Acerca de Furanu

De origen irlandés y criado en tierras vetonas, este ingeniero curiosamente nació en Bloomsday. Pegado desde pequeño a una televisión y a cientos de páginas, ahora gasta su tiempo montándose películas y disfrutando las de otros.

Crítica: ‘Hermanito’

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La vieja fórmula del hermano imposible vuelve a llamar a la puerta

Hay películas cuya premisa puede resumirse en una sola frase porque ya forma parte del ADN de la comedia estadounidense. Un individuo ordenado, exitoso y obsesionado ir solo hacia arriba ve cómo su existencia se convierte en un caos por culpa de alguien imprevisible del que no puede deshacerse. ‘Hermanitos’ no intenta ocultar que pertenece a esa tradición. Al contrario, la abraza desde el primer minuto en el que vemos que esto a va a ser una cosa de chiflados.

Matt Spicer dirige una propuesta que reúne a John Cena y Eric André en una dinámica que remite inevitablemente a títulos como ‘Los gemelos golpean dos veces’, ‘Hermanos por pelotas’ o ‘Mejor solo que mal acompañado’. La diferencia es que aquí el concepto de hermanos no es exactamente el que el espectador podría esperar. No hablamos de una relación de sangre, sino de un vínculo surgido de un modo más inesperado y que prefiero no desvelar.

El resultado es una de esas comedias pasajeras que cumplen con lo prometido, arrancan algunas carcajadas y desaparecen de la memoria con la misma rapidez con la que aparecen en el catálogo de una plataforma.

Una fórmula tan gastada que la propia película la reconoce

Lo más curioso de ‘Hermanitos’ es que parece plenamente consciente de estar reciclando una estructura narrativa que Hollywood lleva décadas utilizando. De hecho, algunos personajes vinculados a la industria televisiva verbalizan de manera indirecta lo evidente: la historia funciona porque enfrenta a dos polos opuestos condenados a compartir espacio ofreciendo una catástrofe tras otra.

John Cena interpreta al clásico hombre que ha construido una vida perfecta a base de tesón y presión así mismo. Frente a él aparece Eric André encarnando a una fuerza de la naturaleza incapaz de respetar normas, límites o convenciones sociales. La vida cuidadosamente diseñada del primero empieza a derrumbarse cuando el segundo reaparece de forma inesperada.

La película encuentra además un filón cómico en la sátira del propio negocio del entretenimiento. Como sucede cada vez con más frecuencia en la comedia contemporánea, los villanos no son mafiosos ni políticos corruptos, sino ejecutivos, productores y creadores de contenido desesperados por encontrar el siguiente fenómeno viral. O incluso podríamos decir que el villano es la propia sociedad que impone en las redes sociales la imagen del éxito. No es una crítica especialmente afilada, pero sí retrata nuestra actualidad más allá de plantear únicamente una sucesión de situaciones embarazosas.

Eric André y John Cena juegan exactamente el partido que esperas

El principal atractivo del filme reside en sus protagonistas. La elección de John Cena y Eric André resulta tan lógica que sorprende que hayan tardado tanto en coincidir en una producción de este tipo.

Cena lleva años demostrando una inesperada capacidad para funcionar como contrapunto cómico. Aquí asume precisamente ese papel, alejándose del personaje extravagante para convertirse en el hombre razonable atrapado en una pesadilla cotidiana. El propio actor ha señalado que esta era una oportunidad para mostrar una faceta más vulnerable y menos explosiva de lo habitual.

Por su parte, Eric André hace exactamente aquello que el público espera de él. Su personaje está construido alrededor del anti-humor, la incomodidad y el absurdo. No alcanza las cotas de anarquía de ‘The Eric Andre Show’, pero conserva suficientes elementos de ese estilo para que el espectador reconozca inmediatamente su sello. Estamos ante una interpretación basada en la ausencia total de sentido del ridículo, algo que encaja perfectamente con un actor que ha hecho carrera convirtiendo el caos en una forma de expresión cómica. Aunque la película nunca llega a descontrolarse por completo, sí transmite la impresión de que cualquier escena puede derivar en algo inesperado. Se masca constantemente la catástrofe.

Una comedia para una tarde, no para el recuerdo

‘Hermanitos’ pertenece a una categoría cada vez más habitual: la de las producciones diseñadas para consumir rápidamente en streaming. No aspira a convertirse en una referencia generacional. Su objetivo es mucho más modesto. Es una comedia verde, soez en varios momentos y claramente orientada a un público adulto. No debe confundirse con una película familiar pese a que la palabra “hermanitos” pueda sugerir lo contrario.

Todo esto no significa que carezca de encanto. Cuando Cena y André comparten pantalla, la maquinaria funciona. El problema es que la película sigue un manual tan reconocible que rara vez consigue sorprender. Todo ocurre exactamente como uno imagina salvo por el personaje de Chrisopher Meloni que pega un timonazo con respecto a lo que nos hacen pensar al comienzo que sería su línea argumental.

Ficha de ‘Hermanito’

Estreno en España: 26 de junio de 2026. Título original: Little brother. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Matt Spicer. Guion: Andrew Mogel, Jarrad Paul. Música: Dan Deacon. Fotografía: Brandon Trost. Reparto principal: John Cena, Eric André, Michelle Monaghan, Chrisopher Meloni. Producción: Middle Child Pictures, Netflix Studios, The District. Distribución: Netflix. Género: comedia. Web oficial.

Crítica: ‘Nino’

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La fragilidad de una juventud que se cree inmortal

La ópera prima de Pauline Loquès parte de una premisa sencilla y devastadora. Nino acaba de cumplir 29 años cuando recibe una noticia que altera por completo el mapa de su existencia: padece un cáncer de garganta derivado de una infección por virus del papiloma humano que nunca fue tratada. A partir de ese momento, el protagonista dispone de apenas unos días antes de iniciar el tratamiento médico, una semana suspendida en el tiempo durante la que intenta reconectar con las personas importantes de su vida.

Loquès construye la película como una deriva emocional por las calles de París, siguiendo a un personaje incapaz de asimilar completamente lo que le está ocurriendo. La película está llena de una angustia existencial tratada con sensibilidad contemporánea. Aquí no encontramos grandes discursos sobre la muerte, sino conversaciones aparentemente cotidianas que terminan derivando hacia cuestiones metafísicas: qué hemos hecho con nuestra vida, qué quedará de quienes fuimos y qué sentido tiene proyectar un futuro cuando este acaba de volverse incierto.

La elección de la enfermedad no es aleatoria. Que el detonante sea un cáncer relacionado con el virus del papiloma humano no resulta gratuito. En una época en la que buena parte de la juventud parece escasamente concienciada sobre las enfermedades de transmisión sexual y donde la pornografía de Internet condiciona cada vez más la percepción de la sexualidad, resulta pertinente que una película recuerde que determinadas consecuencias siguen existiendo. Sin caer en el discurso moralizante, ‘Nino’ introduce una reflexión necesaria sobre la vulnerabilidad del cuerpo y sobre la falsa sensación de invulnerabilidad que acompaña a muchos jóvenes adultos.

Entre el realismo emocional y el exceso dramático

La interpretación de Théodore Pellerin sostiene prácticamente todo el recorrido narrativo. Su Nino es un hombre paralizado por el impacto de la noticia, incapaz de comunicarla con claridad a quienes le rodean. El actor trabaja desde los gestos mínimos y las vacilaciones, componiendo un personaje que parece vivir permanentemente unos segundos por detrás de la realidad.

Sin embargo, la película no siempre encuentra el equilibrio adecuado entre contención y acumulación dramática. En medio de ese recorrido de reencuentros y confesiones, uno de los conocidos de Nino atraviesa también un problema médico importante. Es aquí donde el relato empieza a mostrar ciertas costuras. Lo que hasta entonces funcionaba como una observación sensible de la fragilidad humana adquiere por momentos un tono excesivo. Como suele decirse, parece que alguien pone un circo y le crecen los enanos. La película resulta más poderosa cuando se limita a observar que cuando intenta subrayar el sufrimiento.

