Los Minions regresan a la pantalla grande y que gustazo su vuelta. ‘Minions & Monsters’ nos traen una pequeña parte de la historia de estos seres tan peculiares que siempre van en busca de un villano al que adorar.
Los Minions en la historia del cine
‘Minions & Monsters’ nos da un homenaje al cine super bonito. Nos vamos a los años 20, después de que estos seres hayan pasado ya al lado de varios villanos. Un gigante, un pirata, un mago y sigan en su misión de buscar con quien quedarse. En este periplo descubren el cine y sus posibilidades y comienzan a actuar e intentar dirigir películas.
En la cinta vemos homenajes a ‘Tiburón’, ‘Matrix’ e incluso un cameo de GeorgeLucas bastante gracioso. Pero también vamos las míticas escenas de ‘1895: La llegada del tren’ de los hermanos Lumière y ‘La sortie de l’usine’ también de los hermanos Lumière. Todo ello rodeado de Minions. También por supuesto a la gran Luna que nos mostró George Méliès.
La verdad que la película la van a disfrutar los amantes del cine y por supuesto los niños. Los cuales pueden aprender algo de la historia del cine gracias a los Minions.
Reparto de voces
En el reparto original encontramos a JeffBridges, ChristophWaltz, PierreCoffin, ZoeyDeutch, AllisonJanney, BobbyMoynihan o JesseEisenberg entre otros.
Mencionar que Pierre Coffin, director de la cinta y creador de los Minions, ha dado su voz siempre a estos seres y lo vuelve hacer en esta película. Se nota que le entusiasma y disfruta mucho de su creación.
El cine y Lovecraft
Como he mencionado arriba, el amor al cine se nota desde el principio, vemos un recorrido de todos los logos de Universal Pictures quedando al final el primero de todos. También vemos personajes como BusterKeaton o como dijimos varias películas de la época.
Pero que pinta Lovecraft en todo esto. Tenemos unos villanos que lo único que quieren es destruir el mundo, eso sí, encandilándose a nuestros protagonistas para que no se enteren de sus verdaderos planes. Y es que estos villanos son seres invocados a través de un libro y uno de ellos tiene la apariencia de Cthulhu, bastante cuqui, pero sin duda es una versión de él.
Los Minions nunca cansan
De una manera u otra los Minions logran volver sin cansar. Con ideas nuevas y originales para toda la familia. Y eso es muy importante, porque la fórmula podría terminase y de momento los directores y guionistas logran que no aburran y que sigan dando cosas nuevas y divertidas. Así que ya sabéis, no os perdáis las nuevas aventuras de los Minions y disfrutadla.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de julio de 2026. Título original: Minions & Monsters. Duración: 90 min. País: Estados Unidos. Dirección: Pierre Coffin. Guion: Brian Lynch. Música: Heitor Pereira, John Powell. Reparto principal: Pierre Coffin, Trey Parker, Jesse Eisenberg, Christoph Waltz, Jeff Bridges. Producción: Illumination, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: Comedia, aventuras. Web oficial.
Un cineasta libre resucitando a otros cineastas libres
Richard Linklater, causó sensación con aquel experimento cinematográfico que fue ‘Boyhood’, y ahora vuelve a demostrar que su cine no solo observa el paso del tiempo, sino también los momentos en que el arte decide reinventarse. Con ‘Nouvelle Vague’, el director estadounidense se enfrenta a una de las mitologías más complejas y reverenciadas de la historia del cine: aquella generación de cineastas franceses que, a finales de los años cincuenta, dinamitó las convenciones narrativas, estéticas e industriales heredadas. Consciente de lo inabarcable del movimiento, Linklater opta por una decisión tan inteligente como honesta: centrar el relato en Jean-Luc Godard y en el periodo concreto del rodaje de ‘Al final de la escapada’, la película que marcó un antes y un después en la manera de filmar y mirar el cine.
Godard como símbolo de una revolución colectiva
‘Nouvelle Vague’ entiende que la Nouvelle Vague no fue un estilo homogéneo, sino una actitud. Linklater no intenta resumir a toda una generación en un discurso académico, sino capturar el nervio creativo que unía a aquellos jóvenes críticos de Cahiers du Cinéma convertidos en cineastas. Godard emerge como epicentro narrativo no por ser el único, sino porque su figura condensó como pocas el inconformismo, la provocación intelectual y la ruptura consciente con el cine de calidad francesa dominante.
La película se sitúa en los márgenes del rodaje de ‘Al final de la escapada’, pero evita el biopic convencional. No se trata de reproducir paso a paso cómo se filmó aquel clásico, sino de reimaginar lo que sucedía alrededor: discusiones estéticas, decisiones improvisadas, tensiones con la producción y una sensación constante de estar inventando algo sin manual de instrucciones. Godard aparece como un creador obsesivo, brillante y errático, capaz de convertir la limitación presupuestaria en una declaración de principios.
Reimaginar un rodaje para capturar un espíritu
Uno de los mayores aciertos de ‘Nouvelle Vague’ es cómo clava las escenas que remiten directamente a ‘Al final de la escapada’ sin caer en la mímesis vacía. Linklater reproduce encuadres, movimientos y situaciones reconocibles, pero el foco nunca está en la reconstrucción fetichista. Lo importante es el clima creativo que rodea esas imágenes: la libertad de filmar en la calle, el desprecio por las normas clásicas de continuidad y la convicción de que el cine podía dialogar con la vida real sin filtros.
El filme transmite la idea de la Nouvelle Vague como un grito artístico contra los corsés de la época, tanto estéticos como industriales. Hay en cada escena una sensación de urgencia, de estar filmando antes de que alguien diga que no se puede. Linklater adopta ese mismo espíritu en la puesta en escena, con una narrativa que fluye de forma fragmentaria, casi caprichosa, como si la película se estuviera descubriendo a sí misma mientras avanza.
Un homenaje coral que asume el riesgo de perder al espectador
‘Nouvelle Vague’ se apresura deliberadamente en presentar nombres clave del movimiento, y en ese vértigo corre el riesgo de desorientar al espectador menos familiarizado con la historia del cine. Truffaut, Chabrol, Rohmer, productores, técnicos, actores y críticos aparecen y desaparecen con rapidez, únicamente con una presentación formal. Sin embargo, esa acumulación no es un error, sino una declaración de intenciones.
Linklater no quiere simplificar una revolución que fue, por naturaleza, caótica y colectiva. El filme funciona como un homenaje a todos los artistas y mentes inspiradoras que hicieron posible aquel cambio de paradigma, incluso a costa de sacrificar cierta claridad expositiva. El resultado es una obra que no busca ser definitiva, sino contagiar una pasión: recordar que el cine avanza cuando alguien se atreve a romper las reglas y filmar como si todo estuviera por inventarse. Está llena de citas y alusiones la que mejor define el filme es la que recupera la figura de Leonardo da Vinci, «El arte nunca se termina, solo se abandona».
