Crítica: ‘Marsupilami’

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Philippe Lacheau y su tropa convierten al mítico personaje en una divertidísima gamberrada

Philippe Lacheau vuelve a demostrar que posee un talento especial para la comedia física desatada, el humor de acumulación y las referencias cinematográficas. Con ‘Marsupilami’, el director francés firma una continuación espiritual (y también argumental) de ‘En busca de Marsupilami’ (2012), recuperando incluso al personaje de Pablito Camaron interpretado por Jamel Debbouze, convertido en la única persona del mundo que conoce el paradero del legendario animal creado por André Franquin. No hace falta haber visto aquella película para seguir esta aventura, aunque el enlace entre ambas recompensa a quienes sí lo hicieron.

Paradójicamente, el gran problema del filme es precisamente aquello que promete su título. Se suponía que reproducir al Marsupilami mediante una marioneta física y efectos animatrónicos permitiría una presencia más tangible y creíble del personaje. Y, cuando finalmente aparece, esa apuesta se agradece muchísimo. La criatura posee textura, peso y una naturalidad que difícilmente habría conseguido un modelo completamente digital. Sin embargo, durante buena parte del metraje da la impresión de que el presupuesto hubiese obligado a esconderlo tanto como si estuviera realizado únicamente mediante CGI. El Marsupilami tarda cerca de media hora en hacer acto de presencia, una espera excesiva para una película construida alrededor de él.

Hasta ese momento, Lacheau, convertido también en protagonista, junto al resto de su reparto habitual, mantiene el interés gracias a una sucesión constante de situaciones absurdas, caídas, persecuciones y equívocos. La película nunca deja de entretener, es divertida sin peros al respecto. Simplemente permanece la sensación de que habría sido mucho más satisfactoria con una mayor presencia del animal.

Humor desenfrenado, parodias y una criatura adorable

Cuando el pequeño Marsupilami entra realmente en escena, el filme encuentra por fin su auténtica personalidad. Aquí no pronuncia el mítico «¡Houba!», sino que emite pequeños sonidos que recuerdan inevitablemente a Gizmo, una decisión lógica si entendemos que se trata de una cría del Marsupilami clásico. Conserva, eso sí, toda esa naturaleza salvaje, imprevisible, indómita y dada al caos que convierte auténticas barbaridades en simples travesuras entrañables.

Además, Lacheau aprovecha cualquier ocasión para desplegar su pasión por la parodia. El pequeño Marsupilami puede perrear, recrear momentos de ‘Titanic’, homenajear a ‘E.T.’ o incluso evocar ‘Liberar a Willy’. No sorprende demasiado viniendo del responsable de ‘Super ¿quién?’, una película que ya demostraba su habilidad para burlarse con cariño de los grandes éxitos del cine comercial. Tampoco conviene olvidar que esta no es su primera adaptación de una obra ilustrada. En 2018 dirigió ‘City Hunter’, cuya irreverencia terminó conquistando incluso al autor del manga original. Aquellas mismas pillerías narrativas aparecen aquí una y otra vez.

Como ya es habitual, Lacheau vuelve a rodearse prácticamente de toda La bande à Fifi, ese grupo de colaboradores con los que lleva más de una década construyendo sus comedias (casi como Santiago Segura haciendo filmes con sus amiguetes). A ese equipo suma dos nombres de enorme peso dentro de la comedia francesa como Jamel Debbouze y Jean Reno, cuya sola presencia aporta un plus de carisma.

Una comedia más adulta de lo que parece, entre la nostalgia del cómic y el cine popular

Aunque visualmente resulte una película accesible para el público infantil gracias a las monerías del Marsupilami, la abundancia de humor verde y algunos chistes de doble sentido dejan claro que buena parte de sus destinatarios son quienes crecieron leyendo los álbumes del personaje. No porque adapte fielmente las viñetas y por sus subidas de tono, sino porque también conecta con la nostalgia de una generación concreta.

Curiosamente, muchos de los mejores gags ni siquiera dependen del Marsupilami. Funcionan gracias al reparto humano y a una maquinaria cómica perfectamente engrasada. Eso provoca una sensación contradictoria: durante bastantes minutos podría tratarse de cualquier otra comedia de Philippe Lacheau sin pertenecer necesariamente al universo del animal de Palombia.

El componente familiar aparece sobre todo mediante la relación entre el protagonista infantil y la criatura, una amistad que intenta llenar el vacío emocional provocado por unos padres continuamente en disputa. Esa dimensión aporta algo de corazón entre tanta locura.

Pero quizá el aspecto más interesante sea otro. Más allá de su obsesión por imitar superproducciones hollywoodienses o elevar ligeramente el rango de edad de sus películas, Lacheau reivindica aquí una tradición muy francesa: la del humor heredero del cómic franco-belga. No solo recupera a uno de sus personajes más emblemáticos, sino que salpica el relato de referencias generacionales como ‘E.T.’, ‘Liberar a Willy’ o la inolvidable serie ‘Érase una vez… la vida’, estableciendo un puente entre varias décadas de cultura popular.

Ficha de ‘Marsupilami’

Estreno en España: 12 de agosto de 2026. Título original: Marsupilami. Duración: 99 min. País: Francia. Dirección: Philippe Lacheau. Guion: Julien Arruti, Pierre Dudan, Philippe Lacheau, Pierre Lacheau. Música: Maxime Desprez, Michaël Tordjman. Fotografía: Pierric Gantelmi d’Ille. Reparto principal: Philippe Lacheau, Jamel Debbouze, Elódie Fontan, Tarek Boudali, Jean Reno. Producción: Pathé, Baf Prod, TF1 Films Production, Logical Content Ventures, Artémis Productions, Shelter Prod, Canal+. Distribución: YouPlanet. Género: comedia, adaptación. Web oficial.

Crítica: ‘Spider-Man: Brand New Day’

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Una fresca y nueva perspectiva a través del Spider-Man más solitario, pero a la vez el más multitudinario

Tras el terremoto emocional de ‘Spider-Man: No Way Home’, parecía evidente que el siguiente paso del Peter Parker de Tom Holland debía ser mirar hacia dentro antes que hacia el multiverso. ‘Spider-Man: Brand New Day’, dirigida por Destin Daniel Cretton, entiende perfectamente esa necesidad y construye un relato donde la melancolía pesa tanto como la acción. No llega a convertirse en una película oscura, pero sí adopta un tono más tenebroso y adulto que el de entregas anteriores, explorando la soledad del héroe derivada del conjuro que hizo que el mundo olvidara quién es realmente Peter Parker. Y ese enfoque, para mí es de las mejores bazas de este filme.

Nada más comenzar, el largometraje rompe una de las principales expectativas que había generado su campaña promocional. Como muchos sospechábamos, prácticamente todo el material más espectacular del tráiler pertenece a la secuencia de apertura. Las imágenes que recreaban viñetas míticas del cómic y ese desfile de villanos que prometía una amenaza coral se concentran en esos primeros minutos. Es una decisión inteligente porque prepara al espectador para descubrir que, en realidad, esta vez no existe un gran supervillano central que monopolice el conflicto.

De paso, la película desmonta buena parte de las teorías conspirativas que inundaron las redes sociales durante meses. Aquellos autoproclamados «expertos» que aseguraban que Sony había eliminado personajes del tráiler o escondía medio reparto han visto cómo todas sus predicciones se desmoronan. Quizá sirva para que muchos aficionados aprendan a distinguir entre quienes analizan el cine por amor al arte y quienes simplemente alimentan el algoritmo con especulaciones sin fundamento en busca de notoriedad y autobombo.

Un puente emocionante hacia el futuro… que a veces frena demasiado

Uno de los grandes aciertos del libreto consiste en recuperar la esencia científica de Spider-Man. Peter va enlazando encuentros, experimentos y situaciones donde la pseudociencia vuelve a desempeñar un papel fundamental, recuperando una tradición muy arraigada en los cómics del personaje. A ello se suma un equilibrio bastante conseguido entre la tristeza que provoca el recuerdo de MJ (Zendaya) y el humor característico del protagonista. Peter ha madurado, pero sigue echando de menos su etapa estudiantil, sus amigos y ese punto friki que siempre ha definido al personaje y que más aflora cuando está con Ned (Jacob Batalon).

Las escenas de acción también merecen una mención especial. Los balanceos por Nueva York y varias coreografías parecen diseñadas pensando directamente en quienes han disfrutado de los videojuegos recientes del personaje. Hay movimientos, encuadres y persecuciones que recuerdan claramente a esa forma tan dinámica de entender al trepamuros.

Sin embargo, donde la película deja una sensación más agridulce es en su incapacidad para culminar dos ideas realmente prometedoras. No porque vayan demasiado lejos, sino precisamente porque se quedan a medio camino.

