De origen irlandés y criado en tierras vetonas, este ingeniero curiosamente nació en Bloomsday. Pegado desde pequeño a una televisión y a cientos de páginas, ahora gasta su tiempo montándose películas y disfrutando las de otros.
‘Ghost in the Shell’: volver al manga ochentero para encontrar el futuro
Desde que Shirow Masamune publicara el manga en 1989, ‘Ghost in the Shell’ ha vivido múltiples vidas audiovisuales: la película de Mamoru Oshii de 1995, su continuación ‘Ghost in the Shell 2: Innocence’, las series ‘Ghost in the Shell: Stand Alone Complex’ y ‘2nd GIG’, ‘Solid State Society’, la etapa ‘Arise’, la película de 2015, la adaptación estadounidense de imagen real de 2017 y ‘SAC_2045’. Ahora Prime Video recupera el material original con una nueva serie producida por Science SARU que, paradójicamente, parece entender mejor que ninguna otra adaptación de dónde procedía realmente la singularidad de Shirow.
El ‘Ghost in the Shell’ más cercano a Shirow Masamune
Dirigen Touma Kimura y Tooru Hasutani (acostumbrados a series rápidas y ágiles como ‘Dan Da Dan’ o ‘Scott Pilgrim da el salto’) junto a Jun’ya Iwake (más vinculado a animes juveniles y preciosistas como ‘La princesa Kaguya del cosmos’) con el guión de Tô Enjo (que nos sorprendió en 2021 con ‘Godzilla Singular Point’) fuertemente inspirado en el manga de Shirow Masamune. 10 episodios de emisión semanal que escogen muy bien qué adaptar del manga original.
Y aquí está la principal virtud de la serie: es mucho más parecida al manga original, de hecho casi un calco en cuanto a estilo, personalidad de personajes y tramas. La animación puede parecer que da un paso atrás cuando vemos que los personajes adoptan en ocasiones un aspecto casi chibi (una representación deliberadamente deformada, con cabezas grandes, cuerpos simplificados y proporciones casi infantiles que Shirow utilizaba para introducir humor y ligereza), pero basta con detenerse en los fondos, la cantidad de elementos animados, los movimientos, los detalles mecánicos o las transiciones al mundo virtual para comprobar el extraordinario trabajo de Science SARU. De hecho el estilo puede recordar a series actuales como ‘Dorohedoro’. Y por otro lado es la primera adaptación que adopta deliberadamente el estilo visual del manga y que se atreve con la sexualidad del mismo. Si siempre se ha dicho que las adaptaciones cosificaban al personaje de Motoko Kusanagi, esta puede escandalizar a puritanos.
Cyberpunk sucio, humor y mucha más Motoko
Este ‘Ghost in the Shell’ es mucho más cyberpunk sucio que sus anteriores adaptaciones. Hay más calle, más mugre, más máquinas imperfectas y una sensación de futuro vivido que contrasta con la elegancia casi metafísica de Oshii. En algunos momentos se percibe compleja por su geopolítica y sus conceptos transhumanistas, pero resulta menos enrevesada o filosófica que las películas.
También hay más acción y, sobre todo, una Kusanagi más abierta y habladora, sin ese halo de misterio permanente que la acompañaba en otras versiones. Es más cómica, pero nunca deja de ser la tipa dura y eficiente que triunfa tanto en el mundo real como en el virtual. Es una recuperación muy inteligente de la Motoko de Shirow, capaz de pasar de una conversación técnica a una situación absurda sin perder autoridad.
El resultado tiene además un delicioso aroma a los años noventa: los títulos de crédito, el dibujo, las inquietudes científicas y hasta la manera de presentar la tecnología remiten a una época en la que el manga se adelantó muchísimo a su tiempo. Shirow bebía de ideas que iban desde ‘Neuromante’ hasta el transhumanismo y conceptos filosóficos como la paradoja de la nave de Teseo, pero lo hacía mezclándolos con una fascinación casi obsesiva por las máquinas y la ingeniería. Y todo esto sin perder de vista personajes tan bobalicones como Chicho Terremoto.
Hay un detalle para cafeteros que me encanta. Como en el manga, aparecen anotaciones del autor explicando tecnología, geopolítica y pormenores sociales. También se dibujan onomatopeyas. Lejos de infantilizar el relato, estos recursos devuelven la obra a la tradición del manga clásico y recuerdan que su complejidad nunca estuvo reñida con el humor. La serie comprende algo fundamental: ‘Ghost in the Shell’ no nació siendo solemne.
Una adaptación que mira hacia atrás para avanzar
Quizá lo más estimulante de esta nueva versión sea precisamente su aparente contradicción. Mientras buena parte de la ciencia ficción contemporánea intenta modernizar ‘Ghost in the Shell’, esta serie decide volver a 1989 para descubrir que allí ya estaba buena parte del futuro que seguimos intentando imaginar.
No pretende competir con la profundidad filosófica de Oshii ni con la complejidad política de ‘Stand Alone Complex’. Su apuesta es distinta: recuperar el manga, su humor, su ritmo, su suciedad y su imaginación tecnológica. Y funciona especialmente bien porque no se limita a copiar su estética, sino que entiende qué había detrás de ella.
Cuida todos los detalles. Incluso los títulos finales hacen un breve repaso a la historia de la robótica, como una última declaración de intenciones. ‘Ghost in the Shell’ vuelve así a demostrar que quizá la mejor manera de actualizar un clásico no consiste en cambiarlo, sino en recordar por qué fue revolucionario.
Los fans podrán visitar gratuitamente un espectacular navío inspirado en la Casa Targaryen
Tras el estreno de la tercera temporada de ‘La Casa del Dragón’, HBO Max ha puesto en marcha una espectacular experiencia inmersiva en el País Vasco que permitirá a los seguidores de la serie adentrarse en el universo de Poniente a bordo de un impresionante barco inspirado en la Casa Targaryen.
La iniciativa recorrerá distintos puntos de la costa vasca y ofrecerá visitas gratuitas al navío, además de una travesía exclusiva por la ría de Bilbao para que los asistentes vivan de primera mano una experiencia inspirada en uno de los momentos más impactantes de la nueva temporada.
Una experiencia inspirada en la Batalla del Gaznate
La activación toma como referencia la Batalla del Gaznate, uno de los grandes acontecimientos de la tercera temporada de ‘La Casa del Dragón’ y uno de los episodios más comentados por los seguidores de la serie.
Para trasladar esa atmósfera al mundo real, HBO Max ha recreado un espectacular barco Targaryen que permitirá recorrer diferentes espacios inspirados en el imaginario de la poderosa casa de dragones.
Bermeo inauguró la travesía del navío
La experiencia arrancó el pasado 5 de agosto en el puerto de Bermeo con una presentación especial organizada por HBO Max.
Como parte del acto inaugural se celebró un espectáculo de fuego en el que ardieron el logotipo de ‘La Casa del Dragón’ y el emblema de la Casa Targaryen, dando el pistoletazo de salida a esta gira promocional.
San Sebastián acogerá las primeras visitas abiertas al público
La siguiente parada será San Sebastián, donde el barco permanecerá atracado en el puerto entre los días 7 y 9 de agosto.
Durante esas jornadas, los visitantes podrán recorrer gratuitamente el interior del navío y descubrir los diferentes espacios ambientados en el universo de la serie. El acceso se realizará en grupos de 25 personas hasta completar aforo.
El horario de visitas será de 11:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 21:00 horas los días 7 y 8 de agosto, mientras que el 9 de agosto únicamente abrirá en horario de mañana.
Bilbao permitirá incluso navegar en el barco Targaryen
Tras su paso por San Sebastián, la embarcación llegará al Museo Marítimo de Bilbao. El barco abrirá sus puertas al público el 10 de agosto entre las 17:00 y las 21:00 horas, mientras que los días 11, 12 y 13 de agosto podrá visitarse de 11:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 21:00 horas.
Además de recorrer el navío, algunos aficionados tendrán la oportunidad de disfrutar de una experiencia aún más exclusiva navegando por la ría bilbaína a bordo del barco Targaryen.
Una nueva experiencia para acercar Poniente a los fans
Con esta iniciativa, HBO Max continúa apostando por experiencias inmersivas que trasladan el universo de sus grandes producciones fuera de la pantalla. Los seguidores de ‘La Casa del Dragón’ podrán así vivir una propuesta que recrea algunos de los escenarios y elementos más reconocibles de la serie en un entorno real y de acceso gratuito hasta completar aforo.
La adaptación de la segunda novela de Freida McFadden confirma nuevos fichajes y volverá a contar con Paul Feig en la dirección
Tras el enorme éxito de ‘La Asistenta’, una de las películas más taquilleras del año y el mayor éxito comercial de la distribuidora Diamond Films en España, ya se han dado a conocer los primeros detalles de ‘El Secreto de La Asistenta’, la segunda entrega de la adaptación cinematográfica de la exitosa trilogía escrita por Freida McFadden.
