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Crítica: ‘Septeno’

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Porque en el oeste de España también hay antiguas tradiciones que dan para cine

La película ‘Septeno’, dirigida por Óscar Pérez, se presenta como un proyecto profundamente ligado a su tierra. Rodada en los parajes la Sierra de Francia donde nos encontramos pueblos como La Alberca, Miranda del Castañar o Mogarraz (territorio colindante con Las Hurdes, tierra otrora documentada antropológica y terroríficamente por Buñuel), la cinta es, en esencia, una producción salmantina de principio a fin. Incluso su cartel, obra del ilustrador Tomás Hijo, refleja ese espíritu artesanal y muy arraigado en lo local.

La historia bebe del imaginario del “folkhorror castellano” y de tradiciones profundamente enraizadas en la zona. En La Alberca, por ejemplo, cada noche se mantiene la figura de la Moza de Ánimas, que recorre las calles con su comitiva en honor a las Ánimas Benditas. Ese eco de creencias antiguas sirve como punto de partida para una narración donde se habla de normas que no deben romperse y de criaturas que regresan cada cierto tiempo. La advertencia es clara: hay noches en las que no conviene salir al bosque.

Tradición frente a progreso

Uno de los aspectos más interesantes de ‘Septeno’ es su planteamiento temático. La película sugiere un conflicto entre el avance del progreso representado por aquellos que viven en la gran ciudad y la supervivencia de las leyendas ancestrales, un tema que conecta con los pueblos casi abandonados hoy en día y el folk que cineastas como Paul Urkijo Alijo buscan reivindicar. Sin embargo, aquí el relato se apoya más en la invención que en una exploración profunda de las tradiciones reales.

El punto de partida resulta quizás inspirado por películas como ‘El laberinto del Fauno’: la España rural del franquismo como un escenario en el que la represión y las leyendas te siguen por igual. En ese contexto, la película deja entrever una reivindicación de la llamada España vaciada, esa geografía olvidada del oeste peninsular donde las historias sobreviven casi siempre entre líneas o en viejos escritos de paisanos con nostalgia.

Virtudes visuales y limitaciones narrativas

A nivel técnico, ‘Septeno’ deja sensaciones mixtas. La fotografía y el etalonaje funcionan correctamente, y las localizaciones, tanto naturales como rurales, aportan una atmósfera convincente. Los encuadres también demuestran cierta sensibilidad visual que ayuda a sostener el interés.

No ocurre lo mismo con otros apartados. El sonido resulta en ocasiones demasiado artificial y recurre a recursos muy explotados en el género (como los niños canturreando) que terminan restando fuerza al conjunto. Además, el desarrollo narrativo se queda corto: la idea inicial prometía más profundidad de la que finalmente se explora.

En conjunto, la película transmite un espíritu claramente amateur. Su tono recuerda por momentos a un reportaje alargado del programa ‘Cuarto Milenio’, con misterio rural y leyendas locales como eje central. Aun así, se percibe una intención sincera de poner en valor un territorio y un imaginario cultural que rara vez encuentran espacio en el cine.

Ficha de ‘Septeno’

Estreno en España: 2026. Título original: Septeno. Duración: 29 min. País: España. Dirección: Óscar Pérez. Guion: Óscar Pérez. Música: Aleix Losa. Fotografía: Luis Bascuñana. Reparto principal: Jordan Blasco, Agus de Cabo, Fernando Saldaña, Carolina Morocho, Alejandra Pérez, Ana del Pozo, Mario del Pozo. Producción: Reto Films. Distribución: Reto Films. Género: terror. Web oficial.

Crítica: ‘Donde se quejan los pinos’

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En qué plataforma ver Donde se quejan los pinos


 Crítica

Impactante y desolador

Los cortometrajes muchas veces impactan mucho más que una película de 2 horas, logran calar fuertemente con 11 minutos de duración, logrando finales tan impactantes y sorprendentes que crean un debate muy interesante.

Este es el caso de ‘Donde se quejan los pinos’, donde Ed Antoja, nos habla de lo terrible de las rencillas por los terrenos boscosos, de como hasta al familiar más allegado le interesa mucho más el dinero que puede dar un bosque que la vida que hay en él.

¿Qué nos muestra ‘Donde se quejan los pinos’?

Comenzamos con una investigación policial. Dos policías miran hacia abajo, ha habido un crimen que tienen que resolver y están bastante abatidos. Con ello vemos el pasado en el que, al protagonista de esta historia, no hacen más que intentar convencerle que se deshaga de sus terrenos.

‘Donde se quejan los pinos’ está muy bien realizado, tiene una fotografía muy bonita y llamativa, llena de contrapicados exagerados, pero que tienen un porqué. Y cuando llega el final entiendes todo. Solo tengo buenas palabras para ‘Donde se quejan los pinos’ Y es que sin duda el final te deja totalmente en shock, no te lo esperas y creo que Ed Antoja hace algo tan bueno con ese desenlace. Triste, impactante y por desgracia demasiado real.

Equipo de la película

En la dirección, como hay he nombrado, está en manos de Ed Antoja. Según he leído, tiene un futuro proyecto de largometraje de ficción y esta ha sido su manera de comenzar a rodar ficción. Ya que todo lo que había realizado era documental. En el guion está Isa Pastor.

Y en el reparto encontramos a Almudena Amor, Ramón Barea, Alex Moreu, Francesc Orella y Victor Solé. Todos ellos estupendos en sus papeles. En la fotografía tenemos a Hugo Prats, que como he dicho, me parece que ha realizado un trabajo espectacular.

Sensibilidad social

Después de un 2025 cargado de incendios forestales, donde muchos de los bosques de la Península Ibérica han sufrido por parte de la mano humana. Conflictos familiares, intereses económicos, procesos especulativos o ya en algún caso, causas naturales, han hecho que hayamos perdidos miles y miles de hectáreas de monte.

Ed Antoja nos muestra toda la vida que da un bosque, no solo hablando de los árboles, plantas y demás seres vivos que viven en ellos, sino también, la vida que da a la gente que lo quiere proteger.

Ficha de la película

Estreno en España: Próximamente. Título original: Donde se quejan los pinos. Duración: 11 min. País: España. Dirección: Ed Antoja. Guion: Isabel Pastor. Música: Simon Smith. Fotografía: Hugo Prats. Reparto principal: Ramón Barea Francesc Orella, Almudena Amor, Víctor Solé, Álex Moreu. Producción: La Diferencia. Género: Thriller, drama. Web oficial.

Crítica: ‘Locas del ático’

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En qué plataforma ver Locas del ático

Una relectura necesaria sobre la mujer “loca”

Hablar de ‘Locas del ático’, el cortometraje dirigido por Tamara García Iglesias, implica asumir desde el primer momento que no estamos ante una obra cómoda ni complaciente. Se trata de un ensayo cinematográfico que utiliza el archivo no como ilustración del pasado, sino como un territorio en disputa. La película propone una relectura radical de cómo el cine, la fotografía y el discurso médico del siglo XX construyeron la imagen de la mujer “loca” y la fijaron en el imaginario colectivo como un cuerpo sin voz, sometido y espectacularizado.

