De la Peña retrata la insólita rebeldía de un ser de pura autenticidad
Hay artistas cuya importancia histórica no siempre se corresponde con el conocimiento que tenemos de su verdadera personalidad. Cecilia (Evangelina Sobredo Galanes) es una de ellas para mucha gente. Su música ha sobrevivido al paso de las décadas, algunas de sus canciones forman parte de la memoria colectiva española y su influencia sigue presente en varias generaciones de cantautoras. Sin embargo, detrás de ese legado musical se escondía una mujer mucho más compleja de lo que su imagen pública podía hacer pensar. Eso es precisamente lo que pretende descubrir ‘Cecilia. Una luz de mañana’, el documental dirigido por Chema de la Peña, que reconstruye la vida de Evangelina Sobredo con la intención de recuperar a la persona que existía detrás del personaje yendo más allá de enumerar curiosidades como el origen del nombre artístico o de la foto de su primer álbum.
El trabajo tiene algo de reivindicación histórica, pero su verdadero interés termina encontrándose en una cuestión mucho más universal: la autenticidad. Una idea que, salvando las distancias, conecta con otras películas de Chema de la Peña como ‘Shacky Carmine’ o ‘Isi/Disi’, donde también aparecía, desde registros completamente diferentes, esa necesidad de defender una identidad propia. Cecilia era una mujer empeñada en ser honesta consigo misma, con sus intenciones y con aquello que quería expresar. No componía para alcanzar la fama ni parecía especialmente interesada en satisfacer las expectativas de una industria que exigía resultados inmediatos. Necesitaba sentirse bien con sus canciones, reconocerlas como propias y no traicionar lo que quería contar. Si la intención del documental era transmitirme esto, misión conseguida.
La importadora de toda una corriente artística
El largometraje explica cómo aquella mujer cosmopolita, criada entre Estados Unidos, Reino Unido, Jordania y Argelia, llegó a una España todavía sometida a la represión de la dictadura franquista. Se encontró con una sociedad rancia, conservadora y anclada en convenciones culturales que poco tenían que ver con el mundo que había conocido durante su infancia y juventud. Llegaba sin demasiadas tablas en el negocio musical, con una sensibilidad diferente y un estilo que podía resultar extranjero, pero que poseía una personalidad absolutamente reconocible.
Su irrupción supuso un antes y un después para las artistas españolas. No solamente por sus composiciones o por la manera de interpretar, sino por la libertad con la que abordaba asuntos que difícilmente encontraban espacio en la música comercial de entonces. Cecilia tuvo que enfrentarse a la censura y a una industria discográfica que no estaba dispuesta a conceder demasiado tiempo ni demasiadas libertades a quien no encajaba en sus planteamientos mercantiles. Su manera de construir un universo propio fue su mayor escollo pero también una forma de resistencia.
La intimidad frente al personaje público
Uno de los mayores aciertos del documental es la manera de acercarse a su protagonista. En lugar de limitarse a encadenar entrevistas de familiares, amigos y especialistas, Chema de la Peña recurre a los diarios y las cartas personales que han cedido personas de su entorno. Es la propia Cecilia quien, a través de la voz de una actriz que interpreta sus escritos, va relatando su historia. Una decisión narrativa que permite establecer una relación mucho más íntima con ella y que evita que el relato quede reducido a una sucesión de recuerdos ajenos.
Tampoco se esquivan los aspectos menos luminosos de su personalidad. Su timidez y su carácter depresivo aparecen como elementos fundamentales para comprender sus contradicciones, sus inseguridades y esa distancia que parecía existir entre la mujer que se desenvolvía ante el público y la persona que regresaba a su intimidad. El documental no pretende convertirla en una figura perfecta ni construir un retrato hagiográfico, sino entender cómo alguien aparentemente tan reservado pudo desarrollar semejante determinación en un entorno que jugaba constantemente en su contra.
Visualmente, el trabajo de recuperación del material de archivo es extraordinario. Hay una enorme cantidad de imágenes rescatadas, coloreadas y animadas, con algunos recursos de inteligencia artificial que permiten reconstruir momentos para los que no existe documentación audiovisual suficiente. Las recreaciones de época están magníficamente integradas y consiguen transportarnos a aquellos años, especialmente a los de mayor popularidad de la cantante. No se trata simplemente de embellecer fotografías antiguas, sino de dotar al relato de una continuidad visual que ayuda a contextualizar tanto su trayectoria como el ambiente social y cultural en el que se desarrolló.
Una despedida que permanece
El tramo final encuentra su mayor virtud en la emoción sin necesidad de recurrir a grandes artificios dramáticos. Se evita una recreación excesivamente centrada en su accidente, algo largamente explorado. En lugar se ello, la recuperación de una grabación doméstica e inédita de ‘Un ramito de violetas’ constituye uno de esos momentos en los que el documental consigue que la distancia entre el espectador y la protagonista prácticamente desaparezca. Escucharla en unas circunstancias tan íntimas tiene una fuerza especial, precisamente porque devuelve a Cecilia a un espacio alejado de los escenarios, los discos y las exigencias de la industria.
Y hay más. La última secuencia, con varias cantantes interpretando una de sus composiciones, funciona como un reconocimiento a la herencia que dejó. Entre las participantes encontramos a Rozalén, Vega, Chica Sobresalto, Lídia Pujol y Sole Giménez, artistas de distintas generaciones que permiten visualizar hasta qué punto su influencia continúa vigente.
‘Cecilia. Una luz de mañana’ es, por tanto, mucho más que un repaso biográfico a una carrera truncada demasiado pronto y sumada a nombres como Nino Bravo, Eduardo Benavente o Tino Casal. Es un ejercicio de recuperación de la memoria, pero también una reflexión sobre el precio de mantener la integridad artística cuando todo alrededor te empuja a renunciar a ella. Un documental emotivo, visualmente muy trabajado y especialmente valioso cuando deja que sean las propias palabras y canciones de Cecilia las que hablen por ella.
Ficha de ‘Cecilia, una luz de la mañana’
Estreno en España: 9 de noviembre de 2026. Título original: Cecilia, una luz de la mañana. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Chema de la Peña. Guion: Conchi del Río. Fotografía: Almudena Sánchez. Reparto principal: Cecilia, Rozalén, Vega, Chica Sobresalto, Lidia Pujol, Sole Jiménez. Producción: Tu luz y mi calma. Distribución: DeAPlaneta. Género: documental, música. Web oficial.
La 59ª edición va clausurando anunciando sus ganadores
El Festival de Sitges ha preparado el cierre de su 59ª edición con la proyección de ‘Wicker’, una fábula sobre el sexo, el matrimonio y las convenciones sociales. Uno de los momentos destacados ha sido la entrega del Gran Premio Honorífico a Amy Irving, actriz de películas como ‘Carrie’ y ‘The Fury’. Irving ha agradecido el reconocimiento recordando el trabajo de las actrices en ‘Carrie’ y bromeando con que se sentía como si King Kong le hubiera dado una palmada en el hombro.
Como es tradicional en la penúltima jornada del festival se ha dado a conocer el listado de premios en cada una de las secciones. La película francesa ‘Sanguine’, de Marion Le Corroller, se ha alzado con el premio a Mejor Película de la Sección Oficial Fantàstic a Competició del 59.º Festival de Sitges. El palmarés también ha reconocido a Joko Anwar como Mejor Director por ‘Ghost in the Cell’, a Jasmine Trinca como Mejor Actriz por ‘The Spiral’ y a Benoît Magimel como Mejor Actor por ‘Historias de la noche (The Birthday Party)’. El Premio Especial del Jurado ha recaído en ‘Drag’, de Greg Yagolnitzer y Raviv Ullman, mientras que ‘Buddy’ ha obtenido el galardón al Mejor Guion.
En el resto de las secciones destacan ‘Hen’, de Nico Scheepers, como Mejor Película de Noves Visions, y ‘Gummy’, de Javi Prada, como ganadora de Òrbita. La animación, el cine europeo fantástico y el documental también han tenido su espacio en una edición que ha repartido premios entre numerosas propuestas internacionales. Por su parte, el público ha elegido ‘Wildwood’, de Travis Knight, como su película favorita de la Sección Oficial Fantàstic, mientras que ‘The Fox’, ‘Kung Fu Deadly’, ‘No Salgas’ y ‘Bladesof the Guardians: Wind Rises in the Desert’ se han impuesto en sus respectivas categorías.
La dirección del festival también ha agradecido la labor de todas las personas que hacen posible el certamen, que ha aumentado su asistencia un 6 %. Además, ha rendido homenaje a Manuel Pérez-San Julián, referente del arte fantástico y la ilustración de ciencia ficción y espada y brujería, fallecido recientemente. Su figura ya había sido homenajeada en Sitges con el documental ‘San Julián: El poder de la ilustración’.
‘Freaks parte II’
‘Freaks Part II’ recupera el universo de la película de 2018 y refuerza sus semejanzas con ‘X-Men’ (en concreto con ‘Los nuevos mutantes’): personas con poderes que son marginadas, perseguidas y tratadas como amenazas por una sociedad incapaz de aceptar lo diferente centrándose en niños que saben que nunca tendrán una vida normal. Esta vez, el gobierno va mucho más lejos y convierte su exterminio en una política de Estado, con una propaganda de odio que recuerda a las persecuciones fascistas de la historia.
La película apuesta por una acción mucho más directa y una violencia especialmente bestia en su tercer acto. Sin embargo, me sobran algunas partes dramáticas y echo en falta una evolución más clara de Chloe, ahora interpretada por Lorelei Olivia Mote tras el relevo de Lexy Kolker. La incorporación de otra niña con poderes podría haber servido para explorar el aprendizaje y la responsabilidad, pero la historia apenas aprovecha esa posibilidad.
‘Freaks Part II’ amplía el universo de la original y resulta más brutal, aunque no siempre más sólida. Su denuncia de la persecución institucionalizada funciona, pero sus personajes no progresan tanto como deberían.
Basada en un relato de ÚrsulaWillis, ‘Wicker’ nos cuenta la historia de una pescadera marginada en un pueblo mediocre que se creen Mejor que ella. Una mujer soltera y totalmente independiente que después de una boda y ser la mofa de todo este pueblucho decide pedirle al cestero que le cree un hombre de mimbre. A partir de ese momento una preciosa historia de amor, celos y envidias se convertirá en un pequeño cuento fantástico.
Una historia muy bonita, con una atmósfera bien creada con mucho color y a la vez gris cuando las cosas no se ponen bien.
Me ha recordado en parte, al episodio de Los Simpsons, cuando Apu tiene que implorar el perdón de Manjula y se convierte en el hombre ideal, cosa que a los ciudadanos de Springfield no les hace mucha gracia.