La primera tiene que ver con los mutantes. Marvel y Sony rozan un terreno apasionante (además de recordarnos a la película ‘Fallen’), pero pisan el freno justo cuando parecía que iban a cruzar una línea importante. Jean Grey aparece (el secreto que hace tiempo que dejó de serlo) y su reinterpretación resulta muy distinta tanto para ella como para otro personaje relacionado con esa trama. Da la impresión de que Marvel Studios y los acuerdos entre compañías han preferido reservar determinadas sorpresas para producciones completamente controladas por el estudio marvelita.

La segunda oportunidad desaprovechada afecta al propio Spider-Man. Se insinúa una evolución física del héroe que podría haber acercado la historia a terrenos próximos al body horror que en su día tampoco culminó Sam Raimi, pero nuevamente la película opta por detenerse antes de cruzar ese umbral. Es fácil imaginar que Sony haya considerado que ese camino podría resultar demasiado extremo para una versión cinematográfica tan popular del personaje, pero habría estado bien aproximarse a cómics como ‘The Spectacular Spider-Man’, ‘The Other: Evolve or Die’ o ‘Mutant Agenda’.

Una película de transición marvelita pero con personalidad propia

Aunque funciona claramente como puente hacia acontecimientos futuros del Universo Cinematográfico Marvel, ‘Spider-Man: Brand New Day’ consigue evitar convertirse únicamente en un episodio de transición. Incluso encuentra tiempo para desarrollar una idea sorprendentemente original alrededor de una palabra recurrente durante el relato, construyendo una especie de pequeño ‘Ciudadano Kane’ que aporta un giro diferente dentro del cine superheróico.

No todo funciona con la misma precisión. Hay varias secuencias cuya resolución transmite cierta sensación de improvisación, especialmente una situada inmediatamente después del clímax principal, donde parece que el montaje no encuentra la mejor forma de cerrar lo que acaba de ocurrir.

Destin Daniel Cretton vuelve a demostrar la sensibilidad narrativa que ya había exhibido en ‘Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos’ o en ‘Wonder Man’. El director mantiene además un perfil especialmente interesante dentro de Marvel. Conviene mantenerle en nuestro punto de mira por eso y por ser el encargado del esperado live action de ‘Naruto’.

Entre los numerosos guiños para los aficionados destaca también la dedicatoria final a Gerry Conway, creador de The Punisher aquí interpretado nueva mente por Jon Bernthal. El homenaje resulta especialmente apropiado si recordamos que El Castigador debutó precisamente en las páginas de un cómic de Spider-Man.

Puede que ‘Spider-Man: Brand New Day’ no alcance el impacto emocional que tuvieron en su día algunas películas de Tobey MaGuire o Andrew Garfield, ni se atreva a desarrollar todas las ideas que plantea, pero sí ofrece una evolución coherente del personaje. Combina entretenimiento con melancolía y deja preparado un tablero que promete movimientos muy interesantes en el futuro del MCU.

Como añadido final y avisando de spoilers he de mencionar la escena post-créditos. Se nos avisa de la presencia de Spider-Man en el espacio exterior. Por supuesto, correrán, ríos de tinta y ahora serán todo teorías. Así es que podemos imaginar que este Spider-Man que hemos visto pertenece a otro universo, que va a recibir la visita de un equivalente de un universo paralelo o incluso podría tratarse de 2099, el Spider-Man, que veremos en la nueva película animada que cerrará la trilogía de Miles Morales, aunque este realmente de lo que viene es del futuro. Lo más probable es que tenga que ver con lo que va a pasar en ‘Secret Wars’. Pero ya sabéis que con una semillita como esta muchos sacarán oro.

Ficha de ‘Spider-Man: Brand New Day’

Estreno en España: 29 de julio de 2026. Título original: Spider-Man: Brand New Day. Duración: 144 min. País: EE.UU. Dirección: Destin Cretton. Guion: Chris McKenna, Erik Sommers, Justin Kuritzkes. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Brett Pawlak. Reparto principal: Tom Holland, Zendaya, Jacob Batalon, Sadie Sink, Jon Bernthal, Mark Ruffalo. Producción: Columbia Pictures, Marvel Studios, Pascal Pictures, Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial.

Los Premios Eisner 2026 coronan a Absolute Martian Manhunter y encumbran el talento español con cuatro galardones

De nuevo dos españoles, Javier Rodríguez y Laura Pérez, galardonados con el Eisner

Los Premios Will Eisner 2026, considerados los galardones más prestigiosos de la industria del cómic a nivel mundial, ya tienen ganadores. La ceremonia, celebrada durante la Comic-Con Internacional de San Diego, reconoció las mejores obras publicadas durante 2025 y dejó un claro vencedor: Absolute Martian Manhunter, la reinterpretación del Detective Marciano publicada por DC Comics.

La serie, creada por Deniz Camp y el dibujante español Javier Rodríguez, fue la gran protagonista de la noche al alzarse con varios de los premios más importantes. Además, la gala tuvo un marcado protagonismo español gracias al reconocimiento obtenido también por Laura Pérez, cuya novela gráfica Nocturnos continúa cosechando éxitos internacionales.

Con un total de 32 categorías, los Eisner volvieron a confirmar su condición de referencia absoluta del cómic mundial, premiando tanto a grandes editoriales como a autores independientes.

Javier Rodríguez firma una noche histórica con tres Premios Eisner

El gran nombre español de esta edición fue, sin duda, Javier Rodríguez, que protagonizó uno de los mayores éxitos de un autor español en la historia reciente de los Premios Eisner.

Su trabajo en Absolute Martian Manhunter le permitió conseguir tres galardones:

  • Mejor Serie Limitada (Best Limited Series), compartido con el guionista Deniz Camp.
  • Mejor Dibujante/Entintador (Best Penciller/Inker).
  • Mejor Portadista (Best Cover Artist).

El éxito de Rodríguez consolida la extraordinaria proyección internacional del autor español, convertido ya en una de las figuras más prestigiosas del cómic estadounidense.

Laura Pérez también lleva el talento español a lo más alto

La presencia española en los Eisner no terminó ahí. La ilustradora Laura Pérez obtuvo el premio a la Mejor Edición Estadounidense de Material Internacional gracias a Nocturnos, editado en Estados Unidos por Fantagraphics y traducido al inglés por Andrea Rosenberg.

Este reconocimiento confirma el creciente interés internacional por la obra de la autora valenciana y supone un nuevo impulso para uno de los cómics españoles con mayor repercusión fuera de nuestras fronteras.

Absolute Martian Manhunter, la gran vencedora de los Eisner 2026

La nueva reinterpretación del Detective Marciano fue la auténtica reina de la ceremonia. La obra de Deniz Camp y Javier Rodríguez consiguió situarse como el título más premiado de la noche gracias a su innovadora propuesta gráfica y narrativa, convirtiéndose en uno de los grandes éxitos recientes de DC Comics.

También destacó This Place Kills Me, de Mariko Tamaki y Nicole Goux, que obtuvo dos importantes reconocimientos: Mejor Publicación para Adolescentes y Mejor Guionista para Tamaki.

Por editoriales, DC Comics dominó claramente la gala con ocho premios, consolidando el excelente momento creativo que vive su línea editorial.

Los principales ganadores de los Premios Eisner 2026

Entre las categorías más destacadas del palmarés figuran:

  • Mejor Serie Continua: Absolute Batman (DC).
  • Mejor Serie Limitada: Absolute Martian Manhunter (Deniz Camp y Javier Rodríguez).
  • Mejor Serie Nueva: Assorted Crisis Events.
  • Mejor Guionista: Mariko Tamaki (This Place Kills Me).
  • Mejor Autor Completo: Jamal Campbell (Zatanna).
  • Mejor Colorista: Jordie Bellaire.
  • Mejor Dibujante/Entintador: Javier Rodríguez.
  • Mejor Portadista: Javier Rodríguez.
  • Mejor Edición Estadounidense de Material Internacional: Nocturnos, de Laura Pérez.

Akira Toriyama entra en el Salón de la Fama de los Eisner

La ceremonia también rindió homenaje a varias figuras fundamentales del medio con su incorporación al Will Eisner Hall of Fame.

Entre los elegidos por votación destaca el legendario mangaka Akira Toriyama, creador de Dragon Ball y Dr. Slump, cuyo legado continúa siendo una de las mayores influencias del cómic y la cultura popular mundial.

Junto a él ingresaron Jeff Smith, Chris Ware y Colleen Doran, además de otros diecinueve autores seleccionados por el jurado.

Con esta edición, los Premios Eisner vuelven a poner de manifiesto el excelente momento creativo que atraviesa el cómic internacional y, especialmente, el extraordinario prestigio alcanzado por los autores españoles en el panorama mundial. Los triunfos de Javier Rodríguez y Laura Pérez consolidan el peso del talento nacional en una industria cada vez más globalizada y competitiva.

