Qué ganas tenía de poder hablaros de la segunda temporada de ‘Avatar: La leyenda de Aang’. Y es que como fan de la serie de animación, admito que estoy disfrutando como una enana este nuevo live action que llega a Netflix este 25 de junio de 2026.
Ya os comenté en su día que la primera temporada era una maravilla para los fans y sin duda un gran descubrimiento para los nuevos espectadores. Y sigo con la misma opinión y es que sin duda se nota mucho el cariño con el que tratan esta historia.
Nuevos compañeros de viaje y mucha más acción
Después de una pequeña batalla ganada, seguimos a Aang, Katara y Sokka camino hacia Ba Sing Se, hogar del Rey de la Tierra. En su viaje se encuentran a Toph, una joven invidente maestra de Tierra que se va a convertir en la maestra de nuestro héroe. Juntos tendrán que lidiar para que la Nación del Fuego no llegue a las imponentes murallas de la Ba Sing Se.
Admito que toda esta parte en la serie de animación me encanta y han logrado condensarla muy bien y contar todo con bastante detalle. Como siempre, está adaptado y hay algún detalle que se escapa, pero para puristas de la serie de animación. Me ha parecido una temporada bastante buena, llena de acción, con muchos conflictos entre los personajes que solo la amistad logrará calma.
Al final, ‘Avatar: La leyenda de Aang’, trata también el tema de la amistad, de como el Avatar, además de intentar salvar el mundo, debe darse cuenta de lo importante que no es hacerlo solo. De que los compañeros que le acompañan son de gran importancia y que todas las personas que aparecen durante este viaje son importantes para aprender. Ya sean cosas buenas o malas, pero el aprendizaje es importantísimo para lograr su objetivo.
Un casting perfecto para una adaptación impecable
Sin duda, el casting es tremendamente bueno. Gordon Cormier, el encargado de dar vida a Aang, ha crecido, pero esto podría ser un error en otro tipo de historias, pero aquí sabemos que está pasando el tiempo. Los viajes no se hacen en 4 días, pese a que vayan montados en Appa.
Kiawenttio, Ian Ousley, Dallas Liu y Paul Sun-Hyung Lee, Katara, Sokka, Zuko y El tío Iroh, respectivamente, van evolucionando, también crecen, pero no de manera física, sino psíquica. Cada uno va viendo que camino escoger y como quiere seguirlo.
Miyako, es la encargada de dar vida a Toph Beifong, un personaje que me encanta. Sin duda es de mis favoritas. Y la actriz logra adentrarse en el alma del personaje y hacerlo suyo. Me gusta mucho, además es de los mejores caracterizados, con ese peinado tan complejo que tiene el personaje. Y su personalidad arrolladora, la clava desde el minuto uno.
Quizás, al menos en mi opinión, el fallo de casting o más bien, a la hora de darle vida, es el casting de Azula. No creo que la actriz (Elizabeth Yu) sea mala, si no más bien, creo que es la dirección de este personaje. Lo dicho, siendo fan de la serie, creo que Azula debería estar un poco más loca, aquí la veo menos perturbada de lo habitual. Se que es en la siguiente temporada donde ya todo se magnifíca, pero aun así, creo que la evolución debería de comenzarse a ver en esta. Pero, quizás haya que esperar un poquito más para verla en todo su esplendor.
Un conjunto de buen trabajo en todos los ámbitos
Y con esto me refiero a que la producción de la serie es fascinante. Uno de sus puntos fuertes es el CGI que me parece algo digno de mencionar. La escena de la serpiente marina es increíble y por supuesto las luchas entre todos ellos, con los diferentes elementos están muy bien trabajadas.
Y ya no solo a este nivel técnico, sino también todo el conjunto de maquillaje, vestuario, localizaciones, están tan estudiadas y nos lleva directamente a los escenarios de la serie de animación.
Conclusiones
Estoy deseando que llegue el desenlace de la serie, no porque quiero que termine, todo lo contrario, pero si que me encantaría que después de esto, se metan en la serie de ‘La leyenda de Korra’ y poder seguir con este mundo que tanto me gusta. ‘Avatar. La leyenda de Aang’ me parece una gran adaptación, una gran nueva serie para quien no conoce la serie de animación y todo su conjunto me parece perfecto. La tercera temporada sin duda va a ser apoteósica y solo puedo recomendaros la serie de animación y por supuesto ‘La leyenda de Korra’.
Adapta con acierto el cómic de Tom King, aunque pierde parte de su magia
Después del nuevo Superman, el universo DC vuelve a apostar por una adaptación sorprendentemente fiel a las viñetas. ‘Supergirl’, dirigida por Craig Gillespie, toma como base el extraordinario cómic ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ de Tom King y Bilquis Evely y, aunque introduce modificaciones importantes, mantiene intacto aquello que convertía a aquella obra en algo especial: una mezcla de space ópera, relato de iniciación, tragedia y western de venganza con ecos de ‘Valor de ley’.
Lo primero que llama la atención es que la película no pierde tiempo. Apenas cinco minutos bastan para poner en marcha la historia antes de lanzarnos de lleno a la aventura. Los flashbacks llegarán después para completar el retrato emocional de Kara Zor-El, pero la narración tiene una vocación claramente directa y eficaz.
Además, esta no es la Supergirl que muchos espectadores recuerdan de la versión de 1984 protagonizada por Helen Slater. Aquí nos encontramos con una kryptoniana mucho más cercana al espíritu del Hancock de Will Smith. La veréis orinando, sufriendo resacas, sangrando y repitiendo errores. Es una heroína que conserva una sólida brújula moral, pero que está lejos de la imagen tradicionalmente angelical e inocente. La explicación tiene sentido dentro del propio universo DC. Kara vivió experiencias traumáticas que Superman jamás tuvo que soportar, observando la destrucción de todo lo que conocía antes de llegar a la Tierra. Esa carga emocional impregna las decisiones del filme y ayuda a justificar un carácter áspero, irreverente y profundamente cansado del mundo.
Entre la fidelidad al cómic y unas concesiones discutibles
La mayor satisfacción para cualquier lector de la obra original es comprobar que la trama principal sigue siendo esencialmente la misma. Ruthye continúa siendo el corazón emocional del relato y la persecución de Krem mantiene esa estructura itinerante que convierte la historia en un viaje físico y moral.
Sin embargo, también es donde aparecen las principales diferencias. La primera tiene que ver con los planetas que visitan las protagonistas. En el cómic, cada parada aportaba personalidad propia, imaginación visual y un nuevo matiz a la relación entre ambas. Era un despliegue constante de creatividad que por otro lado hacía crecer la tensión dramática. La película conserva parte de esa esencia, pero reduce considerablemente la riqueza y variedad de aquellos escenarios. Por otro lado el tratamiento estético ha cambiado notablemente y donde antes había tintes medievales e incluso un caballo ahora hay naves espaciales por doquier y una gran cantidad de extraterrestres feos.
La segunda modificación afecta al desenlace. Sin entrar en spoilers, funcionaba mejor el golpe final del cómic. Allí resultaba perfectamente calculado, mucho más emotivo y en la línea de la personalidad de las protagonistas. El largometraje mantiene de soslayo la intención pero al disponer de un epílogo tan corto como su prólogo se ha suprimido aquello que Tom King ideó para la conclusión.
También encontramos como novedad la incorporación de Lobo, una presencia inexistente en la obra de King y Evely. Sobre el papel podría parecer una concesión comercial y así es, pero además su integración resulta razonablemente natural siendo como es un cazarrecompensas y además sirve para aportar energía en momentos concretos.
Las peleas que son más palizas que peleas
Otro aspecto que seguramente volverá a dividir al público es algo que ya ocurrió con ‘Superman’: Kara recibe una cantidad considerable de palizas. Hay espectadores que siguen esperando personajes prácticamente invulnerables y eso lo tendrán en ‘Supergirl’. Pero va precedido de derrotas que lejos de estar injustificadas tienen una razón narrativa. Ningún golpe es gratuito. Cada vez que Kara muerde el polvo existe una justificación dramática o estratégica detrás. La película entiende perfectamente que la invencibilidad es una herramienta narrativa mucho menos interesante que la vulnerabilidad y que además, como habéis visto en el tráiler, esta puede ser voluntaria.
Milly Alcock sostiene una película disfrutable
Aunque a que a muchos les pese Milly Alcock encarna bien la Supergirl en la que se basa. La actriz ha captado la esencia del personaje creado por King y Evely, pero además incorpora elementos que parecen heredados directamente de ‘Yo, Tonya’, probablemente la obra más conocida de Craig Gillespie. Su Kara es descarada, grosera, impulsiva y sarcástica, pero también profundamente empática cuando la situación lo requiere. Sin llegar a serlo del todo hay momentos en el que roza la esencia del antihéroe.
Ese equilibrio entre drama y acción sostiene buena parte del metraje, sin abusar de la comedia y sin hacer colindar el filme con ‘Guardianes de la Galaxia’. Alcock funciona especialmente bien cuando la película explora el peso del legado kryptoniano y las heridas emocionales que arrastra la protagonista. Alcock consigue que la dureza exterior nunca oculte completamente la fragilidad interior.
Sin olvidar a James Gunn
Ya no es que David Corenswet esté presente, es que también lo están los momentos musicales tan característicos del universo de Gunn. Esta película es un híbrido de directores como ya se auguraba. Pero esos instantes de acción y música popular no siempre terminan de encajar. De hecho, curiosamente, es cuando aparece Jason Momoa como Lobo cuando mejor funcionan. Y no es casualidad.
Momoa expresó durante años públicamente su deseo de encarnarlo y resulta inevitable pensar que quizá este era el papel que debía haber interpretado desde el principio en DC, incluso con Zack Snyder. Su participación es más extensa de lo que muchos lectores del cómic podían esperar y aunque su función dentro de la trama principal es anecdótica, cada aparición aporta carisma, humor y una inyección de energía muy necesaria. En más de una ocasión consigue levantar secuencias enteras simplemente con su presencia.
