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Crítica: ‘El árbol muy muy lejano’

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Una película que pide a los adultos recuperar la capacidad de creer y exige al espectador hacer lo mismo

Hay películas que parecen concebidas después de volcar sobre una mesa todos los elementos posibles de la fantasía infantil y decidir que ninguno sobra. ‘El árbol muy muy lejano’, dirigida por Ben Gregor y basada en las novelas de Enid Blyton, pertenece decididamente a esa categoría. Es un cuento infantil hortera, colorido y deliberadamente desmesurado que puede hacer pensar en ‘El Mago de Oz’, ‘Las crónicas de Narnia’, ‘Charlie y la fábrica de chocolate’, ‘Hook el Capitán Garfio’ o ‘Las crónicas de Spiderwick’. Ante semejante despliegue, yo me conformaba con que no fuese otro desastre como ‘Un pliegue en el tiempo’, aquella producción de trama ridícula, malas interpretaciones, caracterizaciones cuestionables, efectos especiales poco afortunados que Disney se empeñó en enterrar por vergüenza propia. La buena noticia es que Ben Gregor consigue evitar semejante naufragio. La mala es que tampoco logra que semejante despliegue de imaginación resulte particularmente estimulante para quien ya ha dejado atrás la infancia.

La película mezcla elementos de distintas entregas de la saga de Blyton y entiende perfectamente que el material exige una fantasía sin ataduras. Por sus ramas desfilan personajes que parecen extraídos de un parque de atracciones lowcost, mientras los escenarios someten al espectador a un baño de colores comparable al de un mal viaje psicotrópico dentro de una tienda de golosinas. Sin embargo, hay que reconocer que semejante exceso posee cierta coherencia con el espíritu del relato. Como cuento infantil puede funcionar.

Además, hay algo genuinamente británico en la propuesta, hasta el punto de permitirse un guiño evidente a ‘Los caballeros de la mesa cuadrada’ de los Monty Python. No es una casualidad aislada: la película está construida sobre una tradición de humor y fantasía británicos que utiliza lo absurdo como parte natural de su universo.

Cuando los adultos también necesitan creer

Fui a ‘El árbol muy muy lejano’ atraído principalmente por un reparto que reunía a Claire Foy, Rebecca Ferguson y Andrew Garfield. Foy y Garfield interpretan a una pareja que se sale de algunos moldes establecidos y que incorpora incluso algún alegato feminista (no es el único que hay en el filme), aportando la dimensión adulta de la historia. Eso no significa, curiosamente, que sean ellos quienes representen el lado racional. El personaje de Garfield funciona como un gancho de nostalgia hacia tiempos en los que la tecnología no encorsetaba a la imaginación.

Ferguson sin embargo queda bastante desaprovechada. Su personaje, Dame Snap, funciona como una suerte de versión paródica de Gargamel, una villana exageradísima cuya presencia parece concebida para que el público infantil pueda identificarla inmediatamente como amenaza. El problema es que contar con una actriz de su calibre para un papel tan limitado en tiempo y en presencia deja cierta sensación de oportunidad perdida.

Las pretensiones de la película, en cambio, son bonitas. Muy bonitas. ‘El árbol muy muy lejano’ reivindica recuperar aquellas infancias rodeadas de juegos, aventuras e imaginación, conectando con relatos arquetípicos como ‘Peter Pan’ o ‘Winnie the Pooh’. Su mensaje es tan sencillo como reconocible: cuando nos hacemos adultos dejamos de creer y de soñar.

Y ahí aparece también su vertiente ecologista. La mudanza al campo funciona como una llamada a desconectar de la tecnología y recuperar el contacto con la naturaleza y con las cosas sencillas. La película contrapone constantemente un mundo dominado por pantallas, dispositivos y obligaciones con otro en el que basta un árbol para desencadenar una aventura. Incluso la producción quiso llevar esa filosofía a la práctica evitando el uso de plástico durante el rodaje, una decisión que encaja con el discurso de la película.

Un viaje infantil difícil de compartir

El problema es que el filme parece exigir al espectador adulto que se entregue a ese espíritu de alegría desbordante con la misma intensidad que sus protagonistas. Y a mí me cuesta. Hay una diferencia considerable entre comprender el mensaje y sentirlo. Puedo compartir plenamente la reivindicación de una vida menos dependiente de la tecnología, la necesidad de recuperar el juego o la importancia de mantener cierta capacidad de asombro y, al mismo tiempo, sentirme incapaz de imbuirme de esa embriaguez de optimismo infantil y vitalidad desbordante de cosplayer kawaii.

La película incluso parece consciente de que su público adulto necesita un pequeño empujón para recuperar esa mirada perdida. Pero su solución consiste en aumentar todavía más el volumen de la fantasía, multiplicando personajes estrafalarios, colores, criaturas, decorados y situaciones disparatadas. El resultado es simpático, pero también agotador.

No estamos ante otro ‘Wonka’, ni mucho menos ante la brillantez de ‘Paddington 2’, dos referentes inevitables si tenemos en cuenta la participación del guionista Simon Farnaby en aquellas producciones. ‘El árbol muy muy lejano’ únicamente necesita que los niños quieran subir por ese árbol y que los conocedores de las novelas den el visto bueno. No consigue que yo quiera volver a ser niño, pero al menos recuerda por qué alguna vez quisimos soñar.

Ficha de ‘El árbol muy muy lejano’

Estreno en España: 9 de octubre de 2026. Título original: The Magic Faraway Tree. Duración: 110 min. País: Reino Unido. Dirección: Ben Gregor. Guion: Simon Farnaby, Enid Blyton. Música: Isabella Summers. Fotografía: Zac Nicholson. Reparto principal: Claire Foy, Andrew Garfield, Rebecca Ferguson, Nonso Anozie, Nicola Coughlan. Producción: Ashland Hill Media Finance, Elysian Film Group, Neal Street Productions, Palisades Park Pictures, StudioCanal. Distribución: Diamond Films. Género: fantasía, aventuras, adaptación. Web oficial.

Crítica: ‘Sus hijos’

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Bill Nighy ofrece toda una masterclass sobre las distintas concepciones del legado

‘Sus hijos’ arranca con ‘Nature Boy’, la misma canción que abría ‘Moulin Rouge’, de hecho nos introduce en la casa donde transcurrirá casi toda la acción con un plano idéntico. Pero Pablo Trapero hace algo muy distinto con ella: donde Baz Luhrmann encontraba exotismo, lujo y una exuberancia casi circense, aquí la música acompaña un universo decadente, apagado y enfermizo. Es una declaración de intenciones bastante clara. La película va a hablar de la belleza del legado, pero también de todo aquello que se pudre cuando detrás de una obra brillante hay una persona incapaz de cuidar a quienes tiene cerca.

Andrew Dyer (Bill Nighy) lleva cerca de dos décadas recluido en su mansión. Es un escritor venerado, una eminencia literaria cuyo primer libro se convirtió en un fenómeno, pero hace veinte años que no escribe una sola línea y prácticamente ha desaparecido del mundo. Incluso su agente tiene que responder correos haciéndose pasar por él debido a su aislamiento y a un carácter que oscila entre la misantropía, el alcoholismo y una evidente pérdida de facultades.

La muerte de uno de sus pocos amigos provoca el regreso de Andrew al mundo exterior y, sobre todo, una reflexión sobre su propia mortalidad. El funeral funciona como uno de los detonantes dramático para preguntarse si alguna vez es demasiado tarde para reparar el daño causado. Porque ‘Sus hijos’ habla de muerte, sí, pero sobre todo habla de legado, culpa, errores irreparables y de esa especie de diáspora física y emocional que puede producirse dentro de una misma familia.

