Crítica: ‘Resident Evil’ (2026)

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El Resident Evil de Zach Cregger es un pasaje del terror del tamaño de una ciudad

Las adaptaciones de ‘Resident Evil’ han tenido una relación bastante complicada con el material original. Curiosamente, la mayoría de las versiones animadas han sabido entender mejor el espíritu de los videojuegos que sus hermanas de acción real. En imagen real todo empezó con las películas de Paul W. S. Anderson y Milla Jovovich, que inicialmente entusiasmaron a buena parte del público, pero cuya deriva rápidamente se fue desfigurando hasta alcanzar seis entregas. Johannes Roberts rozó el palo con ‘Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City’, especialmente por su ambientación y escenografía, aunque tampoco consiguió redondear la adaptación.

Todas aquellas versiones tenían algo en común: intentaban llevar al cine personajes, acontecimientos o escenarios reconocibles de los videojuegos. La película de Zach Cregger toma otro camino. ‘Resident Evil’ transcurre paralelamente al universo de los juegos y nos introduce en el estallido zombi provocado por Umbrella Corporation, pero sin llevarnos literalmente por ninguno de los recorridos que conocemos. Es una estrategia parecida, en espíritu, a la que intentó la serie de Netflix, aunque aquí el resultado tiene bastante más sentido.

Y la pregunta inevitable, tratándose de Cregger, es: ¿estamos ante algo más cercano a ‘Barbarian’ o a ‘Weapons’? Definitivamente, a ‘Barbarian’. Hay violencia, terror grotesco y una voluntad muy clara de incomodar al espectador. Puede haber algún parentesco con ‘Weapons’ en determinados juegos con la infancia y, especialmente, en la utilización de la sangre, pero esto es fundamentalmente un gigantesco pasaje del terror.

Una sucesión de ideas para los próximos videojuegos.

La sensación de estar jugando se encuentra precisamente en esa sucesión de amenazas. Bichos verrugosos, criaturas amorfas, mutaciones y enemigos explosivos convierten prácticamente cada desplazamiento en una huida. Los puristas de las primeras entregas probablemente encontrarán motivos para protestar, pero Cregger demuestra conocer muy bien el lenguaje del videojuego y, sobre todo, su sensación de vulnerabilidad. No es necesario copiar una localización concreta para reproducir esa experiencia.

La película parece situarse en los primeros momentos del brote de Raccoon City. Bryan, interpretado por Austin Abrams, funciona como nuestros ojos. Es un protagonista deliberadamente desorientado, alguien que contempla lo que sucede con la misma perplejidad que nosotros. Su existencia consiste básicamente en correr, disparar de manera más o menos afortunada y preguntarse qué demonios está pasando. Dice tantas palabrotas que por momentos parece una versión involuntaria de Samuel L. Jackson o de El Nota de Jeff Bridges. A ver si alguien hace el recuento, porque esta película se puede meter en el podio de las películas con más palabrotas de la historia.

Además, ‘Resident Evil’ evita una estructura excesivamente fragmentada. No está planteada como un gigantesco plano secuencia, pero sí produce la impresión de que estamos ante una única carrera hacia adelante, con muy pocos descansos narrativos. Apenas hay elipsis que permitan respirar. Cregger convierte el montaje en una herramienta para mantenernos dentro de la cabeza del protagonista: sorpresa, miedo y, sobre todo, desconcierto.

Eso también permite que la película funcione como una historia paralela. Raccoon City siempre ha sido un lugar poblado y, si aceptamos que detrás de cada superviviente puede existir otra historia, resulta lógico que Cregger quiera explorar una de ellas. El director ha defendido precisamente esa idea: los grandes protagonistas de la saga ya tienen sus historias contadas en los videojuegos. Estoy seguro que si se está desarrollando ya un nuevo Resident Evil aquí van a coger muchas ideas.

Terror, humor y una lluvia de referencias

Aquí aparece otra diferencia importante: el humor. Aunque sus últimas películas son bastante terroríficas, Cregger procede de la comedia y su cine de terror nunca ha renunciado a ella. ‘Resident Evil’ tiene bastante más humor del que algunos seguidores podrían esperar, aunque el propio director confirmó que eliminó numerosos chistes después de las proyecciones de prueba porque consideró que estaban perjudicando el equilibrio del conjunto.

Personalmente, cuesta imaginar qué habría sido de ese montaje más cómico, porque los cambios de tono funcionan precisamente como una montaña rusa. Una situación puede arrancar casi como una broma y terminar convertida en una carnicería. Para quienes busquen terror puro y duro puede ser un inconveniente, pero en mi caso contribuye a transmitir mejor el nerviosismo Y me gustaría ver un montaje del director con esas escenas eliminadas.

También hay guiños para los jugadores, aunque Cregger no convierte la película en un catálogo de referencias. Son pequeños detalles que permiten disfrutarla como un juego paralelo de reconocimiento. Y eso termina siendo una de sus mejores decisiones: ‘Resident Evil’ no necesita reproducir los videojuegos para parecerse a ellos. Quizá ahí esté la clave de esta nueva adaptación. No pretende ser ‘Resident Evil 2’, ‘Resident Evil 3’ o ninguna otra entrega trasladada literalmente al cine. Quiere reproducir la sensación de avanzar por un mundo hostil sin saber qué monstruo aparecerá tras la siguiente esquina.  Personalmente creo que el director es de esas personas que ha entendido bien aquello que adapta.

Ficha de ‘Resident Evil’

Estreno en España: 18 de septiembre de 2026. Título original: Resident Evil. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Zach Cregger. Guion: Zach Cregger, Shay Hatten. Música: Hays Holladay, Ryan Holladay. Fotografía: Dariusz Wolski. Reparto principal: Austin Abrams, Zach Cherry, Kali Reis, Paul Walter Hauser. Producción: Capsom Entertainment, Columbia Pictues, Constantin Film, Davis Films, PlayStation Productions, Robert Kulzer Productions, Stillking Films, TriStar Pictures, Vertigo Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: terror, acción, adaptación. Web oficial.

Crítica: ‘Marsupilami’

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Philippe Lacheau y su tropa convierten al mítico personaje en una divertidísima gamberrada

Philippe Lacheau vuelve a demostrar que posee un talento especial para la comedia física desatada, el humor de acumulación y las referencias cinematográficas. Con ‘Marsupilami’, el director francés firma una continuación espiritual (y también argumental) de ‘En busca de Marsupilami’ (2012), recuperando incluso al personaje de Pablito Camaron interpretado por Jamel Debbouze, convertido en la única persona del mundo que conoce el paradero del legendario animal creado por André Franquin. No hace falta haber visto aquella película para seguir esta aventura, aunque el enlace entre ambas recompensa a quienes sí lo hicieron.

Paradójicamente, el gran problema del filme es precisamente aquello que promete su título. Se suponía que reproducir al Marsupilami mediante una marioneta física y efectos animatrónicos permitiría una presencia más tangible y creíble del personaje. Y, cuando finalmente aparece, esa apuesta se agradece muchísimo. La criatura posee textura, peso y una naturalidad que difícilmente habría conseguido un modelo completamente digital. Sin embargo, durante buena parte del metraje da la impresión de que el presupuesto hubiese obligado a esconderlo tanto como si estuviera realizado únicamente mediante CGI. El Marsupilami tarda cerca de media hora en hacer acto de presencia, una espera excesiva para una película construida alrededor de él.

Hasta ese momento, Lacheau, convertido también en protagonista, junto al resto de su reparto habitual, mantiene el interés gracias a una sucesión constante de situaciones absurdas, caídas, persecuciones y equívocos. La película nunca deja de entretener, es divertida sin peros al respecto. Simplemente permanece la sensación de que habría sido mucho más satisfactoria con una mayor presencia del animal.

Humor desenfrenado, parodias y una criatura adorable

Cuando el pequeño Marsupilami entra realmente en escena, el filme encuentra por fin su auténtica personalidad. Aquí no pronuncia el mítico «¡Houba!», sino que emite pequeños sonidos que recuerdan inevitablemente a Gizmo, una decisión lógica si entendemos que se trata de una cría del Marsupilami clásico. Conserva, eso sí, toda esa naturaleza salvaje, imprevisible, indómita y dada al caos que convierte auténticas barbaridades en simples travesuras entrañables.

Además, Lacheau aprovecha cualquier ocasión para desplegar su pasión por la parodia. El pequeño Marsupilami puede perrear, recrear momentos de ‘Titanic’, homenajear a ‘E.T.’ o incluso evocar ‘Liberar a Willy’. No sorprende demasiado viniendo del responsable de ‘Super ¿quién?’, una película que ya demostraba su habilidad para burlarse con cariño de los grandes éxitos del cine comercial. Tampoco conviene olvidar que esta no es su primera adaptación de una obra ilustrada. En 2018 dirigió ‘City Hunter’, cuya irreverencia terminó conquistando incluso al autor del manga original. Aquellas mismas pillerías narrativas aparecen aquí una y otra vez.