Ficha de ‘Supergirl’
Estreno en España: 26 de junio de 2026. Título original: Supergirl. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Craig Gillespie. Guion: Oren Uziel, Ana Nogueira. Música: Claudia Sarne. Fotografía: Rob Hardy. Reparto principal: Milly Alcock, Eve Ridley, Matthias Schoenaerts, David Corenswet. Producción: DC Studios, The Safran Company, Troll Court Entertainment. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial.
Terror y comedia se unen para darnos una de las mejores películas del año
Los Simpson siempre han logrado grandes cosas y sin duda lograr influir en la cultura actual es una de ellas. Y os cuento todo esto, porque ‘Obsesión’ viene de una de las historias de ‘La casa-arbol del terror II’, capítulo en el que Homer consigue una mano de mono que cumple deseos.
Aquí no tenemos mano de mono, tenemos otro objeto que hará que el deseo de nuestro protagonista se haga real y consiga sus sueños, o no.
Una premisa ya muy machacada y aun así logra sorprender
Sin duda es lo bueno de ‘Obsession’, que, aunque sepamos de sobra que los deseos nunca hay que pedirlos a la ligera, se sigue haciendo. Y aun así sabemos que no va a salir bien. Bear desencadena un hechizo hacia Nikki, su amor platónico y esta se convertirá en su sombra.
Una historia contada mil veces, una historia donde el amor puede llegar a ser terrorífico si no se controla y sobre todo si llega a convertirse en algo demasiado controlador.
Me gusta como Curry Barker cuenta esta historia, una historia en la que los humanos hacen cosas de humanos sin mirar las consecuencias. Pero no juzga, deja al espectador que juzgue y tenga su propio debate al salir de la sala de cine. Aunque sepamos de sobra quien es el verdadero villano de la película, aun así, nos planta cuatro personajes nada agradables para que tampoco les cojas demasiado cariño a ninguno.
De Youtube a las grandes salas
Curry Barker, es un comediante famoso por sus sketches en su canal de youtube (That’s a bad idea) que ha pasado a convertirse en una de las revelaciones del cine de terror con ‘Obsesión’. Aunque ya antes había creado ‘Milk & Serial’ que lanzó gratuitamente en Youtube. Con ‘Obsession’ logra crear una atmósfera terrorífica pero no se olvida del humor que le caracteriza. Y eso es muy difícil de mantener y lo consigue de manera fluida y sin llegar al ridículo.
Todo ello es gracias al buen guion, que también llega de su mano y por supuesto a los actores que logran mantener la entereza desde el minuto uno. Michael Johnston, es Bear un chico débil, bastante sentimental y también retraído, el cual va evolucionando y desquiciándose según avanza la cinta.
Inde Navarrete, es la encargada de dar vida a Nikky, nos muestra una chica con bastante carácter que en segundos cambia y crea una verdadera pesadilla para todos los que están cerca. Sin duda, estamos ante uno de los grandes papeles del año y es que la actriz está increíble.
Cooper Tomlinson y Megan Lawless, son los otros dos miembros de la pandilla y consiguen mantener esa realidad viendo todo lo que está ocurriéndoles a sus amigos.
Diseño y fotografía vintage
Taylor Clemons es el encargado de la fotografía y es magnífico el trabajo que realiza. Trabajar con tantas sombras, los contraluces que hace dan bastante mal royo y los utilizan bastante bien. Es una película que no utiliza grandes sustos y logra crear malas sensaciones muchas veces gracias a las sombras creadas por Taylor Clemons.
Otro de los puntos fuertes de la película es el diseño de producción, lleno de detalles. La película está ambientada en la actualidad, pero todo lo que tenemos alrededor es bastante vintage, desde la casa donde vive Bear. La antigua casa de su abuela que ni siquiera ha perdido el tiempo en vaciarla o ponerla a su gusto. Algo que nos demuestra la dejadez de este chico hacia la vida. Todo está cuidado hasta el mínimo detalle para que veamos como son nuestros protagonistas y como parecen anclados a un lugar en el que no quieren estar.
Conclusiones
‘Obsesión’ es de estas películas que hay que ver en el cine con gente, disfrutarla, reírte, asustarte y luego debatirla. Porque como he comentado, Curry Barker quiere crear debate y que se hable de la película. Y de momento, solo puedo decir que lo ha conseguido, viendo el gran éxito que ha tenido ‘Obsession’.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de junio de 2026. Título original: Obsession. Duración: 100 min. País: Estados Unidos. Dirección: Curry Barker. Guion: Curry Barker. Música: Rock Burwell. Fotografía: Taylor Clemons. Reparto principal: Michael Johnston, Inde Navarrete, Cooper Tomlinson, Megan Lawless, Andy Richter, Darin Toonder, Chloe Breen. Producción: Capstone Studios, Tea Shop & Film Company, Under the Shell. Distribución: Universal Pictures. Género: Terror, romance. Web oficial.
Backrooms es el triunfo de una generación colectivamente creativa
Durante años, Hollywood ha intentado capturar fenómenos nacidos en internet con resultados desiguales. Algunos se quedaron en curiosidades pasajeras y otros demostraron que detrás de ciertos fenómenos virales existía un imaginario colectivo capaz de trascender la pantalla del ordenador. Con ‘Backrooms’, el joven director Kane Parsons logra sacarle un partido de récord a lo que nació como un simple creepypastas que ni siquiera él comenzó.
El origen de los Backrooms es tan sencillo como fascinante. Todo comenzó con una fotografía publicada en 4Chan. Una imagen anodina de una tienda de muebles abandonada con paredes amarillentas y vacías. A esto le acompañó un usuario anónimo con una breve explicación inventada sobre un espacio infinito oculto tras la realidad. Aquellas reglas improvisadas hablaban de habitaciones interminables, luces fluorescentes y una sensación permanente de estar atrapado en un lugar que no debería existir. Las aportaciones de la comunidad de usuarios hicieron el resto, el lore creció y las Backrooms cobraron vida en el imaginario coelctivo.
Buena parte de la culpa de esa expansión la tuvo precisamente Kane Parsons. Mucho antes de que A24 apostara por él, sus vídeos de metraje encontrado inspirados en los Backrooms se habían convertido en un fenómeno viral. Ahora, con apenas veinte años, Parsons se convierte en el director más joven en estrenar una película bajo el sello de A24, un logro extraordinario que merece reconocimiento independientemente del resultado final de la obra.
Un laberinto entre ‘Exit 8’ y ‘La celda’
Lo de ‘Backrooms’ (como película) realmente no es algo nuevo. Su virtud radica en su capacidad para transmitir incomodidad. Parsons comprende qué funcionó en sus vídeos y aprovecha al máximo la sensación de aislamiento. Los personajes vagan por espacios interminables que parecen existir fuera del tiempo y de la lógica.
Resulta inevitable acordarse de ‘Exit 8’ teniendo tan cerca ese estreno. Ambas obras comparten personajes atrapados en lugares aparentemente infinitos, escenarios minimalistas, una sensación constante de repetición y la idea de un espacio que parece burlarse de las leyes de la realidad.
Sin embargo, la película también encuentra inesperados puntos de contacto con ‘La celda’, la obra de Tarsem Singh. No tanto por su estética, que es mucho más austera, sino por la dirección que toma su planteamiento psicológico. Lo que empieza como una exploración de un misterio abstracto termina convirtiéndose en una incursión por territorios mentales mucho más concretos. Y ahí aparece el principal problema del filme.
El gancho de los Backrooms residía en la ambigüedad. En el miedo a un lugar imposible que existía sin explicación. Parsons decide romper esa regla y ofrece una interpretación inédita del fenómeno. La película dedica una parte considerable de su metraje a desarrollar esa explicación, la intención es legítima, pero el resultado es discutible. Cuanto más explica la película, menos inquietante resulta.
Kane Parsons y el triunfo de una generación colectivamente creativa
Más allá de sus defectos, ‘Backrooms’ representa algo especialmente interesante dentro del panorama actual. Estamos ante una obra creada por alguien que pertenece exactamente al público al que se dirige. Kane Parsons no es un ejecutivo intentando interpretar tendencias juveniles. Es uno de los responsables directos de haberlas creado y consumido.
Por eso resulta tan significativo su éxito. Durante años se buscó repetir el impacto comercial que tuvo otro famoso creepypasta como Slenderman, pero los resultados nunca estuvieron a la altura del fenómeno original. En cambio, sí hemos visto cómo propuestas nacidas en internet o en las consolas lograban conectar con el público masivo, como ocurrió con ‘Five Nights at Freddy’s’ (recordemos que a día de hoy es la película de terror más taquillera de la historia en España).
‘Backrooms’ se suma a esa corriente. Y aunque algunos observadores tienden a asociar automáticamente juventud con superficialidad, la película demuestra que ambas cosas no tienen por qué ir unidas. Su rareza, su voluntad de incomodar y sus reflexiones están muy lejos de cualquier propuesta complaciente.
También resulta revelador observar quiénes han respaldado el proyecto. A24 detectó rápidamente el potencial de Parsons, pero no fue la única. Entre los productores figuran nombres tan representativos del terror contemporáneo como JamesWan, ShawnLevy y OzPerkins. La presencia de Wan resulta especialmente significativa. Al fin y al cabo, él mismo construyó buena parte de su carrera a partir de una idea modesta que terminó convirtiéndose en un fenómeno multimillonario con ‘Saw’. Es por ello que en cierto modo, hay que ver ‘Backrooms’ ya que representa una radiografía del terror contemporáneo. Puede que sus respuestas no estén a la altura de sus preguntas o que ni quiera las hayamos pedido, pero incluso cuando se equivoca demuestra una personalidad poco común.
