Netflix y Filmin se alían para ofrecer una colección mensual de películas y documentales

La colaboración arranca el 1 de octubre con ‘Octubre de misterio’, una selección de diez títulos curada por el equipo editorial de Filmin con motivo de Halloween

Netflix ha anunciado una nueva colaboración con Filmin que permitirá a sus suscriptores en España acceder cada mes a una selección de películas y documentales elegidos por el equipo editorial de Filmin.

El acuerdo comienza el 1 de octubre de 2026 con la colección ‘Octubre de misterio’, una selección temática vinculada a la temporada de Halloween. Los títulos estarán disponibles dentro de una sección propia de Netflix y se renovarán mensualmente.

A partir de ahora, el primer día de cada mes se incorporará una nueva colección formada por 10 títulos licenciados y seleccionados por Filmin. La colección del mes anterior permanecerá disponible durante un mes adicional, creando así una ventana rotativa de contenidos.

De ‘Octubre de misterio’ a futuras colecciones temáticas

La colaboración permitirá que películas y documentales que ya cuentan con una trayectoria en Filmin puedan llegar a una audiencia más amplia a través de Netflix.

La rotación mensual también permitirá adaptar las selecciones a diferentes momentos del año. De esta forma, el acuerdo contempla colecciones relacionadas con temáticas estacionales, como el misterio y el terror durante Halloween, así como otras vinculadas a acontecimientos cinematográficos, entre ellas una posible selección de películas premiadas coincidiendo con la temporada de los Oscar.

Diego Ávalos, vicepresidente de contenido para España, Portugal y Turquía en Netflix, ha destacado el trabajo editorial de Filmin y su relación con una audiencia especializada, al tiempo que ha señalado que la colaboración permitirá incorporar a Netflix más películas y documentales seleccionados por el equipo de Filmin.

Filmin amplía la audiencia de sus contenidos

Para Juan Carlos Tous, CEO y fundador de Filmin, el acuerdo supone un reconocimiento al trabajo desarrollado por la plataforma durante sus casi 20 años de trayectoria y una oportunidad para acercar sus contenidos a un público más amplio.

La colaboración permitirá, por tanto, que una selección de títulos vinculados al catálogo de Filmin tenga una nueva ventana de exhibición dentro de Netflix en España, con una programación que cambiará cada mes.

La primera colección, ‘Octubre de misterio’, estará disponible desde el 1 de octubre de 2026, coincidiendo con el inicio de la colaboración.

Cómo funcionará la colaboración entre Netflix y Filmin

  • Inicio del acuerdo: 1 de octubre de 2026.
  • País: España.
  • Primera colección: ‘Octubre de misterio’.
  • Nuevos contenidos: 10 títulos cada mes.
  • Selección: equipo editorial de Filmin.
  • Rotación: cada nueva colección se incorpora el primer día de cada mes.
  • Disponibilidad: la colección anterior permanece un mes más.

‘Las nuevas desventuras de Cliff Booth’ presenta su tráiler oficial antes de su estreno

Película dirigida por David Fincher y escrita por Quentin Tarantino que recupera a Brad Pitt como el protagonista de ‘Érase una vez en Hollywood’

Netflix ha presentado el tráiler oficial de ‘Las nuevas desventuras de Cliff Booth’, el nuevo largometraje dirigido por David Fincher a partir de un guion de Quentin Tarantino que recupera a Brad Pitt en el papel de Cliff Booth. La película tendrá un estreno exclusivo de dos semanas en salas IMAX a partir del 27 de noviembre de 2026, antes de incorporarse al catálogo de Netflix el 23 de diciembre de 2026.

La historia vuelve a encontrarse con Cliff Booth varios años después de los acontecimientos de ‘Érase una vez en Hollywood’. Si aquella película de Tarantino situaba al personaje en el Hollywood de 1969, esta nueva aventura transcurre en 1977, ocho años después de su encuentro con la familia Manson.

Asesinatos, chantajes y problemas en Hollywood

Asesinato, chantaje, robo y extorsión vuelven a formar parte del día a día de Hollywood. El mundo ha cambiado y Los Ángeles ya no necesita a un especialista como Cliff Booth para enfrentarse a los hippies, pero los problemas continúan apareciendo.

Cliff tampoco ha abandonado del todo su particular forma de resolverlos. Cuando no trabaja como camarero o proyeccionista, se dedica a solucionar los problemas de algunos de los grandes nombres de Hollywood y, ocasionalmente, también los de personas que no pertenecen a la industria.

Sus métodos se apoyan en unas habilidades poco convencionales y en una relación con la legalidad que, en determinadas ocasiones, queda en segundo plano. El resultado es una nueva historia ambientada en el Hollywood de finales de los años setenta, con Cliff Booth convertido nuevamente en el encargado de solucionar aquello que otros no pueden resolver.

David Fincher y Quentin Tarantino vuelven a reunir a Cliff Booth

‘Las nuevas desventuras de Cliff Booth’ supone la continuidad del personaje interpretado por Brad Pitt en ‘Érase una vez en Hollywood’, aunque en esta ocasión la película cuenta con David Fincher en la dirección y Quentin Tarantino como guionista.

El reparto está encabezado por Brad Pitt y cuenta también con Elizabeth Debicki, Scott Caan, Carla Gugino, Yahya Abdul-Mateen II, Peter Weller, Matt Groove, JB Tadena, Corey Fogelmanis y Karren Karagulian.

La película está producida por Ceán Chaffin y Brad Pitt, con Erik Messerschmidt, ASC como director de fotografía, Donald Graham Burt al frente del diseño de producción y Kirk Baxter, ACE responsable del montaje.

Martín Garabal visita Madrid y aprovechamos para entrevistarle

El actor argentino de ‘División Palermo’ y ‘La cosa en la niebla’ ha rodado con Álex de la Iglesia

Martín Garabal es uno de los nombres más interesantes de la nueva generación de creadores audiovisuales argentinos. Actor, dibujante, guionista y humorista, ha desarrollado una carrera vinculada especialmente a la comedia, aunque su trabajo le ha permitido moverse entre diferentes formatos y registros. Ahora, además, comienza a ampliar su presencia en España con nuevos proyectos cinematográficos.

Una carrera ligada al humor

La trayectoria de Martín Garabal está marcada por una combinación poco habitual de interpretación y escritura. Su trabajo como humorista le ha llevado a desarrollar una voz propia, mientras que su faceta como guionista le ha permitido participar en la creación de algunos de los proyectos más destacados de la comedia argentina reciente.

Esa doble condición resulta especialmente interesante a la hora de enfrentarse a un personaje, ya que Garabal conoce tanto el proceso de construcción de una historia como las necesidades de un intérprete a la hora de llevarla a la pantalla.

‘División Palermo’

Uno de los títulos fundamentales de su carrera es ‘División Palermo’, la serie creada por Santiago Korovsky para Netflix. Garabal participa en ella como actor y guionista, formando parte de una producción que utiliza la comedia para abordar cuestiones como la inclusión, los prejuicios y las contradicciones de la sociedad contemporánea.

Su participación en la serie le permitió demostrar precisamente esa doble faceta profesional y formar parte de uno de los fenómenos recientes más importantes de la ficción argentina que además ha logrado fans en nuestras fronteras.

En el fantástico español con ‘La cosa en la niebla’

Ahora podemos verle en ‘La cosa en la niebla’, película dirigida por Chedey Reyes que combina ciencia ficción, terror y comedia y que sitúa a sus protagonistas (él y Elena de Lara) en una situación tan extraordinaria como claustrofóbica.

Garabal interpreta a uno de los personajes principales de esta historia, ambientada prácticamente en su totalidad en el interior de una cabina de avión. Una propuesta que supone un nuevo registro dentro de su trayectoria y que le permite convertirse en uno de los rostros de una producción española de género.

Su visita a España

La presentación de ‘La cosa en la niebla’ en Madrid sirve también como punto de encuentro entre el intérprete argentino y el público español. Garabal visita nuestro país en un momento especialmente interesante de su carrera, coincidiendo además con una etapa en la que su trabajo empieza a establecer nuevos vínculos profesionales con España.