Como ya es habitual, Lacheau vuelve a rodearse prácticamente de toda La bande à Fifi, ese grupo de colaboradores con los que lleva más de una década construyendo sus comedias (casi como Santiago Segura haciendo filmes con sus amiguetes). A ese equipo suma dos nombres de enorme peso dentro de la comedia francesa como Jamel Debbouze y Jean Reno, cuya sola presencia aporta un plus de carisma.

Una comedia más adulta de lo que parece, entre la nostalgia del cómic y el cine popular

Aunque visualmente resulte una película accesible para el público infantil gracias a las monerías del Marsupilami, la abundancia de humor verde y algunos chistes de doble sentido dejan claro que buena parte de sus destinatarios son quienes crecieron leyendo los álbumes del personaje. No porque adapte fielmente las viñetas y por sus subidas de tono, sino porque también conecta con la nostalgia de una generación concreta.

Curiosamente, muchos de los mejores gags ni siquiera dependen del Marsupilami. Funcionan gracias al reparto humano y a una maquinaria cómica perfectamente engrasada. Eso provoca una sensación contradictoria: durante bastantes minutos podría tratarse de cualquier otra comedia de Philippe Lacheau sin pertenecer necesariamente al universo del animal de Palombia.

El componente familiar aparece sobre todo mediante la relación entre el protagonista infantil y la criatura, una amistad que intenta llenar el vacío emocional provocado por unos padres continuamente en disputa. Esa dimensión aporta algo de corazón entre tanta locura.

Pero quizá el aspecto más interesante sea otro. Más allá de su obsesión por imitar superproducciones hollywoodienses o elevar ligeramente el rango de edad de sus películas, Lacheau reivindica aquí una tradición muy francesa: la del humor heredero del cómic franco-belga. No solo recupera a uno de sus personajes más emblemáticos, sino que salpica el relato de referencias generacionales como ‘E.T.’, ‘Liberar a Willy’ o la inolvidable serie ‘Érase una vez… la vida’, estableciendo un puente entre varias décadas de cultura popular.

Ficha de ‘Marsupilami’

Estreno en España: 12 de agosto de 2026. Título original: Marsupilami. Duración: 99 min. País: Francia. Dirección: Philippe Lacheau. Guion: Julien Arruti, Pierre Dudan, Philippe Lacheau, Pierre Lacheau. Música: Maxime Desprez, Michaël Tordjman. Fotografía: Pierric Gantelmi d’Ille. Reparto principal: Philippe Lacheau, Jamel Debbouze, Elódie Fontan, Tarek Boudali, Jean Reno. Producción: Pathé, Baf Prod, TF1 Films Production, Logical Content Ventures, Artémis Productions, Shelter Prod, Canal+. Distribución: YouPlanet. Género: comedia, adaptación. Web oficial.

Crítica de la segunda temporada de ‘Avatar. La leyenda de Aang’

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La fuerza de la amistad lograra encaminar a Aang

Qué ganas tenía de poder hablaros de la segunda temporada de ‘Avatar: La leyenda de Aang’. Y es que como fan de la serie de animación, admito que estoy disfrutando como una enana este nuevo live action que llega a Netflix este 25 de junio de 2026.

Ya os comenté en su día que la primera temporada era una maravilla para los fans y sin duda un gran descubrimiento para los nuevos espectadores. Y sigo con la misma opinión y es que sin duda se nota mucho el cariño con el que tratan esta historia.

Nuevos compañeros de viaje y mucha más acción

Después de una pequeña batalla ganada, seguimos a Aang, Katara y Sokka camino hacia Ba Sing Se, hogar del Rey de la Tierra. En su viaje se encuentran a Toph, una joven invidente maestra de Tierra que se va a convertir en la maestra de nuestro héroe. Juntos tendrán que lidiar para que la Nación del Fuego no llegue a las imponentes murallas de la Ba Sing Se.

Admito que toda esta parte en la serie de animación me encanta y han logrado condensarla muy bien y contar todo con bastante detalle. Como siempre, está adaptado y hay algún detalle que se escapa, pero para puristas de la serie de animación. Me ha parecido una temporada bastante buena, llena de acción, con muchos conflictos entre los personajes que solo la amistad logrará calma.

Al final, ‘Avatar: La leyenda de Aang’, trata también el tema de la amistad, de como el Avatar, además de intentar salvar el mundo, debe darse cuenta de lo importante que no es hacerlo solo. De que los compañeros que le acompañan son de gran importancia y que todas las personas que aparecen durante este viaje son importantes para aprender. Ya sean cosas buenas o malas, pero el aprendizaje es importantísimo para lograr su objetivo.

Un casting perfecto para una adaptación impecable

Sin duda, el casting es tremendamente bueno. Gordon Cormier, el encargado de dar vida a Aang, ha crecido, pero esto podría ser un error en otro tipo de historias, pero aquí sabemos que está pasando el tiempo. Los viajes no se hacen en 4 días, pese a que vayan montados en Appa.

Kiawenttio, Ian Ousley, Dallas Liu y Paul Sun-Hyung Lee, Katara, Sokka, Zuko y El tío Iroh, respectivamente, van evolucionando, también crecen, pero no de manera física, sino psíquica. Cada uno va viendo que camino escoger y como quiere seguirlo.

Miyako, es la encargada de dar vida a Toph Beifong, un personaje que me encanta. Sin duda es de mis favoritas. Y la actriz logra adentrarse en el alma del personaje y hacerlo suyo. Me gusta mucho, además es de los mejores caracterizados, con ese peinado tan complejo que tiene el personaje. Y su personalidad arrolladora, la clava desde el minuto uno.

Quizás, al menos en mi opinión, el fallo de casting o más bien, a la hora de darle vida, es el casting de Azula. No creo que la actriz (Elizabeth Yu) sea mala, si no más bien, creo que es la dirección de este personaje. Lo dicho, siendo fan de la serie, creo que Azula debería estar un poco más loca, aquí la veo menos perturbada de lo habitual. Se que es en la siguiente temporada donde ya todo se magnifíca, pero aun así, creo que la evolución debería de comenzarse a ver en esta. Pero, quizás haya que esperar un poquito más para verla en todo su esplendor.

Un conjunto de buen trabajo en todos los ámbitos

Y con esto me refiero a que la producción de la serie es fascinante. Uno de sus puntos fuertes es el CGI que me parece algo digno de mencionar. La escena de la serpiente marina es increíble y por supuesto las luchas entre todos ellos, con los diferentes elementos están muy bien trabajadas.

Y ya no solo a este nivel técnico, sino también todo el conjunto de maquillaje, vestuario, localizaciones, están tan estudiadas y nos lleva directamente a los escenarios de la serie de animación.

Conclusiones

Estoy deseando que llegue el desenlace de la serie, no porque quiero que termine, todo lo contrario, pero si que me encantaría que después de esto, se metan en la serie de ‘La leyenda de Korra’ y poder seguir con este mundo que tanto me gusta. ‘Avatar. La leyenda de Aang’ me parece una gran adaptación, una gran nueva serie para quien no conoce la serie de animación y todo su conjunto me parece perfecto. La tercera temporada sin duda va a ser apoteósica y solo puedo recomendaros la serie de animación y por supuesto ‘La leyenda de Korra’.

Crítica: ‘Mortal Kombat II’

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Si jugar Mortal Kombat es un divertimento macabro, esta secuela por fin entiende que hay que regodearse en ello

Este año, el combate tipo fighting game no va a tener lugar en las videoconsolas, sino en el cine y en formato live action. El primer combatiente ya está en la lona y no es otro que ‘Mortal Kombat II’, el cual se enfrentará, no en cartelera ni en tiempo, pero sí en opinión cuando se realicen los rankings a final de año, contra ‘Street Fighter’, la película que se estrenará este mes de octubre. Ambas son adaptaciones de franquicias míticas para los jugadores de videoconsolas y arcades. Así que, más allá del inevitable debate que habrá comparándolas entre sí, está la expectativa de superar las adaptaciones que ambas tuvieron en los años 90. Auguro que la batalla no va a estar solo entre fans de uno u otro juego, también va a ser interna.

La nueva entrega de ‘Mortal Kombat’ entiende perfectamente qué quiere el espectador que acude a verla. No pretende reinventar el cine de acción ni construir un tratado dramático sobre el honor y el destino. Quiere ofrecer golpes imposibles, fatalities exagerados, humor negro y una colección de personajes icónicos intercambiando poderes y frases lapidarias mientras se mutilan. Y lo cierto es que lo consigue con bastante más solvencia de la que muchos detractores están dispuestos a admitir.

