Etiqueta: fecha

Crítica: ‘Escape’

En qué plataforma ver Escape

Sinopsis

N. es un hombre estropeado, algo no va bien en su interior. N. no quiere tomar una sola decisión más, sólo apearse del mundo. Dejar de tener opciones. El psicólogo a quién visita no sabe cómo abordarlo, tampoco su hermana, que intenta apoyarlo sin frutos. N. sólo quiere vivir en la cárcel, y hará cuanto sea necesario para conseguirlo. ¿Lograrán sus allegados que desista de cometer delitos cada vez más graves? ¿Hasta dónde será capaz de llegar el juez para no concederle su propósito?

Crítica

La película que no te esperas y que es divertidísima

Octubre termina con otra de mis películas favoritas del año y es que ‘Escape’ nos hace reír y sufrir con N, un personaje que de una manera u otra va a gustar a todo el mundo.

‘Escape’ llega a nuestras pantallas el próximo 31 de octubre y sin duda os va a sorprender. Es una película de la que mejor conocer poco, no ver tráiler y nada más. Si, admito que siempre digo esto, pero es que suele ser una gozada descubrir la trama de las películas en el cine.

En ‘Escape’ conocemos a N., un hombre que lo único que quiere en la vida es lograr acabar en la cárcel. Para ello le vemos haciendo diferentes crímenes para poder conseguir su sueño. Básicamente esta es la sinopsis, luego tiene más trasfondo del que mejor no hablar, para no chafar la sorpresa.

Rodrigo Cortés, consigue una película tremenda. Nos hemos reído de una situación que realmente no es graciosa, pero el guion está tan bien escrito que al final no te queda remedio que entrar en su juego. Está contado en plan comedia negra y hace que una historia tan triste nos parezca divertida y muy amena.

Además, que está muy bien rodada. Es una película dinámica, con partes con acción y otras en las que, aunque estemos en lugares cerrados, se ve el movimiento continuo de cámara, para conseguir un desasosiego, como el que siente el protagonista.

La película está basada libremente en la novela homónima de Enrique Rubio. Me ha entrado bastante curiosidad de leerla, ya que el director dijo durante el Festival de Sitges, que realmente ha cambiado muchas cosas y que ya apenas se parece a la novela.

N., es un personaje precioso, es muy triste y de verdad que dan ganas de abrazarle y hacerle saber que en la vida se puede tirar hacia delante pese a todo. Pero, aunque mucha gente se lo dice, el prefiere seguir en sus trece y terminar en la cárcel. Mario Casas, consigue un personaje muy real, pese a la situación que no dan en la película. Siempre lo diré, este chico hace bien todo lo que le proponen. Y sin duda, N., es un personaje muy complejo, con un montón de registros en la misma película. Un hombre, como dice la sinopsis, estropeado, que se ha dejado perder y que intenta conseguir su meta hasta el fin de los días. Sin duda, la comedia se le da muy bien y también el drama y ‘Escape’ lo tiene todo.

Pero no solo el está perfecto en esta película, Anna Castillo, hace de su hermana, la cual intenta hacer que su hermano levante cabeza. Le da un juego maravilloso cada vez que salen juntos. Blanca Portillo, Guillermo Toledo, Juanjo Puigcorbé, David Lorente, José García entre otros. Pero por mencionar a dos personajes con los que me lo he pasado genial, pese a que no aparecen tanto, son los interpretados por Albert Pla y José Sacristán, increíbles.

Como detalle muy importante, ‘Escape’ está producida por Martin Scorsese, si, tiene muchos más productores, por los cuales ha podido salir esta película adelante, pero saber que un director como Scorsese está detrás de esta película, también es importante para que veamos que el cine español es muy importante a nivel internacional y que muchos artistas internacionales apuestan por él. 

Así que no dudéis en acercaros a las salas de cine y ver ‘Escape’, Rodrigo Cortés lo está dando todo por esta película, yendo a los pases de la película y dando coloquios al terminar. Es una gozada ver como el cine está vivo y sus creadores se acercan al espectador de esa manera.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de octubre de 2024. Título original: Escape. Duración: 129 min. País: España. Dirección: Rodrigo Cortés. Guion: Rodrigo Cortés. Música: Víctor Reyes. Fotografía: Rafa García. Reparto principal: Mario Casas, Anna Castillo, Guillermo Toledo, Josep María Pou, José Sacristán, Xoán Fórneas, Juanjo Puigcorbé, Francisco Javier Pastor, Albert Pla, Zulema Santana, Daniel Chamorro. Producción: Nostromo Pictures, Mogambo, Cosmopolitan TV, Movistar Plus+, RTVE. Distribución: Beta Fiction Spain. Género: Thriller. Web oficial: https://betafiction.es/cine/escape/

Crítica: ‘El llanto’

 En qué plataforma ver El llanto

Sinopsis

Algo acecha a Andrea, pero nadie, ni siquiera ella misma, puede verlo a simple vista. Hace veinte años, a diez mil kilómetros, la misma presencia aterrorizaba a Marie. Camila fue la única persona que pudo entender lo que le ocurría, pero nadie las creyó.

Al enfrentarse a esa amenaza opresiva, las tres escuchan el mismo sonido sobrecogedor. Un llanto.

Crítica

Inquietante y muy bien narrada

Aunque siempre hemos tenido en España buen cine de terror, tenemos que decir que, en los últimos años, gracias a nombres como Paco Plaza o Jaume Balagueró, este género está resurgiendo de muy buena manera en nuestro país. Y nombro primero a Paco Plaza, porque creo que ‘El llanto’ bebe mucho de su cine, de sus planos y de su manera de contar las historias. Y por supuesto es algo que me encanta.

La ópera prima de Pedro Martín–Calero, nos trae una historia dividida en tres capítulos. Tres episodios en los que vamos conociendo a cada una de nuestras protagonistas. Tres mujeres que viven acechadas por una entidad, un edificio y los terribles llantos que llegan desde dentro de éste. Todas ellas están conectadas de alguna manera e intentan descubrir que es lo que les está pasando. No quiero contar mucho más, al final ‘El llanto’ tiene que ser vista sin conocer demasiado e ir desentrañando junto a las protagonistas todos los sucesos que están ocurriendo.

Con guion del propio director junto a Isabel Peña, ‘El llanto’ nos narra de una manera espectacular el terror y la impotencia que están sufriendo estas mujeres. Me gusta mucho también, la naturalidad en los diálogos y situaciones. Eso hace que nos sea una historia cercana y pese al fenómeno sobrenatural

Esto además del buen guion y de la buena dirección, se logra gracias al trabajo de las tres actrices que son las encargadas de lograr que empaticemos con su drama y a las que acompañaremos hasta el desenlace de la película.

Ester Expósito (‘Venus’) ya ha demostrado en más de una ocasión lo gran actriz que es. Con Andrea logra un registro más, un personaje con mucho trasfondo en su interior y que no está pasando por su mejor momento, lleno de ira, de miedo y de confusión.

Mathilde Ollivier (‘Overlord’), es Marie, una mujer misteriosa que reside en Argentina y que deberá asimilar todo lo que le está ocurriendo.

Y, por último, encontramos a Camila, interpretada por Malena Villa. Ella queda impactada con Marie y será la única que se dé cuenta de que algo raro está ocurriendo y cree que puede encontrar la respuesta.

‘El llanto’ está narrada casi como una pesadilla, con unos planos muy generales en los que se esconden detalles que no se ven a simple vista y que dejan una sensación de malestar según los logras ver. La tensión se consigue gracias a todo lo que no logramos ver, pues solo a través de una cámara son visibles.

Sin duda ‘El llanto’ se ha convertido en una de mis películas favoritas de este 2024. En el último Festival de San Sebastián, fue galardonada con La Concha de Plata a la Mejor Dirección y creo que va a conseguir muchos premios más a partir de ahora. Y si ya la viésemos en los Goya, sería un gran triunfo.

 Ficha de la película

Estreno en España: 25 de octubre de 2024. Título original: El llanto. Duración: 107 min. País: España, Argentina y Francia. Dirección: Pedro Martín-Calero. Guion: Isabel Peña, Pedro Martín-Calero. Música: Olivier Arson. Fotografía: Constanza Sandoval. Reparto principal: Ester Expósito, Mathilde Ollivier, Malena Villa, José Luis Ferrer, Claudia Roset, Lia Lois, Sonia Almarcha, Tomás Del Estal, Lautaro Bettoni, Álex Monner y Pierre Marquille. Producción: Caballo Films, Setembro Cine, Tandem Films, Tarea Fina, Noodles Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: Web oficial: https://www.universalpictures.es/micro/el-llanto

Crítica: ‘Daaaaaalí!’

En qué plataforma ver Daaaaaalí!

Sinopsis

Clic para mostrar

Una joven periodista francesa se encuentra en varias ocasiones con el icónico artista surrealista Salvador Dalí para un proyecto documental que nunca llegó a realizarse.

Crítica

La comunión inevitable de dos genios del surrealismo

Hace dos años tuve la inmensa suerte de conocer a Quentin Dupieux en el marco del festival de Sitges. Allí vivimos una de las ruedas de prensa más divertidas de todas las celebradas en la localidad catalana. Entre muchas sugerentes e interesantes preguntas pude lanzar un par. Una de esas cuestiones era más una sugerencia pues planteaba al director usar su característico estilo y aplicárselo a algún suceso real. Me respondió rotundamente que no. Ahora se estrena ‘Daaaaaali!’ y lejos de señalar que se ha contradicho, hay que reconocer que tanto en la realidad y la ficción, con el genio surrealista era difícil distinguir lo que eran ensoñaciones y lo que eran hechos reales. Por eso era inevitable la comunión entre el director francés y el mítico artista español, porque ambos tienen pocas ligaduras con la realidad.

‘Daaaaaali!’ no es una película únicamente para los muy cafeteros de Dupieux pero tampoco la más accesible. Aún así es una muestra del absurdo estilo distintivo de Quentin Dupieux, un cineasta conocido por su enfoque disparatado y su capacidad para desdibujar las líneas entre lo posible y la ficción más lunática. El guion de ‘Daaaaaali!’ mezcla elementos excéntricos, cómicos y oníricos, reflejando las ocurrencias de dos genios capaces de crear de manera libre. Es una obra audaz y creativa que captura la esencia del surrealismo y rinde homenaje a uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Dupieux demuestra su afinidad con el surrealismo y dadaismo de Dalí, sugiriendo que ambos habrían hecho buenas migas, estoy seguro de que se habrían adulado mutuamente. Al igual que Dalí podía soltar algo incomprensible que dejaba al oyente con el gesto torcido, Dupieux nos asalta siempre con escenas tan ocurrentes como sorprendentes e insondables. La película llega hasta el punto de ser capaz de deshacerse a sí misma e introducirnos en un bucle. Estoy seguro de que también le gustará a Christopher Nolan, de igual modo que los que amamos ‘Los Caballeros de la Mesa Cuadrada’ o ‘Top Secret!’ hemos encontrado gags conocidos.

Pero, ¿de qué tarta Dalí? Con todo lo que he dicho hasta aquí podrás imaginar que no es un biopic. La narrativa no sigue una estructura lineal tradicional, sino que se despliega como una serie de viñetas que exploran diferentes aspectos de la vida y la mente de Dalí, sobre todo acerca de su personalidad. Entre estos episodios se incluyen personajes como Gala, su musa y esposa, y su fiel chófer. El hilo conductor es una entrevista que no acaba de cuajar, subrayando así la naturaleza indómita y caprichosa del artista. Dupieux no tiene miedo de desafiar las expectativas del público, una valentía que es una de las fortalezas de su obra, de nuevo alineándose con otra característica de Dalí, su arrojo propiciado por su confianza ciega en su arte. A través de este enfoque, Dupieux logra retratar desde la imaginación a este maestro inigualable, llegando incluso a criticarse a sí mismo por intentar acercarse al arte del genio.

Una de las características más destacadas de la película es la interpretación de Dalí por múltiples actores. Las seis aes del título hacen referencia a los seis actores que llegan a lucir el bigote característico de Dalí. El de Figueres era inigualable pero hasta cierto punto no era inimitable, como demuestran casi todos los intérpretes del filme que clavan sus gestos y su hablar sin citar ni un solo detalle real. Este enfoque refleja la percepción pública de Dalí como una figura cambiante y multifacética. Dupieux utiliza este recurso para crear una sensación de desorientación y fascinación que mantiene al espectador cautivado.

A favor del filme está le haber rodado en la tierra de Salvador Dalí. Visualmente, la película es un festín para los ojos. Dupieux, quien también es conocido por su trabajo como director de fotografía, emplea una paleta de colores veraniegos y una composición visual meticulosa que captura la esencia del arte de Dalí, de hecho recrea por lo menos tres cuadros auténticos. Las escenas están llenas de imágenes surrealistas sumergiendo al espectador en un mundo casi sin sentido. Y por si queréis algo más de disparate. Dupieux es conocido por su faceta de Dj y su campaña con Flat Eric. Curiosamente la banda sonora de ‘Daaaaaalí!’ no está compuesta por él, sino por alguien con quien ya trabajó en ‘Reality’, Thomas Bangalter, uno de los miembros de Daft Punk.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de octubre de 2024. Título original: Daaaaaalí! Duración: 79 min. País: Francia. Dirección: Quentin Dupieux. Guion: Quentin Dupieux. Música: Thomas Bangalter. Fotografía: Quentin Dupieux. Reparto principal: Anaïs Demoustier, Gilles Lellouche, Edouard Baer, Jonathan Cohen, Pio Marmaï, Didier Flamand, Romain Duris. Producción: Atelier de Production, Associates M Productions, France 3 Cinéma. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial: https://es.unifrance.org/pelicula/55586/daaaaaali

Regalamos un Blu-ray de ‘Los Vigilantes’

Los Vigilantes llega a nuestros hogares en un terrorífico y propicio momento

Llega Halloween y hay que celebrar el terror como buenos cinéfilos a amantes del género que somos. Pero también nos gusta hacer honor al origen de las historias y en el caso de esta festividad popularizada por los norteamericanos tenemos que retroceder a muchos años atrás a tierras irlandesas. El Samhain es el verdadero origen de Halloween y se celebraba en tierras de Escocia e Irlanda.

Precisamente en bosques de Irlanda transcurre la que ha sido la primera película de Ishana Shyamalan (una de las hijas de M. Night Shyamalan). Allí sus protagonistas se ven acechados por unas extrañas criaturas con un curioso búnker como único refugio. Tenéis nuestra crítica en este enlace pero si queréis experimentar este primer solvente filme podéis haceros con la copia que analizamos hace poco. Una edición en formato Blu-ray cortesía de Arvi Licensing.

Si queréis participar seguid estas normas para usuarios de Facebook:

  1. Haz me gusta a la página de Facebook de Moviementarios
  2. Comenta la fotografía del sorteo en Facebook etiquetando a un amigo/a
  3. Comparte la foto (de manera pública para que podamos comprobarlo)

Si usas Instagram:

  1. Sigue el perfil de Instagram de Moviementarios
  2. Comparte la foto de Instagram en tu stories etiquetando a Moviementarios

O si tienes perfil en X:

  1. Sigue a Moviementarios
  2. Haz repost y me gusta a la fotografía en X

O si tienes perfil en Threads:

  1. Sigue a Moviementarios
  2. Republica esta fotografía en Threads

¡Mucha suerte a tod@s y tened un refrescante verano!

Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. El sorteo se hará por orden aleatorio tras listar a todos los participantes que cumplan los pasos requeridos antes del 1 de noviembre de 2024 a las 23:59h. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para esta promoción y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Facebook, X, Threads o Instagram no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella. ¡Mucha suerte a tod@s!

Crítica: ‘Smile 2’

En qué plataforma ver Smile 2

Sinopsis

La estrella del pop mundial Skye Riley está a punto de embarcarse en una nueva gira mundial cuando empieza a experimentar una serie de sucesos cada vez más aterradores e inexplicables. Angustiada por la espiral de horrores y la abrumadora presión de la fama, Skye tendrá que enfrentarse a su oscuro pasado para recuperar el control de su vida antes de que sea demasiado tarde.

Crítica

Inquietante secuela con una gran puesta en escena

En 2022 Parker Finn nos sorprendió con ‘Smile’, una cinta en la que una maldición va pasando de unos a otros. Una sonrisa tenebrosa va persiguiendo a sus víctimas por todos lados.

Una película que, aunque no me sorprendió, admito que me encantó. Tuve la oportunidad de verla en una sala de cine llena y esas risas nerviosas por estar pasando miedo, fueron de lo mejor de la sesión.

‘Smile 2’ es más inquietante y con muy buena puesta en escena. Conocemos a Skye, una famosa cantante que no está pasando por su mejor momento, pero que está intentando resurgir de sus propias cenizas. La maldición se presenta junto a ella, poniéndole más complicado aún su existencia.

Me ha gustado mucho, pese a que me parece que alarga un poco la película innecesariamente y que no nos encontramos nada original en la cinta. Quitando esos pequeños detalles, ‘Smile 2’ me parece muy buena película. Sin duda Parker Finn ha rodado mucho mejor, tiene unos planos y movimientos de cámara bastante buenos, algo que logra que estemos durante toda la película con una gran tensión.