Esto es igual, pero al final, tenemos a un ser creado a partir de mimbre que solo tiene ojos para esta pescadera que le ha robado el corazón. Un cuento de amor muy bonito y como todo cuento de amor, tiene sus sombras y sus malas víboras en el camino.
La novena entrega de ‘V/H/S’ convierte la música y el sonido en fuentes de terror, con GWAR como anfitriones de una antología irregular que mezcla found footage, animación y videoclips sangrientos.
En ‘Dance, Dance, Dance, Dance’, Renee Zhan utiliza marionetas de Jim Henson’s Creature Shop y a Barbara Crampton para convertir un programa infantil en una pesadilla grotesca que parece querer profanar nuestros recuerdos de infancia.
‘Another Cabin’, de Flying Lotus, es un cortísimo experimento en stop motion, macabro y grosero, pero bastante pobre en ideas.
‘Heartbeat’, de David Moreau, sigue a unos youtubers que se cuelan en una instalación militar y aprovecha el silencio de las cámaras anecoicas para explorar una vía de terror poco habitual.
‘The Music of Mr. Sze’, de Ernest Dickerson, es una rallada cósmica alrededor de un violinista y un joven que documenta su vida, aunque el uso de las gafas con cámara integrada aporta poco.
‘Premature Burial’, dirigido por Tobias Forge (Ghost), funciona como un videoclip de metal extremo en formato 4:3, muy bestia pero con escaso desarrollo narrativo.
‘Death Tone’, de RZA, es uno de los episodios más originales: una joven obsesionada con honrar a su padre convierte la búsqueda del sonido perfecto en una espiral criminal.
Creada por AlfonsoCortés–Cavanillas estamos ante una serie de 6 episodios que nos han presentado en Sitges Festival como una película de 2 horas. El montaje no estaba nada mal, se nota algún detalle suelto de la historia, pero en general lo he disfrutado bastante.
Eva regresa a su pueblo natal del que marcho hace años. Allí comienza a trabajar de noche en una gasolinera. La noche es larga y en Malnombre hay muchos misterios. Asesinatos, desapariciones, gente extraña de noche. Nada es lo que parece en Malnombre. Además, que en sí, ya la gente del propio pueblo es bastante hostil.
Uno de los detalles a resaltar, son los efectos especiales, los cuales, para ser una producción española, en formato serie, están muy logrados. Además del trabajazo de vestuario y localizaciones. Me he quedado con ganas de ver el formato serie la verdad que por lo que nos han mandado en la respectiva nota de prensa, llegará a nuestras casas el próximo 2027.
‘Furia desatada’, título español de ‘Ikatan Darah’, es una película de acción indonesia dirigida por Sidharta Tata y producida por Iko Uwais. La historia sigue a Mega, una antigua practicante de pencak silat que debe volver a luchar para salvar a su hermano de una banda criminal y de sus deudas.
La primera mitad tarda en desplegar todo su potencial, pero la acción acaba convirtiéndose en su principal atractivo. La barriada superpoblada en la que transcurre buena parte del relato, con sus callejones y viviendas amontonadas, ofrece un escenario perfecto para las escaramuzas.
Hay muebles que se rompen con cada golpe, machetazos, patadas acrobáticas y enfrentamientos que aprovechan cada rincón. LiviCiananta e Ismi Melinda destacan en unas coreografías físicas que mantienen vivo el espectáculo. El humor también está presente, aunque algunos momentos provocan más sonrisas involuntarias que carcajadas.
‘Furia desatada’ no reinventa el cine de artes marciales, pero sabe qué ofrece: criminales, personajes acorralados y peleas contundentes. Cuando la acción arranca, los muebles tienen pocas posibilidades de sobrevivir.
Pero que película tan divertida, como ha dicho el propio director, tan palomitera y lo bien hechas que están las malditas arañas. ‘Crawlers’ es un film que si se hubiese estrenado en los 80 estaríamos aplaudiendo con las orejas. Aunque yo viéndola en la actualidad, admito que me lo he pasado pipa. Un edificio se queda en cuarentena por una plaga de arañas, pero no arañas cualquiera, si no unas que atacan a humanos y que tienen sed de sangre.
Me encanta como utilizan los planos para ver como acechan las arañas a sus víctimas. Vemos a través de estos seres y me ha parecido divertidísimo. Además, como se preparan para pillar desprevenidos a cualquiera que pase cerca. Y es que como bien dice la película, hay arañas por todos lados y más cerca de lo que creemos. Aunque es cierto que los personajes tienen decisiones absurdas y que alguno que otro merece la muerte, no me importa, porque realmente es lo gracioso de la película, que no se toma en serio y al a vez si, ya que como digo, las arañas me parecen super bien hechas. Un divertimento que sinceramente volvería a repetir en una sala de cine con amigos.
Luis Royo y Rómulo Royo llevan décadas demostrando que la fantasía puede ser mucho más que un género destinado a las estanterías de coleccionistas. El documental de Mirella R.Abrisqueta entra en su estudio, muestra su proceso creativo, sus influencias y la relación artística entre padre e hijo mientras siguen las huellas de Francisco de Goya. Pero lo más importante, deja ver que su arte y el de muchos ilustradores de hoy en día comienza a verse como debería, como arte digno de un museo.
La película está vertebrada por el proyecto que establece un diálogo entre los dos artistas y el Goya más fantástico, oscuro y grotesco. Una conexión estimulante que permite reivindicar una disciplina que ha influido a generaciones de ilustradores, lectores y creadores visuales. Habría sido interesante contar con más expertos y profundizar mucho más en ese Goya fantástico, pero es una reivindicación necesaria para un arte que lleva mucho tiempo demostrando que la imaginación moderna también merece estar en los museos, porque su calidad pictórica está a la altura de los grandes maestros.
Reivindicación justa y necesaria para que el arte fantástico y actual tenga su lugar en los museos
La obra de los Royo lleva décadas hablando por sí misma demostrando una grandiosidad que en otras épocas habría sido tratada con mucha más importancia a nivel popular. Luis Royo y Rómulo Royo pertenecen a esa categoría a la que pertenecieron muchos maestros pictóricos, aunque ‘Fantasy Art. Luis Royo, Romulo Royo, Goya’ de Mirella R. Abrisqueta parte precisamente de una reivindicación que todavía parece necesaria: ¿por qué una ilustración fantástica debería conformarse con ocupar una estantería de coleccionista cuando podría estar colgada en una galería o un museo?
El documental se acerca a dos creadores cuya influencia ha traspasado ampliamente las fronteras españolas y que han marcado a generaciones de ilustradores, lectores, publicistas y aficionados a la cultura visual. Y lo hace desde un lugar especialmente cercano: entrando en su estudio, observando cómo trabajan, descubriendo sus referencias y siguiendo el proceso mediante el que una idea termina convirtiéndose en una imagen. No se limita, por tanto, a enseñar el resultado final, sino que permite comprender el modus operandi de quienes llevan décadas haciendo de la fantasía una forma de expresión artística.
Goya como espejo
Todo el documental está vertebrado por un proyecto común: Luis Royo y Rómulo Royo viajan hasta Italia mientras desarrollan una aproximación propia al universo de Francisco de Goya. No se trata de copiar a su paisano aragonés, sino de jugar con sus obsesiones, sus monstruos, sus pesadillas y esa capacidad para encontrar lo grotesco y lo fantástico dentro de la realidad.
Ahí aparece una relación especialmente estimulante entre padre e hijo. Dos generaciones, dos sensibilidades y dos maneras de entender la creación que dialogan entre sí mientras buscan un punto de encuentro con un artista separado de ellos por más de dos siglos. El proyecto permite además comprender hasta qué punto las influencias artísticas no funcionan como compartimentos estancos: el cine, el cómic, la pintura, la literatura y la ilustración terminan alimentándose mutuamente.
Y es precisamente aquí donde el documental podría haber ido todavía más lejos. La conexión entre los Royo y Goya resulta fascinante, pero el llamado Goya fantástico merecía una investigación más profunda. Los Caprichos, Los Disparates o las Pinturas Negras ofrecen material suficiente para construir una auténtica genealogía que conecta con el fantástico español de entonces y de ahora. La película deja la sensación de que apenas estamos entrando en una habitación que podría ser muchísimo más grande, en ese sentido. Recordamos que ese proyecto es solo usado como una excusa para plasmar una vez más, y de ese modo rompiendo el desconocimiento de el público general, que estamos entre dos artistas de talla mayúscula.
Del coleccionismo al museo
Porque la verdadera reivindicación de ‘Fantasy Art’ está en otro lugar: en cuestionar la frontera entre arte considerado culto y arte considerado popular. Durante demasiado tiempo, la ilustración fantástica ha sido contemplada como un producto ligado al cómic, las portadas, los libros roleros o el heavy metal. Sin embargo, basta mirar algunas de las obras que han surgido de este ámbito para comprobar que existen imágenes con una potencia visual y técnica que no desmerecerían en una institución dedicada a las bellas artes. Hay ilustraciones que uno podría imaginar perfectamente colgadas en el Prado.
Y el reconocimiento internacional demuestra que esa frontera empieza a quedarse antigua. El universo de los Royo ha circulado mucho más allá de España y el documental recuerda también la presencia de este tipo de creación en instituciones y espacios vinculados al arte narrativo contemporáneo. La reciente apertura del Lucas Museum of Narrative Art en Los Ángeles, por ejemplo, representa precisamente esa ampliación del concepto de qué puede formar parte de un museo. Obras de artistas españoles vinculados a este ámbito han llegado ya a su colección.
También resulta interesante observar cómo ha cambiado la percepción de estos artistas en España. Lo que durante determinadas épocas podía contemplarse como una manifestación menor o estrictamente vinculada a un entretenimiento casi marginal ha ido adquiriendo otra consideración. Y si algo consigue ‘Fantasy Art’ es dejar claro que detrás de una ilustración aparentemente destinada a satisfacer la imaginación de un lector existe composición, técnica, referencias, narrativa, estudio de la anatomía, tratamiento de la luz y, sobre todo, una concepción artística.
La antípoda a vanalizar el arte moderno
La película de Abrisqueta, rodada durante dos años siguiendo este proyecto, funciona así como un puente entre generaciones y disciplinas. Pero también como una reivindicación que trasciende a sus protagonistas: la ilustración o el cómic no necesita pedir permiso para ser arte, es ARTE con mayúsculas.
Su principal limitación es precisamente la amplitud de todo aquello que plantea. Habrían sido necesarias más voces de expertos, historiadores del arte o especialistas capaces de contextualizar con mayor profundidad esa relación con Goya y explicar por qué el fantasy art ha ocupado durante tanto tiempo una posición periférica dentro de determinados circuitos artísticos. El documental aporta algunas voces externas, pero uno termina deseando más.