Johnny Cage entra al combate y se adueña de la película

El gran atractivo y nuevo activo es sin duda Johnny Cage. Antes de que se incorporase Karl Urban con su innegable carisma (sumando a su CV otro personaje mítico de la cultura popular) sonaron otros nombres tanto de actores como de luchadores profesionales como Scott Adkins, Ryan Reynolds, Alain Moussi, Mike ‘The Miz’ Mizanin o Cody Rhodes. El gato al agua se lo llevó Urban, quien tras cerrar su etapa con Billy Butcher en ‘The Boys’ puede que encuentre aquí una nueva franquicia capaz de asegurarle varios años dentro del blockbuster de acción. Por que soy de los que creen que esto va a continuar, de ahí ciertos detalles hacen que parezca que esta película parezca inconclusa.

Y lo cierto es que Urban comprende a la perfección qué tipo de personaje necesita esta película. Su Johnny Cage es un narcisista insoportable, un actor acabado, una caricatura ambulante del héroe de acción noventero y, precisamente por ello, termina funcionando como el auténtico corazón cómico del filme, de un modo similar pero más presente a lo que hizo Linden Ashby en el 95. Si en la anterior entrega Josh Lawson robaba escenas constantemente con las mofas de Kano, ahora es Urban quien monopoliza buena parte de los mejores momentos cómicos.

La película, además, parece consciente de ello. El guion gira constantemente hacia Cage, incluso cuando intenta repartir protagonismo entre el resto de combatientes. Ahí es donde aparecen algunos de los problemas narrativos. Muchos personajes entran y salen de escena de forma abrupta, como si ciertas transiciones hubieran quedado mutiladas en la sala de montaje. Sin embargo, resulta difícil molestarse demasiado cuando el ritmo apenas concede respiro y cada pocos minutos aparece un nuevo enfrentamiento o una referencia directa a los videojuegos. ¿De nuevo, qué esperáis de una adaptación de ‘Mortal Kombat’?

También se nota la implicación del cocreador de la saga, Ed Boon, muy involucrado en el proyecto desde sus primeras fases. De hecho, realiza un pequeño cameo al inicio de la película interpretando a un camarero llamado “Ed”, uno de esos detalles que funcionan especialmente bien para el fan veterano que lleva décadas memorizando fatalities y combinaciones de botones. Y sobre todo se nota por lo que comento en el siguiente fragmento de este texto.

Más sangre, más lore y por fin el torneo

Como en la anterior entrega, la apuesta vuelve a ser subir el nivel de violencia hasta acercarse a los fatality y brutality de los videojuegos, aunque sin llegar a convertirse en un festival grotesco insoportable. Aquí sí hay mutilaciones, chorros de sangre y cuerpos destrozados, alejándose completamente de la adaptación de los años 90, que buscaba un público mucho más amplio sacrificando precisamente lo que hacía especial a la saga. No voy a renegar del filme de Paul W.S. Anderson, para mí sigue siendo el más icónico.

La diferencia es que ahora el tono abraza el humor negro de manera mucho más consciente. Es como debería ser siempre con esta franquicia, un divertimento macabro y punto. No obstante hay incluso una cierta “marvelización” en determinados diálogos y situaciones, algo que probablemente molestará a los espectadores más puristas, pero que en realidad no desentona tanto con la naturaleza irreverente de la propia franquicia. La película simplemente lo traduce al lenguaje actual del blockbuster, notándose en ese aspecto por qué anda James Wan tras esto y por qué el fenómeno podría tener similar impacto que su ‘Aquaman’.

Pero donde realmente gana esta secuela es en la llegada definitiva del torneo. El guionista de la primera película ya había concebido esta trilogía como una estructura destinada a mostrar qué ocurre antes, durante y después del torneo. Aquí por fin se materializa aquello que muchos fans echaron de menos en la entrega anterior.

Y funciona porque la película entiende algo fundamental: el verdadero atractivo de ‘Mortal Kombat’ no está únicamente en las peleas, sino en el universo imposible que conecta reinos, guerreros sobrenaturales, hechiceros, brazos robóticas, ninjas infernales y dioses del trueno. En un solo largometraje se exploran más territorios, personajes y conflictos que en prácticamente todas las adaptaciones anteriores juntas. Como se diría ahora, se profundiza mucho más en el lore.

Para los jugadores veteranos hay además escenarios extraídos casi literalmente de los videojuegos, con una espectacularidad apabullante. Determinados decorados parecen diseñados para provocar aplausos inmediatos entre quienes crecieron en recreativas o frente a una Mega Drive y una PlayStation. Esa fidelidad estética termina siendo una de las mayores virtudes del filme.

Un espectáculo imperfecto pero plenamente consciente de lo que es

Habrá quien critique la simplicidad o previsibilidad del guion, pero conviene recordar algo evidente: esto nace de un videojuego de lucha. No cabe esperar un desarrollo psicológico comparable al de un drama académico. La propia campaña promocional parecía recordarlo constantemente. Esto no es ‘Ciudadano Kane’, sino ‘Ciudadano Cage’.

Lo que sí resulta más discutible es el acabado visual de ciertas escenas. Hay momentos donde el CGI no termina de integrarse con naturalidad y sorprende teniendo en cuenta los retrasos que ha sufrido el estreno. Se perciben secuencias que probablemente necesitaban una postproducción más pulida, sobre todo con la recreación de Shao Kahn. Ahora bien, tampoco existe ese desastre técnico que algunos comentarios exagerados intentan vender. La película tiene altibajos visuales, sí, pero mantiene suficiente músculo estético como para sostener su propuesta sin venirse abajo. Si antes he hablado de marvelización con el humor, cabe señalar que Disney+ tiene crímenes visuales mucho peores en algunas de sus últimas producciones.

Ficha de ‘Mortal Kombat II’

Estreno en España: 8 de mayo de 2026. Título original: Mortal Kombat II. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: Simon McQuoid. Guion: Jeremy Slater. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Stephen F. Windon. Reparto principal: Karl Urban, Adeline Rudolph, Jessica McNamee, Josh Lawson, Ludi Lin, Mehcad Brooks, Tati Gabrielle, Lewis Tan, Damon Herriman, Chin Han, Tadanobu Asano, Joe Taslim, Hiroyuki Sanada. Producción: New Line Cinema, Atomic Monster, Broken Road Productions, Fireside Films. Distribución: Warner Bros. Género: acción, fantástico, adaptación. Web oficial.

Crítica: ‘Lucky Luke’

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Un western crepuscular que olvida disparar a la comedia

La nueva adaptación de ‘Lucky Luke’ intenta (voluntariamente o no) distanciarse del imaginario clásico del personaje nacido del cómic franco-belga. Lo hace apostando por un tono más realista, incluso áspero, en el que el polvo, el sudor y la suciedad sustituyen al colorido limpio de las viñetas originales. Sin embargo, en ese giro hay también una casi renuncia arriesgada: la esencia humorística que definía al pistolero más rápido que su sombra.

Históricamente, el personaje ha tenido múltiples encarnaciones en acción real, desde el carisma y vínculo tradicional de Terence Hill con el western hasta la reinterpretación más irónica de Jean Dujardin, pasando por el enfoque más juvenil de Til Schweiger. Incluso existen versiones menos conocidas (y bastante discutibles) en producciones turcas no oficiales. Esta nueva iteración, sin embargo, opta por una aproximación que busca profundidad emocional… pero pierde por el camino la identidad del personaje.

El protagonista, interpretado por Alban Lenoir no termina de encajar en el estilismo y chulería del personajee. Su Lucky Luke es introspectivo, taciturno y, en ocasiones, excesivamente melancólico. Es una elección que podría haber funcionado en otro contexto, pero aquí entra en conflicto con el ADN del personaje. La ausencia de elementos icónicos (como el juego con su sombra, los diálogos hacia su caballo o la presencia de Rantanplan= acentúa esa desconexión. Incluso se ha eliminado el famoso cigarrillo que pende siempre de su boca, pero de ello prescindió incluso Hanna-Barbera en su versión animada.

Un western más cercano a ‘Valor de ley’ que al cómic original

Dirigida por Benjamin Rocher, conocido por su trabajo en thrillers de acción como ‘Escuadrón de élite 2’, la serie apuesta por un tono sorprendentemente sombrío. Resulta paradójico que un director habituado al ritmo y la intensidad firme aquí una obra que, en muchos momentos, carece de dinamismo. Las escenas se dilatan, los silencios pesan más de lo necesario y la narrativa avanza con cierta pesadez.

Hay momentos que rozan lo crepuscular, casi en la línea de ‘Valor de ley’, con muertes tratadas con una solemnidad que desentona con el material de origen. Esta gravedad, sumada a un tono por momentos depresivo, termina generando una sensación de extrañamiento. No estamos ante una reinterpretación adulta al estilo de un western revisionista, sino ante una obra que parece no decidir qué quiere ser.