Un retrato generacional cercano a Zerocalcare, pero sin humor

Más allá del cáncer o de la cercanía de la muerte, ‘Nino’ acaba siendo un retrato bastante preciso de la juventud contemporánea. Los personajes viven rodeados de amigos, mensajes y conexiones permanentes, pero les cuesta enormemente comunicarse de verdad. Hablan mucho y expresan poco. Están presentes físicamente, aunque emocionalmente parezcan ausentes.

En ese sentido, el filme recuerda bastante a los trabajos de Zerocalcare, aunque desprovistos de sus mecanismos humorísticos. Existe la misma mirada sobre una generación marcada por la incertidumbre, la precariedad emocional y la dificultad para construir vínculos sólidos. La diferencia es que Loquès elimina casi cualquier válvula de escape cómica y apuesta por una sensibilidad más melancólica.

La directora demuestra además una notable capacidad para capturar la ciudad como estado mental. París aparece como un espacio de tránsito donde cada encuentro casual puede convertirse en una pequeña revelación. La cámara acompaña a Nino en su búsqueda de respuestas sabiendo que probablemente no las encontrará.

Ficha de ‘Nino’

Estreno en España: 26 de junio de 2026. Título original: Nino. Duración: 96 min. País: Francia. Dirección: Pauline Loquès. Guion: Pauline Loquès, Maude Ameline. Fotografía: Lucie Baudinaud. Reparto principal: Théodore Pellerin, William Lebghil, Salomé Dewaels, Jeanne Balibar. Producción: Blue Monday, France 2 Cinéma, Ciné+OCS, Disney+, France Télévisions, CNC, La Région Île-de-France, Distribución: Surtsey Films. Género: drama. Web oficial.

Crítica: ‘Supergirl’

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Adapta con acierto el cómic de Tom King, aunque pierde parte de su magia

Después del nuevo Superman, el universo DC vuelve a apostar por una adaptación sorprendentemente fiel a las viñetas. ‘Supergirl’, dirigida por Craig Gillespie, toma como base el extraordinario cómic ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ de Tom King y Bilquis Evely y, aunque introduce modificaciones importantes, mantiene intacto aquello que convertía a aquella obra en algo especial: una mezcla de space ópera, relato de iniciación, tragedia y western de venganza con ecos de ‘Valor de ley’.

Lo primero que llama la atención es que la película no pierde tiempo. Apenas cinco minutos bastan para poner en marcha la historia antes de lanzarnos de lleno a la aventura. Los flashbacks llegarán después para completar el retrato emocional de Kara Zor-El, pero la narración tiene una vocación claramente directa y eficaz.

Además, esta no es la Supergirl que muchos espectadores recuerdan de la versión de 1984 protagonizada por Helen Slater. Aquí nos encontramos con una kryptoniana mucho más cercana al espíritu del Hancock de Will Smith. La veréis orinando, sufriendo resacas, sangrando y repitiendo errores. Es una heroína que conserva una sólida brújula moral, pero que está lejos de la imagen tradicionalmente angelical e inocente. La explicación tiene sentido dentro del propio universo DC. Kara vivió experiencias traumáticas que Superman jamás tuvo que soportar, observando la destrucción de todo lo que conocía antes de llegar a la Tierra. Esa carga emocional impregna las decisiones del filme y ayuda a justificar un carácter áspero, irreverente y profundamente cansado del mundo.

Entre la fidelidad al cómic y unas concesiones discutibles

La mayor satisfacción para cualquier lector de la obra original es comprobar que la trama principal sigue siendo esencialmente la misma. Ruthye continúa siendo el corazón emocional del relato y la persecución de Krem mantiene esa estructura itinerante que convierte la historia en un viaje físico y moral.

Sin embargo, también es donde aparecen las principales diferencias. La primera tiene que ver con los planetas que visitan las protagonistas. En el cómic, cada parada aportaba personalidad propia, imaginación visual y un nuevo matiz a la relación entre ambas. Era un despliegue constante de creatividad que por otro lado hacía crecer la tensión dramática. La película conserva parte de esa esencia, pero reduce considerablemente la riqueza y variedad de aquellos escenarios. Por otro lado el tratamiento estético ha cambiado notablemente y donde antes había tintes medievales e incluso un caballo ahora hay naves espaciales por doquier y una gran cantidad de extraterrestres feos.

La segunda modificación afecta al desenlace. Sin entrar en spoilers, funcionaba mejor el golpe final del cómic. Allí resultaba perfectamente calculado, mucho más emotivo y en la línea de la personalidad de las protagonistas. El largometraje mantiene de soslayo la intención pero al disponer de un epílogo tan corto como su prólogo se ha suprimido aquello que Tom King ideó para la conclusión.

También encontramos como novedad la incorporación de Lobo, una presencia inexistente en la obra de King y Evely. Sobre el papel podría parecer una concesión comercial y así es, pero además su integración resulta razonablemente natural siendo como es un cazarrecompensas y además sirve para aportar energía en momentos concretos.

Las peleas que son más palizas que peleas

Otro aspecto que seguramente volverá a dividir al público es algo que ya ocurrió con ‘Superman’: Kara recibe una cantidad considerable de palizas. Hay espectadores que siguen esperando personajes prácticamente invulnerables y eso lo tendrán en ‘Supergirl’. Pero va precedido de derrotas que lejos de estar injustificadas tienen una razón narrativa. Ningún golpe es gratuito. Cada vez que Kara muerde el polvo existe una justificación dramática o estratégica detrás. La película entiende perfectamente que la invencibilidad es una herramienta narrativa mucho menos interesante que la vulnerabilidad y que además, como habéis visto en el tráiler, esta puede ser voluntaria.

Milly Alcock sostiene una película disfrutable

Aunque a que a muchos les pese Milly Alcock encarna bien la Supergirl en la que se basa. La actriz ha captado la esencia del personaje creado por King y Evely, pero además incorpora elementos que parecen heredados directamente de ‘Yo, Tonya’, probablemente la obra más conocida de Craig Gillespie. Su Kara es descarada, grosera, impulsiva y sarcástica, pero también profundamente empática cuando la situación lo requiere. Sin llegar a serlo del todo hay momentos en el que roza la esencia del antihéroe.

Ese equilibrio entre drama y acción sostiene buena parte del metraje, sin abusar de la comedia y sin hacer colindar el filme con ‘Guardianes de la Galaxia’. Alcock funciona especialmente bien cuando la película explora el peso del legado kryptoniano y las heridas emocionales que arrastra la protagonista. Alcock consigue que la dureza exterior nunca oculte completamente la fragilidad interior.

Sin olvidar a James Gunn

Ya no es que David Corenswet esté presente, es que también lo están los momentos musicales tan característicos del universo de Gunn. Esta película es un híbrido de directores como ya se auguraba. Pero esos instantes de acción y música popular no siempre terminan de encajar. De hecho, curiosamente, es cuando aparece Jason Momoa como Lobo cuando mejor funcionan. Y no es casualidad.

Momoa expresó durante años públicamente su deseo de encarnarlo y resulta inevitable pensar que quizá este era el papel que debía haber interpretado desde el principio en DC, incluso con Zack Snyder. Su participación es más extensa de lo que muchos lectores del cómic podían esperar y aunque su función dentro de la trama principal es anecdótica, cada aparición aporta carisma, humor y una inyección de energía muy necesaria. En más de una ocasión consigue levantar secuencias enteras simplemente con su presencia.

Ficha de ‘Supergirl’

Estreno en España: 26 de junio de 2026. Título original: Supergirl. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Craig Gillespie. Guion: Oren Uziel, Ana Nogueira. Música: Claudia Sarne. Fotografía: Rob Hardy. Reparto principal: Milly Alcock, Eve Ridley, Matthias Schoenaerts, David Corenswet. Producción: DC Studios, The Safran Company, Troll Court Entertainment. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial.