Ficha de Nouvelle Vague
Estreno en España: 9 de enero de 2025. Título original: Nouvelle Vague. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Richard Linklater. Guion: Holly Gent Palmo, Richard Linklater, Laetitia Masson, Vincent Palmo Jr., Michèle Pétin. Fotografía: David Chambille. Reparto principal: Guillaume Marbeck, Zoey Deutch, Aubry Dullin, Adrien Rouyard, Antoine Besson, Jodie Ruth-Forest, Bruno Dreyfürst. Producción: ARP Sélection, Detour Filmproduction, Ciné+OCS, Centre national du cinéma et de l’image animée (CNC), Canal+, Chanel. Distribución: Elástica. Género: drama, comedia. Web oficial.
Luis (Christian Thomas) es un niño con una vida social fundamentada en la tecnología, videojuegos y amigos online. El día de Halloween, por insistencia de su madre (Macarena Gómez), sale a la calle a hacer truco o trato sin éxito. Sin embargo, su bagaje le llevará a conocer a Ander (Javier Botet), un hombre misterioso que regenta un anticuario, y juntos, a través de diferentes cómics, se adentrarán en historias terroríficas.
Crítica
Ideal para echar de menos las semillas del terror de tu infancia
Las películas antológicas han sido un formato querido por los amantes del cine de terror desde hace décadas. ‘Historias de Halloween’ no es la excepción. La película se erige como un tributo nostálgico a una época dorada del género, rindiendo homenaje a esas obras que marcaron a generaciones, especialmente en las décadas de los 80 y 90. Con claras referencias a títulos tan icónicos como ‘Gremlins’ o ‘Cazafantasmas’, y a antologías míticas como ‘The Twilight Zone’ o ‘Historias para no dormir’ de Chicho Ibáñez Serrador, ‘Historias de Halloween’ logra capturar el espíritu de esas producciones que mezclaban el terror con el humor, lo sobrenatural y en este caso, también con lo infantil.
La película de Kiko Prada encuentra en la festividad de Halloween un marco perfecto para explorar diferentes relatos, y consigue arraigar esas historias en el imaginario popular, con un toque particular de spanish horror. Halloween, una festividad de origen pagana que fue adoptada y popularizada por los estadounidenses, ahora se ha injertado en la cultura española, y la película utiliza esto para aportar un aire fresco al cine de terror nacional. La cinta no solo busca asustar, sino también conmover, apelando a la nostalgia de aquellos que crecieron añorando volver al videoclub o a la tienda de cómics ávidos de nuevas historias en las que perderse.
Uno de los aspectos más destacables de la película es su habilidad para reivindicar ciertos aspectos. A través de diferentes relatos, ‘Historias de Halloween’ toca temas de actualidad como la precariedad de las enfermeras en España y la dificultad de los técnicos de efectos prácticos para encontrar su lugar en un mundo dominado por el CGI. De este modo el filme no solo resulta efectivo en términos de terror, sino que también añade una capa de reflexión sobre el estado actual de la sociedad. Es un claro recordatorio de que el género de terror, cuando se hace bien, no solo puede ser entretenido, sino también relevante y crítico.
Uno de los segmentos más logrados y efectivos de la película está protagonizado por Lucía de la Fuente, Carmen del Rosal y Zorión Eguileor. Este episodio destaca por su capacidad para conectar emocionalmente con el espectador que añora la época en la que el cine era más artesanal. También encandila por hacer gala de humor negro. Es en este segmento donde la película parece alcanzar su máximo potencial, combinando de manera efectiva elementos inocentes con lo más retorcido que se nos pueda ocurrir.
Otro punto fuerte de ‘Historias de Halloween’ es su hilo conductor: un niño que se encuentra con un misterioso personaje al estilo del librero Karl Konrad Koreander, quien le sirve de guía en el mundo del terror. Este personaje funciona como un mentor para el niño y, por extensión, para el espectador, recordándonos esa fascinación infantil por lo desconocido y lo macabro. Es una manera brillante de capturar los anhelos de un niño que soñaba con hacer cine, y que ahora, como adulto, tiene la oportunidad de recrear esas historias que tanto lo marcaron.
Ficha de la película
Estreno en España: 2024. Título original: Historias de Halloween. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Kiko Prada. Guion: Kiko Prada. Música: Javier Gimeno. Fotografía: Daniel G. Canal. Reparto principal: Christian Tomas, Javier Botet, Macarena Gómez, Mario Mayo, David Pareja, Lucia de la Fuente, Carmen del Rosal, Zorión Eguileor, Aida Folch, María Barranco, Elisabeth Anne Miller. Producción: Autocinema Ink, Atlántika Films, The Other Side Films. Género: terror. Web oficial:https://theothersidefilms.com/portfolio-items/historias-de-halloween-2/
Es un doble de acción, y al igual que todos en la comunidad de especialistas, sale volando, le disparan, se estrella, se tira desde ventanas y cae desde las alturas más extremas, todo para nuestro entretenimiento. Y ahora, tras un accidente que casi acaba con su carrera, este héroe de clase trabajadora debe seguir la pista de una estrella de cine desaparecida, resolver una conspiración y tratar de recuperar el amor de su vida mientras sigue haciendo su trabajo. ¿Qué podría salir bien?
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Crítica
Con ‘El especialista’ David Leitch hace un homenaje soberbio al oficio de doble de acción
Ryan Gosling y Emily Blunt protagonizaron uno de los momentos más hilarantes de la gala de los Oscars 2024. Se enfrentaron a base de dardos relacionados con el Barbenheimer aprovechando que el primero interpretó a Ken y la segunda a Kitty Oppenheimer. Lo que buena parte del público no sabía es que ambos son los protagonistas de ‘El especialista’ y lo que vimos en la ceremonia fue un adelanto de la película de David Leith pues consiste en una comedia romántica, en un tira y afloja rodeado de acción, de mucha acción.
Al igual que el director de ‘John Wick’, David Leitch fue doble de acción y dio el salto a la dirección con éxitos de taquilla tales como ‘Bullet Train’, ‘Deadpool 2’, ‘Atómica’ o ‘Fast & Furious: Hobbs & Shaw’. En sus películas se percibe una auténtica apología del doble de acción usando muchísimas coreografías y efectos prácticos donde su equipo se juega el tipo, como él ha hecho durante su carrera. Pero con ‘El especialista’ va más allá y hace un homenaje soberbio al oficio de doble de acción. Esta podría haber sido una película tipo ‘Los Mercenarios’ donde actores de acción como Schwarzenegger, Tom Cruise, Keanu Reeves, Stallone, Jason Statham y Dwayne Johnson tuviesen sus momentos de gloria, presupuesto no le falta. Pero Leitch, muy consciente de quién debía ser el centro de atención y quien se merece el homenaje, pone el foco en aquellos que se llevan los moratones y se rompen huesos para que podamos ver en el cine escenas espectaculares y realistas. No obstante tiene alguna sorpresa de carácter superstar.