Aun así, hay destellos de lo que podría haber sido. La subtrama de la amnesia de uno de los Dalton y su delirio de paternidad aporta un humor absurdo que conecta brevemente con el espíritu original. También resulta interesante el coqueteo con figuras históricas como Calamity Jane o Abraham Lincoln, en una tradición heredada de los cómics belgas, similar a lo que hacía Astérix con la historia clásica. Pero estos elementos son anecdóticos, insuficientes para sostener el conjunto.

Rodaje en Almería: la gran noticia

Si hay algo que realmente destaca en esta producción es su apartado visual y su apuesta por localizaciones españolas. El rodaje en Almería, especialmente en el desierto de Tabernas, devuelve al western europeo a uno de sus escenarios más emblemáticos. A esto se suman localizaciones en Castilla y León y Castilla-La Mancha, configurando un paisaje que, al menos visualmente, sí respira autenticidad.

La implicación de productores españoles como Juan Solá o Mark Albela (vinculados a títulos como ‘La piel fría’, ‘El reino de los cielos’ o ‘Godzilla vs Kong’) refuerza esa sensación de ambición internacional. En términos de producción, la serie cumple con solvencia, pero no logra que su envoltorio eleve un contenido narrativo irregular.

El problema de fondo es claro: ‘Lucky Luke’ no era solo un western, era una comedia disfrazada de western. Aquí, en cambio, el disfraz se ha quedado sin alma. Hay momentos en los que los personajes rozan el tono tontorrón, pero son excepciones en un conjunto que se toma demasiado en serio.

Para quienes crecieron con el personaje, la experiencia puede resultar decepcionante. No hay gags memorables, no hay chispa, no hay esa clase que hacía del personaje algo único. Y aunque es positivo ver el regreso del western europeo a escenarios como Almería, uno no puede evitar pensar que esta adaptación de Disney ha apuntado al corazón equivocado.

Así es el tráiler del nuevo Masters del universo: regreso nostálgico con muchos guiños

El primer teaser muestra a He-Man y Skeletor y a muchos otros personajes.

El nuevo tráiler oficial de ‘Masters del Universo’, la esperada película live-action que adapta la icónica franquicia de Mattel los años 80, ha generado una mezcla de entusiasmo y debate entre aficionados del cine fantástico. Presentado por Sony Pictures, el avance muestra al príncipe Adam (interpretado por Nicholas Galitzine) como un ciudadano común en la Tierra antes de descubrir su destino como He-Man y regresar al mundo de Eternia para enfrentarse a Skeletor (Jared Leto).

Las escenas que se revelan incluyen el mítico Castillo de Grayskull, destellos de acción épica, y vislumbres de aliados clásicos como Teela, Duncan/Man-At-Arms y Cringer (el tigre verde). El tráiler consigue transmitir la estética y los elementos que los fans recordaban de la serie original, devolviendo a la franquicia el color que se le negó en la versión de 1987 protagonizada por Dolph Lundgren.

Curiosidades visuales y guiños para los fans y coleccionistas

Además de la estética de futuro medieval y el desbordante color hay muchos otros detalles que devuelven a los fans los tiempos en los que compraban blisters de figuras acompañados de cómics que te aportaban trasfondo para cada personaje. En el filme vemos el mítico castillo de Eternia, la capital con un rediseño y numerosas naves que seguro que más de un lector conserva aún en su colección, como el Insecto Acorazado o el Roton.

Y lejos de querer ser comedido o misterioso con el primer avance, Sony ha mostrado buena parte de sus cartas desvelando a muchísimos personajes que aparecerán en el filme. Extensa es la colección de MOTU y veremos en acción real a Adam/He-man, Skeletor, Evil-Lyn, Teela, Zoar, Man-At-Arms, Fisto, la Reina Marlena, Battlecat/Cringer, Trap Jaw, Spikor o Beastman. Aún no se sabe si aparecerá Hordak o King Hiss pero si hemos visto el Castillo de la Serpiente, guarida de Skeletor.

Sin duda uno de los guiño más exigentes es la aparición del diseño original de He-Man en forma de estatua en la tienda de cómics portando la espada de poder.

Crítica a la narrativa: ¿pereza creativa en Hollywood?

A pesar de la emoción que genera ver a He-Man y Skeletor en acción real, el tráiler también pone en evidencia un recurring trope (técnica narrativa repetida) que se ha vuelto frecuente en adaptaciones recientes: la historia de alguien que vive en la Tierra y es transportado a un mundo de fantasía. Esta fórmula, que ya hemos visto en adaptaciones de ‘Super Mario Bros.’, ‘Minecraft’ o ‘Monster Hunter’, sugiere una falta de originalidad fundamental en cómo se estructuran estos grandes proyectos de fantasía. Aunque bien es cierto que en el lore de Masters del Universo hay algunas conexiones con nuestra Tierra.

En ‘Masters del Universo’, la introducción del príncipe Adam como un “extranjero” en su propio mundo sirve como puente entre el espectador moderno y un universo fantástico, pero también refuerza un enfoque narrativo que parece depender más de la familiaridad con estructuras ya vistas que de una exploración narrativa verdaderamente innovadora. Este recurso, aunque efectivo para atraer audiencias generales, plantea preguntas sobre la creatividad en la adaptación de mitologías clásicas al cine contemporáneo.

Expectativas ante el estreno

La película, dirigida por Travis Knight, está programada para estrenarse en cines el 5 de junio de 2026. El reparto que incluye a actores como Morena Bacarin, Idris Elba, Jared Leto, Alison Brie, Kirsten Wiig, James Purefoy, Camila Mendes, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Hafþór Júlíus Björnsson… ‘Masters del Universo’ se prepara para ser uno de los grandes lanzamientos de la próxima temporada cinematográfica, combinando nostalgia, efectos espectaculares y una narrativa familiar para el público moderno.

Análisis del Blu-ray de ‘Como entrenar a tu dragón’

Ya podéis tener este maravilloso live action en casa

Para mí ha sido una de las mejores experiencias del año en un cine y ha sido poder ver volar a Desdentao. Este live action, es de los mejores que he podido ver y es que hacía mucho que no me emocionaba tantísimo en una sala de cine.

‘Como entrenar a tu dragón’ llega a nuestras casas gracias a Arvi Licensing y lo hace con más de una hora de extras en la que vemos el making off, vestuario, la creación de los dragones, y muchas cosas más.

Dean DeBlois nos vuelve a traer su magia a pantalla, una de sus historias más queridas y se nota que le ha dado todo el amor del mundo. Porque como ya os dije en la crítica de la cinta.

En Isla Mema, vikingos y dragones han mantenido una amarga amistad durante generaciones, pero eso no impedirá que Hipo, el hijo del jefe Estoico el Inmenso, desafíe siglos de tradición haciéndose amigo del temido dragón Desdentao. Con una ancestral amenaza que pone en peligro tanto a vikingos como a dragones, depende de Hipo, Desdentao y su valiente compañera Astrid hacer que el reino se de cuenta de que son más fuertes juntos y solo a través de la amistad y la valentía pueden superar los retos de una aventura de altos vuelos.

Al final del análisis os dejamos una pequeña galería a continuación y al finalizar el artículo un pequeño short donde podéis ver esta edición.

Imagen: Mixta 2.39:1/1.90:1

Audio: Castellano, Catalán, Francés e Italiano Dolby Digital Plus 7.1; Inglés Dolby Atmos; Servicio de Autodescripción en Inglés y Francés

Subtítulos: Castellano, Catalán, Inglés para sordos, Francés, Italiano y Holandés

EXTRAS (1 h 20 min)

Escenas eliminadas (05:11 min)

  • Village Sneaking (2:59 min)

Una escena en el pueblo que aparece en la cinta de animación, pero que decidieron quitarla.

  • Beach Break (2:12 min)

Tomas falsas (2:47 min)

Divertidas escenas viendo el buen rollo que tenían los actores en la cinta.

Amor y legado: Making Off de ‘Como entrenar a tu dragón’ (45:44 min)

Un pequeño resumen de todo lo vivido en el rodaje. Los actores, director y gente del equipo técnico nos cuentan un poquito acerca de como fue todo el proceso de la creación de este maravilloso mundo.

Gerard Butler es sin duda la estrella de este making off y es que se le ve tan feliz volviendo a poner voz a Estoico, y encima esta vez también le pone cuerpo.

Construyendo a Berk (08:06 min)

La creación del pueblo.

Imaginando dragones (08:30 min)

La recreación de los dragones, los efectos y como trabajaron todo para que pareciesen reales.

Apto para ser un vikingo (05:04 min)

Aquí nos adentramos de lleno en el vestuario de la cinta, todo el trabajo realizado por parte del trabajo de vestuario y maquillaje y todo lo que rebuscaron para darle el aire vikingo a todo.

Amistad prohibida (06:38 min)

Aquí vemos sin efectos especiales la escena en la que Desdentao e Hipo se hacen amigos. Donde nuestro protagonista humano se da cuenta de que los dragones no son malos.

Test de vuelo (03:32 min)

Vemos la maquinaria usada para recrear el vuelo con Desdentao.