La película volverá a estar protagonizada por Sydney Sweeney, que retomará el papel de Millie, mientras que Michele Mborrone regresará como Enzo. A ellos se suman nuevos nombres al reparto como Kirsten Dunst, Paul Anthony Kelly y Brittany Snow.
Sydney Sweeney y Michele Morrone regresan en la secuela
Sydney Sweeney volverá a interpretar a Millie, la asistenta que conquistó al público en la primera película, mientras que Michele Morrone repetirá como Enzo.
La secuela incorporará además varios personajes inéditos interpretados por reconocidos actores. Kirsten Dunst dará vida a Wendy Garrick, Paul Anthony Kelly interpretará a Douglas Garrick y Brittany Snow se incorporará como Marybeth.
Una nueva casa… y un nuevo misterio
En esta segunda entrega, Millie vuelve a trabajar como asistenta, esta vez en el lujoso ático de la familia Garrick. La historia girará en torno a una serie de inquietantes reglas que deberá respetar desde el primer momento, entre ellas no ver nunca a la señora de la casa y no abrir jamás una determinada puerta. Estos elementos volverán a construir un thriller psicológico cargado de secretos y tensión.
Paul Feig vuelve a ponerse tras las cámaras
Después de dirigir la primera película, Paul Feig repetirá como director de la secuela. El cineasta es conocido por títulos como ‘Un pequeño favor’ o ‘La boda de mi mejor amiga’ y continuará desarrollando el universo creado por Freida McFadden para la gran pantalla.
Basada en el segundo libro de la trilogía de Freida McFadden
‘El Secreto de La Asistenta’ adapta la segunda novela de la trilogía literaria de Freida McFadden, compuesta por ‘La Asistenta’, ‘El Secreto de La Asistenta’ y ‘La Asistenta te vigila’. El fenómeno literario ya había dado el salto al cine con una primera adaptación que logró convertirse en un auténtico fenómeno de taquilla, por lo que esta continuación parte con grandes expectativas entre los seguidores de la saga.
La distribuidora ha confirmado que ‘El Secreto de La Asistenta’ llegará próximamente, solo en cines, aunque por el momento no se ha anunciado una fecha concreta de estreno.
Bruce Timm continúa siendo uno de los que mejor conoce al personaje de Kane y Finger
Cuando Bruce Timm recuperó el universo de Batman con ‘Batman: el cruzado enmascarado’, muchos pensaron que el objetivo sería recrear la magia de ‘Batman: La serie animada’. Sin embargo, la segunda temporada confirma que aquella comparación resulta cada vez menos pertinente. Sí, la influencia estética permanece intacta, pero el verdadero espíritu de la serie mira hacia otra dirección. Aquí el referente no es tanto la nostalgia como la reinterpretación contemporánea del Caballero Oscuro, muy cercana a la sensibilidad del universo cinematográfico construido alrededor del Batman de Matt Reeves.
La producción (desarrollada por Bruce Timm junto a J.J. Abrams y Matt Reeves tras el cambio de estrategia de Warner, que terminó llevando el proyecto de HBO Max a Prime Video) abraza sin complejos el cine negro. Gotham vuelve a ser una ciudad dominada por mafiosos, corrupción institucional, callejones iluminados por pobres farolas, automóviles inspirados en los años cuarenta y armas propias de los relatos criminales clásicos. Todo ello envuelto en una dirección artística donde la influencia del expresionismo alemán resulta incluso más evidente que en la primera temporada. Las sombras exageradas, las arquitecturas imposibles y los encuadres deformados convierten la ciudad en un personaje más.
La diferencia respecto a la serie de los noventa también es significativa. Aquella ya evitaba tratar al espectador como si fuera un niño, alejándose de otras producciones animadas de la época. Esta nueva versión responde a sensibilidades actuales y da un paso adicional hacia una violencia mucho más explícita, con asesinatos, cadáveres y consecuencias dramáticas que rara vez se ocultan tras una elipsis. Nunca pierde el tono clásico, pero sí endurece considerablemente su discurso.
Nuevos villanos, viejas ideas y algunos cambios que no terminan de convencer
La temporada vuelve a demostrar que el mayor acierto de la serie consiste en escapar constantemente de los villanos más habituales. Resulta refrescante recuperar personajes poco explotados como Roxy Rocket, cuyo episodio posee una marcada estética steampunk que recuerda inevitablemente a ‘The Rocketeer’. Además, el conflicto adquiere una lectura sorprendentemente contemporánea al abordar la fascinación por la tecnología militar y la escalada armamentística desde una aventura que nunca deja de ser entretenida.
También funciona especialmente bien la recuperación de Mister Zero, respetando el nombre original con el que debutó el personaje antes de convertirse en el popular Mr. Freeze. Es una muestra de que los responsables conocen profundamente la historia editorial de DC y disfrutan rescatando detalles olvidados por el gran público.
No todos los cambios, sin embargo, resultan igual de acertados. La nueva versión del Sombrerero Loco apenas conserva rasgos del personaje clásico. El problema no reside en el cambio de género, sino en convertirlo prácticamente en una presentadora televisiva con maneras que recuerdan inevitablemente a Ana Rosa Quintana. Más discutible todavía resulta la reinterpretación de Enigma, reducido aquí a un mafioso impulsivo y violento que pierde precisamente aquello que siempre definió al personaje: su superioridad intelectual.
Tampoco termina de funcionar el episodio dedicado a Barbatos. Su principal antagonista posee una apariencia que recuerda demasiado a Venger, el célebre villano de ‘Dragones y Mazmorras’, mezclado con algunos diseños de la serie animada de ‘Los Cazafantasmas’. El resultado roza involuntariamente el ridículo dentro de una serie que normalmente presume de enorme coherencia estética. Por fortuna, estos tropiezos son excepciones dentro de una temporada notable.
Un Batman implacable con un final que apunta hacia una tercera temporada
Uno de los mayores logros sigue siendo el propio Bruce Wayne. Este Batman desconfía profundamente de la naturaleza humana, se muestra frío, contundente y mucho menos compasivo que otras encarnaciones recientes. En ese contexto adquiere especial sentido la recuperación de Cerillas Malone como una herramienta más dentro de su guerra psicológica contra el crimen.
También convence el regreso de Harley Quinn. No deja de ser un guiño cargado de simbolismo recordar que el personaje debutó el 11 de septiembre de 1992 en el episodio ‘Un favor para el Joker’ de ‘Batman: La serie animada’, convirtiéndose con el tiempo en uno de los escasos personajes creados para televisión que terminaron integrándose plenamente en el universo de los cómics.
La serie mantiene además un inteligente juego de anticipación mediante pequeños cliffhangers al final de prácticamente todos los episodios. Poco a poco va construyendo la presencia del Joker hasta convertirlo en el gran clímax de la temporada. Aunque su aparición resulta efectiva, quizá habría sido más estimulante apostar por un antagonista inesperado. El Joker era la opción más evidente y precisamente por ello también la menos arriesgada. En cualquier caso, el desenlace deja abierta de forma natural una tercera temporada y el doblaje por parte de Matthew Needham le viene como anillo al dedo a un Joker psicópata pero más frío que un alemán en plena filomena.
Si seguimos con el apartado interpretativo destaca Hamish Linklater, que asume el complejo reto de suceder al inolvidable Kevin Conroy aportando una personalidad propia sin caer en la imitación. Y, si hablamos del doblaje español, Claudio Serrano continúa siendo insustituible. Su identificación con Batman ya alcanza un nivel comparable al que Constantino Romero logró con otras grandes figuras del cine. Solo le falta presentar un programa de televisión para completar el paralelismo.
‘Batman: el cruzado enmascarado’ demuestra en esta segunda temporada que aún es posible reinterpretar al personaje sin renunciar a su esencia. Puede discutirse alguna decisión creativa concreta, visualmente sigue brillando gracias a su extraordinaria dirección artística, aunque algunas secuencias realizadas mediante animación digital en tres dimensiones (especialmente las relacionadas con vehículos) rompen ocasionalmente la armonía visual Pero el conjunto confirma que esta sigue siendo una de las aproximaciones audiovisuales más interesantes que ha recibido el Caballero Oscuro en los últimos años.
La convención confirma nuevas incorporaciones del cine, las series, el cómic, los videojuegos y los juegos de rol, elevando a 70 el número de invitados especiales
San Diego Comic-Con Málaga continúa ampliando su cartel de invitados para su edición de 2026. La organización ha anunciado la incorporación de 15 nuevos talentos procedentes del cine, la televisión, el cómic, los videojuegos y los juegos de rol, entre los que destacan el regreso de Taz Skylar (‘One Piece’), un esperado reencuentro del reparto de ‘Los Serrano’ y la presencia del productor Dean Devlin.