En nuestra entrevista hablamos con él sobre el rodaje de la película, las dificultades de trabajar en un espacio tan reducido y la combinación de géneros que propone ‘La cosa en la niebla’.

Trabajar con Álex de la Iglesia

Otro de los proyectos que marca esta nueva etapa profesional es ‘Felicidades’, la película dirigida por Álex de la Iglesia para Netflix y rodada íntegramente en Argentina. La cinta adapta la obra teatral de Mariano Pensotti y cuenta con un reparto coral en el que también encontramos a Adrián Suar, Griselda Siciliani, Benjamín Vicuña, Violeta Urtizberea, Mike Amigorena y Diego Capusotto.

Para Garabal, trabajar a las órdenes de Álex de la Iglesia supone entrar en contacto con uno de los universos cinematográficos más reconocibles del cine español, caracterizado por la mezcla de comedia, absurdo, exceso y situaciones llevadas al límite. Un cineasta que según reconoce el propio actor ha marcado su vida y sus influencias cinéfilas.

Entrevistamos a Martín Garabal

Desde Madrid hablamos con Martín Garabal sobre su trayectoria, ‘La cosa en la niebla’, su trabajo en ‘División Palermo’ y su experiencia formando parte de ‘Felicidades’, la película de Álex de la Iglesia. Una conversación en la que también conocemos mejor al creador que se encuentra detrás de algunos de los proyectos más singulares de la comedia argentina y que ahora comienza a hacerse un hueco en el audiovisual español.

‘Aquel’ desvela su tráiler y nuevas imágenes antes de su estreno en Netflix

La serie biográfica sobre Raphael llegará el 9 de octubre con Javier Morgade y Carlos Santos interpretando al cantante en dos etapas de su vida

Netflix ha presentado el tráiler oficial y nuevas imágenes de ‘Aquel’, la serie biográfica inspirada en la vida y la trayectoria de Raphael. La producción se estrenará en exclusiva en España y Latinoamérica el próximo 9 de octubre y recorrerá cinco décadas de la historia personal y artística de uno de los intérpretes más reconocibles de la canción española.

La ficción estará protagonizada por Javier Morgade, conocido por sus trabajos en ‘Culpa tuya’ y ‘El jardinero’, y Carlos Santos, visto en ‘El refugio atómico’ y ‘1992’. Ambos darán vida a Raphael en dos momentos diferentes: Morgade interpretará al artista durante su juventud, mientras que Santos asumirá el papel en su etapa de madurez.

Un recorrido por las luces y sombras de Raphael

‘Aquel’ estará formada por ocho episodios y comenzará en los humildes orígenes del cantante en la España de posguerra para acompañarle después en su ascenso hasta los grandes escenarios internacionales. La serie no se limitará a repasar sus éxitos, sino que también abordará sus pasiones íntimas, sus conflictos personales y los fantasmas que han marcado su vida.

El relato llevará al espectador por diferentes escenarios vinculados a la trayectoria de Raphael, con localizaciones que van desde Madrid hasta Las Vegas, pasando por Moscú, París y Acapulco. De este modo, la producción plantea un viaje emocional a través de cinco décadas de carrera, fama y exposición pública, con la intención de mostrar al hombre que existe detrás del mito.

La propia presentación de Netflix subraya que la serie busca ofrecer una mirada amplia a la figura del cantante, sin quedarse únicamente en la imagen del artista de éxito. El proyecto pretende mostrar tanto los momentos luminosos de su carrera como las etapas más complejas de su vida personal.

Un reparto que combina intérpretes jóvenes y veteranos

Junto a Javier Morgade y Carlos Santos, el reparto incluye a Francesco Carril, Natalia Varela, Pepa Aniorte y Manolo Caro, entre otros. Carril forma parte también del elenco de ‘Los años nuevos’ y ‘La virgen de agosto’, mientras que Varela ha participado en ‘Ella es tu padre’ y ‘No te puedes esconder’. Aniorte es conocida por sus trabajos en ‘Sueños de libertad’ y ‘La caza. Guadiana’, y Manolo Caro ha aparecido en ‘Entrevías’ y ‘Feria: la luz más oscura’.

Se amplía el reparto con nombres como Daniel Grao, Ignacio Mateos, Jonathan Tapia, Alessandra Sironi, Roger Casamajor y el propio Jacobo Martos, que aparece acreditado como regidor. IMDb también confirma que Carlos Santos y Javier Morgade participan en los ocho episodios de la primera temporada interpretando a Raphael en sus respectivas etapas vitales.

Tres directores para contar una vida extraordinaria

La serie está dirigida por Tito López Amado, Javier Pulido y Beatriz Sanchís. La producción corre a cargo de DLO Producciones, responsable de títulos como ‘El jardinero’ y ‘Ni una más’, en asociación con Caracol Televisión.

El equipo creativo cuenta con José Manuel Lorenzo como productor y Jacobo Martos como productor asociado. El guion ha sido escrito por Ignacio del Moral, Paloma Rando y Adrià P. Xancó, mientras que los productores ejecutivos son Nacho Bolonio, Dago García, Gonzalo Cordoba, Asier Aguilar, Lisette Osorio y José Manuel Lorenzo.

Uno de los detalles más llamativos del proyecto es precisamente su estructura de producción y dirección compartida. La amplitud temporal de la historia —que abarca desde la posguerra española hasta la proyección internacional del cantante— requiere reconstruir distintas épocas, ambientes y escenarios, además de coordinar las interpretaciones de dos actores principales para representar a un mismo personaje en diferentes edades.

Raphael participa en un biopic que busca evitar la idealización

‘Aquel’ parte de la figura pública de Raphael, pero plantea una aproximación que también pretende explorar sus contradicciones. La serie mostrará el ascenso de un artista que pasó de sus comienzos humildes a convertirse en una estrella internacional, sin dejar fuera los conflictos y las dificultades que acompañaron ese recorrido.

La producción se presenta, por tanto, como una ficción biográfica y no como un simple repaso musical. El interés estará tanto en los grandes escenarios y los momentos de éxito como en las relaciones, las decisiones y las circunstancias que ayudaron a construir la personalidad artística de Raphael. El propio artista aparece en un fotograma al final del tráiler.

Crítica: ‘Gatos Callejeros’

En qué plataforma ver Gatos Callejeros

 

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La vida vista a través de una pandilla de gatos

Desde el momento en el que me enteré de que Ricky Gervais estrenaba una serie sobre gatos, me crearon una necesidad. ‘Gatos callejeros’ llega este viernes 7 de agosto con 6 episodios de unos 15 minutos más o menos cada uno.

En total, 90 minutos de serie que, aunque no era lo que me esperaba, me ha hecho pensar mucho y realmente me ha gustado ese aire pesimista que nos ha dado Gervais con esta serie de animación.

Los gatos nihilistas

Conocemos a un grupo de gatos callejeros viviendo su día a día en un barrio que pasa totalmente de ellos. Un barrio repleto de humanos que hacen como que no les conocen. Pero sus monótonos días cambian al conocer a una pequeña gatita que ha salido de casa y no sabe volver. Comienza así una pequeña aventura diaria donde le dan vueltas a la vida, la muerte y la existencia en general.

Creo que venderla como una comedia no es la mejor manera, si que tiene humor, ese humor ácido que tanto nos gusta británico, pero, aun así, es una serie bastante amarga. Que como digo, no lo veo mal, creo que deja un poso bastante hondo y va a dar mucho que hablar. Ya que estos gatos, reflejan perfectamente la sociedad, nos van desnudando desde el primer minuto y hasta el final.

Ricky Gervais y la animación

El comediante, creador, director y guionista de esta serie, ha comentado lo mucho que ha disfrutado haciendo esta historia. Además, según cuenta, se siente muy identificado con los gatos. En este caso además le pone voz a Gus, un gato gruñón pero que tiene un grandísimo corazón.

Esta pandilla está compuesta de Fang (Andrew Brooke) un gato enorme negro y blanco que tiene unos colmillos descomunales, Puke (David Earl), un gato débil y bastante enfermizo en muchos sentidos, Olive (Diane Morgan), una gata que vive cerca de ellos y Ponce (Tom Basden), un gato pijo que tiene hogar, pero aun así le gusta acercarse a charlar con sus amigos. A ellos se les une Kitten (Jo Hartley), la gatita perdida. Cada uno con su personalidad, con sus pensamientos y creando una gran familia.