Diario de Sitges 2025. 15 de octubre

De metros japoneses infinitos, pasando por la fiereza de Sisu para llegar al Drácula más «imaginativo» de la historia

Hoy ha sido una jornada donde los encuentros con maravillosos artistas nos han dado mucho de si. Carmen Cuba, directora de Casting como ‘Stranger Things’, ‘The Apprentice’ o ‘Annete’, por nombrar unas cuantas, nos ha deleitado con una charla muy interesante.

También hemos estado con el gran Luc Besson. El director nos ha contado como lo que realmente quería era una historia de amor en palabras del director «No me gustan las películas de terror. Es sobre la historia de amor». También comentó como seguramente no guste a todo el mundo y que sin duda a sus haters les dice que «les quiero». Quería plasmar en la cinta «La historia de amor de este hombre que espera 400 años solo porque quiere decir adiós a su esposa».

También ha pasado por el Festival hoy Sean S. Cunningham, director de ‘Viernes 13’, el cual ha sido el destinatario de otros de los Premi Màquina del Temps.

‘Sisu: camino a la venganza’

Después del gran éxito de la primera entrega «el hombre que se niega a morir» regresa con una nueva entrega en la que ya no hay capacidad para la sorpresa pero en el que la diversión sigue intacta. En esta ocasión el protagonista regresa a su hogar (una cabaña situada en lo que ya es territorio soviético) con la intención de desmontarla y reconstruirla. Pero los rusos (los malos de la función sustituyendo a los nazis) no están muy por la labor de dejarle en paz, lo que le obligará a volver a usar todo su arsenal de trucos en una orgía de violencia y sangre.

Una cosa que se agradece mucho de «Sisu, camino a la venganza» es que sus responsables saben perfectamente lo que el público espera de ella y lo ofrecen con alegría y sin complejos. Hay una mínima historia de trasfondo (Stephen Lang, el villano de la función fue quien asesinó a la familia del protagonista) pero en realidad es una excusa para disfrutar de más carnicería y muertes espectaculares.

División por capítulos, el protagonista que no habla, su perro que parece igual de inmortal… Todo continúa igual en el universo de ‘Sisu’ y no creo que nadie se queje por ello. Quizás ligeramente más contenida que la primera parte, sin descanso y enseñándonos cómo esquivar el ataque de un avión, cómo hacer que un tanque dé varias vueltas de campana o cómo esconder armas de forma creativa. Lo dicho, un divertimento con mayúsculas que merece mucho la pena.

‘Eye for an eye’

En Estados Unidos tenemos muchas leyendas macabras y una de ellas es The Sandman, un monstruo que llega en los sueños y acaba con tu tranquilidad.

En ‘Eye for an eye’ este monstruo viene a vengar a los acosadores y es que la cinta se centra en el bullying y en como si quieres venganza solo tienes que escribir el nombre de tu acosador en un árbol y esperar a que ocurra la magia, bueno, más bien las pesadillas.

La película no nos trae nada original, pero me lo he pasado bastante bien. Tiene muy bien hilada la historia y las muertes que vemos en pantalla son bastante crueles. El CGI en general está bien, pero es cierto que cuando sale el monstruo deja un poquito que desear. El diseño está bastante trabajado, pero el conjunto final, no termina de funcionar.

Aun así, ‘Eye for an eye’ es una película bastante entretenida y que no pierde el ritmo en ningún momento, algo que es de admirar. Esto es gracias a Colin Tilley, que, aunque sea su primera película, ha dirigido muchísimos videoclips y supongo que al final es algo que le ha dado muchas tablas y recursos para que el espectador siempre mantenga los ojos en la pantalla.

Comentado por Vicky Carras.

‘Exit 8’ (Crítica completa)

La adaptación cinematográfica del videojuego ‘The Exit 8’ logra trasladar exitosamente la inquietante experiencia a la gran pantalla. El original, un walking simulator minimalista ambientado en un metro japonés hiperrealista, destacaba por su tensión psicológica y la búsqueda de anomalías para hallar la salida. La película reproduce esa atmósfera opresiva con un diseño de producción minucioso y una notable interpretación de Kazunari Ninomiya, capaz de transmitir confusión y terror creciente.

El filme añade capas propias: terror psicológico, jump scares y anomalías inéditas que sorprenden incluso a quienes conocen el juego. Además, otorga al protagonista una historia personal, inexistente en la obra base, que convierte el laberinto en metáfora de la rutina urbana y del miedo al cambio. Con planos secuencia que refuerzan la inmersión y un trasfondo ampliado, ‘Exit 8’ no se limita a copiar, sino que amplifica y reinterpreta, ofreciendo una experiencia desconcertante y rica en lecturas. Llevan más allá los juegos de encontrar las siete diferencias y los déjà vu que en su día se asociaron en la cultura popular a un fallo en ‘Matrix’.

Comentado por Furanu.

‘Dracula: a love tale’ (Crítica completa)

Madre mía Luc Besson, todos esperábamos esta sorpresa como locos y para nada es lo que esperábamos. Este Drácula es muy complicado, una película que se asemeja tremendamente a ‘Drácula de Bram Stoker’ pero sin su romanticismo y buen hacer.

Pese a que no me ha gustado, he de decir, que ‘Drácula: a love tale’ tiene una gran producción. Vestuario, localizaciones, el trabajo de maquillaje, peluquería, todo a nivel técnico me parece muy trabajado. Pero la historia y las interpretaciones son otra historia. Y es que pese a tener una base tan buena como es la novela original o incluso la cinta de Coppola, Luc Besson nos lleva por unos derroteros bastante diferentes y se le va un poco de madre todo.

Mi opinión es, que no era la película que me esperaba, está claro que, si se hubiese ido hacia una parodia de la película de Coppola, hubiese triunfado bastante. ¿Por qué digo esto?, por qué al principio parecía eso. Ya nos iba anunciando con el cartel, una copia del ‘Nosferatu’ de Eggers y después con un sinfín de escenas sacadas de la película de Francis Ford Coppola, que esto iba a ser una parodia, pero al final, la película se toma muy en serio y al menos en mi caso, deja bastante mal sabor de boca. Lo dicho, una pena, ya que a nivel visual es una gozada.

Comentado por Vicky Carras.

‘Opus’ (Crítica completa)

Mark Anthony Green debuta con ‘Opus’ mezclando sátira, thriller psicológico y comedia negra en un retrato afilado de la fama y sus cultos. La historia sigue a Alfred Moretti (John Malkovich), un músico legendario que, tras tres décadas de silencio, reaparece con un evento exclusivo en su finca. Ariel Ecton (Ayo Edebiri), periodista en busca de su gran oportunidad, descubre que lo que parecía un simple listening party es, en realidad, una experiencia inquietante sobre manipulación y devoción absurda hacia los ídolos.

Malkovich brilla como un mesías pop: excéntrico, ególatra y magnético. El detalle curioso es que grabó con su propia voz los temas de su personaje, dando lugar incluso a un álbum real, ‘OPUS: The Moretti’. Es un papel hecho a medida, a medio camino entre lo cómico y lo perturbador, tan fascinante como incómodo.

La película funciona como sátira y parodia del artisteo, cercana a los ecos de culto que ‘Los Simpson’ ya ridiculizaron con los movimentarios. Aunque el guion tropieza a veces en clichés, su magnetismo visual y su reflexión sobre cómo el artisteo gobierna el mundo actual la convierten en una ópera prima tan irregular como hipnótica, con un final que deja un eco inquietante en la mente del espectador.

Comentado por Furanu.

Crítica: ‘Exit 8’

En qué plataforma ver Exit 8

Sinopsis

Basado en el videojuego homónimo de éxito mundial creado por KOTAKE CREATE. Un hombre atrapado en una interminable estación de metro se propone encontrar la Salida 8. Las reglas de su búsqueda son sencillas: no pasar por alto nada fuera de lo normal. Si descubre una anomalía, debe dar media vuelta inmediatamente. Si no es así, puede continuar. Cualquier descuido le enviará de vuelta al principio. ¿Conseguirá alcanzar su objetivo y escapar de este pasillo infinito?

Crítica 

Del error en Matrix al terror japonés en una inquietante película

La adaptación cinematográfica de ‘The Exit 8’ supone un reto similar al que ya planteaba el videojuego original: trasladar a otro medio un walking simulator minimalista que, a pesar de su sencillez mecánica, atrapaba por la tensión psicológica y su atmósfera opresiva. El juego, disponible en múltiples plataformas, nos sumerge en un bucle aparentemente interminable que recrea con un hiperrealismo perturbador los pasillos de un metro japonés. Eso sí, con un curioso contraste: mientras la arquitectura está recreada con un nivel de detalle casi fotográfico, los personajes parecen sacados de un título de finales de los 90. La clave estaba en detectar y esquivar anomalías para encontrar la salida correcta, la ansiada salida 8.