Google DeepMind y A24 anuncian un acuerdo para usar IA en el cine

Una alianza que coincidirá con un proyecto que reconstruirá un gol perdido de Pelé

La irrupción de la inteligencia artificial generativa en el sector audiovisual continúa acelerándose. Esta semana, Google DeepMind ha anunciado una alianza estratégica con el prestigioso estudio cinematográfico A24 para desarrollar nuevas herramientas destinadas a la producción cinematográfica. Paralelamente, la compañía también ha presentado un ambicioso proyecto de reconstrucción visual mediante IA del famoso gol que Pelé marcó en 1959 y que nunca fue grabado en vídeo.

Ambos anuncios muestran el enorme potencial de estas tecnologías, pero también reabren un debate cada vez más presente en la industria cultural: ¿dónde termina la reconstrucción histórica y dónde comienza la reinterpretación artificial de los hechos?

Una alianza inédita entre Google DeepMind y A24

Google DeepMind y A24 han confirmado una colaboración de investigación y desarrollo centrada en la creación de nuevas herramientas para cineastas. Las compañías han presentado la colaboración como una iniciativa de investigación destinada a desarrollar nuevas herramientas para cineastas, insistiendo en que los creadores seguirán desempeñando un papel central en el proceso creativo. Según se afirma en The Wall Street Journal, Google no tendrá acceso al catálogo de A24.

La operación incluye además una inversión estimada en unos 75 millones de dólares por parte de Google, convirtiéndose en la primera participación de la compañía tecnológica en un estudio cinematográfico. Diversas informaciones apuntan a que los primeros desarrollos podrían estar relacionados con herramientas de preproducción, planificación visual y generación de materiales de apoyo para rodajes.

Aunque los responsables de la iniciativa insisten en que no se trata de sustituir a los creadores, la noticia ha generado reacciones encontradas entre profesionales y aficionados al cine, especialmente en un momento en el que Hollywood sigue debatiendo el impacto de la IA sobre el empleo creativo y los derechos de autor.

El gol de Pelé que nunca fue grabado vuelve gracias a la inteligencia artificial

El segundo anuncio resulta aún más delicado desde el punto de vista histórico. Google DeepMind ha trabajado junto a la familia de Pelé, historiadores y periodistas para recrear visualmente uno de los goles más legendarios de la carrera del futbolista brasileño. El tanto fue anotado en 1959 y, pese a su enorme fama, nunca llegó a registrarse en imágenes de vídeo.

Para ello, el equipo utilizó fotografías, testimonios, crónicas periodísticas y documentación histórica con el objetivo de generar una representación audiovisual aproximada del momento. El propósito declarado es preservar y divulgar un episodio fundamental de la cultura deportiva mundial.

Entre la preservación y la distorsión de la historia

Precisamente aquí aparece la cuestión más controvertida. La IA puede convertirse en una herramienta extraordinaria para acercar acontecimientos históricos a nuevas generaciones, especialmente cuando apenas existen documentos audiovisuales. Sin embargo, también plantea riesgos evidentes si las reconstrucciones no se identifican claramente como recreaciones.

Una imagen generada mediante inteligencia artificial puede transmitir al espectador una sensación de autenticidad que no siempre corresponde con la realidad histórica. Cuando hablamos de figuras tan relevantes como Pelé o de acontecimientos que forman parte de la memoria colectiva, la línea entre documentación y recreación puede volverse especialmente difusa.

El peligro no reside únicamente en la tecnología, sino en el uso que se haga de ella. Una reconstrucción transparente y correctamente contextualizada puede tener un enorme valor educativo. En cambio, si el público no es consciente de que está observando una interpretación generada por algoritmos, el resultado podría acabar alterando la percepción histórica de hechos que nunca fueron registrados.

Un debate que apenas acaba de comenzar

La colaboración entre Google DeepMind y A24 demuestra que la inteligencia artificial ya forma parte del futuro inmediato del cine. Al mismo tiempo, proyectos como la recreación del gol perdido de Pelé evidencian que estas herramientas también empiezan a intervenir en la construcción de la memoria cultural.

La tecnología ofrece posibilidades fascinantes para preservar patrimonio, reconstruir episodios desaparecidos y facilitar nuevos procesos creativos. Pero también obliga a establecer límites claros y mecanismos de transparencia que permitan distinguir entre documento histórico y recreación artificial.

La industria audiovisual se encuentra ante una oportunidad enorme. La cuestión será determinar si la IA se convierte en una herramienta para complementar la memoria colectiva o si, por el contrario, acaba reescribiéndola sin que el espectador llegue a ser plenamente consciente de ello.

Os mostramos en exclusiva un clip de ‘Lady Nazca’

‘Lady Nazca’ reivindica la figura de María Reiche en un drama sobre el misterio arqueológico más fascinante de Perú

El próximo 3 de julio llegará a los cines españoles ‘Lady Nazca’, una producción inspirada en la extraordinaria vida de María Reiche, la matemática y arqueóloga alemana que consagró gran parte de su existencia al estudio y la preservación de las célebres Líneas de Nazca. Con motivo de su próximo estreno, hemos tenido acceso a un clip exclusivo de la película que permite descubrir el tono íntimo y humano de una historia marcada por la curiosidad, la identidad y el compromiso con el patrimonio cultural.

Dirigida por Damien Dorsaz en su debut en el largometraje de ficción, la película reconstruye el recorrido vital de una mujer adelantada a su tiempo que encontró en el desierto peruano una misión que acabaría definiendo toda su vida.

El descubrimiento que cambió una vida

La trama se sitúa en el Perú de los años treinta. María, una joven profesora alemana que intenta adaptarse a una nueva realidad lejos de su país natal, conoce a un arqueólogo francés que la introduce en el fascinante mundo de las investigaciones arqueológicas.

Ese encuentro la llevará hasta las inmensas llanuras de Nazca, donde descubrirá los gigantescos geoglifos trazados sobre el desierto. Lo que inicialmente parece una simple curiosidad científica se transforma poco a poco en una auténtica obsesión que marcará su destino.

La película retrata cómo Reiche dedicó décadas a estudiar estas misteriosas figuras, enfrentándose a la incomprensión, las dificultades económicas y las amenazas que ponían en riesgo la conservación de uno de los mayores enigmas arqueológicos del planeta.

Devrim Lingnau encarna a una pionera olvidada

La protagonista está interpretada por Devrim Lingnau, conocida internacionalmente por su trabajo en la serie ‘La emperatriz’. La actriz alemana lidera un reparto internacional que incluye a Guillaume Gallienne, Olivia Ross y la intérprete peruana Amaranta Kun.

Uno de los aspectos más interesantes de la propuesta es su enfoque sobre el legado de María Reiche. Lejos de presentar una figura colonial o paternalista, la película muestra a una mujer que se integra profundamente en la cultura peruana y que termina dedicando su vida a proteger un patrimonio que considera también suyo.

Las Líneas de Nazca, un misterio que sigue fascinando al mundo

Las Líneas de Nazca continúan siendo uno de los grandes enigmas de la arqueología mundial. Estas gigantescas figuras geométricas y zoomorfas, visibles principalmente desde el aire, fueron creadas por culturas precolombinas hace más de mil años y siguen generando debates sobre su significado y función.

María Reiche fue una de las principales responsables de que este legado sobreviviera hasta nuestros días. Gracias a su trabajo incansable, las figuras fueron protegidas frente a proyectos urbanísticos y agrícolas que amenazaban con destruirlas. Su labor culminó en 1994 con la declaración de las Líneas de Nazca como Patrimonio de la Humanidad por parte de la UNESCO.

Con ‘Lady Nazca’, Damien Dorsaz recupera para el gran público la historia de una mujer fundamental para la conservación de uno de los tesoros arqueológicos más importantes del planeta. Una película que combina drama histórico, descubrimiento personal y fascinación científica para acercar a los espectadores a una figura cuya influencia sigue siendo imprescindible para comprender el legado cultural de Perú.