Con este nuevo anuncio, la convención alcanza ya los 70 invitados especiales confirmados, mientras que la programación completa de actividades será presentada oficialmente el próximo 10 de septiembre.
Taz Skylar regresa a Málaga junto a la tripulación de ‘One Piece’
Uno de los nombres más destacados de esta nueva tanda de confirmaciones es el del actor y creador tinerfeño Taz Skylar, conocido internacionalmente por interpretar a Sanji en la adaptación de acción real de ‘One Piece’ de Netflix.
Skylar volverá a participar en San Diego Comic-Con Málaga el 2 de octubre, consolidándose como uno de los invitados más esperados por los seguidores de la popular serie.
‘Los Serrano’ protagonizarán uno de los grandes reencuentros de la convención
La televisión española también tendrá un importante protagonismo gracias al reencuentro de parte del reparto de ‘Los Serrano’, una de las series más populares de la televisión nacional.
El encuentro tendrá lugar el 1 de octubre y contará con la participación de:
Antonio Resines
Fran Perea
Verónica Sánchez
Natalia Sánchez
Antonio Molero
Víctor Elías
Jorge Jurado
Será una oportunidad para que los seguidores de la serie vuelvan a ver reunidos a algunos de sus protagonistas más recordados.
Dean Devlin presentará las nuevas temporadas de ‘The Ark’ y ‘The Librarians: El próximo capítulo’
También estará presente el productor, guionista y director Dean Devlin, invitado por SYFY.
Durante su participación presentará en exclusiva las nuevas temporadas de:
‘The Ark’
‘The Librarians: El próximo capítulo’
El cineasta participará en diferentes actividades programadas para el 1 de octubre.
El cómic refuerza el Artists’ Alley con cuatro nuevos autores
La zona Artists’ Alley también suma nuevos nombres de prestigio internacional.
Los asistentes podrán conocer a:
Iban Coello (‘Star Wars’, ‘Deadpool & The Mercs for Money’, ‘Superboy’), presente durante toda la convención.
Glenn Fabry (‘Preacher’, ‘HellBlazer’), disponible todos los días.
Arthur Suydam (‘Marvel Zombies’, ‘Batman contra Predator’), presente durante todo el evento.
Natacha Bustos (‘Moon Girl y dinosaurio diabólico’, ‘Star Wars: Doctor Aphra’), que acudirá del jueves al sábado.
Juegos de rol y videojuegos también amplían su representación
El apartado dedicado a los juegos contará con la participación del diseñador Jeremy Crawford, una de las figuras más influyentes del universo de Dungeons & Dragons, que acudirá el 2 de octubre.
A él se unirán dos invitados muy conocidos por los aficionados a los videojuegos:
Animo, compositor e intérprete japonés responsable de diversas bandas sonoras de videojuegos, presente el 1 y 2 de octubre.
John Romero, leyenda del desarrollo de videojuegos y cocreador de títulos históricos como ‘DOOM’ y ‘Wolfenstein 3D’, que repetirá presencia tras su paso por la edición anterior y estará disponible durante toda la convención.
San Diego Comic-Con Málaga sigue ampliando su programación
Con este nuevo anuncio, San Diego Comic-Con Málaga continúa reforzando una programación que combinará estrellas internacionales del cine y la televisión, reconocidos autores de cómic y grandes figuras de la industria del videojuego y los juegos de rol.
La organización ha confirmado que todas las actividades, paneles, encuentros y sesiones especiales se darán a conocer el próximo 10 de septiembre, cuando se publique la programación completa del evento.
Una premisa fascinante con un desarrollo irregular
Hay películas que plantean grandes preguntas y otras que buscan ofrecer grandes respuestas. ‘El síndrome Rembrandt’ pertenece claramente al primer grupo. Pierre Schoeller construye una obra de vocación intelectual que utiliza el arte como catalizador para reflexionar sobre la ética científica, la energía nuclear, el cambio climático y la responsabilidad individual. El problema es que, en su empeño por resultar trascendente, termina sacrificando buena parte de la implicación emocional del espectador.
La premisa es, sin duda, sugerente y muy intrigante. Una prestigiosa física nuclear ve cómo la contemplación de varias pinturas de Rembrandt altera su percepción del mundo y la lleva a cuestionar todo aquello en lo que ha creído durante décadas. Es una idea fascinante porque enfrenta dos formas aparentemente incompatibles de entender la realidad: la objetividad de la ciencia frente al poder irracional del arte. Sin embargo, el guion desarrolla ese conflicto de manera excesivamente abstracta. La transformación de la protagonista se acepta más como una metáfora que como un proceso psicológico plenamente convincente.
Camille Cottin y Romain Duris sostienen el relato
Camille Cottin soporta buena parte del peso dramático con una interpretación contenida, llena de pequeños matices y silencios que transmiten la creciente fractura interior de su personaje. A su lado, Romain Duris aporta equilibrio interpretando a un hombre que observa cómo la mujer con la que ha compartido toda una vida comienza a convertirse en alguien casi irreconocible. Ambos construyen una relación creíble incluso cuando el relato se vuelve más simbólico que narrativo.
Una puesta en escena elegante al servicio de las ideas
Visualmente, Schoeller apuesta por una puesta en escena sobria. La fotografía evita cualquier artificio y encuentra en los cuadros de Rembrandt un recurso visual poderoso, utilizando la luz y las sombras como prolongación del estado emocional de los personajes. No es casual: el claroscuro característico del pintor se convierte aquí en una metáfora constante de las zonas grises entre conocimiento, intuición y conciencia moral.
Un ritmo pausado que no conectará con todo el público
Donde la película puede dividir más al público es en su ritmo. Es un cine pausado, construido a partir de conversaciones, silencios y largos momentos de contemplación. Quien espere un thriller sobre una conspiración nuclear probablemente salga decepcionado, porque el suspense nunca es el verdadero objetivo. La tensión procede de las dudas éticas y existenciales de sus protagonistas, no de la acción.
El mayor mérito de ‘El síndrome Rembrandt’ reside precisamente en no ofrecer desvelar sus cartas de manera explícita. Invita al espectador a preguntarse hasta qué punto el conocimiento científico basta para comprender el mundo o si el arte puede revelar verdades que escapan a la razón. No obstante, esa misma ambición intelectual acaba jugando en su contra cuando la película prioriza el discurso sobre la emoción y convierte algunas secuencias en ejercicios de reflexión más que en auténticos momentos dramáticos.
En definitiva, Pierre Schoeller firma una obra elegante, inteligente y profundamente europea, destinada a un público dispuesto a dejarse llevar por las ideas más que por la trama. Es una película de esas que requieren una conversación post visionado.
Ficha de ‘El síndrome Rembrandt’
Estreno en España: 7 de agosto de 2026. Título original: Rembrandt. Duración: 107 min. País: Francia. Dirección: Pierre Schoeller. Guion: Pierre Schoeller, Anne-Louise Trividic. Música: Pawel Mykietyn. Fotografía: Nicolas Loir. Reparto principal: Camille Cottin, Romain Duris, Denis Podalydès. Producción: Trésor Films, France 3 Cinema, Zinc, Artémis Productions, BE TV, Proximus, Canal+, Netflix. Distribución: Vercine. Género: drama, suspense. Web oficial.
Renny Harlin regresa a un territorio conocido, con pretensiones honestas y factura española
Tras haber estado muy entretenido con la trilogía remake de ‘The Strangers’, Renny Harlin cambia de tercio. El director de ‘Deep Blue Sea’ vuelve a rodar con sobre tiburones y también regresa al género del cine de acción pues es también el más lucrativo para él. Recordemos que Harlin es el director de ‘Jungla de Cristal 2’, ‘La isla de las cabezas cortadas’ o ‘Máximo riesgo’, entre otras. Con todo esto y aunque la calidad de las películas de este finés siempre se pone en entredicho (es el autor de ‘Hércules: el origen de la leyenda’), cabía esperar una película que no fuese de mera explotación. ‘En mar abierto’ es exactamente eso, pero con bastante buena calidad técnica.
¿Se puede tener tan mala suerte de que, tras la fortuna de sobrevivir a un aterrizaje forzoso en el mar, te veas rodeado de tiburones? Harlin piensa que es plausible y es la premisa que plantea para desarrollar la acción. Y lo hace a partir del texto los guionistas de películas calificadas casi de serie B como son Shane Armstrong y S. P. Krause, autores de ‘Bait’, ‘Black Chamber’ o ‘The Darkness’. Se percibe el bajo presupuesto pese a los nombres de su reparto, pero la película sale airosa por lo que comentaba anteriormente, hay una mano diestra tras la cámara y en postproducción que sabe darle a todo un halo de realismo y de película más costosa de lo que realmente es. Quien sabe, quizás si se hubiese concebido como originalmente se pensaba, que era como secuela de ‘Bait’, la cosa habría sido peor.