Lejos de una aproximación académica fría, García Iglesias articula un dispositivo profundamente político, que interpela al espectador desde la materialidad misma de las imágenes. El resultado es una obra que dialoga con el cine feminista, el found footage y el cine experimental contemporáneo, y que explica en gran medida su notable recorrido por festivales internacionales y su presencia en la shortlist de los próximos Premios Goya.

El archivo como herida abierta

‘Locas del ático’ se construye a partir de imágenes de archivo cinematográfico y fotográfico de principios del siglo XX, muchas de ellas ligadas a la patologización de la histeria femenina impulsada por Jean-Martin Charcot y sus célebres demostraciones médicas. Estas imágenes, que durante décadas fueron presentadas como documentos científicos o espectáculos de feria, son aquí despojadas de su supuesta neutralidad. La cineasta no las muestra para reafirmar su valor histórico, sino para evidenciar su violencia simbólica.

El cortometraje establece una relación directa entre esas fotografías médicas y las primeras representaciones cinematográficas de mujeres perturbadas en el cine mudo y sonoro temprano. Mujeres que gritan, se retuercen, pierden el control de su cuerpo y sirven como proyección de miedos masculinos. García Iglesias señala con precisión cómo ese imaginario visual se consolidó como un molde narrativo que el cine replicó durante décadas, convirtiendo la locura femenina en un cliché estético antes que en una experiencia humana.

Aquí, el archivo no es nostalgia: es acusación. La directora lo fragmenta, lo ralentiza, lo confronta, obligándonos a mirar de nuevo aquello que creíamos conocer.

Voces que reescriben el silencio

Uno de los grandes aciertos de ‘Locas del ático’ es su trabajo sonoro y vocal. Las voces de Carmen San Esteban y Manuelle Rippert no ilustran las imágenes; las contradicen, las atraviesan y las resignifican con muy pocas frases. En especial, la presencia de Marguerite Duras, reinterpretada por Rippert, funciona como un contrapunto literario de enorme potencia. Su tono íntimo y reflexivo introduce una grieta en el discurso dominante del archivo, desplazando el foco desde el espectáculo de la locura hacia la experiencia subjetiva de las mujeres representadas.

Este gesto transforma el cortometraje en un casting simbólico y analógico: un proceso de selección inverso donde las mujeres históricamente exhibidas como “las mejores enfermas” recuperan una voz propia. Ya no son cuerpos diagnosticados, sino presencias que interpelan al presente. El montaje subraya esta operación política, evitando cualquier tentación de reconstrucción ficcional y apostando por la fricción constante entre imagen y sonido.

La película no busca redimir el pasado, sino hacerlo legible desde una sensibilidad contemporánea que reconoce la continuidad de estos estereotipos en el audiovisual actual.

Un cine político desde lo formal

Formalmente ‘Locas del ático’ se inscribe en una tradición de cine ensayo que entiende la forma como contenido. Cada decisión estética (el ritmo, el uso del blanco y negro, la textura del archivo, la fragmentación narrativa) refuerza su discurso crítico. No hay didactismo ni subrayados innecesarios; hay una confianza absoluta en la inteligencia del espectador.

El apoyo institucional recibido, tanto desde el ámbito local como autonómico, resulta coherente con una obra que sitúa a Vitoria-Gasteiz y al País Vasco en el mapa del cine documental y experimental más comprometido. La película dialoga con debates contemporáneos sobre representación, memoria histórica y género, sin perder nunca su dimensión cinematográfica.

‘Locas del ático’ no pretende cerrar una herida, sino mantenerla visible. Su valor reside precisamente en esa incomodidad: en obligarnos a asumir que las imágenes del pasado siguen operando en el presente. Es un cortometraje que no se limita a revisar la historia del cine, sino que cuestiona los mecanismos mismos con los que miramos, clasificamos y narramos los cuerpos femeninos. Una obra necesaria, rigurosa y profundamente contemporánea.

Ficha de ‘Locas del ático’

Estreno en España: 2025. Título original: Locas del ático. Duración: 16 min. País: España. Dirección: Tamara García Iglesias. Guion: Tamara García Iglesias. Fotografía: Tamara García Iglesias. Reparto principal: Manuelle Ripert, Carmen San Esteban. Producción: cSc Films, Atekaleun, Aeko Estudios. Género: documental. Web oficial.

Crítica: ‘Freyr’

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Sinopsis

Freyr nació con una tercera mano que le crecía en el pecho. En su funeral, Tom, un amigo y compañero de trabajo, cuenta la historia de cómo se unieron por ser diferentes.

Crítica

Tierna parábola sobre la conexión y la identidad

En el panorama actual del cortometraje independiente, pocas obras logran conjugar sensibilidad, simbolismo y una voz autoral tan clara como ‘Freyr’, la pieza dirigida por David Telles y basada en una historia original del finalista del Premio Pulitzer Tommy Orange. El filme forma parte de la quinta temporada del programa Indeed Rising Voices, una iniciativa que apoya a cineastas BIPOC (Black, Indigenous, and People of Color).

En cierto sentido ‘Freyr’ logra emocionar sin recurrir a artificios grandilocuentes, ofreciendo una mirada íntima y poética sobre la necesidad humana de conectar y que se respete su identidad. Cuenta la historia de Frank, un hombre que nació con una tercera mano en el medio de su pecho. Nos narran su situación a través de un nuevo compañero de trabajo, Tom. Este hombre es el único que realmente ver a Frank por lo que era. Su relación se convierte en una metáfora conmovedora sobre la diferencia y la aceptación. A través de una narración delicada, casi elegíaca, Telles aborda cómo el sentirse ajeno al mundo puede ser también un puente hacia una empatía más profunda. El tono, entre lo melancólico y lo esperanzador, consigue atrapar al espectador desde los primeros minutos.

El enfoque de David Telles, descendiente de las naciones Mandan, Hidatsa, Arikara, Hochunk y Prairie Band Potawatomi, no es casual: su cine parece impregnado de una mirada comunitaria, espiritual y profundamente humana, en la que las raíces culturales y la exploración interior se entrelazan. Esa autenticidad es precisamente lo que distingue a ‘Freyr’ del resto de producciones que aspiran a representar la diversidad sin caer en el discurso impostado o woke. Quiero entender por el título que además hay conexión con otra cultura como es la escandinava. La búsqueda de aceptación y comunión de los protagonistas podría estar alineada con el espíritu de Freyr, un dios de la conexión, la armonía y la generosidad.

No obstante, pese a sus virtudes narrativas y emocionales, el maquillaje se erige como el punto más débil del cortometraje. La tercera mano, símbolo central de la historia, carece del realismo y la sutileza que una premisa tan potente merecería. En ciertos planos, la textura artificial del maquillaje distrae del tono poético y reduce la verosimilitud de la puesta en escena. Es un detalle que, aunque comprensible dada la limitación presupuestaria del proyecto, resta algo de fuerza a la representación física de la diferencia. Sin embargo, sería injusto que esa limitación eclipsara los logros de una obra que con muy pocos recursos logra mucho más que muchos filmes con grandes medios. Telles demuestra una capacidad notable para construir atmósferas, dirigir emociones y traducir conceptos abstractos en imágenes cargadas de simbolismo. Su dirección actoral, además, resulta impecable: la química entre los intérpretes dota de verdad y ternura a una historia que podría haber caído fácilmente en lo grotesco, lo moralizante o lo lacrimógeno.