‘Enfrentados: Marfil’ muestra su primer teaser

Ester Expósito y Hugo Diego García protagonizan la adaptación de la exitosa bilogía de Mercedes Ron

Durante el reciente evento Prime Video Presents, la plataforma adelantó algunos de sus proyectos más importantes para los próximos meses. Entre ellos destacó ‘Enfrentados: Marfil’, la primera entrega de la adaptación cinematográfica de la popular bilogía escrita por Mercedes Ron, que ya ha presentado su primer teaser oficial y ha confirmado su estreno para el próximo 9 de septiembre.

Ester Expósito y Hugo Diego García encabezan el reparto

La historia estará protagonizada por Ester Expósito, conocida internacionalmente por trabajos como ‘Élite’, ‘El llanto’ o ‘Venus’, junto a Hugo Diego García, que continúa consolidando su carrera tras participar en ‘La sustancia’.

Ambos interpretan a Marfil Cortés y Sebastián Moore, dos personajes destinados a encontrarse en circunstancias extremas. El avance muestra una relación marcada por la tensión constante, la atracción y un peligro que parece perseguir a los protagonistas desde el primer momento.

El reparto se completa con nombres como Eric Masip, Pablo Molinero, Zoe Bonafonte, Lluís Homar y Joaquín Ferreira, aportando una combinación de talento joven y veterano a una producción que busca convertirse en uno de los grandes estrenos españoles de Prime Video para este año.

Un secuestro que desencadena una peligrosa historia de amor

La trama gira en torno a Marfil Cortés, hija de un poderoso empresario español que reside en Nueva York. Su vida aparentemente perfecta se rompe cuando es secuestrada y posteriormente liberada sin que nadie logre explicar lo sucedido.

Ante la amenaza de nuevos ataques, su padre decide contratar a Sebastián Moore como guardaespaldas personal. Obligados a convivir prácticamente las veinticuatro horas del día, ambos chocan inicialmente debido a sus personalidades opuestas. Sin embargo, esa tensión acabará dando paso a una atracción imposible de ignorar.

Cuando regresan a España, la situación se vuelve aún más peligrosa. Las amenazas aumentan y los protagonistas se ven atrapados en una trama donde las apariencias engañan y donde cada personaje parece ocultar sus propias motivaciones.

Una de las apuestas destacadas anunciadas en Prime Video Presents

La presentación durante Prime Video Presents confirma la importancia estratégica que la plataforma concede a esta adaptación. Las novelas ‘Marfil’ y ‘Ébano’ han acumulado una enorme comunidad de lectores y se han convertido en dos de los títulos más populares de Mercedes Ron.

La adaptación cuenta además con el respaldo de Pokeepsie Films, la productora fundada por Álex de la Iglesia y Carolina Bang, responsables de producciones como ’30 monedas’ o ‘Veneciafrenia’. La dirección corre a cargo de Óscar Pedraza (‘Patria’), mientras que el guion ha sido desarrollado por Sofía Cuenca (‘Culpa tuya’).

El inicio de una bilogía que continuará con ‘Enfrentados: Ébano’

‘Enfrentados: Marfil’ será únicamente la primera parte de la historia. Prime Video ya ha confirmado que la adaptación incluirá también ‘Enfrentados: Ébano’, completando así el relato concebido por Mercedes Ron.

Con su mezcla de thriller, romance, intriga y personajes marcados por los secretos, la película apunta a convertirse en uno de los lanzamientos más comentados de la plataforma durante el otoño. El teaser ya deja entrever una producción cuidada, una química evidente entre sus protagonistas y una historia diseñada para mantener a los espectadores en tensión hasta el final.

Lo nuevo de Dreamworks es ‘La isla olvidada’

La nueva película original del estudio responsable de ‘Shrek’, ‘Cómo entrenar a tu dragón’ y ‘Robot salvaje’ llegará a los cines el 25 de septiembre de 2026

DreamWorks Animation ha lanzado un nuevo tráiler de ‘La isla olvidada’, su próxima gran apuesta original para la gran pantalla. Dirigida por Joel Crawford y Januel Mercado, responsables de ‘El gato con botas: El último deseo’, la película promete combinar aventura, fantasía y emoción en una historia centrada en la amistad, la familia y el poder de los recuerdos.

La producción llegará exclusivamente a los cines el próximo 25 de septiembre de 2026 distribuida por Universal Pictures y supone una nueva incursión del estudio en el terreno de las historias originales tras éxitos recientes como ‘Robot salvaje’.

Dos amigas ante una despedida que cambiará sus vidas

La historia sigue a Jo y Raissa, dos mejores amigas que acaban de terminar el instituto y están a punto de iniciar caminos separados. Lo que debería ser una última noche juntas se convierte en el inicio de una aventura extraordinaria cuando descubren un misterioso portal que las transporta a Nakali, una isla fantástica poblada por criaturas mágicas y seres inspirados en las leyendas tradicionales filipinas.

Lo que comienza como un viaje fascinante pronto se transforma en una carrera contrarreloj por regresar a casa. Sin embargo, las jóvenes descubrirán que existe un precio devastador para lograrlo: podrían perder los recuerdos de su amistad para siempre.

Una historia sobre la memoria con ecos de ‘Coco’

Uno de los aspectos más llamativos del nuevo tráiler es su fuerte componente emocional. Más allá de la espectacularidad visual y de las secuencias de aventura, ‘La isla olvidada’ parece construirse alrededor de un tema universal: la importancia de la memoria y de los vínculos que nos unen a las personas que queremos.

La película recuerda por momentos a producciones como ‘Coco’ debido a la relevancia que adquieren las historias familiares, las tradiciones transmitidas entre generaciones y la conservación de los recuerdos. De hecho, el avance presenta a una entrañable abuela que inevitablemente evoca a la icónica Abuelita de la película de Pixar, una figura que parece desempeñar un papel clave en la conexión entre las protagonistas y el universo mágico de Nakali.

Un mundo mágico inspirado en la mitología filipina

A pesar de evocar a COCO el sabor no es latino. La isla está habitada por criaturas procedentes del rico imaginario mitológico filipino, muchas de ellas extraídas de los relatos que las familias de Jo y Raissa les contaban durante su infancia.

Entre los personajes que acompañarán a las protagonistas destaca Raww, un peculiar hombre perro que les ayudará en su viaje, así como la temible Manananggal, una de las criaturas más aterradoras del folclore filipino y principal amenaza de la historia.

Un reparto de voces repleto de talento

La versión original cuenta con las voces de H.E.R., artista ganadora de varios premios Grammy y Oscar, y Liza Soberano, quienes interpretan a Jo y Raissa. También participan Dave Franco, Lea Salonga, Jenny Slate, Manny Jacinto, Dolly de Leon, Jo Koy y Ronny Chieng.

La Casa del Dragón conquista Madrid con la presencia de los actores Steve Toussaint, Phoebe Campbell y Bethany Antonia

Madrid se convierte en Poniente por una noche

La esperada tercera temporada de ‘La Casa del Dragón’ tuvo una presentación por todo lo alto en Madrid. HBO Max eligió los emblemáticos Jardines de Sabatini, situados junto al Palacio Real, para celebrar una proyección especial del primer episodio ante cerca de 800 seguidores de la serie.

El enclave no pudo resultar más apropiado para una producción centrada en luchas dinásticas, guerras civiles y disputas por el poder. A los pies del Palacio Real, el público asistió a una velada que transformó temporalmente uno de los espacios más icónicos de la capital en un escenario digno de Poniente.

Los protagonistas acompañaron a los fans

El evento contó con la presencia de tres de los intérpretes de la serie: Steve Toussaint, Phoebe Campbell y Bethany Antonia. Los actores sorprendieron a los asistentes y compartieron la experiencia de ver junto a los fans el arranque de la nueva temporada.

La proyección permitió descubrir en pantalla grande el primer episodio de esta tercera entrega, que incluye uno de los acontecimientos más esperados por los seguidores de la adaptación televisiva: la espectacular Batalla del Gaznate, un enfrentamiento que promete marcar el devenir del conflicto conocido como la Danza de los Dragones.