La película entiende que la tensión del juego no radica en la acción frenética sino en la espera, la observación y el nerviosismo creciente. Esa sensación de inseguridad, de tener que desconfiar de lo cotidiano, ha sido trasladada con bastante acierto a la gran pantalla. Buena parte de ello se debe tanto al diseño de producción, que replica con mimo ese submundo subterráneo, como a la interpretación de Kazunari Ninomiya, a quien muchos reconocerán de los live action de Gantz. Su rostro transmite el desconcierto, la confusión y, poco a poco, el terror latente que impregna cada rincón del laberinto.

El filme se atreve a ir un paso más allá: mientras el videojuego ponía a prueba la memoria y la concentración, aquí se añaden elementos de terror psicológico y jump scares que aportan variedad y dinamismo. Además, introduce anomalías nuevas que no estaban en el material original, lo que convierte la experiencia en algo novedoso incluso para quienes ya han exprimido el juego hasta el final. En paralelo, se expande el lore, ofreciendo pistas de un trasfondo que en el videojuego era completamente inexistente.

Uno de los mayores añadidos es una trama personal para el protagonista, algo ausente en la obra base que ni siquiera te pone en precedentes. Esa historia dota de mayor peso dramático al viaje, planteando una moraleja vinculada a la superación y al miedo al cambio. El laberinto pasa así a ser metáfora de un estado de shock del que el personaje no logra escapar, pero también una lectura más amplia sobre las rutinas asfixiantes de las grandes ciudades como Tokio, que pueden terminar anulando la identidad individual.

Dado el funcionamiento del juego era casi obligado que la película estuviese rodada con largos planos secuencia. No es un filme que se haya rodado en una sola toma, de hecho, tiene bastantes cortes y trucos, pero está lograda la sensación de continuidad que nos sumerge en el bucle. La escenografía calca a la que vemos frente a la pantalla del ordenador y dan ganas de hacerse con la versión jugable con gafas VR.

‘Exit 8’ no se limita a ser una copia literal del videojuego: lo amplifica, lo reinterpreta y lo enriquece. Si bien el metro real de Japón no es tan laberíntico como su propio mapa hace parecer, la cinta aprovecha esa sensación de desorientación para convertirse en una alegoría sobre la importancia de los detalles, sobre cómo nuestras decisiones, por nimias que parezcan, pueden definir el rumbo de nuestra vida. No es casual que el filme juegue con ecos de ‘Matrix’, recordando aquella célebre frase que se refería a los déjà vu como fallos en el sistema. Al final, la película funciona tanto para los jugadores que disfrutan con los retos de observación (como si de un “encuentra las siete diferencias” enfermizo se tratara) como para los espectadores que buscan un relato desconcertante, cargado de atmósfera y con más lecturas de las que se aprecian a simple vista.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de octubre de 2025. Título original: 8-ban deguchi. Duración: 95 min. País: Japón. Dirección: Genki Kawamura. Guion: Genki Kawamura, Hirase Kentaro. Música: Shouhei Amimori. Fotografía: Keisuke Imamura. Reparto principal: Kazunari Ninomiya, Yamato Kochi, Naru Asanuma, Kotone Hanase, Nana Komatsu. Producción: AOI Promotion, Story, Toho. Distribución: Vértigo Films. Género: terror, suspense, adaptación. Web oficial: https://exit8-movie.toho.co.jp/

Primer vistazo a Liam Hemsworth como Geralt de Rivia

Hemsworth inicia el relevo de Cavill

La espera ha terminado para los seguidores de ‘The Witcher’. Netflix ha publicado el primer vídeo oficial en el que se puede ver a Liam Hemsworth interpretando a Geralt de Rivia, un momento clave para la franquicia tras la salida de Henry Cavill al concluir la tercera temporada. A esta nueva temporada se unen también Sharlto Copley y Lawrence Fishburne como Leo Bonhart y Regis respectivamente, pero aún no hay metraje publicado con ellos.

Este adelanto marca el inicio de una nueva etapa para la serie de fantasía inspirada en las novelas de Andrzej Sapkowski y los videojuegos de CD Projekt Red. Aunque el cambio de protagonista generó debate entre los fans, Netflix confía en que Hemsworth aporte su propio estilo al legendario brujo cazador de monstruos.

El vídeo, que rápidamente se ha viralizado en redes sociales, muestra al actor empuñando la icónica espada y recorriendo un paisaje oscuros, luciendo el mismo traje (o similar) al de Henry Cavill y enfrentándose a un espectro con el que puede que se esté haciendo alusión a alguna de las criaturas de ‘The Witcher 3: Wild Hunt’. Sea como fuere lo más interesante del vídeo es ver a Hemsworth en el rol de Geralt de Rivia. De momento no se mueve mal pero muchos son los que han empezado a notar que el actor es mucho menos corpulento y recuerda más a Val Kilmer en ‘Willow’ que al personaje del juego.

La temporada 4 de The Witcher llegará el 30 de octubre y marcará el debut de Liam Hemsworth, mientras que la producción de la quinta temporada ya está en desarrollo. Con este movimiento, Netflix asegura el futuro de una de sus sagas más exitosas, que sigue ampliando su universo con spin-offs y nuevas adaptaciones.

Los fans ya cuentan con su primer vistazo y ahora la gran incógnita es si Hemsworth logrará convencer a la exigente comunidad de seguidores de Geralt.

Análisis del Blu-ray del steelbook de ‘Lilo y Stitch

Stitch regresa más vivo que nunca

Hace unos meses ya os hablamos de la edición que sacó Divisa Films del pack de tres películas de ‘Lilo y Stitch’ y hoy os venimos a presentar el steelbook del live action de ‘Lilo y Stitch’.

La cinta renueva un poco la historia de este experimento extraterrestre. Cuando una niña solitaria llamada Lilo adopta a Stitch, un revoltoso “cachorro” extraterrestre alienígena. Stitch, ayuda a recomponer la desestructurada familia de Lilo, pero no sin causar hilarantes estragos y travesuras en las islas hawaianas.

En este pack encontramos dos Cd completamente impresos y con las siguientes características.

Película 4K ULTRA HD

Imagen: 2160p Alta definición / 2:39:1 / 16×9

Idiomas: 7.1.4 Dolby Atmos: Inglés / DTS Digital Surround 5.1; Castellano / Dolby Digital Plus 7.1.; Italiano / Dolby Digital 5.1.; Danés, Finés, Noruego, Sueco / Dolby Digital 2.0: Audiodescripción en inglés.

Subtítulos: Castellano, Italiano, Danés, Finés, Noruego, Sueco, Inglés codificado para sordos.

Película Blu-ray

Imagen: 1080p  Alta Definición /2:39:1 / 16×9

Idiomas: DTS Digital Surround 5.1.: Castellano DTS-HD MA 7.1.; Inglés.

Subtítulos: Castellano, Inglés codificado para sordos.

EXTRAS

Ohana significa “Familia”: Cómo se hizo Lilo y Stitch – Descubre cómo un clásico de la animación se convierte en un favorito en imagen real. (16:33 min)

  • Nos cuentan como Stitch sorprendió mucho por su éxito y de como este pequeño extraterrestre se ganó el corazón de muchas personas. Aparece el director de la cinta, actores, productores, y podemos ver escenas de la película de animación y por supuesto del live action.

Devuelto a la vida (06:54 min)

Nos van contando el cuidado que tuvieron con la recreación, escena a escena de la película de animación a la de Live action. Y sin duda se nota el trabajo arduo que tuvieron los animadares.

Escenas de Stitch (06:10 min)

  • Huida a la Tierra
  • Alimento a los peces
  • Actuación de hula
  • A Stitch le ponen nombre
  • La hora del baño
  •  Mira esto
  • Escenas eliminadas 1:56

Escenas eliminadas (01:56 min)

  • Nani lo deja bien limpio
  • Me llamo Nani

Tomas falsas (01:35 min)

A continuación os dejamos nuestro unboxing donde podéis ver el steelbook.

Crítica: ‘Cómo entrenar a tu dragón’

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Sinopsis

En la escarpada Isla Mema, donde vikingos y dragones han mantenido una amarga enemistad durante generaciones, Hipo (Mason Thames; Black Phone, Para toda la humanidad) es un muchacho diferente a los demás. El ingenioso y subestimado hijo del jefe Estoico el Inmenso (Gerard Butler, que también puso voz al personaje en VO en la saga de animación) desafía siglos de tradición haciéndose amigo de Desdentao, un temido dragón Furia Nocturna. Su insospechado vínculo desvelará la verdadera naturaleza de los dragones, poniendo a prueba los cimientos de la sociedad vikinga.

En compañía de la feroz y ambiciosa Astrid (la nominada a los BAFTA Nico Parker; Dumbo, The Last of Us) y Bocón, el estrafalario herrero del pueblo (Nick Frost; Blancanieves y la leyenda del cazador, Zombies Party), Hipo planta cara a un mundo dividido por el miedo y la incomprensión.