Harlin demuestra desde los primeros minutos que sabe manejar el ritmo. Tiene alguna que otra toma curiosa a la hora de reflejar la dimensión de la catástrofe o de darle espectacularidad a la acción, especialmente durante el accidente, donde la planificación transmite una sensación de caos bastante conseguida. Resulta llamativo que varias de las secuencias acuáticas se rodaran en grandes depósitos de agua combinados con escenarios físicos y efectos digitales, una solución habitual en este tipo de producciones que aquí logra un resultado más convincente de lo esperado.
También es interesante comprobar cómo el director recupera una idea que ya dominó en ‘Deep Blue Sea’: los tiburones funcionan mejor cuando son una amenaza constante que cuando ocupan el centro del plano. La tensión nace más de la espera que del ataque. Y por otro lado el coste, a raíz de tener que recrear menos tiburones, se reduce.
Un entretenimiento consciente de sus excesos
Uno de los mayores aciertos del guion de ‘En mar abierto’ consiste en no limitar toda la acción a un único espacio. La película dispone varios escenarios dentro del mismo desastre. Encierros, tensión social, carreras delante de un tiburón… Entre las tres consiguen mantener nuestra atención, que por supuesto solo quiere ver muertes con escualos. Esa fragmentación evita que la propuesta caiga en la monotonía y permite alternar momentos de suspense con otros mucho más cercanos al cine de aventuras.
Eso no significa que el libreto esté libre de decisiones cuestionables. Como en toda película de estas características hay alguna que otra decisión por parte de los protagonistas que carece de sentido o lógica. Hay personajes que parecen olvidar el peligro en el momento más inoportuno o que escogen siempre la alternativa más arriesgada. Sin embargo, Harlin parece plenamente consciente de ello y, en ocasiones, incluso juega con esos tópicos. No es casual la inclusión de un personaje que, en mitad del caos, grita el clásico «soy ciudadano americano», una frase que funciona casi como una broma metacinematográfica sobre determinados clichés del cine de acción estadounidense.
Dentro del reparto sorprende especialmente la presencia de Ben Kingsley. Su participación es prácticamente una broma, reducida a un papel tan breve que cuesta creer que un intérprete de su prestigio figure entre los principales reclamos del cartel. Más que un personaje, parece un elegante cameo destinado a aportar un nombre de peso a la producción.
Aaron Eckhart sostiene la aventura
Quien realmente carga con el peso del relato es Aaron Eckhart. El actor recupera el rol de piloto como ya hizo en ‘Sully’. Es uno de los protagonistas en esta historia que realmente tiene protagonismo compartido al fragmentarse en distintas situaciones, pero es evidente que la narración regresa a él una y otra vez. Eckhart aporta la presencia, más que demostrada anteriormente, como líder y cumple con el perfil de héroe clásico.
Y sí, llega ese momento que resume perfectamente la filosofía del filme: Aaron Eckhart liándose a golpes con un remo con un tiburón que le triplica en tamaño. Es una escena que supone una declaración de intenciones y que seguro que más de un superviviente real te diría que no es tan loca como parece. Sea como fuere está claro que Harlin no busca realismo, sino una diversión extraída de la tensión.
Un desastre aéreo que sabe cómo no acabar estrellándose
La producción es consciente en todo momento de qué clase de película quiere ser. No aspira al terror sofisticado ni a la profundidad psicológica. Aporta ciertos dramas para cada personaje pero su objetivo es mantener al espectador tenso durante poco más de hora y media enlazando accidentes, ataques, rescates imposibles y algún que otro sacrificio heroico.
‘En mar abierto’ no alcanzará el estatus de clásico dentro del subgénero de tiburones, pero sí representa cierto sector del terror actual que esquiva la parte peyorativa de la etiqueta serie B comprendiendo perfectamente cuáles son sus fortalezas. Renny Harlin aporta el oficio suficiente para ello. Es un pasatiempo honesto y a veces eso basta para disfrutar.
Por último, cabe señalar que la película tiene factura española pues está producida por Nostromo Pictures y parte de su rodaje ha transcurrido en Canarias. La banda sonora es del getxotarra Fernando Velázquez y han trabajado en ella estudios de efectos como Orca Studios o El Ranchito. Es pro ello que está dedicada a la memoria de Lionel Estivill, experto en VFX quien con solo 34 años fue profesor de la ESCAC y trabajó en películas como ‘Transformers’, ‘Thor’, ‘Paddington’ o ‘Apocalipsis Z’.
Ficha de ‘En mar abierto’
Estreno en España: 7 de agosto de 2026. Título original: Deep Water. Duración: 110 min. País: EE.UU., España. Dirección: Renny Harlin. Guion: Pete Bridges, Shayne Armstrong, S.P. Krause. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: DJ Stipsen. Reparto principal: Ben Kingsley, Aaron Eckhart, Angus Sampson, Molly Belle Wright. Producción: Nostromo Pictures, Arclight Films, Aristos Films, Aventura, Blue Rider Pictures, Pink308, Rabbits Black, SSS Entertainment, Simmons/Hamilton Productions, Top Film Distribution. Distribución: DeAPlaneta. Género: acción, terror. Web oficial.
David Dastmalchian: “Los verdaderos monstruos son las personas con poder que usan ese poder para oprimir”
David Dastmalchian y Leah Kilpatrick visitaron Akira Comics para presentar ‘Kingdom of Earth’, la nueva serie publicada por Dark Horse Comics, una obra de terror, fantasía y crítica social que imagina un futuro en el que todos los monstruos de la mitología mundial han conquistado la Tierra y los seres humanos han pasado a ser ganado.
David Dastmalchian es conocido por el gran público por sus papeles en películas como ‘The Suicide Squad’, ‘Dune’ o ‘Late Night with the Devil’, pero en los últimos años también se ha consolidado como guionista de cómics. Es el creador de series como ‘Count Crowley’ y ha escrito historias para Marvel y DC, llevando su pasión por el terror y los monstruos al noveno arte. Junto a él trabaja Leah Kilpatrick, guionista, actriz y diseñadora de criaturas, que ha participado en títulos como ‘DC Horror Presents’, ‘Headless Horseman’ y ‘Minor Threats’, especializándose en historias de horror con un marcado componente humano. Juntos forman una de las parejas creativas más interesantes del cómic de terror actual.
Durante el encuentro, ambos autores explicaron las influencias de la obra, hablaron de su proceso creativo y reflexionaron sobre el estado actual del mundo, dejando claro que ‘Kingdom of Earth’ es mucho más que una historia de monstruos. Por otro lado, manifestaron su asombro ante la calidad y la cantidad de tiendas de cómics en Madrid pues él lo primero que hace al llegar a una ciudad es buscar en mapas tiendas de cómics.
Un mundo inspirado por la realidad
Dastmalchian confesó que siempre ha sentido fascinación por las historias de monstruos y por el planteamiento de ‘El planeta de los simios’, pero explicó que la idea de ‘Kingdom of Earth’ nació al observar los cambios políticos y sociales que ha vivido Estados Unidos durante la última década: “Sentía que mi país estaba siendo tomado por otra especie. Todo estaba cambiando: la cultura, la política… Veía crecer el nacionalismo, el racismo, la intolerancia y la violencia.”
Junto a Leah Kilpatrick comenzaron a preguntarse qué ocurriría si invirtieran completamente la situación habitual de las historias de monstruos. “Pensamos en una historia donde los humanos fueran esclavos, ganado y comida para los monstruos. Hay monstruos buenos y monstruos malos luchando por controlar el mundo, pero el verdadero tema es la supervivencia, la identidad, la humanidad y la empatía.”
Aunque la historia nace desde una perspectiva norteamericana, el actor insistió en que el mensaje es universal. “Estados Unidos no es el único país que tiene problemas. Hay muchos lugares viviendo situaciones similares. Por eso ‘Kingdom of Earth’ no habla solo de Estados Unidos, sino del mundo entero.”
Una pasión compartida por los monstruos
Leah Kilpatrick explicó que ambos comparten una auténtica obsesión por las criaturas fantásticas: “Nos encantan todos los monstruos: hombres lobo, fantasmas, demonios, criaturas marinas… Nos inspira la mitología japonesa, latinoamericana, europea… Todo eso termina formando parte de este universo.”
Esa mezcla de folclore de diferentes culturas convierte ‘Kingdom of Earth’ en un escenario donde conviven criaturas procedentes de prácticamente todas las mitologías imaginables.
Los cómics como puerta de entrada a la imaginación
Kilpatrick también habló de su infancia y de cómo los cómics fueron fundamentales para despertar su creatividad: “De pequeña tenía muchas dificultades para leer. Los libros me intimidaban, pero los cómics no. Las imágenes me permitían construir la historia en mi cabeza.” Con el tiempo empezó a rellenar mentalmente los espacios que las historias dejaban abiertos, desarrollando así su propia imaginación como narradora.