Para elaborar este tributo ha contado con el guionista Drew Pearce, el cual, ha hecho una versión personal de la serie televisiva y homónima de los 80 desarrollada por Glen A. Larson. Esta es una historia que como tantas otras nos muestran con pasión una parte importante del negocio o arte de hacer cine, de hecho en este artículo tenéis una nutrida lista con filmes similares. Pero además de rodearnos de explosiones reales, de coches destrozados, de narices rotas y actores haciendo peligrosos saltos y croquetas… es importante darse cuenta del tipo de comedia que se ha llevado a cabo. El protagonista ha de usar sus dotes actorales con las cuales se juego el tipo para convertirse en todo un detective privado, lo cual, da paso a situaciones desternillantes.
‘El especialista’ no es solo su acción y eso lo convierte en un título redondo. Es una comedia que tiene mucho de romántica, de burlesca y de paródica que puede ser incomprendida o parecer trivial, como le pasó en su día a ‘El último gran héroe’. Arriesga en algunos sentidos tal y como lo hacen aquellos que saltan de un edificio a otro o se meten en coches destinados a dar vueltas de campana. ‘El especialista’ es muy Pulp por como mezcla la aventura, con la intriga, con diálogos que van al grano e instantes propios del surrealismo. Viendo en ella a un Ryan Gosling tan divertido es imposible no acordarse de ‘Dos buenos tipos’ y el estilo de Shane Black. Enredos, momentos de detective de poca monta, salidas de tono, detalles que nos dejan desconcertados, personajes torpes y auténticos saltos de fe argumentales. Esta película es capaz de divertirnos en todas sus fases sin bajar el ritmo y sin olvidar su foco. Al fin y al cabo es todo un clamor por tener un apartado para los dobles de acción en las ceremonias de entregas de premios.
Y como carta de amor al entretenimiento de acción tiene guiños muy evidentes a títulos en los ha trabajado el director, como ‘Fast & Furious’ y otros con los que no guarda relación directa. ‘El fugitivo’, ‘Corrupción en Miami’, ‘El último Mohicano’, ‘Rocky’, la saga Bourne, ‘Gladiator’, ‘Tomb Raider’… la lista es tan larga que hasta un perro lleva el nombre de Van Damme y durante un salto suena un famoso efecto de sonido usado en ‘El hombre de los seis millones de dólares’ o en ‘Masters del Universo’. Quizá uno de los más evidentes reside en la caricatura que se hace con Aaron Taylor-Johnson, el cual está, a medio camino del Ben Stiller de ‘Tropic Thunder’ y cualquier villano ridículo y desesperado. ¿De lo mejor? El momento en el que se hace humor con una clara mezcla entre ‘Mad Max’ y ‘Dune’, la secuencia comiquera de la discoteca, el unicornio, los instantes de intensas miradas románticas que recuerdan a ‘Top gun’ o similares y el cómo Emily Blunt convierte repetitivamente a Ryan Gosling en una antorcha humana como si estuviese en el bucle de ‘Al filo del mañana’. Como veis deja muchos instantes para la memoria.
Tampoco puede pasar por alto el peligro que entraña la irrupción de las inteligencias artificiales o el cómo se rinde cortesía al heavy metal y a las space operas. Me encantaría ver Metal Storm, la película que ruedan durante ‘El especialista’. No me cabe duda de que ambas películas merecen toda la expectación de la Sala H de la Comic Con.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de abril de 2024. Título original: The Fall Guy. Duración: 126 min. País: EE.UU. Dirección: David Leitch. Guion: Drew Pearce. Música: Dominic Lewis. Fotografía: Jonathan Sela. Reparto principal: Ryan Gosling, Emily Blunt, Winston Duke, Aaron Taylor-Johnson, Hannah Waddingham, Stephanie Hsu. Producción: 87North, Entertainment 360, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: acción, comedia, romántico. Web oficial:https://www.instagram.com/thefallguymovie/
Durante el fin de semana Sombra Madrid se afinca en el centro de la ciudad manteniendo sus proyecciones en los mk2 Cines Paz y en la Sala Berlanga, además de añadir encuentros en la tienda de cómics Generación X.
Entre las distintas proyecciones del día, Gonzalo López Gallego nos ha presentado su película ‘La sombra del tiburón’. Según él mismo ha dicho ha sido una película muy personal que le ha permitido disfrutar como hacía mucho. Un proyecto cuyo estilo repetirá pero sin dejar de hacer el tipo de largometrajes a los que nos tiene acostumbrados, como ‘The Hollow Point’, película por la cual le entrevistamos en Nocturna 2016.
Posterior y simultáneamente han tenido lugar algunos de los encuentros más esperados del Sombra Madrid. Por un lado arrancó en la Sala Berlanga un homenaje al festival que ha cedido su espacio a Sombra Madrid, Nocturna. El extinto festival Nocturna da nombre al premio de la edición madrileña de Sombra y como no podía ser de otra manera sus artífices han recibido el galardón como reconocimiento. Han recogido este honor Sergio Molina director de la última edición celebrada en 2019 el productor del festival en sus orígenes, José Luis Alemán. Seguidamente se ha proyectado ‘El retorno del hombre lobo’ realizada por el padre de Molina, el mítico e inmortal Paul Naschy. Seguidamente en la misma sala se ha vivido otra retrospectiva con la proyección de ‘No Profanar el Sueño de los Muertos’ de Jorge Grau cuyo hijo, Carlos Grau, también ha estado presente.
Y poco después hemos podido conocer al mítico autor de cómics, Peter Miligan. En una sesión de firmas acogida por la tienda Generación X de Tirso de Molina una gran cantidad de fans han ido a conocer a quien ha dado vida a personajes como Constantine, Batman, X-Men o Spider-Man. Milligan ha valorado la inmediatez del formato cómic a la hora de tratar la actualidad por encima de las novelas o el cine, su etapa firmando el último número de Hellblazer y las adaptaciones de cómics a cine como ‘Black Panther’ o ‘Viuda Negra’ por cambiar los códigos o la manera de contar las historias.
Para nosotros el broche ha sido ver ‘Frontiére[s]’ con la presencia de su director Xavier Gens. El francés, autor de películas como ‘La piel fría’, ‘Hitman’ o ‘The crucifixion’ recibió uno de los premios de esta primera edición madrileña y charló posteriormente con todo el público asistente.