Volvemos del Celsius 232 con 4 charlas imprescindibles

Nuestra cobertura del Celsius 232 nos deja cuatro conversaciones exclusivas con algunos de los grandes nombres de la literatura fantástica actual

Durante dos intensas jornadas hemos tenido la oportunidad de vivir desde dentro una nueva edición del Festival Celsius 232, el gran encuentro dedicado a la literatura fantástica, la ciencia ficción, el terror y el cómic que cada verano convierte Avilés en un punto de referencia para lectores, autores y profesionales del sector. El evento vuelve a demostrar por qué se ha consolidado como uno de los festivales culturales más prestigiosos del panorama nacional, reuniendo a escritores de primer nivel procedentes de distintos países y ofreciendo un programa repleto de presentaciones, firmas, mesas redondas y encuentros con el público.

Desde Moviementarios hemos querido acercaros parte de esa experiencia grabando una serie de charlas abiertas al público con cuatro invitados de enorme relevancia internacional. Cada encuentro ha permitido conocer mejor el proceso creativo, las influencias y la trayectoria de sus protagonistas, además de descubrir anécdotas inéditas y reflexiones sobre el presente y el futuro de la literatura y el cómic. A continuación os dejamos nuestras conversaciones completas con Matt Dinniman, Joe Hill, Drew Karpyshyn y Chris Claremont, cuatro nombres imprescindibles dentro de sus respectivos géneros.

Matt Dinniman: el fenómeno literario que ha conquistado a miles de lectores

Uno de los momentos más esperados de nuestra cobertura fue la charla con Matt Dinniman, autor que ha experimentado un crecimiento espectacular gracias a la popularidad de su saga Dungeon Crawler Carl (Carl el mazmorrero). Durante el encuentro, el escritor compartió cómo nació este universo que mezcla humor, fantasía, ciencia ficción y videojuegos, además de explicar el proceso de construcción de sus personajes y el inesperado éxito internacional de sus novelas. La conversación también sirvió para conocer su visión sobre la relación con los lectores y cómo afronta la evolución de una serie que no deja de sumar seguidores en todo el mundo. Además comentó detalles sobre el fin de la saga, la serie que está en desarrollo y los cómics basados en las novelas.

Joe Hill: el terror contemporáneo visto desde una perspectiva muy personal

Nuestra siguiente parada nos llevó hasta la charla con Joe Hill, uno de los grandes referentes actuales del género fantástico y de terror. El autor de ‘Horns’, ‘Black phone’ o ‘Locke & Key’, entre otras, habló sobre su manera de entender el miedo, la importancia de crear personajes cercanos antes de enfrentarlos a situaciones extraordinarias y la libertad creativa que encuentra al alternar novelas y cómics. Durante la conversación también hubo espacio para reflexionar sobre el estado actual del género y sobre cómo las historias fantásticas continúan siendo una herramienta perfecta para hablar de las preocupaciones del mundo real. ¿Vienen más adaptaciones de sus obras? Nos habló al respecto.

Drew Karpyshyn: del universo de los videojuegos a la literatura

También tuvimos ocasión de conversar con Drew Karpyshyn, escritor ampliamente conocido por su trabajo en algunas de las franquicias más importantes del entretenimiento, tanto en literatura como en videojuegos: ‘Baldur’s Gate, Mass Effect, Star Wars: caballeros de la antigua república. Durante la charla repasó su experiencia creando historias para universos compartidos, explicó las diferencias entre escribir una novela y desarrollar la narrativa de un videojuego, y recordó algunos de los proyectos que marcaron su carrera. Su intervención permitió descubrir cómo se construyen mundos complejos capaces de atraer a millones de aficionados durante décadas. Por supuesto, nos habló del juego que está a punto de lanzar: Exodus.

Chris Claremont: una leyenda viva del cómic

Nuestra cobertura concluyó con una conversación muy especial junto a Chris Claremont, una figura imprescindible en la historia del cómic estadounidense. Responsable de algunas de las etapas más influyentes de los mutantes de Marvel, Claremont repasó parte de su trayectoria, habló sobre la evolución del medio y recordó cómo fueron naciendo algunos de los personajes e historias que hoy forman parte de la cultura popular. Su cercanía con los aficionados y su pasión por seguir contando historias convirtieron esta charla en uno de los grandes momentos de nuestro paso por el Celsius 232. ¡Una charla llena de humor que estuvo de una sesión maratoniana de más de 4 horas!

San Diego Comic-Con Málaga 2026 anuncia a Karl Urban, Deborah Ann Woll y más invitados

También detalles sobre el recinto, actividades y la presencia de Disney

San Diego Comic-Con Málaga ha celebrado su esperado Panel Cero, una presentación en directo en la que la organización ha desvelado algunas de las principales novedades de la edición de 2026. El evento, conducido por la creadora de contenido Cristinini junto al director general Fernando Piquer, sirvió para mostrar la evolución de la convención apenas unos meses después del éxito de su estreno en España.

Durante la retransmisión también participó el dibujante Jorge Jiménez, uno de los grandes nombres del cómic internacional, mientras se confirmaban nuevas incorporaciones al cartel, un recinto completamente reorganizado, el primer póster oficial y nuevas pistas sobre la programación que convertirá Málaga, una vez más, en el gran punto de encuentro europeo de la cultura pop.

Un recinto más grande y pensado para mejorar la experiencia

Uno de los anuncios más importantes fue la presentación del nuevo plano del recinto, que mantendrá un aforo total de 90.000 asistentes (22.500 personas por jornada), pero con una distribución mucho más ambiciosa.

La principal novedad será la creación de un segundo gran espacio expositivo. Al tradicional Exhibitor Hall Town, situado dentro del Palacio de Ferias y Congresos de Málaga (FYCMA), se sumará el nuevo Exhibitor Hall Garden, una gran carpa cubierta de más de 8.800 metros cuadrados ubicada en la zona exterior Village.

Esta ampliación permitirá distribuir mejor a los visitantes y ofrecer nuevos espacios dedicados a editoriales, expositores, juegos de mesa, experiencias interactivas y zonas Sit & Play, donde será posible probar novedades antes incluso de su lanzamiento comercial.

Además, el Artists’ Alley crecerá de forma considerable, pasando a reunir más de 90 artistas nacionales e internacionales, casi el doble que en la primera edición.

Más de 300 horas de programación y un nuevo auditorio

La organización también confirmó que la edición de 2026 incrementará notablemente su programación. A los auditorios ya conocidos y al popular Hall M se añadirá un nuevo auditorio construido específicamente para el evento, lo que permitirá superar las 300 horas de actividades repartidas entre cine, televisión, cómic, manga, animación, videojuegos, juegos de rol y cultura pop.

Una de las noticias más destacadas fue la confirmación de que Disney contará con presencia propia dentro del Hall M, lo que hace pensar que volverán a celebrarse importantes presentaciones relacionadas con sus grandes franquicias cinematográficas y televisivas.

Karl Urban, Deborah Ann Woll y Christopher Lambert lideran una espectacular nueva tanda de invitados

El Panel Cero también sirvió para anunciar 25 nuevos invitados especiales, que elevan el cartel del evento por encima del medio centenar de figuras internacionales. Entre los nombres más destacados del apartado cinematográfico y televisivo sobresale Karl Urban, conocido por sus papeles en ‘The Boys’, ‘El Señor de los Anillos’, ‘Star Trek’ y ‘Dredd’. También estará presente Deborah Ann Woll, muy querida por los seguidores de ‘Daredevil’ y ‘True Blood’.

Otro de los grandes anuncios fue la presencia de Christopher Lambert, protagonista del clásico ‘Los inmortales’, además de Kevin Sussman, inolvidable Stuart en ‘The Big Bang Theory’ con una nueva serie por estrenar en HBO.

La convención también reunirá a buena parte del reparto de ‘Starship Troopers’, con la presencia de Casper Van Dien, Denise Richards, Dina Meyer, Michael Ironside y Jake Busey, además de actores como Dan Fogler, Natasha Liu Bordizzo y Denise Gough.

El cómic continúa siendo uno de los pilares del evento

El universo del cómic volverá a ocupar un lugar protagonista. Entre las nuevas confirmaciones figuran Jorge Jiménez, considerado actualmente uno de los dibujantes estrella de Batman; Carmen Carnero, responsable de algunas de las etapas recientes de Capitán América; Pepe Larraz, autor de ‘La Dinastía de X’; Álvaro Martínez Bueno, dibujante de ‘Justice League Dark’; Chris Condon, Michael Golden y Michael Walsh.

Estos nombres se unen a los anunciados durante las últimas semanas, entre ellos Juanjo Guarnido, Stefano Caselli, Rick Leonardi, Dan Mora, Pat Mills, Laia López o Phillip Kennedy Johnson, consolidando uno de los Artists’ Alley más importantes que se recuerdan en Europa.

Precisamente Jorge Jiménez aprovechó el Panel Cero para presentar un print exclusivo realizado para la convención y aseguró sentirse especialmente ilusionado por regresar a Málaga después de la experiencia vivida el año anterior.