Blink Industries ha sido el estudio de animación encargado de crear a todos estos animales. Una animación sencilla, un dibujo igual, bastante fácil, porque realmente no necesitamos una animación espectacular, ya que lo que verdaderamente importa es escucharles.

Moraleja de ‘Gatos callejeros’

Para mí el mensaje claro de esta serie es que la importancia de los amigos y la familia es lo más importante de todo. Incluso esos amigos, se suelen convertir en familia y logran hacer que no nos sintamos solos. Que todo lo que ocurra, puede superarse cuando te ves rodeado de gente que te quiere y que quieres.

Como digo, una serie un tanto amarga, una serie que muestra una realidad de manera quizás un poco brusca, pero que en el fondo nos enseña que todo se puede superar.

‘Muertos S.L.’ presenta el tráiler de su cuarta y última temporada antes de despedirse en Netflix

Estrenará sus seis últimos episodios el 7 de agosto

Netflix ha desvelado el tráiler oficial y nuevas imágenes de la cuarta y última temporada de ‘Muertos S.L.’, la comedia creada por Laura y Alberto Caballero que se ha consolidado como una de las producciones españolas más populares de la plataforma. La serie regresará el 7 de agosto de 2026 con seis episodios inéditos que pondrán punto final a las disparatadas historias del tanatorio Torregrosa.

Tras tres temporadas combinando humor negro, situaciones absurdas y personajes tan extravagantes como entrañables, la ficción afronta su despedida con una nueva lucha por el poder que volverá a convertir el negocio funerario en el escenario perfecto para el caos.

El sillón de director vuelve a convertirse en el gran objetivo

La trama de esta última entrega girará alrededor de una nueva disputa por la dirección del tanatorio. Chemi cree haber encontrado la solución ideal para resolver el conflicto: ocupar él mismo el cargo durante un breve periodo antes de ceder el puesto a Dámaso.

Sin embargo, la estrategia no resulta tan sencilla como esperaba. La nueva situación provoca constantes cambios de actitud en el comercial, que alterna intentos por desacreditar a su jefe con otros destinados a ganarse su confianza.

Mientras tanto, Chemi comienza a implantar nuevas ideas para modernizar la empresa, iniciativas que sobre el papel parecen prometedoras, pero que en un tanatorio generan consecuencias tan inesperadas como cómicas, manteniendo el sello de humor absurdo que ha caracterizado a la serie desde sus inicios.

Un reparto repleto de rostros conocidos

La temporada final recupera a buena parte del reparto habitual encabezado por Carlos Areces, Diego Martín, Salva Reina, Adriana Torrebejano, Amaia Salamanca, Ascen López, Aitziber Garmendia, Gerald B. Fillmore, Roque Ruiz, Bárbara Santa-Cruz, Lorea Intxausti, Manolo Cal y Lucía Quintana, entre otros.

La química entre sus protagonistas ha sido uno de los principales ingredientes del éxito de la serie, construyendo un grupo de personajes capaces de convertir el escenario más solemne imaginable en una fuente constante de situaciones surrealistas.

Los Caballero cierran una nueva etapa televisiva

Laura y Alberto Caballero vuelven a situarse al frente de la producción, reafirmando una trayectoria que los ha convertido en algunos de los creadores más prolíficos de la ficción española gracias a títulos como ‘Aquí no hay quien viva’, ‘La que se avecina’ o ‘Machos Alfa’.

En esta ocasión, la dirección vuelve a recaer en Laura Caballero, mientras que el guion está firmado por Alberto Caballero junto a Daniel Deorador, Julián Sastre y Nando Abad. La producción corre nuevamente a cargo de Contubernio Films.

Una despedida para una de las comedias más singulares de Netflix

Con solo seis episodios por delante, ‘Muertos S.L.’ afronta su despedida definitiva después de haber encontrado una identidad muy particular dentro del catálogo español de Netflix. Su mezcla de humor costumbrista, situaciones disparatadas y un escenario tan poco habitual como un tanatorio le ha permitido diferenciarse de otras comedias recientes.

Todo apunta a que esta cuarta temporada servirá para cerrar las principales tramas de sus personajes y ofrecer un desenlace a la eterna lucha por el control del negocio familiar, manteniendo intacto el tono irreverente que ha acompañado a la serie desde su estreno.

Nominados a los Emmy 2026

‘The Pitt’ parte como gran favorita y dominan HBO Max, Apple TV+ y Netflix

La Academia de Televisión de Estados Unidos ha dado a conocer las nominaciones de la 78.ª edición de los Premios Primetime Emmy, una lista que confirma cuáles han sido las producciones televisivas más destacadas del último año y que anticipa una de las galas más competidas de los últimos tiempos.

La gran vencedora de las nominaciones ha sido ‘The Pitt’, que encabeza la clasificación con 25 candidaturas, convirtiéndose en la serie más nominada de esta edición. En el apartado de comedia, la última temporada de ‘Hacks’ suma 24 nominaciones, estableciendo además un nuevo récord para una comedia al conseguir el mayor número de candidaturas obtenidas por una única temporada del género.

Tras ellas aparece ‘Widow’s Bay’, de Apple TV+, con 19 nominaciones, seguida también por la producción de la plataforma ‘Pluribus’, que alcanza 18 menciones, mientras que ‘Beef (Bronca)’, de Netflix, completa el grupo de favoritas con 16 nominaciones.

Las plataformas vuelven a repartirse el protagonismo

Las nominaciones de este año reflejan la intensa competencia entre las principales plataformas de streaming. HBO Max vuelve a situarse entre los grandes referentes gracias al excelente rendimiento de ‘The Pitt’ y ‘Hacks’, mientras que Apple TV+ firma una de sus mejores cosechas hasta la fecha gracias a producciones como ‘Widow’s Bay’ y ‘Pluribus’. Netflix, por su parte, mantiene una fuerte presencia con ‘Beef’ entre las series más reconocidas por los académicos.

Primeros premios anunciados durante la mañana

Como ya es tradición, parte de las nominaciones fueron desveladas horas antes durante el programa estadounidense Today. Entre ellas figuraban dos categorías muy esperadas: Mejor Serie de Variedades y Mejor Reality de Competición.

Una de las notas más llamativas fue el regreso de ‘Dancing with the Stars’, que consigue su primera nominación en una década dentro de la categoría de programas de competición.

La ceremonia cambia de día por la NFL

Los ganadores de los Premios Emmy 2026 se conocerán el próximo 14 de septiembre durante una ceremonia que tendrá lugar en el Peacock Theater de Los Ángeles. La gala abandona excepcionalmente su tradicional celebración en domingo para trasladarse al lunes, evitando coincidir con una retransmisión de la NFL en la cadena NBC.

La presentación correrá a cargo de Mariska Hargitay, una de las grandes figuras de la televisión estadounidense, que precisamente afrontará este otoño su 28.ª temporada al frente de ‘Ley y Orden: Unidad de Víctimas Especiales’.

A continuación, la Academia de Televisión ha publicado la lista completa de nominados en todas las categorías, incluyendo también las correspondientes a los Creative Arts Emmy Awards, cuyos galardones se entregarán en una ceremonia independiente antes de la gala principal.