Suecia, años 80. Un hombre roba papeles sensibles de un centro que bien podría ser el Area 51 sueca pero realmente es un instituto meteorológico. Se entiende que esos documentos son los causantes de la muerte de ese amante de la ufología pues ya en el 96 su hija vive en adopción en un ambiente de delincuencia juvenil. Para ella su padre no la abandonó y recientes sucesos desconcertantes empiezan a apoyar su teoría de fue abducido o por lo menos que tenía razón cuando afirmaba que existen los extraterrestres.
Un caso ideal para ser investigado por Mulder y Scully. Solo que aunque estemos en tiempos del Windows 95, la música, la Game Boy, la ropa y todo el regodeo en la cultura pop de los ochenta la hacen parecer el Stranger Things sueco. UFO Sweden es el nombre de la asociación de desacreditados amigos a la que pertenecía el padre de la protagonista. Contra la desinformación de los poderes fácticos secretos han de luchar para conseguir que sus conciudadanos crean que hay algo más de lo que vemos o sabemos.
La sordidez sueca impide que esta sea una aventura más divertida y se amolda sobre todo a posibilidades terrenales, plausibles y falibles. La película tiene altibajos y le cuesta retomar el ritmo. Tiene demasiados giros para lo poco que progresa la trama. Por si fuese poco le falta carácter a este equipo de conspiranoicos, algo más de chispa. El acierto de este filme que habla de la búsqueda de extraterrestres es el enfocarse en aquellos que se mueven fuera de la órbita de lo normal, quienes reciben el nombre de freaks solo por tener una afición o un comportamiento que parece de otro mundo. Eso y su final al más puro estilo Nolan/Zimmer.
Alba Galocha y Denis Gómez protagonizan la nueva película de Gonzalo López-Gallego. Con cada título que veo de este director se me hace más incomprensible el hecho de que no sea más conocido en España. Lo fácil sería decir que la película tiene reminiscencias de ‘Paranormal activity’ o de ‘Sleep’, esta última recién proyectada en este festival, pero sería quedarse en la superficie. Esta película va más allá, explorando caminos íntimos y personales, sin que con ello quiera decir que sea una película aburrida, porque a la mayoría de espectadores les repele ese tipo de términos que les obligan a discurrir sobre lo que acaban de ver. Más aún cuando la temática del filme es actual e incómoda, cuando se trata de algo que socialmente está costando erradicar. Con que el público salga capaz de observar como lo ha hecho el director para llegar hasta lo que nos expone ya se podría considerar un logro.
Sin duda es la película más terapéutica y abstracta de su carrera, en la que se ha encargado más personalmente de los detalles, esto último muy importante. A través de escenas desconcertantes y personajes perturbados que ocultan de un modo u otro qué les ha llevado hasta el punto actual, nos mantiene intrigados. El cansancio y fustigamiento de los protagonistas se consigue transmitir y es por eso que el espectador explota junto con el clímax, todo correcto.
La primera película de Xavier Gens, a quien vimos en el Festival de Sitges cuando presentó la película protagonizada por Aura Garrido ‘La piel fría’. ‘Frontière(s)’ comienza de manera frenética, en un París con grandes conflictos en los suburbios, algo que como ha comentado el director sigue siendo tristemente actual.
No había visto esta cinta y la verdad que está muy bien dirigida, es muy visceral. En ella conocemos a cuatro amigos que aprovechan los grandes disturbios para perpetrar un robo, en su huida de Francia se encuentran en el camino con una familia terriblemente peculiar que no se lo va hacer pasar nada bien.
Entre ‘La matanza de Texas’ y ‘Hostel’, el director nos trae una película con mucha acción, suciedad y sangre. Con verdaderos momentos llenos de tensión, he disfrutado bastante del visionado. Una cinta que no ha caducado y se conserva bastante bien.
Criaturas fantásticas y Jurassic Park como grandes homenajeados
Para esta nueva edición de Fantaelx, el ilustrador y cineasta Mario-Paul Martínez se ha encargado de la elaboración de los cuatro carteles que, conectados entre sí, responden a leitmotiv de este año: Ciencia y Criaturas Fantásticas. En ellos, encontramos a grandes emblemas de lo fantástico devorándose uno tras otro como: al colosal gorila King Kong, cuya primera película en blanco y negro se estrenó hace 90 años; al famoso Tyrannosaurus Rex de la película “Parque Jurásico”, la cual cumple 30 años desde su estreno; a la entidad cósmica de la ciencia ficción Cthulhu, creada por H.P. Lovecraft; y al clásico Godzilla, el kaiju más famoso de Nipón, fruto de la radiación nuclear. El Festival también contará con la proyección gratuita en pantalla grande de “Parque Jurásico”, cuyo homenaje tendrá lugar el jueves 9 de noviembre a las 20:00h en Cines Odeón, actividad que dará el pistoletazo de salida de esta edición.
Seguidamente, el viernes 10 de noviembre a las 19:00h, en la librería Ali i Truc, tendrá lugar la presentación del libro “Territorios de la Alta Fantasía”, obra que aborda una diversidad de propuestas y reflexiones en torno a la Alta Fantasía, un género donde lo fantástico desarrolla una mitología propia cuya marca distintiva se fundamenta en el épico enfrentamiento entre las fuerzas del bien y del mal.
En la presente edición, además, el Festival expande sus actividades a nuevos municipios, como es el caso de Catral, donde el sábado 11 de noviembre a las 19:00h tendrá lugar el “Ciclo Raíces del Fantástico Valenciano”, con la proyección y coloquio del documental “Segrelles. Il·lustrador Universal”, y la asistencia de José Enrique Segrelles (curador de arte y sobrino nieto de Segrelles), e Ignacio Estrela (director de la película); y el domingo 12 de noviembre con la exhibición de los primeros cortometrajes a competición.
Además, el Festival contará con otras actividades detalladas en su programación, como la “Formación Fantástica” para públicos infantiles y juveniles desarrollada en centros educativos de Sant Joan d’Alacant y Benidorm; el Premio Especial FANTAELX-L’ALJUB, donde parte del estudiantado de la Universidad Miguel Hernández tendrá la oportunidad de presentar y estrenar sus trabajos en los cines ABC del centro comercial (además de la proyección de cortometrajes en su megascreen) y las conferencias dentro de una nueva edición del Congreso Internacional de Género Fantástico, Audiovisuales y Nuevas Tecnologías, en conexión directa con el citado letimotiv de este año. El Congreso tendrá lugar los días 23 y 24 de noviembre en formato presencial y online. Así, las ponencias del jueves 23 se realizarán en modalidad online a través de la web del festival; mientras que las ponencias del viernes 24 se llevarán a cabo de forma presencial en el Auditorio del Centro de Congresos “Ciutat d’Elx”, entre cuyos invitados se encontrarán el cineasta e investigador Jasper Vrancken, que acudirá a Elche desde Bélgica para estrenar su nuevo trabajo, o Ainara Aberasturi, directora del Museo Paleontológico de Elche (MUPE).