Pero cuando surge una ancestral amenaza que pone en peligro tanto a vikingos como a dragones, la amistad de Hipo con Desdentao se convertirá en la clave para forjar un nuevo futuro. Juntos, deberán recorrer la delicada senda hacia la paz, volando más allá de los límites de sus mundos y redefiniendo para siempre el significado de ser un héroe y un líder.

Crítica

Increíble y perfecta

 Estamos ante el primer live-action de Dreamworks y sin duda lo han clavado. Qué maravilla es ‘Cómo entrenar a tu dragón’. Si, es calcada a la película de animación, pero aun así podían perder esa magia, esos valores que nos enseñan que las apariencias engañan y no siempre los malos son las bestias enormes que echan fuego por la boca. Y no, no pierden ni una pizca de su esencia.

Nos vamos a Isla Mema, una isla en la que viven un gran pueblo vikingo cazadores de dragones. Estos están en guerra con estos grandes animales desde hace siglos. Hipo, el hijo de Estoico, el jefe de este gran pueblo, va a cambiar por completo todo esto.

Se que no iba a ser complicado que me gustase, pero iba con miedo. Muchas veces, por muy bien que se vean los tráilers, la película puede perder el alma y ‘Cómo entrenar a tu dragón’ no es una de esas. El director Dean DeBlois, director de las cintas animadas también, se ha encargado de que todo funcione a la perfección, con un gran casting y sin duda un gran equipo de efectos especiales. Se nota sin duda el gran cariño a la historia de Cressida Cowell y por supuesto a su película original.

Mason Thames (‘The Black Phone’) es un perfecto Hipo, con sus debilidades y fortalezas. Con esa inseguridad y bondad que le caracteriza. Junto a él, Gerard Butler, vuelve a ponerse en la piel de Estoico, esta vez no solo dándole la voz, sino también su cuerpo. Y vuelve a estar perfecto. Nick Frost consigue frenar el carácter de este jefe que no comprende a su hijo, dando vida al herrero del pueblo.

Nico Parker, Gabriel Howell, Julian Dennison, Bronwyn James y Harry Trevaldwyn son los encargados de dar vida a los peculiares amigos de Hipo.

Por supuesto mención especial a los dragones. El increíble trabajo de efectos visuales que hay en esta película, es asombroso. Los dragones, pese a su aspecto animado, parecen reales. Están perfectamente integrados en la imagen y es un gustazo y a su vez terrorífico verlos volar. El dragón final es apoteósico, en la película animada impacta, pero aquí os puedo asegurar que es increíble. Además, aquí vemos a esos vikingos, luchadores natos, dispuestos a morir por el honor y por intentar acabar con sus enemigos.

Todo esto acompañado de la gran banda sonora de John Powell. Y la preciosa fotografía de Bill Pope, que nos hará ver los grandes paisajes irlandeses e islandesas de una manera increíble a lomos de un gran furia nocturna.

Es cierto que este live-action no trae nada nuevo, estamos acostumbrados en otros a que veamos escenas alargadas o incluso nuevas, pero aquí no, y creo que es un acierto. Y aun haciendo esto, logra que no apartes la vista de la pantalla, aun conociendo el desenlace muchos hemos tenido la mano en el pecho sufriendo por nuestros protagonistas. Sin duda una de las mejores películas del año.

 Ficha de la película

Estreno en España: 12 de junio de 2025. Título original: How to train your dragon. Duración: 125 min. País: EE.UU. Dirección: Dean DeBlois. Guion: Dean DeBlois. Música: John Powell. Fotografía: Bill Pope. Reparto principal: Mason Thames, Gerard Butler, Nico Parker, Nick Frost, Julian Dennison, Gabriel Howell, Browyn James, Harry Trevaldwyn, Ruth Codd. Producción: DreamWorks Animation, Marc Platt Productions, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: aventura, comedia, drama. Web oficial: https://www.instagram.com/httydragon/

Crítica: ‘Sonic 3: la película’

En qué plataforma ver Sonic 3: la película

Sinopsis

Sonic vuelve a la gran pantalla por Navidad, con la aventura más emocionante hasta la fecha. Sonic, Knuckles y Tails se reúnen para enfrentarse a un nuevo y poderoso adversario, Shadow, un misterioso villano cuyos poderes no se parecen a nada de lo que nuestros héroes han conocido hasta ahora. Con sus facultades superadas en todos los sentidos, el Equipo Sonic tendrá que establecer una insólita alianza con la esperanza de detener a Shadow y proteger el planeta.

Crítica

Tan divertida que podría ser el broche perfecto para la carrera de un maestro del humor clown como Jim Carrey

La tercera entrega de la saga cinematográfica de Sonic the Hedgehog es, en todos los sentidos, un proyecto que tiene derecho a ser cada vez más ambicioso con su fusión entre el frenesí del videojuego clásico con una narrativa que crece en escala y emoción. De nuevo bajo la dirección de Jeff Fowler, esta secuela no solo mantiene la chispa lúdica de sus predecesoras, sino que la amplifica en una sinfonía de efectos visuales, humor gamberrete, juegos de palabras fáciles y nuevos personajes.

Mientras que la primera película de Sonic (2020) se dedicaba a recuperar el vínculo entre el erizo azul y la audiencia general con una historia más convencional de «pez fuera del agua» y la segunda entrega (2022) encontraba su punto fuerte en la acción caótica y el despliegue de nuevos personajes como Knuckles (Idris Elba), ‘Sonic 3’ se atreve a romper las reglas de su propio universo volviéndose ligeramente más dramática y viajando por todo el mundo. La incorporación de Keanu Reeves como la voz del misterioso y enigmático personaje Shadow añade un matiz inesperado de gravedad y carisma al elenco, complementando el ya encantador dinamismo entre Ben Schwartz (Sonic) y Colleen O’Shaughnessey (Tails).

Pero no nos engañemos, aquí el genio lo pone Jim Carrey y bien lo saben los guionistas que le reservan los mejores chistes. Dicen que la nostalgia vende y con ‘Sonic 3’ tenemos ración doble. Aunque el actor había anunciado su retiro de la actuación, su participación en esta franquicia de live actions basados en un juego de principios de los 90 es un verdadero regalo para los fans y un testimonio de su compromiso con el personaje. En esta ocasión, Carrey interpreta a dos Robotniks, desdoblándose en una dualidad brillantemente concebida que permite al actor desplegar todo su arsenal cómico. La interpretación de Carrey es una clase magistral de actuación clown que combina el slapstick exagerado con momentos de pura locura. Verle aplicar sus gags al son de Prodigy o The Chemical Brothers nos brinda momentos desternillantes.

La película brilla visualmente, con secuencias de acción que capturan la velocidad vertiginosa y el caos colorido que los fanáticos de los juegos han llegado a amar. Desde carreras imposibles hasta enfrentamientos titánicos que parecen sacados directamente de los niveles finales más épicos del videojuego o de otras franquicias como Dragon Ball. ,’Sonic 3’ no escatima en recursos. Ni presupuesto con un CGI que añade texturas y detalles con respecto a la anterior, ni referencias convirtiéndose en la que dispone más detalles extraídos de los videojuegos. Muchos retrocederán a su infancia cuando vean la escena de «soplar la ranura» para que funcione la conexión. Incluso desde la productora tendrán que reconocer que esta nueva entrega se atreve a ser algo más irreverente con un desfile de citas a la cultura popular fuera de las fronteras de Paramount Pictures como ‘Green Lantern’, ‘Pokémon’, ‘Akira’, ‘Godzilla’, ‘El hombre de acero’…

Con su humor afilado, actuaciones carismáticas y una narrativa que combina perfectamente lo nostálgico con lo innovador, ‘Sonic 3’ cierra un arco argumental que Paramount Pictures podría mantener sin miedo a flaquear (sus dos escenas durante los créditos son una declaración de continuidad). Las películas tienen espectáculo, corazón y compromiso por parte de su elenco. Evidentemente no estamos ante una película de autor, pero tras tres películas el nivel no baja (muchos considerarán incluso que ha subido) y el amor por el personaje se transmite al espectador. Por otro lado, está el tema de Jim Carrey. Actores de su talla merecen una despedida de Oscar. Pero si dice adiós a la interpretación con el papel del Doctor Eggman yo no podré objeciones pues, supondría una despedida con un personaje demencial y fiel al estilo que ha marcado su carrera hasta el punto de convertirse en un maestro.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de diciembre de 2024. Título original: Sonic the Hedgehog 3. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Jeff Fowler. Guion: Patrick Casey, Josh Miller, John Whittington. Música: Tom Holkenborg. Fotografía: Brandon Trost. Reparto principal: Jim Carrey, Ben Schwartz, James Marsden, Tika Sumpter, Idris Elba, Keanu Reeves, Krysten Ritter, Lee Majdoub, Natasha Rothwell, Adam Pally, Shemar Moore, Colleen O’Shaughnessey, Alyla Browne, James Wolk. Producción: Paramount Pictures, Sega Sammy Group, Original Film, Marza Animation Planet, Blur Stuio. Distribución: Paramount Pictures. Género: aventuras, comedia, adaptación. Web oficial: https://www.sonicthehedgehogmovie.com/