Ficha de ‘Backrooms’
Estreno en España: 5 de junio de 2026. Título original: Backrooms. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Kane Parsons. Guion: Will Soodik, Kane Parsons, William Bromell. Música: Kane Parsons, Edo Van Breemen. Fotografía: Jeremy Cox. Reparto principal: Chiwetel Ejiofor, Renate Reinsve, Mark Duplass, Finn Bennett, Lukita Maxwell. Producción: A24, 21 Laps Entertainment, Atomic Monster. Distribución: Elástica Films. Género:Web oficial.
Entre la nostalgia y la autoparodia, desde luego, con toda la épica
Durante años, ‘Masters del Universo’ ha sido uno de esos proyectos que parecía condenado a vivir en un limbo de batacazos consecutivos o cambio constante de mano. El filme actual llegó a desarrollarse bajo el título de ‘Grayskull’ con Joel Silver (‘Matrix’) como principal impulsor. Sin embargo, viendo el resultado final, cuesta imaginar una elección más acertada que la de TravisKnight para devolver la vida a Eternia.
El director ya había demostrado en ‘Bumblebee’ saber comprender los mecanismos emocionales que activan la nostalgia. Y por otro, tenemos claro que sabe cómo presentar esos mismos elementos a espectadores que jamás han tenido un muñeco de He-Man entre las manos. Aunque hay que reconocerlo, esta película está hecha principalmente para quienes conocían los muñecos de Mattel.
Su gran mérito consiste en entender que ‘Masters del Universo’, o los He-Man como siempre se ha dicho en España, nunca fue simplemente una serie de dibujos animados. Tampoco era únicamente una colección de juguetes que venían acompañados de un cómic. Era una mezcla imposible de fantasía medieval heroica, ciencia ficción espacial, portadas de discos de heavy metal, cómics de espada y brujería y musculatura hipertrofiada. Y funcionaba. La película abraza esa identidad desde el primer minuto. Es glam, es bizarra, es excesiva y, sobre todo, es consciente de ello. Lejos de intentar racionalizar el material original, lo celebra.
Un gigantesco ejercicio de fanservice que consigue funcionar
Lo más sorprendente de ‘Masters del Universo’ es que consigue algo que parecía imposible: hacer funcionales los juguetes. La reciente serie desarrollada por Kevin Smith ya había entendido que gran parte del atractivo de esta franquicia estaba en utilizar todos esos personajes imposibles que Mattel fue incorporando a la línea durante años. Travis Knight recoge esa misma filosofía y la lleva al terreno cinematográfico. E incluso copia algún que otro giro de guión de ‘Master del Universo: revelation’.
El resultado es una película poblada por decenas de figuras reconocibles para cualquier aficionado. Lo interesante es que no aparecen únicamente para provocar un aplauso cómplice. La enorme variedad de guerreros, criaturas y vehículos dota a la aventura de una versatilidad constante. Aquí reside una de las grandes diferencias respecto a otras adaptaciones nostálgicas recientes. La película no utiliza los personajes como decoración. Los convierte en herramientas narrativas.
Los guiños son más que continuos, una constante. Algunos resultan especialmente inspirados, como la aparición de una figura basada en el diseño primigenio de He-Man, aquel concepto visual claramente influido por Conan el Bárbaro antes de que la franquicia encontrara su identidad definitiva. También hay referencias destinadas a quienes todavía recuerdan la adaptación protagonizada por Dolph Lundgren, homenajes que aumentan la sensación de que esto no está pensado del todo para un público general, aunque si masivo pues el fandom de esta colección es grande.
Además, el filme se alimenta constantemente de la iconografía de la serie animada. Muchas secuencias aluden a la memoria colectiva de varias generaciones pues vamos rápidamente de los dibujos de Filmation a los memes más famosos. Es una estrategia arriesgada, todo un all-in por parte de Sony y Amazon, que probablemente funcione. Y esto será sobre todo porque la película parece entender algo que durante años muchos aficionados han hecho: recordar ‘Masters del Universo’ con cariño y también con cierta sorna.
El meme ya se burlaba de ello, la película lo convierte en su eje
Masters del Universo parte de una época en la que se diferenciaba abiertamente entre los juguetes aleccionadores que segregaban entre niños y niñas. En el caso de Mattel los He-Man eran para los niños y las Barbies para las niñas. No vamos a decir que esta sea una película woke, no me lo parece, pero si es consciente de aquello que se hacía erradamente en el pasado en cuanto a lo educativo (está claro que no en lo comercial) y es por ello que gran parte del humor gira alrededor de la masculinidad exagerada que definía a aquellos muñecos.
Esos cuerpos imposibles, aquellas poses heroicas, esa visión de la hombría propia de los años ochenta y aquellos nombres que llevaban consigo casi siempre una connotación varonil se convierte aquí en objeto de comentario constante. La película se ríe de ello mientras irónica y simultáneamente lo celebra. La obra funciona tanto para quienes veneraban aquellos juguetes como para quienes hoy son capaces de apreciar su lado más extravagante.
Galitzine y Leto en busca del tono correcto para los iconos de Eternia
Evidentemente, aunque todo es una nube de referencias y guiños, la atención está en NicholasGalitzine y Jared Leto. Físicamente el actor británico encaja con la imagen que muchos aficionados tienen del héroe de Eternia, pero donde realmente destaca es en aquellos momentos donde el guion le permite abrazar el lado más ingenuo y hasta ridículo del personaje. Sin embargo conviene recordar que la dinámica entre Adam y He-Man funcionaba de manera muy parecida a la existente entre Clark Kent y Superman. Aquí se cargan la transformación y la aptitud no muta tanto como el físico.
Jared Leto sorprende con un Skeletor mucho más eficaz de lo que muchos esperaban. El actor suele cargar con una fama poco agradecida dentro del cine comercial, siendo señalado con frecuencia como una especie de gafe o revienta proyectos. Sin embargo su voz dota a Skeletor de una presencia correcta. Lo más inteligente es por otro lado que la película evita convertirlo en un villano exclusivamente oscuro. Igual que sucedía en la serie animada, este Skeletor alterna momentos genuinamente intimidantes con situaciones absurdas y cómicas que respetan completamente la esencia original del personaje. Personalmente, sigo pensando que Mark Hamill habría sido de nuevo una elección ideal para interpretar al señor de la Montaña Serpiente, pero he quedado congratulado.
El problema del isekai, las prisas y qué pasa tras tantas concesiones
Si hay un elemento que me genera ciertas reservas es la decisión de apostar por una estructura claramente isekai. (término japonés define aquellas historias donde un personaje procedente de nuestro mundo termina inmerso en un universo fantástico). Es una fórmula trillada desde tiempos inmemoriales y la hemos visto en obras y películas como ‘La historia interminable’, ‘Súper Mario Bros’ o las recientes ‘Monster Hunter’ y ‘Minecraft’ e incluso la versión de ‘Masters del Universo’ que vimos en los 80. Bien es cierto que de este modo se da pie a muchos gags, pero también es cierto que esto ya lo hizo en su día Martin Lawrence con ‘El caballero negro’. Esto también me lleva a recordar otras adaptaciones como ‘Flash Gordon’ pero en ese sentido se transmite una energía positiva, puesto que también está presente el guitarrista de Queen, Brian May y la película tiene un temazo suyo, el cual, suena quizá con demasiada frecuencia.
No todo es perfecto. Existen algunos problemas de continuidad evidentes. Determinados detalles rompen el racord y ciertos personajes aparecen y desaparecen de ciertas escenas tratando de agilizar la trama. La reconexión entre Adam y sus amigos de Eternia, por ejemplo, carece de explicación alguna. El caso más evidente es probablemente el que se observa con el personaje de Beast Man, cuyo tamaño parece variar de una escena a otra sin demasiada explicación.
Las dos escenas extra (una durante los créditos y otra al finalizar completamente la proyección) no solo funcionan como recompensa para los espectadores más pacientes. También representan una declaración de intenciones bastante transparente. Una de ellas es una sorpresa de la que se ha estado hablando y la otra casi que se percibe evidente.
‘Masters del Universo’ es puro fanservice. Un fanservice ejecutado sin complejos, sin pedir disculpas y apostándolo absolutamente todo a la nostalgia. Aunque quedan muchos personajes y tramas por explotar de los cómics originales parece que se ha llegado a un punto del que es difícil partir para progresar con la franquicia manteniendo la fidelidad. No obstante, contra todo pronóstico, deja la sensación de que se ha conseguido el equilibrio entre construir una aventura entretenida, imaginativa y sorprendentemente consciente de sí misma. Travis Knight entiende que el mejor modo de adaptar He-Man no era modernizarlo ni avergonzarse de él, sino aceptar toda su extravagancia y convertirla en virtud. Y ahí reside precisamente el poder de Grayskull.
Ficha de ‘He-Man y los Masters del Universo’
Estreno en España: 5 de junio de 2026. Título original: Masters of the Universe. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: Travis Knight. Guion: Chris Butler. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Fabian Wagner. Reparto principal: Nicholas Galitzine, Camila Mendes, Alison Brie, James Purefoy, Morena Baccarin, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Charlotte Riley, Kristen Wiig, Jared Leto, Idris Elba. Producción: Amazon MGM Studios, Escape Artists, Mattel Studios, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción, aventura, adaptación. Web oficial.
Recupera el alma pulp del que bebieron Stan Lee, Jack Kirby o Steve Ditko
Nicolas Cage dijo que su personaje en esta serie es una mezcla entre Bogart y Bugs Bunny. Estoy en gran parte de acuerdo con él, pero he de añadir que hay parecido también con ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’. De hecho, hay una escena que parece prácticamente calcada del clásico de Robert Zemeckis, tanto en composición de escena como en contexto. Por supuesto, el personaje detectivesco que interpreta Cage remite constantemente al cine negro de los años 40 y 50, a esos investigadores agotados moralmente que desconfiaban de todos y caminaban por ciudades donde cada callejón escondía una traición.
