por otro lado, el Premio FIPRESCI, concedido por la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica, ha distinguido a ‘I Rarely Wake Up Dreaming’, de Isabelle Stever.

‘Class Photo’ conquista la Espiga de Oro de cortometrajes

El apartado de cortometrajes también ha tenido su propio protagonismo en el palmarés de la 71.ª SEMINCI. La Espiga de Oro ha recaído en ‘Class Photo’, del cineasta Arnas Balčiūnas, representante de Lituania.

Las Espigas de Plata han reconocido dos trabajos: ‘Primer fuego’, de Blanca Camell Galí, y ‘Crónica del cansancio’, de Natalia Marín. El premio al Mejor Cortometraje Europeo ha sido para ‘Pithead’, de Wannes Vanspauwen y Pol De Plecker.

En cuanto a la producción española, ‘L’enterrament de la sardina’, de Mariona Martínez, ha conseguido el premio al Mejor Cortometraje Español, mientras que ‘Under the Lake’, de Juan Carlos Mostaza, ha recibido el Premio Castilla y León en Corto.

El Jurado Joven también ha dado a conocer sus elecciones. ‘Queen at Sea’, de Lance Hammer, ha sido la ganadora en la Sección Oficial Internacional; ‘A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra’, de Jacqueline Lentzou, ha obtenido el reconocimiento en Punto de Encuentro, y ‘El tamagochi escarlata’, de Francisco Visceral Rivera, ha sido elegido Mejor Cortometraje.

Con este reparto de galardones, la SEMINCI 2026 pone el broche a su 71.ª edición, con ‘Dao’ como principal triunfadora y una amplia representación de cinematografías internacionales en un palmarés que también ha reservado espacio para el cine español y las nuevas voces del cortometraje.

Palmarés completo de la SEMINCI 2026

Sección Oficial Internacional

  • Espiga de Oro: ‘Dao’, de Alain Gomis.
  • Espiga de Plata: ‘La Gradiva’, de Marine Atlan.
  • Premio Ribera del Duero a la Mejor Dirección: Lisandro Alonso por ‘La libertad doble’.
  • Mejor Actriz: Alba Rohrwacher por ‘A Good Little Soldier’.
  • Mejor Actor: Swann Arlaud por ‘Un hombre de nuestro tiempo’.
  • Mejor Dirección de Fotografía: Olivier Boonjing por ‘Un hombre de nuestro tiempo’.
  • Premio Miguel Delibes al Mejor Guion: Sandra Wollner por ‘Everytime’.
  • Premio José Salcedo al Mejor Montaje: Guillaume Lillo por ‘La Gradiva’.
  • Mención especial: ‘Aquí’, de Tiago Guedes.

Sección Oficial Punto de Encuentro

  • Premio Punto de Encuentro: ‘9 Temples to Heaven’, de Sompot Chidgasornpongse.
  • Premio FUNDOS: ‘Cinemanía’, de Marc Ferrer.
  • Premio ESCAC: Manon Coubia por ‘Forest High’.

Sección Oficial Alquimias

  • Gran Premio Alquimias: ‘Promised Spaces’, de Ivan Marković.
  • Mención especial: ‘Benigno’, de David Baute.

Sección Oficial Tiempo de Historia

  • Gran Premio Tiempo de Historia: ‘Alea Jacarandas’, de Hassen Ferhani.
  • Premio Especial Tiempo de Historia: ‘Biografía de Jorge Luis Borges’, de Mariano Llinás.
  • Premio DOC. España: ‘Todo es cárcel’, de Eloy Enciso Cachafeiro.
  • Mención especial: ‘At Night’, de Beatrice Gibson.

Otros premios a largometrajes

  • Premio Pilar Miró a la Mejor Dirección: Sebastián Uría por ‘Adiós, ríos’.
  • Premio Miniminci: ‘Momonsters. Película de Navidad’, de Javier Martínez y Christian Garnez.
  • Premio Seminci Joven: ‘Salen las lobas’, de Claudia Estrada Tarascó.

Premios de cortometrajes

  • Espiga de Oro: ‘Class Photo’, de Arnas Balčiūnas.
  • Primera Espiga de Plata: ‘Primer fuego’, de Blanca Camell Galí.
  • Segunda Espiga de Plata: ‘Crónica del cansancio’, de Natalia Marín.
  • Mejor Cortometraje Europeo: ‘Pithead’, de Wannes Vanspauwen y Pol De Plecker.
  • Mejor Cortometraje Español: ‘L’enterrament de la sardina’, de Mariona Martínez.
  • Premio Castilla y León en Corto: ‘Under the Lake’, de Juan Carlos Mostaza.