Mejor serie DRAMA

  • ‘La diplomática’ [Netflix]
  • ​’La edad dorada’ [HBO Max]
  • ‘El caballero de los Siete Reinos’ [HBO Max]
  • ‘Paradise’ [Hulu]
  • ‘The Pitt’ [HBO Max]
  • ‘Pluribus’ [Apple TV]
  • ‘Slow Horses’​ [Apple TV]
  • ‘Vicios ocultos’ [Apple TV]

Mejor actriz principal DRAMA

  • Carrie Coon por ‘La edad dorada’ ​
  • Chase Infiniti por ‘Los testamentos’
  • Keri Russell por ‘La diplomática’
  • Rhea Seehorn por ‘Pluribus’
  • Zendaya por ‘Euphoria’

Mejor actor principal DRAMA

  • Sterling K. Brown por ‘Paradise’ ​
  • Gary Oldman por ‘Slow Horses’ ​
  • Mark Ruffalo por ‘Task’ ​
  • Rufus Sewell por ‘La diplomática’ ​
  • Noah Wyle por ‘The Pitt’

Mejor actriz de reparto DRAMA

  • Taylor Deardon por ‘The Pitt’
  • Fiona Dourif por ‘The Pitt’
  • Allison Janney por ‘La diplomática’
  • Katherine LaNasa por ‘The Pitt’
  • Sepideh Moafi por ‘The Pitt’
  • Julianne Nicholson por ‘Paradise’
  • Karolina Wydra por ‘Pluribus’

Mejor actor de reparto DRAMA

  • Patrick Ball por ‘The Pitt’
  • Billy Crudup por ‘The Morning Show’
  • Shawn Hatosy por ‘The Pitt’
  • Gerran Howell por ‘The Pitt’
  • Jack Lowden por ‘Slow Horses’
  • Tom Pelphrey por ‘Task’
  • Carlos-Manuel Vesga por ‘Pluribus’

Mejor serie COMEDIA

  • ‘Colegio Abbot’ ​[ABC]
  • ‘The Bear’ [FX]
  • ‘Hacks’ [HBO Max]
  • ‘Margo tiene problemas de dinero’ [Apple TV]
  • ‘Nadie quiere esto’ [Netflix]
  • ‘Solo asesinatos en el edificio’ [Hulu]
  • ‘Terapia sin filtro’ [Apple TV]
  • ‘La maldición de Widow’s Bay’ [Apple TV]

Mejor actriz principal COMEDIA

  • Quinta Brunson por ‘Colegio Abbott’
  • ​Ayo Edeberi por ‘The Bear’ ​
  • Elle Fanning por ‘Margo tiene problemas de dinero’ ​
  • Lisa Kudrow por ‘The Comeback’ ​
  • Jean Smart por ‘Hacks’

Mejor actor principal COMEDIA

  • Yahya Abdul-Mateen II por ‘Wonder Man’ ​
  • Steve Carell por ‘Rooster’ ​
  • Matthew Rhys por ‘La maldición de Widow’s Bay’ ​
  • Jason Segel por ‘Terapia sin filtro’ ​
  • Martin Short por ‘Solo asesinatos en el edificio’

Mejor actriz de reparto COMEDIA

  • Dale Dickey por ‘La maldición de Widow’s Bay’
  • Hannah Einbinder por ‘Hacks’
  • Janelle James por ‘Colegio Abbott’
  • Kate O’Flynn por ‘La maldición de Widow’s Bay’
  • Michelle Pfeiffer por ‘Margo tiene problemas de dinero’
  • Megan Stalter por ‘Hacks’
  • Jessica Williams por ‘Terapia sin filtro’

Mejor actor de reparto COMEDIA

  • Colman Domingo por ‘Las cuatro estaciones’
  • Paul W. Downs por ‘Hacks’
  • Harrison Ford por ‘Terapia sin filtro’
  • Nick Offerman por ‘Margo tiene problemas de dinero’
  • Stephen Root por ‘La maldición de Widow’s Bay’
  • Michael Urie por ‘Terapia sin filtro’
  • Tayler James Williams por ‘Colegio Abbott’

Mejor serie antología o MINISERIE

  • »Su peor pesadilla’ [Peacock]
  • ​’La bestia en mí’ [Netflix]
  • ​’Bronca’ ​[Netflix]
  • ‘DTF St. Louis’ [HBO Max]
  • ‘Love Story: John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette’ [Hulu]

Mejor actriz principal MINISERIE

  • Claire Danes por ‘La bestia en mí’ ​
  • Sally Field por ‘Criaturas luminosas’ ​
  • Carey Mulligan por ‘Bronca’ ​
  • Sarah Pidgeon por ‘Love Story: John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette’ ​
  • Sarah Snook por ‘Su peor pesadilla’

Mejor actor principal MINISERIE

  • Riz Ahmed por ‘Bait’ ​
  • Jason Bateman por ‘Black Rabbit’ ​
  • Charlie Hunnam por ‘Monstruo: La historia de Ed Gein’
  • Oscar Isaac por ‘Bronca’ ​
  • Matthew Rhys por ‘La bestia en mí’

Mejor actriz de reparto MINISERIE

  • Linda Cardellini por ‘DTF St. Louis’
  • Dakota Fanning por ‘Su peor pesadilla’
  • Laurie Metcalf por ‘Monstruo: La historia de Ed Gein’
  • Joy Sunday por ‘DTF St. Louis’
  • Constance Zimmer por ‘Love Story: John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette’ ​

Mejor actor de reparto MINISERIE

  • Jason Bateman por ‘DTF St. Louis’
  • Richard Gadd por ‘Half Man’
  • David Harbour por ‘DTF St. Louis’
  • Richard Jenkins por ‘DTF St. Louis’
  • Charles Melton por ‘Bronca’
  • Nick Offerman por ‘Muerte por un rayo’

Crítica: ‘Hermanito’

En qué plataforma ver Hermanito

La vieja fórmula del hermano imposible vuelve a llamar a la puerta

Hay películas cuya premisa puede resumirse en una sola frase porque ya forma parte del ADN de la comedia estadounidense. Un individuo ordenado, exitoso y obsesionado ir solo hacia arriba ve cómo su existencia se convierte en un caos por culpa de alguien imprevisible del que no puede deshacerse. ‘Hermanitos’ no intenta ocultar que pertenece a esa tradición. Al contrario, la abraza desde el primer minuto en el que vemos que esto a va a ser una cosa de chiflados.

Matt Spicer dirige una propuesta que reúne a John Cena y Eric André en una dinámica que remite inevitablemente a títulos como ‘Los gemelos golpean dos veces’, ‘Hermanos por pelotas’ o ‘Mejor solo que mal acompañado’. La diferencia es que aquí el concepto de hermanos no es exactamente el que el espectador podría esperar. No hablamos de una relación de sangre, sino de un vínculo surgido de un modo más inesperado y que prefiero no desvelar.

El resultado es una de esas comedias pasajeras que cumplen con lo prometido, arrancan algunas carcajadas y desaparecen de la memoria con la misma rapidez con la que aparecen en el catálogo de una plataforma.

Una fórmula tan gastada que la propia película la reconoce

Lo más curioso de ‘Hermanitos’ es que parece plenamente consciente de estar reciclando una estructura narrativa que Hollywood lleva décadas utilizando. De hecho, algunos personajes vinculados a la industria televisiva verbalizan de manera indirecta lo evidente: la historia funciona porque enfrenta a dos polos opuestos condenados a compartir espacio ofreciendo una catástrofe tras otra.

John Cena interpreta al clásico hombre que ha construido una vida perfecta a base de tesón y presión así mismo. Frente a él aparece Eric André encarnando a una fuerza de la naturaleza incapaz de respetar normas, límites o convenciones sociales. La vida cuidadosamente diseñada del primero empieza a derrumbarse cuando el segundo reaparece de forma inesperada.

La película encuentra además un filón cómico en la sátira del propio negocio del entretenimiento. Como sucede cada vez con más frecuencia en la comedia contemporánea, los villanos no son mafiosos ni políticos corruptos, sino ejecutivos, productores y creadores de contenido desesperados por encontrar el siguiente fenómeno viral. O incluso podríamos decir que el villano es la propia sociedad que impone en las redes sociales la imagen del éxito. No es una crítica especialmente afilada, pero sí retrata nuestra actualidad más allá de plantear únicamente una sucesión de situaciones embarazosas.

Eric André y John Cena juegan exactamente el partido que esperas

El principal atractivo del filme reside en sus protagonistas. La elección de John Cena y Eric André resulta tan lógica que sorprende que hayan tardado tanto en coincidir en una producción de este tipo.

Cena lleva años demostrando una inesperada capacidad para funcionar como contrapunto cómico. Aquí asume precisamente ese papel, alejándose del personaje extravagante para convertirse en el hombre razonable atrapado en una pesadilla cotidiana. El propio actor ha señalado que esta era una oportunidad para mostrar una faceta más vulnerable y menos explosiva de lo habitual.