Aun así, ‘Fantasy Art. Luis Royo, Romulo Royo, Goya’ cumple una función importante: conseguir que miremos de otra manera imágenes que quizá llevamos décadas mirando en librerías y convenciones. Y recordar que la fantasía ha formado siempre parte de nuestro arte. Si me permitís, como fan de la fantasía y de la obra de Royo, me siento congratulado de saber de este documental y de intentar contribuir a que en España se ubique su obra en los museos y libros de historia, como ya se hace en el extranjero donde, por ejemplo, se le ha dado un lugar en la galería de los Uffizi.
Ficha de ‘Fantasy Art. Luis Royo, Romulo Royo, Goya’
Estreno en España: por determinar. Título original: Fantasy Art. Luis Royo, Romulo Royo, Goya. Duración: 71 min. País: España. Dirección: Mirella R. Abrisqueta. Guion: Mirella R. Abrisqueta. Música: Pablo Urcola. Fotografía: Javier Gracia. Reparto principal: Luis Royo, Rómulo Royo, Sara Frazetta, Ciruelo Cabral, Juan Royo. Producción: Sintregua Comunicación, Cosmos Fan, Aragón TV, Laberinto Gris, Gobierno de Aragón, Ayuntamiento de Zaragoza. Distribución: por determinar. Género: documental, fantástico. Web oficial.
La autopsia de una secuela que se buscó sus propios demonios
Este documental parte de una idea irresistible: regresar al rodaje de la secuela de una de las mayores películas de terror de la historia y dejar que sus propios protagonistas expliquen cómo pudo acabar tan lejos de las expectativas. David Kittredge no se ceba con John Boorman ni intenta esconderlo. Al contrario. El propio director aparece como guía de su propia catástrofe, algo especialmente interesante porque hablamos del responsable de magníficas obras tales como ‘Excalibur’ o ‘El sastre de Panamá’, dos títulos posteriores que demuestran que ‘Exorcist II: The Heretic’ no define su carrera. Evidentemente esta es una película que ahonda en la figura de Boorman, pero tranquilos, a los quince minutos ya entra en materia de posesiones.
El making of de un desastre
La mayor parte de ‘Boorman and the Devil’ podría pasar por uno de aquellos extras que acompañaban a los DVD: un making of, un cómo se hizo construido con entrevistas a responsables del proyecto. La diferencia es que no se habla siempre a buenas sobre el filme. Kittredge aprovecha material existente para estudiar el fracaso y seguir cómo una secuela de ‘El exorcista’ fue perdiendo el rumbo.
El documental reconstruye el proyecto desde sus decisiones iniciales hasta su descalabro y funciona porque Boorman no intenta reescribir la historia. Habla de ambición, problemas de producción, enfermedades, retrasos y conflictos creativos. Así entendemos que aquella película no fue fruto de un único error, sino de una cadena de circunstancias y decisiones que terminaron por descontrolarla.
Si ‘El exorcista’ arrastra fama de película maldita por su accidentado rodaje, aquí la maldición parece tener nombres y apellidos. Richard Burton ocupa un lugar central: sus problemas con el alcohol y una interpretación poco comprometida complicaron una producción ya difícil. El documental convierte su presencia en una de las piezas fundamentales para entender o incluso justificar el desastre. Rospo Pallenberg es el otro gran foco de conflicto. Guionista también de ‘Excalibur’, intervino en sucesivas reescrituras y el relato terminó modificándose incluso durante el propio rodaje, contribuyendo a una película cada vez más confusa incluso para los actores que no sabían cada día a qué versión del libreto se iban a enfrentar.
Cuando el caos explica la película
Kittredge reúne a Louise Fletcher, Karyn Kusama, Mike Flanagan, Joe Dante, Linda Blair, Simon Abrams, Joseph McBride, Jim Hemphill, Garrett Brown y Victor Hsu, entre otros. Sus testimonios amplían la mirada y convierten el documental en una conversación sobre dirección, producción, crítica y riesgo artístico.
También desfilan nombres famosos que pudieron participar en la película y numerosos proyectos que se plantearon, se descartaron o cambiaron de rumbo alrededor de la secuela. El desfile de posibilidades ayuda a comprender que ‘El exorcista II’ fue acumulando problemas hasta convertirse en una producción difícil de controlar. Kittredge consigue que las diferentes versiones del proyecto y las decisiones tomadas durante el proceso tengan casi tanta importancia como el resultado final.
Hay algo particularmente agradecido en que el documental deje espacio a quienes trabajaron alrededor de Boorman y no convierta todo en una sucesión de cabezas parlantes defendiendo una tesis. La abundancia de testimonios y materiales permite reconstruir la sensación de una película que se estaba transformando mientras se hacía. Y ese proceso resulta más fascinante que cualquier intento de absolver o condenar al director.
Lo mejor es que ‘Boorman and the Devil’ no necesita reivindicar ‘Exorcist II: The Heretic’ para que resulte interesante. Puede mostrar sus ambiciones, explicar sus errores y dejar que Boorman contemple el resultado con una franqueza poco habitual y con la sabiduría de la distancia además de la oportunidad de poder excusarse. El propio documental está interesado en esa contradicción: cómo una producción puede estar llena de talento, dinero, nombres importantes y grandes intenciones y terminar convertida en algo que nadie parece capaz de controlar.
El verdadero demonio no fue sobrenatural, sino un proceso cinematográfico con demasiadas piezas que no terminaron de encajar. Y por eso ‘Boorman and the Devil’ funciona tan bien como autopsia de un fracaso. No intenta borrar la catástrofe, sino explicar por qué sucedió. Al final, después de tanta posesión, tantos accidentes, tantos cambios y tanta confusión, lo verdaderamente aterrador no es el demonio de la película, sino descubrir todo lo que puede salir mal cuando una producción está descalabrada desde la preproducción.
Ficha de ‘Boorman and the Devil’
Estreno en España: por determinar. Título original: Boorman and the Devil. Duración: 112 min. País: EE.UU. Dirección: David Kittredge. Guion: David Kittredge. Música: Eduardo Daniel Victoria. Fotografía: Seamus Deasy, Ed Herrera, Alan Jacobsen, Elle Schneider. Reparto principal: John Boorman, Louise Fletcher, Karyn Kusama, Mike Flanagan, Joe Dante, Linda Blair, Simon Abrams, Joseph McBride, Jim Hemphill, Garret Brown, Victor Hsu. Producción: Triple Fire Productions, Milton Ventures Media, Snowfort Pictures. Distribución: por determinar. Género: documental. Web oficial.
Movistar Plus+, recupera uno de los litigios más singulares de la historia reciente de España, el que enfrentó a Chiquito de la Calzada con su alter ego televisivo Lucas Grijander, al que dio vida Florentino Fernández. Tras la demanda interpuesta por Chiquito, el tribunal debía dilucidar si se trataba de un plagio o una mera parodia de un personaje que ya era de dominio público.
En colaboración con Globomedia, este documental de Movistar Plus+ parte de la idea de Diego San José. Con guion y dirección de Javier Morales y Juan Zavala, ambos combinan testimonios de personas cercanas al mítico humorista con reflexiones de periodistas y expertos en el fenómeno. Además ‘El otro Chiquito’, trae un retrato de Gregorio Sánchez, un cómico inesperado que definió la España de los años 90, creando un lenguaje propio.
Reparto y testimonio del creador
Entre los testimonios encontramos los de Pepe Navarro, Florentino Fernández, Mario Conde, Manolo Sarriá, Celia Villalobos, José Mercé, Manuel Campo Vidal, Nieves Herrero, Paz Padilla, Juan y Medio y Ramón García.
«En los chistes de Chiquito, los chistes eran lo de menos. Aquellas historias sólo eran la excusa para llegar a una dimensión a la que nunca ha vuelto el humor español. Una dimensión absurda y retorcida en la que un desconocido de sesenta y dos años puso a todo un país a decir palabras que no querían decir nada. Por eso, la única manera de hacer un documental sobre Chiquito de la Calzada era llevarlo a un lugar tan surrealista como su humor. Así nació un true crime con Chiquito de la Calzada. El ‘otro Chiquito’ del título no se refiere al lado desconocido de Gregorio Sánchez. Se refiere, literalmente, a otro Chiquito. A uno muy conocido. Tan conocido que acabó en uno de los juicios más surrealistas de nuestra historia reciente. ‘El otro Chiquito’ recrea el enfrentamiento en los tribunales entre el Chiquito original y Lucas Grijander, la parodia creada por Pepe Navarro y Florentino Fernández. Pero, sobre todo, revisa aquel país que hace treinta años se puso a decir ‘fistro’ y que, treinta años después, sigue sin saber muy bien qué significaba. Porque quizá el misterio de Chiquito nunca fue qué significaban aquellas palabras; el misterio es por qué todo un país decidió entenderlas”, esto es lo que nos cuenta Diego San José.
Sinopsis del documental y tráiler del mismo
En 1995, España tenía un ídolo indiscutible: Chiquito de la Calzada. Su lenguaje invadía las calles, los platós y hasta los discursos oficiales. La sociedad española se rendía ante el humorista que revolucionó a una generación. Pero una noche, el programa más visto de la televisión privada decide dar un golpe maestro. Se presenta a Lucas Grijander, un personaje inquietantemente parecido a Chiquito. Tan parecido que pronto empieza a ocupar su lugar. Para Gregorio Sánchez, el hombre detrás del mito, aquello era una pesadilla. Tras años de lucha para alcanzar la fama, veía como le arrebataban su identidad ante millones de espectadores. Así comienza uno de los litigios más insólitos de la historia española. Chiquito contra Lucas Grijander, en una batalla judicial por algo que ya parecía pertenecer a todos. Una guerra por la propiedad de un fenómeno cultural… y por la supervivencia de un hombre.
Manuel Menchón resucita a Lorca con su gran investigación
En otoño de 2026 llega a nuestros cines ‘La voz quebrada’. Dirigido por Manuel Menchón (‘Palabras para un fin del mundo’) donde pone en la gran pantalla a Federico García Lorca. Y es que tras años de investigación, ha logrado componer un documental en donde podemos ver al poeta en movimiento.
Un gran trabajo de investigación
El núcleo narrativo y emocional de la película lo constituye un conjunto de cuadernos y recuerdos personales conservados durante décadas por Juan Ramírez de Lucas. Materiales inéditos y hasta ahora desconocidos para el gran público. Que revelan desde fuentes directas la historia del último amor de Federico García Lorca.
Estos documentos tuvieron tanta relevancia, que llevó al Congreso de los Diputados en 2012 a aprobar por unanimidad una iniciativa para promover su preservación y apertura a la investigación por su extraordinario interés histórico. Pese al consenso y a los contactos iniciados, aquella iniciativa nunca llegó a materializarse y los materiales permanecieron sin acceso público efectivo.