Por otro lado, el jueves 23 de noviembre a las 19:00h, en el Auditorio del Centro de Congresos “Ciutat d’Elx”, se celebrará la “Sección Transversal”, una sesión que tiene como objetivo visibilizar y debatir los diversos aspectos que giran en torno a las cuestiones de género, queer y LGTBI+, dentro de la producción audiovisual de corte fantástico, en la que se proyectará una selección temática de cortometrajes y tendrá lugar un coloquio con parte de sus creadores y creadoras, y personalidades expertas en la materia, tales como Augusto Almoguera (cineasta y organizador del Cortesina Fest), Fernando Fernández (artista e ilustrador) o Toni Díaz (actriz, y vicepresidenta trans de Diversitat Alacant).
Asimismo, aquellas personas que deseen disfrutar de una Sesión Especial “Ciencia y Criaturas Fantásticas”, tendrán una cita el sábado 25 de noviembre a las 12:00h en el Auditorio del Centro de Congresos “Ciutat d’Elx”. En ella, habrá una presentación de la película documental “Los albores del Kaiju Eiga”, la cual vendrá acompañada de un coloquio junto a Jonathan Bellés (director de la película), Gloria Costas (bióloga ambiental y marina) y Octavio López Sanjuán (escritor especializado en género fantástico). Por otro lado, las tardes del 24 y 25 de noviembre, también en el Centro de Congresos, se llevarán a cabo las últimas proyecciones de cortometrajes a competición, donde se podrán ver reconocidos trabajos de género fantástico, muchos de ellos proyectados por primera vez en la provincia.
Finalmente, el sábado 25 de noviembre a las 19:30h en el Centro de Congresos, llegará la Gala de Clausura y entrega de premios, presentada por la actriz, cineasta y jurado, Silvia Conesa. En esta nueva edición, los cortometrajes ganadores recibirán por primera vez premios en metálico, además del acceso a festivales colaboradores como el Skyline Benidorm Film Festival, el Festival de Cine Sant Joan d’Alacant, el Festival de Cortometrajes de Terror y Fantástico 1000 Gritos de Buenos Aires, o el Navidades Sangrientas – Weekend Horror Awards de Alicante.
La undécima edición del Festival está organizada por la asociación “Unicornio Negro”, el Centro de Investigación en Artes (CIA) y el grupo de investigación Massiva, de la Universidad Miguel Hernández. Asimismo, también cuenta con el apoyo de diversos organismos, como la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Elche, Visit Elche, el Vicerrectorado de Cultura de la Universidad Miguel Hernández, el Instituto Valenciano de Cultura, el centro comercial L’Aljub, la tienda alicantina Cinema Paradiso, la librería ilicitana Ali i Truc, el I.E.S. Luis García Berlanga, el Lope de Vega International School, Santō Pub Elche, o la Asociación Cineclub Catral.
Frasier mantiene intacta su vis cómica intelectual
Frasier regresa y esta vez podremos verle en SkyShowtime a partir del 3 de noviembre. Una vuelta que se produce tras dos aniversarios. Haciendo uso del perfeccionismo del Dr. Frasier Crane la cita tiene lugar con el cumplimiento redondo de dos onomásticas. Por un lado se cumplen treinta años desde el estreno de la serie en 1993 y por otro han pasado veinte desde que la serie concluyese un 11ª y última temporada en 2003.
Regresa prácticamente intacto el humor ágil e inteligente del personaje interpretado por Kelsey Grammer. Esta sigue siendo la confrontación de este psiquiatra contra el mundo. Mientras él quiere moverse por un mundo dominado por la sutileza y la razón no hace más que encontrarse con la irracionalidad de los sentimientos y lo burdo de nuestra sociedad.
Muy rápidamente nos ponen en situación tras el largo tiempo sin encontrarnos con este mítico personaje. Su padre ha muerto y está de paso por Boston para dar una sorpresa a su hijo. Le acompaña su sobrino y le acuede a recibir su fiel amigo Alan. Aunque no tenemos al reparto original los personajes siguen presentes. No solo a modo de referencia o con su descendencia, también ofreciendo las réplicas que hacen de esta serie un producto tan gracioso.
Inmediatamente nada más arrancar el primer episodio comprobamos que el sobrino de Frasier (interpretado por Anders Keith) es la viva imagen de su padre, con las mismas manías remilgadas e hipocondríacas. Se podría decir que Sheldon Cooper tiene bastante inspiración en este Crane. Él saca de quicio al protagonista pero también le extrae confesiones y momentos trascendentales. Por otro lado, en el contraste entre intelectualismo y brusquedad sarcástica está el amigo interpretado por Nicholas Lyndhurst. Su papel es similar al del fallecido JohnMahoney, ironizar con todo lo que sucede en escena y llevarlo con pragmatismo y resignación. La otra parte del rol que ejercía el personaje del padre, la que nos sacaba de cualquier argumento docto, la ejerce quien hace aquí las veces de hijo de Frasier. En vez de policía, bombero, Jack Cutmore-Scott es un contrapunto interesante.
Sin su clásico programa de consultas pero con un nuevo libro en ciernes, Frasier Crane se enfrenta a muchos retos nuevos. Entre ellos el de recuperar la sintonía de antaño (de hecho se ha grabado a la vieja usanza, con público en directo) y agradar a público nuevo. La serie sigue siendo lo suficientemente pícara y dinámica como para mantenerse durante varias temporadas. Mantiene todos los ingredientes que le funcionaron en el pasado, de hecho, está repleta de citas hacia la original. Todo el primer episodio es un resumen del devenir del personaje tras todos estos años y principalmente sirve de homenaje a John Mahoney, quien interpretaba al padre de Frasier y para muchos el personaje preferido. Además, hay un in memoriam hacia Gabrielle James (supervisora de guión en la serie original) y Archie Lyndhurst (hijo de Nicholas Lyndhurst, amigo de Frasier en la ficción).
Una exposición con algunos de sus trabajos más relevantes
El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), que celebrará su decimoséptima edición entre el 30 de junio y el 15 de julio con una intensa programación dedicada al mundo de los cómics y sus protagonistas, héroes y villanos, que tanto han inspirado al audiovisual a lo largo de la historia, ofrecerá entre sus actividades paralelas la exposición ‘Pacheco & Azpiri, en recuerdo de dos grandes’.