Aunque como digo, la historia no es nada original, repite mucho la estructura de la primera, además que al final ‘Smile’ sigue siendo una versión de ‘The Ring’ para las nuevas generaciones. En la que una maldición llega a tu vida y durante 7 días está atormentándote para luego matarte. Pero, aun así, me parece entretenida y muy efectiva.

Pero además en este caso, ‘Smile 2’ nos adentra en el mundo de la música y en lo difícil que es todo para los artistas. La presión y estrés, los llevan a tomar malos caminos, diferentes adicciones y a comportarse de manera volátil con sus personas más allegadas. Todo esto nos lo muestra perfectamente gracias a la actuación de Naomi Scott, que está increíble en este sucedáneo de Dua Lipa. Canta y baila, lo da todo en este personaje atormentado por su pasado y por supuesto por su presente.

En el reparto también encontramos a Lukas Gage, Miles Gutierrez–Riley, Dylan Gelula, Raúl Castillo, Kyle Gallner, Rosemarie DeWitt y a Ray Nicholson. Éste último, aparece poco en la cinta, pero sin duda son una de las escenas más inquietantes de toda la película. También es que el físico de su padre, Jack Nicholson, es tan evidente que no podemos parar de recordar las mejores escenas de ‘El Resplandor’.

La fotografía de la película está bastante bien, al final al estar basada en el mundo musical tiene mucho juego con el tema de luces y colores, y por supuesto los rojos de la sangre que no hace más que aparecer por escena. El CGI también está muy bien, se nota el gran trabajo en el bicho final, que aparece un poco más que en la primera parte. Un diseño un tanto japonés, que da bastante mal rollo. Y el maquillaje es sensacional. Pues otra cosa no, ‘Smile 2’ es muy sangrienta, tiene muertes muy fuertes y alguna bastante original. Y por supuesto algún que otro salto en la butaca vais a dar. Así que id preparando las sesiones de Halloween y a disfrutar de una buena película de terror. 

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de octubre de 2024. Título original: Smile 2. Duración: 127 min. País: Estados Unidos. Dirección: Parker Finn. Guion: Parker Finn. Música: Cristobal Tapia de Veer. Fotografía: Charlie Sarroff. Reparto principal: Naomi Scott, Rosemarie DeWitt, Lukas Gage, Miles Gutierrez-Riley, Peter Jacobson, Ray Nicholson, Dylan Gelula, Raúl Castillo y Kyle Gallner.  Producción: Paramount Pictures, Paramount Players, Temple Hill Entertainment, Bad Feeling. Distribución: Paramount Pictures. Género: Terror. Web oficial: https://www.smilelapelicula.es/

Crítica: ‘Super/Man: La historia de Christopher Reeve’

En qué plataforma ver Super/Man: La historia de Christopher Reeve

 

Powered by JustWatch

 

Sinopsis

‘Super/Man: La historia de Christopher Reeve’ es un asombroso ascenso de actor desconocido a estrella de cine icónica, y su interpretación definitiva como Clark Kent/Superman sentó las bases de los universos cinematográficos de superhéroes que dominan el cine actual. Reeve encarnó al Hombre de Acero en cuatro películas de Superman e interpretó docenas de otros papeles que demostraron su talento y variedad como actor, antes de resultar herido en un accidente de equitación casi mortal en 1995 que le dejó paralizado del cuello para abajo.

Crítica

La historia del mito que se redefinió tanto a sí mismo como al concepto de héroe

Es fácil caer en halagos condescendientes hacia una persona que quedó postrada en silla de ruedas o hacia toda una familia, los Reeve, que sufrieron una serie infortunios de repercusión mundial. Es fácil que los que crecimos en los 80 y 90 adorando al primer gran actor en interpretar a Superman lloremos ante el rescate de su historia. Pero lejos del sensacionalismo o la lágrima fácil, el documental ‘Super/Man: la historia de Christopher Reeve’, supone un reto duro, un trago difícil de pasar, que nos dice que tanto en su época como aún hoy en día había detrás del personaje idolatrado y todopoderoso un gran abanico de vulnerabilidad. Esta película viene a atacarnos con remembranza y muchos archivos sorprendentes con el duro recordatorio de que hay momentos muy concretos de la vida que nos hacen madurar de un modo tan cruel como bello.

‘Super/Man: The Christopher Reeve Story’ destaca el impacto duradero de Christopher Reeve tanto a través de su carrera como durante su vida personal. El documental no solo examina su icónica interpretación de Superman, sino que muestra cómo, incluso antes de ponerse el traje del superhéroe, Reeve ya encarnaba muchas virtudes heroicas. Pero además, el documental de Ian Bonhôte y Peter Ettedgui tiene el tino de remarcar que si analizamos cualquier figura o la vida de cualquier persona que ha sufrido este tipo de infortunios, encontramos siempre proezas y aptitudes heroicas. Reeve marcó un antes y un después no solo debida su capacidad de lucha y resiliencia, también a su posición social. Sin duda se dio el caldo perfecto para crear un punto de inflexión en todos los estratos de nuestra sociedad y cultura.

Con esta película descubriréis, si no disponíais ya de esta información, como Reeve demostró un compromiso profundo con su oficio, una ética de trabajo notable y un fuerte sentido de la justicia. Desde joven, se le percibía como alguien decidido, disciplinado y dedicado a mejorar el mundo, virtudes que más tarde resonarían en su papel como Superman. Pero como bien repite durante todo el reportaje a través de distintas entrevistas rescatadas en distintos momentos de su vida, él no era ni de lejos el Hombre de Acero, de hecho creció en un hogar al que recordaba como roto. Aunque su atractivo físico y carisma ayudaron a definir al personaje, fue su habilidad para proyectar nobleza y moralidad lo que lo hizo memorable. Y aunque gestionó con humildad su fama no se callaba ni intentaba parecer un santo, de hecho, aunque sea un detalle que aparece solo unos segundos en la película, fue de los primeros en “denunciar” que Hollywood tenía secuelitis.

Tras su accidente en 1995, el verdadero héroe emergió. Reeve se convirtió en un ejemplo de valentía, determinación y compasión, luchando por los derechos de las personas con discapacidades y promoviendo la investigación médica. En lugar de caer en la desesperación, usó su posición pública para abogar por cambios positivos y continuó inspirando a otros con su coraje. Este es uno de los focos y valores del documental. Su historia demuestra que no necesitaba una capa para ser un verdadero símbolo de esperanza y resiliencia. Pero el documental está centrado también en los testimonios de sus tres hijos y es por eso que la visión que vemos es la de un padre completamente transformado, convirtiéndose el filme en una historia sobre valores de familia e impacto humano.

Seguro que hay foros de debate tras ver ‘Super/Man: la historia de Christopher Reeve’ en los que cada uno expondrá lo que ha descubierto sobre el actor, sobre sus películas o sobre su lesión. Es lógico pues es una película emotiva y educativa llena de anécdotas, tiernas, curiosas y graciosas. En mi caso se me hizo un nudo en el estómago con todas las alusiones hacia Robin Williams, el recuerdo de David Prowse o la mítica aparición en los Oscar. Estoy seguro que Reeve volverá a estar en los Oscars gracias a este documental.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de octubre de 2024. Título original: Super/Man: The Christopher Reeve Story. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Ian Bonhôte, Peter Ettedgui. Guion: Ian Bonhôte, Peter Ettedgui, Otto Burnham. Música: Ilan Eshkeri. Fotografía: Bryan Twz Brousseau. Reparto principal: Christopher Reeve, Will Reeve, Dana Reeve, Matthew Reeve, Alexandra Reeve, Susan Sarandon, Robin Williams, Whoopi Goldberg, Glen Close, Jeff Daniels. Producción: DC Studios, HBO Documentary Films, CNN Films, Words + Pictures, Passion Pictures, Misfits Entertainment, Jenco Films. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: documental. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/superman-christopher-reeve-story

Crítica: ‘Shatter belt’

Explorando la frontera de la consciencia

‘Shatter Belt’ es una nueva antología, en este caso de ciencia ficción, como ‘Black Mirror’ o ‘Historias del bucle’. De la mano de James Ward Byrkit (‘Coherence’), esta serie nos ofrece una colección de historias de realidad inmediata que desafían nuestra comprensión de la consciencia, el libre albedrío y la tecnología. Con un enfoque minimalista pero profundo, Byrkit nos sumerge en un mundo en el que las máquinas y los seres humanos se encuentran en el filo de la autocomprensión. El resultado es una obra que no solo estimula intelectualmente, sino que también ofrece una experiencia emocional intrigante y en ocasiones, perturbadora.

Uno de los grandes aciertos de ‘Shatter Belt’ es su capacidad para plantear cuestiones complejas de manera accesible y atractiva. A través de sus cuatro episodios, independientes pero conectados por un hilo temático común, la serie invita a los espectadores a reflexionar sobre dilemas filosóficos que, hasta hace poco, parecían confinados a la ciencia ficción más especulativa. Sin embargo, el avance de la inteligencia artificial y la creciente intersección entre humanos y tecnología han hecho que estos debates sean cada vez más relevantes. ¿Qué significa realmente tener consciencia? ¿Una máquina o un ser humano que muestra intencionalidad y deseo está necesariamente sintiendo? ¿Cómo cambia nuestra percepción del libre albedrío cuando nos enfrentamos a eventos que desafían nuestras definiciones tradicionales de vida y determinación?

Los episodios de ‘Shatter Belt’ son sugerentes y emocionantes, explorando estas ideas con una originalidad notable. Cada uno de ellos está lleno de momentos que invitan a la introspección, pero también ofrecen tensión y giros inesperados, lo que mantiene al espectador enganchado de principio a fin. En algunos casos se emplea el mundo digital, en otros una sencilla manzana. El mérito de Byrkit está en cómo presenta dilemas de manera tan inmediata y doméstica, como si fuesen debates que ya deberíamos estar teniendo en nuestras vidas cotidianas.

Aunque partiendo de un reparto y producción sencillos, la dirección de Byrkit, quien ya había demostrado su maestría para manejar narrativas complejas y perturbadoras en ‘Coherence’, brilla nuevamente aquí. A pesar de los temas abstractos, la serie nunca se siente lejana o impenetrable, sino todo lo contrario: logra aterrizar sus ideas en situaciones y personajes que resultan creíbles y cercanos. Esto permite que los espectadores no solo piensen, sino también sientan las implicaciones de las preguntas planteadas.

Tanto el ‘Coherence’ del director como la serie pueden verse en Filmin, en el caso de esta última a partir del 15 de octubre. Tras haber disfrutado de los primeros capítulos en el Festival de Sitges puedo decir con seguridad que promete ser una de las propuestas más originales y estimulantes del catálogo de la plataforma española.

Crítica: ‘The roundup: punishment’

En qué plataforma ver The roundup: punishment

Sinopsis

El detective Ma Seok-do se une al Equipo de Investigación Cibernética para atrapar a Baek Chang-ki, un antiguo mercenario y jefe de una organización de apuestas online.

Crítica

Revitaliza la saga con acción trepidante, humor físico y relevancia contemporánea

La cuarta entrega de la saga ‘The roundup’, titulada ‘The roundup: punishment’, protagonizada por Ma Dong-seok (también conocido como Don Lee), llega con nuevas dosis de acción trepidante y una narrativa que intenta revitalizar la franquicia. El cambio de dirección está en manos de Heo Myeong Haeng, quien previamente se había destacado como especialista en escenas de acción y ahora sigue una tendencia popular en Hollywood, donde figuras como Chad Stahelski o David Leitch, también provenientes del mundo de la acción y las acrobacias, han dado el salto a la dirección con éxito. Este cambio aporta una nueva perspectiva que se traduce en una mayor frescura y dinamismo para una saga que, si bien nunca ha decaído, necesitaba ese empuje que le diese una renovada energía.

Desde su inicio, ‘The roundup: punishment’ continúa con su contexto internacional, comenzando con una secuencia en Filipinas. Este giro global se ha convertido en un sello de la saga, que desde las entregas anteriores ha explorado otros países asiáticos, lo que añade una capa de diversidad y dinamismo en cuanto a escenarios y antagonistas. Esta vez, la trama enfrenta al personaje de Ma Seok-do, el intrépido y brutal policía, contra una mafia relacionada con las criptomonedas y las apuestas en línea, temas que resuenan con la realidad contemporánea. Es imposible no ver un paralelo con la película ‘The Beekeeper’, que también explora tramas que giran en torno a delitos digitales. La habilidad del guion para mantenerse conectado con temas modernos le otorga una relevancia especial que, además, da pie a momentos cómicos donde Dong-seok aprovecha su personaje para mostrarse como un «boomer» desconectado del mundo digital, lo que contribuye a generar situaciones humorísticas fuera de su habitual entorno de peleas callejeras.

Uno de los elementos que sigue siendo central en la saga es la mezcla de acción y comedia física. El humor, muchas veces simple y basado en la interacción corporal de los personajes, recuerda a las películas clásicas de Bud Spencer y Terence Hill. Este tipo de slapstick, casi bobalicón, se mezcla de manera eficaz con las escenas de acción, con una intensidad que nunca deja que el espectador se relaje. Cada puñetazo y cada cuchillada están perfectamente calculados para tener un impacto tanto visual como emocional.

Otra referencia cinematográfica que se puede percibir en ‘The roundup: punishment’ es la de las películas tipo ‘Arma Letal’. La dinámica entre los personajes evoca la relación entre los personajes de Riggs y Murtaugh con delincuentes como el que interpretaba Joe Pesci en dicha saga. Además, el carisma de Ma Dong-seok, con su imponente físico y su habilidad para combinar brutalidad con ternura y humor, continúa siendo el pilar fundamental.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Beomjoidosi 4. Duración: 104 min. País: Corea del Sur. Dirección: Heo Myeong Haeng. Guion: Oh Sang Ho. Música: Yoon Il-sang. Fotografía: Lee Sung-je. Reparto principal: Ma Dong-Seok, Kim Mu-yeol, Park Ji-hwan, Lee Joo-bin, Lee Dong-hwi. Producción: ABO Entertainment, BA Entertainment, Big Punch Pictures, Hong Film. Distribución: por determinar. Género: acción, policial. Web oficial: http://www.baent.co.kr/bbs/board.php?bo_table=works&wr_id=72

Crítica: ‘The goldfinger’

En qué plataforma ver The goldfinger

Sinopsis

Se descubre una conspiración criminal cuando la bolsa se desploma.

Crítica

Thriller de aspecto elegante con bastante poca emoción y acción

Al igual que con ‘Twilight of the Warriors: walled in’ nos encontramos ante una historia de mafias y en una época en la que el Imperio Británico aún escribía la historia de Hong Kong. En esta ocasión la atmósfera ochentera cargada de colores pardos y grises es mucho más agradable aunque la trama no está exenta de criminalidad.

‘The goldfinger’ intenta desarrollar una trama sobre negociantes, a veces incluso con técnicas de montaje e imagen que le hemos visto a Guy Ritchie, pero no consigue captar nuestro interés, sobre todo porque la película ha sido proyectada en el Festival de Sitges de cine fantástico y en ‘The goldfinger’ ese género brilla por su ausencia. La película consiste en la investigación policíaca y sus interrogatorios repletos de flashbacks sobre una multinacional china bautizada como Carmen Century Group (si, no es cosa de la traducción, aparece así en la versión original). Una banca rota, un líder de dudosa ética y orígenes financieros… Básicamente es un thriler de aspecto elegante con bastante poca emoción y acción.

Aunque Lau y Leung son actores de gran calibre y esta es una anunciadísima colaboración para los espectadores chinos, el guion plano no les ofrece desafíos, lo que los lleva a interpretar sus papeles de manera casi automática. ‘The Goldfinger’ tiene poca chicha en muchos aspectos, se percibe como un intento de imitación costoso del estilo norteamericano y aunque no carece de habilidad técnica o monetaria si está huérfana de ideas sugerentes o por lo menos diferentes a las habituales. Intenta impresionar con una mezcla de estilos cinematográficos y montajes musicales intercalados, buscando que su mezcolanza visual y multitud de personajes se perciba como intensidad dramática. En lugar de eso, se asemeja a una versión fallida de ‘El lobo de Wall Street’ y similares, careciendo de la confianza narrativa y cinematográfica necesaria para tener éxito.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Jin shou zhi. Duración: 125 min. País: China. Dirección: Felix Chong. Guion: Felix Chong. Música: Day Tai. Fotografía: Anthony Pun. Reparto principal: Tony Leung, Andy Lau, Charlene Choi. Producción: 2898, Emperor Motion Pictures. Distribución: por determinar. Género: acción. Web oficial: https://www.emp.hk/en/production/recent-hits/the-goldfinger

Crítica: ‘Arcadian’

 En qué plataforma ver Arcadian

Sinopsis

En un futuro cercano, Paul y sus hijos Thomas y Joseph viven tranquilos de día y atormentados de noche por feroces criaturas que devoran a los vivos. Un día, Thomas no regresa antes del anochecer, y Paul sale de su granja fortificada para buscarlo. Al encontrarlo, Paul descubre que está gravemente herido. A partir de ahí, los hermanos deberán utilizar todo lo que su padre les ha enseñado para sobrevivir durante la noche

Crítica

Nicolas Cage siempre es un acierto y ‘Arcadian’ no defrauda.