La ambientación del evento estuvo reforzada por la presencia de los estandartes de la Casa Targaryen, deteriorados como símbolo de la guerra fratricida que enfrenta a los distintos aspirantes al Trono de Hierro.

Una nueva fase de la guerra civil Targaryen

Basada en la novela ‘Fuego y Sangre’ de George R. R. Martin, ‘La Casa del Dragón’ se sitúa aproximadamente dos siglos antes de los acontecimientos narrados en ‘Juego de Tronos’. La serie explora el auge y posterior fractura de la poderosa Casa Targaryen, cuyos conflictos internos desembocan en una devastadora guerra civil.

Tras los acontecimientos de la segunda temporada, la tercera entrega profundiza en el enfrentamiento entre los partidarios de Rhaenyra Targaryen y los seguidores de Aegon II, una lucha que amenaza con destruir el legado de la familia de los dragones.

Nuestra crítica de los primeros episodios ya está disponible

En Moviementarios ya hemos podido ver los cuatro primeros episodios de la tercera temporada de ‘La casa del dragón’ y publicamos nuestra crítica sin spoilers hace unos días. La nueva entrega de la serie apuesta por una escalada constante del conflicto entre los Verdes y los Negros, elevando la espectacularidad de las secuencias bélicas sin descuidar las intrigas políticas que han convertido a la producción en una de las grandes referencias de la fantasía televisiva actual.

Además del impresionante despliegue visual de la esperada Batalla del Gaznate, la temporada profundiza en las consecuencias humanas de la guerra civil que amenaza con destruir a la Casa Targaryen desde dentro. En nuestra valoración destacamos especialmente el trabajo del reparto, la ambición narrativa de los nuevos episodios y la forma en que la serie sigue expandiendo el universo creado por George R. R. Martin.

Disponible ya en HBO Max

La tercera temporada de ‘La Casa del Dragón’ ya puede verse en HBO Max. La plataforma estrenará un nuevo episodio cada lunes hasta la emisión del capítulo final, prevista para el próximo 10 de agosto.

Con una producción cada vez más ambiciosa, nuevas batallas a gran escala y el destino de los Targaryen pendiendo de un hilo, la serie afronta una temporada clave que promete elevar aún más la intensidad de uno de los mayores fenómenos televisivos de los últimos años.

Montecarlo 67 arrasa en los Premios Fugaz 2026 y se convierte en el cortometraje más premiado de su historia

La obra de Rubén Guindo Nova conquista ocho galardones

La décima edición de los Premios Fugaz dejó un claro vencedor. ‘Montecarlo 67’, dirigido por Rubén Guindo Nova, se convirtió en el gran triunfador de la noche al obtener ocho galardones, un récord absoluto en la historia de estos reconocimientos dedicados al cortometraje español. La producción no solo logró el premio a Mejor Cortometraje, sino que también se impuso en categorías tan relevantes como Mejor Dirección, Mejor Interpretación Masculina para Carlos Santos, Dirección de Fotografía, Dirección de Arte, Vestuario, Maquillaje y Peluquería, además de Dirección de Producción.

Con este resultado supera la marca que ostentaba ‘Stanbrook’, ganadora de siete premios en 2021, consolidándose como la obra más laureada desde la creación de los Fugaz. La historia reconstruye de forma ficticia un curioso encuentro ocurrido durante el Festival de Televisión de Montecarlo de 1967 entre Chicho Ibáñez Serrador, Pilar Miró y un joven Steven Spielberg, mezclando humor, cinefilia y reflexión sobre la vocación artística.

Un palmarés muy repartido

Aunque ‘Montecarlo 67’ dominó claramente la ceremonia, otros trabajos también encontraron su espacio en el palmarés. ‘In memoriam’ consiguió dos premios gracias al trabajo de Teresa Bellón y César F. Calvillo, reconocidos por su guion, mientras que Cristina Soria fue premiada por su interpretación protagonista.

Por su parte, ‘Señuelo’ obtuvo los galardones a Mejor Dirección Novel para Martha García Ayerbe y Mejores Efectos Visuales. También destacó ‘Chicken Jazz’, que se llevó los premios a Mejor Sonido y Mejor Banda Sonora.

En el resto de categorías, ‘El fantasma de la quinta’ fue elegido Mejor Cortometraje de Animación, ‘Abril, hoy no es invierno’ ganó como Mejor Documental y ‘Baile con la muerte’ se impuso en la categoría de Cortometraje Breve. El reconocimiento al Mejor Cortometraje Hispanoamericano fue para la producción mexicana ‘La Barbarie’, mientras que ‘Los murciélagos han abandonado el campanario’ recibió el premio a Mejor Cortometraje de Escuela.

El premio a Mejor Largometraje recayó en ‘Sorda’, una de las películas españolas más destacadas de la temporada.

Una gala repleta de humor y celebración

Desde Moviementarios acudimos a la gala como miembros de la comisión de votación de los Premios Fugaz, una labor que llevamos desempeñando desde hace años y que nos permite seguir muy de cerca la evolución del cortometraje español.

La gala, celebrada en Kinépolis Ciudad de la Imagen de Madrid ante cerca de un millar de asistentes, volvió a demostrar el excelente estado de salud del formato corto en nuestro país. Además de los premios, la ceremonia dejó momentos especialmente divertidos, como la inesperada voltereta protagonizada por Toni Acosta sobre el escenario o las constantes ocurrencias del presentador Jaime Figueroa, que combinó magia, ventriloquía y humor en una actuación que mantuvo el ritmo del evento durante toda la noche.

Entre los asistentes pudieron verse numerosos rostros conocidos del audiovisual español, incluyendo a Laura Galán, Luisa Gavasa, Carlos Santos, Mariano Venancio, Álex O’Dogherty, Sofía Otero o Luis Larrodera.

Álex de la Iglesia recibe el Premio Fugaz de Honor

Uno de los momentos más esperados de la velada llegó con la entrega del Premio Fugaz de Honor a Álex de la Iglesia. El cineasta bilbaíno recibió este reconocimiento por una trayectoria que comenzó precisamente en el cortometraje con ‘Mirindas asesinas’ y que posteriormente lo convertiría en una de las figuras más influyentes y personales del cine español contemporáneo.

Su contribución al fantástico, la comedia negra y el cine de género ha sido fundamental para varias generaciones de cineastas y espectadores, motivo por el que la organización quiso destacar una carrera marcada por la libertad creativa y una identidad autoral inconfundible.

Diez años impulsando el cortometraje español

Los Premios Fugaz celebraron este año una edición especialmente significativa al alcanzar su décimo aniversario. Lo que comenzó como una iniciativa para dar mayor visibilidad al cortometraje español se ha convertido en el principal punto de encuentro de creadores, productores, intérpretes y profesionales vinculados al formato.

La edición de 2026 ha vuelto a demostrar que el cortometraje continúa siendo uno de los espacios más fértiles para descubrir nuevas voces y algunas de las propuestas más arriesgadas e innovadoras del panorama audiovisual nacional.