Premios especiales

  • Espiga Arcoíris: ‘La Gradiva’, de Marine Atlan.
  • Espiga Verde: ‘Benigno’, de David Baute.
  • Premio FIPRESCI: ‘I Rarely Wake Up Dreaming’, de Isabelle Stever.
  • Premio del Público Sección Oficial: ‘Rose’, de Markus Schleinzer.
  • Premio del Público Punto de Encuentro: ‘Salen las lobas’, de Claudia Estrada Tarascó.

Premios del Jurado Joven

  • Sección Oficial Internacional: ‘Queen at Sea’, de Lance Hammer.
  • Mejor Cortometraje: ‘El tamagochi escarlata’, de Francisco Visceral Rivera.
  • Punto de Encuentro: ‘A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra’, de Jacqueline Lentzou.

Crítica: ‘Cyberpunk: Edgerunners’ T2

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En qué plataforma ver Cyberpunk: Edgerunners


Night City todavía tiene historias que contar

Volver a Night City después de la primera temporada de ‘Cyberpunk: Edgerunners’ no era una tarea sencilla. El impacto de David Martinez y Lucy dejó el listón muy alto, pero la segunda entrega demuestra que el universo de CD Projekt Red tiene suficiente personalidad como para seguir generando historias sin necesidad de depender de las anteriores. Bajo la dirección de Kai Ikarashi, colaborador de la anterior temporada, esta nueva incursión en el anime de Studio Trigger apuesta por personajes diferentes, una violencia desatada y una ciencia ficción que resulta tan espectacular como inquietante.

La temporada entrelaza varias historias, con dos grandes ejes especialmente interesantes. Por un lado, tenemos una trama que recupera la ciberpsicosis, uno de los conceptos más sugerentes del videojuego, para plantear un juego del gato y el ratón que también recuerda a ‘León, el profesional’. La relación entre sus personajes, marcada por la violencia y la fragilidad emocional, introduce una dimensión humana que impide que todo se reduzca a una sucesión de tiroteos y modificaciones corporales.

Por otro lado, un protagonista procedente de las Badlands nos devuelve a una de las grandes preocupaciones de ‘Cyberpunk 2077’: el miedo a perder nuestra identidad. Lo que experimentábamos con V y Johnny Silverhand, interpretado por Keanu Reeves, adquiere aquí nuevas ramificaciones mediante el Almicida (Soulkiller), la tecnología capaz de convertir una conciencia humana en información digital. La posibilidad de que otra identidad termine apropiándose de nuestro cuerpo abre un terreno fascinante para la ciencia ficción, donde la frontera entre la vida, la memoria y la individualidad se vuelve cada vez más difusa.

A estas líneas narrativas se suma Roman, un joven cinéfilo que introduce una inesperada nostalgia por el cine en un futuro que parece haberlo sustituido por otras formas de entretenimiento. Su presencia plantea una reflexión sobre el valor de las imágenes y la necesidad de contar historias en una sociedad saturada de estímulos. En una ciudad donde la violencia se convierte en espectáculo, filmar la realidad también puede ser una forma de enfrentarse a ella.

Studio Trigger convierte de nuevo Night City en un espectáculo visual

La animación vuelve a ser uno de los grandes argumentos de la serie. Conviene precisar que Hiroyuki Imaishi, responsable de la primera temporada, no dirige esta continuación, aunque su influencia estética sigue siendo reconocible. Su trabajo en ‘Promare’, que recomiendo encarecidamente, ya exploraba la relación entre tecnología, fuerzas metafísicas y acción desbordante mediante una identidad visual exuberante. La nueva entrega recoge parte de esa energía, pero Kai Ikarashi imprime su propia personalidad al conjunto.

El trabajo de Trigger resulta especialmente juguetón. Los diseños de personajes, los efectos y los escenarios abrazan una estética poligonal y saturada de color que encaja con la representación de los espacios virtuales. La puesta en escena cambia de registro cuando la narración lo necesita, y los recuerdos de uno de los protagonistas adquieren una apariencia bidimensional, muy colorida, con composiciones que pueden recordar al trazo sintético y expresivo de Mike Mignola. No se trata únicamente de embellecer la imagen: las variaciones gráficas contribuyen a distinguir estados mentales, recuerdos y realidades.