Ficha de la película

Título original: Freyr. Duración: 17 min. País: EE.UU. Dirección: David Telles. Guion: Tommy Orange, David Telles. Música: Jacob Bloomfield-Misrach, Kjartan Dagur Holm, Sindri Már Sigfússon. Fotografía: Robert L. Hunter. Reparto principal: Benairen Kane, Auðunn Lúthersson, Krista Hedins. Producción: 271 Films. Género: drama, fantástico. Web oficial: https://risingvoicesfilms.com/film/freyr/

Crítica: ‘A bear remembers’

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Sinopsis

Ambientada en un remoto pueblo entre colinas impregnadas de mitos e historias, la película sigue a Peter (interpretado por Lewis Cornay, (Doctor Who, The SpongeBob Musical, The History Boys), un chico de la zona cuya curiosidad le lleva a obsesionarse con un extraño sonido que resuena en el valle. En su búsqueda conoce a Ebba (interpretada por Anna Calder-Marshall, Cumbres borrascosas, Last Christmas, Tío Vania), una anciana cuyos recuerdos infantiles, lárgamente enterrados, sobre un legendario espíritu oso se despiertan de repente. A medida que Peter comparte con ella las imágenes encontradas, la frontera entre el pasado y el presente comienza a difuminarse, evocando algo antiguo y poderoso.

Crítica

Una experiencia lírica sobre el peso del tiempo en las tradiciones y en la memoria colectiva

A Bear Remembers es una de esas joyas raras que logran trascender el formato del cortometraje para instalarse en la memoria del espectador. También es de esas propuestas que se disfrutan en su formato corto y que a uno no le gustaría que se intentase transformar en largometraje. El debut narrativo del dúo Zhang & Knight (Linden Feng y Hannah Palumbo) es un ejercicio de lirismo visual y hondura emocional que combina la textura del mito con la delicadeza del recuerdo.

Ambientada en un remoto valle galés, la película construye una atmósfera hipnótica en la que el sonido, presente como una vibración casi mística que persigue el joven protagonista (Lewis Cornay), se convierte en la puerta de entrada a un mundo donde el pasado respira a duras penas en las mentes cansadas de nuestros ancianos. La película plantea un misterio, un elemento de esos que están presentes pero que necesitamos desentrañar tendiendo puentes entre generaciones. Es por eso que la aparición de Ebba, interpretada con ternura y gravedad por Anna Calder-Marshall, da al relato una dimensión melancólica y casi espectral.

El diseño sonoro y la fotografía destacan por su precisión artesanal, componiendo cuadros de luz y silencio que evocan tanto el realismo mágico como la poesía del paisaje. La voz profunda y serena de Ciarán Hinds confiere al espíritu del oso una presencia mítica que simboliza la memoria colectiva y las historias que nos sobreviven pero que aún así están en peligro de extinción.

Lejos de ser una simple fábula, ‘A bear remembers’ indaga en las heridas invisibles de la historia y en la persistencia de lo sagrado en un mundo descreído. Su tono elegíaco y su evidente amor por las tradiciones se vincula automáticamente con otras voces defensoras del folclore como Paul Urkijo Alijo. Ni siquiera su carácter poético es capaz de hacer que su mensaje pierda fuerza y con un carácter casi minimalista consigue alcanzar profundidad. Es un recordatorio de que los mitos no mueren: cambian de piel, se transforman, y regresan, como un eco en las colinas que siempre vuelve. Con todo esto no es de extrañar que sus autores la quieran colocar en los próximos Oscars.

Ficha de la película

Título original: A bear remembers. Duración: 20 min. País: Reino Unido. Dirección: Linden Feng, Hannah Palumbo (Zhang & Knight). Guion: Linden Feng, Hannah Palumbo. Música: Jonathon Ng. Fotografía: Christopher Ripley. Reparto principal: Lewis Cornay, Anna Calder-Marshall, Rhianna Compton, Ciarán Hinds. Producción: Lexi Kiddo, Medb Riordan, Hugo Legrand-Nathan, Álvaro Priante. Género: drama, fantástico. Web oficial: https://www.zhangandknight.com/

Análisis del steelbook de ‘Tron’

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Divisa Films nos trae esta maravilla

Steven Lisberger fue el encargado de traernos la locura de ‘Tron’ a nuestras pantallas. Una película adelantada a su tiempo, siendo una de las primeras películas del cine en utilizar imágenes generadas por computadora. CGI.

Con la banda sonora de la increíble Wendy Carlos, con Jeff Bridges, Bruce Boxieitner, Cindy Morgan y David Warner, entre otros, como protagonistas, ‘Tron’ despegó en 1982 y sin duda es una de las grandes películas de ciencia ficción de toda la historia.

Hoy os traemos el steelbook, con su disco de Blu-ray y 4K, que ha sacado Divisa Films y que nos ha dejado con la boca abierta, es precioso, pero ya no solo eso, tiene una cantidad inmensa de extras de los que os hablaremos a continuación y que sin duda vais alucinar.

Película 4K ULTRA HD

Imagen: 2160p Alta Definición / 2.20:1 / 16×9

Idiomas: 7.1.4 Dolby Atmos: Inglés / DTS Digital Surround 5.1.: Castellano, Italiano / DTS-HD MA 5.1.: Japonés / Dolby Digital 5.1.: Español Latino / Dolby Digital 2.0.: Autodescripción en inglés.

Subtítulos: Castellano, Italiano, Japonés, Español Latino, Danés, Finés, Noruego, Sueco, Inglés codificado para sordos.

Película Blu-ray

Imagen: 1080p Alta Definición / 2.20:1 / 16×9

Idiomas: Dolby Digital 5.1: Castellano, Inglés, Italiano, Francés, Alemán.

Subtítulos: Castellano, Inglés, Francés, Italiano, Alemán, Sueco, Noruego, Danés, Finlandés, Islandés, Holandés, Portugués, Inglés codificado para sordos.

Sin más nos adentramos en los extras y os dejamos un vídeo mostrando fotos de la edición.

EXTRA (Mas de 4 horas)

Fototronología (16:37 min)

  • Fotos del set, de la producción y nos cuentan un poquito de cómo fue todo el rodaje.

El fenómeno Tron (09:45 min)

  • Lo que significó Trob para los actores, directores, pero no solo los primeros, sino no a los nuevos actores de ‘Tron: Legacy’. Tuvieron que innovar mucho ya que en aquella época no existía nada.

Extras originales DVD

 Desarrollo

  • Primer desarrollo de Tron (2:37 min)

Inspirado por ‘Star Wars’, tema efectos especiales, tiburón energía y emoción.

  • Primera animación de los estudios de Lisberger (00:30 sg)
  • “Los ordenadores son personas también” (04:28 min).

Primeras imágenes de ‘Tron’ con el director comentándolas.

  • Los primeros test de videos (00:31 sg)

Disney no se fiaba como iba a ser el resultado y les pidió un pequeño corto para ver si funcionaba.

  • Galerías

Imágenes interactivas, con un menú bastante curioso.