Pero no solo se han encontrado estos documentos, y es que las filmaciones inéditas de Federico García Lorca, localizadas por Manuel Menchón en el archivo privado de Menéndez Pidal, han permitido ver al poeta en movimiento. De este modo, ‘La voz quebrada’ conecta dos revelaciones: Las imágenes inéditas de Lorca y por otro el archivo íntimo de Juan Ramírez de Lucas.
La historia silenciada
En el verano de 1936, Federico García Lorca y el joven Juan Ramírez de Lucas, querían comenzar una nueva vida fuera de España, donde se les permitiese poder vivir libres sin tener que esconder su relación. Aquel viaje, nunca llegó a producirse. Semanas después, Lorca fue asesinado en Granada, al comienzo de la Guerra Civil. Noventa años más tarde, ‘La voz quebrada’ recupera aquella historia truncada y podemos adentrarnos en los últimos meses de vida del poeta.
Imagen, música y voz
Como hemos comentado, también podremos ver filmaciones inéditas de Federico García Lorca, localizadas en el archivo privado de Menéndez Pidal. Así como una pieza musical de juventud nunca antes grabada.
El universo creativo de Lorca se revela también a través de su música. La banda sonora de la película incorpora la interpretación de Canción de invierno, una pieza musical nunca antes grabada y compuesta por Federico García Lorca cuando aun era adolescente. Iván Palomares, compositor de la música original de ‘La voz quebrada’, ha realizado los arreglos y ha interpretado al piano esta partitura para el film. En el apartado interpretativo Álvaro Morte (‘Anatomía de un instante’ o ‘La casa de papel’), dará su voz a Federico García Lorca.
Producción y estreno
K&S Films (‘El eternauta’), Pantalla Partida (‘Saura(s)’, ‘La primera mirada’) e Imagine! Films (‘Palabras para un fin del mundo’) son los encargados de la producción de la cinta. Junto a ellos tenemos la participación de RTVE y Canal Sur, con el apoyo de ICAA, Ayuntamiento de Madrid, Junta de Andalucía y Diputación de Granada-Film in Granada. Este próximo otoño de 2026 tendremos la oportunidad de verla en grandes pantallas gracias a Sideral.
Las líneas de Nazca son un tesoro y una herencia cultural, pero Dorsaz consigue convertirlas en un viaje hacia la identidad
Hay películas que buscan resolver misterios y otras que entienden que el verdadero interés está en quienes los contemplan. ‘Lady Nazca’, dirigida por Damien Dorsaz, pertenece claramente al segundo grupo. Aunque parte de uno de los grandes enigmas arqueológicos del planeta, las célebres líneas de Nazca, el filme evita caer en la obsesión por las teorías y las respuestas para centrarse en algo mucho más humano: la búsqueda de identidad, de propósito y de un lugar propio en el mundo.
Ambientada en el Perú de 1936, cuando el nazismo comenzaba a proyectar su sombra sobre Europa y el mundo observaba con inquietud los cambios políticos que se avecinaban, la película sigue a María Reiche, matemática alemana que atraviesa una crisis tanto profesional como sentimental. Su encuentro con el arqueólogo francés Paul d’Harcourt la llevará hasta el desierto de Nazca, donde descubrirá unas figuras gigantescas trazadas sobre la tierra que terminarán transformando su existencia.
Resulta especialmente interesante cómo el largometraje convierte la ciencia en un lenguaje emocional. Mientras otros personajes hablan francés, alemán, inglés o español, y en determinados momentos también escuchamos lenguas indígenas como el quechua o el aimara, el verdadero idioma de María es el de las matemáticas. Son los números, las proporciones y las líneas geométricas los que le permiten interpretar el mundo y conectar con una antigüedad olvidada. La diversidad lingüística supone además un reto notable para el reparto y contribuye a transmitir la sensación de agitación internacional que rodea la historia.
El desierto como personaje y espectáculo visual
Uno de los grandes logros de ‘Lady Nazca’ reside en su apartado visual. Damien Dorsaz entiende que las líneas no pueden ser simplemente un decorado. Deben convertirse en una presencia casi espiritual que acompañe a la protagonista durante todo su recorrido vital.
Por motivos de conservación patrimonial, parte del trabajo visual se realizó mediante réplicas construidas en zonas autorizadas de Palpa, complementadas con localizaciones en Nazca, Ica y Lima. El resultado es notable porque en ningún momento se percibe artificioso.
Los grandes planos generales consiguen transmitir una sensación de asombro constante. Las líneas rompen la aparente uniformidad del paisaje y convierten el desierto en un espacio casi sobrenatural. Hay secuencias donde la inmensidad de la naturaleza parece dialogar directamente con la pequeñez del ser humano, recordándonos que algunas obras trascienden a quienes intentan comprenderlas.
La fotografía de Gilles Porte aprovecha además las tonalidades ocres y doradas del entorno para construir imágenes de enorme belleza contemplativa. A veces la película avanza con una lentitud deliberada que puede poner a prueba la paciencia de algunos espectadores, pero esa misma cadencia permite apreciar mejor la relación íntima que María desarrolla con el territorio.
Más allá del misterio arqueológico
Algo que remarca el guión es que María Reiche no fue quien descubrió las líneas de Nazca, pero sí una de las figuras fundamentales para su estudio, divulgación y protección. Durante décadas dedicó su vida a preservar aquel legado cultural hasta convertirse en una auténtica institución en Perú. No es casualidad que el museo situado junto a las líneas lleve su nombre y que allí reposen sus restos.
La María Reiche de Devrim Lingnau no es una heroína convencional ni una aventurera romántica al uso. Es una mujer inteligente y profundamente observadora que encuentra en aquellas marcas milenarias una vocación capaz de dar sentido a su vida. Lejos de presentar una visión colonial o paternalista, ‘Lady Nazca’ apuesta por mostrar a una mujer que se integra profundamente en la cultura peruana. La película subraya cómo su compromiso va más allá de la curiosidad científica y termina convirtiéndose en una auténtica misión de vida.
Por eso el misterio arqueológico acaba ocupando un lugar secundario. La pregunta principal no es quién creó las líneas ni cuál era su función, sino qué encuentra María en ellas. La respuesta tiene más que ver con la pertenencia, la vocación y la memoria que con cualquier teoría histórica.
Ficha de ‘Lady Nazca’
Estreno en España: 3 de julio de 2026. Título original: Lady Nazca. Duración: 99 min. País: Francia. Dirección: Damien Dorsaz. Guion: Damien Dorsaz, Fadette Drouard, Franck Ferreira Fernandes, Raphaëlle Valbrune-Desplechin, Aude Py. Música: Nascuy Linares. Fotografía: Gilles Porte. Reparto principal: Devrim Lingnau, Guillaume Gallienne, Olivia Ross, Amaranta Kun. Producción: Octopolis, 27 Films Productions, Memento Films Production, TOBIS Film, Rotor Film, Digital District, Unesco, FFA, DFFF, Rayo en la botella. Distribución: Vercine. Género: drama, hechos reales. Web oficial.
El montaje vuelve a reclamar el protagonismo que merece
Aunque el montaje es una de las disciplinas fundamentales de cualquier producción audiovisual, continúa siendo uno de los oficios menos visibles para el gran público. Con el objetivo de reconocer el talento de quienes construyen el ritmo, la narrativa y la emoción de películas, series y programas, AMAE (Asociación de Montadores Audiovisuales de España) ha abierto oficialmente el plazo de inscripción para la segunda edición de los Premios AMAE de Montaje Audiovisual. Se pueden consultar las bases aquí.
Tras el estreno de estos galardones el pasado año, la asociación da un paso más ampliando el número de categorías y consolidando unos premios que buscan convertirse en la referencia del sector para los profesionales de la edición audiovisual en España.
Las inscripciones permanecerán abiertas desde el 22 de junio hasta el 31 de julio de 2026 y podrán participar profesionales de todo el territorio nacional, independientemente de que sean socios o no de la asociación.
Diez categorías para reflejar la diversidad del sector
Una de las principales novedades de esta segunda edición es la ampliación del número de categorías competitivas, que pasan a ser diez para abarcar prácticamente todas las áreas del montaje audiovisual actual.
Los premios reconocerán trabajos en largometrajes de ficción y documentales, series de ficción y documentales, cortometrajes y mediometrajes, programas de entretenimiento, espacios de reportajes y actualidad, publicidad, videoclips y, por primera vez, la ayudantía de montaje.
Precisamente esta última incorporación supone una reivindicación de una figura esencial dentro del proceso de edición. La ayudantía de montaje desempeña un papel decisivo en la organización del material, la gestión técnica y el desarrollo del trabajo diario del departamento, aunque rara vez recibe reconocimiento público. Con esta nueva categoría, AMAE pretende poner en valor un perfil profesional imprescindible para cualquier producción audiovisual.
Un Premio de Honor para reconocer toda una trayectoria
Además de las categorías competitivas, la organización ha anunciado la creación del Premio de Honor AMAE, un reconocimiento destinado a distinguir trayectorias excepcionales dentro del montaje audiovisual español.
Aunque todavía no se ha revelado quién será la persona homenajeada en esta edición, este nuevo galardón pretende destacar carreras que han contribuido de forma decisiva al desarrollo del lenguaje cinematográfico y televisivo a través del montaje.
La gala se celebrará en noviembre en Madrid
Los ganadores se darán a conocer durante la gala de entrega de premios, que tendrá lugar el próximo 28 de noviembre en la Cineteca de Madrid, un espacio cada vez más vinculado a la difusión y reconocimiento del cine español y de la creación audiovisual independiente.
La segunda edición de los Premios AMAE cuenta con el respaldo del Ministerio de Cultura a través del Plan de Derechos Culturales, además de la colaboración de Madrid Film Office y el patrocinio de Adobe.
Un reconocimiento para un oficio esencial
La presidenta de AMAE, Azucena Baños, ha querido aprovechar la apertura de inscripciones para recordar la importancia del montaje dentro del proceso creativo audiovisual. Según explica, estos premios representan una oportunidad para acercar esta profesión tanto al público como al propio sector y reconocer el trabajo de quienes construyen el relato final de cualquier obra audiovisual.
Desde la asociación animan a participar a profesionales de todos los ámbitos del montaje, ya sea en cine, televisión, plataformas de streaming, formatos digitales, publicidad o videoclips, reforzando así la vocación inclusiva de unos premios que aspiran a seguir creciendo y dando visibilidad a un oficio tan determinante como habitualmente invisible.
La leyenda que sigue respirando bajo el asfalto de Béjar
Hay tradiciones que sobreviven porque la historia las sostiene. Otras permanecen porque la comunidad decide seguir creyendo en ellas, independientemente de que existan documentos capaces de demostrar cada detalle de su origen. ‘Los hombres de musgo’, el documental dirigido por Juan Carlos Verona, se sitúa precisamente en ese territorio donde la historia, la memoria colectiva y la identidad cultural se entrelazan hasta resultar inseparables.