Este homenaje a Pacheco y Azpiri está organizado por Fundación Cine+Cómics, la Cátedra Cultural Moebius de la Universidad de La Laguna, la Asociación Unicornio, la Semana Internacional de Cine Fantástico De La Costa del Sol y FIMUCITÉ. La muestra podrá visitarse en la sala de arte de Los Lavaderos, en Santa Cruz de Tenerife, desde el 30 de junio hasta el 23 de julio. No obstante, la inauguración oficial tendrá lugar el martes 4 de julio, a las 12:00 horas, contando con la presencia del alcalde de la ciudad, José Manuel Bermúdez, el comisario de la muestra Julio Peces y los responsables de FIMUCITÉ y la Fundación Cine+Cómics, respectivamente.
La exposición dedicada a Pachecho y Azpiri se divide en dos espacios diferenciados, dedicados a cada uno de los autores a modo de homenaje y recuerdo de su legado tras su fallecimiento, Azpiri en 2017 y Pacheco el pasado mes de noviembre.
El espacio de Carlos Pacheco se dividirá a su vez en dos áreas. La primera estará dedicada a la saga ‘Arrowsmith’, la obra más personal del historietista gaditano, creada junto al guionista Kurt Busiek. En 2002 se lanzó la primera entrega y, en 2022, como obra póstuma, la segunda entrega. Habrá una selección de dibujos a color y en blanco y negro, reproduciendo dibujos originales en muy alta calidad.
La segunda parte estará centrada en los trabajos de Pacheco en Marvel y DC, editoriales en las que labró su reputación y gracias a las cuales obtuvo fama mundial. En concreto, contará con 40 paneles de la obra de Pacheco cedidos por el entintador Jesús Merino, colaborador habitual del dibujante gaditano, a través de la mediación de Ficzone Granada y el Festival de Cómic Europeo de Úbeda. Este espacio se complementará con una selección de 8 dibujos en homenaje a Pacheco, creados por ocho autores.
Por otro lado, el espacio de Azpiri tendrá dibujos del libro ‘Nuestro Querido Azpiri’, publicado en 2019 dentro de la 20ª edición del Festival de Cine Fantástico de la Costa del Sol, con reproducciones de originales a gran calidad. Asimismo, también habrá una selección de dibujos cedidos del fondo del reputado crítico de cómics Eduardo Serradilla, responsable de proyectos internacionales de la Fundación Cine+Cómics. Son 25 reproducciones a gran calidad de dibujos que tratan temas como los superhéroes, la serie ‘Lorna’ o las portadas que Azpiri dibujó para videojuegos de ordenadores como MSX o Spectrum.
Cabe destacar que Azpiri fue el autor del cartel oficial de la 3ª edición de Fimucité, celebrada en el año 2009. La ilustración estuvo dedicada a la saga cinematográfica Alien, en alusión a la temática principal de aquella edición.
El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), el evento del género más antiguo de Europa dirigido por el aclamado compositor y director de orquesta Diego Navarro, cuenta con el patrocinio de Cabildo de Tenerife, el Organismo Autónomo de Cultura del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, el Organismo Autónomo de Actividades Musicales del Ayuntamiento de San Cristóbal de La Laguna, Sinfónica de Tenerife, Auditorio de Tenerife, Instituto Canario de Desarrollo Cultural y Volcano Teide Experience; con la colaboración especial de Parque Científico y Tecnológico de Tenerife, Tenerife Innova, Fondo de Desarrollo de Canarias, Fundación Disa, Emmasa, Fundación SGAE, Fundación “la Caixa” a través de CaixaBank, Fundación CajaCanarias, AUDI como coche oficial del Festival; y la Fundación Diario de Avisos, el Grupo Plató del Atlántico y la Televisión Canaria como principales media partners. FIMUCITÉ celebra su 17ª edición del 30 de junio al 15 de julio de 2023.
Publicado el programa que se materializará del 8 al 15 de julio
Ya está disponible el programa completo de la 17ª Edición del Festival Internacional de Cine de Sax. Como adelanto a esta entrada podemos decir que se confirma el homenaje y entrega del Premio a la Trayectoria al gran Raúl García. Este animador, uno de los más internacionales que tenemos en España, estará presente en el festival y relatará los detalles de su impresionante trayectoria profesional. Además se proyectará su película ‘Extraodinary Tales’ que supondrá la Clausura de la 17ª Edición del festival.
La inauguración del festival tendrá lugar el 8 de julio en el Teatro Cervantes de Sax. Allí tendrá lugar el espectáculo audiovisual titulado ‘El arte de la luz y la sombra’ orquestado por MiguelHerrero con música de la pianista Tsvetelina Lyubenova Avramova. Este show combina magia, cine, animación y música en directo.
El domingo llega el momento de lo insólito con ‘El año de las 10+1 películas’. En la primavera de 2021 se inició uno de los proyectos más insólitos del cine español. El mítico jugador de ruleta, productor musical y cineasta de culto Gonzalo García-Pelayo, premio a la trayectoria en el pasado Festival de Sax, se embarcaba en la titánica misión de realizar 7 películas en un año, finalmente serían 10+1. Este documental, dirigido por Carlos Escolano, es el retrato de un cineasta y su particular manera de abordar la práctica fílmica. Partiendo de la contracultura, desgrana su pasión por hacer del cine una forma de vida, un revelador de la belleza.
Primer ganador del certamen “El mejor proyecto de Largometraje”. Otorgado por el Jurado del festival, el premio ha recaído en ‘Semillas de Kivu’ dirigida por Néstor López. El proyecto que cuenta con Denis Mukwege, ganador del Nobel de la Paz, nace del cortometraje homónimo, Semillas de Kivu, del propio realizador, ganador de Abycine con el premio Amnistía Internacional 2021. En Kivu, un grupo de mujeres intentan recuperar sus vidas tras haber sido violadas por las guerrillas de la zona que dominan los recursos del coltá.
Si queréis consultar el programa completo visitad su web oficial.
Ya podemos ver las primeras imágenes de ‘X’, la nueva película de terror del director Ti West (‘Them’, ‘Historias del bucle’, ‘Wayward Pines’), que llegará a los cines el próximo 13 29 de abril de la mano de eOne Films. Lo que pretende con ‘X’ es darle una vuelta de tuerca al género slasher, homenajeando a los grandes clásicos de los años 70.
Jenna Ortega (‘Scream’, ‘The Fallout’, ‘El día del sí’, ‘You’), Brittany Snow (‘El juego del ahorcado’, ‘Una noche para morir’, ‘Dando la nota’), Martin Henderson (‘Un lugar para soñar’, ‘Los extraños: cacería nocturna’, ‘The Ring (La señal)’), Scott Mescudi, conocido como Kid Cudi en su faceta de rapero (‘No mires arriba’, ‘We Are Who We Are’, ‘Westworld’) y Mia Goth (‘Suspiria’, ‘El secreto de Marrowbone’, ‘La cura del bienestar’) son los actores que van a sufrir por su vida en ‘X’.