‘Arcadian’ nos lleva a un futuro en el que las pocas personas que aun viven, se centran en intentar no morir por las noches a manos de unas terribles criaturas.

Paul, Joseph y Thomas, son una familia que pese a sus diferencias conviven unidos para paliar los desperfectos que van ocurriendo noche tras noche y así poder mantenerse con vida.

La película es bastante sencilla. Nos muestra el día a día de estos tres hombres y cómo intentan sobrellevar como pueden la terrible situación que les ha tocado vivir. El ritmo es pausado, pero cuando la acción llega no deja respirar.

Benjamin Brewer es el encargado de dirigir ‘Arcadian’ y de nuevo cuenta con Nicolas Cage, después de haber trabajado con él en ‘Policías corruptos’.

En este papel, el actor está muy contenido, dando vida al padre de familia obsesionado en enseñar a sus hijos como resistir. Y, sobre todo, intentando que comprendan que deben de trabajar juntos y ayudarse mutuamente.

Jaeden Martell y Maxwell Jenkins, son los encargados de dar vida a sus hijos. Unos chicos un tanto complicados que harán que las cosas que pongan bastante complicadas para los tres. En el reparto también encontramos a Sadie Soverall, Samantha Coughlan, Joe Dixon y Joel Gillman.

Aunque la película es un poco típica, me ha gustado mucho. La atmósfera oscura que tiene, esa suciedad que nos muestra por todos lados de un mundo en el que las personas continúan simplemente por inercia. También el trasfondo familiar, que unidos somos más.

Las criaturas que vemos, si las llegamos a ver unas cuantas veces, son muy originales, dan bastante grima. Se puede venir a la cabeza ‘Critters’, por cosas que hacen, pero sin duda lo que me ha hecho explotar la cabeza es que están basadas en Goofy, si, en ese perro encantador de Disney. Mas específicamente a un episodio fe la película de Goofy en la que su hijo sueña que se transforma en su padre. Después de saber esto, sí que bueno, salvando mucho las distancias, hay unos gestos que realizan estas criaturas que pueden recordar.

Como he comentado, aunque ‘Arcadian’ no tiene nada de original, no defrauda, entretiene y sin duda deja con muy buen sabor de boca. 

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de octubre de 2024 (alquiler movistar). Título original: Arcadian. Duración: 92 min. País: Dirección: Benjamin Brewer. Guion: Mike Nilon. Música: Kristin Gundred y Josh Martin. Fotografía: Frank Mobilio. Reparto principal: Nicolas Cage, Jaeden Martell, Maxwell Jenkins, Sadie Soverall, Samantha Coughlan, Joe Dixon, Joel Gillman. Producción: Aperture Media Partners, Highland Film Group, Redline Entertainment, Saturn Films. Distribución: Key2Media. Género: Terror. Web oficial: https://www.imdb.com/title/tt22939186/?ref_=ttfc_fc_tt

Crítica: ‘The Umbrella Fairy’

En qué plataforma ver The Umbrella Fairy

Sinopsis

Qingdai, un hada real del paraguas, se embarca en un viaje con un joven artesano para evitar la guerra tras fracasar en su intento de proteger a un vengativo hada de la espada que escapa del pabellón real.

Crítica

Anime preciosista y fantasioso, como un lienzo chino en movimiento

‘The Umbrella Fairy’ es una película de animación que, partiendo de la base del manhua (cómic chino) ‘San shaonü meng tan’, escrito por Zuo Xiaoling, ilustrado por Wei Ying y distribuido a través de NetEase, transporta al espectador a un universo mágico y visualmente impresionante. Esta historia sigue las aventuras de un hada guardiana que se ve obligada a abandonar su puesto para buscar a una malvada hada que busca venganza. Aunque la premisa de la película puede sonar convencional, es su presentación estética y su enfoque cultural lo que la distingue en el amplio panorama del cine de animación.

La película es un cuento que alterna entre lo mojigato, lo ingenioso y, en ocasiones, lo poético. Su trama, aunque predecible en ciertos puntos, logra cautivar por los pequeños detalles que se van revelando en el camino. La dualidad entre las dos hadas —la guardiana que representa la protección y el deber, y la malvada hada impulsada por la venganza— es un contraste que, aunque no particularmente innovador, está bien ejecutado y sostenido por una atmósfera que logra capturar la esencia de las narrativas clásicas de fantasía china.

Uno de los aspectos más destacados de ‘The Umbrella Fairy’ es su animación. La película respeta las raíces del arte clásico asiático de la animación, fusionando técnicas digitales con un estilo visual que recuerda a las tradiciones pictóricas chinas. Los fondos están adornados con una exquisita atención al detalle, cada escena parece un lienzo donde los colores vibran y los elementos naturales cobran vida. Aunque se podría argumentar que en ciertos momentos la película peca de sobrecargar visualmente las escenas, esto también forma parte de su encanto. Todo está muy ornamentado, evocando una estética palaciega y mágica que cautiva desde el primer instante.

En cuanto a los personajes, están diseñados con un estilo «kawaii» que, a pesar de ser una palabra asociada comúnmente con la cultura japonesa, se adapta perfectamente a la descripción de estos simpáticos y fantasiosos seres. Los protagonistas y secundarios tienen un encanto que, aunque a veces se siente algo superficial, logran conectar con el público infantil y familiar. Sin embargo, aquellos que busquen una mayor profundidad en el desarrollo de personajes pueden sentirse decepcionados, ya que muchos de ellos están más definidos por su apariencia visual que por sus motivaciones o complejidad interna.

‘The Umbrella Fairy’ es una película que, aunque no exenta de ciertos clichés en su narrativa, se apoya firmemente en una animación impresionante y un estilo artístico que respeta y celebra las tradiciones visuales asiáticas. Si eres fan de la fantasía oriental y te gustaron films como ‘White Snake’, ‘Big Fish & Begonia’ o ‘La leyenda de Hei’, esta propuesta de Jie Shen te va a chiflar.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: San Shao Nv. Duración: 95 min. País: china. Dirección: Jie Shen. Guion: Min Liu, Ying Wei, Xiaoling Zuo. Producción: Guton Animation Studio, Hangzhou Maoyan Time Machine Pictures, L-key Studio, Maoyan Entertainment, Suzhou Guangyun Unity Culture Media, Tianjin Maoyan Weying Media. Distribución: por determinar. Género: aventuras, fantástico.

Crítica: ‘Escape from the 21st Century’

Sinopsis

Tres adolescentes elegidos por el destino adquieren la facultad de viajar en el tiempo, veinte años hacia adelante y hacia atrás, con un simple estornudo. El futuro resulta ser aún más deprimente que el presente, pero ellos tienen el poder para cambiarlo

Crítica

Cóctel visual y narrativo que captura el espíritu de una generación marcada por el exceso de información y entretenimiento

‘Escape from the 21st Century’ llega con una mezcla de géneros que no teme unir lo absurdo con lo épico. Siguiendo la estela de ‘Todo a la vez en todas partes’, esta película asiática presenta una historia en la que los confusos viajes en el tiempo, las paradojas y el humor se entrelazan en un caos controlado. A pesar de su aparente anarquía narrativa, el filme también intenta reflexionar sobre temas universales, como la importancia de salvar el mundo y a uno mismo. Ambientada en un futuro lejano, en una colonia humana establecida en un planeta en torno a Kepler-160, la historia utiliza la ciencia ficción como un pretexto para recordar que, no importa cuán distantes estemos en tiempo y espacio, los valores como el amor, la amistad y el sacrificio siempre estarán ahí.

Uno de los aspectos más destacables de ‘Escape from the 21st Century’ son sus efectos especiales, que tienen una estética que en España solo tienen un único símil, la películas del cineasta español Javier Fesser. El tono humorístico, absurdo y a veces casi infantil recuerda a las películas de acción real de ‘Mortadelo y Filemón’, en las que la exageración y el slapstick son parte fundamental del lenguaje visual y cómico. La probabilidad de que Fesser esté en la mente del director Li Yang es más remota que el sistema Kepler-160 pero seguro que ambos beben de las mismas fuentes cinéfilas. Además con su imaginación y acción también evoca el estilo de autores japoneses como Hiroya Oku, creador de mangas llenos de fantasía y violencia estilizada, o el director de culto Stephen Chow, conocido por su capacidad para mezclar artes marciales, humor y efectos visuales desmedidos, como en ‘Kung Fu Hustle’, conocida en España como ‘Kung Fu Sion’.

Esta amalgama de referencias hace de ‘Escape from the 21st Century’ una especie de collage cinematográfico. Se siente el espíritu trash ochentero de películas como ‘Turbo Kid’, un film que celebra su bajo presupuesto y abraza lo kitsch, al igual que las películas del prolífico y excéntrico director Takashi Miike, famoso por su capacidad para mezclar géneros y estilos en formas tan dispares como perturbadoras. Hay guiños constantes a la cultura pop occidental y oriental: desde alusiones a Pulp Fiction, al disco más famoso de Nirvana y hasta la elegancia icónica de Audrey Hepburn. La banda sonora, en momentos culminantes, recuerda al estilo jazzístico de ‘Cowboy Bebop’, elevando el clímax emocional y la acción desenfrenada. Incluso el origen de los superpoderes de los personajes parece una réplica directa de la película italiana ‘Le llamaban Jeeg Robot’, subrayando las múltiples influencias que la cinta asume sin complejos.

Sin embargo, a pesar de este despliegue de creatividad, la película no está exenta de pegas. Lo que comienza como una frenética explosión de ideas y originalidad se frena abruptamente durante su nudo. El segundo acto abandona sus excentricidades para centrarse en el drama de sus protagonistas, intentando darles una mayor profundidad emocional. Pero este cambio de tono es torpe, provocando que el filme se sienta adormecido en comparación con su caótico primer acto. La desenfrenada energía millenial, que venía cargada de efectos visuales propios de filtros de redes sociales o de la dinámica de ‘Scott Pilgrim’, se diluye a medida que la trama intenta volverse más introspectiva, algo que podría decepcionar a quienes disfruten más del caos visual y la acción desbordada. Se intenta recuperar el ritmo al final pero no puede evitar cerrar con el arquetípico enfrentamiento ante el final boss.

Siguiendo el ejemplo del humor del filme he de decir que si sois de los que se han hecho prejuiciosos a raíz de la COVID-19 y os da miedo ver a un chino estornudar, esta película va a cambiar ese injusto estigma que se ha creado. Es un tipo de cine más que actual y capaz de competir en cualquier taquilla. Es un cóctel visual y narrativo que captura el espíritu de una generación marcada por el exceso de información y entretenimiento.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Cong 21 Shi Ji an Quan Che Li. Duración: 98 min. País: China. Dirección: Li Yang.  Guion: Li Yang. Música: Xiao’ou Hu. Fotografía: Saba Mazloum. Reparto principal: Ruoyun Zhang, Elane Zhong, Yang Song, Xiaoliang Wu, Yanmanzi Zhu, Leon Lee. Producción: Beijing Enlight Pictures, Desen International Media, Huanxi Media Group, Scity Films. Distribución: YouPlanet. Género: aventura, ciencia ficción, acción. Web oficial: https://www.ewang.com/m/218449-1.html

Crítica: ‘Oddity’

En qué plataforma ver Oddity

Sinopsis

Descubriendo la verdad tras la muerte de la hermana con la ayuda de un maniquí de madera.

Crítica

La capacidad de McCarthy para crear atmósferas inquietantes no es nada casual

Damian McCarthy, el director irlandés emergente conocido por su inquietante ópera prima ‘Caveat’, regresa con ‘Oddity’, una película que demuestra que su capacidad para crear atmósferas perturbadoras y originales no es nada casual. Con su primer largometraje, McCarthy dejó una impresión duradera en el Festival de Sitges 2021, y ‘Oddity’ no solo mantiene el nivel, sino que amplía su repertorio con una mezcla intrigante de suspense y terror que explora temas profundos y universales.

‘Oddity’ es un thriller psicológico que se adentra en el mundo del sobrenatural a través de los sentidos de una protagonista ciega, quien posee una habilidad extraordinaria: puede percibir la esencia de los objetos mediante el tacto. Esta habilidad la convierte en un canal para la comunicación con entidades del más allá y añade una dimensión única al clásico enfoque del terror basado en objetos inanimados, un recurso que McCarthy ya había manejado con maestría en su debut y que aquí rememora al Golem de Praga e incluso a películas de brujería o vudú. En esta ocasión, el director refuerza su habilidad para crear una atmósfera densa y perturbadora, utilizando el espacio físico y los objetos como vehículos de horror.

La trama se desarrolla en un entorno aislado, una elección que McCarthy utiliza nuevamente para intensificar el suspense. Este aislamiento no solo sirve para incrementar el sentido de claustrofobia, sino que también actúa como un catalizador para los eventos sobrenaturales que comienzan a desvelarse a medida que la protagonista explora su entorno e indaga sobre la muerte de su hermana. La película toma el tiempo necesario para desarrollar su historia, dosificando la información de manera efectiva y construyendo una tensión que mantiene al espectador en constante expectativa. Este enfoque en la narrativa es crucial para crear una experiencia envolvente y auténticamente inquietante.

‘Oddity’ no es solo un ejercicio de estilo; también aborda temas profundos como el duelo, la locura y la búsqueda de la verdad. La protagonista se enfrenta a su propio tormento interno mientras lidia con la pérdida y busca respuestas en un mundo que le es tanto familiar como extraño. McCarthy emplea elementos sobrenaturales no solo para provocar miedo, sino también para explorar estos temas con profundidad y sensibilidad. La combinación de estos elementos proporciona una narrativa rica y multifacética que añade peso emocional al terror psicológico que se despliega. Esta no es una película con un kill count alto pero aún así la muerte está presente.

Un aspecto que merece especial atención es la manera en que McCarthy introduce y maneja los jumpscares. En lugar de depender exclusivamente de estos momentos para generar impacto, el director los utiliza con astucia y originalidad. Los jumpscares en ‘Oddity’ son ingeniosos y bien fundamentados dentro del contexto de la historia, evitando la sensación de ser simplemente una táctica para sobresaltar al público sin una conexión con el desarrollo narrativo. Esto demuestra una madurez en la dirección y una comprensión profunda del arte del terror.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Título original: Oddity. Duración: 98 min. País: Irlanda. Dirección: Damian McCarthy. Guion: Damian McCarthy. Música: Richard G. Mitchell. Fotografía: Colm Hogan. Reparto principal: Gwilym Lee, Carolyn Bracken, Tadhg Murphy, Caroline Menton, Steve Wall. Producción: Keeper Pictures, Nowhere, Shudder. Distribución: Versión Digital, Yoda Films. Género: terror. Web oficial: https://keeperpictures.ie/productions/oddity/

Crítica: ‘Exhuma’

En qué plataforma ver Exhuma

Sinopsis

La famosa chamana Hwa-rim y su protegido Bong-gil reciben una gran suma de dinero para reunirse con los descendientes de una familia afectada por una enfermedad peculiar y hablar de sus ritos funerarios. Al percibir el aura siniestra que rodea al nicho familiar, Hwa-rim propone trasladar la tumba, iniciando una peligrosa cadena de eventos sobrenaturales. Terror coreano de calidad con Choi Min-sik (Old Boy) en un papel destacado.

Crítica

Inquietante e interesante 

Una familia atormentada por una extraña enfermedad, contrata a la famosa chamana Hwa-rim y su discípulo para intentar llegar al fondo de todo lo que les está ocurriendo. Todo parece estar relacionado con el enterramiento de un antepasado. Así que deberán desenterrar una tumba e intentar calmar a los espírituos.

‘Exhuma’ está dividida en varios episodios, cada uno de ellos, aunque sigue la historia, nos va contando poco a poco las distintas situaciones de todos los personajes que vamos conociendo. Esto logra que no perdamos el interés de lo que estamos viendo en ningún momento. La cinta atrapa desde el primer minuto.

Encontramos una atmósfera muy bien construida. Oscura, misteriosa, llena de pequeños detalles que nos adentran en el imaginario coreano. Los personajes son bastante planos, pienso que es algo hecho a propósito pues con ellos se logra que lo que nos importe más es lo que nos están contando, que nos fijemos en esos elementos importantes, en los eventos sobrenaturales que van ocurriendo y que no nos distraigan con dramas innecesarios.

Como he comentado, parte de la mitología oriental está en la película. Podemos ver alguna que otra ceremonia chamán para lograr que los malos espíritus se marchen y también vemos alguna que otra criatura, como es el caso de la eopshin, que logra crear bastante malestar cuando es vista.

Jang Jae-Hyun, consigue una película entretenida, pese a su larga duración. Lo que nos cuenta es muy interesante y no llega a perder fuera en ningún momento. Es un acierto el que la vaya dividiendo en pequeños capítuos para conseguir un efecto más dinámico.

En el reparto encontramos al mítico Choi Min-Sik, protagonista de ‘Oldboy’, que nos regala una de las mejores actuaciones de la película, con un personaje muy bien construido. Kim Go-eun, es la encargada de dar vida a la chamana, un personaje muy serio y que tiene mucho trabajo por delante.