Actualmente compagina la escritura con la interpretación y la improvisación, una disciplina que considera fundamental para trabajar junto a Dastmalchian: “Tenemos una especie de mente colmena. Pensamos de forma muy parecida y eso hace que construir mundos juntos sea muy natural.” Recordemos que ambos trabajan en la serie ‘Murderbot’.
Crear personajes frente a interpretarlos
Como actor, Dastmalchian ha pasado gran parte de su carrera interpretando personajes creados por otros, desde Shakespeare hasta franquicias contemporáneas. Por ello, explicó la diferencia que supone escribir sus propios cómics: “Cuando interpretas a un personaje creado por otra persona debes encontrar qué puedes aportar tú. Si me eligieran para interpretar al Joker, no tendría sentido intentar copiar a Jack Nicholson. Si me han elegido es porque esperan que aporte algo propio.”
Puso como ejemplo su incorporación al universo de ‘One Piece’ interpretando a Mr. 3. “Existe toda una tradición de actores que ya han dado vida al personaje. Mi trabajo consiste en encontrar al Mr. 3 que solo yo puedo interpretar.” Sin embargo, escribir resulta un reto completamente distinto. “Crear el personaje, el mundo y la historia da mucho más miedo. Nunca voy a escribir mejor que Julio Verne, Mary Shelley o Bram Stoker. Lo único que puedo aportar son las preguntas que me sigo haciendo con 50 años.”
Entre esas preguntas citó una especialmente importante. “Todavía intento entender por qué las personas se tratan tan mal unas a otras.”
Frankie, una esperanza para la humanidad
Uno de los personajes centrales de ‘Kingdom of Earth’ es Frankie, una niña de doce años que representa la esperanza en un mundo dominado por los monstruos. Kilpatrick explicó que desde el principio querían que fuera un personaje con el que cualquiera pudiera identificarse. “Frankie representa la esperanza. Queríamos que fuera alguien capaz de representar a toda la humanidad.”
Además, decidieron que el personaje fuera no binario para facilitar esa identificación universal. “Queríamos que cualquier lector pudiera verse reflejado en Frankie, independientemente de su género.” También defendió que la infancia simboliza la parte más auténtica del ser humano. “Nuestro verdadero yo es el niño que fuimos. Cuando crecemos vamos perdiendo parte de esa autenticidad.”
Un futuro donde los monstruos dominan la Tierra
Durante la presentación, Dastmalchian resumió el punto de partida de la serie. “Estamos en un futuro no muy lejano donde todos los monstruos imaginados por la humanidad han surgido de la tierra y de los océanos. Los monstruos españoles, japoneses, norteamericanos… todos luchan por controlar el planeta.”
Pero insistió en que la historia no gira únicamente alrededor de los combates. “Es una historia sobre supervivencia, amistad y sobre encontrar esperanza donde menos lo esperas.” El autor también quiso destacar el trabajo artístico de la dibujante. “Aunque nuestra historia no os interese, comprad el cómic por el arte. Es absolutamente maravilloso.”
Drácula, el Hombre Lobo… y las adicciones
Preguntado por su monstruo favorito, Dastmalchian confesó sentir una conexión especial con Drácula. “Puedo entender a Drácula de muchas maneras porque durante mi vida he luchado contra las adicciones.” El actor explicó que la adicción deja una huella profunda. “Es una enfermedad que vive en tu ADN, en tu sangre y en tu espíritu.” Sin embargo, reconoció que el Hombre Lobo siempre ha sido su criatura favorita. “Desde pequeño estuve obsesionado con el Hombre Lobo. Me fascina esa lucha entre aceptar el monstruo que llevas dentro o dejar que te destruya.”
Su relación con Dark Horse Comics
El actor recordó que comenzó leyendo Marvel y DC, aunque pronto descubrió el cómic independiente. Especialmente quedó fascinado por el trabajo de Mike Mignola y el universo de ‘Hellboy’, además de autores como Steve Niles.
Su relación con Dark Horse Comics comenzó tras presentarles uno de sus primeros proyectos durante la San Diego Comic-Con. “Tuve la suerte de que dijeran que sí. Me dieron un editor extraordinario y los artistas con los que siempre había querido trabajar.” Desde entonces ha seguido colaborando con la editorial y aseguró que lo importante no es tanto dónde publica como encontrar editoriales que crean en sus ideas. “Los monstruos reales son mucho más aterradores”
La intervención terminó con una reflexión que resumió perfectamente el espíritu de ‘Kingdom of Earth’. Al ser preguntado por si teme más a los monstruos ficticios o a los reales, Dastmalchian no dudó. “Los monstruos reales, sin ninguna duda.” Y desarrolló una respuesta que fue uno de los momentos más aplaudidos del encuentro. “Nada me da más miedo que las personas con poder que utilizan ese poder para oprimir, asustar y marginar a otros para conseguir todavía más poder.”
El actor lamentó que la historia de la humanidad repita constantemente los mismos patrones. “Siempre encontramos un grupo diferente al que señalar: mujeres, personas homosexuales, inmigrantes, pobres… No entiendo por qué seguimos haciendo eso.” Pero concluyó con una reflexión todavía más personal. “Lo que más miedo me da es mirarme al espejo y reconocer que yo también tengo capacidad para convertirme en un monstruo.” Con esa idea quedó claro que, aunque ‘Kingdom of Earth’ esté poblado por vampiros, hombres lobo y criaturas mitológicas, los autores consideran que los verdaderos monstruos siguen siendo, demasiadas veces, los propios seres humanos.
Warner Bros. Discovery ha adquirido los derechos de la esperada serie de A24
Los seguidores de ‘Viernes 13’ ya tienen una de las series más esperadas del género en el horizonte. Warner Bros. Discovery ha anunciado la adquisición de ‘Crystal Lake’, la nueva producción de A24, que se estrenará en HBO Max en toda la región EMEA (Europa, Oriente Medio y África), con la excepción del Reino Unido e Irlanda.
La ficción constará de ocho episodios y servirá como precuela oficial del universo de ‘Viernes 13’, profundizando en los orígenes de Pamela Voorhees y del pequeño Jason mucho antes de los acontecimientos que dieron origen a una de las franquicias más icónicas del cine de terror.
Una historia centrada en Pamela Voorhees
La serie estará protagonizada por la nominada al Emmy Linda Cardellini (‘Dead to Me’, ‘DTF St. Louis’), que dará vida a Pamela Voorhees, mientras que William Catlett interpretará al jefe de policía local Levon Brooks.
El reparto también contará con:
Devin Kessler como Brianna Brooks.
Cameron Scoggins como el agente Dorf.
Gwendolyn Sundstrom como Grace.
Callum Vinson como el joven Jason Voorhees.
La historia se sitúa casi un año después de la muerte por ahogamiento del pequeño Jason en el lago de Crystal Lake. Pamela, incapaz de superar la tragedia, verá cómo la llegada de dos misteriosos desconocidos desencadena una serie de acontecimientos que pondrán patas arriba a toda la comunidad.
Una nueva mirada al universo de ‘Viernes 13’
Más allá del terror, ‘Crystal Lake’ apostará por una combinación de drama psicológico, misterio y suspense ambientado en un pequeño pueblo. La serie ampliará la mitología creada alrededor de Pamela y Jason Voorhees, explorando el dolor, el aislamiento y las oscuras fuerzas que rodean el lago antes de convertirse en el escenario de la célebre saga cinematográfica.
Un equipo creativo con experiencia en el género
La producción corre a cargo de A24, mientras que Brad Caleb Kane (‘It: Bienvenidos a Derry’, ‘Tokio Vice’, ‘Warrior’) ejerce como creador, guionista, showrunner y productor ejecutivo.
Entre los productores ejecutivos también figuran nombres como:
Marc Toberoff
Victor Miller
Roy Lee
Stuart Manashil
Tyson Bidner
Robert M. Barsamian
Robert P. Barsamian
La dirección de los episodios se repartirá entre Michael Lennox, Celine Held, Logan George y Quyen Tran.
Estreno en HBO Max en 2026
Rodada en Nueva Jersey, ‘Crystal Lake’ llegará a HBO Max durante 2026 en toda la región EMEA, salvo Reino Unido e Irlanda.
Con esta producción, Warner Bros. Discovery y A24 recuperan uno de los universos más influyentes del cine de terror para ofrecer una nueva perspectiva sobre los orígenes de Pamela y Jason Voorhees, dos personajes fundamentales de la historia del género.
‘Jumanji: Mundo Abierto’ presenta su primer tráiler y confirma su estreno en cines para el 25 de diciembre
Sony Pictures ha lanzado el tráiler oficial de ‘Jumanji: Mundo Abierto’, la esperada película que pondrá el broche final a la exitosa trilogía iniciada en 2017. La nueva aventura volverá a reunir a Dwayne Johnson, Kevin Hart, Jack Black y Karen Gillan, quienes regresan para enfrentarse al mayor desafío de la franquicia hasta la fecha.