Imágenes digitales

  • Iluminación posterior (01:39 min)

El gran trabajo de montaje es increíble, vamos viendo los distintos fotogramas y como los superponen unos a otros para lograr la iluminación correcta.

  • Imágenes digitales de Tron (03:44 min)

De cómo distintos equipos se ocuparon de las diferentes secuencias digitales de la película.

  • “Beyond Tron” (04:00 min)

De como entró MAGI (Mathematicial Applications Group, Inc) a trabajar en Tron.

  • Triple I (00:34 sg)
  • Muestra de Triple I (02:15 min)

Muestra de lo que podía hacer Triple I, una de las empresas que contrataron para efectos especiales.

Cómo se hizo Tron (1:28:21 min)

Nos explican con gran detalle de dónde salió la idea. Como se hizo este gran equipo.

Música

Wendy Carlos fue la encargada de dar música a esta cinta tan futurista. Su música de sintetizadores logra crear ese futuro tan cercano.

  • Escena de las motos de luz con pistas de audio de Carlos alternativas (02:46 min)
  • Créditos finales con música original de Carlos (05:15 min)

Publicidad

  • Nato (05:02 min)

Cortometraje para presentar la película.

  • Trabajo en desarrollo (01:26 min)
  • Tráiler n° 1
  • Tráiler n° 2
  • Tráiler n° 3
  • Tráiler n° 4
  • Galería

Escenas eliminadas

  • Introducción por el escritor y director Steven Lisberger (02:18 min)

Nos cuenta que las escenas de amor que vemos a continuación se eliminaron por ser demasiado sentimentales.

  • Escena de amor de Tron y Yori (01:56 min)

La escena está casi completa con efectos porque la quitaron tarde del montaje.

  • Escena de amor de Tron y Yori 2 (00:44sg)
  • Prólogo de comienzo alternativo (01:21 min)

Un prólogo en el que veíamos varios párrafos explicando un poco lo que se iba a ver en pantalla a continuación.

Diseño

  • Introducción por el escritor y director Steven Lisberger (01:10 min)
  • Galería

Galería interactiva en la que podemos ver los diferentes diseños de las motos de luz.

  • Las motos de luz Syd Mead (01:52 min)

El diseñador nos habla acerca de cómo creó las motos de luz.

  • Test de animación de MAGI de las motos de luz (00:16 sg)
  • Reconocedor: el video juego paranoides espaciales – letterbox (00:16 sg)

Reconocedor: el video juego paranoides espaciales- pantalla completa.(00:16 sg)

Storyboards

  • El proceso de storyboards (03:52 min)

Creación del título principal de Tron

  • Storyboards de Moebius (00:16 sg)
  • Galería

Storyboards vs película

  • Introducción del artista de storyboards y animación Bill Kroyer (00:51 sg)
  • Storyboards de la persecución de las motos de luz (01:56 min)
  • Película final de la persecución de las motos de luz (01:56 min)

Comentarios en audio

Con Steven Lisberger productor Donald Kushner, productor asociado y supervisor de efectos visuales Harrison Elleshaw y supervisor de efectos visuales Richard Taylor.

Divergente, la plataforma OTT gratuita de cortometrajes de ISII Group, amplía su catálogo

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Divergente suma más de 450 cortometrajes gratuitos y estrena nuevas producciones propias

Divergente, la plataforma OTT gratuita impulsada por ISII Group, sigue creciendo como punto de encuentro para los amantes del cortometraje. Con más de 450 títulos disponibles online sin coste, su catálogo combina propuestas premiadas en festivales internacionales, candidatas a los Goya y obras de cineastas emergentes y consolidados.

Entre sus últimas incorporaciones destaca ‘Lo que no decimos’, un relato LGBTIQ+ que pone el foco en la presión dentro del mundo del fútbol. Este estreno forma parte de la apuesta por la producción propia de Inefable Productions, compañía del grupo, que ya ha desarrollado una docena de cortos desde su creación en 2024.

Próximamente también se podrán ver en la plataforma ‘Por un puñado de frases’ y ‘Jo, qué día’, dos comedias con rostros tan conocidos como Jorge Sanz, Raúl Cimas y Yolanda Ramos.

El catálogo de Divergente ofrece ficción, documental, animación y experimental, abarcando géneros tan variados como terror, comedia, ciencia ficción, drama, thriller, fantástico, romántico o musical. Entre los proyectos disponibles aparecen trabajos de cineastas como Carlota Pereda o Eduardo Casanova y cortos con intérpretes de prestigio como Verónica Forqué, María Barranco, Ingrid García Jonsson, Macarena Gómez o Fernando Cayo.

De esta forma, Divergente se consolida como una ventana digital para redescubrir cortometrajes que muchas veces quedan relegados tras su paso por festivales, ofreciendo al público la posibilidad de disfrutar de historias originales y comprometidas de manera gratuita y accesible.

‘Unprovidence’ tendrá su estreno en el Festival Curtas

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El artista Víctor Marín estrena su  nuevo trabajo en tierras gallegas

El estreno de ‘Unprovidence’ tendrá lugar en la 53º edición del Curtas Festival do Imaxinario de Vilagarcía de Arousa (Galicia), un certamen con más de medio siglo de historia, reconocido por la publicación especializada Dread Central, entre los 90 mejores festivales de género del mundo.

El cortometraje ha sido rodado en localizaciones singulares del sur de España, como la Cueva del Tesoro de Nagüeles (Marbella) o el exclusivo Villa Padierna Hotels & Resorts.

Con una marcada estética de finales del siglo XIX y un equipo técnico muy reducido, en muchas jornadas formado únicamente por tres personas, ‘Unprovidence’ se erige como una auténtica carta de amor a la obra de H. P. Lovecraft, narrada a través de una voz en off que recupera pasajes significativos de sus escritos.

Víctor Marín, ha trabajado en franquicias internacionales de primer nivel como Jurassic World, Stranger Things o One Piece, colaborando con compañías como Netflix, Warner o Maxon. En 2022 fue galardonado con la Biznaga de Plata en el Festival de Málaga, reconocimiento que consolida su relevancia en la industria audiovisual.

En ‘Unprovidence’, Marín crea una atmósfera oscura y evocadora, que ofrece una lectura arriesgada y personal del legado lovecraftiano.

“Lovecraft no deja de fascinarme, no solo por su terror cósmico, sino por la forma en la que retrata la pequeñez del ser humano frente al universo. Con ‘Unprovidence’ he querido, con el mayor de los respetos, plantear una idea atrevida, cuidando al máximo el diseño de producción. La aportación de Andrés Mata, ha sido clave para alcanzar la cuidada cinematografía del cortometraje, y la entrega y dedicación del reparto ha sido increíble: José Valera García, Maritxell Caba, Pablo Ramos, Danny Sagaz y Dani Alba”, explica Víctor Marín.

El estreno se celebrará dentro del Bloque Arrepíos I de la Sección Oficial Fantástico de Curtas Festival do Imaxinario 2025, en el Salón García, el próximo 25 de octubre a las 19:15 horas.

‘Unprovidence’ es una producción de Invictus Designs Productions y Fonofox, con la colaboración de Andrés Mata, Edgar de Benito y Alex Tutusaus.