PALMARÉS COMPLETO – PREMIOS FUGAZ 2026

Mejor Cortometraje
Montecarlo 67

Mejor Dirección
Rubén Guindo Nova, por Montecarlo 67

Mejor Dirección Novel
Martha García Ayerbe, por Señuelo

Mejor Guion
Teresa Bellón y César F. Calvillo, por In memoriam

Mejor Dirección de Producción
Alejandro Viyuela y Samantha Martín, por Montecarlo 67

Mejor Dirección de Fotografía
Miguel Ezequiel, por Montecarlo 67

Mejor Montaje
Guillermo de Oliveira, por Cara de cona

Mejor Dirección de Arte
Gonzalo Muratel, por Montecarlo 67

Mejores Efectos Visuales
Laura Pedro, por Señuelo

Mejor Vestuario
María Gil de Bustamante, por Montecarlo 67

Mejor Maquillaje y Peluquería
Marta Cuadrado, por Montecarlo 67

Mejor Sonido
Pablo Castillo, por Chicken Jazz

Mejor Banda Sonora
Alberto Torres, por Chicken Jazz

Mejor Interpretación Masculina
Carlos Santos, por Montecarlo 67

Mejor Interpretación Femenina
Cristina Soria, por In memoriam

Mejor Cortometraje de Animación
El fantasma de la quinta

Mejor Cortometraje Documental
Abril, hoy no es invierno

Mejor Cortometraje Breve
Baile con la muerte

Mejor Cortometraje Hispanoamericano
La Barbarie (México)

Mejor Cortometraje de Escuela
Los murciélagos han abandonado el campanario

Mejor Largometraje
Sorda

Fugaz de honor

Álex de la Iglesia

mk2 Cine Paz proyectará ‘Interstellar’ y el estreno de ‘La Odisea’ en 70mm

El histórico cine madrileño se convierte en la única sala de España que proyectará ‘Interstellar’ en 70 mm y prepara la llegada de la nueva epopeya de Christopher Nolan

Los amantes del cine tendrán este verano una oportunidad única para disfrutar de dos de las obras más ambiciosas de Christopher Nolan en uno de los formatos más espectaculares de la historia del séptimo arte. mk2 Cine Paz, una de las salas más emblemáticas de Madrid, continúa apostando por las proyecciones en 70 mm tras la excelente acogida del reestreno de ‘Kill Bill: The Whole Bloody Affair’ y anuncia ahora la llegada de ‘Interstellar’ y ‘La Odisea’.

La iniciativa refuerza la posición de mk2 Cine Paz como uno de los pocos espacios de exhibición en España capaces de ofrecer este formato analógico de gran resolución. Actualmente, la sala madrileña es la única de la capital y una de las tres de todo el país que mantiene la capacidad técnica para proyectar copias en 70 mm.

‘Interstellar’ celebra su décimo aniversario en pantalla grande

Antes de la llegada de ‘La Odisea’, los espectadores podrán reencontrarse con ‘Interstellar’, una de las películas más celebradas de Christopher Nolan. El largometraje regresará a los cines entre los días 3 y 5 de julio coincidiendo con el décimo aniversario de su estreno.

La producción, protagonizada por Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Michael Caine y Matt Damon, se ha consolidado con el paso de los años como una referencia moderna dentro de la ciencia ficción. Su combinación de espectáculo visual, exploración espacial y reflexión sobre el futuro de la humanidad la ha convertido en una obra de culto para millones de espectadores.

Además, la exhibición en 70 mm supone un importante trabajo técnico, ya que requiere adaptar manualmente diversos elementos de la copia para su correcta proyección, incluyendo procesos específicos de subtitulado y adecuación al sistema europeo.

‘La Odisea’ llegará en julio con toda la espectacularidad del formato

A partir del 17 de julio será el turno de ‘La Odisea’, la nueva superproducción de Christopher Nolan basada en el clásico relato atribuido a Homero. La película narra el legendario viaje de Odiseo tras la Guerra de Troya y promete convertirse en uno de los grandes acontecimientos cinematográficos del año.

Rodada íntegramente con cámaras IMAX y filmada en escenarios naturales de Marruecos, Grecia, Italia, Islandia y Escocia, la producción cuenta con un reparto encabezado por Matt Damon, Tom Holland, Robert Pattinson, Anne Hathaway, Zendaya y Charlize Theron.

La proyección en 70 mm permitirá apreciar con todo detalle la escala visual de una película concebida para la gran pantalla, aprovechando una resolución y una profundidad de imagen muy superiores a las ofrecidas por los formatos convencionales.

Una tradición cinematográfica que sigue viva

La relación del Cine Paz con los grandes formatos no es nueva. Desde su apertura en 1943, la sala ya destacó por su apuesta por sistemas de exhibición avanzados para la época. Más de ochenta años después, bajo la gestión de mk2, mantiene viva esa tradición combinando la exhibición digital con el cine en celuloide.

Con estas nuevas proyecciones, mk2 Cine Paz no solo recupera una forma de ver cine cada vez más escasa, sino que también ofrece a los espectadores una experiencia cercana a la concebida originalmente por los cineastas. La sala ya ha adelantado que próximamente anunciará nuevos títulos clásicos y estrenos que también podrán disfrutarse en este exclusivo formato.

Arvi Licensing anuncia ‘Super Mario Galaxy La Película’ y más para este julio

La distribuidora prepara un mes de julio cargado de novedades en DVD, Blu-ray, 4K Ultra HD y steelbooks

Arvi Licensing ya ha desvelado parte de los lanzamientos que llegarán al mercado español el próximo 22 de julio, una selección que combina éxitos recientes, dramas inspiradores y auténticos clásicos destinados a enriquecer cualquier colección doméstica.

La distribuidora apuesta una vez más por ofrecer propuestas para todos los públicos, desde aventuras familiares hasta cine de prestigio galardonado con el Oscar, sin olvidar algunas de las ediciones coleccionista más esperadas por los aficionados al formato físico.

El catálogo de julio incluye novedades en DVD, Blu-ray y 4K Ultra HD, además de varias ediciones steelbook dirigidas a los coleccionistas más exigentes.

‘Super Mario Galaxy La Película’ lidera las novedades familiares

Uno de los títulos más destacados del mes será ‘Super Mario Galaxy La Película’, que llegará en DVD, Blu-ray, 4K Ultra HD y dos ediciones limitadas especialmente diseñadas para los seguidores del popular universo de Nintendo.

Tras conquistar a varias generaciones de jugadores, el icónico fontanero vuelve a protagonizar una aventura repleta de acción, humor y desafíos interplanetarios. La edición doméstica permitirá disfrutar de la experiencia desde casa con diferentes formatos adaptados a todo tipo de coleccionistas.

La apuesta por el entretenimiento familiar continúa siendo una de las señas de identidad del mercado físico, especialmente en fechas estivales donde las propuestas para todos los públicos ganan protagonismo.

‘La momia’ regresa con una nueva visión del terror de la mano de Lee Cronin

El terror también tendrá un lugar destacado entre los lanzamientos físicos de julio gracias a la llegada de ‘La momia’, la nueva reinterpretación del clásico monstruo de Universal dirigida por Lee Cronin. La película estará disponible en UHD 4K, Blu-ray, DVD y una edición metálica Steelbook para coleccionistas.

Conocido por su trabajo en Posesión infernal: El despertar, Cronin aborda el mito de la Momia desde una perspectiva más oscura y cercana al terror contemporáneo, alejándose del tono aventurero que popularizaron versiones anteriores. El cineasta apuesta por una historia marcada por la atmósfera opresiva, el horror sobrenatural y una puesta en escena que recupera el carácter maldito de una de las criaturas más icónicas del género.

La edición doméstica permitirá a los aficionados descubrir o revisitar esta nueva propuesta en la mejor calidad posible, especialmente en su versión UHD 4K, pensada para resaltar el trabajo visual y sonoro de la producción. Además, los coleccionistas podrán hacerse con una edición Steelbook exclusiva, destinada a convertirse en una de las piezas más atractivas del mes para los seguidores del cine fantástico y de terror.

Drama y emoción con ‘Ídolos’ y ‘No te olvidaré’

Entre las novedades también destaca ‘Ídolos’, una producción centrada en el mundo de las carreras y la superación personal. La película llegará en DVD y Blu-ray para acercar a los espectadores una historia donde la pasión por la velocidad y el sacrificio personal marcan el rumbo de sus protagonistas.

Por su parte, ‘No te olvidaré’ propone una mirada más íntima y emocional. La cinta aborda temas como el arrepentimiento, el perdón y las segundas oportunidades, explorando cómo las decisiones del pasado pueden condicionar el futuro. Su lanzamiento en DVD y Blu-ray busca conectar con el público que busca historias humanas y emotivas.

Clásicos imprescindibles en 4K Ultra HD

Los coleccionistas encontrarán entre estas propuestas de Arvi Licensing algunos de los lanzamientos más atractivos del mes en el apartado dedicado a los clásicos. Entre ellos destaca ‘Centauros del desierto’, considerada una de las obras maestras del western y una de las películas más influyentes de la carrera de John Ford. También llegará ‘Eyes Wide Shut’, la última película dirigida por Stanley Kubrick, convertida con el paso de los años en una obra de culto.