La acción, por su parte, mezcla elementos tecnológicos y físicos a una velocidad vertiginosa. Cuerpos modificados, armas, interfaces y capacidades sobrehumanas forman parte de unas coreografías que aprovechan el montaje, los cambios de escala y la deformación expresiva del movimiento. Todo ello convive con una banda sonora que recupera la identidad musical asociada a la franquicia, especialmente eficaz cuando abandona el estruendo para construir atmósferas tranquilas, tensas y amenazadoras. Es en esos silencios donde Night City demuestra que puede resultar mucho más inquietante que durante sus mayores explosiones.

Un regreso al universo de ‘Cyberpunk 2077’

La terminología del universo creado por Mike Pondsmith vuelve a funcionar como una segunda lengua. Chooms, edgerunners, netrunners, corpos y modificaciones cibernéticas construyen un mundo reconocible, con una herencia que también remite a ‘Ghost in the Shell’. No olvidemos que todo parte del juego de rol de los años ochenta, concebido para que cada jugador pudiera construir su propia identidad, elegir habilidades y afrontar un futuro lleno de posibilidades. La serie y el videojuego comparten precisamente esa capacidad para presentar Night City como un entorno en el que cada decisión tiene consecuencias.

Además, las referencias al Almicida y a los acontecimientos relacionados con Johnny Silverhand permiten situar esta historia después de ‘Cyberpunk 2077’, concretamente en 2078, según la cronología confirmada por CD Projekt Red. La serie no necesita convertir sus conexiones con el videojuego en un catálogo de guiños para justificar su existencia: las utiliza para ampliar sus implicaciones tecnológicas, políticas y morales.

Quizá no alcance la misma contundencia emocional que la primera temporada, pero tampoco necesita vivir permanentemente a su sombra. ‘Cyberpunk: Edgerunners 2’ demuestra que el futuro de esta franquicia no depende de resucitar a sus antiguos protagonistas, sino de encontrar nuevas perspectivas desde las que explorar un mundo donde la humanidad se ha convertido en otra mercancía. Night City sigue siendo una pesadilla, sí, pero también un extraordinario laboratorio narrativo.

‘Cara de cona’ lidera el palmarés de la 28ª Semana del Cortometraje de la Comunidad de Madrid

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El cortometraje se lleva cuatro galardones, entre ellos el premio al mejor corto y el del público. ‘Cosas de mayores’, ‘The Getaway’, ‘Cine Doré’, ‘La colisión’ y ‘Box 3’ también reciben reconocimientos

La Comunidad de Madrid ha entregado los premios de la 28ª Semana del Cortometraje en una gala celebrada el pasado sábado en el Palacio de Linares. El acto, que contó con una amplia asistencia de público, reconoció los trabajos más destacados de esta edición y volvió a poner el foco en el apoyo institucional al cortometraje y en la continuidad de una iniciativa que busca impulsar el futuro de este formato.

La gran triunfadora ha sido ‘Cara de cona’, que ha conseguido cuatro galardones, incluido el premio al mejor cortometraje, que permite optar a los Premios Goya.

‘Cara de cona’, la gran vencedora

‘Cara de cona’ ha obtenido el premio al mejor cortometraje, el premio del público y el Premio RC a la Mejor Dirección de Fotografía, para Carlos de Miguel. La obra también ha encabezado el palmarés de los Premios Telemadrid, al conseguir el primer premio, dotado con 6.000 euros en concepto de derechos de emisión.

Luisa Cowell, productora ejecutiva del cortometraje, recogió los cuatro galardones y expresó su agradecimiento por el reconocimiento recibido. La productora destacó las dificultades que supone sacar adelante un corto, tanto por la inversión económica como por el tiempo y la logística familiar que requiere, y valoró especialmente el respaldo del público, del festival y de la Comunidad de Madrid.