Crítica: ‘Borderlands’

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Sinopsis

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Lilith (Cate Blanchett), una malvada cazarrecompensas con un misterioso pasado, regresa de mala gana a su hogar, Pandora, el planeta más caótico de la galaxia. Su misión es encontrar a la hija desaparecida de Atlas (Édgar Ramírez), el cabronazo más poderoso del universo. Lilith forma una inesperada alianza con un extraño equipo: Roland (Kevin Hart), un veterano mercenario con una misión; Tiny Tina (Ariana Greenblatt), una salvaje demoledora preadolescente; Krieg (Florian Munteanu), el musculoso protector de Tina; Tannis (Jamie Lee Curtis), la extraña científica que lo ha visto todo, y Claptrap (Jack Black), un robot sabelotodo. Juntos, estos sorprendentes héroes deberán enfrentarse a una especie alienígena y a peligrosos bandidos para descubrir uno de los secretos más explosivos de Pandora. El destino del universo podría estar en sus manos, pero lucharán por algo más: los unos por los otros.

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Crítica

Muy lejos de aludir a las sensaciones que teníamos tras apagar nuestra consola

Nueva adaptación de un videojuego a la gran pantalla con actores de carne y hueso. En el pasado pudimos disfrutar de las versiones de ‘Silent Hill’, ‘Five Nights at Freddy’s’, ‘Sonic’ o los distintos ‘Tomb Raider’. Pero también olvidar nada más ver los títulos de crédito las versiones de ‘Max Payne’, ‘House of the dead’ o ‘Pixels’. Y aunque la lista de juegos que han sido adaptados a live action es ya muy larga (os recomiendo el libro ‘Luces, cámara… enter play’) sigo defendiendo a día de hoy que la mejor película jugona, que no adapta ningún videojuego pero que es la mejor manera de ver un shooter en el cine, es ‘Hardcore Henry’.

Adaptar un cómic o una novela tienen su dificultad pues el lector pone mucho de su imaginación para que la historia funcione. En el caso de los videojuegos, una adaptación solvente depende mucho de la narrativa del producto original, damos por hecho que será imposible que el espectador se implique tanto como cuando tiene el mando en la mano. Para ‘Uncharted’ se decidió hacer una mezcolanza de lo visto a lo largo de la franquicia creando una aventura muy solvente. Otro acierto que gustó a muchos fue la decisión de los guionistas de ‘Fallout’ a la hora de mostrar una aventura que transcurría paralela a las tramas de los juegos. En el caso de ‘Borderlands’ se ha recuperado a gran parte de los protagonistas y se les ha dado una misión idéntica a la del shooter, encontrar el arca madre, pero los derroteros son diferentes y transcurren de manera excesivamente fortuita, casual y atropellada.

‘Borderlands’ es un juego en un mundo abierto con misiones secundarias. Es decir, hay un hilo central pero el jugador se puede mover por muchas y variopintas tramas que o bien sirven para levear a tu personaje y armas o bien para echarte unas risas. Aunque sin el toque rolero, eso mismo deberíamos haber percibido en la película. Coincidiremos todos que lo importante de este juego es su acción y sobre todo su enajenación. El juego de Gearbox Studios se puede resumir con palabras como locura, caos o demencia. Me parecía un acierto que Eli Roth fuese el finalmente escogido para esta franquicia pues, aparte de ser un director que como catecúmeno de Tarantino rinde culto a la violencia, es ante todo un fan que generacionalmente está en buena posición de saber qué exigen los gamers a una adaptación. Lástima que percibamos que tanto su violencia como su capacidad de narrar historias repletas de barbaridades están ausentes. Probablemente, por decisión del estudio, le ha pesado le hacer una película de corte más familiar, como lo fue ‘La casa del reloj en la pared’, en la que también trabajó con Cate Blanchett y Jack Black.

El paneta Pandora tenía que lucir como un mundo a lo far west repleto de buscatesoros, delincuentes o mercenarios al servicio de corporaciones llamadas Dahl, Atlas o Hyperion. Esto realmente es así pues los escenarios y la caracterización calcan el juego. Nos embarcamos en un ambiente inhóspito, hostil y repleto de basura en el que abunda la tecnología. Allí se junta un equipo variopinto que se ve forzado a colaborar. La mecánica es de manual, como recientemente hemos visto en filmes como ‘Guardianes de la Galaxia’ o ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’. Lo que podría haber diferenciado a este filme es el haber conseguido plasmar a unos personajes que son completamente borderline (el título del juego hace alusión también a este tipo de trastornos) como lo eran los de ‘Predator’ y ‘El Escuadrón Suicida’. Quien cumple con ese cometido es Jack Black poniendo voz a Claptrap y muy justitamente como Tiny Tina la actriz en alza Ariana Greenblatt, conocida por sus papeles en ‘65’, ‘Barbie’ o ‘Ahsoka’. Sin duda, por razones de popularidad y actualidad está presente Kevin Hart pero sus gags, como casi todos los del filme, no terminan de funcionar. Sin duda en este filme me quedo con las mujeres. No es que Eli Roth sea un simple fan con dinero o avales para hacer películas, ha demostrado siempre tener una gran cultura cinematográfica. Es por eso que ha contado con dos actrices consagradas y oscarizadas como Jamie Lee Curtis y Cate Blanchett. A ninguna de ellas se le cae los anillos a la hora de asumir nuevos tipos de papeles. Se han sumergido en una película repleta de acción y es Blanchett la que como protagonista sale ligeramente airosa, aunque constantemente y de manera forzada aparece con poses que imitan al NPC del juego.

‘Borderlands’ tendría que haber sido una guasa constante embadurnada de pólvora a cascoporro. Tiene acción pero está tan camuflada por movimientos de cámara que resulta tan estándar como aburrida. Lejos de ser una película de autor, de hecho ha tenido un buen baile de directores y guionistas, es una obra en la que Eli Roth no encuentra espacio para algún discurso u homenaje. Hay que puntualizar además que ‘Borderlands’ tuvo que repetir el rodaje de algunas escenas y Eli Roth estaba ocupado para cuando se tomó esa decisión. Fue Tim Miller (‘Deadool’, ‘Love, death & robots’) quien asumió ese encargo. Debemos reconocer que cuesta diferenciar qué escenas pertenecen a qué director, salvo en el caso del tramo de los psicópatas. Es otro síntoma más de que esta película es cine palomitero a granel, en el que al igual que muchas series da poco espacio a quien capitanea. Funciona únicamente en su parte técnica y las constantes referencias perceptibles por los aquellos que se han pasado horas con el mando en las manos. No es un calco de la historia, salvo en casos como en el de ‘The last of us’ se ha comprobado casi siempre es un error intentar eso, pero al menos debería haber aludido a las sensaciones con las que acabábamos al apagar nuestra consola.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de agosto de 2024. Título original: Borderlands. Duración: 102 min. País: EE.UU. Dirección: Eli Roth. Guion: Eli Roth, Joe Crombie. Música: Steve Jablonsky. Fotografía: Rogier Stoffers. Reparto principal: Ariana Greenblatt, Jamie Lee Curtis, Cate Blanchett, Haley Bennett, Gina Gershon, Kevin Hart, Jack Black, Edgar Ramirez. Producción: Lionsgate Films, Media Capital Technologies, Arad Productions, Picturesart, Gearbox Studios, 2k Games. Distribución: Diamond Films. Género: acción, comedia, ciencia ficción. Web oficial: https://borderlands.movie/

Tráiler de la serie de ‘Uzumaki’

En Max el 28 de septiembre

Para los amantes del manga y del terror Junji Ito es un referente en activo a celebrar y cuyo trabajo seguir con un fervor casi religioso. El jhorror se mantiene vivo en gran parte gracias a sus historias, entre ellas, ‘Uzumaki’. Ahora una de las narraciones más espeluznantes del mangaka japonés cobra vida de nuevo.

En el 2000 pudimos ver un live action bastante aceptable y ahora será una serie de animación en Max la que intente transmitir el talento de este imaginador de historias de terror. El listón dejado por la serie de Netflix ‘Junji Ito Maniac: Relatos japoneses de lo macabro’ no está muy alto. Podremos ver el 28 de septiembre si Max ha calado mejor la clave del éxito de Ito.

El estreno de Uzumaki tendrá lugar en Max debido a que esta es una producción de Adult Swim. La macabra factoría de animación nos tiene acostumbrados a historias sangrientas e hilarantes. Tendrán que dejar a un lado su carácter cómico y exprimir lo más macabro de sus animadores para dejar satisfechos a los fans.