La familia como obra inacabada

Los hijos de Andrew viven bajo la sombra de una figura monumental que todo el mundo admira y que ellos, puertas adentro, detestan. Su prestigio es casi una institución, mientras que para ellos no deja de ser el padre que cometió un error imperdonable y después se marchó emocionalmente de sus vidas. Lo interesante es que Trapero no plantea simplemente el conflicto entre un padre ausente y unos hijos resentidos: todos ellos han acabado dedicándose, de una manera u otra, a contar historias.

Richard es guionista y Jamie trabaja en el terreno documental. Andy, el menor, todavía convive con su padre. De algún modo, los tres han heredado aquello que Andrew considera su gran talento, aunque también han heredado las heridas y taras asociadas a él.

La mansión es, en ese sentido, mucho más que un escenario. Está construida como una prolongación de la memoria de Andrew, un gigantesco mausoleo de recuerdos, libros, premios y objetos familiares. Es la imagen física de una familia que ya no existe y que quizá él intenta reconstruir a través de aquello que conserva. Resulta especialmente irónico que desprecie a sus lectores cuando son precisamente ellos quienes han convertido sus novelas en una prolongación de su vida. Andrew siente que el éxito como escritor tuvo un precio: el fracaso como padre.

El propio título original, ‘& Sons’, remite a esa fórmula empresarial que tradicionalmente anuncia un negocio familiar heredado de padres a hijos. Aquí la herencia no es una empresa, sino algo mucho más problemático: una identidad, un apellido y una carga genética. No resulta casual que Trapero dedique la película a su padre, porque la paternidad atraviesa prácticamente cada decisión narrativa.

Ciencia, identidad y una incómoda pregunta moral

Cuando Andrew reúne a sus hijos, ellos esperan una disculpa. En cambio, reciben una revelación que transforma el drama familiar en otra cosa y obliga al espectador a plantearse una cuestión ética relacionada con la ciencia. Trapero mantiene durante buena parte del metraje dos interpretaciones posibles del secreto: podemos estar ante una verdad extraordinaria o ante la fantasía de un hombre que lleva demasiado tiempo aislado y consumiendo alcohol.

Ahí está uno de los mayores aciertos del filme, aunque también uno de sus riesgos. La película utiliza la ciencia ficción como una extensión de su conflicto sobre naturaleza, educación, herencia y libre albedrío, pero nunca abandona del todo el registro de drama familiar. El problema es que algunas de las implicaciones de su planteamiento darían para una película mucho más ambiciosa.

Aun así, el reparto sostiene buena parte del conjunto. Bill Nighy está magnífico como ese escritor desagradable, ególatra y roto, mientras Imelda Staunton aporta una enorme humanidad y termina convirtiéndose en el contrapeso emocional de la función. Pero hay que destacar especialmente a Noah Jupe. Su Andy reproduce gestos, movimientos, modales e incluso la particular manera de hablar de Nighy, hasta convertir esa imitación en una herramienta narrativa y no en una simple gracia interpretativa.

‘Sus hijos’ no siempre consigue que todas sus ideas tengan el mismo peso, pero sí propone una interesante paradoja: quizá el verdadero legado de un padre no sea aquello que deja escrito, sino aquello que deja dentro de sus hijos.

Ficha de ‘Sus hijos’

Estreno en España: 18 de septiembre de 2026. Título original: & Sons. Duración: 119 min. País: Reino Unido. Dirección: Pablo Trapero. Guion: Sarah Polley, Pablo Trapero. Música: Cristobal Tapia de Veer. Fotografía: Diego Dussuel. Reparto principal: Bill Nighy, Imelda Staunton, Dominic West, Johnny Flynn, George MacKay, Noah Jupe. Producción: Infinity Hill, Bankside Films, Calculus Media (in association with), Content Engineers, DK Entertainment International, Dauphin Films, Double Garage Films, Elevation Pictures, LONY Productions, Matanza Cine, Maven Screen Media, Media Finance Capital (financier), Nativa Contenidos, Off Media, Onza Entertainment, Original Films, Prisma Cine, Screen Capital, Tricky Knot. Distribución: Divisa Films. Género: drama. Web oficial.

Crítica: ‘Enfrentados: Marfil’

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Una historia de amor sin empalagarnos llena de traición y acción

Mercedes Ron regresa con una adaptación de su duología ‘Enfrentados’. Este próximo 9 de septiembre, podréis ver la ‘Enfrentados: Marfil’ en vuestras casas gracias a Prime Vídeo. Hemos podido ver la primera película de las dos partes, ‘Enfrentados: Marfil’ y a continuación os contamos lo que nos ha parecido.

Marfil y Sebastian

Mientras paseaba por Central Park, Marfil es secuestrada. Al día siguiente, su padre decide colocarla un guardaespaldas que esté todo el día con ella. Resignada se va haciendo a su nueva vida, con un nuevo compañero de piso y poco a poco el amor va floreciendo.

Si va de mucho más, pero tampoco quiero contar mucho de la trama por que está mucho mejor ir descubriéndola.

Para no gustarme mucho este género, thriller romántico, he de decir que la película me ha enganchado lo suficiente para querer ver el desenlace con ‘Enfrentados: Ébano’. No es para nada una película empalagosa y logra mantener un equilibrio entre el thriller y el amor.

Óscar Pedraza hace muy buen trabajo en la dirección. Dándonos escenas muy bonitas y sugerentes mientras ambos protagonistas van poco a poco acercándose. Y también buenas escenas de acción, cuando ésta aparece en pantalla.

Reparto y continuación

Ester Expósito es la encargada de dar vida a Marfil. De regreso a un papel un tanto parecido a Carla Roson (su personaje en ‘Elite’), pero mucho más adulta. Me ha gustado su interpretación de niña un tanto mimada y también una mujer que quiere vivir en libertad.

Junto a ella encontramos a Hugo Diego García, el encargado de dar vida a Sebastian Moore, ese guardaespaldas que la volverá loca. Pero el reparto no se queda ahí, tenemos al gran Lluís Homar (‘Anomalous’), Pablo Molinero (‘El Inmortal’) o Eric Masip (‘Punto Nemo’), entre muchos otros.

‘Ébano’ por supuesto comparte actores y también director, lo que no sabemos bien cuando será el estreno de esta segunda parte, con mas acción, traiciones y también amor.

Mercedes Ron y su nueva adaptación en Prime

Después de la saga ‘Culpables’, Prime Video ha vuelto a confiar en las historias de Mercedes Ron. Marfil y Ébano son las dos novelas de la saga ‘Enfrentados’ y sin duda vienen pisando fuerte. Pero no solo está pendiente de esta saga, si no que también podremos seguir viendo las siguientes películas de la saga ‘Dímelo’, de la cual tenéis crítica a continuación de ‘Dímelo bajito’.

Una escritora que sin duda está en boca de todos y ahora también podemos disfrutar de sus novelas adaptadas en la pequeña pantalla. Además cuenta con el apoyo de Pookepsie Films, que de momento ha sido la encargada de producir todas sus adaptaciones para Prime Video.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de septiembre de 2026. Título original: Enfrentados: Marfil. Duración: 124 min. País: España. Dirección: Óscar Pedraza. Guion: Sofía Cuenca. Música: Luis Almau. Fotografía: David Acereto. Reparto principal: Ester Expósito, Hugo Diego García, Lluís Homar, Eric Masip, Pablo Molinero, Leander Vyvey, Joaquín Ferreira. Producción: Pokeepsie Films. Distribución: Prime Video. Género: Terror. Web oficial.

Nuevas caras en la serie de Harry Potter

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Más nombres junto a Kit Harrington

Después de ver el tráiler de la primer temporada (aquí podéis verlo), ya comienzan a aparecer los nombres confirmados de la segunda temporada de la nueva serie original de HBO de Harry Potter. Lenny Rush, Bonnie Hill y Billy Barratt son las nuevas incorporaciones a esta segunda temporada en la que veremos la adaptación de la segunda novela de J.K. Rowling, ‘Harry Potter y la cámara secreta’.