Palmarés Premios Fugaz 2025

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‘Una cabeza en la pared’ como gran ganadora de los Premios Fugaz

El pasado 25 de junio se celebró la gran gala de los Premios Fugaz. Un millar de asistentes se vistieron de gala para asistir a la Sala 25 de los cines Kinépolis Ciudad de la Imagen.

La gran triunfadora de la noche ha sido la cinta “Una cabeza en la pared”, que se ha alzado con seis galardones, incluyendo Mejor Cortometraje, Dirección de Producción, Dirección de Fotografía, Dirección de Arte, Vestuario y Banda Sonora. La obra, dirigida por Manuel Manrique, confirma así las expectativas generadas desde su paso por festivales, con una propuesta estética poderosa, narrativa inquietante y un despliegue técnico que ha dejado huella en esta edición.

Le ha seguido “Ángulo muerto”, que ha logrado dos galardones de enorme peso: Mejor Dirección para Cristian Beteta y Mejor Interpretación Femenina para Eva Llorach, cuya actuación fue una de las más aplaudidas de la temporada. “El otro”, ópera prima de Eduard Fernández, ha obtenido el premio a Mejores Efectos Visuales, mientras que “Cólera” ha sido distinguida con la Dirección Novel para Jose Luis Lázaro.

El guion más celebrado ha sido el de “Insalvable”, escrito por Belén Sánchez-Arévalo y Javier Marco, y el premio a la Mejor Interpretación Masculina lo ha obtenido Ramón Barea por “29 de febrero”. Otros títulos reconocidos han sido “893 kilómetros” (Mejor Montaje), “Donde se quejan los pinos” (Mejor Sonido) y “Líbranos del mal” (Maquillaje y Peluquería).

La gala ha sido presentada con afilado humor por el actor y ventrílocuo Jaime Figueroa y entre los asistentes han figurado nombres tan destacados como Eduard Fernández, Ana Wagener, Ramón Barea, Daniel Sánchez Arévalo, Eva Llorach, Pedro Casablanc, Rosario Pardo, Nerea Barros, Vanesa Romero, Blanca Paloma o Eva Isanta. También han estado presentes representantes del ICAA, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) y la Comunidad de Madrid.

Uno de los momentos más especiales de la gala ha sido la entrega del Premio Fugaz de Honor a Arantxa Echevarría, quien ha sido recibida con una prolongada ovación por parte del público. La cineasta, con una trayectoria reconocida tanto en el cortometraje como en el largometraje con títulos como “La Infiltrada”, “Carmen y Lola” o “Chinas”, ha obtenido el galardón como reconocimiento a su aportación al cine español contemporáneo.

Samuel Rodríguez, co-director de CortoEspaña, entidad organizadora de los premios, ha señalado: “cada año se suman más miradas, más estilos y más talento. Este 2025 hemos vuelto a confirmar que el cortometraje no es un formato menor, sino una expresión esencial del cine. Estas obras nos recuerdan que en pocos minutos se puede contar muchísimo.”

En total, se han entregado 21 galardones, incluyendo los estrenos de dos nuevas categorías: Mejor Cortometraje Hispanoamericano, que ha sido para “Cuando todo arde” (Argentina), y Mejor Cortometraje de Escuela, que ha reconocido a “De Madrid al Cielo”.

Los Premios Fugaz cuentan con el apoyo de importantes entidades e instituciones como Kinépolis, Cervezas Alhambra, el Instituto del Cine de Madrid, Menorca Doc Fest, The Core School, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), el ICAA, Elite Excellence – Federación española del Lujo, Filmin, Gobo, Mi guarida pulida, Welab, Esfera Visual, Mood, Excena, AM Escuela y Big School, además de la colaboración de Movistar+ y la Universidad Complutense de Madrid, haciendo posible que estos galardones continúen siendo el gran punto de encuentro del cortometraje español.

A continuación os dejamos la lista completa de los ganadores.

PALMARÉS – PREMIOS FUGAZ 2025

Mejor Cortometraje

Una cabeza en la pared

 Mejor Dirección

Cristian Beteta, por Ángulo muerto

Mejor Dirección Novel

Jose Luis Lázaro, por Cólera

Mejor Guion

Belén Sánchez-Arévalo y Javier Marco, por Insalvable

Mejor Dirección de Producción

Jaume Subirós, por Una cabeza en la pared

Mejor Dirección de Fotografía

Alejandro Buera, por Una cabeza en la pared

Mejor Montaje

Bruno Martín, por 893 kilómetros

Mejor Dirección de Arte

Helena Gallego, por Una cabeza en la pared

Mejores Efectos Visuales

Heliodoro Carbonell, por El otro

Mejor Vestuario

Héctor Loureiro, por Una cabeza en la pared

Mejor Maquillaje y Peluquería

Raquel Vadillo, por Líbranos del mal

Mejor Sonido

Pedro Iniesta, por Donde se quejan los pinos

Mejor Banda Sonora

Alberto Torres, por Una cabeza en la pared

Mejor Interpretación Masculina

Ramón Barea, por 29 de Febrero

Mejor Interpretación Femenina

Eva Llorach, por Ángulo muerto

Mejor Cortometraje de Animación

Carmen y la cuchara de palo

 Mejor Cortometraje Documental

Behind the wall 

Mejor Cortometraje Breve

Origami

 Mejor Cortometraje Hispanoamericano

Cuando todo arde (Argentina)

 Mejor Cortometraje de Escuela

De Madrid al cielo 

Mejor Largometraje

La estrella azul

Arantxa Echevarría recibirá el Premio Fugaz de Honor 2025

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La directora de “La Infiltrada” será reconocida por su aportación al cortometraje

Arantxa Echevarría, una de las voces más destacadas del cine español contemporáneo, será homenajeada con el Premio Fugaz de Honor 2025 en reconocimiento a una cineasta que se considera cortometrajista a pesar de sus exitosos largometrajes. El galardón se entregará el próximo 25 de junio en la gala de los Premios Fugaz, que tendrá lugar en la Sala 25 de Kinépolis Ciudad de la Imagen (Madrid), ante un público de más de mil asistentes.

Aunque Echevarría ha alcanzado el éxito en el largometraje con títulos como ‘Carmen y Lola’, ‘Chinas o la reciente ‘La Infiltrada’, la cineasta se ha definido en numerosas ocasiones como “cortometrajista de corazón”. Este premio supone un reconocimiento a sus raíces en el formato corto, donde se forjó como narradora comprometida y original.

Un homenaje a la mirada corta, pero profunda

La organización de los Premios Fugaz ha querido destacar obras clave de Echevarría en el cortometraje como ‘Don Enrique de Guzmán’ (2012), ‘De noche y de pronto’ (2014), ‘Yo, presidenta’ (2015) o ‘El último bus’ (2016). Su estilo directo, socialmente comprometido y con especial sensibilidad hacia las minorías, ha marcado a toda una generación de nuevos cineastas.

Samuel Rodríguez, co-director de CortoEspaña, destacó que Echevarría “representa la pasión y el riesgo que hacen grande al cine. Su mirada ha abierto camino a otros y es un honor rendirle tributo desde el cortometraje, donde todo comenzó”.