Lee Do-hyun, Yoo Hae-jin, Hong Seo-jun, Jeon Jin-ki, Baek Seung-chul o Kim Tae-joon, son parte del reparto de esta gran película.

Ya sabéis que el tema de la fotografía me encanta y sin duda es uno de los puntos fuertes de esta película, Lee Mo-gae, es el que se encarga de todas estas imágenes oscuras, llenas de misterio, con unos colores tenues y bastante deprimentes.

También el sonido es muy importante en ‘Exhuma’. La manera de utilizarlo para mantenernos en tensión es muy buena y sobre todo cuando hacen los rituales, con los tambores, los cánticos, todo ello hace que tengamos cierta tensión en lo que se viene en cuanto acabe la ceremonia.

Poco más que decir, la verdad que la película la he disfrutado mucho y pronto llegará a nuestras salas de cine gracias a Youplanet. 

Ficha de la película

Estreno en España: Próximamente. Título original: Pamyo. Duración: 134 min. País: Corea del Sur. Dirección: Jang Jae-hyun. Guion: Jang Jae-hyun. Música: Kim Tae-seong. Fotografía: Lee Mo-gae. Reparto principal: Kim Go-eun, Choi Min-sik, Lee Do-hyun, Yoo Hae-jin, Derek Chouinard, Hong Seo-jun, Jeon Jin-ki, Baek Seung-chul, Kim Tae-joon. Producción: Showbox Entertainment, MCMC, Pinetown Production. Distribución: Youplanet. Género: Thriller. Web oficial: https://exhuma.de/

Crítica: ‘Spermageddon’

En qué plataforma ver Spermageddon

Sinopsis

Spermageddon es la nueva película de Tommy Wirkola, responsable de éxitos tan irreverentes como Zombis nazis o Noche de paz. En esta ocasión, se ha unido al director de animación Rasmus A. Sivertsen para dar forma a una comedia musical protagonizada por espermatozoides que fue recibida con aplausos en el Festival de Annecy.

Crítica

Un ‘Del revés’ a lo irreverente y pervertido

La mezcla que vivimos con ‘La fiesta de las salchichas’, animación simpaticona desfigurada con diálogos y acción bastante subida de tono, funcionó la mar de bien. No fue el primer ejemplo de ese estilo que tuvimos y no será el último. Ahora Tommy Wirkola, director de ‘Zombies nazis’ o ‘Noche de paz’, se une a Rasmus A. Sivertsen, director de películas de animación infantiles, para llevar a cabo una nueva perversión repleta de inquietudes y humor púber.

Aquellos que crecimos en los 80 podemos decir que ‘Spermageddon’ funciona como una versión retorcida de ‘Érase una vez el cuerpo humano’ acompañada de momentos musicales que por desgracia son bastante olvidables. También podría rememorar a títulos como ‘El chip prodigioso’ y por su humor o la manera de establecer una civilización dentro de nuestros cuerpos, al capítulo de ‘Futurama’ titulado ‘Parasites Lost’. Pero sin duda por cercanía en el tiempo a lo que más se va asimilar esta divertida propuesta es a ‘Del revés’. La gran diferencia es que estamos ante algo que desde la perversión y la burla trata temas como el sexo y los primeros amores.

Vivimos la aventura veraniega y calenturienta de dos protagonistas, un humano y un miembro microscópico de su cuerpo. Un adolescente en edad de darle a la zambomba como si formase parte de un conservatorio y uno de sus espermatozoides, motivado por salir al mundo exterior esquivando peligros como los profilácticos, las masturbaciones o el espermicida. Con internet y la cantidad de estímulos audiovisuales sin censura que nos llegan, a las generaciones actuales casi les sobra “la charla”. Por eso surgen este tipo de películas que sin mojigatería y con mucho descaro narran esa carrera hacia el éxtasis procreativo que iniciamos en cuanto nos crece el vello en ciertas partes y que tienen que hacer nuestras células sexuales para conseguir la fecundación. Evidentemente ‘Spermageddon’ está lejos de ser una clase de educación sexual con todos sus momentos escatológicos y chistes verdes que lejos de la metáfora son tremendamente explícitos. Literalmente es para decir ¿¡qué cojones!?

No la recomendamos ver en su versión original, sobre todo por las canciones. Curiosamente el nombre de los personajes se forma a través de juegos de palabras en inglés con términos como cum, semen o jizz. Pero la sonoridad del lenguaje nórdico resta gracia a los muchos gags de los que dispone.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Spermageddon. Duración: 90 min. País: Noruega. Dirección: Rasmus A. Sivertsen, Tommy Wirkola. Guion: Vegar Hoel, Jesper Sundnes, Tommy Wirkola. Música: Christian Wibe. Reparto principal: Producción: 74 Entertainment, Qvisten Animation. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: comedia. Web oficial: https://www.qvisten.no/work/spermageddon/

Crítica: ‘Apartamento 7 A’

 En qué plataforma ver Apartamento 7 A

Sinopsis

Cuando una joven bailarina (Garner) sufre una lesión devastadora, se ve atraída por fuerzas oscuras cuando una pareja mayor, peculiar y bien conectada, le promete una oportunidad de fama

Crítica

Una gran precuela que hará que muchos descubran la gran obra de Polansky

Natalie Erika James, directora de ‘The Relic’, se adentra en el universo de Ira Levin, autora de ‘El bebé de Rosmery’ y realiza una precuela directa y oficial de ‘La semilla del diablo’ de Roman Polansky.

Este año, debe ser el año de las precuelas, pues ya tuvimos la de ‘La profecía’ eso sí, al menos para mi gusto, con mucho peor resultado que esta de la que os voy ha hablar ahora mismo.

La joven directora ya demostró en su día que sabe perfectamente crear atmósferas bien tenebrosas y llenas de misterio. Aun sabiendo lo que nos vamos a encontrar, sin realmente contarnos nada nuevo, logra que no podamos apartar la vista de la pantalla y que disfrutemos de cada minuto de ‘Apartamento 7 A’.

La historia es sencilla, una bailarina, con una terrible mala suerte, pasa por una mala racha que la hace llegar a un punto de lo que parece no retorno. En un día en el que se desmaya en la calle, es recogida por una pareja de ancianos y directamente se encargan que a partir de ese momento no le falte de nada. Pero como siempre, sus intenciones no son lo que ella espera.

Si habéis visto ‘La semilla del diablo’ no vais a tener sorpresa ninguna, simplemente una película que se disfruta mucho, pero de la que paso a paso iréis descubriendo todo. Pero pienso, que esta precuela va dirigida a los nuevos cinéfilos que aun no han visto la cinta de Roman Polansky y con esto descubrirán una de las joyas del cine de terror de todos los años.

‘Apartamento 7 A’ rescata bastante bien el espíritu de la primera. El terror de ese edificio con sus oscuros pasillos y sus enormes pisos, y por supuesto con sus misteriosos inquilinos. Unos vecinos que se conocen entre todos y que siempre están para ayudar a la joven Terry con sus problemas.

Me encantan los planos que realiza Natalie Erica James, muy cercanos y otros bastante generales con los que juega con las luces y los colores para que no perdamos detalle de nada de lo que está ocurriendo. La puesta en escena es muy artística, estamos hablando de una bailarina y la verdad que juega mucho con el tema de los escenarios, las luces y los vestuarios. Tiene un pequeño homenaje, o al menos así lo he querido ver, hacia ‘Suspiria’ de Luca Guadagnino, no voy a decir que, pero si habéis visto la película del italiano sabréis que es.

Julia Garner, es la encargada de dar vida a Terry, esta bailarina arrastrada a la tristeza y a la desesperación por culpa de que sus sueños están a punto de terminar. A su vez, también nos muestra una mujer fuerte que no se rinde nunca. Está increíble, la película al final es ella y solo con sus gestos, su manera de andar y mirar logra muchísimo.

Junto a ella tenemos a Dianne Wiest y Kevin McNally, dando vida al matrimonio Castevet, que por supuesto, ya aparece en ‘La Semilla del Diablo’. Ambos están bastante correctos y la verdad que su evolución está muy bien trabajada.

Jim Sturgess, Marli Siu, Rosy McEwen, Andrew Buchan, Anton Blake Horowitz, Raphael Sowole, o Tina Gray, son parte del reparto de esta película.

Por ponerle una única pega a la película, es lo que he comentado antes, que realmente no cuenta nada nuevo, tampoco indaga demasiado en esos inquilinos, sabemos quienes son, lo que hacen, pero si que podría haber intentado contarnos algo diferente o ampliar algo su historia.

Pero en general ‘Apartamento 7 A’ me ha parecido una buena película, que recomiendo mucho, hayáis o no, visto su secuela.

 Ficha de la película

Estreno en España: Próximamente. Título original: Apartament 7 A. Duración: 104 min. País: Estados Unidos. Dirección: Natalie Erika James. Guion: Natalie Erika James, Skylar James, Christian White. Música: Isobel Waller-Bridge. Fotografía: Arnau Valls Colomer. Reparto principal: Julia Garner, Dianne Wiest, Kevin McNally, Marli Siu, Nikkita Chadha, Julia Westcott-Hutton, Amy Leeson, Raphael Sowole, Scott Hume, Sean Browne. Producción: Platinum Dunes, Sunday Night. Distribución: Paramount +. Género: Terror. Web oficial:

Crítica: ‘Infinite Summer’

Sinopsis

Durante las vacaciones de verano, Mia y sus amigas prueban una app para meditar que produce experiencias psicodélicas. La investigación policial revela que detrás de la app hay una empresa fantasma, de intenciones desconocidas. Cuando una de las chicas acaba en el hospital y la otra escapa de milagro, Mia se enfrenta a la disyuntiva entre salvar a sus amigas y confesarse ante la policía o unirse a ellas en un viaje hacia lo desconocido.

Crítica

Reflexión visual y filosófica al borde del transhumanismo

‘Infinite Summer’ es una película dirigida por Miguel Llansó, un cineasta conocido en ciertos círculos por su batiburrillo de película ‘Jesus Shows You the Way to the Highway’ en la que muestra su capacidad para fusionar elementos surrealistas y sociales. Se adentra en una visión juvenil y enigmática del futuro cercano, explorando temas de alienación y existencia a través de una narrativa visualmente deslumbrante pero conceptualmente desafiante.

La trama de ‘Infinite Summer’ nos presenta un futuro no tan lejano donde convivimos con las inteligencias artificiales y la realidad aumentada como herramientas de primera necesidad y cotidianidad. La historia sigue a una protagonista (Teele Kaljuvee-O’Brock) que se encuentra pasando el verano con dos amigas, intuimos que los últimos coletazos de las vacaciones pues se cuentan sus viajes recientes. En ese escenario vemos como anhela la atención de una de sus amigas, de la cual, solo recibe el vacío y diversos feos. Llansó emplea esta premisa para ofrecer una crítica aguda de nuestra cada vez más alarmante dependencia de la tecnología, los deseos de la adolescencia y nuestra incapacidad para evadirnos de la realidad por nosotros mismos. De este modo se alinea con la ciencia ficción cyberpunk, prácticamente transhumanista.

Uno de los aspectos más destacados de la cinta es su enfoque visual. Llansó y su equipo creativo han trabajado para construir un ambiente visualmente impresionante que refleja la naturaleza surrealista y frecuentemente psicotrópica del relato. El uso de colores vibrantes, composiciones abstractas y efectos tecnológicos llamativos crea una atmósfera única que refuerza el tono. Este estilo visual no solo enriquece la experiencia estética, sino que también sirve para sumergir al espectador en el estado mental de la protagonista, un verano interminable que podría ser reflejo de su propia desesperación.

El guion de ‘Infinite Summer’ es otro punto focal interesante. Llansó combina diferentes tipos de diálogos, en cierta medida introspectivos, para explorar temas complejos como la identidad o la búsqueda de sentido en la vida. Sin embargo, este enfoque filosófico puede ser un arma de doble filo. Aunque ofrece una reflexión profunda sobre la condición humana, también puede resultar inaccesible para algunos espectadores que buscan una narrativa más lineal o directa. La película se adentra en un terreno abstracto y conceptual, lo que puede desafiar la paciencia de quienes prefieren tramas más convencionales.

En términos de ritmo, la película puede sentirse lenta en algunos momentos. La duración prolongada de las escenas introspectivas puede llevar a una sensación de estancamiento. No obstante, para los espectadores dispuestos a embarcarse en este viaje visual y filosófico, ‘Infinite Summer’ ofrece una experiencia cinematográfica única que desafía las normas del género y la narrativa convencional. En mi opinión personal la película se resume en diversas reflexiones antropológicas que interpreto que giran ante la evidencia de que la mayoría no busca espacio o no tiene capacidad para meditar por si mismo. Es patente que dejamos que la presión social, y lo que es peor, las apps y los dispositivos nos digan como sentirnos. Estamos ante el terror ante la hibridación entre mente y mundo virtual.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Infinite Summer. Duración: 90 min. País: Estonia, España. Dirección: Miguel Llansó. Guion: Miguel Llansó. Música: Laurie Spiegel. Fotografía: Israel Seoane. Reparto principal: Teele Kaljuvee-O’Brock, Hannah Gross, Johanna Rosin, Ciaron Davis. Producción: Lanzadera Films, Tallifornia, Savage Rose Films. Distribución: por determinar. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: https://www.lanzaderafilms.com/Infinite-Summer

Crítica: ‘La sustancia’

En qué plataforma ver La sustancia

Sinopsis

¿Alguna vez has soñado con una mejor versión de ti misma? Tú. Solo que mejor en todos los sentidos.

Tienes que probar este nuevo producto. Se llama La Sustancia.

Genera otra tú. Una nueva tú, más joven, más bella, más perfecta.

Y solo hay una regla: compartes el tiempo. Una semana para ti. Una semana para la nueva tú. Siete días cada una. Un equilibrio perfecto. Fácil. ¿Verdad?

Si respetas el equilibrio… ¿Qué podría salir mal?

Crítica

Bofetada embadurnada de la superficialidad babosa de un videoclip de Benny Benassi y lo más viscoso de Cronenberg

‘La sustancia’ es una película que ha suscitado múltiples reacciones desde su proyección en festivales, y no es para menos, ya que se trata de un thriller de terror y ciencia ficción que, además de sus impactantes escenas visuales, carga con una crítica social profunda. Inicialmente podría haber sido la última película protagonizada por Ray Liotta, pero su inesperada muerte dio lugar al fichaje Dennis Quaid, quien se encargó finalmente de asumir este trabajo, de una manera desatada, he de decir. Sin embargo, más allá de las circunstancias que rodearon su producción, ‘La sustancia’ destaca por su protagonismo femenino y se revela como una reflexión sobre la industria de la imagen y su implacable tratamiento hacia las mujeres que sobrepasan cierta edad. Y aunque ese alegato en contra del olvido que sufren las estrellas femeninas es el eje que vertebra el filme, ‘La sustancia’ funciona también como hipérbole hacia la presión de los cánones estéticos promovidos por las redes sociales.

Una de las claves para entender el género en el que se mueve ‘La sustancia’ es su conexión con la película de culto de serie B, ‘Rejuvenatrix’ de Brian Thomas Jones. Aunque no se trata de un remake oficial, las similitudes temáticas son claras: ambas películas exploran la obsesión con la juventud eterna y las terribles consecuencias mentales que pueden derivarse de ello. Aunque hay un atajo a través de la química no estamos hablando de la obsesión de dos mujeres por ser jóvenes como aquella exploración que llevó a cabo en clave de comedia Robert Zemeckis con ‘La muerte os sienta tan bien’. Si que podemos hablar de una «traición» de la ciencia al estilo ‘La mosca’. Estamos ante una crítica social más agresiva que también tiene algún cruce temático con otra película de Cronenberg como ‘Rabid’. El filme no solo juega con el terror corporal, sino que utiliza la transformación física de sus personajes como una metáfora de algo mucho más oscuro: el miedo, especialmente en la industria de Hollywood, a envejecer, y más específicamente, el temor de las mujeres a ser desplazadas y olvidadas simplemente por no cumplir con los estándares de belleza y juventud. Está repleta de momentos cargados de un erotismo provocador y de ese modo se alza como una bofetada cruda en toda la cara que muta de la superficialidad babosa de un videoclip de Benny Benassi a lo más viscoso del ya citado Cronenberg.

El personaje central, interpretado con notable vulnerabilidad gracias al talento de Demi Moore en tándem con Margaret Qualley, refleja esta angustia de manera devastadora. Su lucha por preservar su apariencia joven a través de medios extremos y peligrosos no es solo un símbolo del horror, sino también una representación real de las expectativas inhumanas que muchas mujeres enfrentan en la industria. Son argumentos heredados de la cultura falocentrista que la directora Coralie Fargeat ya exploraba en ‘Revenge’, pero en esta ocasión se desarrollan con mucho más acierto y crudeza.