Detalles de los protagonistas

Lenny Rush, representado por Curtis Brown y Public Eye Communications, será el encargado de dar voz y vida a nuestro querido Dobby.

Bonnie Hill, representada por Northern Prep Squad Ltd., será la cara de Ginny Weasley, una más de la familia Weasley, tan importante en el futuro para Harry.

Billy Barrat, representado por CAA, SYA, Ace MGMT y Stewart Brookman, de Hansen, Jacobson, Teller, Hoberman, Newman, Warren, Richman, Rush, Kaller, Gellman y Meigs & Fox. Será ni más ni menos que Tom Ryddle, sin duda uno de los personajes más importantes de este libro.

Los tres personajes son de gran importancia en esta segunda aventura que ya está poniendo todas sus cartas en la mesa. Hace poco tuvimos el honor de saber que Kit Harrington será Gilderoy Lockhart.

Harry Potter y sus andanzas por Hogwarts

El 25 de diciembre tendremos la ocasión de disfrutar de la primera temporada de esta serie que pinta como una gran adaptación de los libros. Al final tienen más minutos para poder adaptar bien los libros de J.K. Rowling añadiendo pequeños detalles que en las películas tuvieron que omitir o incluso cambiar por falta de tiempo. Aun tendremos que esperar un poco para que esto ocurra, pero sin duda creo que la espera va a merecer mucho la pena.

Crítica: ‘Marsupilami’

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Philippe Lacheau y su tropa convierten al mítico personaje en una divertidísima gamberrada

Philippe Lacheau vuelve a demostrar que posee un talento especial para la comedia física desatada, el humor de acumulación y las referencias cinematográficas. Con ‘Marsupilami’, el director francés firma una continuación espiritual (y también argumental) de ‘En busca de Marsupilami’ (2012), recuperando incluso al personaje de Pablito Camaron interpretado por Jamel Debbouze, convertido en la única persona del mundo que conoce el paradero del legendario animal creado por André Franquin. No hace falta haber visto aquella película para seguir esta aventura, aunque el enlace entre ambas recompensa a quienes sí lo hicieron.

Paradójicamente, el gran problema del filme es precisamente aquello que promete su título. Se suponía que reproducir al Marsupilami mediante una marioneta física y efectos animatrónicos permitiría una presencia más tangible y creíble del personaje. Y, cuando finalmente aparece, esa apuesta se agradece muchísimo. La criatura posee textura, peso y una naturalidad que difícilmente habría conseguido un modelo completamente digital. Sin embargo, durante buena parte del metraje da la impresión de que el presupuesto hubiese obligado a esconderlo tanto como si estuviera realizado únicamente mediante CGI. El Marsupilami tarda cerca de media hora en hacer acto de presencia, una espera excesiva para una película construida alrededor de él.

Hasta ese momento, Lacheau, convertido también en protagonista, junto al resto de su reparto habitual, mantiene el interés gracias a una sucesión constante de situaciones absurdas, caídas, persecuciones y equívocos. La película nunca deja de entretener, es divertida sin peros al respecto. Simplemente permanece la sensación de que habría sido mucho más satisfactoria con una mayor presencia del animal.

Humor desenfrenado, parodias y una criatura adorable

Cuando el pequeño Marsupilami entra realmente en escena, el filme encuentra por fin su auténtica personalidad. Aquí no pronuncia el mítico «¡Houba!», sino que emite pequeños sonidos que recuerdan inevitablemente a Gizmo, una decisión lógica si entendemos que se trata de una cría del Marsupilami clásico. Conserva, eso sí, toda esa naturaleza salvaje, imprevisible, indómita y dada al caos que convierte auténticas barbaridades en simples travesuras entrañables.

Además, Lacheau aprovecha cualquier ocasión para desplegar su pasión por la parodia. El pequeño Marsupilami puede perrear, recrear momentos de ‘Titanic’, homenajear a ‘E.T.’ o incluso evocar ‘Liberar a Willy’. No sorprende demasiado viniendo del responsable de ‘Super ¿quién?’, una película que ya demostraba su habilidad para burlarse con cariño de los grandes éxitos del cine comercial. Tampoco conviene olvidar que esta no es su primera adaptación de una obra ilustrada. En 2018 dirigió ‘City Hunter’, cuya irreverencia terminó conquistando incluso al autor del manga original. Aquellas mismas pillerías narrativas aparecen aquí una y otra vez.

Como ya es habitual, Lacheau vuelve a rodearse prácticamente de toda La bande à Fifi, ese grupo de colaboradores con los que lleva más de una década construyendo sus comedias (casi como Santiago Segura haciendo filmes con sus amiguetes). A ese equipo suma dos nombres de enorme peso dentro de la comedia francesa como Jamel Debbouze y Jean Reno, cuya sola presencia aporta un plus de carisma.

Una comedia más adulta de lo que parece, entre la nostalgia del cómic y el cine popular

Aunque visualmente resulte una película accesible para el público infantil gracias a las monerías del Marsupilami, la abundancia de humor verde y algunos chistes de doble sentido dejan claro que buena parte de sus destinatarios son quienes crecieron leyendo los álbumes del personaje. No porque adapte fielmente las viñetas y por sus subidas de tono, sino porque también conecta con la nostalgia de una generación concreta.

Curiosamente, muchos de los mejores gags ni siquiera dependen del Marsupilami. Funcionan gracias al reparto humano y a una maquinaria cómica perfectamente engrasada. Eso provoca una sensación contradictoria: durante bastantes minutos podría tratarse de cualquier otra comedia de Philippe Lacheau sin pertenecer necesariamente al universo del animal de Palombia.

El componente familiar aparece sobre todo mediante la relación entre el protagonista infantil y la criatura, una amistad que intenta llenar el vacío emocional provocado por unos padres continuamente en disputa. Esa dimensión aporta algo de corazón entre tanta locura.

Pero quizá el aspecto más interesante sea otro. Más allá de su obsesión por imitar superproducciones hollywoodienses o elevar ligeramente el rango de edad de sus películas, Lacheau reivindica aquí una tradición muy francesa: la del humor heredero del cómic franco-belga. No solo recupera a uno de sus personajes más emblemáticos, sino que salpica el relato de referencias generacionales como ‘E.T.’, ‘Liberar a Willy’ o la inolvidable serie ‘Érase una vez… la vida’, estableciendo un puente entre varias décadas de cultura popular.

Ficha de ‘Marsupilami’

Estreno en España: 12 de agosto de 2026. Título original: Marsupilami. Duración: 99 min. País: Francia. Dirección: Philippe Lacheau. Guion: Julien Arruti, Pierre Dudan, Philippe Lacheau, Pierre Lacheau. Música: Maxime Desprez, Michaël Tordjman. Fotografía: Pierric Gantelmi d’Ille. Reparto principal: Philippe Lacheau, Jamel Debbouze, Elódie Fontan, Tarek Boudali, Jean Reno. Producción: Pathé, Baf Prod, TF1 Films Production, Logical Content Ventures, Artémis Productions, Shelter Prod, Canal+. Distribución: YouPlanet. Género: comedia, adaptación. Web oficial.

Crítica: ‘Se tiene que morir mucha gente’

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Divertida, tierna y llena de realidad

El 21 de mayo llega a nuestras pantallas ‘Se tiene que morir mucha gente’, una serie de 6 episodios de unos 30 minutos cada uno, que ya hemos podido ver y que nos ha gustado mucho. Bajo la dirección de Victoria Martín, Movistar Plus+ nos trae esta serie protagonizada por Anna Castillo, Macarena García y Laura Weissmahr.