A estas se suman ‘Posesión infernal’, referente fundamental del cine de terror moderno, y ‘Deep Blue Sea’, una de las producciones de tiburones más populares del cine de entretenimiento de finales de los noventa. Todos estos títulos estarán disponibles en 4K Ultra HD y en exclusivas ediciones steelbook destinadas al mercado coleccionista.

Dos ganadoras del Oscar regresan al formato físico

El catálogo de julio se completa con dos películas que dejaron una profunda huella en la historia reciente de los Premios Oscar. ‘El discurso del rey’, ganadora del Oscar a Mejor Película, regresa en DVD y Blu-ray con su inspiradora historia sobre el rey Jorge VI y su lucha contra la tartamudez.

Junto a ella llegará también ‘Doce años de esclavitud’, el aclamado drama histórico dirigido por Steve McQueen, considerado uno de los títulos más importantes del cine del siglo XXI y ganador del Oscar a Mejor Película. Con esta combinación de novedades, clásicos restaurados y cine premiado, Arvi Licensing refuerza su apuesta por el formato físico en un momento en el que las ediciones coleccionista continúan manteniendo una importante base de seguidores.

Crítica: ‘Los hombres de musgo’

La leyenda que sigue respirando bajo el asfalto de Béjar

Hay tradiciones que sobreviven porque la historia las sostiene. Otras permanecen porque la comunidad decide seguir creyendo en ellas, independientemente de que existan documentos capaces de demostrar cada detalle de su origen. ‘Los hombres de musgo’, el documental dirigido por Juan Carlos Verona, se sitúa precisamente en ese territorio donde la historia, la memoria colectiva y la identidad cultural se entrelazan hasta resultar inseparables.

El cortometraje de Verona aborda una de las tradiciones más singulares de la ciudad salmantina de Béjar: la de los Hombres de Musgo, figuras cubiertas completamente por vegetación que cada año desfilan por la ciudad coincidiendo con las celebraciones del Corpus Christi y que, según la leyenda popular, remiten a la recuperación de la ciudad por parte de los bejaranos en el siglo XII.

Lo interesante es que el documental no adopta una postura dogmática. No pretende demostrar la veracidad absoluta de la leyenda ni desmontarla. Al contrario, abre un espacio para el diálogo entre distintas voces. Historiadores, investigadores y vecinos participan en una reflexión colectiva que va mucho más allá de la mera reconstrucción del pasado. La pregunta que plantea la película no es únicamente qué ocurrió, sino qué significa hoy seguir contando esta historia.

Como espectador criado en Béjar, y habiendo participado como el resto de mi familia en esta tradición vistiendo el característico traje de musgo, resulta imposible contemplar el documental desde una posición completamente distante. Sin embargo, precisamente esa cercanía permite apreciar uno de los mayores logros de Verona: su capacidad para capturar aquello que los bejaranos reconocen inmediatamente cuando observan a los Hombres de Musgo. No se trata únicamente de una representación festiva. Es una expresión de pertenencia.

La frontera entre la leyenda y la historia

Uno de los aspectos más inteligentes del documental es la forma en que aborda las incertidumbres históricas. La versión resumida de la leyenda sería que un grupo de guerreros cristianos se cubrió de musgo para infiltrarse en una Béjar bajo dominio musulmán y facilitar su conquista. La historia ha sido repetida durante generaciones y forma parte inseparable del imaginario local.

Sin embargo, el propio documental recoge las dudas existentes. En Béjar no todos aceptan la leyenda como un hecho histórico demostrado. Algunos de los participantes recuerdan la ausencia de fuentes contemporáneas que permitan verificar los acontecimientos tal y como se narran tradicionalmente. Es algo que el tiempo ha ido moldeando como parte del ADN bejarano a la vez que se ha ido diluyendo su posible vertiente real. Igual que se ha perdido la conexón de Béjar con la misión de El Álamo en Texas, en una zona conocida entonces como San Antonio de Béxar, poblada por bejaranos y migrantes de Salamanca, pero esa es otra historia.

Si nos ceñimos a lo histórico tampoco hay documentos (que yo sepa) que detallen la salida de los musulmanes de Béjar. Esa incertidumbre acaba convirtiéndose en una de las mayores bazas, no solo para el documental, también para toda una comarca. Lejos de presentar respuestas cerradas, Verona comprende que las leyendas cumplen una función cultural que trasciende su exactitud factual. Son relatos que ayudan a las comunidades a explicarse a sí mismas. El cortometraje habla tanto del presente como del pasado. El documental hace dialogar constantemente ambos tiempos. De las murallas medievales y las mentalidades del siglo XII saltamos a la Béjar contemporánea, una ciudad marcada por la desaparición de buena parte de su tejido industrial, atravesada por automóviles, comercios y nuevas realidades sociales.

Una fotografía que roza lo fantástico sin abandonar la realidad

Si hay un apartado donde el documental destaca especialmente es en su propuesta visual, con bastante carga emocional y materializando ese cruce de tiempos que mencionaba antes. Se maneja una sensibilidad notable para encontrar imágenes que transforman los paisajes conocidos de Béjar en escenarios cargados de misterio. Los bosques, las piedras, la humedad de la vegetación y los propios trajes cubiertos de musgo generan una atmósfera que por momentos parece acercarse a las corrientes contemporáneas del fantástico rural.

Entiéndase, no me refiero al resucitado concepto del folk horror. El documental nunca busca provocar inquietud ni construir una amenaza asociada a la tradición. Tampoco existe esa confrontación entre modernidad y paganismo tan habitual en el género. Sin embargo, sí comparte con determinadas obras del fantástico actual una fascinación por la relación entre el ser humano y la naturaleza.

Los Hombres de Musgo aparecen como figuras casi espectrales surgidas del paisaje. Durante algunos planos, la frontera entre persona y entorno desaparece por completo. La tradición deja entonces de percibirse como una simple recreación histórica para convertirse en una manifestación visual de la conexión entre comunidad, territorio y memoria. El resultado es un documental que consigue algo poco habitual: convertir una celebración profundamente local en una reflexión universal sobre la construcción de la identidad colectiva.

Ficha de ‘Los hombres de musgo’

Estreno en España: 2026. Título original: Los hombres de musgo. Duración: 14 min. País: Dirección: Juan Carlos Verona. Guion: Juan Carlos Verona. Música: Daniel Vildósola. Fotografía: Juan Carlos Verona. Reparto principal: Jose Muñoz, Alejandro Romero, Gel Borrajo, Manuel Gallego. Producción: Los Verona. Distribución: Selected Films Distribution. Género: Web oficial.

Pelip, una herramienta IA para agilizar la producción audiovisual

La plataforma desarrollada por AlPlano Films permite transformar un guion en presupuestos, planes de rodaje y estrategias de financiación en cuestión de minutos

La inteligencia artificial continúa ganando terreno en la industria audiovisual, pero Pelip busca diferenciarse con una propuesta orientada específicamente a las necesidades de productores y profesionales del cine. La nueva plataforma, impulsada por la productora navarra AlPlano Films, ha sido presentada en Valencia durante Promercat bajo el lema «Del guion a la distribución sin salir de Pelip (IA)».

El proyecto fue dado a conocer por Coque Serrano, Edurne San José y Juan Malcolm, responsables de una herramienta que pretende simplificar algunas de las tareas más complejas y laboriosas de la fase de preproducción cinematográfica. Su objetivo es reducir tiempos, costes y carga administrativa en la preparación de proyectos audiovisuales, concentrando en una única plataforma procesos que tradicionalmente requieren semanas de trabajo y la intervención de múltiples departamentos.

Del guion al presupuesto con un solo sistema

Pelip permite cargar un guion y obtener automáticamente una serie de documentos fundamentales para poner en marcha una producción. Entre ellos se encuentran análisis narrativos, desgloses técnicos por departamentos, planes de rodaje, presupuestos adaptados a los estándares del ICAA, propuestas de financiación y estrategias de distribución.