Videojuegos, manga y juegos de rol también ganan protagonismo

La programación seguirá apostando por otras disciplinas fundamentales dentro de la cultura popular. En el ámbito de los videojuegos destaca la presencia de Dave Jones, creador de ‘Lemmings’ y uno de los padres de la saga ‘Grand Theft Auto’, así como Jeremy Crawford, una de las figuras más importantes del desarrollo actual de ‘Dragones y Mazmorras’.

El manga y la animación japonesa también estarán representados por invitados de enorme prestigio como Shin’ichirō Watanabe, creador de ‘Cowboy Bebop’ y ‘Samurai Champloo’, además del director Yoshihiro Ueda, vinculado a ‘Dragon Ball’, y el compositor Akira Yamaoka, cuya música es inseparable de la saga ‘Silent Hill’.

Helen Chen firma el primer cartel oficial

Otro de los momentos destacados de la presentación fue el descubrimiento del primer cartel oficial de San Diego Comic-Con Málaga 2026, realizado por la artista y directora de arte Helen Chen, conocida por su trabajo en películas como ‘Las guerreras K-Pop’ y ‘Raya y el último dragón’.

La ilustración gira en torno al lema «Team Up!», una invitación a celebrar la colaboración entre aficionados, creadores e industria, incorporando además numerosos elementos inspirados en la identidad visual de Málaga.

La propia organización confirmó que Chen asistirá durante los cuatro días del evento y adelantó que el segundo cartel oficial será obra del legendario dibujante John Romita Jr., cuyo diseño se revelará próximamente.

Una Comic-Con que aspira a consolidarse como referente europeo

Con este Panel Cero, San Diego Comic-Con Málaga deja claro que su segunda edición no solo busca repetir el éxito del año pasado, sino superarlo en prácticamente todos los aspectos. Más invitados internacionales, un recinto ampliado, una programación más ambiciosa y la participación de grandes compañías del entretenimiento apuntan a una convención que sigue creciendo a gran velocidad.

La organización también recordó la apertura del nuevo Portal del Fan, el cierre de la primera fase de venta de entradas y confirmó la participación del periodista y crítico cinematográfico Ali Plumb (BBC Radio 1). Todo ello refuerza la sensación de que la edición de 2026 quiere consolidar definitivamente a Málaga como una de las grandes capitales europeas de la cultura pop.

San Diego Comic-Con Málaga suma siete nuevos invitados

La presencia de grandes nombres nacionales e internacionales continúa creciendo

La segunda edición de San Diego Comic-Con Málaga sigue ampliando su espectacular cartel de invitados. La organización ha confirmado la incorporación de siete destacados nombres del mundo del cómic y el entretenimiento en general que representan distintas generaciones, estilos y mercados, consolidando el evento como una de las grandes citas europeas para aficionados a la historieta.

Con esta nueva tanda de confirmaciones, la convención reunirá a artistas responsables de algunos de los personajes más populares de Marvel, DC, el cómic británico y la novela gráfica europea, ofreciendo a los asistentes la oportunidad de conocer de cerca a algunos de los creadores más influyentes del medio.

Michael Golden, uno de los dibujantes más influyentes del cómic estadounidense

Entre las incorporaciones destaca Michael Golden, considerado uno de los artistas más influyentes de la industria norteamericana. Su revolucionario estilo visual marcó un antes y un después en los años ochenta gracias a trabajos como ‘The ‘Nam’, ‘Micronauts’ o sus inolvidables ilustraciones para G.I. Joe, convirtiéndose en una referencia para generaciones posteriores de dibujantes.

Stefano Caselli, una figura imprescindible de Marvel

El italiano Stefano Caselli es uno de los dibujantes más prestigiosos del panorama superheroico actual. A lo largo de su carrera ha ilustrado series como ‘The Amazing Spider-Man’, ‘Avengers’, ‘Secret Invasion’ o ‘Ultimate Black Panther’, consolidándose como uno de los grandes nombres de Marvel Comics.

Rick Leonardi y su legado en Spider-Man y Batman

También estará presente Rick Leonardi, artista con una extensa trayectoria tanto en Marvel como en DC. Su nombre está especialmente ligado a personajes como Spider-Man, Batman, Capa y Puñal (Cloak & Dagger) o Nightwing, además de haber colaborado en numerosas cabeceras que marcaron el cómic estadounidense durante las décadas de los ochenta y noventa.

Juanjo Guarnido, el creador de Blacksad

Uno de los autores españoles de mayor prestigio internacional será Juanjo Guarnido, dibujante granadino conocido mundialmente por ser el cocreador de ‘Blacksad’, junto al guionista Juan Díaz Canales. La serie se ha convertido en uno de los mayores referentes del cómic europeo contemporáneo gracias a su extraordinario apartado artístico y ha recibido numerosos premios internacionales.

Pat Mills, una leyenda del cómic británico

La Comic-Con también contará con la presencia de Pat Mills, uno de los guionistas más importantes del Reino Unido. Es el creador de ‘Judge Dredd’, fundador de la histórica revista 2000 AD y responsable de personajes como Sláine, siendo una figura esencial para comprender la evolución del cómic británico moderno.

Laia López, una de las artistas españolas con mayor proyección internacional

La ilustradora barcelonesa Laia López se ha convertido en una de las autoras españolas con mayor reconocimiento internacional gracias a su inconfundible estilo de inspiración manga y fantasía. Altamente conocida por ‘La diversión de Martina’, ‘Sara y las goleadoras’ o ‘Mystical’.

Phillip Kennedy Johnson, del ejército a Superman

Completa esta nueva ronda de invitados Phillip Kennedy Johnson, guionista estadounidense que, tras una carrera militar, dio el salto al cómic convirtiéndose en uno de los escritores más destacados de DC Comics. Ha firmado etapas muy celebradas de ‘Superman’, además de escribir series como ‘Action Comics’, ‘Alien’, ‘Hulk’ o ‘Green Lantern: War Journal’.

Un cartel que no deja de crecer

Con estas siete incorporaciones, San Diego Comic-Con Málaga continúa ampliando un cartel que ya contaba con importantes nombres del cine, la televisión, la ilustración, el manga y el cómic internacional. Entre los invitados anunciados previamente destacan:

  • Kevin Smith, director de Clerks y Dogma, además de uno de los grandes referentes del cine independiente y la cultura pop.
  • Elijah Wood, mundialmente conocido por dar vida a Frodo Bolsón en El Señor de los Anillos: La trilogía.
  • Sean Astin, inolvidable Sam Gamyi en El Señor de los Anillos: La trilogía y protagonista también de Stranger Things.
  • Michael Rooker, recordado por interpretar a Yondu en Guardianes de la Galaxia y por sus papeles en The Walking Dead.
  • Mira Sorvino, ganadora del Premios Óscar por Poderosa Afrodita.
  • Richard Dean Anderson, icono televisivo gracias a MacGyver y Stargate SG-1.
  • Iñaki Godoy, protagonista de la adaptación de acción real de One Piece.
  • Emily Rudd, intérprete de Nami en One Piece.
  • John Romita Jr., uno de los artistas más importantes de Marvel, responsable de etapas memorables de The Amazing Spider-Man, Daredevil y X-Men.
  • Dan Mora, una de las grandes estrellas actuales de DC Comics gracias a trabajos como Batman/Superman: World’s Finest y Justice League Unlimited.
  • Yoichi Takahashi, creador del mítico manga Captain Tsubasa, conocido en España como Oliver y Benji.
  • John DiMaggio, voz original de Bender en Futurama y de Jake en Hora de Aventuras.
  • Reiner Knizia, considerado uno de los autores de juegos de mesa más influyentes del mundo, con cientos de títulos publicados.
  • Mingjue Helen Chen, reconocida por su trabajo para Disney, Marvel y numerosas editoriales de fantasía.
  • Yingjue Linda Chen, artista vinculada a importantes producciones de animación y diseño conceptual.
  • Jason Lee, protagonista de Me llamo Earl y voz de Syndrome en Los Increíbles.
  • Lukas Ettling, cineasta especializado en proyectos de ciencia ficción y fantasía.

Crítica: ‘The Boys’ temporada 5

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El superhéroe como dictador pop: Patriota ya no es una sátira, es una advertencia

Hay algo profundamente incómodo en esta quinta temporada de ‘The Boys’. No tanto por sus mutilaciones imposibles, sus estallidos de vísceras o sus muertes grotescas (que las hay, y en abundancia), sino porque el universo creado por Eric Kripke ha dejado de parecer una caricatura exagerada para convertirse en una réplica deformada (pero reconocible) de la realidad política y mediática estadounidense actual. Y ahí reside el auténtico horror.

Resulta inquietante comprobar cómo una temporada rodada hace tiempo parece sincronizada con la deriva política de la Norteamérica contemporánea. El paralelismo entre Patriota y Donald Trump ya no se limita a la obviedad del líder populista amado por las masas. Esta vez la serie entra de lleno en el delirio mesiánico, en la construcción de una figura pseudo-divina alimentada por propaganda, manipulación mediática y una masa social intoxicada por la posverdad. Las referencias al MAGA, la demonización de inmigrantes, los ecos del ICE y la intoxicación informativa son tan explícitos que provocan escalofríos. Incluso el propio Kripke terminó reaccionando en redes sociales con un resignado “WTF”, como si él mismo se hubiese sorprendido de hasta qué punto la realidad decidió copiar a su ficción.