Los Premios Telemadrid reconocen cinco cortometrajes

Además del primer premio para ‘Cara de cona’, los Premios Telemadrid han concedido cinco segundos premios, dotados con 4.000 euros cada uno, a los siguientes títulos:

  • ‘Cosas de mayores’. Leticia Martín-Rabadán, productora y guionista, celebró que el reconocimiento permita que el cortometraje llegue a más espectadores, especialmente ahora que acaba de estrenarse.
  • ‘The Getaway’. Su directora y coguionista, Raquel Guerrero, destacó la importancia del apoyo económico y emocional para seguir desarrollando nuevos proyectos.
  • ‘Cine Doré’. El productor Telmo Iragorri agradeció el respaldo recibido y subrayó el carácter especial de una obra dedicada a los proyeccionistas, las personas que trabajan detrás de las películas, ambientada en uno de los cines más emblemáticos de Madrid.
  • ‘La colisión’. Su productor, David Casas, valoró la oportunidad de contar con una ventana de difusión en Telemadrid al comienzo del recorrido del cortometraje.
  • ‘Box 3’. Sara Sálamo, directora, guionista y productora, agradeció el premio en nombre de todo el equipo y destacó el esfuerzo que implica rodar un plano secuencia.

Premios de montaje, dirección y otros reconocimientos

El palmarés de la 28ª Semana del Cortometraje de la Comunidad de Madrid se completa con los siguientes galardones:

  • Premio AMAE al Mejor Montaje: ‘Con Café (Cuentos con la C)’, de María Manero.
  • Premio a la Mejor Dirección Impulso ECAM: ‘In Memoriam’, de Teresa Bellón y César F. Calvillo.

En el caso de ‘Con Café (Cuentos con la C)’, parte del equipo recogió el premio en representación de María Manero y destacó el cariño y el trabajo dedicados a la película. Por su parte, Sara Almonacid, directora de fotografía, recogió el reconocimiento a ‘In Memoriam’ en nombre de Teresa Bellón y César F. Calvillo.

Los premios incluyen apoyos destinados a facilitar el desarrollo de futuros proyectos. El Premio Impulso ECAM y el Premio AMAE contemplan asesoramiento personalizado adaptado a las necesidades de cada ganador. El Premio RC ofrece un descuento de 2.000 euros en material de cámara de cine digital, mientras que RC Service aplica un descuento del 30 % en este material a los participantes de la presente edición. El Premio AMAE al Mejor Montaje incluye, además, una licencia anual de Adobe.

Una gala con representantes del cine y la cultura

La ceremonia contó con la presencia de Luis Martín Izquierdo, viceconsejero de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid; las actrices Marta Belmonte, Paula Gallego y Arlette Torres; y los actores Edu Rejón y Carlos de Austria. La gala estuvo presentada por la periodista María Gómez.

Con esta entrega de premios, la Semana del Cortometraje de la Comunidad de Madrid cierra su 28ª edición reafirmando su compromiso con la creación audiovisual y con el impulso de los profesionales que trabajan en el formato corto.

‘Ghost in the Cell’ y ‘La mala madre’ triunfan en la décima edición de MANIATIC Valencia

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Maribel Verdú recibe una mención especial por su trabajo de voz en off

La décima edición de MANIATIC Valencia ha llegado a su fin con la gala de clausura celebrada el pasado sábado en los Cines ABC Park de Valencia, sede habitual de este festival de cine fantástico y de terror de referencia en la ciudad.

Esta edición ha destacado por la cuidada selección de las obras a competición, con numerosos estrenos en la Comunidad Valenciana, España y Europa, además de un estreno mundial. El palmarés ha reconocido propuestas de distintos géneros y procedencias, con especial protagonismo para varios títulos que ya habían pasado por el Festival de Sitges.

‘Ghost in the Cell’ y ‘La mala madre’ lideran el palmarés de largometrajes

‘Ghost in the Cell’, de Joko Anwar, se ha alzado con el premio a la mejor película, mientras que ‘La mala madre’, de Alicia Alabares, ha conseguido el premio del público al mejor largometraje. Ambas películas han sido recibidas con entusiasmo por los espectadores y han encontrado en MANIATIC Valencia una nueva oportunidad de llegar al público español tras su paso por Sitges.

La mención especial en la categoría de largometrajes ha recaído en ‘Leviticus’, de Adrian Chiarella.

‘El fantasma de la Quinta’ y ‘Safo’, entre los cortometrajes destacados

En el apartado de cortometrajes, ‘El fantasma de la Quinta’, de James A. Castillo, ha obtenido el premio al mejor cortometraje nacional, mientras que ‘Safo’, de Sabina García Sánchez, se ha llevado el premio del público. Por su parte, ‘The Catcher’, de Luka Galle, ha sido reconocido como mejor cortometraje internacional, y ‘Stretcher’, de Thibault Fauconnet, ha recibido el premio especial del jurado.