Con ‘Spider-Noir’, que llega a Prime Video el próximo 27 de mayo, se apuesta por algo mucho más extraño y estilizado de lo habitual dentro del panorama superheroico televisivo. Y eso, en una industria cada vez más agotada por fórmulas repetidas, ya es una virtud enorme. El primer episodio y muchísimas de sus escenas funcionan como una carta de amor al noir clásico, pero también como un experimento visual que mezcla pulp, cómic y expresionismo criminal.
Lo primero que conviene aclarar si eres lector de cómics es que este no es exactamente Spider-Man Noir. El personaje se llama Ben Reilly y no Peter Parker (una consecuencia evidente de los derechos compartidos del personaje). Sin embargo, la serie juega constantemente a bordear los límites legales y creativos para construir algo inequívocamente arácnido. Ahí están Silvermane como gran amenaza mafiosa, Cat Hardy conocida por los lectores como Black Cat, la aparición de Sandman desde los tráilers y ya os adelanto que otros tantos villanos. Toda una galería de secundarios que parecen extraídos de una versión deformada y melancólica del universo Marvel. Y con derechos o sin ellos vais a ver unos cuantos guiños a las películas que Sony ha ido haciendo estos años.
La propia serie deja caer desde sus primeros minutos su conexión espiritual con el Spider-Verso. El protagonista abre la historia recordando que una vez le preguntaron de qué universo provenía. No es una referencia gratuita. Cage vuelve aquí al personaje que ya interpretó vocalmente en las películas animadas de Miles Morales, pero trasladando ahora aquella estética caricaturesca a un entorno live action mucho más violento y crepuscular.
Entre el blanco y negro y el color: una Nueva york pulp atrapada en la Gran Depresión
Uno de los grandes aciertos de ‘Spider-Noir’ es su tratamiento visual. La serie se puede escoger ver con sus secuencias en color o en blanco y negro. Aunque personalmente considero que funciona muchísimo mejor cuando abraza completamente la monocromía. Hay algo profundamente hipnótico en ver a Cage desplazarse entre sombras durísimas, humo, luces vintage y callejones mojados mientras la fotografía parece querer invocar simultáneamente a ‘El halcón maltés’, ‘Sin City’ y/o ‘Dick Tracy’.
El primer episodio, especialmente, es puro cine negro. No como simple disfraz estético, sino como construcción narrativa. La investigación criminal, las conspiraciones mafiosas y la sensación de derrota permanente convierten la serie en algo mucho más cercano a una reinterpretación superheroica de Raymond Chandler que a una producción convencional de Marvel. Así es que al menos esta introducción os recomiendo verla en escala de grises.
También, cuando la vemos a color, sobrevuelan influencias de filmes como ‘Darkman’ o ‘La sombra’, obras que entendían el pulp como un espacio donde lo grotesco y lo trágico podían convivir sin pedir permiso. En ese sentido, ‘Spider-Noir’ parece disfrutar especialmente de su condición de realidad alternativa. Al no tener que responder directamente al canon tradicional del trepamuros, la serie posee carta blanca para reinventar personajes, mezclar géneros y deformar conceptos conocidos.
No resulta casual que el personaje original naciera en los cómics ambientados en la América de la Gran Depresión, dentro de la línea Noir de Marvel iniciada en 2009. Aquellas historias ya trasladaban el mito superheroico a un contexto de corrupción, desempleo y violencia callejera. La serie recoge esa herencia y la transforma en algo todavía más melancólico. Aquí Ben Reilly parece un hombre cansado, casi derrotado por el propio peso de la ciudad que intenta proteger. Todo esto no impide que el personaje tenga astucia, picardía y gracia, algo que tienen todos los Spider-Man independientemente de qué versión tratemos.
Y Cage entiende perfectamente el tono. Su interpretación evita caer en la autoparodia desatada que muchas veces acompaña su carrera reciente. Hay exageración y algún “momento Cage”, sí, pero también una vulnerabilidad extraña que convierte al personaje en un héroe casi fantasmal. Como si fuese consciente de pertenecer a un universo condenado a desaparecer.
Una serie fascinante… pero con el riesgo de abandonar aquello que la hace especial
Uno de los aspectos más interesantes es la enorme cantidad de villanos y referencias que la serie introduce desde el comienzo. Y, en realidad, tiene sentido. Las historias de Spider-Man siempre han destacado precisamente por la riqueza de su galería de enemigos. El problema es que ‘Spider-Noir’ corre un riesgo evidente: perder fuerza conforme abandone su naturaleza noir para expandirse hacia un modelo más convencional de universo compartido. Como le pasó a ‘Gotham’, por ejemplo.
Porque el verdadero gancho de la serie no está necesariamente en descubrir qué versión alternativa aparecerá después ni en el festival de cameos potenciales. Su gran atractivo reside en esa atmósfera de detective agotado, en esa mezcla entre serial pulp y tragedia urbana que reprime sus superpoderes para guardar las apariencias. Por suerte, en mi opinión, Prime Video ha entendido que ahí está el corazón de la propuesta y no nos falla la respecto. Para muchos esta podría estar entre las producciones superheroicas más singulares de los últimos años.
Hay series que sobreviven gracias a la nostalgia y otras que siguen adelante porque todavía conservan la capacidad de sorprender. ‘Rick y Morty’ pertenece claramente al segundo grupo. A punto de estrenar su novena temporada (el 25 de mayo), la serie animada de Dan Harmon y Scott Marder continúa demostrando que su mezcla de ciencia ficción salvaje, sátira nihilista y comedia absurda sigue funcionando incluso después de casi una década de emisión y sin contar con Justin Roiland. Y eso no era sencillo. Muy pocas series logran mantenerse frescas cuando su propia fórmula ya ha sido imitada hasta el agotamiento por decenas de producciones posteriores.
Hemos podido ver anticipadamente los episodios 2, 3 y 4 de esta nueva tanda y podemos decir que dejan claro que la serie todavía sabe jugar con el espectador. Más importante aún: sabe cuándo acelerar y cuándo detenerse. La temporada 9 no parece interesada en reinventar completamente el universo de los Smith, pero sí en recordar por qué ‘Rick y Morty’ llegó a convertirse en una de las ficciones animadas más influyentes de la televisión moderna.
Lo más interesante es comprobar cómo la serie sigue manteniendo ese equilibrio casi imposible entre el disparate absoluto y la reflexión existencial. Incluso cuando se entrega a sus conceptos más ridículos, hay una conciencia narrativa muy precisa detrás del caos. Y eso vuelve a sentirse aquí. Los tres episodios proyectados funcionan además como una pequeña muestra de la variedad tonal que tendrá la temporada: ciencia ficción emocional, homenaje al cine de artes marciales y paranoia tecnológica pasada por el filtro del humor más incómodo.
También se percibe una mayor confianza en el ritmo. Las temporadas recientes parecían a veces demasiado preocupadas por la metarreferencia constante o por superar su propia locura conceptual. Aquí, en cambio, los capítulos respiran mejor. Las ideas siguen acumulándose a velocidad demencial, pero los guionistas permiten que algunas escenas tengan peso emocional o incluso tensión real antes de volver a dinamitarlo todo con un chiste absurdo.
9×002: ‘Rick Days, Seven Nights’ confirma que la serie aún sabe emocionar
El episodio 2 de la temporada (estreno el 1 de junio) parte de una premisa aparentemente sencilla: Rick decide tomarse unas vacaciones. Por supuesto, tratándose de ‘Rick y Morty’, eso significa entrar en un escenario de ciencia ficción completamente impredecible donde las reglas físicas y emocionales empiezan a descomponerse casi desde el primer minuto.
Lo más llamativo del capítulo es su capacidad para combinar aventura interdimensional con una sensibilidad inesperada. Probablemente estemos ante uno de los episodios más emotivos de la temporada. No porque abandone el humor salvaje característico de la serie (ni mucho menos), sino porque encuentra una forma bastante elegante de hablar sobre agotamiento, egoísmo y la incapacidad de desconectar del propio caos interior. Además, el episodio mantiene esa tradición de referencias culturales escondidas que los seguidores llevan años rastreando.
9×03: ‘Rick Fu Hustle’ convierte las artes marciales en puro delirio animado
El tercer episodio de la temporada (8 de junio) abraza directamente el cine de artes marciales y lo hace sin ningún tipo de sutileza. El guiño a ‘Kill Bill’ está presente desde el propio giro principal del capítulo, aunque el episodio realmente funciona como una carta de amor caótica a décadas de filmes kung-fu, exploitation oriental y fantasías de venganza hiperviolenta.
Lo mejor es que los guionistas entienden perfectamente el lenguaje del género. No se limitan a copiar referencias superficiales: reproducen ritmos, encuadres y hasta ciertas lógicas narrativas absurdas propias del cine marcial clásico. Incluso hay momentos que recuerdan deliberadamente a la exageración física del wuxia contemporáneo.
La gran idea del episodio gira alrededor de una variación delirante del famoso “golpe de los cinco puntos” popularizado precisamente por ‘Kill Bill’. La pregunta que plantea el capítulo es maravillosa dentro de su absurdo: ¿qué haría Rick si existiera un ataque que provocase tu muerte tras caminar cinco pasos? La respuesta, naturalmente, deriva en una cadena de soluciones científicas grotescas cada vez más ridículas.
También resulta evidente que el equipo creativo se ha divertido muchísimo escribiéndolo. El capítulo transmite esa sensación contagiosa de estar viendo a unos guionistas jugando libremente con todos sus referentes cinematográficos favoritos.
9×03 ‘A Ricker Runs Through It’ mezcla pesca, paranoia y soporte técnico existencial
El episodio 4 (15 de junio) toma prestado su título del clásico ‘El río de la vida’, dirigido por Robert Redford, y utiliza la pesca como punto de partida para una de las historias más paranoicas y extrañamente divertidas de esta nueva temporada.
Lo fascinante aquí es cómo el episodio transforma una actividad aparentemente tranquila en una espiral de conspiraciones tecnológicas, ansiedad digital y soluciones imposibles. Hay un gag relacionado con soporte técnico que probablemente termine convirtiéndose en uno de los momentos más comentados de la temporada entre los fans.