El cortometraje de Verona aborda una de las tradiciones más singulares de la ciudad salmantina de Béjar: la de los Hombres de Musgo, figuras cubiertas completamente por vegetación que cada año desfilan por la ciudad coincidiendo con las celebraciones del Corpus Christi y que, según la leyenda popular, remiten a la recuperación de la ciudad por parte de los bejaranos en el siglo XII.
Lo interesante es que el documental no adopta una postura dogmática. No pretende demostrar la veracidad absoluta de la leyenda ni desmontarla. Al contrario, abre un espacio para el diálogo entre distintas voces. Historiadores, investigadores y vecinos participan en una reflexión colectiva que va mucho más allá de la mera reconstrucción del pasado. La pregunta que plantea la película no es únicamente qué ocurrió, sino qué significa hoy seguir contando esta historia.
Como espectador criado en Béjar, y habiendo participado como el resto de mi familia en esta tradición vistiendo el característico traje de musgo, resulta imposible contemplar el documental desde una posición completamente distante. Sin embargo, precisamente esa cercanía permite apreciar uno de los mayores logros de Verona: su capacidad para capturar aquello que los bejaranos reconocen inmediatamente cuando observan a los Hombres de Musgo. No se trata únicamente de una representación festiva. Es una expresión de pertenencia.
La frontera entre la leyenda y la historia
Uno de los aspectos más inteligentes del documental es la forma en que aborda las incertidumbres históricas. La versión resumida de la leyenda sería que un grupo de guerreros cristianos se cubrió de musgo para infiltrarse en una Béjar bajo dominio musulmán y facilitar su conquista. La historia ha sido repetida durante generaciones y forma parte inseparable del imaginario local.
Sin embargo, el propio documental recoge las dudas existentes. En Béjar no todos aceptan la leyenda como un hecho histórico demostrado. Algunos de los participantes recuerdan la ausencia de fuentes contemporáneas que permitan verificar los acontecimientos tal y como se narran tradicionalmente. Es algo que el tiempo ha ido moldeando como parte del ADN bejarano a la vez que se ha ido diluyendo su posible vertiente real. Igual que se ha perdido la conexón de Béjar con la misión de El Álamo en Texas, en una zona conocida entonces como San Antonio de Béxar, poblada por bejaranos y migrantes de Salamanca, pero esa es otra historia.
Si nos ceñimos a lo histórico tampoco hay documentos (que yo sepa) que detallen la salida de los musulmanes de Béjar. Esa incertidumbre acaba convirtiéndose en una de las mayores bazas, no solo para el documental, también para toda una comarca. Lejos de presentar respuestas cerradas, Verona comprende que las leyendas cumplen una función cultural que trasciende su exactitud factual. Son relatos que ayudan a las comunidades a explicarse a sí mismas. El cortometraje habla tanto del presente como del pasado. El documental hace dialogar constantemente ambos tiempos. De las murallas medievales y las mentalidades del siglo XII saltamos a la Béjar contemporánea, una ciudad marcada por la desaparición de buena parte de su tejido industrial, atravesada por automóviles, comercios y nuevas realidades sociales.
Una fotografía que roza lo fantástico sin abandonar la realidad
Si hay un apartado donde el documental destaca especialmente es en su propuesta visual, con bastante carga emocional y materializando ese cruce de tiempos que mencionaba antes. Se maneja una sensibilidad notable para encontrar imágenes que transforman los paisajes conocidos de Béjar en escenarios cargados de misterio. Los bosques, las piedras, la humedad de la vegetación y los propios trajes cubiertos de musgo generan una atmósfera que por momentos parece acercarse a las corrientes contemporáneas del fantástico rural.
Entiéndase, no me refiero al resucitado concepto del folk horror. El documental nunca busca provocar inquietud ni construir una amenaza asociada a la tradición. Tampoco existe esa confrontación entre modernidad y paganismo tan habitual en el género. Sin embargo, sí comparte con determinadas obras del fantástico actual una fascinación por la relación entre el ser humano y la naturaleza.
Los Hombres de Musgo aparecen como figuras casi espectrales surgidas del paisaje. Durante algunos planos, la frontera entre persona y entorno desaparece por completo. La tradición deja entonces de percibirse como una simple recreación histórica para convertirse en una manifestación visual de la conexión entre comunidad, territorio y memoria. El resultado es un documental que consigue algo poco habitual: convertir una celebración profundamente local en una reflexión universal sobre la construcción de la identidad colectiva.
Ficha de ‘Los hombres de musgo’
Estreno en España: 2026. Título original: Los hombres de musgo. Duración: 14 min. País:Dirección: Juan Carlos Verona. Guion: Juan Carlos Verona. Música: Daniel Vildósola. Fotografía: Juan Carlos Verona. Reparto principal: Jose Muñoz, Alejandro Romero, Gel Borrajo, Manuel Gallego. Producción: Los Verona. Distribución: Selected Films Distribution. Género:Web oficial.
El mito de una amistad que ha traspasado décadas y fronteras
No voy a ser yo uno de tantos críticos de los Hombres G que les heche por tierra su siempre auto-atribuída rebeldía o irreverencia. Yo los escuché de niño y cuando fui desarrollando mi gusto me pasó como con La Fuga o Maná, que me harté de la repetitividad de sus leitmotivs. Pero hay una cosa, varias de hecho, que no se pueden negar al margen del gusto de cada uno. Y son el éxito, las ventas, las legiones de fans, la perdurabilidad en el tiempo… ‘Los mejores años de nuestra vida’ es un documental para aquellos amigos, fieles al grupo, que aún están ahí y que mantienen vivo el mito de esta banda.
Dirigida por Charlie Arnaiz y Alberto Ortega, se articula como un ejercicio de memoria profundamente emocional y estratégicamente construido. Lejos de limitarse a la cronología habitual del ascenso, caída y legado de una banda, el documental opta por una lectura mucho más íntima: la de un grupo de amigos que, casi sin pretenderlo, terminaron definiendo una era del pop español. Esa elección no es casual, ni inocente (de hecho, condiciona toda la estructura del relato).
Montaje ágil para subirse al carro de estos cuatro incansables
Desde el punto de vista formal, el trabajo de montaje y los recursos visuales que complementan el material de archivo resultan sobresalientes. En este sentido, la película se sitúa en una línea muy similar a ‘Raphaelismo’, anterior obra de los mismos directores, donde ya demostraban una notable capacidad para dinamizar material preexistente mediante soluciones gráficas y decisiones de ritmo muy contemporáneas. Aquí, ese lenguaje se afila aún más para reforzar la identidad “gamberra” que siempre han reivindicado los propios miembros de la banda.
El tono general está impregnado de humor, bromas internas y anécdotas que funcionan tanto como vehículo narrativo como herramienta de caracterización. No se trata solo de contar qué hicieron, sino de cómo eran (y siguen siendo). Esa constante sensación de camaradería convierte la película en algo más que un documental musical: es, en esencia, una historia de amistad sostenida en el tiempo. No es casual que el tema inédito que da título al filme esté concebido no como síntesis de una carrera, sino como declaración de principios de unos colegas que querían, en sus propias palabras, “provocar y divertir”, con referentes tan explícitos como Siniestro Total o Los Nikis.
Subjetividad y relato controlado
Ahora bien, conviene no perder de vista que ‘Los mejores años de nuestra vida’ es un documental profundamente subjetivo (y, en cierto modo, autoconsciente de ello). La narrativa está construida casi exclusivamente desde la perspectiva de los propios miembros de Hombres G y su entorno inmediato: músicos, técnicos, acompañantes de gira. Este enfoque aporta cercanía, sí, pero también limita el espectro crítico.
Se echa en falta la inclusión de voces disonantes. Durante años, la banda fue objeto de críticas que los tildaban de “pijos” o representantes de una juventud acomodada, los llamados niños bien. El documental opta por no confrontar directamente esas percepciones. Habría sido especialmente interesante incorporar testimonios de contemporáneos o “rivales” musicales que contextualizasen, por ejemplo, ciertas decisiones que el grupo interpretaba como provocadoras, como el caso de la censura en la canción ‘Mamón’. Ese contraste habría enriquecido el discurso, añadiendo capas de lectura más complejas.
Sin embargo, esta ausencia no invalida el impacto del documental. Los datos objetivos (ventas millonarias, múltiples números uno, giras multitudinarias, el salto a América) están ahí y son incontestables. La película no pretende desmontar el mito, sino consolidarlo desde dentro.
Archivo, intimidad y pequeñas revelaciones
Uno de los aspectos más sorprendentes del filme es la meticulosidad con la que los miembros del grupo han conservado su archivo personal. Grabaciones caseras, fotografías, documentos y manuscritos que permiten construir un relato extremadamente cercano, casi doméstico. Esta abundancia de material no solo facilita la tarea de los directores, sino que dota al documental de una textura íntima poco habitual en producciones de este tipo.
Es precisamente en esos detalles donde la película encuentra algunos de sus momentos más reveladores. Incluso para espectadores que han crecido escuchando sus canciones de forma tangencial, hay descubrimientos inesperados. Uno de los más llamativos es la implicación de Juan y Medio como manager en distintas etapas, acompañando al grupo en varias giras, un dato que ilustra bien el carácter casi improvisado (y a la vez sorprendentemente estructurado) de su trayectoria.
Quizás ‘Los mejores años de nuestra vida’ es un documental definitivo sobre Hombres G, sobre todo si pensamos en los fans. Celebra la complicidad, el paso del tiempo y la capacidad de la música para construir identidades colectivas. Puede que no responda a todas las preguntas, pero sí consigue algo más difícil: que el espectador entienda por qué estas cuatro personas siguen juntas después de tantos años.
Ficha de ‘Los mejores años de nuestra vida’
Estreno en España: 8 de mayo de 2026. Título original: Los mejores años de nuestra vida. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Charlie Arnaiz, Alberto Ortega. Guion: Charlie Arnaiz, Alberto Ortega, Myriam Casín, Emilio González, Mercedes Cantero. Música: Hombres G. Fotografía: Juan Luis Cabellos, Willy Jauregui. Reparto principal: David Summers, Dani Mezquita Hardy, Rafa Gutiérrez Muñoz, Javier Molina. Producción: A Contracorriente Films, Comunidad de Madrid, Crea SGR, Dadá Films & Entertainment, La calabaza amarilla, Los chicos de la puerta de al lado, Movistar Plus+, RTVE, Warner Music Spain. Distribución: A Contracorriente Films, Movistar Plus+. Género: documental. Web oficial.