Patriota se convierte aquí en el auténtico centro gravitacional de la temporada. Antony Starr ofrece probablemente la interpretación más enfermiza y aterradora del personaje desde el inicio de la serie. Ya no necesita explotar cabezas cada cinco minutos para generar miedo. Le basta con sonreír. Su ego mesiánico recuerda inevitablemente a ciertos montajes creados con IA que han circulado por internet representando a Trump como una especie de Jesucristo moderno. Y lo perturbador es que ‘The Boys’ parece haberlo anticipado antes de que esas imágenes se popularizasen.

La serie lleva años ridiculizando el concepto del superhéroe corporativo, pero en esta última etapa el discurso se vuelve mucho más agresivo. Ya no se trata únicamente de reírse de Justice League o de las poses grandilocuentes del cine superheroico contemporáneo. Aquí directamente se destripa la idea de que una sociedad necesite ídolos salvadores. Y lo hace con una mala leche admirable.

Violencia grotesca, sátira salvaje y un arranque absolutamente demencial

Si alguien pensaba que la televisión moderna ya había alcanzado su techo en materia de violencia absurda, esta quinta temporada llega para demostrar lo contrario. El primer episodio empieza de forma tan salvaje que parece diseñado específicamente para poner a prueba el estómago del espectador. Y sí, si durante años la muerte de David Carradine fue utilizada como referencia morbosa dentro de la cultura popular, ‘The Boys’ consigue aquí superarla con algunas de las muertes más soeces, desagradables y directamente enfermizas vistas en televisión reciente.

Pero lo fascinante es que la serie continúa encontrando formas nuevas de burlarse del cine de superhéroes. Hay una secuencia concreta a cámara lenta que funciona como una sátira descarada de los momentos “cool” asociados a personajes velocistas como Flash o Quicksilver. La escena juega precisamente con esa estética de videoclip heroico que tantas veces hemos visto en filmes de Marvel Studios o DC Studios, solo que aquí el resultado termina siendo grotesco, incómodo y ridículamente divertido.

Ese equilibrio entre humor negro, crítica política y violencia enfermiza sigue siendo la gran virtud de la serie. Lo que en otras manos sería puro nihilismo adolescente, en ‘The Boys’ encuentra una extraña coherencia interna. La sensación constante es que todo puede empeorar todavía más. Y normalmente empeora.

Un final precipitado, personajes desaprovechados y un universo que quizá ya ha dicho demasiado

Eso sí, esta última etapa no sale completamente indemne. El principal problema aparece en su tramo final. Da la impresión de que la serie tenía demasiadas piezas sobre el tablero y necesitaba moverlas a toda velocidad para alcanzar la conclusión definitiva. Hay decisiones importantes que suceden demasiado deprisa, personajes que aparecen y desaparecen casi teletransportándose y conflictos que pedían más respiración dramática.

El desenlace, aun siendo coherente con la deriva nihilista de la serie, transmite cierta sensación de precipitación. Pero también era inevitable. Algunos personajes llevaban tanto tiempo cruzando líneas morales irreversibles que cualquier final relativamente contenido habría resultado falso. ‘The Boys’ jamás pudo terminar de forma realista porque nunca fue una serie realista. Era una pesadilla hiperbólica construida sobre los excesos del capitalismo mediático y del culto al poder.

Quizá el mayor problema sea la gestión de ciertas subtramas. La de Soldier Boy queda extrañamente colgada pese a que su presencia se siente constantemente sobrevolando la historia. Peor aún resulta el tratamiento de los personajes de Gen V. Llegan tarde, aparecen poco y apenas tienen impacto real. Se percibe claramente la intención de seguir alimentando el universo expandido de la franquicia, pero el problema es que ‘Gen V’ terminó cancelándose, dejando esas conexiones narrativas en una especie de limbo frustrante.

Ahora solo queda esperar a la futura precuela centrada en Soldier Boy y sus antiguos compañeros, porque este universo todavía parece resistirse a morir. Aunque quizá la gran pregunta sea otra: después de haber reflejado de forma tan inquietante el deterioro político y social contemporáneo, ¿qué puede hacer ahora ‘The Boys’ para sorprendernos más que la propia realidad?

Crítica: ‘Daredevil: born again’ T2

En qué plataforma ver Daredevil: born again

Marvel afina su serie más madura

Cuando ‘Daredevil’ apareció originalmente en Netflix, buena parte de su prestigio nació de algo inmediato y visceral: la brutalidad elegante de sus escenas de acción. Aquellos planos secuencia en pasillos estrechos, los combates agotadores donde cada golpe parecía doler de verdad y la fisicidad casi enfermiza de Matt Murdock convirtieron la serie en una rara avis dentro del universo superheroico televisivo. Era violencia coreografiada con inteligencia narrativa. Acción que no solo impresionaba, sino que contaba algo sobre el sufrimiento de sus personajes.

Sin embargo, estas dos temporadas de ‘Daredevil: Born Again’ han terminado encontrando otro camino. Uno más pausado, más psicológico y, probablemente, más cercano al espíritu de muchos de los mejores cómics del personaje. La acción sigue ahí (y cuando aparece continúa siendo magnífica), pero ya no es el principal reclamo. Lo verdaderamente fascinante es observar cómo la serie se obsesiona con desmontar emocionalmente a sus protagonistas.

Y ahí emerge el verdadero centro gravitacional de esta segunda temporada: Wilson Fisk.

Vincent D’Onofrio vuelve a demostrar que Kingpin no es únicamente uno de los grandes villanos de Marvel, sino posiblemente el antagonista más complejo que ha construido el género superheroico televisivo moderno. La serie dedica muchísimo tiempo a explorar su psique, sus inseguridades, sus impulsos violentos y su enfermiza necesidad de control. Fisk ya no es solo un mafioso gigantesco capaz de aplastar cráneos con una puerta de coche. Es un hombre atrapado entre la monstruosidad y el deseo imposible de legitimidad.

La temporada entiende perfectamente que a menudo los mejores villanos son aquellos que se consideran héroes de su propia historia. Y Fisk vive constantemente intentando convencerse de que todo lo que hace tiene una lógica moral superior. La grandeza de ‘Born Again’ aparece precisamente en esos silencios incómodos, en las conversaciones tensas y en la forma en la que el personaje parece debatirse entre la furia animal y una humanidad residual que jamás termina de desaparecer. Es ahí donde la serie se destaca del resto de producciones de Marvel Studios (exceptuando ‘Caballero Luna’), encontrando un tono más adulto y melancólico.

Matt Murdock continúa funcionando mejor cuando está roto

Una de las grandes virtudes de esta segunda temporada es cómo consigue acercarse a la esencia de ciertas etapas fundamentales del personaje en viñetas. No porque adapte literalmente arcos concretos, sino porque entiende qué hacía especiales aquellos relatos escritos por autores como Frank Miller, Brian Michael Bendis o Ed Brubaker: la idea de que Daredevil siempre fue un superhéroe profundamente humano.

Charlie Cox vuelve a demostrar por qué el personaje le pertenece por completo. Su interpretación mantiene esa mezcla entre agotamiento físico, culpa católica y obstinación moral que convierte a Matt en un héroe distinto al resto de figuras de Marvel. La temporada insiste constantemente en destruir emocionalmente al personaje, enfrentándolo a decisiones donde la línea entre justicia y venganza se vuelve cada vez más difusa.

Y es precisamente esa construcción (o destrucción) de los protagonistas lo que convierte la serie en algo mucho más interesante que un simple producto de acción superheroica. ‘Daredevil: Born Again’ entiende que las máscaras solo funcionan cuando debajo existe un individuo complejo, contradictorio y lleno de heridas. Por supuesto, eso no significa que la serie abandone el espectáculo. Hay secuencias de acción excelentes, varias sorpresas muy bien integradas y algunos episodios que recuperan el nervio violento de la etapa Netflix.

Aunque ya vimos una escena entre Matt Murdock y Peter Parker la serie ya no parece tan interesada en conectar constantemente con el gran tablero cinematográfico de Marvel. Prefiere encerrarse en callejones húmedos, despachos corruptos y conflictos íntimos. Por eso he de reconocer que se hecha por tierra una teoría que muchos habíamos alimentado durante meses: la posibilidad de que esta temporada funcionase como una especie de evento puente hacia la película de ‘The Punisher’ y posteriormente hacia la nueva entrega de ‘Spider-Man’. Había suficientes piezas aparentemente preparadas para ello y ciertos rumores alimentaron la idea de una gran convergencia urbana dentro del MCU. Finalmente, ‘Born Again’ opta por algo más contenido y autónomo. Y probablemente sea una decisión acertada, aunque rompa ciertas expectativas de interconectividad.