Dirigida por Jake Kasdan, responsable de las dos anteriores entregas, y con guion firmado por el propio Kasdan junto a Jeff Pinkner y Scott Rosenberg, la película llegará exclusivamente a los cines el próximo 25 de diciembre, convirtiéndose en una de las grandes apuestas cinematográficas para las Navidades de 2026.
Jumanji abandona el videojuego y llega al mundo real
Tras sobrevivir en anteriores ocasiones a las peligrosas selvas y desafíos del universo de Jumanji, los protagonistas descubrirán que esta vez las reglas han cambiado por completo. Según adelanta la sinopsis oficial, el legendario juego deja de estar confinado dentro de la consola y comienza a invadir el mundo real, provocando un auténtico caos que obligará a los héroes a enfrentarse a peligros nunca vistos.
Este nuevo planteamiento supone el mayor cambio de la saga hasta la fecha, trasladando la acción fuera del videojuego y ampliando considerablemente la escala de la aventura. Algo similar a lo que sucedía en la película original.
Regresa el reparto protagonista de la trilogía
La película recupera a los cuatro grandes protagonistas que han convertido la franquicia en un éxito internacional:
Dwayne Johnson
Kevin Hart
Jack Black
Karen Gillan
El equipo volverá a combinar humor, acción, aventuras y criaturas fantásticas en una historia que promete despedir la trilogía por todo lo alto.
Tráiler oficial de ‘Jumanji: Mundo Abierto’
Sony Pictures ya ha publicado el primer tráiler oficial, donde puede verse cómo el universo de Jumanji invade el mundo real y transforma la vida cotidiana en una gigantesca aventura llena de peligros, criaturas y situaciones imposibles.
El avance anticipa una producción de gran espectáculo visual, manteniendo el tono de acción y comedia que ha caracterizado a las anteriores entregas.
Estreno en cines el 25 de diciembre
‘Jumanji: Mundo Abierto’ llegará exclusivamente a los cines el 25 de diciembre de 2026, convirtiéndose en uno de los grandes estrenos familiares de la campaña navideña y en la conclusión de una de las franquicias de aventuras más exitosas de los últimos años.
Una fresca y nueva perspectiva a través del Spider-Man más solitario, pero a la vez el más multitudinario
Tras el terremoto emocional de ‘Spider-Man: No Way Home’, parecía evidente que el siguiente paso del Peter Parker de Tom Holland debía ser mirar hacia dentro antes que hacia el multiverso. ‘Spider-Man: Brand New Day’, dirigida por Destin Daniel Cretton, entiende perfectamente esa necesidad y construye un relato donde la melancolía pesa tanto como la acción. No llega a convertirse en una película oscura, pero sí adopta un tono más tenebroso y adulto que el de entregas anteriores, explorando la soledad del héroe derivada del conjuro que hizo que el mundo olvidara quién es realmente Peter Parker. Y ese enfoque, para mí es de las mejores bazas de este filme.
Nada más comenzar, el largometraje rompe una de las principales expectativas que había generado su campaña promocional. Como muchos sospechábamos, prácticamente todo el material más espectacular del tráiler pertenece a la secuencia de apertura. Las imágenes que recreaban viñetas míticas del cómic y ese desfile de villanos que prometía una amenaza coral se concentran en esos primeros minutos. Es una decisión inteligente porque prepara al espectador para descubrir que, en realidad, esta vez no existe un gran supervillano central que monopolice el conflicto.
De paso, la película desmonta buena parte de las teorías conspirativas que inundaron las redes sociales durante meses. Aquellos autoproclamados «expertos» que aseguraban que Sony había eliminado personajes del tráiler o escondía medio reparto han visto cómo todas sus predicciones se desmoronan. Quizá sirva para que muchos aficionados aprendan a distinguir entre quienes analizan el cine por amor al arte y quienes simplemente alimentan el algoritmo con especulaciones sin fundamento en busca de notoriedad y autobombo.
Un puente emocionante hacia el futuro… que a veces frena demasiado
Uno de los grandes aciertos del libreto consiste en recuperar la esencia científica de Spider-Man. Peter va enlazando encuentros, experimentos y situaciones donde la pseudociencia vuelve a desempeñar un papel fundamental, recuperando una tradición muy arraigada en los cómics del personaje. A ello se suma un equilibrio bastante conseguido entre la tristeza que provoca el recuerdo de MJ (Zendaya) y el humor característico del protagonista. Peter ha madurado, pero sigue echando de menos su etapa estudiantil, sus amigos y ese punto friki que siempre ha definido al personaje y que más aflora cuando está con Ned (Jacob Batalon).
Las escenas de acción también merecen una mención especial. Los balanceos por Nueva York y varias coreografías parecen diseñadas pensando directamente en quienes han disfrutado de los videojuegos recientes del personaje. Hay movimientos, encuadres y persecuciones que recuerdan claramente a esa forma tan dinámica de entender al trepamuros.
Sin embargo, donde la película deja una sensación más agridulce es en su incapacidad para culminar dos ideas realmente prometedoras. No porque vayan demasiado lejos, sino precisamente porque se quedan a medio camino.
La primera tiene que ver con los mutantes. Marvel y Sony rozan un terreno apasionante (además de recordarnos a la película ‘Fallen’), pero pisan el freno justo cuando parecía que iban a cruzar una línea importante. Jean Grey aparece (el secreto que hace tiempo que dejó de serlo) y su reinterpretación resulta muy distinta tanto para ella como para otro personaje relacionado con esa trama. Da la impresión de que Marvel Studios y los acuerdos entre compañías han preferido reservar determinadas sorpresas para producciones completamente controladas por el estudio marvelita.
La segunda oportunidad desaprovechada afecta al propio Spider-Man. Se insinúa una evolución física del héroe que podría haber acercado la historia a terrenos próximos al body horror que en su día tampoco culminó Sam Raimi, pero nuevamente la película opta por detenerse antes de cruzar ese umbral. Es fácil imaginar que Sony haya considerado que ese camino podría resultar demasiado extremo para una versión cinematográfica tan popular del personaje, pero habría estado bien aproximarse a cómics como ‘The Spectacular Spider-Man’, ‘The Other: Evolve or Die’ o ‘Mutant Agenda’.
Una película de transición marvelita pero con personalidad propia
Aunque funciona claramente como puente hacia acontecimientos futuros del Universo Cinematográfico Marvel, ‘Spider-Man: Brand New Day’ consigue evitar convertirse únicamente en un episodio de transición. Incluso encuentra tiempo para desarrollar una idea sorprendentemente original alrededor de una palabra recurrente durante el relato, construyendo una especie de pequeño ‘Ciudadano Kane’ que aporta un giro diferente dentro del cine superheróico.
No todo funciona con la misma precisión. Hay varias secuencias cuya resolución transmite cierta sensación de improvisación, especialmente una situada inmediatamente después del clímax principal, donde parece que el montaje no encuentra la mejor forma de cerrar lo que acaba de ocurrir.
Destin Daniel Cretton vuelve a demostrar la sensibilidad narrativa que ya había exhibido en ‘Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos’ o en ‘Wonder Man’. El director mantiene además un perfil especialmente interesante dentro de Marvel. Conviene mantenerle en nuestro punto de mira por eso y por ser el encargado del esperado live action de ‘Naruto’.
Entre los numerosos guiños para los aficionados destaca también la dedicatoria final a Gerry Conway, creador de The Punisher aquí interpretado nueva mente por Jon Bernthal. El homenaje resulta especialmente apropiado si recordamos que El Castigador debutó precisamente en las páginas de un cómic de Spider-Man.
Puede que ‘Spider-Man: Brand New Day’ no alcance el impacto emocional que tuvieron en su día algunas películas de Tobey MaGuire o Andrew Garfield, ni se atreva a desarrollar todas las ideas que plantea, pero sí ofrece una evolución coherente del personaje. Combina entretenimiento con melancolía y deja preparado un tablero que promete movimientos muy interesantes en el futuro del MCU.
Como añadido final y avisando de spoilers he de mencionar la escena post-créditos. Se nos avisa de la presencia de Spider-Man en el espacio exterior. Por supuesto, correrán, ríos de tinta y ahora serán todo teorías. Así es que podemos imaginar que este Spider-Man que hemos visto pertenece a otro universo, que va a recibir la visita de un equivalente de un universo paralelo o incluso podría tratarse de 2099, el Spider-Man, que veremos en la nueva película animada que cerrará la trilogía de Miles Morales, aunque este realmente de lo que viene es del futuro. Lo más probable es que tenga que ver con lo que va a pasar en ‘Secret Wars’. Pero ya sabéis que con una semillita como esta muchos sacarán oro.