Las buenas amistades están en las malas y en las malas

Tres amigas se reencuentran en la Fiesta de Revelación de Género de una de ellas. Bárbara y Elena han seguido en contacto, Elena es la que ha tardado en volver a verlas y está a punto de estallar. Literalmente, pues está casi de 9 meses de embarazo y también porqué le ha entrado pánico a esa vida de casada con un hombre de 60 años millonario y un bebé en camino. Bárbara es otra bomba de relojería que vive a base de benzodiacepinas y se ve a si misma de niña y lo lleva con demasiada normalidad. Mientras que Maca es una enamorada de la vida y a la que le cuesta estar sola.

Todas ellas tienen que lidiar con la vida, con las decisiones tomadas, con sus sentimientos y sus pensamientos pesimistas. La serie tiene un humor bastante crítico y me encanta que realmente parecen amigas. La química que tienen todas ellas, la manera de echarse pullas, de quererse y de odiarse a la vez es fantástica y me parece un acierto y un gran trabajo por parte de todas.

De la novela a la televisión

Todos tenemos la típica lista de libros pendientes y ‘Se tiene que morir mucha gente’ es uno de los míos. Me encantó la portada y no dude en acercarme a él. Después de ver la serie, tengo unas ganas de cogerlo y disfrutarlo como he disfrutado con esta historia.

Victoria Martín es la encargada de escribir la novela y de dirigir ‘Se tiene que morir mucha gente’, esto se nota ya que ha tratado a la historia con un gran amor y con un gran detalle en todo lo que vemos. Junto a ella dirige Sandra Romero y Nacho Pardo y por supuesto la adaptación del guion es de ella también.

Como he comentado, ha reunido un reparto muy natural, Anna Castillo y Macarena García, además de ser amigas, en pantalla logran una química increíble. Pero también ha sido un gran acierto contar con Laura Weissmahr. Actriz que tiene un papel muy dulce frente a los dos terremotos que tiene al lado.

Pero sin duda, aunque ellas están perfectas, tengo que hablar de Sofía Otero. Actriz en 2023 ganó el Oso de Plata a la Mejor Interpretación Protagónica por ‘20000 especies de abejas’. Convirtiéndose en la actriz más joven en conseguir este galardón y que aquí me ha parecido tremenda. Tiene un papel muy visceral, es el personaje de Bárbara en su niñez, pero realmente es la mala conciencia que la está incitando una y otra vez a seguir medicándose y a odiar a todo el mundo. Me ha encantado, me he reído muchísimo con ella y la verdad que está fabulosa.

Lo difícil que nos ponemos muchas veces la vida

Y es que al final, ‘Se tiene que morir mucha gente’ es no procesar lo que se nos viene encima. No lograr digerir que la vida no es lo que uno quiere, si no que tiene baches y que esos baches te ayudan a crecer y convertirte en la persona que eres. Una serie que sin duda recomiendo, he disfrutado, me he reído y sufrido con estas tres amigas a las que les da un vuelco loco la vida y tienen que soportarse de golpe y porrazo.

Crítica: ’53 domingos’

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La tragedia cínica de no soportar a tu propia familia

Cesc Gay vuelve a apoyarse en su mayor fortaleza: los actores en espacios íntimos y reducidos. En ‘53 domingos’ reúne a un cuarteto de intérpretes que funcionan como un mecanismo de relojería dramática. Carmen Machi y Javier Cámara vuelven a interpretar juntos, algo que ya de por sí despierta expectativas, y lo hacen acompañados por dos pesos pesados como Javier Gutiérrez y Alexandra Jiménez.

Es precisamente Jiménez quien articula la película desde su arranque. Rompiendo la cuarta pared con naturalidad y mala leche, su personaje se convierte en catalizador del conflicto familiar, exponiendo sin filtros las miserias de una familia política marcada por el reproche y el doble sentido. Desde esa posición, marca el ritmo del relato, como si levantara la batuta de una orquesta en la que los demás ejecutan cada réplica cargada de intención.

El guion, fiel al estilo de Gay, convierte los diálogos en auténticos duelos verbales. Los hermanos protagonistas, atrapados en una dinámica de resentimientos larvados, se lanzan pullas con una mezcla de cinismo apenas disimulado y sinceridad hiriente. No hay grandes giros argumentales, pero sí una tensión constante que mantiene viva la película.

Del teatro al cine: una adaptación que mantiene su esencia

‘53 domingos’ nace de una obra teatral previa del propio director, estrenada en Cataluña en 2020. Aunque la ciudad de Madrid aparece reconocible, ese origen se percibe en su estructura y en su puesta en escena: espacios cerrados, protagonismo absoluto de la palabra y una economía narrativa que se apoya en la interpretación. En su versión en castellano, actualmente representada en el Teatro Pavón, el papel que aquí encarna Cámara es interpretado por Julián López, lo que evidencia la flexibilidad del texto y su capacidad para adaptarse a distintos registros actorales.

Lejos de esconder ese origen teatral, Gay lo abraza. La cámara no intenta “abrir” artificialmente la historia, sino que se sitúa como un testigo privilegiado de las conversaciones, subrayando gestos a escondidas y desaprobaciones veladas. Esta decisión refuerza la sensación de estar asistiendo a algo incómodamente real, casi como si el espectador estuviera sentado en el sofá de ese salón familiar donde todo se dice… y todo se guarda.

Curiosamente, dentro de la filmografía del director, esta podría considerarse una de sus propuestas más luminosas desde el punto de vista visual. El etalonaje apuesta por una paleta de colores más viva de lo habitual, en contraste con la densidad emocional de lo que se cuenta. Ese color parece dialogar con el caos interno de los personajes: cuanto más vibrante es la imagen, más evidentes resultan las grietas.

Humor ácido, crueldad soterrada y el peso de los vínculos familiares

En el núcleo de ‘53 domingos’ hay una cuestión tan universal como incómoda: qué hacer con un padre que empieza a perder la cabeza. La película no convierte este conflicto en un melodrama, sino en un campo de batalla moral donde afloran egoísmos, culpas y responsabilidades compartidas o más bien evitadas.

Gay aborda este tema con su habitual sarcasmo e ironía, construyendo escenas donde el humor emerge de lo incómodo. Las discusiones no buscan tanto resolver el problema como posponerlo, disfrazarlo o trasladarlo al otro. En ese sentido, la película habla del “amor obligatorio”, ese que se presupone entre familiares pero que, en la práctica, está lleno de fisuras.

Hay también un trasfondo particularmente incómodo en la forma en que se retrata la vejez. Sin caer en lo explícito, la película sugiere una realidad cruel: el momento en que un progenitor deja de ser figura de autoridad para convertirse en una carga. Esta idea recorre la historia como un eco constante, aportando una capa de gravedad que contrasta con la ligereza aparente del tono. Y, sin embargo, probablemente estemos ante una de las películas más accesibles de Gay. No porque suavice su mirada (que sigue siendo incisiva), sino porque el humor actúa como vía de entrada. El espectador se ríe, pero lo hace reconociendo verdades incómodas.

‘53 domingos’ es una obra que confirma la coherencia autoral de Cesc Gay: un cine de palabras, de actores y de conflictos íntimos que, sin necesidad de grandes artificios, logra interpelar directamente al espectador. Una película que, como esas comidas familiares interminables, deja un regusto agridulce: incómoda, reconocible y, en última instancia, profundamente trágica.

Ficha de ’53 domingos’

Estreno en España: 27 de marzo de 2026. Título original: 53 domingos. Duración: 78 min. País: España. Dirección: Cesc Gay. Guion: Cesc Gay. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Andreu Rebés. Reparto principal: Carmen Machi, Javier Cámara, Javier Gutiérrez, Alexandra Jiménez. Producción: Imposible Films. Distribución: Netflix. Género: drama, comedia. Web oficial.