El palmarés se completa con los premios individuales a Katariina Aule por la dirección de ‘Breadsong’; Gabriel Vilandré por el guion de ‘Hammer, Wrench & Screwdriver’; Laura Sépul como mejor actriz por ‘Foreign Body’; Julian Richings como mejor actor por ‘Man Eating Pussy’; Gilles Mosar por la fotografía de ‘The Catcher’, y Sacha Feiner por los efectos especiales de ‘Foreign Body’.

Además, Maribel Verdú ha recibido una mención especial por su trabajo como actriz de doblaje y voz en off en ‘El fantasma de la Quinta’, un reconocimiento que destaca su aportación a la película.

‘Invasión Valencia’ acerca el cine a los creadores de contenido

Más allá de las proyecciones, una de las actividades destacadas de esta edición ha sido la mesa de creadores de contenido ‘Invasión Valencia’. La iniciativa ha reunido a Javi Godoy, Sito Cine, Noelia Galán y Marc Balaguer para repasar algunas de las películas más emblemáticas del subgénero de las invasiones alienígenas.

La actividad, celebrada con la participación activa del público, ha servido también para abrir una nueva vía de comunicación entre el festival y los creadores de contenido. MANIATIC Valencia reconoce así su papel como divulgadores cinematográficos y su capacidad para conectar con audiencias jóvenes que utilizan las plataformas digitales como fuente de información.

Con este palmarés y sus actividades paralelas, MANIATIC Valencia pone el punto final a su décima edición, reafirmando su apuesta por el cine fantástico y de terror.

Palmarés completo del MANIATIC

LARGOMETRAJES

MEJOR PELÍCULA

GHOST IN THE CELL (JOKO ANWAR)

PREMIO DEL PÚBLICO LARGOMETRAJE

LA MALA MADRE (ALICIA ALBARES)

 

MENCIÓN ESPECIAL

LEVITICUS (ADRIAN CHIARELLA)

 

CORTOMETRAJES

MEJOR CORTOMETRAJE INTERNACIONAL

THE CATCHER (LUKA GALLE)

MEJOR CORTOMETRAJE NACIONAL

EL FANTASMA DE LA QUINTA (JAMES A. CASTILLO)

PREMIO DEL PÚBLICO CORTOMETRAJE

SAFO (SABINA GARCÍA SÁNCHEZ)

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO

STRETCHER (THIBAULT FAUCONNET)

MEJOR DIRECCIÓN

KATARIINA AULE (BREADSONG)

MEJOR GUION

GABRIEL VILANDRÉ (HAMMER, WRENCH & SCREWDRIVER)

MEJOR ACTRIZ

LAURA SÉPUL (FOREIGN BODY)

MEJOR ACTOR

JULIAN RICHINGS (MAN EATING PUSSY)

MEJOR FOTOGRAFÍA

GILLES MOSAR (THE CATCHER)

MEJORES FX

SACHA FEINER (FOREING BODY)

MENCIÓN ESPECIAL

MARIBEL VERDÚ (ACTRIZ DOBLAJE/VOZ EN OFF  EN EL FANTASMA DE LA QUINTA)

‘Blades of the Guardians’ inaugurará la 2ª edición de Confislab – RompeMadrid

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El Festival Internacional de Cine de Acción y Aventuras se celebrará del 26 al 29 de noviembre en Madrid

La película china ‘Blades of the Guardians’, dirigida por el legendario Yuen Woo-ping, será la encargada de inaugurar la segunda edición de Confislab – RompeMadrid, el Festival Internacional de Cine de Acción y Aventuras. El certamen se celebrará del 26 al 29 de noviembre en Madrid y ofrecerá una programación de 13 películas que combinará preestrenos y títulos destacados del cine de acción y artes marciales.

La sesión inaugural tendrá lugar el jueves 26 de noviembre a las 21:00 horas en mk2 Cine Paz. El resto de las proyecciones se desarrollará entre el viernes 27 y el domingo 29 en mk2 Palacio de Hielo.

‘Blades of the Guardians’, el fenómeno wuxia que abrirá el festival

‘Blades of the Guardians’ (2026) ha superado los 215 millones de dólares de recaudación mundial y ha desbancado a ‘Tigre y dragón’ como la película wuxia más taquillera de la historia. Dirigida por Yuen Woo-ping, legendario coreógrafo de acción de ‘Matrix’ y ‘Kill Bill’, cuenta con Wu Jing (‘La tierra errante’, ‘Megalodón 2: La fosa’) y Jet Li en su reparto.