Por su parte, Eric André hace exactamente aquello que el público espera de él. Su personaje está construido alrededor del anti-humor, la incomodidad y el absurdo. No alcanza las cotas de anarquía de ‘The Eric Andre Show’, pero conserva suficientes elementos de ese estilo para que el espectador reconozca inmediatamente su sello. Estamos ante una interpretación basada en la ausencia total de sentido del ridículo, algo que encaja perfectamente con un actor que ha hecho carrera convirtiendo el caos en una forma de expresión cómica. Aunque la película nunca llega a descontrolarse por completo, sí transmite la impresión de que cualquier escena puede derivar en algo inesperado. Se masca constantemente la catástrofe.

Una comedia para una tarde, no para el recuerdo

‘Hermanitos’ pertenece a una categoría cada vez más habitual: la de las producciones diseñadas para consumir rápidamente en streaming. No aspira a convertirse en una referencia generacional. Su objetivo es mucho más modesto. Es una comedia verde, soez en varios momentos y claramente orientada a un público adulto. No debe confundirse con una película familiar pese a que la palabra “hermanitos” pueda sugerir lo contrario.

Todo esto no significa que carezca de encanto. Cuando Cena y André comparten pantalla, la maquinaria funciona. El problema es que la película sigue un manual tan reconocible que rara vez consigue sorprender. Todo ocurre exactamente como uno imagina salvo por el personaje de Chrisopher Meloni que pega un timonazo con respecto a lo que nos hacen pensar al comienzo que sería su línea argumental.

Ficha de ‘Hermanito’

Estreno en España: 26 de junio de 2026. Título original: Little brother. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Matt Spicer. Guion: Andrew Mogel, Jarrad Paul. Música: Dan Deacon. Fotografía: Brandon Trost. Reparto principal: John Cena, Eric André, Michelle Monaghan, Chrisopher Meloni. Producción: Middle Child Pictures, Netflix Studios, The District. Distribución: Netflix. Género: comedia. Web oficial.

Crítica de la segunda temporada de ‘Avatar. La leyenda de Aang’

En qué plataforma ver Avatar La Leyenda de Aang T2

La fuerza de la amistad lograra encaminar a Aang

Qué ganas tenía de poder hablaros de la segunda temporada de ‘Avatar: La leyenda de Aang’. Y es que como fan de la serie de animación, admito que estoy disfrutando como una enana este nuevo live action que llega a Netflix este 25 de junio de 2026.

Ya os comenté en su día que la primera temporada era una maravilla para los fans y sin duda un gran descubrimiento para los nuevos espectadores. Y sigo con la misma opinión y es que sin duda se nota mucho el cariño con el que tratan esta historia.

Nuevos compañeros de viaje y mucha más acción

Después de una pequeña batalla ganada, seguimos a Aang, Katara y Sokka camino hacia Ba Sing Se, hogar del Rey de la Tierra. En su viaje se encuentran a Toph, una joven invidente maestra de Tierra que se va a convertir en la maestra de nuestro héroe. Juntos tendrán que lidiar para que la Nación del Fuego no llegue a las imponentes murallas de la Ba Sing Se.

Admito que toda esta parte en la serie de animación me encanta y han logrado condensarla muy bien y contar todo con bastante detalle. Como siempre, está adaptado y hay algún detalle que se escapa, pero para puristas de la serie de animación. Me ha parecido una temporada bastante buena, llena de acción, con muchos conflictos entre los personajes que solo la amistad logrará calma.

Al final, ‘Avatar: La leyenda de Aang’, trata también el tema de la amistad, de como el Avatar, además de intentar salvar el mundo, debe darse cuenta de lo importante que no es hacerlo solo. De que los compañeros que le acompañan son de gran importancia y que todas las personas que aparecen durante este viaje son importantes para aprender. Ya sean cosas buenas o malas, pero el aprendizaje es importantísimo para lograr su objetivo.

Un casting perfecto para una adaptación impecable

Sin duda, el casting es tremendamente bueno. Gordon Cormier, el encargado de dar vida a Aang, ha crecido, pero esto podría ser un error en otro tipo de historias, pero aquí sabemos que está pasando el tiempo. Los viajes no se hacen en 4 días, pese a que vayan montados en Appa.

Kiawenttio, Ian Ousley, Dallas Liu y Paul Sun-Hyung Lee, Katara, Sokka, Zuko y El tío Iroh, respectivamente, van evolucionando, también crecen, pero no de manera física, sino psíquica. Cada uno va viendo que camino escoger y como quiere seguirlo.

Miyako, es la encargada de dar vida a Toph Beifong, un personaje que me encanta. Sin duda es de mis favoritas. Y la actriz logra adentrarse en el alma del personaje y hacerlo suyo. Me gusta mucho, además es de los mejores caracterizados, con ese peinado tan complejo que tiene el personaje. Y su personalidad arrolladora, la clava desde el minuto uno.

Quizás, al menos en mi opinión, el fallo de casting o más bien, a la hora de darle vida, es el casting de Azula. No creo que la actriz (Elizabeth Yu) sea mala, si no más bien, creo que es la dirección de este personaje. Lo dicho, siendo fan de la serie, creo que Azula debería estar un poco más loca, aquí la veo menos perturbada de lo habitual. Se que es en la siguiente temporada donde ya todo se magnifíca, pero aun así, creo que la evolución debería de comenzarse a ver en esta. Pero, quizás haya que esperar un poquito más para verla en todo su esplendor.

Un conjunto de buen trabajo en todos los ámbitos

Y con esto me refiero a que la producción de la serie es fascinante. Uno de sus puntos fuertes es el CGI que me parece algo digno de mencionar. La escena de la serpiente marina es increíble y por supuesto las luchas entre todos ellos, con los diferentes elementos están muy bien trabajadas.

Y ya no solo a este nivel técnico, sino también todo el conjunto de maquillaje, vestuario, localizaciones, están tan estudiadas y nos lleva directamente a los escenarios de la serie de animación.

Conclusiones

Estoy deseando que llegue el desenlace de la serie, no porque quiero que termine, todo lo contrario, pero si que me encantaría que después de esto, se metan en la serie de ‘La leyenda de Korra’ y poder seguir con este mundo que tanto me gusta. ‘Avatar. La leyenda de Aang’ me parece una gran adaptación, una gran nueva serie para quien no conoce la serie de animación y todo su conjunto me parece perfecto. La tercera temporada sin duda va a ser apoteósica y solo puedo recomendaros la serie de animación y por supuesto ‘La leyenda de Korra’.

Crítica: ‘Oasis’

En qué plataforma ver Oasis

El verano ya está aquí con romances, misterios y Oasis

Una de las cosas que mas nos gusta es una buena serie de amoríos adolescentes mientras hay un misterio que resolver. Podríamos hablar de muchas series así, como la exitosa y gran ‘Élite’, ‘Olimpo’ y la ahora también en Netflix ‘Oasis’. Una serie que llega el día 19 de junio de 2026 a la plataforma y que sin duda es un buen entretenimiento.

¿Qué nos cuenta Oasis?

Por supuesto nos vamos a un resort de descanso llamado ‘Oasis’, donde la gente más rica del mundo asiste para tener unas buenas vacaciones. Jugar al golf, reuniones de negocios en una gran piscina o fiestas nocturnas en la playa, es lo que nos vamos a encontrar.

Adolescentes snobs, con mucho dinero y los adolescentes trabajadores que están intentando sobrevivir a un verano más para lograr sacar algo de dinero.

Mientras tanto desaparece una chica y todo este Oasis se va a poner patas arriba para lograr descifrar este misterio y encontrar a esta muchacha desaparecida.

La serie de ocho episodios no nos trae nada nuevo, pero si que puedo deciros que es entretenida y para echar la tarde merece la pena. Tiene un guion aceptable, una dirección bien llevada y los actores la verdad que están bastante bien.

Equipo de la serie

Creada por Ramón Campos (‘El caso Asunta’) la serie cuenta en la dirección con Ana de Alva y David Pinillos. Además los guiones van de la mano de Ramón Campos, Javier Chacártegui, Jon de la Cuesta y David Orea.