De los cortos a romper récords de taquilla

La trayectoria de Arantxa Echevarría es un ejemplo de evolución profesional basada en la autenticidad. Nacida en Bilbao en 1968, estudió Ciencias de la Imagen en la Universidad Complutense de Madrid y se especializó en realización y producción audiovisual. Tras colaborar en televisión y publicidad, dirigió el revelador documental Cuestión de pelotas para TVE, que ayudó a visibilizar la precariedad de las futbolistas españolas.

En el mundo del corto, su obra ‘De noche y de pronto’ fue nominada al Goya en 2015, y ‘Yo, presidenta’ contó con la última aparición de Chus Lampreave. Su salto al largometraje llegó con ‘Carmen y Lola’ (2018), una historia de amor entre dos chicas gitanas que la consagró con un Goya a Mejor Dirección Novel y más de 50 premios internacionales.

En 2024, ‘La Infiltrada’ rompió todos los pronósticos: un thriller basado en hechos reales sobre una agente encubierta en ETA que ha recaudado más de ocho millones de euros, convirtiéndose en la película dirigida por una mujer más taquillera de la historia del cine español. Protagonizada por Carolina Yuste y Luis Tosar, recibió 13 nominaciones a los Premios Goya, entre ellas Mejor Película y Mejor Dirección.

Una gala que celebra el talento emergente

La edición 2025 de los Premios Fugaz contará con la participación de más de 600 cortometrajes evaluados por un comité de 1.600 profesionales. Este año se estrenan dos nuevas categorías: Mejor Cortometraje Hispanoamericano y Mejor Cortometraje de Escuela, consolidando los Fugaz como la plataforma clave para el cortometraje en España.

El evento cuenta con el respaldo de Kinépolis, la Universidad Complutense de Madrid, Filmin, Movistar+, y más de 50 festivales nacionales, que colaboran activamente en la selección de obras finalistas.

El reconocimiento a Arantxa Echevarría no solo celebra su éxito, sino también su firme defensa del cortometraje como arte y como semillero de grandes historias. Un premio merecido para una directora que ha demostrado que el formato corto puede tener un impacto inmenso.

Foto de portada: Mirta Rojo.

Nominados a los Premios Fugaz 2025

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‘Una cabeza en la pared’ y ‘893 kilómetros’ se alzan como principales candidatos.

Ya son nueve años en que el cortometraje es reconocido, valorado e impulsado por los Premios Fugaz de CortoEspaña, comisión de la que podemos decir orgullosamente de la que formamos parte. En la jornada de ayer, en el Espacio Movistar, uno de los avalistas de estos premios, tuvo lugar la lectura de los nominados. Una lista de candidatos que llega tras un extenso proceso de selección ya que la cantidad de material presentado ha sido inmensa.

La lectura de estos Fugaz 2025 tuvo lugar contando con la presencia de prensa, patrocinadores y un buen número de candidatos. Los actores Marta Belenguer y Christian Checa fueron los encargados de hacer pública la lista que podéis leer a continuación. Y todo ello tras la presentación de Samuel Rodríguez, co-director de CortoEspaña, el cual destacó, además del gran valor y peso del cortometraje en la industria española, la aparición de premios como los que reconocen el Mejor Cortometraje Hispanoamericano y el Mejor Cortometraje de Escuela.

Los cortometrajes ‘Una cabeza en la pared’ y ‘893 kilómetros’ se han alzado como principales candidatos acumulando 10 y 7 nominaciones respectivamente. Los Premios Fugaz 2025 serán entregados el 25 de junio en la sala número 25 de Kinépolis Madrid.

Palmarés Premios Fugaz 2025

Mejor Cortometraje

  • 893 kilómetros
  • Ángulo muerto
  • El Príncep
  • Insalvable
  • Pipiolos
  • Una cabeza en la pared

Mejor Dirección

  • 893 kilómetros– Rubén Guindo Nova
  • Agonía– Eulalia Ramón
  • Ángulo muerto– Cristian Beteta
  • Cuando llega el frío– María Salgado Gispert
  • Una cabeza en la pared– Manuel Manrique

Mejor Dirección Novel

  • City of pigs– Juan Ángel Hernández
  • Cólera– Jose Luis Lázaro
  • Cura sana– Lucía G. Romero
  • El otro– Eduard Fernández
  • Happy hour– Nico Romero y Álvaro Monje

Mejor Guion

  • Ángulo muerto– David Verdugo
  • El lado más bestia de la vida– Campos y Rioboó
  • Insalvable– Sánchez-Arévalo y Javier Marco
  • Piedra, papel, o tijera– Nach Solís
  • Una cabeza en la pared– Itziar Sanjuán Sáenz

Mejor Dirección de Producción

  • 893 kilómetros– Samantha Martín y Miguel Monteagudo
  • Donde se quejan los pinos– Mercè Batalla
  • El Príncep– Lahuerta y Radoselovics
  • Ne me quitte pas– Gemma Monzó
  • Una cabeza en la pared– Jaume Subirós

Mejor Dirección de Fotografía

  • Cuando llega el frío– Isabel Ruiz Ruiz
  • Donde se quejan los pinos– Hugo Prats
  • Ne me quitte pas– Uri Barcelona
  • Una cabeza en la pared– Alejandro Buera
  • Violetas– Mario López

Mejor Montaje

  • 893 kilómetros– Bruno Martín
  • Bedste– Louise Værum
  • El otro– Javier Frutos
  • El Príncep– Ona Bartrolí
  • Una cabeza en la pared– Pablo Barce

Mejor Dirección de Arte

  • Cuando llega el frío– Iris Ocampo
  • Líbranos del mal– Mey Monteroy y Violeta Soliva
  • Ne me quitte pas– John Blud
  • Una cabeza en la pared– Helena Gallego
  • Violetas– Lucía Meca

Mejores Efectos Visuales

  • 893 kilómetros– Zoltan Farkas
  • Agonía– María Maganto
  • Berta– Carbonell Almela y Stefan Susemihl
  • El otro– Heliodoro Carbonell
  • Huir– Dalila di Martino y Julán Martínez

Mejor Vestuario

  • Cuando llega el frío– José Antonio Martín
  • Líbranos del mal– Sara Madoz
  • Ne me quitte pas– Miguel Cervera
  • Una cabeza en la pared– Héctor Loureiro
  • Violetas– Alba Martínez Villamor

Mejor Maquillaje y Peluquería

  • 893 kilómetros– Marta Cuadrado
  • Líbranos del mal– Raquel Vadillo
  • Sexo a los 70– Johana Trujillo
  • Una cabeza en la pared– Beatriz Coloma
  • Violetas– Borja Escribano

Mejor Sonido

  • 893 kilómetros– Mario González
  • Agonía– Diego Gualino
  • Donde se quejan los pinos– Pedro Iniesta
  • Happy hour– Ruiz, Bernardo y Cabrera
  • Líbranos del mal– María Rodríguez

Mejor Banda Sonora

  • 893 kilómetros– Jesús Calderón
  • Carmen y la cuchara de palo– Iván Palomares
  • Donde se quejan los pinos– Simon Smith
  • Piedra, papel, o tijera– Sofía Sainz
  • Una cabeza en la pared– Alberto Torres