La película sigue a Dao Ma, un cazarrecompensas encargado de escoltar a uno de los criminales más peligrosos del imperio a través del desierto. Lo que comienza como una misión de transporte desemboca en una persecución implacable, marcada por violentos enfrentamientos y espectaculares combates.

La cinta también llega a Madrid avalada por el Premio del Público Focus Asia obtenido en el Festival de Sitges 2026.

‘Ghost in the Cell’, ‘Entrega al límite’ y ‘Furia desatada’, entre los primeros títulos

Otro de los platos fuertes de la programación será ‘Ghost in the Cell’ (2026), del cineasta indonesio Joko Anwar. La película ha sido reconocida en Sitges 2026 con los premios a la Mejor Dirección y del Jurado Carnet Jove a la Mejor Película de la Sección Oficial Fantàstic, además de obtener el galardón a la mejor película de terror en Fantastic Fest 2026.

Esta comedia de terror combina humor negro, violencia y crítica social en una prisión de máxima seguridad donde una serie de brutales asesinatos obliga a los reclusos a unir fuerzas frente a una amenaza sobrenatural. Su proyección tendrá lugar el sábado 28 de noviembre a las 22:30 horas.

El viernes 27, a las 20:30 horas, llegará el preestreno de ‘Entrega al límite’ (‘Runner’, 2026), un thriller de acción dirigido por Scott Waugh (‘Los mercenarios 4’) y protagonizado por Alan Ritchson, conocido por la serie ‘Reacher’, junto a Owen Wilson.

La historia sigue a un antiguo soldado convertido en mensajero que debe transportar un órgano destinado a salvar la vida de una joven paciente. Sin embargo, la misión se convierte en una carrera contrarreloj cuando una organización criminal intenta apoderarse del cargamento.

Completa este primer avance ‘Furia desatada’ (‘Ikatan Darah’, 2025), dirigida por Sidharta Tata y producida ejecutivamente por Iko Uwais, conocido por ‘The Raid’. La película indonesia sigue a una antigua atleta de pencak silat que debe enfrentarse a una violenta red de prestamistas para salvar a su hermano, atrapado por las deudas del juego en línea.

Tras su paso por el Festival de Sitges, la cinta llegará a Confislab – RompeMadrid con sus coreografías de combate como uno de sus principales atractivos. La proyección está programada para el sábado 28 de noviembre a las 20:00 horas.

Entradas y abonos para Confislab – RompeMadrid 2026

Las entradas individuales para las cuatro primeras películas anunciadas ya están disponibles a través de la web oficial del festival, rompemadrid.com.

La organización también ha puesto a la venta dos modalidades de abono:

  • Abono General: permite asistir a todas las sesiones de pago del festival, celebradas del 26 al 29 de noviembre en ambas sedes, por 79 euros. Puede adquirirse en la web de mk2 Palacio de Hielo.
  • Abono Fin de Semana: incluye todas las proyecciones de pago del sábado 28 y el domingo 29 de noviembre en mk2 Palacio de Hielo, por 49 euros. Está disponible en la web de mk2 Palacio de Hielo.

Confislab – RompeMadrid anunciará próximamente el resto de las películas que completarán la programación de su segunda edición, así como los invitados que participarán en el certamen. La información actualizada sobre las sesiones y las entradas puede consultarse en la web oficial del festival.

Another Way Film Festival clausura su XII edición con más de 20.800 participantes

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‘Power Station’ se alza con el Premio del Jurado y ‘Super Nature’ consigue el Premio WWF Inspirando al Planeta y el Premio del Público de la Sección Oficial

Another Way Film Festival ha clausurado su XII edición con más de 20.800 participantes, sumando la asistencia a las proyecciones presenciales y virtuales y las actividades organizadas durante el certamen. Celebrado del 20 al 25 de octubre, el festival ha reunido 40 títulos entre documentales, películas de ficción y cortometrajes centrados en cuestiones como la transición energética, la biodiversidad, el mundo rural, el activismo, la minería y la transformación de los entornos urbanos.

La programación se ha desarrollado en espacios como Cineteca Madrid, Filmoteca Española (Cine Doré), Institut français de Madrid, Sala Equis, DAMA e Impact Hub Barceló, además de Infinito Delicias y la plataforma Filmin. A lo largo de seis días también se han celebrado seis actividades dirigidas a públicos profesionales, generales y familiares, con el objetivo de fomentar la reflexión sobre la sostenibilidad y el futuro del planeta.