Una prueba irrefutable, innegable, inexcusable e ineludible de la mayor vergüenza humanitaria del siglo XXI
Hay documentales que informan, otros que conmueven y unos pocos que obligan a mirar de frente aquello que preferiríamos ignorar. ‘Todos somos Gaza’, dirigido por Hernán Zin, pertenece con claridad a esta última categoría. No es una obra cómoda ni pretende serlo. Tampoco busca el efectismo gratuito ni la neutralidad impostada. Es, ante todo, una película que entiende el cine documental como un acto moral: estar allí, mirar, registrar y no apartar la cámara cuando la realidad se vuelve insoportable.
Zin no llega a Gaza como un recién llegado. Su vínculo con el territorio y con sus habitantes es profundo y sostenido en el tiempo. En 2014 firmó ‘Nacido en Gaza’, un trabajo que retrataba la vida de diez niños y niñas durante una ofensiva israelí anterior. Aquella película se convirtió en un referente internacional, celebrada por la crítica y el público, y aún hoy se cita como uno de los testimonios audiovisuales más claros sobre la violencia estructural que sufre la población palestina. Diez años después, ‘Todos somos Gaza’ retoma ese hilo: la misión es buscar a aquellos niños, ahora adolescentes o adultos, y comprobar qué ha sido de sus vidas en un territorio donde el futuro siempre es una promesa frágil.
Gaza como rutina del horror
La gran virtud del documental es su capacidad para mostrar la anormalidad convertida en costumbre. Zin introduce al espectador en una cotidianidad donde ir a por el pan o visitar a un amigo puede convertirse, en cuestión de segundos, en una sentencia de muerte. Esa es la vida en Gaza: un espacio donde el sonido de un dron o un avión no es una excepción, sino parte del paisaje sonoro diario. La película no subraya esta idea con discursos grandilocuentes; la deja emerger de los gestos, de las miradas y de los silencios de quienes han aprendido a vivir con el miedo como telón de fondo permanente.
El montaje establece un diálogo devastador entre pasado y presente. Ver las imágenes de ‘Nacido en Gaza’ junto a las actuales no solo evidencia el paso del tiempo, sino también la ausencia de progreso, la repetición del trauma y la cronificación del dolor. Los niños que entonces hablaban de sus sueños hoy cargan con cicatrices visibles e invisibles. El tiempo, en Gaza, no cura: acumula.
La cámara como testigo, no como espectáculo
‘Todos somos Gaza’ tiene una impactante calidad visual. Rodada en muy alta resolución, sin tratamientos estéticos que edulcoren la imagen, la película ofrece una claridad casi hiriente. No hay filtros, no hay artificio. Lo que vemos no es cine de acción ni imágenes generadas por ordenador. Sin embargo, muchas secuencias podrían confundirse con escenas sacadas de una superproducción bélica protagonizada por Stallone o Schwarzenegger. La diferencia es esencial: aquí no hay ficción, ni héroes invulnerables, ni catarsis. Solo cuerpos reales, edificios reales y muerte real.
Zin demuestra un talento indiscutible tras la cámara. Sus encuadres, la elección de los ángulos y la forma en que captura el antes y el después de un bombardeo tienen una potencia visual que deja sin aliento. Es el tipo de imágenes que cualquier reportero sensacionalista soñaría con enviar a su redacción. La diferencia es ética: la cámara de Zin no explota el horror, lo atestigua. Su presencia es la de un testigo que se juega el tipo, como hizo por ejemplo el equipo de ‘Semillas de Kivu’, y que entiende el riesgo como parte inseparable del compromiso.
Resulta perturbador comprobar la “facilidad” con la que se puede registrar un ataque en Gaza. A veces parece que la cámara sabe que la bomba va a caer y se sitúa en el lugar exacto. Y cuando llega el silencio posterior, cuando se recorren las calles arrasadas, la magnitud de la destrucción se vuelve evidente. Gaza ya tenía zonas que recordaban a un resort mediterráneo, pero nunca para las élites que fantasean con reconstrucciones de lujo. Hoy, incluso esas imágenes pertenecen al pasado.
Un alegato imposible de ignorar
Intentar ver ‘Todos somos Gaza’ con una mirada aséptica es casi una quimera. Las imágenes, los testimonios y el uso de audios de archivo desde los primeros compases del conflicto construyen un relato que no deja espacio para la duda. Zin no se limita a mostrar; contextualiza y conecta los puntos hasta componer un mosaico que señala directamente a una tragedia de dimensiones históricas. El término genocidio, tan manoseado y tan evitado, aquí adquiere un peso específico difícil de rebatir.
El director, colaborador habitual de Jon Sistiaga, hereda y amplía esa tradición de periodismo audiovisual que entiende que contar la verdad implica tomar partido por las víctimas. ‘Todos somos Gaza’ es una prueba irrefutable, innegable e ineludible de lo que está ocurriendo. No ofrece consuelo ni soluciones fáciles. Ofrece algo más incómodo y más necesario: memoria, evidencia y una interpelación directa al espectador. Tras los créditos finales, ya no es posible decir que no sabíamos. Es una prueba irrefutable, innegable, inexcusable e ineludible.
Ficha de ‘Todos somos Gaza’
Estreno en España: 2025. Título original: Todos somos Gaza. Duración: 106 min. País: España. Dirección: Hernán Zin. Guion: Alicia Medina, Hernán Zin. Música: Carlos M. Jara, Rozalen, Marwan, Ambkor, Chojin, Porta. Fotografía: Hernán Zin. Reparto principal: documental. Producción: Doc Land Films, Videoreport Canarias, RTVE. Distribución: 39 Escalones. Género: documental. Web oficial.
Un cineasta libre resucitando a otros cineastas libres
Richard Linklater, causó sensación con aquel experimento cinematográfico que fue ‘Boyhood’, y ahora vuelve a demostrar que su cine no solo observa el paso del tiempo, sino también los momentos en que el arte decide reinventarse. Con ‘Nouvelle Vague’, el director estadounidense se enfrenta a una de las mitologías más complejas y reverenciadas de la historia del cine: aquella generación de cineastas franceses que, a finales de los años cincuenta, dinamitó las convenciones narrativas, estéticas e industriales heredadas. Consciente de lo inabarcable del movimiento, Linklater opta por una decisión tan inteligente como honesta: centrar el relato en Jean-Luc Godard y en el periodo concreto del rodaje de ‘Al final de la escapada’, la película que marcó un antes y un después en la manera de filmar y mirar el cine.
Godard como símbolo de una revolución colectiva
‘Nouvelle Vague’ entiende que la Nouvelle Vague no fue un estilo homogéneo, sino una actitud. Linklater no intenta resumir a toda una generación en un discurso académico, sino capturar el nervio creativo que unía a aquellos jóvenes críticos de Cahiers du Cinéma convertidos en cineastas. Godard emerge como epicentro narrativo no por ser el único, sino porque su figura condensó como pocas el inconformismo, la provocación intelectual y la ruptura consciente con el cine de calidad francesa dominante.
La película se sitúa en los márgenes del rodaje de ‘Al final de la escapada’, pero evita el biopic convencional. No se trata de reproducir paso a paso cómo se filmó aquel clásico, sino de reimaginar lo que sucedía alrededor: discusiones estéticas, decisiones improvisadas, tensiones con la producción y una sensación constante de estar inventando algo sin manual de instrucciones. Godard aparece como un creador obsesivo, brillante y errático, capaz de convertir la limitación presupuestaria en una declaración de principios.
Reimaginar un rodaje para capturar un espíritu
Uno de los mayores aciertos de ‘Nouvelle Vague’ es cómo clava las escenas que remiten directamente a ‘Al final de la escapada’ sin caer en la mímesis vacía. Linklater reproduce encuadres, movimientos y situaciones reconocibles, pero el foco nunca está en la reconstrucción fetichista. Lo importante es el clima creativo que rodea esas imágenes: la libertad de filmar en la calle, el desprecio por las normas clásicas de continuidad y la convicción de que el cine podía dialogar con la vida real sin filtros.
El filme transmite la idea de la Nouvelle Vague como un grito artístico contra los corsés de la época, tanto estéticos como industriales. Hay en cada escena una sensación de urgencia, de estar filmando antes de que alguien diga que no se puede. Linklater adopta ese mismo espíritu en la puesta en escena, con una narrativa que fluye de forma fragmentaria, casi caprichosa, como si la película se estuviera descubriendo a sí misma mientras avanza.
Un homenaje coral que asume el riesgo de perder al espectador
‘Nouvelle Vague’ se apresura deliberadamente en presentar nombres clave del movimiento, y en ese vértigo corre el riesgo de desorientar al espectador menos familiarizado con la historia del cine. Truffaut, Chabrol, Rohmer, productores, técnicos, actores y críticos aparecen y desaparecen con rapidez, únicamente con una presentación formal. Sin embargo, esa acumulación no es un error, sino una declaración de intenciones.
Linklater no quiere simplificar una revolución que fue, por naturaleza, caótica y colectiva. El filme funciona como un homenaje a todos los artistas y mentes inspiradoras que hicieron posible aquel cambio de paradigma, incluso a costa de sacrificar cierta claridad expositiva. El resultado es una obra que no busca ser definitiva, sino contagiar una pasión: recordar que el cine avanza cuando alguien se atreve a romper las reglas y filmar como si todo estuviera por inventarse. Está llena de citas y alusiones la que mejor define el filme es la que recupera la figura de Leonardo da Vinci, «El arte nunca se termina, solo se abandona».
Ficha de Nouvelle Vague
Estreno en España: 9 de enero de 2025. Título original: Nouvelle Vague. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Richard Linklater. Guion: Holly Gent Palmo, Richard Linklater, Laetitia Masson, Vincent Palmo Jr., Michèle Pétin. Fotografía: David Chambille. Reparto principal: Guillaume Marbeck, Zoey Deutch, Aubry Dullin, Adrien Rouyard, Antoine Besson, Jodie Ruth-Forest, Bruno Dreyfürst. Producción: ARP Sélection, Detour Filmproduction, Ciné+OCS, Centre national du cinéma et de l’image animée (CNC), Canal+, Chanel. Distribución: Elástica. Género: drama, comedia. Web oficial.
Una hija se dispone a buscar la verdad sobre quién fue su padre, un músico legendario, fallecido cuando ella tenía 8 años. Él es Antonio Flores, ella la también célebre actriz Alba Flores. Alba dejó de cantar al perder a Antonio y ahora se dispone a recuperar su voz y su historia, preguntando por primera vez a sus familiares y amigos.