Mejor Interpretación Masculina

  • 29 de febrero– Ramón Barea
  • El otro– Eduard Fernández
  • El Príncep– Enric Auquer
  • Insalvable– Pedro Casablanc y Javier Pereira

Mejor Interpretación Femenina

  • Ángulo muerto– Eva Llorach
  • El lado más bestia de la vida– Rosario Pardo
  • La mort– Luisa Gavasa
  • Líbranos del mal– Ana Wagener
  • Pálpito– Cristina Fernández

Mejor Cortometraje de Animación

  • Adiós
  • Carmela
  • Carmen y la cuchara de palo
  • Homework
  • Pietra

Mejor Cortometraje Documental

  • Behind the wall
  • Disonancia
  • Emilia
  • Autorretrato
  • Zona Wao

Mejor Cortometraje Breve

  • Close your eyes
  • Origami
  • Siesta
  • Tesoro

Mejor Largometraje

  • El 47
  • La estrella azul
  • La habitación de al lado
  • La infiltrada
  • Marco

Mejor Cortometraje Hispanoamericano

  • Casa Paraíso(Guatemala)
  • Charrascas(México)
  • Cuando todo arde(Argentina)
  • La casa de arena(Chile)
  • Tenemos patria(Venezuela)

Mejor Cortometraje de Escuela

  • Daru/n
  • De Madrid al cielo
  • De-Sastre
  • Deadline
  • El otro lugar
  • Gaupasa
  • Patrimonio
  • Remember me

Crítica: ‘Polígono X’

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Sinopsis

Unas canchas de fútbol de barrio. Rana y su equipo se sienten humillados por los brasileños del barrio de al lado, que les ganan desde hace tiempo. Pero hoy no van a permitirse perder y menos delante de Alba, la ex de Rana, saliendo a jugar contra ellos en una partida de cinco contra cinco en donde todos tienen algo contra todos. Esta es la oportunidad perfecta para los chicos del barrio Polígono X de hacer algo que llevan esperando mucho tiempo: expulsar a los brasileños de su barrio.

Crítica

Un retrato sin concesiones de la tensión del cemento

Hay que decirlo desde el inicio: pocos cortos logran condensar con tanta precisión y tensión narrativa un universo tan reconocible como el que plantea Néstor López en ‘Polígono X’. Un director que ya sabe lo que es levantar un Goya, vaticinamos hace poco el éxito de ‘Semillas de Kivu’ y aprovechamos esta ocasión para dar nuestra sincera enhorabuena. Esta vez nos golpea con una pieza compacta y brutal que se mueve con la precisión de una coreografía… pero sin artificios, sin alardes vacíos. Aquí, el plano secuencia no es un capricho técnico, es una necesidad narrativa que sirve para subrayar la tensión psicológica, el asedio de gallitos y la sensación de que algo puede explotar en cualquier momento.

Uno de los méritos y aciertos de ‘Polígono X’ reside en cómo consigue que la cámara se convierta en un personaje más, un testigo que respira el mismo aire cargado que los protagonistas. No hay cortes y tampoco hay pausas. Todo fluye con una naturalidad inquietante, como si de manera arriesgada la cámara se hubiese sumergido en un barrio real y a modo de documental. Esa cámara nerviosa pero precisa no solo capta la acción sino también el contexto: esas fachadas desconchadas, ese lenguaje corporal endurecido por los años, esa jerga que es tan música como amenaza.

‘Polígono X’ no habla solo de un conflicto puntual: habla de una cultura enquistada, de una masculinidad tóxica que sobrevive inexplicablemente al paso del tiempo. Viviendo actualmente con bombardeo de discursos progresistas y de un audiovisual que enarbola discursos en aras de la igualdad, sorprende que aun parece lejos el ganar pulso a “los trogloditas” que necesitan el refuerzo físico para sentirse alguien. En pleno siglo XXI, cuando las pantallas han educado a generaciones enteras y deberían habernos enseñado otras formas de ser, López nos recuerda que hay realidades donde la evolución no ha llegado, o ha llegado a medias. Y no lo hace desde la superioridad moral ni el panfleto: lo hace desde una mirada que parece fruto de la observación, desde una mirada que entiende el barrio, tanto como los que hemos crecido en él y lo hemos mamado casi como firma de vida.

En este sentido, quienes hemos transitado esas calles, esas pistas de fútbol sala donde se juega más que el marcador, encontramos en ‘Polígono X’ una fidelidad completa, vibrante. Porque no es solo el decorado, es el código gestual, la violencia sorda que se esconde tras mirada, el orgullo ridículo que se convierte en detonante de una tragedia. López clava estos matices con precisión y lo hace apoyado en un reparto que parece no actuar, sino simplemente estar. Ahí está el otro gran acierto del corto. Juan José Ballesta suma una nueva interpretación que clava los patrones de aquellos que son endémicos de las calles de la España de los 2000. Pero no solo él, sino que todo un reparto encabezado realmente por Guillermo Hego, que compone una pandilla veraz que podríamos cruzarnos si salimos ahora mismo a barrios madrileños de zonas como Carabanchel, Vallecas, El Pilar o Villaverde.

El corto se ve rápido, sí, pero deja una sensación amarga que permanece. Como una bronca mal cerrada o una conversación pendiente. ‘Polígono X’ es cine social, quizá la versión actual del cine quinqui de los 70 u 80. Sin florituras, sin condescendencias. Una ventana para quienes no quieren mirar y un recordatorio para los que vivimos o hemos vivido momentos como este.

Ficha de la película

Estreno en España: 2025. Título original: Polígono X. Duración: 15 min. País: España, Francia. Dirección: Néstor López. Guion: Néstor López. Fotografía: Juanjo Sánchez. Reparto principal: Guillermo Hego, Juan José Ballesta, Deivis de Jesús, Carlos Cábalas, Antonio Belvis, Anjel Collado, Alba Tissera. Producción: Filmakers Monkeys, Cvpvla Studio, La Última Sensación, The Other Films, La Luna Productions. Distribución: La Luna Productions. Género: drama. Web oficial: https://laultimasensacion.com/project/poligono-x/

Crítica: ‘Kokuhaku’

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En qué plataforma ver Kokuhaku

Sinopsis

En el transcuros de una entrevista, Tadashi, un joven actor japonés que interpreta a personajes femeninos en una práctica teatral parecida al kabuki, volverá al pasado para revivir sus recuerdos más íntimos.

Crítica

Atractivo visualmente y fascinante en su narración

En 2023 tuvimos la oportunidad de ver ‘Un soroll Llunyà’ (Un mundo lejano), cortometraje dirigido por Adrià Guxens. Un cortometraje acerca de la añoranza, de la familia y de lograr encontrarse a uno mismo. En 2024, en el Festival de Sitges, vimos ‘Kokuhaku’, bastante diferente en su realización, pero con un mensaje muy parecido. El lograr encontrar un lugar, conseguir enseñar quien eres y disfrutar con ello y no esconderte nunca más.

Está claro que este director y guionista cuenta unas historias cercanas y actuales. Historias que sin duda calan hasta el fondo. Ya sea por un guion muy bien escrito o por las imágenes tan potentes que nos muestra en sus cortometrajes.