Comentaba que el filme tiene algo de Benny Benassi y es que nos adentramos en un mundo de completa belleza plástica. En cuanto al apartado visual, ‘La sustancia’ se apega a muchos de los tropos característicos del cine de terror de serie B. Sus efectos especiales, aunque efectivos en términos de generar horror, no se alejan demasiado de lo que esperaríamos de una producción de este calibre. No obstante, lo que le otorga un valor adicional es su capacidad para entrelazar este terror físico, la casquería, con una crítica mucho más intelectual y de gran relevancia. Las escenas espeluznantes, en las que la protagonista sufre una metamorfosis grotesca y demencial, no solo apelan al horror visceral, sino que nos obligan a reflexionar sobre los sacrificios absurdos que la sociedad demanda. A muchos españoles les puede recordar a las «iniciativas» de la Pedroche. Si en algo acierta esta película es que en la realidad muchas personas llegarían a los extremos del personaje de Moore si tuviesen al alcance las mismas oportunidades. Es en este punto donde ‘La sustancia’ cobra vida propia, alejándose de ser simplemente una película de terror más. Su capacidad para generar impacto va mucho más allá de los sustos baratos o el gore. La verdadera fuente de terror reside en el mensaje que nos entrega: el miedo que sufre a diario las personas que trabajan con su imagen y son conscientes de la huella del tiempo. En una industria que parece obsesionada con la juventud, las mujeres se ven obligadas a recurrir a medidas extremas para mantenerse vigentes, y en este caso, el terror no solo está en la pantalla, también en nuestras casas, desde las que a diario subimos selfies, vídeos y demás giliflauteces. Es la democratización del miedo a no poder vivir de nuestra joven imagen.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de octubre de 2024. Título original: The Substance. Duración: 140 min. País: Reino Unido. Dirección: Coralie Fargeat. Guion: Coralie Fargeat. Música: Raffertie. Fotografía: Benjamin Kracun. Reparto principal: Demi Moore, Margaret Qualley, Dennis Quaid, Gore Abrams, Tom Morton. Producción: Working Title Films, A Good Story, Blacksmith. Distribución: Elástica Films, Filmin. Género: terror, ciencia ficción. Web oficial: https://elasticafilms.com/catalogofilms/la-sustancia/

Crítica: ‘Nightwatch: Demons Are Forever’

En qué plataforma ver Nightwatch: Demons Are Forever

Sinopsis

La hija de Martin, Emma, se reúne con Wörmer en su celda de aislamiento, lo que saca al comisario convicto del coma y pone en marcha una cadena de acontecimientos fatídicos.

Crítica

Se ahoga en sus propios fantasmas emocionales

Secuela del título danés de 1994 que también estaba dirigida por Ole Bornedal (‘The Possession: El origen del mal’) y contaba con Nikolaj Coster-Waldau como protagonista. Su hija (Fanny Leander Bornedal, hija también del director) indaga sobre el trágico pasado de este vigilante nocturno, sobre el cual pesa la sombra de la muerte y el crimen.

Ambos se sumergen en una trama en la que se mezclan con los fantasmas interiores con los secretos. Historia de serial killer e imitador. De fetiches y problemas mentales. Sobre todo de dramas y traumas. Esto último ralentiza la trama y la somete a la pesadumbre y la aflicción, lo cual se hace aburrido. ‘Nightwatch: Demons Are Forever’ parte de una premisa interesante, pero se estanca rápidamente en un intento de profundizar en el tormento emocional de sus personajes, lo que acaba entorpeciendo la dinámica narrativa.

Si bien la atmósfera lúgubre y el juego de luces y sombras rememoran los elementos más inquietantes de su predecesora, esta secuela parece no tener claro si quiere ser un thriller psicológico o una película de terror. La mezcla de géneros no es tan fluida como en el original, y eso le resta coherencia al desarrollo de la trama. Los intentos por mantener el suspenso se ven empañados por largas escenas de introspección que, en lugar de generar empatía o conectar con los miedos más profundos de los protagonistas, resultan monótonas y forzadas.

Por otro lado, las actuaciones son dispares. Fanny Leander Bornedal, quien interpreta a la hija del personaje de Coster-Waldau, no logra aportar la fuerza emocional necesaria en su papel, lo que contrasta con la sobriedad del propio Nikolaj, quien retoma su rol con más eficacia. La química entre ambos personajes, crucial para sostener la carga emocional de la historia, se siente débil y no alcanza el peso que la película necesita para involucrar al espectador.

La historia de ‘Nightwatch 2’ cuenta con algún que otro giro que dispuesto dentro de otra narrativa más ágil habría sido interesante, pero se presenta de manera predecible y sin el impacto necesario. Incluso los elementos truculentos, que deberían haber sido una herramienta poderosa para intensificar el miedo y el misterio, se sienten desaprovechados, relegados a meros sobresatos puntuales que no logran sostener la tensión. Por lo menos es conclusiva y no promete tercera.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre e 2024. Título original: Nattevagten – dæmoner går i arv. Duración: 110 min. País: Dinamarca. Dirección: Ole Bornedal. Guion: Ole Bornedal. Música: Ceiri Torjussen. Fotografía: Lasse Frank Johannessen. Reparto principal: Nikolaj Coster-Waldau, Kim Bodnia, Fanny Bornedal. Producción: Nordisk Film Production. Distribución: Filmax, Divisa Films. Género: suspense, terror. Web oficial: https://www.nordiskfilm.com/business-areas-0/nordisk-film-production

Crítica: ‘Twilight of the Warriors: Walled In’

En qué plataforma ver Twilight of the Warriors: Walled In

Sinopsis

En los años ochenta, el único lugar de Hong Kong donde no se aplicaba la ley británica era la temida Ciudad Amurallada de Kowloon, un enclave entregado a las bandas y al tráfico de todo tipo. Huyendo del poderoso jefe de las tríadas Mr. Big, un inmmigrante ilegal se refugia en Kowloon City, donde es acogido bajo la protección de Ciclón, su líder.

Crítica

Una curiosa aberración histórica a través de una vibrante acción fantasiosa

Basada en ‘City of Darkness’, la obra de Li Jun, ‘Twilight of the Warriors: Walled In’ nos recuerda una de las mayores aberraciones creadas por el hombre a partir de las crisis humanitarias, los abusos de poder y la construcción desmedida. Hablamos de Kowloon, una ciudad de unos mil años de antigüedad que alcanzó su cúspide y a la vez miseria en la segunda mitad del siglo XX. Llegó a acoger a más de 50.000 personas y se encontraba dentro del Hong Kong británico pero no formaba parte ni de la colonia ni del gobierno chino. Tierra de nadie, refugio de delincuentes, de refugiados indocumentados o de simplemente humildes trabajadores sin recursos.

Para horror de los partidarios de los rodajes sostenibles, para rodar la película supuestamente hicieron una réplica a escala real que después demolieron. Este lugar que estaba limitado en cuanto a lo horizontal por los territorios colindantes y en lo vertical por el espacio aéreo, es el escenario para una película de artes marciales místicas y mafiosos. Emigrantes, bandas criminales emergentes, luchas de poder, un joven adentrándose en un agujero de delincuentes y venganzas enquistadas… Casi parece que hablamos de ‘Gangs of New York’ pero la película de Soi Cheang tiene un carácter diferente. La ciudad aparece retratada también como una verdadera aberración humana hecha a retales pero el toque oriental le da dos importantes rasgos de diferenciación.

Por un lado la fotografía logra crear imágenes que parecen sacadas de una película de terror japonés (J-Horror), con sombras densas, callejones opresivos y multitud de detalles mugrientos que transforman a Kowloon en un personaje tan aterrador como cualquier villano. Por otro está el género, la acción. El filme no es de estos que den poco descanso al espectador y a su protagonista, pero cuando vemos acción la cosa se pone vertiginosa. Soi Cheang ha optado por secuencias acrobáticas que bien se podrían haber amoldado como herederas al cine del hongkonés Jackie Chan. Pero va más allá, entrando en el terreno de lo fantasioso y a muchos les va a rememorar a las películas de Jet Li o a las del también hongkonés Chow Yun-Fat, donde las coreografías sobrepasan lo imposible. Este extremismo tiene un doble filo: mientras mantiene al espectador entretenido, también socava cualquier intento de realismo o conexión emocional más profunda. Pero si sabes a lo que vas, a la acción sin límites, ‘Twilight of the Warriors: Walled In’ no te decepcionará.

El filme puede servir para dar a conocer a la estrella china Raymond Lam, sobre todo si se culmina su aspiración a participar en los Oscar. Quizá habría ganado enteros si hubiese aprovechado su curiosa historia para lanzar algún tipo de mensaje que fuese más allá de la venganza y el poder de los criminales. Lejos de buscar un matiz social a las rencillas que dan pie a esta película no se compromete a explorar nada profundidad. Y por si fuese poco los giros de guión se perciben demasiado fortuitos, a veces casi telenovelescos.

El filme está dedicado a Bruce Yu, cuyo arte y vestuario conoceréis si habéis visto películas como ‘Detective Dee’ o ‘Mulan’ (la china de 2009). No dudo que ‘Twilight of the Warriors: Walled In’ le habría venido como anillo al dedo.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Jiu Long cheng zhai · Wei Cheng. Duración: País: Hong Kong. Dirección: Soi Cheang. Guion: Au Kin-Yee, Chan Tai-Lee, Li Jun, Kwan-Sin Shum. Música: Kenji Kawai. Fotografía: Cheng Siu-Keung. Reparto principal: Raymond Lam, Louis Koo, Sammo Kam-Bo Hung, Richie Jen, Chun-Him Lau, Philip Ng, Tony Tsz-Tung Wu. Producción: Entertaining Power, HG Entertainment Film Company, Lian Ray Pictures, Media Asia Films, One Cool Film Production. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: acción, suspense. Web oficial: https://entertainingpower.com/portfolio-items/twilight-of-the-warriors-walled-in-3/?portfolioID=53

Crítica: ‘El segundo acto’

En qué plataforma ver El segundo acto

Sinopsis

Florence quiere presentarle a David, el hombre del que está locamente enamorada, a su padre. Pero David no se siente atraído por ella y quiere arrojarla a los brazos de su amigo Willy.

Crítica

Quentin Dupieux es una fuente inagotable de ideas

Si hay un director que ejerce como autor manteniéndose fiel a su estilo en la actualidad ese es Quentin Dupieux. Caracteriza su cine una mezcla de lo ridículo y lo ingenioso. Pero siempre procura innovar de alguna manera. Con ‘El segundo acto’ incorpora alguna escena cruda y momentos satíricos que nos hacen pensar que se acerca al estilo de Lanthimos pero sin olvidar que lo suyo es el absurdo.

‘El segundo acto’ es una comedia surrealista en la que Quentin Dupieux sigue fiel no solo a su estilo peculiar, sino también a algo que viene haciendo en los últimos estrenos con películas como ‘Daaaaaali!’ o ‘Fumar provoca tos’, que viene a ser ofrecernos una narrativa con giros inesperados y montajes desconcertantes. En esta ocasión la baza que juega el director y DJ francés es la de mezclar realidad con ficción, lo cotidiano con lo irracional.

Nos presenta primero a un hombre agobiado y estresado para posteriormente dejarle en el banquillo. Nos lleva a continuación por una trama compuesta solo por cuatro personaje que se antoja la mar de sencilla pero que se complica en cuanto a cómo se mezcla lo actoral con lo real. El filme está a medio camino entre lo que buscan los muy cafeteros de Dupieux y lo apropiado para acercarse por primera vez a su cine. Si bien no es una obra para todos los gustos, es un viaje que recompensa a quienes están dispuestos a aceptar el surrealismo como una exploración de lo absurdo en la vida moderna. Puede ser desconcertante para algunos espectadores, ya que el filme desafía las convenciones narrativas y nos invita a sumergirnos en un caos controlado.

Romper la cuarta pared es poco para Dupieux que destruye esquemas atreviéndose además más que nunca con temas actuales que presentan dilemas morales y tecnológicos. ‘El segundo acto’ podría ser un alegato contra aquello que amenaza la espontaneidad y naturalidad de lo humano. Quizá, como argumentación en favor del trabajo que cuesta hacer una película a mano y sin herramientas como la IAs (aunque este genio hace dos al año) ha dejado unos peculiares créditos.

La película tiene momentos de pura brillantez cómica, aunque también puede sentirse tragicómica por lo que les pasa a algunos personajes. ‘El segundo acto’ destaca por su capacidad de sorprender constantemente. Será un reto para algunos espectadores y sin duda lo ha sido para los actores. El filme dispone de varios planos secuencias, que no tienen mérito técnico alguno pues se habrán rodado con suma facilidad. Sin embargo, actores de la talla de Léa Seydoux, Vincent Lindon, Raphael Quenard y Louis Garrel habrán tenido el desafío de aprenderse unas largas línea de texto. Y es que Dupieux también se caracteriza por ser capaz de engancharnos con diálogos largos e incluso redundantes, pero nunca extenuantes.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de enero de 2025. Título original: Le deuxième acte. Duración: 85 min. País: Francia. Dirección: Quentin Dupieux. Guion: Quentin Dupieux. Fotografía: Quentin Dupieux. Reparto principal: Léa Seydoux, Vincent Lindon, Raphael Quenard, Louis Garrel, Manuel Guillot. Producción: Chi-Fou-Mi Productions, Arte France Cinéma, Canal+, Netflix, ARTE, Ciné+, Cinéaxe 5, Cofinova 21. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial:

Crítica: ‘Joker: folie à deux’

En qué plataforma ver Joker 2

Sinopsis

Arthur está internado en el psiquiátrico de Arkham en espera de juicio por los crímenes que cometió como Joker. Mientras lucha con su doble personalidad, Arthur no sólo se da de bruces con el amor verdadero, sino que también encuentra la música que siempre ha estado dentro de él.

Crítica

Un caos de capricho musical y desconexión narrativa

‘Joker: Folie à Deux’, la esperada secuela del aclamado filme de 2019 dirigido por Todd Phillips y protagonizado por Joaquin Phoenix, es un experimento cinematográfico que intenta capturar la esencia psicótica y caótica del famoso villano de cómic, algo que se hizo ya en su primera película de orígenes pero en esta ocasión adopta una perspectiva más peculiar y arriesgada. Aunque el resultado es ambicioso y unos pocos de sus elementos son dignos de elogio, tiene fallos que podrían hacer que no conecte con los espectadores.

La elección de abordar esta secuela como un musical es, sin duda, la decisión más arriesgada. Este giro hacia lo musical es interesante, pues refleja el concepto del ‘folie à deux’. El delirio compartido entre dos individuos se expresa de la misma manera que la música es capaz de llevarnos a personas diferentes al mismo estado mental o anímico. Mientras determinadas secuencias musicales logran capturar el desorden psicológico de Joker y Harley Quinn, la mayoría pueden sentirse forzadas y sacan al espectador de la oscura atmósfera que Phillips había establecido en la primera entrega. La transición entre la cruda realidad y el espectáculo musical no siempre es fluida, lo que provoca una desconexión en el tono de ‘Joker 2’. Por no decir que desdibuja la excelente banda sonora de Hildur Guðnadóttir. El recurso es sencillo, cambio a música y color para mostrar la enajenación que comparte el duo, pero el filme se olvida poco a poco de ello, perdiéndose en una concatenación de temas nada pegadizos. Incluso hay que decir que seguidores de la primera entrega (entre los cuales me cuento), que esperaban una secuela igual de sombría, psicológica e incluso social, podrán sentirse desconcertados por este enfoque que se percibe completamente aburrido.

En cuanto a la actuación, Joaquin Phoenix vuelve a entregarse por completo a su papel como Arthur Fleck, ofreciendo una actuación tan inquietante y perturbadora como en ‘Joker’. En este ‘Joker 2’ Phoenix explora las profundidades de la psique del villano de Batman, ahora enfrentando no solo su locura interna, sino también su extraña relación con Harley Quinn y la reacción de la sociedad. La incorporación de Lady Gaga como el amor del también conocido como El Guasón en ciertos países añade poco carisma la película. Al margen de lo que se puede haber modificado el originen de este personaje, la relación con el Joker se desenvuelve a través de números musicales y momentos muy poco coreografiados que parecen surgir de las mentes desquiciadas de los protagonistas. Por desgracia es patente que a Gaga le resulta difícil salir de lo videoclipero y es una pena pues ya ha demostrado con otras películas que puede ser buena actriz. Su Harley Quinn es menos caricaturesca que versiones anteriores del personaje, pero al menos muestra una vulnerabilidad que permite al espectador entender su caída en la locura compartida con Arthur. La relación actoral entre ambos actores es ligeramente palpable aunque la dinámica de su relación podría haberse desarrollado de manera más profunda en ciertos momentos.

Narrativamente, ‘Folie à Deux’ continúa el viaje de Arthur Fleck hacia su consolidación como el Joker, pero lo hace de una manera más abstracta. La trama es menos lineal que en la primera película, lo que puede dificultar la conexión emocional con los personajes. Phillips parece más interesado en explorar los aspectos psicológicos y surrealistas de la locura compartida, lo que deja a la trama en un segundo plano. Aunque esta exploración es intrigante, puede sentirse algo excesiva y a veces dispersa.