La referencia al filme de Redford no es únicamente un juego de palabras en el título. También existe cierta melancolía escondida bajo el caos narrativo. Igual que aquella película utilizaba el río como metáfora emocional, aquí la pesca funciona casi como una excusa para hablar sobre aislamiento, obsesión y control. De los tres episodios vistos, quizá sea el más extraño tonalmente. Y precisamente por eso también puede terminar siendo el más recordado.
Con ‘Hokum’ los mitos y fantasmas irlandeses encuentran la forma de instalarse dentro del espectador
Esta película viene para reafirmar el gran potencial de un autor, porque de momento es eso, autor pues no responde a exigencias comerciales pese a contar con el estudio de ‘Longlegs’ y los productores de ‘Weapons’. Él es Damian McCarthy. En su día os avisamos con ‘Caveat’ y convencimos a otros muchos con ‘Oddity’ de que este director es un gran generador de historias y atmósferas tensas y terroríficas. Ahora con ‘Hokum’ reincidimos con energía, ved las películas de este irlandés.
La premisa puede ser arquetípica, un escritor busca apartarse del mundanal ruido y las distracciones para escribir su nueva novela. Esta es la excusa perfecta para desplazarse al lugar donde sus padres pasaron su luna de miel. Con esto llega un gran acierto de la película, parece que todo es más superficial o casual, pero responde a inquietudes más profundas. El hecho de que la acción suceda en las apartadas tierras irlandesas rememora inevitablemente a la figura de Bram Stoker (archiconocido autor de ‘Drácula’ nacido en Irlanda que dio a luz a su obra maestra en pequeños pueblos de la costa británica).
El protagonista interpretado por Adam Scott es irascible, borde y amargado. Eso responde a algo muy importante, que no voy a desvelar. Pero ese carácter sombrío aporta para desarrollar el terror de manera eficiente y no solo con sustos, sino con un desarrollo emocional. Todo responde a una historia de perdón personal y evolución, lo cual, se traduce en última instancia en un desbloqueo artístico y creativo.
El terror como reflejo de la culpa y la identidad
Lo verdaderamente interesante de ‘Hokum’ no es que Damian McCarthy vuelva a demostrar que domina el sobresalto o la atmósfera malsana (que lo hace), sino cómo consigue que todos los elementos sobrenaturales tengan un eco psicológico. El director irlandés entiende que el horror funciona mejor cuando las entidades, leyendas o apariciones no son únicamente amenazas externas, sino materializaciones de heridas internas.
La película juega continuamente con la frontera entre lo tangible y lo emocional. El hotel aislado, los pasillos húmedos, las habitaciones selladas y la sensación constante de podredumbre moral no solo sirven para construir tensión, sino para reflejar el estado mental del protagonista. Ohm Bauman (el personaje de Adam Scott) es alguien incapaz de escapar de sí mismo. Aunque viaja buscando silencio y concentración creativa, lo que realmente encuentra es una confrontación inevitable con aquello que ha reprimido durante años.
Aquí es donde McCarthy demuestra una inteligencia narrativa muy superior a la media del terror contemporáneo. Otros directores habrían convertido la película en una sucesión de sustos y criaturas extrañas. Él utiliza esos recursos para hablar de culpa, bloqueo emocional y trauma. El horror en ‘Hokum’ no nace exclusivamente de la amenaza física, sino de la incapacidad del personaje para procesar el dolor y aceptar responsabilidades.
En ese sentido, el filme conecta de manera brillante con la tradición del folk horror europeo. Hay algo profundamente ancestral en cómo la película plantea el choque entre el racionalismo moderno y el peso de las supersticiones locales. El protagonista llega a Irlanda con cinismo estadounidense, con una mirada descreída y práctica. Pero el entorno parece rechazar esa actitud. Los lugareños, las historias transmitidas oralmente y la propia geografía convierten el paisaje en una entidad hostil y antiquísima.
McCarthy vuelve a demostrar además su obsesión por los espacios cerrados y opresivos. Igual que ocurría en ‘Caveat’ o ‘Oddity’, aquí los pasillos estrechos, los sótanos y las habitaciones clausuradas generan una sensación enfermiza de encierro. Incluso cuando el personaje está al aire libre, Irlanda parece tragárselo. Hay barro, niebla, lluvia y vegetación húmeda por todas partes. La naturaleza nunca transmite paz, sino decadencia.
Conejos, folklore gaélico y el regreso de los fantasmas de McCarthy
A parte de la constante referencia a los conejos espeluznantes hay otras pautas que se repiten en la obra de McCarthy. Hay una mezcla de racionalidad moderna con superstición local y folklore antiguo, muy propia tanto de Stoker como de sus películas. En este caso lo que se maneja en ‘Hokum’ es el Cailleach, la figura de la mitología gaélica asociada al invierno, la vejez y encargada de traer el frío y las tormentas desde el Samhain, de ahí que la película se ambiente en Halloween.
Lo fascinante es que McCarthy jamás utiliza estos elementos mitológicos como simple decoración estética. El Cailleach funciona como símbolo de deterioro, culpa y muerte emocional. La película nunca necesita verbalizar demasiado sus metáforas porque todo está integrado en la puesta en escena. El clima, el deterioro del hotel y las propias criaturas parecen responder al estado psicológico del protagonista.
También resulta muy interesante cómo el director continúa desarrollando obsesiones visuales y temáticas que ya estaban presentes en sus trabajos anteriores. Los fans del cineasta encontrarán nuevamente figuras inquietantes inmóviles durante demasiado tiempo, objetos aparentemente inocentes convertidos en focos de tensión insoportable y salas que están pidiendo a gritos sal de aquí.
Los conejos, por supuesto, merecen mención aparte. Ya se habían convertido en una imagen recurrente dentro de su imaginario, especialmente tras ‘Caveat’, y aquí vuelven transformados en símbolos perturbadores que mezclan ternura deformada y amenaza subconsciente. Es uno de esos detalles que podrían parecer arbitrarios en otro director, pero que en McCarthy forman parte de una iconografía propia debido a un trauma de su propia infancia.
Además, ‘Hokum’ posee algo que el terror moderno suele olvidar: personalidad. Incluso cuando recurre a estructuras conocidas (la posada maldita, el huésped atormentado, la habitación prohibida), la ejecución tiene una sensibilidad muy concreta. La fotografía húmeda y sombría, el diseño sonoro agresivo y la forma de administrar el silencio convierten muchas escenas en ejercicios de pura tensión atmosférica. Y sí, hay jump scares. Pero están construidos con paciencia y precisión. McCarthy comprende que el susto funciona mejor cuando primero ha conseguido que el espectador se sienta incómodo. El sonido juega un papel esencial en ello, igual que la composición visual y la utilización enfermiza de la profundidad de campo.
‘Hokum’ no inventa el folk horror ni redefine el cine de fantasmas, pero sí confirma algo mucho más importante: Damian McCarthy empieza a poseer una voz completamente identificable dentro del terror contemporáneo. En una industria obsesionada con franquicias y fórmulas repetidas, eso vale muchísimo más que cualquier giro sorprendente. Porque al final, cuando termina la película, lo que permanece no son únicamente las imágenes terroríficas o los sobresaltos. Lo que se queda contigo es esa tristeza húmeda y enfermiza que recorre toda la obra. Como si Irlanda, sus mitos y sus fantasmas hubiesen encontrado una forma de instalarse dentro del espectador.
Ficha de ‘Hokum’
Estreno en España: 15 de mayo de 2026. Título original: Hokum. Duración: 101 min. País: Irlanda. Dirección: Damian McCarthy. Guion: Damian McCarthy. Música: Joseph Bishara. Fotografía: Colm Hogan. Reparto principal: Adam Scott, Peter Coonan, David Wilmot, Florence Ordesh, Will O’Connell, Michael Patric. Producción: Imagenation Abu Dhabi FZ, Tailored Films. Distribución: Beta Fiction Spain, Madfer Films. Género: terror. Web oficial.
Sorteamos dos cajas sorpresa valoradas en más de 100€ cada una
Estamos en el año de nuestro décimo aniversario y por eso en nuestras redes sociales lanzamos el mayor sorteo que hayamos puesto nunca en marcha. Si eres amante de las sorpresas y el coleccionismo no te lo puedes perder. Normalmente os comunicamos qué sorteamos pero, en esta ocasión, de momento solo os contamos que regalamos dos cajas sorpresa tipo blind box.
La esencia de estas cajas es simple: no sabes exactamente qué contiene hasta que la abres, lo que añade un extra de emoción a la experiencia. Pero sí os podemos adelantar que cada una de ellas está valorada en más de 100€. Y no es solo por el valor de sus objetos en el mercado, también por que hay algunas sorpresas que con el tiempo se van a revalorizar.
Al final de la fecha límite realizaremos el sorteo aleatorio tras listar a todos los participantes en todas nuestras redes sociales. Elegiremos dos ganadores, para los cuales, irá únicamente una de nuestras dos cajas.
Cómo participar en nuestro sorteo aniversario
Si queréis optar a ganar el premio podéis hacerlo a través de Facebook siguiendo estas normas:
Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. Tenéis de plazo hasta el 15 de mayo a las 23:59h. El hecho de participar más de una vez no incrementa las posibilidades de ganar, a no ser que etiquetes a diferentes personas cada vez. Anunciaremos quien ha sido en los días sucesivos a la finalización del sorteo Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para el envío y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Ninguna red social patrocina, avala ni administra de modo alguno esta promoción, ni está asociada a ella.
‘Proyecto salvación’ es de estas películas que se quedan en la retina y en la cabeza. Una buddy movie que no me esperaba para nada. Admito que no había visto tráiler ni nada, solo que salía Ryan Gosling para salvar a la Tierra. Eso y que también se basaba en la novela del creador de ‘Marte’. Me esperaba un drama, si, me alegro de no habérmelo encontrado, también.