Michael Gandolfini y el inesperado eco de ‘Los Soprano’

Otro de los elementos más atractivos de la temporada aparece en un lugar inesperado: la presencia de Michael Gandolfini. Resulta curioso que en una historia donde las dinámicas mafiosas vuelven a tener tanto peso aparezca precisamente el hijo de James Gandolfini, una figura inseparable de la televisión criminal moderna gracias a ‘The Sopranos’. Y lo más llamativo es que Michael no solo recuerda físicamente a su padre en determinados gestos o miradas, sino que empieza a mostrar una presencia interpretativa realmente poderosa.

Hay momentos concretos donde resulta imposible no pensar en Tony Soprano. No como una imitación, sino como una herencia emocional involuntaria. Una manera de ocupar el espacio o de transmitir vulnerabilidad bajo una fachada criminal. La temporada utiliza muy bien esa energía. En una serie obsesionada con personajes fracturados por el poder, la violencia y la culpa, la presencia de Gandolfini añade una capa metatextual muy interesante.

En el fondo, ‘Daredevil: Born Again’ temporada 2 termina funcionando precisamente porque comprende algo que muchas adaptaciones superheroicas olvidan: los poderes nunca fueron lo importante. Lo verdaderamente relevante son las personas que intentan sobrevivir detrás del disfraz. Y pocas veces Marvel había mostrado esas cicatrices con tanta crudeza y acierto.

Crítica: ‘Superman: man of tomorrow’

En qué plataforma ver Superman: man of tomorrow

Un origen reinventado que no termina de despegarse de lo de siempre

Hablar de ‘Superman: man of tomorrow’ es volver a confirmar una idea que se ha repetido durante años: el Universo DC siempre ha funcionado mejor en la animación que en imagen real. Mientras el llamado Snyderverse dejaba sensaciones encontradas (especialmente con personajes como Martian Manhunter, cuyo potencial quedó en nada), esta película apuesta por un enfoque más contenido, directo y, sobre todo, coherente con la esencia del personaje.

Nos encontramos ante una reinterpretación del origen de Superman que, sin romper con la tradición, introduce matices interesantes, aunque poco explotados. La historia se sitúa en un mundo con tintes retrofuturistas, una elección estética que no es casual. Este entorno mezcla tecnología avanzada con una sensibilidad visual que remite a la América de mediados del siglo XX, lo que encaja perfectamente con el simbolismo del personaje: un ideal clásico enfrentado a un mundo cambiante.

La animación es, sin duda, uno de los puntos fuertes. El trazo es limpio, dinámico y muy “americano” en el mejor sentido del término: musculatura marcada, acción clara y una narrativa visual que prioriza el espectáculo a la brillantez visual.

Una premisa potente… que se diluye

La película parte de una idea muy potente: ¿qué ocurriría si la identidad extraterrestre de Superman se viera expuesta demasiado pronto? La llegada de otras razas alienígenas, entre ellas el carismático Lobo, introduce un conflicto que podría haber redefinido completamente la percepción pública del héroe.

Sin embargo, aquí es donde ‘Superman: man of tomorrow’ empieza a perder fuerza. Lo que se plantea como un “what if” interesante, una exploración alternativa del mito, termina resolviéndose de forma bastante convencional. La narrativa opta por caminos seguros, desaprovechando el potencial dramático de un Superman que podría haber sido visto como una amenaza desde el primer momento.

El villano principal, aunque funcional, carece del peso necesario para sostener el conflicto, a pesar de sus dimensiones de kaiju. Aquí es donde entra en juego Lex Luthor, presentado como una figura ultratecnológica que anticipó versiones más modernas del personaje, en línea con lo que posteriormente desarrollaría James Gunn en su nueva visión del universo DC. Este enfoque es interesante, pero queda algo superficial en esta entrega.

Personajes secundarios y valor como puerta de entrada

Uno de los mayores aciertos de la película es su galería de personajes secundarios. La inclusión de Lobo no solo aporta dinamismo, sino que sirve como una excelente carta de presentación para el público general. Su personalidad irreverente y su brutalidad contrastan perfectamente con la moralidad de Superman, generando algunos de los momentos más entretenidos del metraje.

Por otro lado, la presencia de Martian Manhunter funciona casi como una compensación para los fans que esperaban más del personaje en otras adaptaciones. Aquí, aunque su papel no es central, al menos se le concede una relevancia narrativa que lo dignifica.

En este sentido, la película también adquiere un valor estratégico: sirve como introducción accesible a personajes que probablemente ganen protagonismo en futuros proyectos, incluyendo la esperada conexión con el universo de Supergirl. Este tipo de sinergias no son casuales y refuerzan la sensación de que sin llegar a formar parte de la misma narrativa estamos ante una pieza dentro de un plan mayor que se mantiene vivo gracias a la animación.

Ficha de ‘Superman: man of tomorrow’

Estreno en España: 2020. Título original: Superman: man of tomorrow. Duración: 86 min. País: EE.UU. Dirección: Chris Palmer. Guion: Tim Sheridan. Música: Kevin Riepl. Reparto principal (doblaje original): Darren Criss, Alexandra Daddario, Zachary Quinto, Ryan Hurst, Ike Amadi. Producción: DC Entertainment, Warner Bros. Animation. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción. Web oficial.

Crítica: ‘Invincible T4’

En qué plataforma ver Invincible

La madurez de un superhéroe atrapado entre la épica cósmica y el desgaste emocional

La cuarta temporada de ‘Invincible’, adaptación del cómic de Robert Kirkman (‘The Walking Dead’, ‘Marvel Zombies’), confirma algo que ya se intuía: esta serie animada no tiene intención de frenar su ambición. Con la vista puesta en alcanzar entre siete y ocho temporadas (e incluso con margen para diez si la popularidad lo permite), esta nueva entrega se siente como una pieza clave en la arquitectura global del relato.

Uno de los grandes aciertos de la temporada reside en su expansión del lore viltrumita. Durante el segundo capítulo la trama se detiene en el pasado de Omni-Man, construyendo una suerte de crónica histórica interestelar que recuerda, en su densidad y ambición, a las mejores tradiciones de la ciencia ficción clásica. Este enfoque no solo satisface una demanda latente de los fans, sino que redefine el conflicto central: ya no estamos ante una simple lucha entre héroes y villanos, sino ante una civilización con sus propias reglas, jerarquías y contradicciones morales, una suerte de kriptonianos.

En paralelo, la serie mantiene su sello distintivo: una galería de enemigos tan variopinta como impredecible. Regresan los inquietantes sequids, claros herederos de los invasores de ‘Ultracuerpos’ o ‘The Faculty’, mientras que nuevas amenazas como un villano con estética de dinosaurio o una valkiria verde obsesionada con la energía amplían el catálogo de rarezas. La reaparición de Conquest aporta ese peso dramático que solo los antagonistas más brutales pueden ofrecer y que todos los espectadores podían preeveer. Y vuelve el Satán doblado por Bruce Campbell en uno de los mejores episodios de lo que va de serie.

Todo ello se articula con una fina capa de sátira hacia el género superheroico. ‘Invincible’ sigue jugando a deformar los códigos de franquicias más conocidas, rozando a veces la parodia sin perder su identidad. Es precisamente en ese equilibrio donde la serie encuentra uno de sus mayores ganchos.

El dilema moral de Mark y la sensación de déjà vu

Si hay un elemento que genera sensaciones encontradas, es el arco del protagonista. Mark Grayson continúa atrapado en un bucle narrativo: entra y sale de los Guardianes, duda de Cecil Stedman, y vuelve a cuestionar su lugar en el mundo. Aunque estos conflictos son inherentes al personaje, la reiteración empieza a evidenciar cierto desgaste.

No obstante, la temporada introduce un matiz interesante: el debate sobre cruzar la línea de matar. Esta cuestión, que inevitablemente remite a dilemas clásicos asociados a figuras como Batman, se convierte en el eje moral de varios episodios. ¿Es lícito sacrificar a alguien para salvar a muchos? ¿Puede un héroe seguir siéndolo tras mancharse las manos de forma irreversible?

A nivel estructural, se agradece un guion más ágil y chispeante. Los diálogos ganan en frescura, los gags se multiplican y las tramas paralelas resultan más dinámicas. La presencia de Allen, con la voz del siempre eficaz Seth Rogen, aporta un contrapunto humorístico que funciona especialmente bien en medio de tanta densidad dramática.

Sin embargo, no todo suma. Las subtramas familiares, especialmente las relacionadas con los padres de Atom Eve y la madre de Mark, ralentizan el ritmo hasta el tedio. Son segmentos que parecen anclados en una versión más melodramática y menos interesante de la serie, rompiendo la inercia de los episodios más potentes, aquellos que se regodean en el fantástico.