‘Power Station’ gana el Premio del Jurado

El principal galardón de la Sección Oficial, dotado con 1.000 euros, ha recaído en ‘Power Station’, de Hilary Powerball y Dan Edelstyn. El documental, que ha tenido su estreno nacional en el festival, explora las posibilidades de impulsar una transición energética comunitaria pese a los obstáculos que dificultan su desarrollo.

La Mención especial del Jurado ha sido para ‘Hijas del bosque’, de Otilia Portillo. La película propone un viaje sensorial que conecta los conocimientos ancestrales con la ciencia y el mundo de los hongos.

El jurado de la Sección Oficial ha estado compuesto por la actriz y activista Carolina Yuste (‘La infiltrada’, ‘Carmen y Lola’), la creadora de contenido cinematográfico Silvia Molina y Yolanda Polo, responsable de comunicación de la Coordinadora de Organizaciones para el Desarrollo.

Por su parte, ‘Super Nature’, de Ed Sayers, ha obtenido el Premio WWF Inspirando al Planeta, dotado con 1.000 euros, y el Premio del Público de la Sección Oficial. Rodado en Super 8 y con testimonios de personas procedentes de 25 países, el documental plantea una mirada esperanzadora a la naturaleza y a la búsqueda de soluciones a los problemas ambientales.

En la Sección Impacto, el Premio del Público ha sido para ‘We, the Hated’, de Rich Felgate. Ambos galardones del público han contado con obsequios de Minka, firma especializada en economía circular y regalos sostenibles.

Los cortometrajes premiados en Another Way Film Festival 2026

El palmarés de cortometrajes también ha reconocido propuestas nacionales e internacionales. ‘La guardiana de las semillas’, de Marta F. Pisonero, ha conseguido tanto el Premio del Jurado, dotado con 300 euros, como el Premio del Público en la convocatoria nacional.

El jurado de esta categoría ha estado formado por el actor Fernando Tielve (‘El espinazo del diablo’, ‘El internado’) y la periodista cinematográfica María Aller (‘Vivir de cine’, ‘Ni tan malas’).

El Premio Plasencia Encorto ha recaído en ‘La banda’, de Delia Márquez y Leonor Jiménez Moreno. Este reconocimiento permitirá al cortometraje optar a la preselección de los premios Goya.

En la categoría internacional, el Premio del Público ha sido para ‘Maio’, de Claudio Carbone, elegido por ser el trabajo que ha conseguido más visualizaciones a través del canal de YouTube del festival.

‘Gente x gente’ gana la sesión de pitch de proyectos

Another Way Film Festival también ha anunciado el proyecto ganador de la tercera edición de su sesión de pitch para obras audiovisuales en fase de desarrollo. El reconocimiento ha sido para ‘Gente x gente’, de la creadora y productora Oriana Perazzo.

El proyecto recibe apoyos valorados en un total de 3.000 euros: un premio en metálico de 1.000 euros de El Gatoverde Producciones, un descuento de 1.000 euros en el alquiler de material de cámara de cine digital de RCservice, una asesoría de viabilidad económico-financiera valorada en 500 euros de Triodos Bank y una tutoría especializada de guion de 500 euros concedida por DAMA.

El jurado ha estado integrado por Leo Bensadón, de El Gatoverde Producciones; Cristina Mena, de Triodos Bank; Nerea Ramírez, de Greenpeace; Juan Zavala, de DAMA; e Inés Enciso, de la Academia de Cine.

Las películas ganadoras siguen disponibles en Filmin

Tras la clausura, las películas y cortometrajes premiados, junto con otros títulos seleccionados, pueden verse en Filmin hasta el 30 de octubre.

Además, el 27 de octubre se celebrará en Infinito Delicias ‘Alimentando la conversación’, una experiencia que combinará cine y gastronomía. La propuesta incluye la proyección de ‘Power Station’, ganadora del Premio del Jurado, un menú vegetariano completo de UNMAR y una conversación con una persona experta sobre los temas abordados en la película.

La sesión estará moderada por Manuel Rodríguez, consultor político y de innovación social y CEO de Cámara Cívica. Las entradas tienen un precio de 40 euros.