Pero que gusto es ver películas tan bonitas en la sala de cine. Ya no sólo visualmente, si no también de un contenido tan especial que te deja con una sonrisa al salir del visionado.
Andy Weir y Drew Goddard un gran dúo
El novelista Andy Weir, vuelve a crear algo tan distinto y a la vez tan cercano. Junto a él tenemos al guionista Drew Goddard, que también se encargó del guion de ‘Marte’ y sin duda ambos crean algo muy personal.
En este caso conocemos a Grace, un astronauta que se ha quedado solo en una misión suicida. Todo esto sin apenas recordando quien es, al estar tanto tiempo en coma inducido. Mientras va recordando toda su situación, conoce a alguien especial que tiene su misma misión, salvar su planeta.
Una historia de amistad, de volver a recordar, de trabajo en equipo y sobre todo de confianza. Es que no puedo negar que la he disfrutado tanto.
Nuestros dos protagonistas
Ryan Gosling es un actor que siempre me ha gustado, todo lo que hace, lo hace bien y punto. En este caso, tiene un papel tan tierno, tan humano. Una persona con curiosidad, con ganas de vivir aunque se crea que tiene una mísera vida y también con miedo de perder esa simple vida. Es un reflejo a la vida humana, esas personas que tienen un gran talento, pero se conforman con ir a trabajar y vivir una vida sencilla. Un héroe al que obligan a serlo.
Además es un profesor con ganas de enseñar, le dan un montón de herramientas para hacer que un equipo de astronautas tengan una gran cantidad de información en muy pocos días y aunque es poco, le ves disfrutar investigando y aprendiendo.
Y luego está Rocky, un ser que se encuentra en su viaje que tiene su misma misión. Este ser tiene la voz de James Ortiz y para mí lo más importante, es un animatrónico. Sabéis que adoro los efectos visuales, no odio los digitales para nada, siempre nos dan maravillas y aquí también lo tenemos, pero es que un buen efecto práctico es lo mejor que puede haber en una cinta. Y sin duda, aquí están muy bien hechos y aprovechados.
Resto de equipo
Y aunque el personaje de RyanGosling es el único humano que vemos en la nave, también parte de la película son flash backs en los que va recordando como ha llegado hasta allí. Junto a él tenemos a la actriz Sandra Hüller, que tiene un papel crucial en la vida de nuestro personaje y lo borda. También vemos a Ken Leung, Milana Vayntrub o Lionel Boyce.
Y que decir de la banda sonora de Daniel Pemberton, no puede ser mejor. Con una música muy evocadora, con canciones muy bien escogidas, hace que todo el conjunto se vea y se escuche perfecto. Y como he comentado en el otro punto, el tema de los efectos, tanto digitales como prácticos, me han parecido de lo mejor en mucho tiempo.
‘Proyecto Salvación’ llega a nuestras pantallas el próximo 20 de marzo y como habéis podido leer, solo puedo recomendárosla. Disfrutadla y comentadme que os ha parecido.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Título original: Project Hail Mary. Duración: 156 min. País: Estados Unidos. Dirección: Phil Lord, Christopher Miller. Guion: Drew Goddard, Andy Weir. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Ryan Gosling, Sandra Hüller, Lionel Boyce, Ken Leung, James Ortiz, Orion Lee. Producción: MGM, Amazon MGM Studios, Pascal Pictures, Lord Miller, Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: Ciencia Ficción. Web oficial.
Moviementarios, una década viviendo el cine desde dentro
Cumplir diez años en internet no es solo una cifra redonda: es una declaración de resistencia, constancia y, sobre todo, pasión. En Moviementarios llevamos una década sumergidos en el universo del cine y las series, construyendo un espacio que ha crecido sin renunciar a sus principios y llegando a los mismos lugares a los que muchos medios de comunicación solo llegan a través del dinero o a base de vender su objetividad periodística.
Una década dedicados al entretenimiento sin descanso
Si algo define este recorrido es el volumen y la dedicación. Durante estos diez años hemos visto centenares de películas cada año, explorando desde los grandes estrenos comerciales hasta propuestas independientes, cine de autor, festivales y plataformas.
No ha sido simplemente consumir contenido: ha sido analizarlo, reflexionarlo y compartirlo con una comunidad que también entiende el audiovisual como algo más que entretenimiento pasajero. Cada crítica, cada entrevista y cada cobertura ha sido fruto de horas de visionado y viajes con un criterio que hemos ido afinando con el tiempo. Y esta constancia y meticulosidad nos ha llevado a formar parte misma del cine en España participando de algún proyecto y siendo, por ejemplo, patrocinadores y/o jurados en CutreCon o CortoEspaña.
Llevar a cabo un repaso completo con todo lo que hemos vivido se nos hace inabarcable. Hemos hecho un vídeo con aquellos artistas que nos han marcado de alguna manera y a los que hemos conocido de manera estrecha. Pero hay muchos má. Mucho que podéis descubrir a través de los más de 9000 artículos publicados aquí y todo el contenido de nuestros canales o redes sociales.
Codo con codo con la industria audiovisual
Uno de los mayores privilegios de Moviementarios ha sido poder estar cerca de lo mejor del mundo audiovisual. A lo largo de estos años hemos coincidido con actores, actrices, directores y profesionales del sector que forman parte del presente y el futuro del cine.
Festivales, premieres, entrevistas y eventos nos han permitido no solo ver el cine desde fuera, sino también comprender cómo se construye desde dentro. Ese contacto directo ha enriquecido nuestra perspectiva y ha dado profundidad a los contenidos que publicamos.
Principios claros en un entorno que premia lo contrario
En una era dominada por la inmediatez y la viralidad, hemos tomado decisiones que no siempre juegan a favor del crecimiento rápido, pero sí de la coherencia.
Cero spoilers
Respetar la experiencia del espectador siempre ha sido una prioridad. Creemos que el cine debe vivirse sin interferencias, sin adelantar giros ni arruinar momentos clave.
Sin clickbait
Nunca hemos apostado por titulares engañosos o estrategias diseñadas para atraer clics a cualquier precio. Cada contenido intenta responder a lo que promete, sin trampas.
Fuera de polémicas artificiales
En un ecosistema donde generar conflicto suele traducirse en visibilidad, hemos optado por no entrar en guerras innecesarias ni debates vacíos diseñados únicamente para generar ruido.
¿El precio de mantener los principios?
Es posible que esta forma de hacer las cosas tenga una consecuencia evidente: no somos virales en el sentido más actual que tanto explotan los «creadores de contenido». No protagonizamos polémicas, no generamos controversias diseñadas para explotar en redes y no buscamos el impacto inmediato a cualquier coste.
Y quizá por eso no somos “famosos” en el ecosistema digital actual. Pero también es cierto que hemos construido algo más sólido: credibilidad, coherencia y una comunidad que valora precisamente eso. En un entorno donde todo es efímero, mantenerse fiel a una identidad durante diez años es, en sí mismo, un logro.
Mirando al futuro
Este décimo aniversario no es un punto final, sino un checkpoint para mirar atrás y tomar impulso. Seguiremos viendo cine, descubriendo historias y compartiendo contenido con el mismo enfoque que nos ha traído hasta aquí. Porque si algo hemos aprendido en esta década es que el verdadero valor no está en el ruido, sino en la constancia. Y en Moviementarios, eso nunca ha estado en duda.
A los que nos seguís, gracias por vuestro apoyo. A los que han intentado atacarnos en algún momento, lo de siempre, gracias por los insultos y perdón por el respeto.
Narramos todos los premios y momentos clave de los Oscars 2026
La 98ª edición de los Premios de la Academia como siempre pasa a ser una noche histórica en Hollywood. Este año, la indiscutible favorita por número de nominaciones era el thriller de terror ‘Sinners (Pecadores)’, que ha hecho historia al romper todos los récords con unas asombrosas 16 nominaciones. Todos sabíamos que el número final de estatuillas se reduciría finalmente y se ceñirían a temas técnicos pero no fue así pues tanto Michael B. Jordan como Ryan Coogler subieron a por premios por Mejor Actor y Mejor Guión respectivamente. Por criterio y casi unánimemente la favorita era la gran epopeya contemporánea de Paul Thomas Anderson, ‘Una batalla tras otra’ con 13 nominaciones. Aunque ambas han acaparado focos y premios en la temporada actual, hay otros títulos que se han quedado fuera o con menos nominaciones, como es el caso de ‘Frankenstein’, ‘Marty Supreme’ o ‘Valor sentimental’ que contaban con la nada desdeñable cantidad de 9 candidaturas, seguidas por el aclamado drama ‘Hamnet’ con 8.
La gala arrancó con un gag usando a ‘Weapons’ como hilo conductor y con las clásicas bromas hacia los invitados por parte del presentador Conan O’Brien. Y la noche se reservó muchas bromas, también con algo de miedo hacia el futuro, un futuro en el que la robótica, la IA o los formatos verticales pondrán en jaque a la industria. No obstante, conscientes de ello, la Academia bromeó con el hecho de que en 2027 los Oscars podrán ser vistos gratis en Youtube, esto es un hecho ya anunciado que acaba con los derechos de retransmisión para Disney.
La noche pasará a la historia por ser la primera gala en la que se premió al mejor casting, quizá el año que viene por fin celebremos que se reconoce a los actores que se dejan la piel por las estrellas como son los dobles de acción. La persona que ha pasado a los libros de historia del cine por ello es Cassandra Kulukundis por su selección de actores y actrices para ‘Una batalla tras otra’. Otro hecho raro e histórico aunque no visto por primera vez es el empate en el premio a Mejor Cortometraje y el hecho de que por fin una mujer (Autumn Durald) haya ganado el premio a Mejor Fotografía.
Por supuesto en estos Oscars 2026 hubo mensajes y dardos para el gobierno de Trump y los valedores de las guerras de hoy en día, empezando por las reivindicaciones por parte de Javier Bardem en la mismísima alfombra roja antes y también en el momento de entregar uno de los premios, el de película de habla no inglesa. También aprovechó Jimmy Kimmel en su reaparición en los Oscars y los ganadores a mejor documental. Pero también fueron mensajes emotivos aquellos sucedidos durante el in memoriam. Y es que este año numerosos artistas han fallecido y la Academia ha decidido que sus amigos tuviesen momentos para dirigirles unas palabras.