Entre lo grotesco y lo infantil: una estética que divide… y engancha

Uno de los aspectos más discutibles y a la vez más fascinantes de ‘Invincible’ sigue siendo su apartado visual. La cuarta temporada insiste en ese contraste casi esquizofrénico entre diseños que rozan lo infantil y una violencia explícita que no escatima en desmembramientos ni lenguaje soez.

Algunos extraterrestres parecen sacados de una estética simplificada, como ese dragón que podría confundirse con la ilustración de una barraca de feria de bajo presupuesto. Y, sin embargo, esta aparente disonancia se convierte en uno de los mayores atractivos de la serie. La inocencia visual actúa como un caballo de Troya que amplifica el impacto de la brutalidad, generando una experiencia incómoda pero adictiva.

En este sentido, ‘Invincible’ demuestra una vez más su capacidad para romper convenciones. No busca la coherencia estética tradicional, sino provocar al espectador, obligarle a reconciliar dos lenguajes aparentemente incompatibles.

La temporada también amplía el foco sobre personajes secundarios, aunque con resultados desiguales. Mientras algunos ganan profundidad, otros quedan desdibujados. El caso de Oliver, por ejemplo, es especialmente llamativo: su cambio de tonalidad (mucho menos morado que en la temporada anterior) genera desconcierto, pero por el contrario es un personaje menos irritante. En ese sentido esta cuarta temporada no es perfecta, pero sí representa un paso adelante en ambición narrativa y riqueza temática, dando alas a sus vertientes cósmica y satánica.

Se acerca la tercera edición de IlustraWeekMadrid

IlustraWeekMadrid 2026 transcurrirá del 15 de abril al 3 de mayo

Madrid se convertirá nuevamente en epicentro de la ilustración contemporánea con la celebración de IlustraWeekMadrid 2026, considerado ya el principal festival de ilustración y cultura visual contemporánea en España. Del 15 de abril al 3 de mayo, la ciudad se transformará en un vibrante ecosistema creativo, configurado como una alianza entre talento, instituciones culturales, espacios urbanos y público general.

La programación de esta edición supera las expectativas: más de 100 creadores, más de 50 espacios activos e imponente variedad de actividades que incluyen exposiciones, talleres, charlas, ferias, ciclos de animación y rutas visuales en toda la capital.

Madrid ilustrada: exposiciones, talleres y arte urbano

La exposición central “Icónica Madrid: Una ciudad de cuento”, comisariada en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid, se tendrá lugar en el Espacio Cultural Serrería Belga. Esta muestra reúne reinterpretaciones de la ciudad por ilustradores contemporáneos, combinando memoria urbana y narrativa visual para ofrecer una experiencia estética tanto para público general como para aficionados de la ilustración.

Además, otros espacios institucionales y alternativos, como Fundación Telefónica, UDIT (Universidad de Diseño, Innovación y Tecnología), Ateneo de Madrid, Museo ABC o Sala Equis, acogerán diversas propuestas que exploran desde el diseño gráfico hasta el arte urbano.

Feria profesional y apoyo al talento emergente

Una de las citas más destacadas del festival será la consolidación de ILUSTRAFEST, la feria de ilustración profesional que celebra este año su cuarta edición en UDIT. En ella participarán ilustradores consagrados y emergentes, galerías, editoriales y estudios creativos, consolidando el evento como punto de encuentro para profesionales del sector y potenciales colaboradores internacionales.

Entre los nombres confirmados en esta feria destacan artistas de referencia y nuevas voces creativas que han convertido ILUSTRAFEST en un espacio dinámico de intercambio artístico y comercial. Estarán presentes Gema Vadillo, Iván Piñeros, Ales Santos, Susana Suniaga, Amelia Peruyero, Tesa González o Guillermo Barón.

Ilustración como lenguaje transversal

IlustraWeekMadrid no solo ofrece exposiciones y actividades culturales: también conecta disciplinas como animación, cine, tatuaje, diseño editorial, moda, publicidad y educación, posicionando la ilustración como un lenguaje visual que trasciende formatos y sectores.

La presencia de esta Semana de la Ilustración pone de manifiesto la importancia de esta disciplina dentro del panorama cultural contemporáneo, situando a Madrid como un nodo creativo de referencia en Europa y fortaleciendo el vínculo entre la ciudad, sus creadores y las industrias culturales.

Tráilers de ‘Spider-Noir’

Nicolas Cage llega a la pequeña pantalla con un personaje misterioso

Por fin podemos ver las imágenes en movimiento de la esperada ‘Spider-Noir’. La serie llegará a nuestras pantallas el próximo 27 de mayo de 2026 en Prime Video. Está producida por Sony Pictures Televisión en exclusiva para MGM+ y Prime Video. ‘Spider-Noir’ se estrenará primero en MGM+ en Estados Unidos y posteriormente, llegarán todos los episodios de manera global a Prime Video, en más de 240 países y territorios.

¿De qué trata Spider-Noir’?

Basada en el cómic de Marvel ‘Spider-Man Noir’, la historia sigue a Ben Reilly, un experimentado investigador privado en mala racha en el Nueva York de los años 30. Éste se ve obligado a enfrentarse a su pasado tras una tragedia profundamente personal, mientras la ciudad cuenta con un único superhéroe.

En este fragmento os damos unas pequeñas notas sobre lo que vamos a ver desde nuestro programa de youtube ‘El Simbionte’.


Reparto

Con un reparto estelar ‘Spider-Noir’ será interpretado por el gran Nicolas Cage, actor que ya le puso la voz al personaje en las dos citas de animación de Spider-man.  Pero no solo él, sin o que tenemos a Brendan Gleeson, Jack Huston, Abraham Popoola, Lamorne Morris, Karen Rodrígez y Li Jun Li.

Tememos también estrellas invitadas, entre ellas, Lukas Haas, Cameron Britton, Cary Christopher, Scott McArthur, Whitney Rice, Amanda Schull, Amy Aquino o Andrew Robinson.

Tráilers de la nueva serie de Prime Video

Aquí podéis ver el tráiler en blanco y negro y en color de la serie. Ya que la serie se podrá ver en blanco y negro o en color para que el espectador pueda disfrutar de ambas opciones y así poder elegir.

Resto del equipo de la serie

Los primeros episodios fueron producidos y dirigidos por el ganador del Emmy Harry Bradbeer (‘Fleabag’). Oren Uziel (‘La ciudad perdida’) y Steve Lighfoot (‘The Punisher’) son co-showrunners y productores ejecutivos.

Ambos showrunners desarrollaron la serie junto al equipo ganador del Oscar detrás de ‘Spider-Man: Un nuevo universo’. Phil Lord, Christopher Miller y Amy Pascal.

El tráiler de ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ deslumbra con una arriesgada apuesta

‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ se estrena el 26 de junio de 2026 con Jason Momoa como Lobo

El nuevo tráiler de la película ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ ha irrumpido con fuerza entre los aficionados del universo DC. La producción dirigida por Craig Gillespie, conocido por películas como ‘Golpe a Wall Street’, marca el nuevo inicio para el personaje ya incluído en el nuevo DCU en el ‘Superman’ de James Gunn, cuya influencia estética y musical es evidente en cada plano del avance. Con su mezcla de humor irreverente, ambientación cósmica y una apuesta clara por la acción desenfrenada, el tráiler anticipa una película que aspira a redefinir a Kara Zor-El para toda una nueva generación.

Más allá del tono vibrante, el avance ha despertado una notable conversación entre los fans debido a su representación de la protagonista, que continúa el enfoque polémico ya mostrado en los minutos finales de ‘Superman’ (2025). Muchos seguidores no han recibido con entusiasmo esta versión más desinhibida, agresiva y, en ocasiones, presentada como una heroína de actitud adolescente y con comportamientos que podrían interpretarse como excesivos o ebrios.

Fecha de estreno y posición dentro del DCU

La película tiene previsto su estreno mundial para el 26 de junio de 2026 y se sitúa como una de las piezas centrales de la primera fase del DCU de James Gunn. Tras ‘Superman’ (2025), ‘Supergirl’ profundizará en la parte cósmica y alienígena del nuevo universo, abriendo puertas narrativas hacia otras facciones, planetas y enemigos clásicos del legado kryptoniano.

Un tráiler con ADN de ‘Guardianes de la Galaxia’

Nadie puede negar que el tráiler parece beber directamente del estilo que James Gunn consolidó en ‘Guardianes de la Galaxia’. Desde el uso de música diegética (un elemento clave en las producciones que ha liderado Gunn) hasta el ritmo frenético del montaje, la influencia es perceptible a pesar de que la dirección recae en Gillespie. Este toque cósmico, irreverente y lleno de energía marca un claro contraste con la aproximación más solemne que había dominado el antiguo universo DC.

La música vuelve a jugar un papel capital, como es habitual en las producciones que supervisa Gunn. El tráiler presenta un tono rebelde y despreocupado, subrayando la actitud desafiante de Supergirl, reforzado todo ello al son del ‘Call me’ de Blondie.