Todos ellos trabajando mano a mano para lograr mantener una historia entretenida, sin lagunas y que logre enganchar desde el primer episodio.

El reparto es bastante desconocido y futuras promesas, como Berta Castañé, Tomy Aguilera, Ana Garcés, Victoria Kantch, Laura Simón, Jan Buxaderas o Blas Polidori, son parte de este reparto. Además de caras bien conocidas como Verónica Sánchez, Mercedes Sampietro, Paco Tous o Unax Ugalde.

El verano llega con Oasis

Series como Oasis son el comienzo del verano, productos necesarios, con romances, misterios y una historia sencillita para disfrutar de las tardes. Ocho episodios que llegan todos juntos a Netflix. Además un punto a su favor que no te deja con la serie abierta, ¿pueden hacer más? si quieren si, pero no te dejan con nada abierto. Así que ya sabéis, disfrutadla y ya me contaréis que os ha parecido.

Crítica: ‘Maridos en acción’

En qué plataforma ver Maridos en acción

Catástrofe criminal en una buddy movie a tres bandas

Netflix estrena una nueva película coreana, en esta ocasión dirigida por Gyu-tae Park, un desconocido en nuestras fronteras. Esta película arranca de una forma bastante engañosa. La primera imagen nos presenta de un modo un tanto terrorífico a un preso cubierto de tatuajes con fórmulas matemáticas y extrañas ecuaciones que parecen prometer una conspiración compleja, secretos ocultos o algún tipo de rompecabezas criminal digno de ‘Prison Break’. Sin embargo, a medida que la historia avanza descubrimos que esas expectativas estaban destinadas a estrellarse contra una realidad muy distinta. Los misteriosos tatuajes apenas tienen relevancia narrativa. Y eso no es un defecto ni un engaño deliberado, sino una declaración de intenciones. ‘Maridos en acción’ no es un thriller. Tampoco pretende ser un drama criminal sofisticado. Es una comedia de acción desenfadada, bobalicona y consciente de su propia ligereza.

La propuesta de Gyu-tae Park se sitúa claramente dentro de la tradición de las buddy movies norteamericanas. Es fácil encontrar ecos de producciones en las que personajes incompatibles se ven obligados a colaborar mientras sobreviven a persecuciones, criminales y situaciones ridículas. En el contexto del cine surcoreano contemporáneo, probablemente se acerque más al tipo de entretenimiento popular asociado a los filmes protagonizados por Ma Dong-seok, aunque aquí la balanza se inclina mucho más hacia la comedia que hacia la acción.

Tres maridos, un enredo criminal y mucho humor absurdo

La principal diferencia respecto a la fórmula clásica reside en que no tenemos una pareja protagonista enfrentada a sus diferencias, sino un trío de personajes obligados a colaborar. La película construye su motor narrativo alrededor de tres maridos atrapados en una trama criminal que amenaza no solo su tranquilidad personal y legal, sino también la seguridad de sus respectivas esposas.

Lo interesante es que, pese a que el argumento podría sugerir una historia dominada por la testosterona, el filme evita glorificar a sus protagonistas. Todo lo contrario. Los tres están retratados desde la torpeza, la fragilidad y el ridículo constante. Son hombres que intentan parecer competentes mientras la realidad se empeña en demostrar exactamente lo contrario.

El personaje que mejor funciona es el interpretado por Jin Seon-kyu. Su presencia resulta decisiva para mantener el interés incluso cuando la historia cae en excesos humorísticos discutibles. Su personaje vive instalado en una especie de optimismo permanente, un auténtico chorro de serotonina ambulante que afronta con una sonrisa situaciones que harían perder la paciencia a cualquiera. Está separado de su esposa, mantiene una relación sin custodia con su hija y debe enfrentarse a criminales peligrosos. Pero, curiosamente, su principal fuente de frustración parece ser la existencia del nuevo marido de su exmujer.

Ese nuevo esposo, interpretado por Gong Myoung, aporta una energía completamente distinta. Veterinario de profesión y aficionado a los deportes de riesgo, representa una juventud impulsiva que choca continuamente con la experiencia del protagonista. A ellos se suma el personaje interpretado por Kim Ji-suk, un delincuente cibernético con una actitud burlona que termina convirtiéndose en una pieza fundamental dentro del grupo.

Una comedia entre el crimen digital y los delincuentes de la vieja escuela

Aunque la película jamás abandona su tono ligero, introduce de forma interesante un contraste entre distintas formas de criminalidad. Por un lado aparecen delincuentes modernos que operan a distancia, aprovechan la tecnología y carecen de cualquier escrúpulo. Por otro encontramos criminales de la vieja escuela, vinculados a códigos de honor bastante discutibles, extorsiones tradicionales y métodos más directos.

No es una reflexión profunda sobre la evolución del crimen organizado, pero sí un elemento que aporta algo de personalidad a una trama que, por momentos, podría haberse limitado a encadenar persecuciones y gags. Mezclando esto la película consigue tener ritmo y rara vez se detiene demasiado tiempo en una misma situación. Cuando un chiste deja de funcionar, llega una nueva secuencia de acción. Cuando la acción amenaza con repetirse, aparece otra situación cómica. Esta estructura evita que el metraje se vuelva pesado, aunque también provoca que algunos momentos carezcan de verdadero peso dramático.

Entre los doramas cómicos y el espíritu de ‘Taxi’

El mayor problema de ‘Maridos en acción’ reside en la naturaleza de su humor. Muchas escenas abrazan una comicidad extremadamente infantil. Gestos exagerados, reacciones sobreactuadas y situaciones cercanas al slapstick dominan buena parte de la experiencia. Habrá espectadores que conecten inmediatamente con este tono, mientras que otros probablemente encuentren algunas secuencias demasiado estridentes.

Sin embargo, sería injusto criticarla por algo que forma parte esencial de su identidad. El humor que despliega conecta directamente con ciertas comedias televisivas surcoreanas y con el espíritu desenfadado de numerosos doramas. También recuerda notablemente a producciones francesas como ‘Taxi’ o a las comedias de Philippe Lacheau, donde la sofisticación narrativa importa mucho menos que la capacidad para encadenar situaciones absurdas y personajes entrañablemente incompetentes.

Ficha de ‘Maridos en acción’

Estreno en España: 19 de junio de 2026. Título original: Nampyeondeul. Duración: 107 min. País: Corea del Sur. Dirección: Gyu-tae Park. Guion: Gyu-tae Park, Kim Jong-hyeon. Reparto principal: Jin Seon-kyu, Gong Myoung, Kim Ji Suk, Yoon Kyung-ho, Kang Han-na, Lee Da-hee, Jeon So Min. Producción: TPS Company. Distribución: Netflix. Género: comedia. Web oficial.

Crítica: ‘Dorohedoro’ T2

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Caos, identidad y una violencia con alma bizarra

Fue una de las series que nos dieron la vida en los últimos estertores del confinamiento por la pandemia del COVID-19 y por fin ha regresado. La segunda temporada de ‘Dorohedoro’ llega tras una espera inusualmente larga dentro del ecosistema anime contemporáneo (casi seis años), y lo hace sin renunciar a nada de lo que convirtió a la primera tanda en una obra de culto: violencia gráfica, humor negro y una narrativa deliberadamente fragmentada. Desde su estreno global el 1 de abril de 2026 (con un inusual arranque de tres episodios simultáneos), la serie producida por MAPPA no solo reafirma su identidad, sino que la radicaliza. Ya era rara dentro del género cyberpunk o el anime más extraño pero consigue ir más allá.

Lo primero que conviene señalar es que ‘Dorohedoro’ sigue siendo profundamente incómoda (y no busca lo contrario) además de quedarse abierta para una tercera entrega. Hay que tener en cuenta que el manga original consta de 23 volúmenes. La clasificación de contenido ya advertía de una violencia “severa” y escenas intensas que rozan lo grotesco, pero en esta segunda temporada esa cualidad se convierte en lenguaje propio. No hay concesiones: cuerpos mutilados, experimentos aberrantes y un universo donde la muerte es casi un trámite burocrático. Sin embargo, lejos de caer en el exceso vacío, la serie articula esta brutalidad como parte de su discurso estético (una especie de punk visual donde el caos es la norma, no la excepción).