Crítica
Precioso retrato de un gran Antonio Flores
Qué disfrutable es ver un documental tan bien realizado, con tanto cariño y amor hacia una de las figuras claves en el ámbito español. Antonio Flores nació con estrella, venía de una gran familia de artistas. Su madre, la gran Lola Flores y su padre el Antonio González “El Pescaílla’. Ambos grandes cantantes y bailadores. Pero es cierto, que pese a esa estrella, él tenía claro que su música era el rock y que quería triunfar con ese estilo musical. Un estilo propio y que ha dejado canciones inmensas como ‘No dudaría’, ‘Al caer el sol’, ‘Gran vía’ o ‘7 vidas tiene un gato’. Y que decir de su interpretación de ‘Pongamos que hablo de Madrid’ escrita por su amigo Sabina.
Pero bueno, esto es una crítica del documental ‘Flores para Antonio’ dirigido por Elena Molina e Isaki Lacuesta, y solo puedo deciros que os acerquéis a verlo. Nos muestra mucho material inédito del artista; dibujos, videos caseros con su hija Alba y con toda su familia, además de fotografías.
Su hija, Alba Flores, la estupenda actriz de la ‘Casa de Papel’ nos muestra su lado más vulnerable, en la búsqueda para lograr conocer bien a su padre y de historias por las que nunca a preguntado por no sufrir y hacer sufrir a los suyos. Al final, ‘Flores para Antonio’ es también un paso para que esta mujer recupere su voz, voz que dejó de sonar al morir su padre, pues era con el único con el que cantaba. Y vamos viendo como poco a poco se convierte en la búsqueda de respuestas a preguntas que nunca quiso realizar.
ElenaMolina e IsakiLacuesta logran un documental muy completo, conocemos a un montón de amigos, que nos van contando los momentos más complicados del artista y como de verdad quería salir de todo eso, pero le era muy difícil poder escapar. Pero sobre todo vemos, todo el amor que estos amigos recibieron de él y cuanto le querían.
Junto a la familia Flores encontramos a Joaquín Sabina, Ariel Roth, Juan Díaz Ojeda “Juanito el Golosina”, Silvia PérezCruz, MarianneNilsen o Carlos Narea, entre muchos otros, que han decidido acompañar para contar las luces y sombras de Antonio.
¿Qué es lo que más me ha gustado? Descubrir a un hombre que además de ser un gran cantante y compositor, se dedicó al cine y también dibujaba. Su parte vulnerable y a la vez su fortaleza que le hacía una y otra vez intentar salir de sus recaídas. Me encanta como se juega con sus dibujos y como los animan para presentarnos diferentes etapas de su vida, todo ello junto con sus canciones y así contarnos su historia a través de todo su arte.
No os puedo negar que salí encantada del documental y que al final las palabras no pueden contar todo lo que sentí al verlo. Es emocionante y muy triste, a la vez, nos muestra la vida tal cual, con sus alegrías, el amor hacia la familia y también el dolor. No os lo perdáis.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de noviembre de 2025. Título original: Flores para Antonio. Duración:País: España. Dirección: Elena Molina e Isaki Lacuesta. Guion: Elena Molina e Isaki Lacuesta. Música: Alba Flores y Silvia Pérez Cruz. Fotografía: Juana Jiménez AEC. Reparto principal: Alba Flores, Ana Villa, Rosario Flores, Lolita Flores, Nüll García, Elena Furiase, Guillermo Furiase, Antonio Villa, Mariola Orellana, Antonio Carmona, Ariel Roth, Joaquín Sabina, Juan Díaz Ojeda “Juanito el Golosina”, Silvia Pérez Cruz, Marianne Nilsen, Eduardo Lago “Chirro”, Carlos Narea, Fernando Illán, Javier Catalá, Erik Franklin, Tato Icasto, Tomasito, Fernando Soto, Mara Rey. Producción: Flower Power Producciones, LACOproductora, Caballo Films, Flores Para Antonio La película AIE, Movistar Plus+. Distribución: A Contracorriente Films, Movistar Plus+. Género: Documental, biografía. Web oficial:https://caballofilms.com/producciones/flores-para-antonio/
‘Arrebato’ es hoy la gran película de culto del cine español e Iván Zulueta, su director, un cineasta maldito. La película que anticipó el final de la movida, una cinta oscura y cruda cuya historia e intrahistoria están íntimamente conectadas. Arrebato sirve como premonición de la vida del propio cineasta. Al igual que sus protagonistas, Zulueta acabará arrebatado por las drogas y el cine y, como ellos, también desapareciendo.
Crítica
Un gran trabajo de investigación y restauración
En Sitges tuvimos la oportunidad de ver ‘El último arrebato’, un documental en el que los autores se adentran de lleno en la película de IvánZulueta, ‘Arrebato’. Y nos dan un poco de contexto para la desaparición de éste de la vida pública y de como la película se convirtió en una cinta de culto.
No he visto ‘Arrebato’, quitando todas las imágenes que nos muestran en esta película y sin duda uno de los objetivos de este documental es que tengas ganas de ver la cinta. En esta cinta, MartaMedina y Enrique LópezLavigne, van buscando información acerca del autor y de la película. Con ello vemos escenas de la película y escenas actuales, donde vemos el Madrid de la Movida, ya en declive. Ese Madrid de Zulueta que nos muestra con bastante nostalgia, como antes su mundo había tenido días mejores y también de un nuevo Madrid que va resurgiendo mientras Zulueta se va diluyendo cada vez más en esas obsesiones y encerrándose en sí mismo.
La película se estrenó un 9 de junio de 1980 en el Cine Azul. Después de esto IvánZulueta termina recluido en la casa de su madre en San Sebastián. Nunca más volvió a rodar nada. En el documental encontramos diferentes entrevistas con sus más allegados y también un montón de material inéditos. Imágenes de Super 8, pequeños retales de una vida restaurados por la FilmotecaEspañola. Un gran trabajo de documentación que nos van mostrando esta decadencia del director y de la propia Movida madrileña. Sin duda es un gusto ver imágenes de un Madrid tan cambiante, vemos las imágenes del pasado junto con las del presente. Los protagonistas de la cinta van pasando por los mismos lugares que Zulueta pasó mientras nos cuentan su historia.
Y es que, sin duda, lo que más me ha gustado de este documental ha sido conocer la figura de Iván Zulueta e indagar más en su trabajo. Para mí descubrir todo el trabajo que tiene de carteles de cine me ha fascinado, carteles que hemos visto mil veces, pero que sinceramente no conocía quien era el autor. Películas como ‘Asignatura pendiente’ de JoséLuisGarci, ‘Viridiana’ de LuisBuñuel o ‘Laberinto de Pasiones’ de PedroAlmodóvar llevan su sello. Si pincháis aquí, podréis ver parte de su trabajo que es inmenso.
Sin duda MartaMedina y Enrique López Lavigne, han logrado un gran trabajo de investigación y además logran que Iván Zulueta quede bien reflejado en el documental. Como he comentado, consiguen que tengas interés más allá de lo visto en la cinta y quieras conocer más sobre el trabajo de este hombre malogrado por una época llena de excesos. Como todo, no es perfecto, pero si que brilla más por sus luces que por sus sombras y ya solo por todo el trabajo que lleva por detrás, toda la gente que han logrado reunir y poder contemplar tanto material inédito, ‘El último arrebato’ es un documental que bien merece un buen visionado.
Ficha de la película
Estreno en España: Próximamente. Título original: El último arrebato. Duración: 108 min. País: España. Dirección: Marta Medina, Enrique López Lavigne. Guion: Marta Medina, Jaime Chávarri. Música: José Ignacio Arrufat. Fotografía: Álvaro Gómez Pidal. Reparto principal: Iván Zulueta, Jaime Chávarri, Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Marta Fernandez Muro, Carlos Heredero, Virginia Montenegro, Carlos Astiarraga, Enrique López Lavigne, Marta Medina. Producción: Apaches Entertainment, 39 Escalones. Distribución:Género: Biografía. Web oficial:https://x.com/39escalonescine?lang=es
Cumberbach recibe el Premio Máquina del Tiempo con una inconmensurable ovación
Emocionante el día de hoy es decir poco. Al margen de películas que hemos visto durante la jornada, cuyas mi-críticas tenéis en los párrafos tras la galería de fotos, hemos estado en compañía de gran talento francés y británico. Para empezar hemos acudido a la rueda de prensa sobre ‘El hombre menguante’, la nueva película que adapta la novela clásica. Para continuar hemos estado con un mítico actor francés como Dominique Pinon, presente en series actuales como ‘Outlander’ o ‘The walking dead’ y en clásicos como ‘Alien 4’ o ‘Amelie’. Y por último la gran estrella mediática del día Benedict Cumberbach acompañado del director de ‘Esa cosa con alas’.
En la presentación de ‘El hombre menguante’ contamos con su protagonista Jean Dujardin, su director Jan Kounen y su productor Alain Goldman. Todos remarcaron que esta película no es un remake de la película de Jack Arnold, sino una nueva adaptación de la novela de Richard Matheson. Pese a los avances de la época está hecha con efectos prácticos. Dujardin ha dicho al respecto que «le fue poco cómodo estar solo sin replicas de otros actores. Tuve que ser paciente y obedecer mucho. Nunca hubo araña o pelota de tenis como referencia, no diré que tenía para guiarme. Únicamente que la araña representa simbólicamente para mi los miedos, la angustia, las dificultades de la vida Pero en el rodaje no conté con nada de eso. Por su parte Kounen contó como contaron con la tecnología para rodar diferentes escalas del mismo espacio, pero todo desde lo práctico: «hemos hecho una película a la antigua, haciendo homenaje a Jack Arnold (soy gran fan de su obra) conectando con sus retos». Las referencias que el director tomó para inspirarse fueron «El naufrago o El planeta de los simios. Y la idea con el sonido era recordar que todo es muy grande, no él muy pequeño. Alexandre Desplat es un compositor al que le gusta proponer, íbamos en sintonía con el hilo que me presentó, intentando encajar con algo como los cuentos de Hans Christian Andersen» finalizó para transmitirnos cómo de sensorial es el filme.
Con Dominique Pinon revivimos películas míticas. En Sitges 2025 se proyectará ‘Delicatessen’ en 4k a si es que era ineludible tratarla en el encuentro que tuvimos con ellos: «fue una película diferente, loca. Y es que está llena de personajes locos. Fue la primera película para mucha gente, actores y técnicos. El sentimiento era el de estar en un rodaje especial. Desde el guion. Fue el primer proyecto que vi que contaba con storyboard». Sobre ‘Alien resurrection’: recibí la llamada de Jean-Pierre Jeunet, es lo primero que recuerdo siempre. Estaba por entonces en Francia en una obra de teatro. Me comentó que tenía algo para mí desde Hollywood, para Alien. Ok, muy bien. Con Sigourney Weaver. ¡¿Como?! Muy bien. Nunca pensé que un francés pudiese formar parte de una producción de ese tipo. Nunca imagine que pudiese ser yo». Y por supuesto le preguntamos por su participación en el live action de Mortadelo y Filemón: «fue divertido. fue difícil para mi por las frases en español y un trabalenguas que tenía que decir en catalán. Fesser me decía, que hablase más rápido siempre. Fesser es muy simpático y muy español. Había mucha gente amateur como Benito Pocino, que era un cartero de un pueblo catalán. Eso sumado a mis problemas de idioma… Fue muy divertido».