Personajes y reparto: Jason Momoa regresa al DCU pero como Lobo

Uno de los elementos más comentados del tráiler es la aparición fugaz de Jason Momoa como Lobo, el infame cazarrecompensas intergaláctico. Su presencia confirma que DC utilizará al actor para un personaje completamente diferente al Aquaman del universo previo, reforzando el tono gamberro y brutal de esta nueva etapa. El propio Momoa ha confirmado este nuevo rol en sus redes sociales y aunque hemos visto poco cabe reconocer que le viene como anillo al dedo.

En el reparto también aparecen actores y personajes como David Krumholtz como el mítico Zor-El (tío de Superman), Eve Ridley como la madre de Supergirl o Matthias Schoenaerts en el papel del villano Krem of the Yellow Hills.

Escenarios: ¿una primera mirada a Kandor?

El tráiler incluye varias secuencias que muestran una ciudad encapsulada o protegida en un domo energético, lo que numerosos fans habrán relacionado inmediatamente como una posible representación de Kandor. Si se confirma, supondría la primera aparición oficial de esta icónica ciudad kryptoniana en el cine moderno, además de un punto clave para enriquecer la narrativa sobre el pasado y el trauma de Kara.

La polémica imagen de Supergirl: eco del final de ‘Superman’ (2025)

El tráiler también refuerza la visión de una Supergirl dañada emocionalmente, impulsiva, incluso con comportamientos que pueden ser percibidos como autodestructivos. La caracterización recuerda al final de ‘Superman’, donde ya se mostró una versión más salvaje del personaje, algo que generó fuerte debate entre los seguidores más tradicionales. Esta decisión creativa vuelve a dividir a la comunidad, que se pregunta si este enfoque respetará la esencia del personaje o si la apartará demasiado de su identidad clásica.

Crítica: ‘Marvel Zombies’

En qué plataforma ver Marvel Zombies

El crossover marvelita de no-muertos cobra vida

‘Marvel Zombies’ llega a Disney+ con una misión clara: recuperar la esencia macabra y gamberra que tanto fascinó en los cómics, y al mismo tiempo encajar dentro del cada vez más complejo engranaje del MCU. La serie se convierte en un paso adelante hacia contenidos más oscuros y adultos, alejados del tono familiar que suele caracterizar las producciones de la Casa de las Ideas. Evidentemente todo dentro de los esquemas de un what if.

El recorrido de Marvel Zombies en las viñetas arranca a mediados de los 2000 con guionistas como Robert Kirkman, padre de ‘The Walking Dead’, al frente de una saga que pronto se convirtió en objeto de culto. Entre las historias más celebradas destaca ‘Hambre insaciable’, donde héroes y villanos convertidos en muertos vivientes devoran todo a su paso en un festival de horror y referencias al universo marvelita. La primera aparición animada de esta idea llegó años después con el capítulo dedicado a los zombies en ‘What if…?’, que fue recibido con entusiasmo y abrió la puerta a esta nueva serie.

Disney+ mantiene el mismo estilo visual que ‘What if…?’, un cel-shading elegante, dinámico y capaz de combinar la acción superheroica con la crudeza del gore. Y es ahí donde se produce la primera gran sorpresa: Marvel se atreve a mostrar muertes sangrientas, brutales y sin censura, recordándonos que, como en cualquier historia de zombies que se precie, nadie está a salvo.

La gran diferencia respecto a otros relatos de muertos vivientes está en que los héroes infectados mantienen sus poderes. Ver a personajes que conocemos desde hace más de una década en el MCU devorando carne humana con la misma facilidad con la que antes salvaban el mundo, es un espectáculo grotesco pero fascinante. Es un recordatorio de que Marvel, cuando quiere, sabe dar un giro radical a sus fórmulas.

Los protagonistas cambian respecto a los cómics más emblemáticos, y esa decisión funciona bien: permite explorar una aventura fresca dentro de la misma realidad alternativa. Se respira el mismo espíritu de crossover que en cualquier gran evento editorial: cada capítulo está plagado de guiños, cameos y detalles que los lectores veteranos sabrán apreciar. Desde referencias a los skrulls y las vacas hasta alusiones a títulos recientes del MCU como ‘Thunderbolts’, ‘The Marvels’, ‘Doctor Strange en el multiverso de la locura’, ‘Wakanda Forever’ o ‘Thor: Love and Thunder’ en última instancia. Incluso hay espacio para un guiño inesperado a ‘Star Trek’ con el vehículo que los héroes usan en uno de los primeros episodios a pesar de que no es una franquicia de Disney/Marvel.

La estrategia de Marvel Studios parece clara: evitar abusar de los personajes más icónicos y dar aire a nuevas figuras, preparando el terreno para una nueva fase. Una de las curiosidades más llamativas es la aparición de un Blade fusionado con el Caballero Luna, interpretado por la voz de Todd Williams. El actor, que tiene cierto parecido físico con el cazador de vampiros, se rumorea como posible plan B en caso de que Mahershala Ali no continúe en el proyecto de ‘Blade’ en acción real. En la animación, la cara sigue siendo la de Ali, pero su voz no. Este detalle muestra cómo Marvel juega sus cartas con cautela, manteniendo el misterio y abriendo posibles caminos para el futuro.

‘Marvel Zombies’ podría ser un simple spin-off o un producto secundario. Pero no deja de ser una apuesta arriesgada que recuerda a los fans que Marvel puede ser mucho más que un desfile de efectos digitales y chistes recurrentes. Aquí hay horror, sangre y riesgo narrativo. Para los comiqueros es un banquete de referencias, y para los fans del MCU, una invitación a aceptar que el futuro de la saga puede ser tan oscuro como imprevisible.

Crítica: ‘Angelo en el bosque misterioso’

En qué plataforma ver Angelo en el bosque misterioso

Sinopsis

Angelo, de 10 años, sueña con convertirse en explorador y zoologo. Cuando emprende el viaje con su familia para visitar a su querida abuela, sus padres, distraídos, lo dejan atrás en un área de servicio. Dejado a su suerte, Angelo decide atravesar el bosque en busca de su familia. Se adentra en un mundo oscuro y misterioso habitado por extrañas criaturas, algunas más amigables que otras…

Crítica

Divertida, emocionante que va a encantar a los más pequeños

Tenemos ante nosotros una película llena de aventuras y que pone fin a este verano caluroso. Y solo puedo decir que pasar un ratito en el cine viendo ‘Angelo en el bosque misterioso’ va a ser un gran acierto.

En la película, conocemos a Angelo, un niño con una imaginación desbordante, siempre pensando en historias y aventuras. Un día, junto con su familia se embarcan en un viaje a casa de su abuela, la cual está gravemente enferma. El queda perdido y tiene que adentrarse en un bosque para poder llegar a su destino y reencontrarse con la persona que mejor le entiendo. Pero para ello debe de pasar miles de aventuras.

‘Angelo en el bosque misterioso’ es muy divertida, no es la típica película en la que decimos, para niños y adultos, no. Es una película infantil, pero aun así no os vais aburrir. Tiene una animación bastante chula y cuando nos adentramos en la cabeza de Angelo y en sus historias imaginarias, cambian el estilo de dibujo y la verdad que es bastante chulo.

Trata temas muy universales, la valentía, el amor hacia la familia y la infancia. Lo importante de tener una infancia llena de imaginación para sobrevivir a todo lo que nos viene encima y de como esa imaginación puede ayudar siempre.

Vincent Paronnaud, es el encargado de llevar esta película a la realidad. Basada en su propio cómic, Dans La Forêt Sombre et Mystérieuse, publicado en 2016. Con este cómic, fue galardonado con un Pépite d’or en el Salon du Livre Jeunesse de Montreuil. Vincent Paronnaud, gran conocido entre los aficionados al cómic, sobre todo por su trabajo como coguionista y codirector junto a Marjane Satrapi de Persepolis en 2007, firma la película junto a Alexis Ducord.

La película también es bastante ecologista, también el tema de las Inteligencias Artificiales. Todo ello explicado para niños, para que vayan conociendo ciertos problemas que hay en el mundo y como trabajando pueden intentar hacer un mundo mejor. Además el diseño de las criaturas es bastante chulo.

‘Angelo en el bosque misterioso’ llega a nuestras pantallas de cine y como digo, es la mejor manera de terminar este verano que tanto buen cine nos ha dado.

 Ficha de la película

Estreno en España: 19 de septiembre de 2025. Título original: Angelo dans la forêt mystérieuse. Duración: 81 min. País: Francia. Dirección: Alexis Ducord, Vincent Paronnaud. Guion: Vincent Paronnaud. Música: Oliver Bernet. Reparto principal: Yolande Moreau, Philippe Katerine, José García. Producción: Je Suis Bien Content, Gao Shan Pictures, ZEILT Productions, Le Pacte, France 3 Cinéma, Ev.L Prod, France TV, Canal+, Ciné+. Distribución: VerCine. Género: Aventuras. Web oficial: https://www.vercine.org/ficha/es/829-angelo-en-el-bosque-misterioso/