Ficha de ‘Spider-Man: Brand New Day’
Estreno en España: 29 de julio de 2026. Título original: Spider-Man: Brand New Day. Duración: 144 min. País: EE.UU. Dirección: Destin Cretton. Guion: Chris McKenna, Erik Sommers, Justin Kuritzkes. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Brett Pawlak. Reparto principal: Tom Holland, Zendaya, Jacob Batalon, Sadie Sink, Jon Bernthal, Mark Ruffalo. Producción: Columbia Pictures, Marvel Studios, Pascal Pictures, Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial.
Proyecciones de ‘Akira’, ‘Kill Bill’, ‘Harry Potter’, ‘Hamnet’, ‘Bad Apples’ y una sesión especial sing along de ‘La La Land’
Cibeles de Cine seguirá siendo uno de los grandes referentes del verano madrileño durante unas semanas más. El ciclo organizado por CentroCentro e ideado y producido por mk2 Cines ha anunciado la ampliación de su programación hasta el 11 de septiembre, incorporando una nueva serie de eventos especiales que reunirán clásicos del cine, estrenos nacionales y proyecciones presentadas por reconocidos divulgadores cinematográficos.
Después de superar los 11.000 espectadores en su undécima edición, el cine de verano instalado en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles continuará ofreciendo una programación especial durante agosto y septiembre, consolidándose como una de las citas culturales imprescindibles del verano en Madrid.
‘Akira’, ‘Kill Bill’, ‘Harry Potter’ y ‘Hamnet’, protagonistas de agosto
El calendario de eventos especiales arrancará el 12 de agosto con la proyección de ‘Akira’ en su nueva restauración en 4K. La sesión contará con una presentación a cargo del divulgador cinematográfico Javi Godoy, creador del podcast ‘Haz que pare que’.
Los días 19 y 26 de agosto será el turno de ‘Kill Bill: The Whole Bloody Affair’, que podrá disfrutarse en dos sesiones cronológicas organizadas junto al ciclo Aeterna. José Arce y Juan Pérez serán los encargados de introducir ambas proyecciones.
El 29 de agosto llegará una de las sesiones más familiares con ‘Harry Potter y la piedra filosofal’, presentada por Sergio Casas e Iván Fuentes, especialistas en el universo creado por J. K. Rowling.
Por su parte, el 31 de agosto se celebrará una sesión especial de la revista Fotogramas con la proyección de ‘Hamnet’, el nuevo largometraje dirigido por Chloé Zhao, presentada por Laura Pérez y Julieta Martialay.
Septiembre traerá el estreno de ‘Bad Apples’ y una gran despedida con ‘La La Land’
La programación especial continuará el 9 de septiembre con el estreno nacional de ‘Bad Apples’, la nueva sátira dirigida por Jonatan Etzler tras su paso por el Festival de San Sebastián.
Como broche final a esta edición, el 10 de septiembre Cibeles de Cine celebrará su décimo aniversario con una proyección especial sing along de ‘La La Land’. La jornada comenzará a las 20:00 horas con una sesión musical de Vinilos & Spritz y permitirá al público disfrutar de la película cantando sus canciones más populares.
Durante esta última jornada también podrá visitarse por última vez la exposición aérea ‘Un país de puro cine’, una colección de retratos de figuras del cine español realizada con motivo del 50 aniversario del diario El País.
Una experiencia cinematográfica completa en pleno centro de Madrid
Hasta el cierre de la edición, Cibeles de Cine mantendrá su horario habitual con apertura diaria desde las 20:00 horas y proyecciones a las 22:00 horas.
Antes de cada sesión, los asistentes podrán disfrutar de la zona Bar & Lounge con servicio de restauración, además de recorrer la exposición instalada en el recinto y participar en diferentes actividades temáticas programadas a lo largo del verano.
La experiencia continúa apostando por un patio de butacas con 650 asientos equipados con cojines, proyección en alta definición y auriculares inalámbricos para disfrutar de las películas en versión original subtitulada, salvo la programación habitual de los sábados.
Además, mk2 Cines mantiene su colaboración con Campari, que ofrecerá diferentes experiencias durante el ciclo, incluyendo butacas premium con cena y eventos especiales vinculados al cine.
Las entradas ya se encuentran disponibles para todas las sesiones programadas hasta el 10 de septiembre.
Presentará las nuevas temporadas de ‘The Ark’ y ‘The Librarians: el próximo capítulo’
SYFY ha anunciado la participación de Dean Devlin en San Diego Comic-Con Málaga 2026, donde el reconocido guionista, productor y director será uno de los grandes protagonistas de la programación del canal. El creador presentará en primicia las nuevas temporadas de ‘The Ark’ y ‘The Librarians: el próximo capítulo’, dos de los estrenos más esperados que llegarán a SYFY este otoño.
La presencia de Dean Devlin refuerza la apuesta de SYFY por la primera edición europea oficial de San Diego Comic-Con en Málaga, un evento que reunirá a miles de aficionados, profesionales y compañías de la industria del entretenimiento en torno a algunas de las franquicias más populares del panorama audiovisual.
Durante su visita, Devlin participará en un panel exclusivo, una sesión de preguntas y respuestas con los asistentes y diferentes actividades promocionales dedicadas a las dos series. El cineasta, considerado una de las figuras más influyentes de la ciencia ficción contemporánea, ha dejado su huella en producciones como ‘Independence Day’, ‘Stargate’, ‘Godzilla’, ‘Leverage’, ‘The Librarians’ y ‘The Ark’.
El propio Devlin ha mostrado su entusiasmo por visitar España y encontrarse con los seguidores de sus obras, destacando el cariño recibido por parte del público internacional a lo largo de su carrera y asegurando que poder presentar ambas series en SYFY España y participar en San Diego Comic-Con Málaga supone una ocasión muy especial.
Desde NBCUniversal International Networks también han celebrado su incorporación al evento. Gorka Villar, vicepresidente de Marketing para EMEA y Country Lead de Iberia, ha señalado que será la primera participación de Dean Devlin en la edición malagueña de Comic-Con y que su presencia permitirá acercar a los aficionados españoles a uno de los grandes referentes del género fantástico y de ciencia ficción.
Dos grandes estrenos para el otoño de SYFY
Uno de los títulos que protagonizarán la presentación será la tercera temporada de ‘The Ark’. La nueva entrega retomará la historia tras el establecimiento de Homebase 1 como nueva colonia de la humanidad. Mientras parte de la tripulación del Ark One regresa al espacio en busca de más supervivientes de la Tierra, quienes permanecen en el planeta descubrirán que su aparente refugio podría esconder peligros mucho mayores de los imaginados.
La otra gran protagonista será la segunda temporada de ‘The Librarians: el próximo capítulo’. Los nuevos episodios profundizarán en la evolución de sus protagonistas mientras afrontan las responsabilidades de convertirse en los nuevos Bibliotecarios. La llegada de Merlín pondrá a prueba las normas que rigen la Biblioteca y obligará al grupo a enfrentarse tanto a amenazas sobrenaturales como a sus propios miedos.
Un referente de la ciencia ficción y la televisión fantástica
Además de dirigir y producir numerosas películas de éxito internacional, Dean Devlin continúa ampliando su legado televisivo como CEO de Electric Entertainment. Actualmente ejerce como creador y productor ejecutivo de ‘The Ark’, además de showrunner de ‘The Librarians: el próximo capítulo’, consolidando una trayectoria que lo mantiene como una de las voces más importantes del género.
Su participación en San Diego Comic-Con Málaga se perfila como uno de los grandes reclamos para los seguidores de la ciencia ficción y la fantasía, que podrán conocer de primera mano las novedades de ambas series antes de su estreno en SYFY durante el próximo otoño.
Una narración consistente y poderosa que no necesita palabras
Hay ocasiones en las que un cortometraje demuestra que el cine sigue siendo, ante todo, un arte visual y narrativo que no entiende de tiempos. ‘Juggernaut’, dirigido por los hermanos Daniele Ricci y Emanuele Ricci, pertenece a esa categoría de obras que prescinden deliberadamente del diálogo para confiar toda su expresividad a la imagen, el sonido y la interpretación física. Es un cortometraje italiano, sí, pero también una propuesta profundamente universal, porque su historia podría comprenderse en cualquier rincón del mundo sin necesidad de traducción.
Lejos de convertirse en un mero ejercicio de estilo, el silencio es aquí una herramienta narrativa. No hay una sola línea de diálogo ni un solo texto explicativo, pero tampoco hacen falta. La historia es sencilla y está construida desde la acción, permitiendo que el espectador descubra poco a poco un universo mucho mayor del que realmente aparece en pantalla. Esa capacidad para sugerir un imaginario completo sin verbalizarlo es uno de los mayores logros del trabajo de los Ricci.