Benedict Cumberbatch y Dylan Southern protagonizaron el momento más multitudinario de la jornada. Vienen a presentar ‘Esa cosa con alas’, una adaptación de la novela de Max Porter sobre el duelo y el desconsuelo. Una obra que el director había leído hacía ya diez años y para cuya criatura realizada con prostéticos contó hasta cuatro artistas. El actor, que hace en el filme un gran trabajo de introspección ha señalado que «El duelo es una experiencia que forma parte de la naturaleza del ser humano. Y es importante poder hablar abiertamente de ello». La mayor ovación llegó cuando Cumberbatch finalizó su discurso sobre el arte declarando que «se trata de intentar hacer buen arte, no importa donde sea. Ya sea una obra de bajo presupuesto, ya sea algo de Hollywood». Poco antes de este encuentro el actor recibió el Premi Màquina del Temps. Pronto tendréis todo el encuentro subido en nuestro canal de Youtube.
‘Death of a Unicorn’
Un padre y una hija atropellan a un unicornio salvaje en su camino hacia una importante reunión con el jefe de una empresa farmacéutica. Lo que parecía un fin de semana de negocios se convierte en algo mucho peor.
‘Death of a unicorn’ no desfasa, pero sí que tiene las suficientes muertes macabras para divertir. Es como si fuese una película infantil pero que se les va de las manos. Lo digo, por la manera en la que está contada la cinta. Tenemos personajes un tanto tontos intentando cazar unicornios y realmente es como un pequeño cuento.
La película, como digo, es entretenida sin más, pero merece la pena su visionado ya solo por el diseño que tienen estas criaturas. El CGI, quizás a veces deja un poquito que desear. Supongo que esa es la razón para llevarla directamente a plataformas y no estrenarla en cines.
La ópera prima de Alex Scharfman es un divertimento simple con unas cuantas dosis de salvajes muertes que logra una mezcla un tanto peculiar.
Un documental que transita entre el documental real y el cine fantástico, haciendo que los directores de esta película se vean incluidos dentro de la propia trama de la cinta.
Es extraña y bastante curiosa, tiene sus altibajos y creo que es porque al final lo han alargado en exceso, pero no quita que sea un documental muy interesante. Además, podéis conocer ‘Arrebato’ y ver como estaba tan en paralelo con su propia realidad.
No conocía la figura de Iván Zulueta y una de las grandes cosas que hace ‘El último arrebato’ es devolvernos a este artista a la vida y lograr que veamos partes de ‘Arrebato’, su última película que se estreno en el cine Azul de Madrid el 9 de junio de 1980. Una cinta que sigue siendo uno de los grandes enigmas del cine español.
Marta Medina y Enrique López Lavigne son los encargados de dirigir este curioso documental y como digo, nos han devuelto a esta figura tan desconocida para muchos. Para mí conocer a uno de los grandes diseñadores de carteles del cine español ha sido una de las mejores cosas de ‘El último arrebato’. Los carteles de películas como ‘El Verdugo’, ‘Viridiana’, ‘Asignatura pendiente’ o ‘Matador’, salieron de su cabeza y sin duda es algo increíble.
Desde su arranque con una escena de body horror, ‘The Surrender’ de Julia Max marca el tono de una propuesta inquietante y visceral. Pronto queda claro que no se trata solo de terror físico, sino de un relato donde rituales, creencias y hechicería desafían tanto la ciencia como la cordura. Kate Burton interpreta a una madre que se aferra a prácticas homeopáticas y vudú para retrasar lo inevitable, mientras Colby Minifie encarna a una hija atrapada entre la lógica médica y la herencia de un mundo ancestral. El título juega con varios niveles: la resistencia filial, la negación materna ante la muerte y un giro que no puede desvelarse. Con ecos de Relic, la película combina drama familiar y terror metafísico, explorando el miedo a rendirse cuando un ser querido se transforma o desaparece. Julia Max firma un debut irregular pero poderoso, cargado de tensión y atmósfera malsana.
‘Together’, debut de Michael Shanks, se adentra en el body horror para explorar las relaciones de pareja desde lo grotesco y lo íntimo. La historia sigue a Millie (Alison Brie) y Tim (Dave Franco), una pareja desgastada cuya mudanza al campo deriva en un proceso insólito: sus cuerpos empiezan a fusionarse. Lo que podría ser simple efecto visual se convierte en metáfora del miedo al compromiso, la pérdida de individualidad y el deseo de pertenecer por completo al otro. Shanks combina horror y ternura, incomodidad y lirismo, en un relato que recuerda que el amor puede ser refugio o prisión. Con un desenlace perturbador y abierto a múltiples lecturas, la película confirma el buen momento del género y supone un arriesgado y prometedor debut.
Nos vamos de campamento, donde chavales adolescentes pasan parte del verano. Todo esto puede ser maravilloso, pero también un infierno para ciertas personas que puedan sufrir algún caso de bullying. ‘La plaga’ es eso, esa manera de contagiarte y terminar siendo marginado por la sociedad. En este caso, esa sociedad son adolescentes a los que nadie guía y actúan como animales.
Lo de guiar, es que es tremendo como los monitores, profesores, pasan totalmente de todo, no se dan cuenta de nada. Y claro, esto es al final, bastante real y nos hace darnos cuenta de lo desprotegido que están muchas veces estos niños y que no tienen ciertas herramientas para salir de esto ellos solos. La película es muy buena, realmente me ha dejado un poco fría, porque me esperaba algún elemento fantástico, pero una vez ya sabiendo lo que he visto, admito que me ha gustado bastante y los chavales están de 10.
Ópera prima de Ratchapoom Boonbunchachoke, es una fábula fantástica sobre el duelo, la memoria y el olvido. Tras morir por una enfermedad causada por la contaminación, Nat regresa como espíritu en una aspiradora, obligando a su marido a convivir con el pasado de forma literal. La propuesta, de tono absurdo y poético, recuerda por momentos al humor surrealista de José Luis Cuerda o Quentin Dupieux, jugando con la delgada línea entre la risa y la melancolía.
Boonbunchachoke crea un universo en el que los objetos conservan emociones y los fantasmas representan tanto pérdidas personales como olvidos sociales. Sin embargo, la película peca de olvidarse de su propia vis cómica en su tramo central, volviéndose más contemplativa que divertida. Aun así, su originalidad visual y su delicado equilibrio entre lo íntimo y lo político la convierten en una de las propuestas más sugerentes del cine tailandés reciente.
En 1957 ya se hizo una versión de la novela de Richard Mathenson y tengo que decir que me parece maravillosa, tiene mucho ritmo y unos grandes efectos. Desde Francia, nos llega una nueva versión de la novela y al igual que la anterior, me ha gustado, de manera diferente, pero creo que es una gran adaptación.
La cinta nos cuenta como un hombre normal comienza a encoger después de un suceso extraño pero nada llamativo en el cielo. Día a día ve como su ropa le queda grande y como su mujer se va convirtiendo en una persona más alta. Con una premisa muy sencilla, la película nos trae una historia llena de filosofía y con un gran mensaje.
Si que es cierto que esta adaptación no tiene mucho ritmo, es una película pausada, pero creo que le viene de perlas con la novela de Mathenson, con su escritura que parece poesía y sus frases que dan tanto para pensar. Además el tema de efectos especiales está de maravilla, la mayoría de ellos son prácticos. Y por supuesto Jean Dujardin está muy bien, la película recae sobre sus hombros y lo aguanta con soltura.
‘Luger’, ópera prima en la dirección para Bruno Martín (productor de ‘Os Reviento’), es un thriller de acción puro y duro, inspirado en los buddy movies de los ochenta y las películas de directores como Tarantino o Guy Ritchie. En un único día, dos buscavidas, el astuto Rafa (David Sanz) y el fornido Toni (Mario Mayo), se ven envueltos en una misión que escala rápidamente en violencia cuando descubren una reliquia de la Segunda Guerra Mundial en un coche robado. La película transcurre únicamente en un polígono industrial, lo que ofrece variedad escénica pese a los límites del espacio, y cada golpe duele, cada herida deja huella que no se cura al instante como sucede con la mayoría de personajes de acción hollywoodienses.
Aquí no hay un personaje bondadoso, todo es calaña. La relación de amor-odio entre los dos protagonistas aporta calor humano, chistes constantes con referencias y ese descaro callejero que sorprende. Luger no evade la crudeza ni la convicción del género: los personajes están manchados de violencia, pero no de indiferencia. No es solo adrenalina, sino también lealtad, traición y redención. Una nueva pieza que consolida al cine de acción en España como algo más que fuegos artificiales: con pulso, corazón y puñetazos.
Me ha tenido intrigada y a la vez aburrida. Una cinta un tanto repetitiva y que la verdad hace que pierdas bastante el hilo. En la cinta encontramos un antiguo espía jubilado que comienza a sentir curiosidad por la mujer que está en la habitación de al lado.
Antes de seguir, admito que tengo un problema con el cine italiano y me cuesta entrar bastante, no se el por qué, pero me pasa a menudo. Siguiendo con esto, la película es bastante interesante, tira de varios recursos y otra cosa no, no para, tiene un ritmo vertiginoso. Que como he dicho, en mi caso, ha hecho perderme. No quiere decir que ‘Reflection in a dead Diamond’ sea mala ni mucho menos, simplemente no es mi tipo de cine. Como virtudes, su fotografía, es increíble, tiene unos decorados super cuidados y nada está puesto gratuitamente.
‘It Ends’, dirigida por Alex Ullom, es una de esas películas que, bajo la apariencia de un coming of age clásico, esconde una mirada más profunda sobre el tránsito a la madurez. Un grupo de jóvenes viaja por una carretera que parece no tener fin, símbolo de una generación que busca sentido en un mundo que se repite y se desgasta. Teniendo cerca el estreno de ‘La larga marcha’ recordará a muchos a historias de Stephen King. Lo sorprendente es que Ullom y su equipo, con apenas experiencia profesional y un presupuesto obtenido en partidas de póker online, logran una obra coherente, sensible y visualmente envolvente. Su tono contemplativo, su ritmo pausado y su sinceridad emocional le otorgan un peso inusual dentro del cine independiente reciente. ‘It Ends’ habla de lo que se pierde al crecer y de lo poco que entendemos sobre nosotros mismos mientras seguimos conduciendo hacia la nada. Un debut que, por madurez y ambición, merece ser escuchado.
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