‘Kokuhaku’ escuchamos y vemos una entrevista a Tadashi, joven actor japonés que trabaja como onnagata, es decir, es un actor que interpreta a personajes femeninos en el teatro kabuki. Aquí nos cuenta no solo lo que significa para el dedicarse a este trabajo, sino también comienzan a aflorar recuerdos que vemos en blanco y negro, recuerdos que en el fondo no le apetece volver a recordar.

Qué bonito es visualmente y también narrativamente. Es un acierto contar todo en modo entrevista. Es bastante interesante y además viendo los diferentes flashbacks lo hace muy ameno y te quedas con ganas de conocer más sobre el personaje de Kuni Tomita. El cual vamos viendo como la búsqueda de su identidad le ha llevado al lugar perfecto.

La fotografía del cortometraje es magistral, Irene Manresa hace un gran trabajo como directora de fotografía y logra unos colores increíbles pese a lo oscuro que es el corto. Los colores resaltan en esa oscuridad y es fascinante.

Por último, mencionar a los dos actores principales, Kuni Tomita y Zhihan Chen, están perfectos. Pero lo de Kuni Tomita es de otra galaxia. Que maravilla, que bonito su papel y sin duda que alegría ver ese final tan loco, arriesgado y necesario. Además, el actor, también es guionista de ‘Kokuhaku’.

Si tenéis la oportunidad de ver el cortometraje en pantalla grande os lo recomiendo muchísimo. Porque visualmente como he comentado, es estupendo. Y si no, el día que llegue a plataformas, animaros, disfrutadlo y bailad.

Ficha de la película

Estreno en España: Sin fecha. Título original: Kokuhaku. Duración: 15 min. País: España. Dirección: Adrià Guxens. Guion: Adrià Guxens, Kuni Tomita. Música: A. Kornweibel. Fotografía: Irene Manresa. Reparto principal: Kuni Tomita, Zhihan Chen, Ruth Salas, Akihiko Serikawa, Kenzo Tovar Fukuoka, Iwao Ikenoya. Producción: Almar Producciones, Batiak Films, Forest Film Studio, Limmat Films. Distribución: Selected Films. Género: Drama. Web oficial: https://batiakfilms.com/index.php/kokuhaku/

Crítica: ‘Los 30 (no) son los nuevos 20’

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Sinopsis

Los 30 (no) son los nuevos 20 cuenta la historia de David, quien ha cumplido los temibles 30 y lo celebra de una forma diferente: con sus amigos en el pueblo, pero también con algunos actores y un equipo de rodaje. A pesar de las ganas de juntarse, la distancia y los años lo han cambiado todo. La fiesta termina por convertirse en un manifiesto de la generación millennial.

Crítica

Nos mueve entre los 30 y el desencanto con una mirada franca

Juan Vicente Castillejo irrumpe en el panorama cinematográfico con su cortometraje ‘Los 30 (no) son los nuevos 20’, un retrato íntimo y sincero de la generación millennial, con el cual ha sido capaz de colarse entre los nominados a los Premios Goya 2025. En este trabajo, el director utiliza la celebración de un cumpleaños como hilo y contexto para explorar las dinámicas de amistad y la sensación de incertidumbre que caracteriza a esta generación, atrapada entre expectativas sociales de éxito y un momento de libertinaje similar al que experimentaron algunas generaciones anteriores.

El corto, filmado en un entorno rural, no solo destaca por su autenticidad narrativa dentro de lo que muchas veces se percibe como ficcionado, sino también por su capacidad para conectar con experiencias universales de madurez temprana. Castillejo combina momentos aparentemente banales con lo que parecen reflexiones sobre el paso del tiempo, los cambios de perspectiva y la desconexión emocional, todo ello con un enfoque que de soslayo retrata a las generaciones de desplazados conocidos como provincianos.

El director explora la identidad y comunidad a través de la empatía y la franqueza. La propuesta es más que personal y logra conectar con aquellos treintañeros y cuarentones que han perdido el contacto con sus amigos de la adolescencia pero que aun así intentan mantener vivo con su propio ser púber. Aunque la obra se apoya en una mirada nostálgica, también es un testimonio de resiliencia actual y de cómo esta quinta ha experimentado un boom sexual.

A modo de analizarlo como documental el discurso puede resultar limitado, sobre todo para quienes buscan una perspectiva más estructural o analítica sobre los desafíos de los millennials. El mérito de Castillejo radica en capturar, con honestidad y sin pretensiones, la insondabilidad emocional (si se me permite el palabro) de quienes navegan entre los 30 y el desencanto.

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Los 30 (no) son los nuevos 20. Duración: 20 min. País: España. Dirección: Juan Vicente Castillejo. Guion: Juan Vicente Castillejo, Alba Pino, Tamara Santos Iglesias. Música: Delson Aravena. Fotografía: Gloria Gutiérrez Asia. Reparto principal: Inma Almagro, Miguel Santillana. Producción: LaBonica Films, Pasajes Invisibles. Distribución: BTeam Pictures. Género: documental. Web oficial: https://labonicafilms.com/los30/

Tráiler de ‘Amanda’

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Primeras imágenes del cortometraje ‘Amanda’

Bel Armenteros, escribe y dirige el cortometraje de ‘Amanda’. Seleccionado y galardonado en varios festivales internacionales, ‘Amanda’ ha sido producido por Dra. House Studios & Productions en asociación con Siniestra films.

Amanda es un relato que aborda temas universales como la condición humana, la enfermedad mental y la soledad, llevados a la pantalla con una gran sensilibilidad y profundidad donde se fusiona el género de terror clásico con un enfoque moderno y realista.

El corto ha recibido elogios en su fase de distribución por su tratamiento visual y su impacto emocional, lo que lo convierte en una obra para los amantes del cine independiente. Galardonado con doce premios en el Hollywood blood horror films festival, entre ellos, mejor cortometraje y dirección, así como, Mejor cortometraje paranormal en Atlanta horror film festival. También se llevó el galardón Alice Guy en la Marató de cinema Fantàstic y terror de Sants, y en el festival Dark Scream de la India a mejor fotografía.

El reparto cuenta con actuaciones destacadas como la de Isabel Lag, galardonada con el premio ‘Best Baddy’ en 13horror.com film and screenplay contest, de Estados Unidos.

Con un equipo técnico de profesionales entre los que destaca el trabajo de Pablo Terzagui en dirección de fotografía y la banda sonora original compuesta por José Vicente Romero, que refuerzan la atmósfera del cortometraje sumergiendo al espectador en una experiencia cinematográfica envolvente. Además el cortometraje cuenta con la colaboración de Estudio Garra Fx, junto con Elvira García Jimeno, en maquillaje y efectos especiales, que aporta un nivel adicional de realismo.

Os dejamos el tráiler de este cortometraje y además su sinopsis.

Sinopsis

Yon (Enzo Calleja), un niño de diez años se muda junto con su madre Gloria (Lorena Jiménez) a una nueva ciudad. En este entorno desconocido y solitario, Yon encuentra consuelo en Amanda (Amanda Cárdenas), su primer amor, cuya presencia transformará su vida de manera inesperada.