El protagonista transmite una resistencia casi sobrehumana sustentada en el estoicismo, como hacía el protagonista de ‘Sisu’, por ejemplo. Del mismo modo que el personaje creado por Jalmari Helander avanzaba soportando todo tipo de adversidades con una determinación inquebrantable, el héroe de ‘Juggernaut’ interpretado por Eugenio Krilov encuentra en la perseverancia su principal arma. Son personajes definidos mucho más por sus acciones que por sus palabras, auténticos supervivientes cuya personalidad se construye golpe tras golpe.
Una fantasía medieval de enorme riqueza visual
Si algo destaca desde el primer plano es el extraordinario trabajo fotográfico. La imagen posee un color muy trabajado, con un etalonaje que dota de personalidad propia a cada escenario. La fotografía juega constantemente con los contrastes entre espacios dominados por la oscuridad y pequeños estallidos cromáticos que enriquecen la composición sin romper la coherencia estética. Una prenda, una llama, un cielo, el color aparece para destacar entre lo tenebroso del ambiente.
La propuesta visual remite a esa fantasía medieval europea de tono oscuro que en los últimos años ha encontrado excelentes representantes. Es fácil pensar en el imaginario desarrollado por Paul Urkijo o recordar atmósferas cercanas a ‘Black Death’ y ‘El caballero verde’. No se trata de una imitación, sino de compartir una sensibilidad estética donde los bosques, las ruinas, la piedra y la naturaleza adquieren un peso dramático tan importante como los propios personajes.
Sorprende también el diseño de producción. A pesar de tratarse de una producción modesta, el cortometraje presenta un notable cuidado en la construcción de su universo. El vestuario, el atrezo y los diferentes elementos escénicos (props) poseen una credibilidad que ayuda enormemente a la inmersión. En ningún momento da la impresión de que el presupuesto limite la ambición artística, al contrario, la imaginación compensa cualquier restricción material.
Un ejercicio de cine puro que trasciende su condición de cortometraje
Quizá el mayor mérito de ‘Juggernaut’ sea precisamente su capacidad para sugerir mucho más de lo que enseña. En apenas unos minutos logra que el espectador intuya una mitología previa, un contexto histórico y unas reglas internas que nunca necesitan ser explicadas. Ese respeto por la inteligencia del público conecta con el mejor cine fantástico contemporáneo, donde la exposición deja paso a la observación.
También resulta llamativo el equilibrio entre espectáculo y sobriedad. La acción nunca cae en el exceso, sino que sirve para desarrollar al personaje y mantener un ritmo constante. No busca impresionar mediante la acumulación de secuencias grandilocuentes, sino construir una aventura de apariencia sencilla cuya verdadera riqueza reside en todo aquello que permanece implícito.
‘Juggernaut’ demuestra que el formato corto sigue siendo un extraordinario laboratorio creativo para el cine fantástico. Con una identidad visual muy marcada, una dirección artística sorprendentemente sólida y una narración completamente muda que jamás pierde claridad, Daniele Ricci y Emanuele Ricci firman una obra pequeña en duración pero grande en personalidad. Un recordatorio de que el cine puede seguir emocionando únicamente con imágenes cuando detrás existe una mirada cinematográfica auténtica.
Ficha de ‘Juggernaut’
Estreno en España: 2024. Título original: Juggernaut. Duración: 20 min. País: Italia. Dirección: Daniele Ricci, Emanuele Ricci. Guion: Eugenio Kirlov, Daniele Ricci, Emanuele Ricci. Música: Diego Guarnieri. Fotografía: Daniele Ricci. Reparto principal: Eugenio Krilov, Adriana Papana, Nicolò Cerreti. Producción: Mondo Rosso Productions. Género: terror. Web oficial.
El cortometraje reinventa el universo de ‘El mago de Oz’ con una historia de terror
Muchos son los personajes clásicos o novelas que han cumplido el centenar de años y que por lo tanto acaban de dejar de tener licencia y pasar a dominio público. Ahora el universo de El mago de Oz da un inesperado giro hacia el terror con ‘Dorothy: The Haunting of Oz’, un nuevo cortometraje que acaba de presentar su primer teaser oficial junto a su póster promocional. La producción apuesta por una reinterpretación oscura del célebre relato creado por L. Frank Baum, trasladando algunos de sus personajes más icónicos a un inquietante contexto contemporáneo donde el horror sobrenatural se mezcla con el drama adolescente.
Una maldición nacida de un reto viral
La historia de ‘Dorothy: The Haunting of Oz’ está escrita y dirigida por Elijah J. Alvarez. Arranca cuando un desafío viral de Halloween desencadena una fuerza sobrenatural capaz de traer al mundo real a Dorothy y a la temible Bruja Malvada del Oeste. La acción se desarrolla en una universidad del norte de California, donde un grupo de jugadores de baloncesto afronta un momento especialmente difícil tras sufrir lesiones que amenazan con poner fin a sus carreras deportivas. A ese contexto de frustración, pérdida y sueños rotos se suma una presencia sobrenatural que comienza a alterar la realidad.
En el centro del relato se encuentra Melanie, una joven marcada por profundas heridas emocionales y un dolor que nunca ha conseguido superar. Conforme la maldición se expande, deberá enfrentarse a sus propios fantasmas antes de que el horror termine consumiendo tanto su vida como la de quienes la rodean.
Terror sobrenatural con una carga emocional
Más allá de los elementos propios del cine de terror, el cortometraje apuesta por explorar cuestiones como el duelo, la culpa, la salud mental y los traumas de la infancia. La historia juega constantemente con la frontera entre la memoria, el miedo, el mito y lo sobrenatural, construyendo una atmósfera inquietante en la que el espectador nunca tiene completamente claro dónde termina la realidad y comienza la pesadilla.
Esta combinación de horror psicológico y reinterpretación fantástica convierte a ‘Dorothy: The Haunting of Oz’ en una propuesta que busca ofrecer una lectura completamente diferente del imaginario popular asociado a Oz.
Reparto protagonista
El elenco principal del cortometraje está formado por:
Adrienne Tabag
Caia Bonner
Jordan Sklansky
Aziah King
Andrew Wang
Thomas Shan
Aunque por el momento no se han desvelado más detalles sobre la producción ni su fecha de estreno, el lanzamiento del teaser y del primer póster oficial supone el inicio de la promoción de un proyecto que promete ofrecer una visión mucho más oscura del universo de Oz desde un bajo presupuesto.
Una nueva mirada al legado de Oz
Durante los últimos años, numerosas producciones han revisitado los cuentos clásicos desde perspectivas más adultas y cercanas al terror. Véase Winnie the Pooh, Pinocho o Bambi. ‘Dorothy: The Haunting of Oz’ se suma a esta tendencia con una propuesta que combina el imaginario de uno de los relatos más conocidos de la literatura con una historia de horror contemporáneo centrada en el dolor emocional, la pérdida y las consecuencias de enfrentarse a los propios demonios interiores.
Con su primer material promocional ya disponible, el cortometraje comienza a despertar el interés de los aficionados al cine fantástico y de terror que buscan nuevas reinterpretaciones de los grandes mitos de la cultura popular.
Para ofrecer las mejores experiencias, utilizamos tecnologías como las cookies para almacenar y/o acceder a la información del dispositivo. El consentimiento de estas tecnologías nos permitirá procesar datos como el comportamiento de navegación o las identificaciones únicas en este sitio. No consentir o retirar el consentimiento, puede afectar negativamente a ciertas características y funciones.
Funcional
Siempre activo
El almacenamiento o acceso técnico es estrictamente necesario para el propósito legítimo de permitir el uso de un servicio específico explícitamente solicitado por el abonado o usuario, o con el único propósito de llevar a cabo la transmisión de una comunicación a través de una red de comunicaciones electrónicas.
Preferencias
El almacenamiento o acceso técnico es necesario para la finalidad legítima de almacenar preferencias no solicitadas por el abonado o usuario.
Estadísticas
El almacenamiento o acceso técnico que es utilizado exclusivamente con fines estadísticos.El almacenamiento o acceso técnico que se utiliza exclusivamente con fines estadísticos anónimos. Sin un requerimiento, el cumplimiento voluntario por parte de tu proveedor de servicios de Internet, o los registros adicionales de un tercero, la información almacenada o recuperada sólo para este propósito no se puede utilizar para identificarte.
Marketing
El almacenamiento o acceso técnico es necesario para crear perfiles de usuario para enviar publicidad, o para rastrear al usuario en una web o en varias web con fines de marketing similares.
Para ofrecer las mejores experiencias, utilizamos tecnologías como las cookies para almacenar y/o acceder a la información del dispositivo. El consentimiento de estas tecnologías nos permitirá procesar datos como el comportamiento de navegación o las identificaciones únicas en este sitio. No consentir o retirar el consentimiento, puede afectar negativamente a ciertas características y funciones.