La noche estuvo muy reñida entre ‘Una batalla tras otra’ (6) y ‘Los pecadores’ (4). Este duelo tan igualado ha sido considerado por muchos como una celebración para el cine crítico con la Norteamérica actual y para el género fantástico. Para otros tantos es una victoria para Warner, que es propietaria de esas dos películas y que últimamente está en boca de todos por su probable venta. Quizá la mayor sorpresa para casi todo el mundo es que ‘Hamnet’ se ha ido casi de vacío, pues únicamente se alzó con un premio prácticamente cantado, el de Mejor Actriz para Jessie Buckley. Y por otro lado en cuarto puesto del palmarés el hecho de que aparezca ‘Frankenstein’ con tres estatuillas. A continuación, podéis leer el recuento y el palmarés al completo.
Oscars 2026 ordenados por películas más premiadas
‘Una batalla tras otra’ – 6
‘Los pecadores’ – 4
‘Frankenstein’ – 3
‘Las guerreras k-pop’ – 2
‘Hamnet’ – 1
‘Weapons’ – 1
‘F1: La película’ – 1
‘Valor sentimental’ – 1
‘Avatar: Fuego y ceniza’ – 1
‘The singers’ – 1
‘The Girl Who Cried Pearls’ – 1
‘Mr. Nobody Against Putin’ – 1
‘All the Empty Rooms’ – 1
‘Two People Exchanging Saliva’ – 1
Listado completo de ganadores de los Oscar 2026
Mejor película
‘Bugonia’
‘F1: La película’
‘Frankenstein’
‘Hamnet’
‘Marty Supreme’
‘Una batalla tras otra’
‘El agente secreto’
‘Valor sentimental’
‘Los pecadores’
‘Sueños de trenes’
Mejor dirección
Paul Thomas Anderson, por ‘Una batalla tras otra’
Josh Safdie, por ‘Marty Supreme’
Joachim Trier, por ‘Valor sentimental’
Ryan Coogler, por ‘Los pecadores’
Chloé Zhao, por ‘Hamnet’
Mejor actriz
Jessie Buckley, por ‘Hamnet’
Rose Byrne, por ‘Si pudiera, te daría una patada’
Kate Hudson, por ‘Song Sung Blue’
Renate Reinsve, por ‘Valor sentimental’
Emma Stone, por ‘Bugonia’
Mejor actor
Timothée Chalamet, por ‘Marty Supreme’
Leonardo DiCaprio, por ‘Una batalla tras otra’
Ethan Hawke, por ‘Blue Moon’
Michael B. Jordan, por ‘Los pecadores’
Wagner Moura, por ‘El agente secreto’
Mejor actriz de reparto
Elle Fanning, por ‘Valor sentimental’
Inga Ibsdotter Lilleaas, por ‘Valor sentimental’
Amy Madigan, por ‘Weapons’
Wunmi Mosaku, por ‘Los pecadores’
Teyana Taylor, por ‘Una batalla tras otra’
Mejor actor de reparto
Benicio del Toro, por ‘Una batalla tras otra’
Jacob Elordi, por ‘Frankenstein’
Delroy Lindo, por ‘Los pecadores’
Sean Penn, por ‘Una batalla tras otra’
Stellan Skarsgård, por ‘Valor sentimental’
Mejor guion original
‘Blue Moon’
‘Un simple accidente’
‘Marty Supreme’
‘Valor sentimental’
‘Los pecadores’
Mejor guion adaptado
‘Bugonia’
‘Frankenstein’
‘Hamnet’
‘Una batalla tras otra’
‘Sueños de trenes’
Mejor montaje
‘F1: La película’
‘Marty Supreme’
‘Una batalla tras otra’
‘Valor sentimental’
‘Los pecadores’
Mejor fotografía
‘Frankenstein’
‘Marty Supreme’
‘Una batalla tras otra’
‘Los pecadores’
‘Sueños de trenes’
Mejor casting
‘Hamnet’
‘Marty Supreme’
‘Una batalla tras otra’
‘El agente secreto’
‘Los pecadores’
Mejor diseño de producción
‘Frankenstein’
‘Hamnet’
‘Marty Supreme’
‘Una batalla tras otra’
‘Los pecadores’
Mejor vestuario
‘Avatar: Fuego y ceniza’
‘Frankenstein’
‘Hamnet’
‘Marty Supreme’
‘Los pecadores’
Mejor maquillaje y peluquería
‘Frankenstein’
‘Kokuho’
‘Los pecadores’
‘The Smashing Machine’
‘La hermanastra fea’
Mejores efectos visuales
‘Avatar: Fuego y ceniza’
‘F1: La película’
‘Jurassic World: El renacer’
‘Laberinto en llamas’
‘Los pecadores’
Mejor sonido
‘F1: La película’
‘Frankenstein’
‘Una batalla tras otra’
‘Los pecadores’
‘Sirat’
Mejor banda sonora original
‘Bugonia’
‘Frankenstein’
‘Hamnet’
‘Una batalla tras otra’
‘Los pecadores’
Mejor canción original
‘Dear Me’, de ‘Diane Warren: Relentless’
‘Golden’, de ‘Las guerreras k-pop’
‘I Lied to You’, de ‘Los pecadores’
‘Sweet Dreams of Joy’, de ‘Viva Verdi!’
‘Train Dreams’, de ‘Sueños de trenes’
Mejor película de animación
‘Arco’
‘Elio’
‘Las guerreras k-pop’
‘Little Amélie’
‘Zootrópolis 2’
Mejor película de habla no inglesa
‘El agente secreto’
‘Un simple accidente’
‘Valor sentimental’
‘Sirat’
‘La voz de Hind’
Mejor documental
‘The Alabama Solution’
‘Come See Me in the Good Light’
‘Cutting Through Rocks’
‘Mr. Nobody Against Putin’
‘The Perfect Neighbor’
Mejor cortometraje de ficción
‘Butcher’s Stain’
‘A Friend of Dorothy’
‘Jane Austen’s Period Drama’
‘The Singers’
‘Two People Exchanging Saliva’
Mejor cortometraje de animación
‘Butterfly’
‘Forevergreen’
‘The Girl Who Cried Pearls’
‘Retirement Plan’
‘The Three Sisters’
Mejor cortometraje documental
‘All the Empty Rooms’
‘Armed Only with a Camera: The Life and Death of Brent Renaud’
Jessie Buckley y Christian Bale llenan la pantalla de amor y locura
Una de las películas que más esperaba de este año. ‘La Novia’ llega para mostrarnos una historia bastante original, dentro de una historia ya conocida. Una mezcla de géneros que logra un gran entretenimiento y sin duda una gran puesta en escena.
Conocemos a un Frankenstein, deseoso de tener una novia, si, esto ya lo conocemos. Pero aquí no es él el protagonista. Antes conocemos a Ida, una joven que muere y revive de una manera salvaje y poderosa.
La película es romántica, es un drama, tiene música y bailes, tiene un poco de todo y sobre todo tiene una historia de descubrimiento.
Maggie Gillenhaal y su locura de atreverse con Mary Shelley
Además de dirigir, Maggie Gillenhaal decide hacer también el guion. Al igual que hizo con su ópera prima ‘La hija oscura’. Y que puedo deciros, lo hace bastante bien.
Hace una adaptación de esta novia de Frankenstein bastante punk, llena de ganas de vivir y de liarla y sobre todo con ganas de saber quien es y no subyugarse a un mundo que la quiere muerta.
Una historia donde los monstruos no lo son tanto como los que les persiguen, la base de Frankenstein sigue ahí, pero esta vez además con un fondo feminista en el que nos cuentan también una trama mafiosa. Esta trama, aunque tiene protagonismo, realmente queda tapada por la loca historia de amor que tienen estos dos monstruos y que sin duda, al menos para mí, es lo más importante de la película.
Actuaciones monstruosas
Ya sabemos que Jessie Buckley y Christian Bale son dos pedazo de artistas, pero es que aquí sorprenden y hacen dos papelones increíbles.
Christian Bale, sabemos que se adentra en cualquier cosa que le pidan, pero no os voy a negar que tenía mis dudas de verle como el Monstruo de Frankenstein, pero es que está increíble. Nos muestra bondad, ternura y también ese toque salvaje y destructor cuando es atacado.
Jessie Buckley está increíble como siempre. Este papel es una joya y ella lo representa de manera espectacular. Tiene dos papeles en la película, admito que no quiero hablar del primero ya que para mi ha sido una pequeña sorpresa y no quiero que os la perdáis. En ambos está fabulosa.
Junto a ellos tenemos a Penelope Cruz y Peter Sarsgaard. Con ellos me pasa lo contrario, su trama me pierde mucho y es que no me gustan mucho ni sus papeles ni sus actuaciones. Son sobrias y al final pasan a hacer que pierdas un poco el interés de lo que te están contando.
En cambio las actuaciones de Annete Bening y Jeannie Berlin, me han gustado mucho y sus personajes tan extraños y jugosos son de los mejores secundarios. Muy divertidos.
No todo es perfecto pero aun así merece la pena
A nivel técnico la cinta es bastante llamativa, con una banda sonora muy cuidada y una fotografía llena de detalles y colores vistosos, logran crearnos muchos estímulos y eso hace que la película sea muy rápida.
El montaje, quizás sea algo torpe en algunos momentos. No cuenta del todo bien que se podría la historia que tenemos de fondo y quizás por eso sea que como he comentado, se pierda un poco y no logre el interés que quizás la directora quería darle.