Con esta edición, Another Way Film Festival vuelve a utilizar el cine como punto de partida para abordar los desafíos ambientales y sociales contemporáneos, dando visibilidad a historias que exploran alternativas sostenibles y nuevas formas de relacionarnos con nuestro entorno.

Crítica: ‘Binding Eva’

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Encuentra en la naturaleza un reflejo imperfecto de la conciencia humana

El bosque de ‘Binding Eva’ esconde algo más que peligros naturales. En su debut en el largometraje, Conscian Morgan parte de una premisa relativamente sencilla para adentrarse en los terrenos del folk horror británico, un subgénero que encuentra buena parte de su fuerza en las supersticiones rurales, las amenazas inexplicables y la sensación de que existen fuerzas que escapan a nuestra comprensión.

La historia sigue a Felix (Ryan Ralph Gerrard), un delincuente que, después de un trabajo fallido, secuestra a Katarina (Catherine Deevy) y a su hija Eva (Darcey Wood). Las convierte en acompañantes de su fuga, pero un accidente de coche complica sus planes y obliga a los tres a continuar a pie. Lo que comienza como una situación de tensión criminal va adquiriendo progresivamente tintes sobrenaturales, mientras el entorno convierte una huida desesperada en una experiencia cada vez más inquietante.

Rodada íntegramente en el Bosque de Dean, en Inglaterra, la película aprovecha las localizaciones naturales para construir una atmósfera opresiva sin necesidad de recurrir constantemente al susto fácil. El bosque no es un personaje (conviene dejar atrás esa expresión tan manida), sino la materialización de una serie de miedos, amenazas y peligros ocultos que los protagonistas apenas consiguen comprender cegados por su escepticismo y su ansia de alejarse del peligro.

El terror de lo desconocido y la importancia de sus personajes

‘Binding Eva’ utiliza correctamente a la pequeña Eva para generar angustia sin convertirla en el centro absoluto del relato. El personaje infantil introduce una vulnerabilidad evidente, pero Morgan evita reducirla a la típica niña utilizada como recurso para provocar sobresaltos o anticipar amenazas sobrenaturales. Su silencio, sus reacciones y su manera de relacionarse con los adultos aportan una dimensión emocional que enriquece el suspense. Además contribuye a la tensión con el uso recurrente de una canción que saca de quicio al protagonista y al espectador.

También resulta interesante la construcción de Felix, un protagonista moralmente cuestionable cuya evolución impide que la película se limite a enfrentar a víctimas inocentes con un villano convencional. Ryan Ralph Gerrard transmite la fragilidad de alguien que intenta mantener el control de una situación que lo supera cada vez más, mientras Catherine Deevy aporta firmeza a una madre que cada vez tiene más a flor de piel en instinto de protección.

El terror funciona precisamente porque la amenaza exterior coincide con los conflictos internos de los personajes. La culpa, el miedo y la posibilidad de redención se entrelazan con los elementos sobrenaturales, dando al relato una dimensión que va más allá de sobrevivir a una noche en el bosque.

Una modesta incursión en el folk horror con personalidad

‘Binding Eva’ apuesta por la economía narrativa centrándose casi únicamente en la acción y en un par de flashbacks. La puesta en escena prioriza la atmósfera y encuentra su identidad en la combinación de suspense, folclore y drama humano. Conscian Morgan demuestra que no necesita un gran presupuesto para generar inquietud cuando dispone de unas localizaciones adecuadas y unos personajes con conflictos reconocibles. En ese sentido puede recordar a grandes clásicos como ‘Blair witch’ o a sugerentes propuestas recientes como ‘Exit 8’. Pero como decía, la película tiene identidad propia y huye de tópicos.

Esta película no revoluciona el folk horror, pero sí demuestra que todavía es posible encontrar nuevas formas de explorar sus obsesiones. Una pequeña película británica que entiende que lo verdaderamente aterrador no siempre es aquello que acecha entre los árboles, sino las decisiones que tomamos cuando ya no sabemos cómo escapar.

Ficha de ‘Binding Eva’

Estreno en España: 25 de octubre de 2026. Título original: Binding Eva. Duración: 76 min. País: Reino Unido. Dirección: Conscian Morgan. Guion: Will Clempner, Conscian Morgan,Roffem Uzong. Música: Maciej Sadowski. Fotografía: Haridas Stewart. Reparto principal: Ryan Ralph Gerrard, Catherine Deevy, Darcey Wood. Producción: Conscian Pictures. Distribución: Festival Curtas. Género: terror. Web oficial.