Clip exclusivo de ‘Maigret y la muerte del embajador’

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Primer vistazo al nuevo caso del mítico inspector que llega a cines el 27 de marzo

La adaptación cinematográfica de ‘Maigret y la muerte del embajador’ calienta motores antes de su llegada a salas, y tenemos la suerte de poder brindaros un clip exclusivo que adelanta el tono y la atmósfera de este nuevo caso protagonizado por el legendario comisario creado por Georges Simenon.

La película se estrenará en cines el próximo 27 de marzo de la mano de ADSO Films, tras su paso por la Sección Mosaico: Panorama Internacional del Festival de Málaga, que se celebró del 6 al 15 de marzo.

Un regreso al crimen clásico con el sello de Pascal Bonitzer

El encargado de dirigir esta nueva adaptación es Pascal Bonitzer, cineasta con una sólida trayectoria en el cine europeo y reconocido en festivales internacionales. Bonitzer recupera la esencia más pura del personaje de Maigret, alejándose del thriller moderno para apostar por una investigación más introspectiva y psicológica.

En palabras del propio director, la figura de Maigret representa “el fin de un mundo”, una forma de investigar previa al dominio de la tecnología forense y digital. Por ello, la historia se sitúa en un tiempo anterior a la omnipresencia de los smartphones e Internet, reforzando ese carácter clásico.

Denis Podalydès encabeza un reparto de alto nivel

El protagonista de la película es Denis Podalydès, quien da vida al icónico inspector en esta ocasión. El actor, nominado en cuatro ocasiones a los premios César, aporta una interpretación sobria y cargada de matices. Le acompañan nombres destacados del cine francés como Irène Jacob, Olivier Rabourdin, Anne Alvaro, Manuel Guillot, Dominique Reymond, Laurent Poitrenaux y Micha Lescot.

Un caso de intrigas diplomáticas y pasiones ocultas

Basada en la novela ‘Maigret et les Vieillards’, la trama arranca con el asesinato de un antiguo embajador francés. La investigación conducirá a Maigret a un entorno de secretos, relaciones ocultas y tensiones sociales, marcado por la relación sentimental entre la víctima y una princesa recientemente viuda.

Este nuevo caso promete recuperar la esencia del noir europeo más clásico, donde la psicología de los personajes es tan importante como la resolución del crimen.

Ya puedes ver el clip exclusivo de ‘Maigret y la muerte del embajador’

Un primer vistazo imprescindible para los amantes del cine policiaco clásico y de las adaptaciones literarias con personalidad propia.

Crítica: ‘Return to Silent Hill’

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Un gran regreso a Silent Hill

Que bueno ha sido volver a Silent Hill. Hace años, tuvimos la oportunidad de estar con Christophe Gans en el Festival de Sitges y sin duda se le veía con ganas de volver a este oscuro pueblo.

Adaptación de Silent Hill 2, antes de seguir, no he jugado al juego y tampoco puedo opinar demasiado en cuanto a adaptación. Me he empapado de vídeos en los que lo resume o gameplays, pero lo dicho, tampoco puedo opinar 100%. Por lo que he visto, puedo decir que la base está bien y que hay elementos que cambian en la película.

¿Por qué regresamos a Silent Hill?

James, un pintor deprimido, recibe una misteriosa carta por parte de su mujer, Mary. Pensando que estaba muerta, James decide embarcarse en un viaje de tinieblas al pueblo en el que en algún momento fueron felices, para poder localizarla. A partir de poner el pie en Silent Hill, criaturas del mismísimo infierno se lo van a poner bastante difícil a nuestro protagonista.

Como película me ha parecido muy entretenida. Vamos descubriendo la historia como si estuviésemos dentro del videojuego y poco a poco nos van presentando a los distintos personajes y por supuesto vamos viendo distintas criaturas a cada cual más chula.

Presupuesto bajo muy bien aprovechado

Una de las cosas que recuerdo del primer Silent Hill de Christophe Gans, es su CGI. Hace poco la volví a ver y evidentemente en la actualidad hemos visto cosas mucho mejores, pero allá en el año 2006 la verdad que impresionaba bastante. Sus criaturas, las texturas todo estaba de maravilla.

Lo que me ha pasado con ‘Return to Silent Hill’ ha sido lo contrario, el CGI es bastante regular, pero sin duda, el director ha sabido jugar bien con el poco presupuesto y cuando quizás no hubiesen funcionado esos efectos un tanto limitados, nos brinda escenas que parecen sacadas del videojuego y logra un efecto bastante curioso y elegante.

Reparto y equipo técnico

Una de las gozadas de la película sin duda ha sido la banda sonora y la fotografía. Y es que Akira Yamaoka es el encargado de la banda sonora que el mismo ya puso al videojuego. Mientras que la fotografía a manos de Pablo Rosso es una gozada, si que es verdad que está acostumbrado hacer este tipo de trabajos, gracias a ’30 monedas’, ‘Verónica’ o ‘REC’, está claro que el cine de monstruos es lo suyo y sabe captarlo perfectamente.

En cuanto a la dirección, que puedo deciros de Christophe Gans, que sin duda sabe muy bien lo que hace y cuida hasta el mínimo detalle. Los movimientos de cámara, la manera de dirigir a los actores, logra que nos creamos que estamos dentro de un videojuego. Es un gusto que haya vuelto a dirigir una película sobre la saga, porque sin duda se nota que le gusta.

Jeremy Irvine me ha impresionado mucho. Está estupendo en este papel protagonista y la verdad que luce bien como héroe atormentado. Junto a él encontramos a Hannah Emily Anderson, igual, no la conocía y ha sido también una grata sorpresa.

Evie Templeton, Robert Strange, Pearse Egan, Eve Macklin, Emily Carding, Martine Richards, Howard Saddler, Matteo Pasquini o Melissa Graham son parte de estos habitantes en el pueblo del que no pueden escapar.

Diseño de criaturas y final

Las criaturas me han parecido una pasada, repetimos algunas de ellas, como las enfermeras, con un aspecto un tanto diferente o incluso esos torsos con piernas que escupen ácido. Por supuesto tenemos a Pirámide, pero como digo, tenemos alguna que otra sorpresa que no voy a desvelar, pero que son tan criaturas japonesas que os va a encantar.

Como podéis ver, no puedo negaros que la película pese a sus carencias, me ha gustado mucho. Se que no es un 10, pero sinceramente, es ‘Return to Silent Hill’ merece mucho la pena y es una gran manera de volver adentrarnos en este pueblo tan misterioso. 

Ficha de ‘Return to Silent Hill’

Estreno en España: 23 de enero de 2026. Título original: Return to Silent Hill. Duración: 106 min. País: Francia. Dirección: Christophe Gans. Guion: Christophe Gans, William Schneider, Sandra Vo-Anh. Música: Akira Yamaoka. Fotografía: Pablo Rosso. Reparto principal: Producción: Davis Films, The Electic Shadow Company, Supernix, Work in Progress, Ashland Hill Media Fiance, Konami, Bloody Disgusting, Hassell Free Productions, Maze Pictures, Metropolitan. Distribución: Tripictures. Género: terror, adaptación. Web oficial.

Crítica: ‘The Running Man’

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En qué plataforma ver The Running Man

Sinopsis

En una sociedad de un futuro cercano, The Running Man es el programa de mayor audiencia de la televisión: una competición mortal en la que los concursantes, conocidos como runners, deben sobrevivir 30 días mientras son perseguidos por asesinos profesionales. Cada movimiento es retransmitido a un público sediento de sangre y cada día que sobreviven aumenta la recompensa económica.