El lema promocional de esta temporada, nos sugiere sumergirnos en el caos y no es casual. La dirección vuelve a apostar por una puesta en escena sucia, cargada de texturas digitales que simulan lo orgánico, lo viscoso, lo podrido. Y ahí reside una de sus virtudes: el mundo de Hole y el reino de los hechiceros no son solo escenarios, sino organismos en descomposición constante.

Caimán y la identidad como eje narrativo

Si la primera temporada planteaba el misterio de Caimán, esta segunda lo disecciona. El personaje deja de ser únicamente un vehículo para la acción (un antihéroe amnésico con cabeza de reptil) y se convierte en el núcleo temático de la serie. Su búsqueda de identidad ya no es solo una excusa argumental, sino una exploración casi existencial.

Recordemos que Caimán es un ser marcado por la pérdida de memoria y la deformación física, producto de la magia de los hechiceros. En esta nueva entrega, la narrativa se fragmenta aún más para ofrecer distintas capas de su pasado, jugando con la percepción del espectador (¿quién fue realmente?, ¿cuántas versiones de sí mismo existen?). Este enfoque multiplica la sensación de desconcierto, pero también enriquece el relato.

Pero aquí es donde la temporada da un paso más interesante: aunque el relato pivota claramente sobre Caimán como protagonista, la serie se permite expandirse con generosidad hacia sus secundarios. No se limita a utilizarlos como meros acompañantes o contrapuntos, sino que construye verdaderas historias paralelas que aportan profundidad al mundo. Personajes como En, Shin, Ebisu o Noi no solo ganan tiempo en pantalla, sino también capas psicológicas y contexto histórico. Sus motivaciones, relaciones y conflictos internos se desarrollan con una riqueza que equilibra el foco central de la narrativa.

Este enfoque coral refuerza la sensación de universo vivo. Cada personaje parece tener su propia historia fuera de cámara, su propio pasado y sus propias reglas. Incluso figuras que en la primera temporada podían parecer excéntricas o anecdóticas adquieren aquí un peso dramático inesperado. Es una decisión narrativa arriesgada (porque dispersa la atención), pero coherente con la naturaleza caótica de la serie.

Además, el guion se detiene más en las relaciones entre personajes, especialmente en la conexión entre Caimán y Nikaido, que gana en ambigüedad emocional. No es una relación sentimental al uso, sino una alianza forjada en la supervivencia y el trauma compartido.

Un anime más punk, más caótico y sorprendentemente más humano

Lo que diferencia a esta segunda temporada de otras secuelas es su negativa a “ordenarse”. En lugar de simplificar su narrativa o hacerla más accesible, ‘Dorohedoro’ abraza el caos como principio estructural. Las subtramas proliferan, los personajes secundarios adquieren mayor peso, y la historia se convierte en un mosaico de perspectivas que rara vez encajan de forma convencional.

Sin embargo, en ese aparente desorden emerge algo inesperado: humanidad. La serie encuentra belleza en lo grotesco y convierte a sus personajes en figuras trágicas atrapadas en un sistema violento que no controlan. Incluso los antagonistas poseen motivaciones complejas, alejadas del maniqueísmo.

Técnicamente, la animación mantiene el híbrido entre CGI y dibujo tradicional que tanto dividió al público en su momento. Aquí se percibe más pulido, más integrado en la estética general, aunque sigue siendo una apuesta arriesgada. Esa textura visual, casi sucia, sigue siendo clave para transmitir la identidad de la obra. Desde luego, en mi opinión, la calidad de la animación de esta serie no tiene pega alguna.

En última instancia, esta temporada 2 de ‘Dorohedoro’ es una intensificación de todo lo que la define: violencia, humor absurdo, caos narrativo, una obsesión casi filosófica por la identidad y un descomunal trabajo de animación. Pero además, añade una dimensión coral que enriquece el conjunto, demostrando que el mundo de la serie es mucho más amplio que su protagonista. No es una serie para todos, pero precisamente ahí radica su valor. Es una anomalía fascinante.

Crítica de ‘The Boroughs: Jubilación Rebelde’

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Poca novedad en esta serie de ciencia ficción 

De los creadores de ‘El Señor de los Anillos: La guerra de los Rohirrim‘ o la maravillosa ‘El Cristal Oscuro: La era de la resistencia’, llega a Netflix ‘The Boroughs: Jubilación Rebelde’. Jeffrey Addiss y Will Matthews nos traen una historia de ciencia ficción en pleno desierto en una comunidad de jubilados. Todo ello respaldado por Los Hermanos Duffer, creadores de la famosa ‘Stranger Things’.

Unos ancianos rebeldes

Acompañamos a Sam, un hombre que acaba de perder a su mujer y es llevado a una residencia exclusiva, The Boroughs, una gran comunidad de jubilados en la que poder vivir la vida al máximo. Pero no todo parece bonito, pues para el parece todo una cárcel.

Una de sus primeras noches tiene un encuentro terrible que le hace quedarse e intentar desentrañar el secreto que hay en The Boroughs.

La serie es entretenida, pero admito que no me ha terminado de encandilar en exceso. Con ocho episodios de unos 40 min cada uno, vamos poco a poco conociendo a todos los personajes de esta curiosa comunidad. La serie me ha recordado a tantas cosas, no es que esté mal realizada, pero si que quizás si hubiese tenido algún que otro episodio menos, creo que sería suficiente. No me cuenta nada nuevo. De echo este año en el Festival De Sitges tuve la ocasión de ver ‘The Home’ y la sinopsis se parece un poco, si que es verdad que da un giro más fantástico que me ha gustado, pero mas o menos ha sido muy parecido.

Reparto y equipo

Pero no todo ha sido malo, la verdad que los actores han logrado mantener la serie al completo. Y es que estamos hablando de un repartazo. Alfred Molina encabeza esta historia de género fantástico, junto a Bill Pullman, Geena Davis, Clarke Peters, Denis O’Hare, Jena Malone, o Alfre Woodard entre otros.

Se nota mucho el cariño puesto en cada uno de los personajes. Me gusta mucho la química que hay entre todos y la camaradería. Y otro punto a su favor sin duda la producción de la serie. Está super bien cuidada, los efectos digitales me han parecido super buenos para una serie, que al final no suelen tener tanto presupuesto como las películas. Y el diseño de la criatura (si, hay bicho) me ha gustado mucho.

Conclusiones

‘The Boroughs: Jubilación Rebelde’ no es perfecta, pero es una serie que puede ser interesante para la gente que no ha visto demasiado cine fantástico. Al final es una historia curiosa y bien llevada. En mi caso, no me ha contado nada nuevo y quizás mis expectativas eran demasiado altas. Recordad, nunca hay que ir con grandes expectativas, porque no significa que un producto sea malo, si no que quizás nos habíamos hecho otra película en la cabeza y tampoco es justo. Como siempre digo, vedla, disfrutadla y comentadme que os a parecido a vosotros.

Crítica: ‘El fuego de la venganza’

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Un thriller de tintes clásicos que transita entre la justicia y la redención

Nueva adaptación de ‘Man on fire’, la novela de Philip Nicholson a.k.a. A. J. Quinnell. En España se conoce como ‘El fuego de la venganza’ y tuvo una versión cinematográfica en 2004 con Denzel Washington, Christopher Walken y una jovencísima Dakota Fanning. Ahora llega a Netflix en formato de serie manteniendo una propuesta que mezcla el thriller de acción con el drama moral. Esta nueva adaptación, orquestada por Steven Caple Jr. y creada para televisión por Kyle Killen, no solo respeta el núcleo temático del material original, sino que lo amplifica hacia territorios más incómodos y contemporáneos. Tanto la película como esta nueva serie protagonizada por Yahya Abdul-Mateen II siguen pautas de la novela original, pero ambas trasladan su acción a Latinoamérica en lugar de a Italia. Todas coinciden en esbozar a un agente quemado, con pasado oscuro y desarrollar una historia en la que tiene que entenderse e incluso coger cariño a la joven a la que acepta proteger.