Sinopsis oficial:
En 1979, un grupo de jóvenes cineastas se reúnen en una remota granja en una zona rural de Texas, para rodar una película para adultos. Cuando los dueños del lugar, una solitaria pareja de ancianos, descubren sus intenciones, el rodaje se convierte en una lucha desesperada por sus vidas.
Un convicto es enviado a un campo de trabajo en el desolado noroeste de China, durante la Revolución Cultural del país. Utilizando su ingenio, y con el único fin de ver a su hija, quien ha sido filmada en una película, logra escapar y huye en dirección al cine de un pueblo cercano. Allí espera encontrar esa cinta de película y hacerse con ella. Sin embargo, en dicho lugar se cruza con una vagabunda que está desesperada por conseguir el mismo carrete de película y que logra robarlo. Curiosamente, este enigmático objeto, que ambos anhelan por motivos muy distintos, se convertirá en la raíz de una inesperada amistad.
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Crítica
Zhang Yimou se ha montado su propio ‘Cinema Paradiso’
La nueva película de Zhang Yimou seguro que aparece en todas las listas que reúnen films sobre hacer cine o sobre el amor al cine, como esta que podéis leer aquí. En el caso de ‘Un segundo’ se persigue un rollo de película con la mayor de las desesperaciones y diferentes motivaciones, pero es por la labor del proteccionista que creo que debería figurar entre las primeras posiciones de la temática.
Zhang Yimou se ha montado su propio ‘Cinema Paradiso’. Con su proyeccionista, sus proyectores gastados, sus espectadores embelesados… Elabora con tremendo cariño una cinta que respira amor por el séptimo arte y a la vez desarrolla un curioso discurso sobre la humanidad y la amistad. Memorables son muchas de las tomas que ha configurado, en especial aquellas que suceden tras la pantalla de cine y en el desierto, donde la brisa llega a arañar a unos solitarios fotogramas.
Quizá es tan buena mi impresión porque iba con la expectativa baja. Baja tras el chasco que fue ‘La gran muralla’ o en parte ‘Sombra’. Siempre me ha gustado el Yimou medieval, despuntando en su currículo ‘La casa de las dagas voladoras’, pero a partir de ahora me abriré más a sus otras ambientaciones, como la próxima ‘Cliff Walkers’. Que la inquietud del personaje llamado “Don Películas” sea transmitir a la plana mayor del partido que no tiene sucesor suyo para el cine ya nos dice cuánto se preocupa el director por su legado y el relevo generacional.
‘Un segundo’ nos lleva a la China de los 60, la de los campos de trabajo, la limpieza de Mao y la Revolución Cultural. La política siempre está ahí como telón de fondo (no olvidemos el bloqueo que el gobierno Chino impuso a este filme) pero sin ser el centro de atención, es solo una consecuencia de la estructuración social que experimentaban en provincias del país asiático. En un desértico escenario sometido a esas normas se mueven los dos protagonistas, un prófugo y una huérfana que se disputan un celuloide. Una relación que se desarrolla de manera plausible y que es capaz de enternecernos como las películas de antes.
‘Un segundo’ rebosa humor, pillería y romanticismo analógico. Siendo Zhang Yimou un director tan reconocido en China y laureado internacionalmente, es aún mayor agrado decir que esta es una de sus películas más humildes. Es un filme muy sencillo, que no necesita mayores artificios. De hecho con tres o cuatro localizaciones el director nos cuenta la historia. Aprovecha muy bien la escenografía para darnos una pequeña clase magistral de exhibición cinematográfica.
Sin tener relación y puede que tampoco conocimiento del cine de Berlanga y Cuerda, esta película de Yimou tiene mucho del entrañable ruralismo de películas como ‘Así en el Cielo como en la Tierra’ o ‘La vaquilla’. Desborda detalles campechanos y momentos simpáticos hasta tal punto que sus remembranzas y anhelos por la experiencia en la sala de cine sabe a puro recuerdo.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de octubre. Título original: Yi miao zhong (One second). Duración: 104 min. País: China. Dirección: Zhang Yimou. Guion: Zhang Yimou. Música: Loudboy. Fotografía: Xiaoding Zhao. Reparto principal: Zhang Yi, Fan Wei, Chang Haijun, Li Xiaochuan, Li Yan, Liu Haocun, Liu Yunlong. Producción: Huanxi Media Group, Edko Films. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial:https://www.huanximedia.com/en#recent-works
Un film de Sara Colangelo, con Michael Keaton y Stanley Tucci
Coincidiendo con el 20 aniversario de aquel fatídico día y como importante reflexión llega a los cines ‘Worth’, una película que se plantea premisas de este calibre: ¿Cuánto vale la vida de una persona fallecida? ¿Es moral siquiera plantearse dicha pregunta?.
A estas delicadas cuestiones trata de dar respuesta la cinta, dirigida por Sara Colangelo (‘La profesora de parvulario’, ‘Little Accidents’),a partir de un guion de Max Borenstein (‘Godzilla vs Kong’, ‘Kong: La Isla Calavera’, ‘Godzilla’, serie ‘The Terror’).
A través de una historia real (la del abogado Kenneth Feinberg, interpretado por Michael Keaton) la película narra con pulso el complejo camino que siguieron cientos de familiares de las víctimas de aquel suceso. La película se convierte en un emotivo homenaje a la lucha de las víctimas de los atentados del 11-S, a través de un excelente duelo interpretativo entre Michael Keaton y Stanley Tucci, acompañados de otros grandes actores como Amy Ryan, Tate Donovan, Shunori Ramanathan o Laura Benanti, entre otros.
En el mismo tono que otras cintas con aires políticos y de carácter judicial que fueron llevadas al cine con éxito como ‘Erin Brockovich’ o ‘Spotlight’, el film nos desvela el proceso que sufrieron muchas familias para conseguir una indemnización. Una cinta, humana, sensible, cruel pero enaltecedora, que muestra la odisea judicial de unos auténticos héroes americanos.
‘Worth’ supone la confirmación en la dirección de Sara Colangelo, además de un excelente trabajo de sus tres principales intérpretes Michael Keaton, Stanley Tucci y Amy Ryan, además de provocar una profunda reflexión a todos los espectadores que se acerquen a ella.
Vértigo Films, distribuidora de ‘Woth’ en España tiene previsto su estreno en cines el próximo 10 de septiembre.
El documental ‘Buñuel, un cineasta surrealista’, la última producción del calandino Javier Espada, centrado en el mundo onírico y las obsesiones del célebre director aragonés y mexicano, estará en la edición 69 del Festival de Cine de San Sebastián, tras su estreno en la pasada edición del Festival de Cannes.