Desesperado por salvar a su hija enferma, Ben Richards (Glen Powell), un hombre de clase trabajadora es convencido por el encantador, pero despiadado productor del programa, Dan Killian (Josh Brolin), para participar en el juego como último recurso. Pero la rebeldía, el instinto y la determinación de Ben lo convierten en un inesperado favorito de los fans y en una amenaza para todo el sistema. A medida que se disparan los índices de audiencia, también lo hace el peligro, y Ben debe burlar no sólo a los runners, sino a una nación adicta a verle caer.

Crítica

Tan divertida, imprevisible e incendiaria como un monólogo de Ricky Gervais

Nueva adaptación de una novela de Stepen King, este año está siendo prolífica la cosa. ‘The Running Man’ es una obra de cuando King escribía bajo el pseudónimo de Richard Bachman, al igual que el reciente y recomendable estreno ‘La larga marcha’. Además estamos hablando de un remake y seguro que todos tenemos en mente la película de Arnold Schwarzenegger, sino ya se han encargado de refrescárnosla con la promoción en la que el actor ha participado. Evidentemente esta nueva obra tiene puntos en común con la película de Paul Michael Glaser, pero la capacidad de dirigir y de mover las cámaras magistralmente hacen que el espectáculo sea mayor. ‘The Running Man’ supone otra lección de rodaje y montaje de Édgar Wright. Además el enfoque es mucho más cómico y lleno de acción sin cesar. Es tan divertida, imprevisible y explosiva como un monólogo de Ricky Gervais.

Lo primero que destaca es la distancia respecto a la cinta de 1987, que en España conocimos como ‘Perseguido’. La nueva versión se ciñe con mayor fidelidad al espíritu de la novela original, aunque por razones obvias el final ha tenido que ser modificado y aprobado por King. El tiempo se expande más allá de una única noche, la motivación del protagonista se preserva intacta y la crítica hacia los poderes fácticos adopta un peso sustancial dentro del relato. Wright no solo quiere ofrecer acción; quiere desenmascarar el entretenimiento tramposo que adormece a las masas. Quiere sacudir al espectador tanto como el propio concurso sacude a sus participantes hasta tal punto que esta e una película bastante incendiaria.

Aunque se percibe que ha habido cierta prisa a la hora de rodar la película y no se recrea en excesivas filigranas técnicas como pudimos ver en ‘Última noche en el Soho’, el cineasta convierte esta distopía en un festival visual, en otra lección de rodaje y montaje, demostrando una vez más su capacidad para mover la cámara como si formara parte del propio concurso. La película es pura energía revolucionaria, una pieza que rebosa humor negro, ritmo impecable y un sentido eleva el material original sin ridiculizarlo. Aquí la acción no es solo vertiginosa, es cómica, estratégica y coreografiada.

La ambientación cyberpunk envuelve todo con una estética que se siente sucia, saturada, hipertecnológica y al mismo tiempo plenamente reconocible. Y es que, aunque exagerado, este futuro recuerda al presente: a los concursos donde parece que “todo vale”, a las audiencias que consumen violencia emocional por inercia, a la lógica del pan y circo que ha sobrevivido desde Roma hasta nuestros televisores. Wright entiende que ‘The Running Man’ no es solo una persecución, es un espejo incómodo en el que mirarse.

En ese sentido, Glen Powell firma aquí una interpretación que lo coloca desde ya en la lista de favoritos del público. Carismático, agotado, irónico y feroz, sostiene la película incluso cuando todo alrededor se vuelve un caos calculado. Y bajo la batuta de Wright, ese caos se convierte en un placer cinematográfico.

‘The Running Man’ es un espectáculo que combina sátira, explosiones, crítica social y carcajadas, una obra que respeta la novela al tiempo que aprovecha el cine para amplificar su mensaje. Edgar Wright demuestra una vez más que sabe transformar cualquier historia en un festival de estilo.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de noviembre de 2025. Título original: The Running Man. Duración: 133 min. País: Reino Unido. Dirección: Edgar Wright. Guion: Michael Bacall, Edgar Wright. Música: Steven Price. Fotografía: Chung Chung-hoon. Reparto principal: Glen Powell, William H. Macy, Lee Pace, Michael Cera, Emilia Jones, Daniel Ezra, Jayme Lawson, Sean Hayes, Katy O’Brian, Colman Domingo, Josh Brolin. Producción: Complete Fiction, Genre Films, Paramount Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://www.facebook.com/RunningManMovie

Crítica: ‘La larga marcha’

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Sinopsis

En un futuro distópico, cien adolescentes participan en una brutal competición donde deben caminar sin descanso. Si se detienen o reducen la velocidad de la marcha, mueren. Solo uno sobrevivirá.

Crítica

Una de las grandes sorpresas del año

Llega a nuestras pantallas ‘La larga marcha’, basada en la novela de Stephen King. El escritor ha declarado hace poco que realmente estamos ante su primera novela escrita, qué no publicada, la escribió en su primer año en la universidad de Maine, entre 1966 y 1967. La publicó en su día bajo el pseudónimo de Richard Bachman, en 1979.

La historia es sencilla, estamos ante un futuro distópico, donde 100 adolescentes participan en una brutal competición, deben caminar sin descanso. Si se detienen o reducen la velocidad de la marcha morirá. Solo uno podrá sobrevivir.

Después de ‘Los juegos del hambre’ Francis Lawrence, se vuelve a meter en una historia “similar” donde un programa televisivo graba a estos jóvenes mientras van muriendo y superándose a si mismos.

La película podría tirar hacia el lado oscuro del ser humano, que evidentemente también está ahí, pero asimismo vemos la bondad de éste. Se acerca un poco a las historias de camaradería que tanto le gustan a Stephen King. Esas amistades que crecen en momentos de tensión y en donde saben que cualquiera puede morir. La amistad está por encima de todo, los pequeños dramas de estos chavales, que solo quieren el premio final para salir de la pobreza en la que se encuentran o simplemente ayudar a otros, y que vamos conociendo poco a poco durante el metraje.

Cooper Hoffman (‘Licorice Pizza’), David Jonsson (‘Alien: Romulus’), Garrett Wareing (‘Manifest’) Tut Nyuot (‘Steve’), Charlie Plummer (‘El regreso de Ulises’), Ben Wan (‘Karate Kid: Legends’), Joshua Odjick (It: bienvenidos a Derry’), Roman Griffin Davis (‘Jojo Rabbit’), entre muchos otros. Son parte de este reparto joven pero con muchas tablas a sus espaldas. Y que decir de Mark Hamill que repite este año en una cinta basada de Stephen King, que está fabuloso en un papel muy tedioso. Un villano que realmente cree en lo que hace y que piensa que todo está bien.

‘La larga marcha’ está muy bien dirigida, Francis Lawrence, logra mantener la tensión, logra que no perdamos el interés, que suframos con estos jóvenes y les entendamos. Me gusta mucho, que pese que algún que otro personaje tiene ideas bastante diferentes, les terminamos entendiendo. El ir viendo como poco a poco van muriendo personas que van a tu lado y que el siguiente puedes ser tú, es algo que hace mella en la cabeza y puedes tirar para adelante o, al contrario, ser autodestructivo.

‘La larga marcha’ me ha parecido buena película, con elementos fantásticos, como personas que duermen mientras andan, pero lo compro totalmente, al final, hay cosas que hay que permitir sobre todo cuando nos están contando una buena historia. 