La estética de la película sigue siendo irreprochable, con una fotografía que acentúa la decadencia o el caos del Gotham (sobre todo Arkham) en el que viven los personajes y la extrema delgadez a la que ha tenido que llegar Phoenix, pareciéndose cada vez más a Robe Iniesta. Sin embargo, en algunos momentos, la dirección artística parece priorizar el estilo sobre la sustancia, lo que contribuye a la sensación de que la película se centra más en impresionar visualmente que en desarrollar una narrativa coherente.

Solo pocos lectores de DC Comics encontrarán aquí la versión del Joker que les gusta, un hombre desquiciado y maltratado por la sociedad. La película de Todd Phillips está lejos y parece que no tiene en mente dar al archienemigo de Batman el estatus de mafioso o de jefe de banda. Tal es así que si nos paramos a identificar guiños hay muchas más referencias a shows musicales o películas como ‘Willy Wonka’ o ‘Los paraguas de Cherburgo’ que a los cómics en sí. Puestos a obviar la fuente comiquera y rendir tributo a musicales… si se hubiese seguido la dinámica de obras como ‘Sweeney Todd’, habría funcionado mucho mejor, en mi opinión. Pero al menos la esencia demente de Joker está presente en ‘Joker 2’. Habiéndose alcanzado esto en la primera entrega, uno se pregunta si este nuevo largometraje es una transición experimental hacia una tercera parte o si ha sido simplemente un capricho un tanto snob.

Por cierto. ¿Estamos todos de acuerdo en que el detalle que se ve al final al fondo y desenfocado es un guiño a la teoría de más de un Joker y por extensión al de Heath Ledger?

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de octubre de 2024. Título original: Joker: folie à deux. Duración: 138 min. País: EE.UU. Dirección: Todd Phillips. Guion: Scott Silver, Todd P. Música: Hildur Guðnadóttir. Fotografía: Lawrence Sher. Reparto principal: Joaquin Phoenix, Lady Gaga, Brendan Gleeson, Catherine Keener, Zazie Beetz. Producción: DC Entertainment, Joint Effort, Village Roadshow Pictures. Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, musical, adaptación. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/joker-folie-a-deux

Crítica: ‘El hoyo 2’

En qué plataforma ver El hoyo 2

Sinopsis

Clic para mostrar

Una misteriosa figura ha conseguido establecer una ley en El Hoyo para repartir alimento de manera uniforme entre todos los niveles. Sin embargo, el frágil equilibrio se ve amenazado cuando algunos prisioneros desafían el sistema, desatando una cruenta batalla entre dos bandos irreconciliables.

Crítica

Una pequeña ampliación de este degradante mundo

Siendo como fue un fenómeno a nivel mundial era de esperar que ‘El hoyo’ tuviese segunda parte, obvio. ‘El hoyo 2’ vuelve a Netflix y tal y como hicimos con la primera parte cuando la vimos en el Festival de Sitges os recomendamos ver esta nueva entrega. Garlder Gaztelu-Urrutia explora de nuevo nuestra cara más vil y a la vez la más solidaria a través de la ciencia ficción y un agujero que profundiza de nuevo con mucho propósito. No nos encontramos ante una segunda película de esas que intentan estirar el chicle así porque sí y descubrimos que el largometraje tiene su sentido.

En su día fue comparada con ‘Cube’ o con un cortometraje de Denis Villeneuve. Al igual que en la saga iniciada por Vincenzo Natali la vida dentro de este tubo o agujero tiene otras maneras de transcurrir. Hay otros tipos de trampas pero también otras formas de sobrevivir ya que en esta etapa vemos como existe una especie de “sociedad” sujeta a unas normas. Si la anterior entrega mostraba una visión desesperanzadora de nuestra especie esta, que no os diré si es secuela o precuela, al menos comienza con unos brotes de optimista esperanza, de credibilidad hacia nuestro espíritu de comunidad. Pero evidentemente sin conflicto no hay película y se generan situaciones que bien podrían ser tal y como se muestran en ‘El hoyo 2’ pues todos sabemos cómo es nuestra propia naturaleza.

Para los que no hayan visto la primera parte el planteamiento es muy simple. Voluntariamente, cada uno con sus razones, los personajes admiten ser encerrados en El Hoyo con una sola pertenencia. Ahí son distribuidos por niveles y parejas. Cada día desciende una plataforma con comida, con el plato preferido que haya elegido cada uno. Cada mes se redistribuyen los niveles, con lo que aumenta el riesgo de que no te llegue comida ya que puedes aparecer en los pisos más profundos de este agujero.

De nuevo la historia no sale del recinto de hormigón, ni siquiera para contarnos el trasfondo del matemático a priori enajenado y pirómano de Hovik Keuchkerian ni la de la artista interpretada por Milena Smit. Ellos son los dos principales protagonistas aunque podemos adelantar que hay más personajes que en la anterior entrega. ‘El Hoyo 2’ mantiene bien el suspense y hace evolucionar correctamente a sus personajes pues tienen un trabajado arco narrativo.

La única pega que le pongo a esta película es similar a la de la primera parte. Se plantea una especie de enigma o metáfora con unos niños que quizá es demasiado difícil de interpretar. Seguramente recordaréis la conclusión de la primera entrega y el debate que suscitó. Está claramente injertada para causar ruido tras la película, la discusión posterior al visionado siempre es promoción a 0€ de coste. Pero a pesar de ello hay que alegrarse pues no todo es misterio y ‘El Hoyo 2’ nos brinda nuevas imágenes sobre cómo es el funcionamiento de este presidio.

El diseño de producción y las escenas de acción son muy similares a las de la primera parte, si acaso llevadas a mayor escala, no hay mucho que añadir al respecto. Nos pica la curiosidad por el encuentro final y descubrir realmente qué significan todas las cuestiones que se plantean. Ojalá suceda como en la tercera parte de ‘Cube’ (‘Cube Zero’) y se animen a mostrarnos la trastienda de esta peculiar estructura. Me quedo a la espera de ver pronto una nueva entrega de este universo, así como el siguiente proyecto que prepara este director con el mismo equipo, que de momento se titula ‘Rich Flu’, también tratará sobre la lucha de clases y también se presentará en el Festival de Sitges.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de octubre de 2024. Título original: El hoyo 2. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Garlder Gaztelu-Urrutia. Guion: Pedro Rivero, Galder Gaztelu-Urrutia, Egoitz Moreno, David Desola. Música: Aitor Etxebarria. Fotografía: Jon Sangroniz. Reparto principal: Milena Smit, Hovik Keuchkerian, Natalia Tena, Óscar Jaenada, Zorion Eguileor, Albert Pla. Producción: Basque Films. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: https://www.netflix.com/us-es/title/81284730

Crítica: ‘El ocaso de los dioses’

En qué plataforma ver El ocaso de los dioses

Una de las explotaciones más salvajes del imaginario nórdico

Netflix ha estrenado hoy 19 de septiembre ‘El ocaso de los dioses’, lo nuevo de Zack Snyder. Y habiendo visto la serie hace una semana no hemos podido hablar de ella hasta ahora pues teníamos firmado un embargo por el cual nos comprometíamos a mantener en secreto nuestra opinión. No entendemos este recelo hacia una serie que merece toda la difusión posible pues va a hacer que los suscriptores de Netflix se olviden del batacazo de ‘Rebel Moon’.

Os esperan 8 episodios en los que Snyder (que ha dirigido primero y último y producido el resto a través de The Stone Quarry) juega con la mitología nórdica y germánica. Tal es el recreo que se da con estos personajes que alarga en exceso el clímax final (todos tenemos la sensación de que ‘Rebel Moon 2’ es un tercer acto en su totalidad). Pero el resto de la serie es una epopeya en términos de ‘La Odisea’ que ronda el Ragnarök o destino de los dioses. Loki, Thor, Odin, Baldr, Hela, los Gigantes de Jötunheim, las Valkirias… son personajes a los que se tiene que enfrentar la protagonista.

‘El ocaso de los dioses’ es la historia de Sigrid, una guerrera con la que se quiere desposar el rey Leif Erikson pero cuyo romance es interrumpido por Thor, el cual les condena a una aventura de esas que rememoran a las gestas de Odiseo. Sigrid y el rey Leif son el eje con su viaje, amor y venganza suicida, pero la serie explota mucho más que un romance. La mitología nórdica es sometida al estilo narrativo de Snyder por lo que vais a ver a unos personajes muy superheróicos y mucha acción sangrienta. Pero se antepone el sentido de lo romántico, la poesía, la mitología, el lenguaje visual… Aquellos que amen las historias paganas van a encontrar gustosamente muchas referencias cargadas de magia y cuento.

En muchas ocasiones ‘El ocaso de los dioses’ se compone como un choque de pueblos de tintes artúricos. No obstante a mi lo que me ha venido a la cabeza es que es lo que no pudo ser el ‘Dioses de Egipto’ de Proyas. Por supuesto es inevitable acordarse de ‘300’ pero la tónica es diferente al no estar presente la influencia de Frank Miller. Os podéis hacer una maratón épica viendo también ‘Sangre de Zeus’ pues lleva de igual modo la violencia y el sexo explícito a las historias que enfrentan a deidades con mortales. Si sois lectores de cómic, os podéis hacer una idea de cómo es esta serie si os digo que tiene una manera de enfocar las historias clásicas muy al estilo del ’Beowulf’ de David Rubín.

La animación está realizada por Xilam Studios y en su versión original ponen voces Sylvia Hoeks como Sigrid y Stuart Martin como Leif. También cuenta con las voces de Pilou Asbæk, Jamie Clayton, Kristofer Hivju, John Noble… En castellano está estupendamente bien doblada por Laura Monedero, José Posada, José García Tos, Jordi Boixaderas… Id al final de los créditos y buscadlos pues sus voces os sonarán.

Crítica: ‘El Pingüino’

En qué plataforma ver El Pingüino

Prolongando las intenciones realistas y oscuras de ‘The Batman’

Llega el spin-off derivado de la película ‘The Batman’ del 2022 dirigida por Matt Reeves, el cual, está involucrado en este proyecto. La actuación que le valió muchos premios, nominaciones y elogios a Colin Farrell como Oswald Cobblepot, superando con creces a versiones como las de las series animadas o la de Robin Lord en la serie ‘Gotam’, ha dado paso a esta producción, ‘El Pingüino’. Desde luego el sacrificio bajo los kilos de maquillaje han merecido la pena pues se ha ganado su propia serie cuyo estreno es este 20 de septiembre en Max España.

Esta nueva producción de Warner/Max/DC viene a mostrarnos una versión menos conocida para el público general pero si muy controlada por los coleccionistas de cómics. Alineándose con éxitos distribuidos por HBO como ‘Los Soprano’, ‘Gomorra’ o ‘Boardwalk Empire’, ‘El Pingüino’ supone una historia más de mafiosos. Si desafiando toda probabilidad tras iniciar la serie no tenéis esa sensación esperad a ver la aparición de una cara conocida del clan de los Soprano. Las familias Falcone y Maroni, facciones mafiosas muy presentes en el legendario de DC Comics, hacen su aparición de nuevo. Son estirpes cruciales siempre en la historia del Pingüino durante su ascenso desde el nivel de mero esbirro a la cumbre del hampa. Con ellos vivimos una especie de ‘El Padrino’. Al igual que Batman no siempre ha sido un héroe de acción, en otras épocas se le esbozaba más como un extravagante detective, el Pingüino no ha aparecido en toda su historia como un supervillano con artilugios y excentricidades. En gran parte de sus versiones aparece como un criminal con aires de grandeza que hace uso de todo tipo de artimañas y puñaladas. Eso es principalmente lo que intenta mostrar esta nueva serie, que prolonga las intenciones de ‘The Batman’ de recrear un mundo más realista.

Estamos por lo tanto ante una secuela directa de la película. Arranca desde el caos de las explosiones provocadas por el Enigma de Paul Dano y nos ofrece algún que otro flashback. Pero sobre todo consiste en seguir los pasos de un Pingüino más humanizado que nunca por una Gotham que como siempre es sucia, criminal y decadente. Farrell mantiene el nivel interpretativo de la película mostrándose como ese tullido deformado que juega a dos bandas, pero la duración es mayor y necesita desahogos. La inclusión de la actriz Cristin Milioti y el mítico Clancy Brown le hacen mucho bien pues le dan estupendas réplicas. Lo malo es que se percibe que esta es una serie y por mucho que se calquen algunos planos e incluso melodías de la película la calidad tanto fotográfica como narrativa decae. Pero hay otro fichaje a subrayar, el del joven Rhenzy Feliz. Interpreta a uno de los muchos huérfanos de Gotham y el Pingüino le acoge bajo su paraguas (capten la referencia los lectores) como su chófer para llevar a cabo sus tejemanejes y misiones. Con esta incorporación y al volante de un deportivo morado la serie a veces nos recuerda al GTA.

Los primeros episodios, los que hemos podido ver, están dirigidos por el director Craig Zobel (‘La caza’ y series como ‘Westworld’, ‘The Leftovers’ o ‘American Gods’). Se nota mucho el formato serie aunque a veces es capaz de imitar lo visto en ‘The Batman’, sobre todo en lo referente a la interpretación de Colin Farrell, la fotografía y algunas escenas de acción. Evidentemente introduce elementos de los cómics y de la película, pero están bastante diluidos y eso se acentúa cuando llegan los capítulos dirigidos por Helen Shaver. En resumen. Si te gustan las historias de mafiosos con un toque retro o la visión más terrenal de los villanos hasta el punto en que podría encajar con el Joker de Phoenix esta es tu serie. Si buscas parafernalia pintoresca y colorida, lo siento, este no es un mundo de mallas.

Crítica: ‘Justicia artificial’

En qué plataforma ver Justicia artificial

 

Sinopsis

Clic para mostrar

El gobierno anuncia un referéndum para aprobar un sistema de Inteligencia Artificial en la Administración de Justicia que promete automatizar y despolitizar la justicia sustituyendo, en la práctica, a los jueces y juezas de todos los tribunales del país.

El referéndum desata una encarnizada campaña electoral en la que se enfrentan el Gobierno, en alianza con la tecnología creadora del sistema, y la carrera judicial, que defiende el carácter humano de la justicia.

Carmen Costa, una reconocida jueza, es invitada a trabajar en el desarrollo del proyecto, pero la repentina desaparición de Alicia Kóvack, creadora del sistema, provoca una gran desconfianza en ella, hasta el punto de entender que está descubriendo la punta del iceberg de una conspiración que pretende controlar, desde la justicia, a todo un país

Crítica

Interesante thriller con un debate muy actual

Llega a nuestras pantallas ‘Justicia artificial’, una película dirigida por Simón Casal y con guion del propio director junto a Victoriano Sierra Ferreiro.

‘Justicia artificial’ nos trae una historia del que podría ser nuestro futuro, no solo español, sino mundial. El Gobierno decide poner fin a las esperas en el terreno judicial, anunciando un referéndum para aprobar un sistema de Inteligencia Artificial en la Administración de justicia. Con ello, promete automatizar y despolitizar la justicia, sustituyendo, en la práctica, a los jueces y juezas en todos los tribunales del país. Una reconocida jueza, es invitada a trabajar en el desarrollo del proyecto.

La película es un gran thriller, en el que vemos la desconfianza de unos y la seguridad de otros. Una muerte en extrañas circunstancias, conspiraciones y un gran debate sobre si estamos realmente preparados para las IAs, es lo que nos da ‘Justicia artificial’.

Me ha gustado bastante la película, está muy bien dirigida y el ritmo es muy dinámico. El estar rodada en Galicia le da un tono oscuro y triste que a la historia le viene de fábula. Nos crea mucha tensión el no saber exactamente quien está detrás de todo lo que parece una gran conspiración y la verdad los guionistas juegan muy bien las cartas.

Toda la fuerza de la película recae sobre Verónica Echegui, que está estupenda, Concha, su personaje, se enfrenta a un gran problema, si ayudar a una IA a que su trabajo desaparezca o intentar ver fallos en el sistema, además de intentar averiguar de todo lo que está pasando y porque la prisa de introducir este sistema por parte del Gobierno.

A la actriz la acompañan Tamar Novas, Alba Galocha, Lúcia Moniz, Alfonso Pimentel, Paula Morado, Ledicia Sola, Xabier Deive y Alberto Ammann entre muchos otros.

La sobriedad de la fotografía de Diego Cabezas viene muy bien en esta historia, donde lo que nos importa es lo que nos están contando. Es muy sencilla, pero se nota que es a propósito. Eso sí, las escenas en el mar nos dan una nostalgia y tristeza que hace que nos sintamos como la protagonista y logra que vayamos conociendo un poco sus sentimientos.

‘Justicia artificia’ es una película que, aunque no vaya a ser un bombazo, si que es muy recomendable, va a dar debate después de su visionado. Porque como digo, es muy actual, es algo que no creo que a corto plazo, pero si que pienso, que a largo plazo comenzaremos a ver este tipo de noticias en nuestras televisiones, pues la Inteligencia Artificial, cada día está más presente en nuestras vidas. 