La plataforma está orientada especialmente a productoras, productores ejecutivos, directores de producción y profesionales que participan en las etapas de desarrollo, búsqueda de financiación o preparación de expedientes para ayudas públicas y mercados internacionales. Según explican sus creadores, la intención no es sustituir el trabajo de los profesionales, sino proporcionar una base sólida que agilice la toma de decisiones y reduzca la carga burocrática de los equipos.

Un equipo virtual de especialistas

Uno de los aspectos más llamativos de Pelip es que la herramienta funciona mediante distintos perfiles de inteligencia artificial especializados en áreas concretas de la producción audiovisual. Entre ellos se encuentran figuras equivalentes a Script Doctor, Director de Arte, Diseñador de Producción, Director de Casting, Jefe de Producción, Jefe de Localizaciones, Ayudante de Dirección, Productor Ejecutivo, responsable de Ventas Internacionales y Auditor ICAA.

Estos perfiles trabajan de forma coordinada, permitiendo que cualquier modificación realizada en una parte del proyecto tenga repercusión inmediata sobre el resto de elementos. Por ejemplo, un cambio en el calendario de rodaje puede actualizar automáticamente el presupuesto o alterar las previsiones de financiación.

Adaptada al sector audiovisual español

A diferencia de otras herramientas generalistas de inteligencia artificial, Pelip ha sido desarrollada específicamente para el mercado español. La plataforma trabaja en español y contempla aspectos clave como la legislación vigente, los convenios laborales del sector, los incentivos fiscales autonómicos y los requisitos exigidos por el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA).

Además, todos los resultados generados son revisables y auditables, permitiendo a los profesionales verificar cada partida o documento antes de incorporarlo a sus proyectos. Actualmente, Pelip se encuentra en fase de pruebas antes de su lanzamiento definitivo. Los profesionales interesados ya pueden solicitar información y participar en las primeras demostraciones a través de la web oficial de la plataforma.

Con esta iniciativa, AlPlano Films traslada al ámbito tecnológico la experiencia adquirida durante años de trabajo en el desarrollo y producción de largometrajes, ofreciendo una herramienta que aspira a convertirse en un nuevo aliado para la industria audiovisual española.

‘Insaciable’ inaugurará PUFA 2026 antes de su estreno en cines

El nuevo filme de terror de Natalie Erika James abrirá la tercera edición del festival

El Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid (PUFA) ya ha elegido la película que dará comienzo a su tercera edición. ‘Insaciable’, el nuevo largometraje de la directora australiana Natalie Erika James, será la encargada de inaugurar el certamen el próximo 4 de julio en una sesión que supondrá además su estreno en España.

La película llega a Valladolid tras haber pasado por festivales de primer nivel como el Festival de Sundance y el Festival Internacional de Cine de Berlín, consolidándose como una de las propuestas de terror más comentadas del año dentro del circuito especializado.

Con esta elección, PUFA continúa reforzando su apuesta por el cine fantástico internacional y suma un nuevo estreno destacado a una edición que contará con 19 premieres procedentes de distintos países.

Natalie Erika James regresa al género tras ‘Relic’

La cineasta australiana Natalie Erika James se dio a conocer internacionalmente gracias a ‘Relic’ (2020), una inquietante propuesta de terror psicológico que utilizaba el deterioro mental y familiar como vehículo para construir una experiencia profundamente perturbadora.

Con ‘Insaciable’, James vuelve a ponerse tras las cámaras y también firma el guion de una historia que combina horror corporal, elementos sobrenaturales y una reflexión sobre la obsesión con la imagen física.

Además, la película marcará un hito dentro de la historia del festival vallisoletano al convertirse en la primera obra dirigida por una mujer que inaugura PUFA desde la creación del certamen.

Una pesadilla alimentada por cenizas humanas

La protagonista de la historia es Hana, interpretada por Midori Francis, una estudiante de medicina que sufre dismorfia corporal y que decide seguir una inquietante tendencia para perder peso. Lo que comienza como una decisión desesperada pronto se transforma en una auténtica pesadilla cuando la joven empieza a consumir cenizas humanas como parte de una macabra dieta. A medida que avanza su transformación, una presencia oscura parece apoderarse de ella, despertando un apetito imposible de controlar y conectándola con los fantasmas de aquellos cuyos restos ha ingerido.

La premisa mezcla elementos del terror psicológico contemporáneo con el horror físico más extremo, una combinación que ha despertado gran interés entre los aficionados al género.

Estreno en cines el 24 de julio

Tras su paso por PUFA, ‘Insaciable’ llegará a los cines españoles el próximo 24 de julio. Su presencia como película inaugural refuerza el perfil internacional del festival, que celebrará su tercera edición entre los días 4 y 11 de julio con una programación centrada en algunas de las propuestas más destacadas del fantástico y el terror contemporáneo.

Con una temática tan provocadora como inquietante y el sello de una de las directoras más prometedoras del género, ‘Insaciable’ se perfila como uno de los estrenos de terror más llamativos del verano.

Los peores hombres lobo del cine en una nueva sesión VHZ

CUTRECON lleva a la Sala Equis un espectáculo único que mezcla comedia, cine trash y hombres lobo imposibles el próximo 27 de junio

Los aficionados al cine más extravagante y a la comedia tienen una cita el próximo 27 de junio en Madrid. El espectáculo VHZ, creado por los responsables de CUTRECON, dedicará una de sus sesiones más peculiares a repasar algunos de los peores hombres lobo que han aparecido en la historia del cine mundial.

La función se celebrará a las 12:30 horas en la Sala Equis y ofrecerá un recorrido por producciones de bajo presupuesto llegadas de distintos rincones del planeta, desde Asia hasta Latinoamérica, donde el mito del hombre lobo ha sido reinterpretado de formas tan sorprendentes como delirantes.

Humor, cine trash y participación del público

Lejos de una proyección convencional, VHZ combina diferentes formatos para construir una experiencia única. Durante sus 90 minutos de duración, el público podrá disfrutar de monólogos de humor, tráilers imposibles, fragmentos de películas, carteles insólitos, sketches en directo e incluso cortometrajes creados expresamente para el espectáculo.

Según explica Carlos Palencia, creador y presentador del show, esta edición se centrará en licántropos que poco tienen que ver con los modelos clásicos popularizados por Hollywood. El recorrido incluirá criaturas surgidas de cinematografías tan diversas como la india, la filipina o la tailandesa, con caracterizaciones y transformaciones que desafían cualquier lógica narrativa o presupuestaria.

Uno de los rasgos distintivos de VHZ es precisamente la interacción con los asistentes. A lo largo de la función, los espectadores pueden intervenir, plantear preguntas y comentar las películas mostradas, generando una experiencia participativa que convierte cada sesión en un evento diferente.

Un espectáculo respaldado por los responsables de CUTRECON

Detrás de VHZ se encuentra el equipo de Cinecutre.com, portal especializado en cine trash y responsable de CUTRECON, el Festival Internacional de Cine Trash de Madrid. Con más de dos décadas dedicadas al estudio y divulgación del cine más extravagante y marginal, sus organizadores se han convertido en una referencia para los amantes de este tipo de producciones.

Carlos Palencia, además de dirigir CUTRECON, colabora habitualmente en medios de comunicación y programas de radio especializados en cultura y entretenimiento. Su experiencia y conocimiento del cine de culto más insólito sirven de base para un espectáculo que combina divulgación y humor a partes iguales.

Entradas ya disponibles

La representación tendrá lugar en La Plaza, el espacio principal de la Sala Equis, donde los asistentes podrán disfrutar del espectáculo mientras permanece abierta la barra del recinto. Además, la entrada incluye una consumición.

Con una trayectoria consolidada y valoraciones muy positivas entre el público, VHZ continúa demostrando que incluso las peores películas pueden convertirse en una fuente inagotable de diversión cuando se observan desde el prisma adecuado.