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de noviembre de 2025. Título original: The long Walk. Duración: 108 min. País: Estados Unidos. Dirección: Francis Lawrence. Guion: JT Mollner. Música: Jeremiah Fraites. Fotografía: Jo Williems. Reparto principal: Cooper Hoffman, David Jonsson, Mark Hamill, Judy Greer, Charlie Plumer, Roman Griffin Davis, Garrett Wareing, Ben Wang, Joshua Odjick. Producción: Lionsgate, Vertigo Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: Thriller. Web oficial: https://diamondfilms.es/pelicula/la-larga-marcha

Crítica: ‘El talento’

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Sinopsis

Basada en la novela de Arthur Schnitzler ‘La señorita Else’, publicada en 1924, ‘El talento’ cuenta la historia de Elsa (Ester Expósito), una prometedora estudiante de violonchelo que disfruta de la exclusiva fiesta de cumpleaños de su amiga Idoia (Mirela Balić) organizada por el padre de ésta (Pedro Casablanc). Durante este escaparate de la alta sociedad, Elsa recibe una inesperada llamada de su madre que la obligará a tener que elegir entre el futuro de su familia y su dignidad.

Crítica

Suspense clásico, retratos contemporáneos y Ester Expósito con una madurez interpretativa palpable

‘El talento’, la nueva película de Polo Menárguez, llega a las salas como una apuesta ambiciosa dentro del cine español contemporáneo. Se trata de una adaptación libre de una novela de 1924 de Arthur Schnitzler, un escritor vienés famoso por diseccionar las pulsiones humanas y los entresijos morales de la sociedad burguesa. Menárguez y su equipo han querido traer esa esencia al presente, transformando los bailes de salón en coreografías de TikTok, las ensoñaciones etílicas en desfases con drogas, y los coqueteos aristocráticos en tramas donde el lujo digital convive con la decadencia emocional. Sin embargo, pese a estos cambios, el filme conserva un sustrato clásico: la carta misteriosa que inicia la trama, la invitación a una fiesta prohibida, los secretos familiares y los juegos de máscaras.

El arranque de la película es impecable. Durante buena parte del metraje se mantiene un suspense genuino, con una tensión que recuerda a narraciones de esas que siembran misterio entre la jet set del momento. El espectador se siente atrapado en un espacio donde cada gesto puede esconder una traición y cada palabra susurra un secreto. No obstante, ese halo se diluye progresivamente. Cuando los enredos de faldas y los apuntes contemporáneos toman el control, el misterio pierde fuerza, convirtiéndose en un eco de lo que pudo ser un thriller más compacto. Aun así, la tensión de la protagonista (siempre entre la espada y la pared) logra sostener al espectador hasta el desenlace.

Uno de los grandes aciertos de ‘El talento’ es su reparto. Ester Expósito ofrece una gran interpretación. Es cierto que su trayectoria pública ha estado marcada por su imagen sensual en títulos como ‘Élite’ o en redes sociales, pero basta revisar películas como ‘Cuando los ángeles duermen’, ‘Venus’, ‘Tu hijo’, ‘Veneno’ o ‘El llanto’ para descubrir una actriz a la que muchos vemos con registros sólidos y comprometida con personajes que orbitan en torno al machismo, la cosificación o el acoso. En esta ocasión, Expósito se enfrenta a un rol exigente que la impulsa hacia una madurez interpretativa palpable. Para más inri, si la audiencia de esta actriz es por lo general joven, también servirá este filme para acercarles un poco a la música clásica, que evidentemente hoy en día dista de estar de moda. Frente a ella, Pedro Casablanc despliega su habitual solvencia, componiendo un antagonista a la altura de las circunstancias. El duelo actoral entre ambos enriquece notablemente la película.

La producción y parte del guion llevan la firma de Fernando León de Aranoa. Su huella es visible en la mirada hacia los contrastes de clase: los privilegiados adinerados frente al sector servicios y la clase trabajadora que habitualmente sufre vejaciones o desprecios. En ocasiones, esta representación cae en tópicos que restan sorpresa, pero refuerzan un contexto reconocible. La estructura narrativa, casi hitchcockiana, se ve lastrada por un final más atrevido pero menos elegante, condicionado por los códigos actuales del cine. Polo Menárguez abre la película con una escena que adelanta el destino final, una apuesta arriesgada que, sin embargo, logra mantener el interés al rellenar con solvencia el trayecto hacia ese punto culminante.

‘El talento’ se presenta como un relato sobre vulnerabilidad, orgullo y decencia, pero también sobre las huellas que dejan nuestras decisiones. Es una película que invita a reflexionar sobre el precio de lo que hacemos, si el fin justifica los medios, aunque su mensaje se vea parcialmente diluido por escenas accesorias y personajes poco relevantes. A pesar de ello, se trata de una obra que confirma la evolución artística de Ester Expósito y la capacidad de Menárguez para arriesgar con un material clásico y traerlo, con mayor o menor fortuna, a nuestro presente.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de septiembre de 2025. Título original: El talento. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Polo Menárguez. Guion: Fernando León de Aranoa, Polo Menárguez. Música: Carla F. Benedicto. Fotografía: Jose Martín Rosete. Reparto principal: Ester Expósito, Pedro Casablanc, Mirela Balić, Juan Pablo Fuentes, Rocío Muñoz-Cobo, Clara Sans, Marta Aledo. Producción: 3Cat, Coficiné, Comunidad de Madrid, Crea SGR, Movistar Plus+, The MediaPro Studio, Reposado Producciones, RTVE. Distribución: Tripictures. Género: suspense. Web oficial: https://tripictures.com/peliculas/el-talento/

Crítica: ‘Indomables’

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Sinopsis

Muriel y su marido Lee comienzan una nueva vida en California cuando él regresa de la guerra de Corea. Pero su nueva estabilidad se ve alterada por la llegada del carismático hermano de Lee, Julius, un jugador caprichoso con un pasado secreto. Rápidamente se forma un peligroso triángulo amoroso. Cuando Julius se marcha en busca de la joven tramposa de la que se ha enamorado, el anhelo de Muriel por algo más la empuja a una vida secreta propia, apostando a los caballos de carreras y explorando un amor que nunca soñó posible.

Crítica

Una historia old-school con corazón actual

A veces pasan por nuestras carteleras títulos que sin gran inversión de marketing acaban pasando desapercibidos o con salas casi vacías por el reclamo de producciones mayores y aún así convirtiéndose en clásicos a reivindicar para los que le dan una oportunidad. Ese es el caso de ‘Indomables’, la película protagonizada por un elenco de jóvenes estrellas emergentes como Daisy Edgar-Jones, Jacob Elordi y Will Poulter. Dirigida por Daniel Minahan, es una película que desafía convenciones del pasado de manera audaz y tan desafiante como hemo estado viendo en algunos casos en lo último años. Desde su inicio, la cinta se revela como una historia de identidad y libertad, donde cada personaje parece escudriñar sus propias fronteras emocionales y sociales, impulsado por deseos que no siempre encajan en estructuras tradicionales.

Lejos de ser un mero triángulo amoroso, ‘Indomables’ se expande hasta convertirse en más que un triángulo amoroso en un pentágono amoroso: relaciones múltiples entrecruzándose como piezas de un tablero complejo. Lo protagonitas conforman un entramado donde afecto, interés y engaño flirtean constantemente. Este laberinto romántico refleja, casi simbólicamente, una economía emocional intrincada: aquí aparece la idea de jugar a varias bandas, tanto amorosa como económicamente. No es solo pasión y deseo; también hay una contienda, una danza fina entre poder, ganancia y vulnerabilidad. Cada personaje parece invertir (emocional o materialmente) en alianzas que pueden ser desmanteladas en cualquier momento. Y lo que predomina en todo momento es un sentimiento de peligro: peligro al apostar, peligro de que te descubra tu pareja, peligro al hacer trampa, peligro a que se desvele tu homosexualidad…

Hay un gusto muy marcado por lo retro: la ambientación, el vestuario, la banda sonora y ciertos guiños estéticos nos transportan directamente a los años 50. ‘Indomables’ nos hace volver a esa época basándose en la novela de Shannon Pufahl. Además hay algo ‘old school’ en su planteamiento, en la gestualidad de los personajes, incluso en el ritmo narrativo. Los diálogos tienen la cadencia de Hollywood clásico, pero proyectados con una claridad moderna y libre de censura o tabúes sociales. En cierto sentido, ‘Indomables’ actúa como una revisión contemporánea de figuras icónicas como Marlon Brando, John Wayne o James Dean, ese espíritu rebelde e íntimo, pero refractado a través de una mirada de hoy. No se trata de una copia, sino de una reinterpretación consciente, como si el director hubiese querido revisar aquella época sin ánimo de cancelar lo hecho hasta ahora, pero si de invitarnos a la amplitud de miras.