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de septiembre de 2024. Título original: Justicia artificial. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Simón Casal. Guion: Simón Casal. Música: Sofía Oriana Infante. Fotografía: Diego Cabezas. Reparto principal: Verónica Echegui, Tamar Novas, Alba Galocha, Aberto Ammann, José Alfonso Pimentel, Elea Petit, Monti Castiñeiras, Marco D’Almeida, Melania Cruz, Ledicia Sola, Xabier Deive. Producción: Abano Producions, Amazon Prime Video, Axencia Galega das Industrias Culturais, ICAA. Distribución: A Contracorriente Films.  Género: Thriller. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/artificial-justice-1

Crítica: ‘Transformers One’

En qué plataforma ver Transformers One

Sinopsis

TRANSFORMERS ONE es la historia jamás contada del origen de Optimus Prime y Megatron y de cómo pasaron de ser hermanos de armas que cambiaron el destino de Cybertron para siempre, a convertirse en enemigos acérrimos. La primera película de Transformers animada totalmente por CGI, cuenta con un reparto de voces repleto de estrellas, como Chris Hemsworth, Brian Tyree Henry, Scarlett Johansson, Keegan-Michael Key, Steve Buscemi, con Laurence Fishburne y Jon Hamm.

Crítica

Capaz de transformar a nuevos fans y retener a los del canon original

Hasbro, Paramount y Michael Bay continúan sacando partido a su asociación y haciendo películas con los personajes de los juguetes y series animadas que nacieron a mediados de los ochenta en Japón. Tras una serie de películas que han sido cada vez peor valoradas por la audiencia, pero que irónicamente han conseguido recaudar de media en taquilla más de cinco veces de lo que han costado, llega una nueva entrega. Pero hay cambios sustanciales que hacen de ‘Transformers One’ un nuevo atractivo que intentará recuperar el “bajón” que supuso ‘El despertar de las bestias’, la cual, solo duplicó sus costes.

Para empezar ‘Transformers One’ busca conectar con público adulto e infantil de dos maneras. En primer lugar a través del formato animado, siempre más agradable para las audiencias jóvenes, más fácil de exportar a merchandising y en sintonía con el formato que vio nacer a los autobots y decepticons. En segunda instancia con un tono cómico que hace de esta franquicia algo mucho más desenfadado y alejado de la oscuridad y catastrofismo al que habían llegado con ‘Transformers: el último caballero’. Todo esto nos lleva a repetir el acertado cambio de dinámica que experimentamos con ‘Bumblebee’. Esta nueva entrega ha sido dirigida por Josh Cooley, guionista de ‘Toy Story 4’ y ‘Del revés’, tiene dosis de acción y comedia por doquier. Entre transformaciones, gags y un batiburrillo de robots y arquitectura metálica se vislumbra un discurso sobre la nobleza y la responsabilidad que no llega a la sensiblería de los títulos anteriores del director y recuerda a las moralejas de la serie clásica. Por otro lado, aunque suene más profundo de lo que la propia película pretende ser, incluye algunas apreciaciones sobre el orden social que en ocasiones puede incluso recordar a ‘El hoyo’.

Al igual que la película independiente del Volkswagen amarillo tenemos entre manos una precuela. Se ha retrocedido tanto en el tiempo que nos encontramos ante una de las mayores incursiones en los orígenes de los Transformers. Quizá ese sea un detalle que solo importe a nostálgicos, fans de la saga o coleccionistas de figuras que reconocerán aquí muchísimos nombres y un canon bastante respetado. Pero aparte de eso nos lleva a un factor importante, la ausencia de humanos. Como pasa con las películas de Godzilla, la trama de los humanos suele diluir la destrucción, acción y aventura de estas películas. Con ‘Transformers One’ nos trasladamos a Cybertron, el planeta natal de estas máquinas alienígenas, muy lejos de la Tierra. Con esta circunstancia la narración está al servicio de la ciencia ficción, aunque hay que reconocer que el carácter de los personajes es adolescente y como en películas de este mismo estudio tales como ‘Ninja Turtles: caos mutante’ lo que os aguarda son aventuras y mucha sinvergonzonería, nada complejo o rated R.

La historia original, que fue desarrollada por Marvel Comics por encargo de Hasbro, discrepaba de la serie televisiva aunque ambas coincidían en un conflicto entre autobots y decepticons con el planeta Cybertron manteniéndose neutral y al margen. Ninguna hablaba, que yo recuerde, del origen del conflicto, simplemente de la disputa sobre la Chispa Suprema o la Matriz del Liderazgo y su correcto uso. Se repite esta disyuntiva y se acompaña de una animación que ensombrece a la de muchas de las predecesoras y además se pone la guinda con una acción final en la línea de las películas de Michael Bay.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de septiembre de 2024. Título original: Transformers One. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Josh Cooley. Guion: Andrew Barrer, Gabriel Ferrari, Eric Pearson. Música: Brian Tyler. Reparto principal: Chris Hemsworth, Brian Tyree Henry, Scarlett Johansson, Keegan-Michael Key, Steve Buscemi, Laurence Fishburne, Jon Hamm. Producción: Hasbro, Paramount Animation, New Republic Pictures, Di Bonaventura Pictures, Bay Films, Hasbro Entertainment. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras. Web oficial: https://www.transformersmovie.com/

Crítica: ‘No hables con extraños’

En qué plataforma ver No hables con extraños

Sinopsis

Cuando una familia estadounidense va invitada a pasar un fin de semana en la idílica finca campestre de una encantadora familia británica que conocieron en unas vacaciones, lo que comienza como una escapada de ensueño pronto se convierte en una retorcida pesadilla psicológica.

Crítica

Un McAvoy colosal encabeza un remake que mejora al original

Tenemos entre manos un remake que causó sensación en los mayores premios cinematográficos de su país y que entre los fans del terror y el suspense ha abierto muchos debates. La película ‘Speak no evil’ de Christian y Mads Tafdrup fue objeto de muchos foros de debate tras su proyección en el festival de Sitges pero por desgracia no llegó a cines de España. No tuvo recorrido por nuestros cines pero solo dos años después tenemos versión norteamericana bajo el nombre de ‘No hables con extraños’. Nos invitan a aceptar esta incómoda experiencia en carteleras con un remake armado por la productora de Jason Blum y dirigido por James Watkins.

La interpretación yanqui de ‘No hables con extraños’ logra lo que parecía difícil: tomar una película original con un suspense casi perfecto y elevarla aún más. Si bien la versión original ya ofrecía una trama tensa, incómoda y que te secuestraba, con interpretaciones memorables que mantenían al espectador al borde del asiento, esta nueva versión destaca por hacer mejoras significativas en el guion. Todo sucede dentro de una horrible realidad más verosímil y además con un segmento de home invasion que aporta más emoción al final.

Uno de los principales aciertos del remake es la forma en que se desarrolla la historia. El guion, aunque conserva la esencia del original, introduce giros más sorprendentes y refina de manera más creíble algunos puntos débiles de la trama anterior. Las motivaciones (y desmotivaciones) de los personajes están más elaboradas, lo que otorga una mayor profundidad emocional a la narrativa y una toma de decisiones más coherente. Además, los diálogos son más dinámicos, añadiendo capas de tensión y misterio que enriquecen la experiencia general.

El gran pilar de esta versión es, sin duda, James McAvoy, el cual se embarcó en este proyecto sin haber visto la fuente danesa de la que parte. Su interpretación es simplemente descomunal. Todos descubrimos su capacidad para mostrar distintas caras con el mismo personaje cuando se estrenó ‘Múltiple’. McAvoy sabe transmitir una mezcla perfecta de vulnerabilidad, ira y obsesión, manteniendo al espectador fascinado en cada escena. Su capacidad para cambiar de registro emocional en cuestión de segundos aporta un nivel de intensidad que pocos actores podrían alcanzar. Donde la película original contaba con buenas actuaciones, McAvoy las supera con creces, convirtiendo su personaje en el corazón de esta historia oscura.

Aún así, si visteis en festivales ‘Speak no evil’, sentiréis lo mismo con el protagonista que en su día interpretó Morten Burian y ahora está encarnado por Scoot McNairy. Muerde el anzuelo de la misma manera, sintiendo envidia por una vida mucho más despreocupada y salvaje que la que lleva Su manera de proceder es tan excesivamente complaciente, dócil o sumisa que parece que ha experimentado la desmoralización de un preso de un campo de concentración en tan solo un solo fin de semana. Por su parte Mackenzie Davis está más verosímil, encarnando esas reacciones agresivas, violentas y a la defensiva que ya asumimos como naturales en los estadounidenses, así como su hipocresía y desconexión con nuestra propia naturaleza. Quizá el mostrar esta otra faceta, menos flemática y más combativa que la de los países del norte de Europa, es la razón de ser de este filme.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de septiembre de 2024. Título original: Speak no evil. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: James Watkins. Guion: James Watkins, Christian Tafdrup, Mads Tafdrup. Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans. Fotografía: Tim Maurice-Jones. Reparto principal: James McAvoy, Mackenzie Davis, Scoot McNairy, Alix Wester Leffer, Kris Hitchen, Aisling Franciosi. Producción: Blumhouse, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: suspense, terror. Web oficial: https://www.universalpictures.es/micro/no-hables-con-extra%C3%B1os

Crítica: ‘El 47’

Sinopsis

Clic para mostrar

En los años 60 y 70, la periferia de Barcelona se ha formado y construido en su mayor parte por inmigrantes extremeños y andaluces que han levantado los barrios con sus propias manos, pero no están considerados como parte de la ciudad. Sus chabolas ni siquiera tienen agua corriente o electricidad. Harto de que el Ayuntamiento diga que el transporte público no puede llegar a la zona porque las calles son demasiado estrechas e inseguras, el conductor de autobús de la TMB Manolo Vital (Eduard Fernández) intentará demostrar, al volante de “El 47”, que las autoridades se equivocan.

Crítica

Un ‘Cuéntame’ a lo barriada catalana

En toda civilización se han constatado éxodos hacia los grandes núcleos urbanos. La protección y abundancia de los ecosistemas artificiales creados por el hombre atraen a los necesitados y a los hambrientos de fortuna como la miel a las moscas. En códigos modernos decimos que el movimiento interno más común dentro de España es aquel que lleva a los llamados provincianos a huir de las crisis y las miserias de su tierra hacia las urbes, presuntamente repletas de oportunidades. Esto perdura hoy en día y un servidor es también testigo y partícipe de ello al haberme visto obligado a migrar por la falta de trabajo en tierras como las salmantinas y las cacereñas, de donde procede también el protagonista interpretado por Eduard Fernández.

La de ‘El 47’ es una historia aún más dramática, quizá germen, desde luego contribuyente, de ese mal que hoy llamamos la “España vaciada”, pues se enmarca en una ciudad creciente como Barcelona que por entonces estaba rodeada de precariedad y no paraba de recibir extremeños, murcianos y andaluces por doquier. Aunque su historia de desahucios y de poblados chabolistas aún se ve hoy en día, nos traslada a un 1958 con muchísimo por mejorar, en el que los ciudadanos estaban evidentemente más desprotegidos. Bien es cierto que el tiempo nos permite establecer una comparativa alentadora, pero ‘El 47’ nos recuerda que hay aún hay mucho por andar a nivel individual, que la rutina de nuestro día a día no nos puede impedir ponernos en la piel de aquellos con los que nos solemos topar.

Torre Baró es el barrio del Nou Barris, del extrarradio de la Ciudad Condal, que ocupa esta narración. Una zona que fue creada de la nada hace poco más de cincuenta años y que hoy en día alberga a casi tres mil habitantes. ‘El 47’ nos recuerda que en el siglo pasado tuvimos nómadas en España, que ellos son los que transformaron realmente nuestras capitales. A penas quedan gatos en Madrid, ¿verdad? Para encarrilar esta historia de evidente carácter social, algo nada raro en la filmografía de Marcel Barrena (‘Mediterráneo’), nos presentan a Manuel Vital, del cual vemos imágenes de archivo al final del filme. Él era un conductor de autobús que tenía que darse buenas palizas para llegar hasta su trabajo en el centro de Barna, al igual que todos sus vecinos. Si queréis marcaros una maratón de cine comprometido y de concienciación podéis ver esta película y la recientemente estrenada, ‘Los indeseables’. Ambas tienen valores y carácter suficiente como para hacer que mires de otra manera a aquellos con los que coincides en el metro, pero que seguramente vienen de mucho más lejos.

Aún hoy en día existen en España barrios con carencias, casi tercermundistas, repletos de jóvenes que sienten vergüenza de sus orígenes y poblados por vecinos impotentes y anulados. No hablo de absolutamente todas las barriadas de España, es cosa de excepciones. Lo mejor que hace ‘El 47’ es recalcar que en esos lugares a los que a priori se achaca un carácter delincuente o cuanto menos peligroso, hay personas de bien consideradas o tratadas como insignificantes a pesar de ser parte de esa base social que cimenta nuestra sociedad. Barrena atina también a mostrar, como en tanas películas de David contra Goliat, que curiosamente el sistema que sustentan les machaca con la burocracia y el ostracismo. Aunque la narración es eficiente y se ve claramente su intencionalidad, hay que reconocer que ‘El 47’ redunda mucho en la miseria de sus personajes, enarbolando reiterativamente un discurso sobre la decencia de aquellos que quieren echar raíces y prosperar, retardando hasta casi una hora la aparición del vehículo que da título al filme.

Si hay que ponerle una pega al filme es el excesivo tiempo que emplea en ponernos en situación. Y hablando de enmarcar la historia, en un par de ocasiones se lleva a cabo una fusión entre imagen de archivo y el metraje rodado, al estilo ‘Cuéntame cómo pasó’. Ese carácter familiar y nostálgico de la serie de TVE está presente también en ‘El 47’. Curiosamente un actor recurrente de esa serie como es Carlos Cuevas está en el reparto y aparece de vez en cuando. Lástima que, aunque como siempre consigue una gran verosimilitud en su personaje, Eduard Fernández tenga también tenga algo intermitente en su personaje, un acento extremeño que pierde en muchas escenas.

Resulta entrañable y es digno de dedicarle una pequeña reflexión esas escenas en las que el conductor habla con sus pasajeros habituales. Hoy en día no dedicamos espacio casi ni a saludar a quien nos lleva a nuestro destino, quizá amparados en el cartel de “Se prohíbe hablar con el conductor”, quizá porque anteponemos nuestros problemas a los suyos considerándole una parte de la máquina motorizada que nos transporta. Es una reflexión casi desesperanzadora, que puede hacer que en cierto sentido te derrumbes, como lo hace la última escena, interpretada por un personaje que parece que tiene una trama un tanto descolgada y resurge al final para brindarnos un momento la mar de emotivo, quizá un tanto alargado.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de septiembre de 2024. Título original: El 47. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Marcel Barrena. Guion: Marcel Barrena, Alberto Marini. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Isaac Vila. Reparto principal: Eduard Fernández, Clara Segura, Zoe Bonafonte, Carlos Cuevas, Salva Reina, Oscar de la Fuente, Vicente Romero, Betsy Túrnez, David Verdaguer. Producción: The Mediapro Studio, RTVE, 3Cat, Triodos Bank, ICO. Distribución: The Mediapro Studio. Género: drama.

Crítica: ‘Terminator Zero’

En qué plataforma ver Terminator: Zero

La visión japonesa de la rebelión de Skynet se queda a medias

Una persona viaja al pasado para salvar a alguien de vital importancia en el futuro (su presente) de ser asesinado por un robot que también viene de esos apocalípticos y venideros tiempos. Esa es la premisa de ‘Terminator’, uno de los máximos exponentes del cine de acción y de ciencia ficción. Esa es la pauta que secuela tras secuela se ha repetido en varios intentos fútiles de mantener viva la franquicia. Víctimas de su propia paradoja los creativos de las continuaciones de las películas de James Cameron parecen atrapados en un bucle más repetitivo que la base de una canción de reguetón. Ahora llega una nueva versión animada para Netflix que en parte repite los errores del pasado, pero que arroja un rayo de esperanza demostrado que James Cameron y William Wisher fueron unos adelantados.

Antes del boom de Internet había pocas historias que nos advirtiesen del peligro de las tecnologías inteligentes, lo que hoy conoceríamos como IAs. Por supuesto está ‘2001: una odisea en el espacio’ que se adelantó unos veinte años, pero cuando hablamos de las máquinas superando al hombre a quien aludimos es a Skynet. Nos vamos a hartar los próximos años de ver películas sobre inteligencias artificiales. No es de extrañar por lo tanto que el director Masashi Kudo (‘Bleach’, ‘Tower of God’) y el guionista Mattson Tomlin hayan magnificado ese tema en esta serie que se estrena el 29 de agosto.

La esencia de ‘Terminator’ está presente en ‘Termniator: Zero’ hasta tal punto de repetir algunas frases míticas y calcar escenarios y maquinarias. Se mantiene intacta su teoría no determinista, la cual permite dar esperanza a los humanos del futuro en la guerra contra las máquinas. Es similar al concepto de la teoría de cuerdas en el que cada nueva decisión da paso a diferentes realidades, líneas temporales alternativas, la historia re-escrita. Es por eso que una vez más retrocedemos a 1997, la fecha que conoce todo fan de Terminator por el momento en el que Skynet se conecta a la red de redes. Cambia la ubicación y los otros años a los que nos transporta. Estamos hablando de un anime por lo que nos llevan a un ficticio 2022 en el que Tokio comienza a tener máquinas inteligentes invadiendo la cotidianidad de sus habitantes. De este modo se abren nuevas posibilidades que vienen a decirnos que en lugares ajenos a Los Angeles también se sabía del problema con la IA rebelde.