El film, que completa el ciclo iniciado con ‘El último guion’, que codirigió en su momento con Gaizca Urresti, gracias a la generosidad de Jean Claude Carriere y Juan Luis Buñuel, será proyectado en la sección Made in Spain.
Además, la presentación de ‘Buñuel, un cineasta surrealista’ coincide con el 44 aniversario de la Concha de Oro de Honor que recibió el célebre cineasta Luis Buñuel en el Festival de San Sebastián por su trayectoria.
La idea germinal del film surge de una conferencia que impartió Javier Espada, coincidiendo con la inauguración de una gran exposición dedicada a la figura de Buñuel en la Cineteca de México.
“Hablé sobre ‘Buñuel, un surrealista’ en México con muchas imágenes y fragmentos de películas, y tras la conferencia fueron muchas las personas que me recomendaron transformarla en un documental, por la gran cantidad de material gráfico utilizado y porque les pareció original el planteamiento”, explicó Espada.
Por entonces, el cineasta estaba inmerso en otros proyectos, pero el confinamiento al que ha sometido al mundo la contingencia sanitaria por el coronavirus, le llevo a transformar la conferencia al lenguaje cinematográfico, contribuyendo para poner en valor a uno de los mayores exponentes de la cultura española más universal, al cineasta surrealista Luis Buñuel.
‘Buñuel, un cineasta surrealista’ incluye materiales inéditos, como las poco conocidas fotografías estereoscópicas realizadas por el padre de Buñuel en Zaragoza y Calanda, además de analizar la influencia de Aragón en la creación del rico imaginario que el director calandino y mexicano plasmó en sus películas.
Luis Buñuel fue precursor del cine surrealista más puro desde ‘Un perro andaluz’ y aunque tácitamente abandonó este movimiento tras ‘La edad de oro’, mantuvo referentes continuos a los postulados surrealistas a lo largo de su carrera cinematográfica en México y posteriormente en Francia y España. El cineasta nunca dejó de cultivar estos principios emergidos desde su infancia, elementos que, como los sueños, han formado parte de sus pilares creativos más básicos y conformado buena parte de la singularidad de su cine.
‘Buñuel, un cineasta surrealista’ cuenta con el apoyo de los ayuntamientos de Calanda y de Zaragoza, así como de diversas entidades de España, México, Francia y Estados Unidos y será distribuido internacionalmente por Latido.
‘El efecto Darma’ es una historia sobre el amor, el cine, la amistad y la persecución de nuestros sueños. Ambientada en 2002, ‘El efecto Darma’ nos muestra la vida de un grupo de jóvenes y su pasión por el 7º arte.
Influenciada por películas como ‘Lost in Translation’, ‘Cashback’, ‘La Noche Americana’ o ‘Bowfinger’; la historia de ‘El efecto Darma’ es una oda al cine. Llena de referencias cinéfilas y ambientada en una época donde el mundo digital comenzó a ganar la batalla al mundo analógico.
La película estará protagonizada por Álvaro Lucas y Dunia Rodríguez. Junto a ellos veremos a AlbaTissera, Alberto Lucero, Gonzalo Validiez, Elena Foronda, Delia Seriche, Paula Motoso, Nadal Bin, Andrea Veguez, Néstor Circolone, Aldara Fernández y Dani Jaén.
‘El efecto Darma’ estará dirigida por José Luis Rojas a través de su propio guión. Esta producción de Molonko Films y Kante Producciones va acompañada de la música de RebecaNayla, con letra y voz de Dunia Rodríguez cuyo tema se llama “Cosmic Lovers”.
A partir del próximo 31 de julio de 2021 se filmará íntegramente en el municipio madrileño de Rivas Vaciamadrid con un tiempo estimado de duración de 5 semanas.
Sinopsis oficial:
Jon es un joven aspirante a cineasta que decide rodar una película con la ayuda de sus amigos. Durante el rodaje, Jon conocerá a Darma: Una nueva y misteriosa compañera de trabajo. Desde el primer instante, Jon se da cuenta de que Darma es única y que, irremediablemente, terminará enamorándose de ella.
La vida de Ángela se desvanece ante sus ojos. Impulsada por una rutina vacía de la que parece imposible desprenderse, se aventurará en un viaje a través de tierras remotas, donde descubrirá un interés especial por grabar insectos con la cámara de su madre. Sin desearlo, tendrá que enfrentarse a los inesperados y desconocidos impulsos de su soledad.
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Crítica
Una más que peculiar road movie llena de bichos y descubrimiento
Los desiertos canarios sirven para escenificar el viaje físico y pulsional de una joven que se encuentra en un vacío tan grande como las llanuras áridas de las islas atlánticas. El primer largometraje de Miguel Mejías nos lleva a la mente de una joven harta de su monotonía, una rutina que además se ha visto trágicamente rota.
Apretando el gatillo de su Super-8 la protagonista graba insectos y entremedias se intercalan recuerdos con calidad de viejo celuloide. La película es parca en palabras y rica en imágenes, quizá por eso cuesta mucho discernir las intenciones del director. A través de su protagonista, interpretada por su habitual Ángela Boix, empieza un análisis de la vida y la muerte. Este es una más que peculiar road movie llena de bichos y descubrimiento.
La protagonista es una persona que rehúye el contacto humano y parece dedicarse a la vida contemplativa. El director tira de simbolismo y figuras retóricas de carácter visual intentando hacer un retrato que es tan anfibológico que corre el peligro de ser solo entendido por él mismo.
Que esta es una película íntima no se puede negar. Una obra de manual, de profesor y alumnos, que respeta casi estrictamente la regla de los tercios. Donde la fotografía se me antoja muchísimo más interesante que el guión. Para ser una película llena de alcohol y conducción los protagonistas son tremendamente observadores, parcos en acciones. ‘La viajante’ cumple con tres capítulos diferenciados el esquema de introducción, nudo y desenlace, pero en ese disciplinado esquema el espectador aguarda giros que no llegan. Está claro que este es manjar para quien quiera gastar su tiempo en abstracciones ajenas.
‘La viajante’ es dura de ver por su flemático discurrir y por su escasez de diálogos, más aún por su deprimente música. Con la poesía y la metafísica de aquellos que se ponen intensos, pero con la parsimonia apagada de los que andan escasos de nervio. Cuesta mucho verla, no animan ni su compás ni su relleno a seguir el hilo.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de julio de 2021. Título original: La viajante. Duración: 85 min. País: España. Dirección: Miguel Mejías. Guion: Miguel Mejías, Amanda Lobo. Música: Eduardo Paynter, Alberto Cobián. Fotografía: Pablo G. Gallego. Reparto principal: Ángela Boix, Miguel Insua, Francisca Ródenas, Nikias Schmich. Producción: Digital 104, Volcano Films. Distribución: Begin Again. Género: road movie. Web oficial:https://www.instagram.com/laviajantefilm/
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