Desde su primer episodio, la serie plantea una tensión constante entre tres fuerzas que vertebran la narrativa: la venganza, la justicia y la protección de una joven cuya presencia redefine el propósito del protagonista. Este triángulo moral no es nuevo dentro del género, pero aquí se explora con una insistencia casi obsesiva. El protagonista es una figura fracturada que utiliza la violencia no solo como herramienta narrativa, sino como mecanismo de autorreparación emocional.

Uno de los detalles más interesantes es que el proyecto estuvo durante años en desarrollo con distintos enfoques, y que Caple Jr. insistió en rodar varias escenas clave en localizaciones reales inspiradas en favelas latinoamericanas, buscando una textura visual más orgánica y menos estilizada que otras producciones del género. Sin duda eso funciona pues forma parte del nudo de la serie y son los episodios más verosímiles.

Violencia, clase social y personajes que rompen prejuicios

Si algo define a ‘El fuego de la venganza’ es su representación cruda de la violencia. Es, sin exagerar, una de las series con mayor densidad de escenas de tortura por minuto que se recuerdan en el catálogo reciente de Netflix. Este exceso, lejos de reforzar siempre la narrativa, termina por jugar en su contra en determinados tramos, generando una sensación de repetición y desgaste. La serie entra en bucles donde la brutalidad deja de impactar y se convierte en un recurso predecible.

Sin embargo, sería injusto reducirla a eso. La serie introduce un interesante conflicto de clase entre sus antagonistas. Por un lado, personajes que han crecido en entornos de marginalidad extrema (favelas donde la supervivencia dicta las reglas) y que encuentran en el crimen su única salida. Por otro, figuras provenientes de entornos privilegiados que, de forma casi nihilista, deciden colaborar con lo peor de la sociedad. Esta dicotomía no solo enriquece el relato, sino que obliga al espectador a cuestionar sus propios prejuicios.

Especial mención merece el tratamiento de dos personajes secundarios surgidos de estos entornos marginales. Lo que comienza como un retrato aparentemente estereotipado evoluciona hacia una construcción compleja, con un giro narrativo que rompe expectativas y desmonta sesgos. Aquí es donde la serie demuestra una ambición narrativa que va más allá del espectáculo.

Acción eficaz, pero un desenlace que traiciona su propia premisa

En términos de ritmo, ‘El fuego de la venganza’ sabe dosificar bien sus momentos de tensión. Las escenas de acción están bien orquestadas y mantienen un nivel de intensidad notable, mientras que los segmentos dramáticos cuentan con el espacio necesario para desarrollarse de forma que los veamos tan necesarios como comprensibles.

El problema surge a partir del arco carcelario. A medida que la historia avanza hacia su tramo final, la serie abandona progresivamente su realismo. El protagonista, que hasta entonces operaba como un individuo contra el sistema, comienza a disponer de recursos prácticamente ilimitados. Este cambio de escala narrativa diluye uno de los mayores atractivos de la serie: la sensación de vulnerabilidad.

Lo que en un inicio era una historia de resistencia individual se transforma en una fantasía de poder que resta credibilidad al conjunto. El clímax, aunque efectivo en términos visuales, carece del peso emocional que prometía en sus primeros episodios.

Aun así, ‘El fuego de la venganza’ logra mantenerse como una propuesta sólida dentro del catálogo de la N roja. Ofrece suficientes matices, especialmente en su exploración de la moralidad y la desigualdad social, como para justificar su visionado.

Crítica: ‘Depredador dominante’

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Adrenalina sin poso y acción de catálogo

Hay películas que nacen ya encapsuladas en un molde reconocible, y ‘Depredador dominante’ no disimula su filiación. Su punto de partida remite de forma casi programática a la lógica de “máximo peligro en entorno hostil” que popularizó ‘Máximo riesgo’ (con Sylvester Stallone suspendido entre abismos) y que el propio Baltasar Kormákur, director de este nuevo estreno de Netflix, ya había transitado en ‘Everest’ (con un reparto coral enfrentado a la montaña como fuerza indiferente). Aquí, el dispositivo es más directo: persecución constante, amenaza que se desplaza (y nos desplaza) y una geografía convertida en antagonista.

El problema es que ese armazón, eficaz sobre el papel, se queda en lo meramente funcional. ‘Depredador dominante’ opera como producto de acción sin ambición de ir más allá de su premisa: encadenar set pieces, dosificar el peligro y sostener la tensión durante noventa y pocos minutos. No hay voluntad de expandir el subtexto ni de trabajar en exceso el fuera de campo emocional (más allá de un par de pinceladas biográficas que buscan humanizar a los protagonistas o hablar sobre el instinto de supervivencia). Todo responde a una economía de estímulos muy medida, casi industrial que esboza por encima el concepto de apex predator (depredador ápice), es decir, el organismo que se sitúa en lo más alto de la cadena trófica y no tiene depredadores naturales.

Persecución, deporte extremo y star power

La película se inclina más por la persecución que por la acción en sentido clásico. En esa línea, dialoga con títulos como ‘Blanco humano’ (1993) o ‘La caza’ (2020), donde el motor dramático es el desplazamiento continuo y la sensación de ser presa. Aquí, los deportes de riesgo (escalada, piragüismo, saltos controlados) funcionan como vehículo narrativo y como excusa para coreografiar el peligro.

Charlize Theron sostiene la película con su presencia física y su estatus de heroína de acción. Su personaje se mueve con solvencia entre paredes de roca y crestas afiladas (la producción presume de un periodo de entrenamiento junto a la escaladora Beth Rodden, detalle que se percibe en la verosimilitud de ciertos movimientos, aunque buena parte de las secuencias se apoyen en dobles y refuerzos de CGI). Theron cumple (como suele), pero lo hace en piloto automático, sin encontrar capas adicionales en un guion que no se las ofrece.

A su lado, Taron Egerton aporta energía y un contrapunto más impulsivo, aunque su arco queda esbozado con trazo grueso. La química entre ambos funciona lo justo para sostener los diálogos de transición, pero nunca alcanza la fricción dramática que permitiría elevar el conjunto. Se percibe, en definitiva, ese aroma a “película de currículum”: un título que suma en la filmografía sin comprometer demasiado ni exigir riesgos interpretativos.

Un territorio desaprovechado (y peligrosamente domesticado)

Uno de los elementos más sugerentes es el viaje a Australia, un territorio que el imaginario popular define como letal por naturaleza (ese lugar donde “todo puede matarte”). Sin embargo, la película apenas explota esa condición. La geografía está filmada con pulcritud (Kormákur conoce bien cómo capturar la escala y la textura del entorno), pero rara vez se convierte en un agente dramático con identidad propia. Falta una mirada que haga del paisaje algo más que un decorado espectacular.

En términos de producción, hay curiosidades que encajan con esa voluntad de verosimilitud controlada: varias secuencias se rodaron en localizaciones reales combinadas con extensiones digitales para garantizar seguridad (y continuidad visual), y el equipo de especialistas diseñó maniobras que replican técnicas de escalada deportiva para reforzar la credibilidad. Son decisiones que suman en el acabado técnico, aunque no compensan la ausencia de riesgo creativo en el relato.

Kormákur, que en ‘Everest’ encontraba un equilibrio entre espectáculo y tragedia humana, aquí opta por la inmediatez. La puesta en escena privilegia la claridad espacial (se entiende dónde están los personajes y qué está en juego en cada momento), pero rehúye cualquier deriva más incómoda o ambigua. Todo está calculado para que el espectador no se pierda, pero tampoco para que descubra algo nuevo.

Ficha de ‘Depredador dominante’

Estreno en España: 24 de abril de 2026. Título original: Apex. Duración: 93 min. País: Australia, EE.UU., Islandia, Canadá. Dirección: Baltasar Kormákur. Guion: Jeremy Robbins. Música: Högni Egilsson. Fotografía: Lawrence Sher. Reparto principal: Charlize Therion, Taron Egerton, Eric Bana. Producción: Chernin Entertainment, Ian Bryce Productions, Netflix, RVK Productions, Secret Menu. Distribución: Netflix. Género: acción. Web oficial.