‘Génesis’ y ‘Salvation’ decepcionaron por no mostrar la guerra abierta que sucedió inminentemente después de la rebelión provocada por la conexión de Skynet. De ‘Destino Oscuro’ prefiero ni hablar. En este caso, aunque sea verano, hemos de desagradecer el jarro de agua fría. La mitad de la serie es una persecución constante como las que vivió Sarah Connor. Todo transcurre entre el 4 de agosto, cuando Skynet se conecta, dirigiéndose irremediablemente hacia el 29, cuando se produce el Juicio Final que los protagonistas intentan evitar una vez más. La otra mitad es solo ligeramente más satisfactoria pues muestra el enfrentamiento contra el poder de la IA, aunque el imaginario japonés os dará una sorpresa al respecto que altera el canon de lo hasta ahora visto, al fin y al cabo esto va de buscar paradojas y cambios cruciales que salven a la humanidad.

Con ‘Terminator: Zero’ vemos un curioso contraste con USA donde hay armas por doquier y defenderse de un T-800 es relativamente más fácil en contraposición con un Japón en el que la ciudadanía rehúye de la violencia. La serie aporta esa visión diferente que se suma a una buena cantidad de escenas filosóficas, con temas siempre presentes en Terminator, pero explorados más en profundidad. Lástima que al igual que la saga original se repita con los factores familiares.

Además de los pequeños cambios, que hacen de esta una narración paralela a las originales pero lejos de su capacidad de sorprender, se agradece el estilo de dibujo escogido. La acción transcurre principalmente en el 97 y la saga nació en los 80s. Los autores han elegido un trazo noventero tanto para sus dibujos como para el diseño de toda la serie. Tanto Skydance como aquellos que han llevado al éxito a animes como ‘Ataque a los titanes’ o ‘Kaiju No. 8’, Production I.G., son los principales responsables del estilo visual de ‘Terminator: Zero’. Sobre todo se nota la influencia de otra de sus obras, ‘Ghost in the shell’, principalmente en los escenarios nocturnos y en la protagonista. Por suerte la sensación es que hay menos herramienta digital o 3D que en otra colaboración entre I.G. y Netflix como fue ‘Ultraman’.

Crítica: ‘Silver Haze’

En qué plataforma ver Silver Haze

Sinopsis

Cuando era pequeña, Franky, una joven enfermera del extrarradio de Londres, sufrió un accidente que le dejó secuelas de por vida. Quince años después, su inseguridad y su obsesión por encontrar respuestas, la han bloqueado emocionalmente, hasta que se enamora de Florence, una de sus pacientes. Florence, una joven vitalista, la invita a escapar de su realidad acogiéndola en su hogar, descubriéndole un refugio en el que superar las “cicatrices” del pasado.

Crítica

Vicky Knight experimenta una catarsis de la que pueden enriquecerse muchos espectadores

‘Silver Haze’, dirigida por Sacha Polak, es una película que se adentra en los recovecos de la fragilidad humana, explorando la complejidad de las relaciones, el trauma y la búsqueda de la redención. Se ha destacado en el circuito de festivales por su retrato honesto y crudo de una joven que intenta superar su pasado mientras navega por un presente incierto.

La historia sigue a Franky (Vicky Knight), una joven enfermera londinense que lleva las cicatrices físicas y emocionales de un incendio que la marcó profundamente en su niñez. Este trauma es el motor que impulsa gran parte de la narrativa, ya que Franky lucha por reconciliarse con su pasado mientras intenta encontrar un lugar en el mundo donde pueda sentirse segura y aceptada.

Una de las fortalezas de ‘Silver Haze’ radica en su capacidad para presentar personajes complejos y multidimensionales. Vicky Knight, en el papel de Franky, ofrece una actuación profundamente emotiva y matizada. Knight, que ya trabajó con Sacha Polak y en la vida real también es víctima de quemaduras, aporta una autenticidad palpable a su papel, lo que hace que el dolor y la lucha de su personaje sean aún más resonantes. La dirección de Polak se enfoca en capturar la crudeza de la vida de Franky, utilizando primeros planos y planos detalle que permiten al espectador sumergirse en su mundo interno. Esta elección estilística es efectiva, aunque a veces puede sentirse un tanto intrusiva, obligando al espectador a confrontar de manera constante el dolor de la protagonista sin ofrecer muchos respiros emocionales.

El guion, coescrito por Polak, es otro aspecto destacado de la película. La narrativa está construida de manera que el trauma de Franky nunca se siente explotado, sino tratado con una sensibilidad que respeta tanto al personaje como a la audiencia. La película aborda temas difíciles como la violencia, el abuso, el trauma y la marginalización, pero lo hace con una mirada compasiva y sin caer en el sensacionalismo. Este equilibrio delicado es en parte lo que ha hecho que reciba tantos aplausos.

Sin embargo, no todo en ‘Silver Haze’ funciona de manera óptima. A medida que la trama avanza, la película introduce una serie de personajes secundarios y subtramas que, si bien enriquecen el mundo de Franky, a veces diluyen el enfoque central de la historia. La relación entre Franky y Florence, una joven con la que establece una conexión romántica, es interesante y ofrece un contrapunto esperanzador al tono generalmente sombrío de la película, pero en ocasiones se siente subdesarrollada. El filme también presenta momentos en los que la narrativa parece perder un poco de su impulso, estancándose en escenas que, aunque pueden tener un impacto en nuestra retina, no siempre avanzan la trama de manera significativa. Visualmente, ‘Silver Haze’ es un logro notable. La fotografía capta de manera impresionante la atmósfera de los barrios obreros de Londres, con su mezcla de belleza cruda y desolación. El uso del color y la luz es particularmente efectivo para reflejar los estados emocionales de los personajes.

En términos temáticos, ‘Silver Haze’ se centra en la idea de la sanación y la redención, no solo para Franky, sino también para aquellos que la rodean. La película sugiere que, aunque el trauma puede definirnos, también hay espacio para el crecimiento y la transformación. Polak no ofrece soluciones fáciles ni finales felices tradicionales, lo cual es refrescante en un mundo cinematográfico donde a menudo se tiende a subestimar la complejidad del dolor humano.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de agosto de 2024. Título original: Silver Haze. Duración: 103 min. País: Países Bajos. Dirección: Sacha Polak. Guion: Sacha Polak. Música: Joris Oonk, Ella van der Woude. Fotografía: Tibor Dingelstad. Reparto principal: Vicky Knight, Esme Creed-Miles, Charlotte Knight, Archie Brigden, TerriAnn Cousins, Angela Bruce. Producción: EMU Films, Viking Film. Distribución: Caramel Films, La Zona. Género: drama. Web oficial: https://emufilms.com/projects/silverhaze/

Crítica: ‘Isla perdida’

Sinopsis

Clic para mostrar

Álex (Aida Folch) es una española que comienza un nuevo trabajo como camarera en un restaurante de una isla perdida en Grecia. A pesar de ganarse rápidamente la confianza del brasileño Chico (Juan Pablo Urrego), Álex se enamora de Max, el norteamericano que regenta el establecimiento (Matt Dillon). Mientras su amor florece, se empiezan a descubrir inquietantes pistas sobre el oscuro y misterioso pasado de Max.

Crítica

Isla perdida, un haunted heart incapaz de cautivarnos o intrigarnos

Fernando Trueba, autor de películas tan conmovedoras y completas como ‘El olvido que seremos’, ‘Belle Epoque’ o ‘La niña de tus ojos’, nos propone ahora un drama romántico rodeado de suspense.

Una pequeña isla perdida en la Grecia de 2001 acoge un trío amoroso lleno de pasiones que va dando paso a recelos. Vamos del verano al otoño y como es natural acabamos en el invierno. Con ello Trueba juega con la asociación de ideas. Tradicionalmente identificamos el verano con el ocio, las emociones y los amores pasajeros. Con el otoño todo cambia de color, descubrimos las ramas ocultas por las hojas caídas y casi todo se empieza a morir. Finalmente llegamos al frío invierno, la época en la que todos nos escondemos en nuestras casas y huimos de las dañinas inclemencias. Esas son las fases ‘Isla perdida’. El guión nos lleva de lo cálido y acogedor para terminar con la incomodidad de los secretos y la desconfianza.

Se supone que la película se ha hecho rindiendo tributo a maestros del thriller como Hitchcock y Highsmith. Pero algunas sobreactuaciones y lo poco capaz que es el guión de cautivarnos hace que por mucha concentración que le pongamos no encontremos ninguna de esas referencias. El romance es bastante evidente y forzado, lo vemos venir en cuanto nos presentan a los protagonistas. La joven pasional en busca de trabajo (Aida Folch), el guapete resultón que le tira los trastos a todas (Juan Pablo Urrego) y el misterioso jefe venido de América (Matt Dillon). Ahí la trama no puede ser más arquetípica. Para los amantes del cine de amoríos ‘Isla perdida’ puede ser un entretenimiento correcto. Si buscas un thriller clásico he de decir que lo veo solo en determinados momentos. Si hay algo que remonta al cine del maestro del suspense es la relación con la música compuesta por instrumentos suaves de viento, algunos planos y el tratamiento de los personajes, con los que volvemos al tipo duro y misterioso con cicatrices que acariciar por una mujer enamoradiza y extrañamente solícita a pesar de que intentan dibujarla con carácter y persosnalidad. Donde se supone que debíamos encontrar una sorpresa digna de quitarnos el hipo es en el tercer acto, en el que el personaje de Matt Dillon desvela sus cartas. Ni merece la pena destriparos el secreto ni quiero que esperéis algo a la altura de un tributo a los directores citados más allá que algún que otro McGuffin. Es por ello que, para mí, esta es una película menor en la filmografía del mejor de los Trueba, de hecho si la hubiese visto sin títulos de crédito no habría adivinado que es suya.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de agosto de 2024. Título original: Haunted Heart. Duración: País: España. Dirección: Fernando Trueba. Guion: Rylend Grant, Fernando Trueba. Fotografía: Sergio Iván Castaño. Reparto principal: Aida Folch, Matt Dillon, Juan Pablo Urrego. Producción: Atlántika Films, Fernando Trueba Producciones Cinematográficas. Distribución: BTeam Pictures. Género: suspense. Web oficial: https://atlantikafilms.com/produccion/haunted-heart/

Crítica: ‘MaXXXine’

En qué plataforma ver MaXXXine

Sinopsis

Clic para mostrar

Hollywood, años 80 del siglo pasado. Maxine Minx, estrella del cine para adultos y aspirante a actriz, tiene por fin su gran oportunidad. Pero mientras un misterioso asesino acecha a sus compañeras, un rastro de sangre amenaza con revelar el siniestro pasado de Maxine.

Crítica

Culmina un homenajea al género que ha estado plagado de elegancia y feroz intensidad

El filme que hoy nos ocupa pertenece a una saga que por lo menos en España ha sido bastante maltratada, por sus distribuidoras y por el público ajeno al género. ‘MaXXXine’, de Ti West, constituye el cierre de una trilogía que comenzó con ‘X’ y continuó con ‘Pearl’. Ambas se pueden disfrutar de manera independiente y en cualquier orden, pero en el caso de este tercer título conviene ponerse en precedentes. El talento de Ti West y su capacidad para crear secuelas espirituales han hecho que este estreno sea todo un evento muy esperado para los seguidores de este director, yo entre ellos, reconozco. Esta trilogía ha sido destacada por su enfoque en el horror psicológico y su homenaje a diversas eras del cine de terror. Para entender ‘MaXXXine’, es esencial conocer el viaje que nos lleva hasta aquí, es decir, saber destilar los elementos de varios géneros. Para disfrutarla en todos sus niveles sería recomendable haber visto sus predecesoras, solo así se puede apreciar la evolución tanto de la narrativa, como de la protagonosta, como del estilo visual y temático de West.

Ti West nos ha hecho saltar por diferentes épocas materializando un auténtico viaje generacional. Cada película, aunque conectada temáticamente, presenta una estética y un enfoque narrativo distintos, permitiendo a los espectadores experimentar una evolución en la forma y el contenido que es rara vez vista en series de películas de terror. De los setenta retrocedimos a la época del Technicolor y ahora le toca a los transgresores años ochenta. Si con ‘X’ incluyó el grano y la estética del cine de explotación y con ‘Pearl’ nos saturó de color cincuentero, con ‘MaXXXine cada imagen y sonido trata de capturar la vibrante pero superficial atmósfera de la cultura pop de los 80, sobre todo del Grindhouse. La fotografía y la banda sonora reflejan este cambio, con colores neón y una sensación general de exceso y decadencia que caracterizan la década. Por lo tanto además del trabajo del director hay que adular por igual a quienes se han encargado de fotografía y música, Eliot Rockett y Eliot Rockett respectivamente. Y no me quiero olvidar de los prostéticos, aquellos que nos hacen creer que estamos viendo tripas, cerebros y sangre, pues son realmente impactantes.

Los leitmotivs de esta trilogía son varios. El crimen salvaje, la búsqueda de la fama, la pornografía, la locura, la hipocresía del público de cine adulto y el miedo a la vejez predominan a lo largo de la trilogía. En común también hay algunos planos calcados que evidentemente cambian su escenografía. A parte de tocar el caso real de Richard Ramirez, una de las principales diferencias entre ‘MaXXXine’ y las dos primeras películas es su enfoque en la industria del entretenimiento y su carácter de historia negra y detectivesca. En lugar de un entorno rural o aislado nos trasladamos a la gran ciudad, cambiando el escenario y aumentando notablemente el número de personajes. Mientras ‘X’ y ‘Pearl’ exploran el horror que emerge de la represión y el aislamiento, ‘MaXXXine’ aborda el lado oscuro de la búsqueda de la fama y el éxito en un mundo despiadado y competitivo. Ti West utiliza esta ambientación para profundizar en temas de identidad, ambición y el costo personal de perseguir los sueños en una ciudad que puede consumir a sus habitantes. Esto último nos aporta como novedad un reparto que pone la guinda al pastel (ver ficha al pie de esta crítica).

La trilogía en su conjunto muestra la versatilidad de West como director y su habilidad para explorar diferentes subgéneros del terror con una sensibilidad única. Además supone una vuelta de tuerca a un género que casi siempre es tachado de superficial y gratuito. ‘MaXXXine’ se destaca no solo por cerrar la historia de manera más o menos satisfactoria, sino por hacerlo con un estilo propio que ofrece una mirada crítica a la cultura de los 80 y a los costos personales de la ambición desmedida. De ahí que abra con una frase de Bette Davis que reflexiona sobre el concepto y el tratamiento que le da la sociedad a las estrellas.

Evidentemente la otra constante, indispensable y a subrayar en color fluorescente, es Mia Goth. En ‘MaXXXine’ brilla al llevar más allá su exploración del personaje que comenzó en ‘X’ y ‘Pearl’. Se percibe una continuidad en cuanto al estudio de personajes desquiciados por los motivos que enumeraba antes como leitmotiv. Su interpretación en esta tercera entrega ejecuta una evolución palpable de Maxine Minx, profundizando en su complejidad emocional y resiliencia al límite. Goth demuestra una versatilidad impresionante, manteniendo la continuidad de sus personajes previos mientras aporta nuevas dimensiones. Aunque a muchos les parecerá algo excesivamente intenso, su capacidad para transmitir vulnerabilidad y fortaleza a la vez es un testimonio de su talento, consolidándola como una actriz destacada en el género de terror contemporáneo.

Había una pregunta en el aire que debía responderse tras ver ‘MaXXXine’. ¿Qué pretendía Ti West con esta trilogía? Cabría esperar una reflexión mayor y podría decirse que es un homenaje al cine, sobre todo un tributo a la evolución del cine de terror y una exploración profunda de los miedos y deseos humanos. Más allá de la evidencia de ‘Psicosis’ está el detalle de la colilla en la estrella de Theda Bara. Así mismo es una forma descarada de vanagloriarse de un talento, de esos que es siempre capaz de explotar A24. Ti West entrelaza horror y arte en una sinfonía cinematográfica. Quizá no vuelva a alcanzar nunca estos niveles, pero sin duda con este trío de películas, más allá de poder consolidar a este director como una estrella del género, se ofrece una experiencia cinematográfica rica y multifacética que dejará una marca indeleble en el cine de terror contemporáneo.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de agosto de 2024. Título original: MaXXXine. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Ti West. Guion: Ti West. Música: Tyler Bates. Fotografía: Eliot Rockett. Reparto principal: Mia Goth, Elizabeth Debicki, Halsey, Lily Collins, Kevin Bacon, Giancarlo Esposito, Moses Summey. Producción: A24, Motel Mojave, Access Entertainment, New Zeland Film Commision. Distribución: Universal Films. Género: terror, suspense. Web oficial: https://a24films.com/films/maxxxine

Uso de cookies

Este sitio web utiliza cookies para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información.plugin cookies

ACEPTAR
Aviso de cookies
Salir de la versión móvil