En general ‘La Novia’ me ha gustado mucho, creo que es una gran película en todo su conjunto, pese a que tiene alguna falla que otra. Pero es totalmente recomendable. Tiene una escena de baile que es un homenaje a ‘El Jovencito Frankenstein’, por supuesto ni con tanta guasa, pero que si utiliza su música. Es una cinta en la que nos muestran el amor hacia el cine y como éste puede calmar a un monstruo. No dudéis en acercaros al cine a verla y disfrutarla.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de marzo de 2026. Título original: The Bride! Duración: 126 min. País: Estados Unidos. Dirección: Maggie Gyllenhaal. Guion: Maggie Gyllenhaal. Música: Hildur Guonadóttir. Fotografía: Lawrence Sher. Reparto principal: Jessie Buckley, Christian Bale, Peter Sarsgaard, Penélope Cruz, Annette Bening, Jake Gyllenhaal, John Magaro, Jeannie Berlin. Producción: Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: Terror. Web oficial.
Regresa la saga Scream, después de todo lo acaecido en Nueva York, volvemos a la vida de Sidney, como amante esposa y madre viviendo en un pueblo con una vida tranquila. Bueno, no tan tranquila, siendo madre de una joven adolescente que no comprende nada. Además se le complica todo al volver a tener llamadas de alguien que pensaba que estaba muerto.
No puedo negaros que ‘Scream 7’ me ha gustado, me he divertido muchísimo y he disfrutado como una enana viendo como cada asesinato era más original. Además de volver a ver a este patoso y tan humano asesino que pese a ser victorioso en casi todos sus asesinatos, recibe leches por todo lados.
Guionista y director
Después de sus idas y venidas en la saga, Kevin Williamson, guionista de ‘Scream’, ‘Scream 2’ y ‘Scream 4’, regresa de nuevo esta vez también como director. Y que deciros, que me alegro del resultado. Lo ha hecho bastante bien, logrando engañarnos y plasma con pelos y señales todas las macabras muertes que le pasan por su cabeza.
Y es que Scream 7, tiene muertes muy imaginativas, algunas hasta muy de serie Z, dándonos gore totalmente gratuito y sin necesidad. Pero que ha hecho las delicias de la sala de cine.
Pero no quita que ‘Scream 7’ sea una gozada desde el principio y que no pare de pegarnos sustos tontos, adolescentes pesados y estereotipados y por supuesto, a nuestra gran reina pegando tiros por todos lados.
Las sagas de unen y tenemos reparto de todas las películas
Regresa la gran Neve Campbell a esta saga que tanto la echaba de menos. Y sí, vuelve de manera diferente, más tranquila y llena de un poquito de paz. Pero como todo no puede durar, esta tranquilidad dejara de estar ahí por culpa de antiguos temores.
En el reparto volveremos a ver caras conocidas como Courteney Cox, con su peculiar papel de la gran Gale Weathers. También vuelven Jasmin Savoy Brown y Mason Gooding, al igual que en las dos anteriores películas, con sus personajes tan divertidos.
Mckenna Grace, Anna Camp, Asa Germann, Celeste O’Connor, Sam Rechner son las nuevas caras que esta cinta nos trae. Y por supuesto Isabel May, que da vida a la hija de Sidney. Y sin duda lo hace bastante bien. No quiero comentar más, pero tendréis pequeñas sorpresitas durante el visionado, que sin duda es mejor verlo que leerlo.
Conclusiones
Como os he comentado, la película me ha gustado mucho, el ritmo es muy bueno y no nos deja descansar apenas. Algo que logra que la película parezca más corta de lo que es y que disfrutemos con cada segundo.
Por ponerle una pega, admito que el desenlace no me ha terminado de entusiasmar. Está claro que todos nos montamos nuestra propia película en la cabeza y sin duda la mía era muy diferente, pero, no es culpa de Kevin Williamson y el nos ha dado su versión y su película. Así que como os digo, por ponerle alguna pega, pero sin duda, solo puedo decir, que vayáis a verla y la disfrutéis. Ya que realmente merece la pena.
Ficha de ‘Scream 7’
Estreno en España: 27 de febrero de 2026. Título original: Scream 7. Duración: 114 min. País: EE. UU. Dirección: Kevin Williamson. Guion: Kevin Williamson, Guy Busick. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Ramsey Nickell. Reparto principal: Neve Campbell, Courteney Cox, Isabel May, Jasmin Savoy Brown, Mason Gooding, Anna Camp, Joel McHale, Mckenna Grace, Michelle Randolph, Jimmy Tatro, Asa Germann, Celeste O’Connor, Sam Rechner, Ethan Embry, Tim Simons, Mark Consuelos. Producción: Paramount Pictures, Outerbanks Entertainment, Project X Entertainment, Radio Silence Productions, Spyglass Media Group. Distribución: Paramount Pictures. Género: terror. Web oficial.
La memoria y la paranoia se convierten en fantasmas del pasado
Hay películas que se limitan a recrear un periodo histórico y otras que lo convierten en un organismo vivo, incómodo y contradictorio. ‘El agente secreto’, dirigida por Kleber Mendonça Filho, pertenece claramente al segundo grupo. Ambientada en el Brasil de 1977, en plena dictadura militar, la cinta mezcla thriller político, crónica costumbrista y estudio psicológico en una combinación que no siempre es cómoda, pero sí profundamente sugestiva.
No soy precisamente defensor de ‘Bacurau’, aquella celebrada fábula distópica que Mendonça codirigió con Juliano Dornelles. En ese caso, quizá la parsimonia del planteamiento o el pulso compartido me dejaron fuera. Sin embargo, aquí el cineasta parece más rítmico y mejor planificado. O quizá simplemente este proyecto conecta mejor con mi sensibilidad. Sea como fuere, ‘El agente secreto’ confirma que Mendonça es un narrador que sabe tensar la realidad hasta convertirla en amenaza.
La película ha apuntado alto en la temporada de premios: cuatro nominaciones al Oscar y triunfadora con dos Globos de Oro (mejor actor y mejor película de habla no inglesa) han colocado la producción brasileña en el radar internacional. Pero más allá del ruido industrial, lo que interesa es el resultado artístico.
Brasil 1977: algo más que fútbol, carnaval y sexo libre
La acción se sitúa en 1977, cuando Brasil aún vivía bajo la dictadura militar instaurada tras el golpe de 1964. Mendonça no filma el régimen desde el despacho de un general ni desde una sala de torturas; lo hace desde la vida cotidiana. Fútbol en las calles, sexo en los edificios gubernamentales, carnavales hasta en la sopa, policías que parecen más preocupados por el control informal del barrio que por el orden institucional. Ese contraste es clave.
El protagonista, interpretado por Wagner Moura, regresa a Recife con un pasado ambiguo. Moura, a quien disfruté especialmente en ‘Civil War’ de Alex Garland, compone aquí un personaje aparentemente vulnerable: mirada baja, gestos contenidos, un hombre que parece huir más que enfrentarse. Sin embargo, pronto percibimos que algo oculto late bajo esa superficie.
El guion introduce múltiples elementos en suspense: un pasado oculto, relaciones cruzadas, una pierna humana hallada dentro de un tiburón varado… A ello se suman saltos temporales cada vez más frecuentes que fragmentan la narrativa sin romperla. No estamos ante un thriller lineal, sino ante un rompecabezas moral que explora la memoria colectiva. La sensación constante es que cualquier gesto trivial puede tener implicaciones políticas.
Mendonça toma detalles reales del periodo (la vigilancia, la infiltración, la normalización del miedo) para construir una ficción que bien podría haber ocurrido. No se basa en un caso concreto documentado, pero el clima es históricamente verosímil. Esa verosimilitud es la que convierte la película en algo más que un ejercicio estilístico.
Un thriller con costumbrismo y un desvío casi fantástico
Uno de los mayores logros de ‘El agente secreto’ es su capacidad para mezclar géneros. Hay suspense, sí, pero también observación social. Las conversaciones domésticas, los trayectos en coche, las celebraciones populares… todo está filmado con una calma que recuerda que la dictadura no se vivía únicamente en los centros de detención, sino en la respiración diaria de la ciudad.
En ese tejido realista aparece un breve pasaje fantástico, casi absurdo, que descoloca. Es una escena mínima, pero rompe la lógica interna durante unos minutos. Su tono remite más al absurdo de Quentin Dupieux que al propio Mendonça. No desvela la trama, pero sí introduce una fisura irónica, como si el director quisiera recordarnos que la historia también puede ser una construcción delirante o como si la imaginación fuese la última vía de escape para el pueblo.
Entre las curiosidades que circulan en torno a la producción está el hecho de que este es el último papel de Udo Kier a falta del estreno de ‘The Ark: An Iron Sky Story’. Su aparición añade una capa espectral al conjunto. Su presencia es breve, sin duda un cameo tras su trabajo en ‘Bacurau’, pero como siempre deja huella y tiene detalles propios de la filmografía habitual del actor.
‘El agente secreto’ no es una película complaciente. Exige atención, tolerancia a la ambigüedad y disposición a habitar zonas grises. Pero en esa incomodidad reside su fuerza. Mendonça no ofrece héroes claros pero quizá si villanos caricaturescos. Ofrece sobre todo un país atrapado entre la fiesta y el miedo, entre el carnaval y la sospecha. Quizá llegar hasta el Oscar sea demasiado, pero la madurez de su relato es indudable.
Ficha de ‘El agente secreto’
Estreno en España: 20 de febrero de 2026. Título original: O agente secreto. Duración: 158 min. País: Brasil. Dirección: Kleber Mendonça Filho. Guion: Kleber Mendonça Filho. Música: Mateus Alves, Tomaz Alves de Souza. Fotografía: Evgenia Alexandrova. Reparto principal: Wagner Moura, Gabriel Leone, Maria Fernanda Cândido, Hermila Guedes, Alice Carvalho, Udo Kier. Producción: CinemaScópio Produções, MK Productions, ONE TWO Films, Lemming Film, Arte France Cinéma, MK2 Films, Ad Vitam, Rotor Film, Netflix. Distribución: Elástica, La aventura. Género: suspense. Web oficial.
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