El tema LGBTQI+ se hila con naturalidad a lo largo de la historia, sin fórmulas ni estridencias. La identidad fluye, las etiquetas se desdibujan. La cinta explora con elegancia y potencia cómo amar y pertenecer pueden ir de la mano de la libertad de ser. Esa dualidad (identidad y libertad) está en el centro de los conflictos internos: el deseo de autenticidad frente al miedo a la marginación, las redes de afecto que refuerzan, pero también encadenan, y la necesidad de romper esos grilletes para alcanzar una libertad plena.

Daniel Minahan, a través de una puesta en escena calculada y sutil, logra un equilibrio entre lo vintage y lo contemporáneo. No hay estridencias visuales: predominan planos sobrios, iluminación tenue, tonos pastel y sombras largas que recuerdan los grandes estudios, pero con una paleta emocional más diversa. La sensación es nostálgica, pero no sacada de un museo.

El guion aprovecha esa base literaria para explorar psicologías complejas. Los silencios valen tanto como las palabras, y ciertos gestos o miradas evocan más que diálogos explícitos. La carga simbólica de la época de los 50 (con su moral implícita y su glamour conservador) se fractura con la pluralidad de los cuerpos y afectos que circulan en ‘Indomables’.

No todo encaja; a veces la densidad temática hace que ciertos arcos narrativos queden un poco comprimidos hacia el final. Pero esta compresión también agrega tensión, como si los personajes se viesen obligados a resolverse antes de lo esperado. Y aunque se agradece esa intensidad, tal vez un poco más de expansión en algunos vínculos hubiese permitido un cierre menos abrupto emocionalmente, pese a que tiene una escena final elegante.

Es una obra valiente, rica y evocadora. Una película que nos invita a revisar lo que damos por clásico y a pensar en la identidad y el deseo como fuerzas siempre renovables. Entre referencias retro, tensión emocional y libertad contemporánea, Minahan propone una mirada audaz al amor, al poder, a la identidad y al campo de fuerzas afectivas que atraviesa a cada persona.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de agosto de 2025. Título original: On Swift Horses. Duración: 117 min. País: EE.UU. Dirección: Daniel Minahan. Guion: Bryce Kass. Música: Mark Orton. Fotografía: Luc Montpellier.  Reparto principal: Daisy Edgar-Jones, Jacob Elordi, Will Poulter, Diego Calva, Sasha Calle. Producción: Ley Line Entertainment, FirstGen Content, Cor Cordium, The Dan Corp, Wavelength, Killer Films. Distribución: Beta Fiction. Género: romance, drama. Web oficial: https://www.leylineentertainment.com/on-swift-horses

SYFY estrena Revival, serie sobrenatural protagonizada por Melanie Scrofano

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Basada en el cómic de culto de Tim Seeley

SYFY ha confirmado que el próximo 6 de octubre llegará a su programación ‘Revival’, una nueva serie de drama paranormal que promete conquistar a los amantes del suspense, lo sobrenatural y las historias cargadas de misterio. El proyecto está protagonizado por Melanie Scrofano, conocida por su papel en ‘Wynonna Earp’ y se basa en el aclamado cómic homónimo de Image Comics, obra de Tim Seeley y Mike Norton.

Una historia de muertos que regresan… y no buscan venganza

En ‘Revival’, Melanie Scrofano da vida a Dana Cypress, una agente de policía y madre soltera que vive en la pequeña localidad de Wausau, en el estado de Wisconsin. Su vida cambia por completo cuando, tras un evento conocido como “El Día del Retorno”, los muertos comienzan a resucitar sin explicación aparente. A diferencia de otras ficciones del género, estos «resucitados» no son zombis hambrientos, sino personas aparentemente normales… con algunas diferencias inquietantes.

Mientras el pueblo se encuentra bajo cuarentena federal, aislado del mundo exterior y asfixiado por la paranoia, Dana deberá investigar un crimen imposible: un asesinato cuya víctima está viva. Este caso la lleva a sumergirse en una red de secretos familiares, conspiraciones, tráfico ilegal de cuerpos y fanatismo religioso, mientras intenta mantener a salvo a su hija.

Un thriller sobrenatural con alma de drama humano

Completando el reparto principal se encuentra David James Elliott en el papel de Wayne Cypress, el sheriff del pueblo y padre de Dana, que lucha por mantener la calma en una comunidad al borde del colapso. Las tensiones sociales, las interpretaciones religiosas del fenómeno y los oscuros intereses que emergen en la sombra convierten a ‘Revival’ en una serie que explora los límites entre la vida, la muerte y lo que hay en medio.

Con una atmósfera asfixiante, ‘Revival’ combina thriller policial, drama familiar y elementos paranormales, siguiendo el espíritu del cómic original que se publicó durante 47 números entre 2012 y 2017, y que en España ha sido editado por Aleta Ediciones.

Producción de alto nivel y estreno multiplataforma

La serie está producida por Blue Ice Pictures y Hemmings Films, y cuenta con Aaron B. Koontz y Luke Boyce como showrunners. Entre los productores ejecutivos figuran también Melanie Scrofano, Lance Samuels, Amanda Row, Samantha Levine, Daniel March, entre otros.

‘Revival’ se estrenará el 6 de octubre en SYFY y estará también disponible bajo demanda en Universal+, ampliando su alcance a los suscriptores de la plataforma de streaming.

¿Por qué no te la puedes perder?

  • Basada en un cómic de culto, con una fiel adaptación visual y argumental.

  • Una protagonista carismática y fuerte, interpretada por Melanie Scrofano.

  • Una historia que mezcla misterio, horror y emoción con temas sociales actuales.

  • Producción de calidad con ambientación oscura y tensiones crecientes.

  • Disponible en SYFY y Universal+, ideal para amantes de las series sobrenaturales.

Prime Video inicia el rodaje de ‘Todo arde’, basada en el bestseller de Juan Gómez-Jurado

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La adaptación cinematográfica de Todo arde amplía el universo de Reina Roja y cuenta con un reparto estelar encabezado por Aura Garrido

Prime Video ha comenzado el rodaje de ‘Todo arde’, su próxima película Original española basada en el exitoso thriller de Juan Gómez-Jurado, autor de la trilogía superventas compuesta por ‘Todo arde’, ‘Todo vuelve’ y ‘Todo muere’. Esta nueva producción promete convertirse en un fenómeno cinematográfico, ampliando el universo de la popular serie ‘Reina Roja’.

Una historia trepidante de acción, venganza y sororidad

En ‘Todo arde’, Aura Reyes, interpretada por Aura Garrido (‘Un asunto privado’, ‘Daniela Forever’), está al borde del abismo: a punto de ingresar en prisión por un delito que no cometió, tras ser una poderosa inversora en banca. Con sus hijas pequeñas como única motivación, trazará un arriesgado plan para mantenerse en libertad: asaltar un casino clandestino. Pero no lo hará sola.

La acompañan en esta misión imposible Mari Paz Celeiro, una exlegionaria con un pasado traumático interpretada por Victoria Teijeiro (‘La isla de las mentiras’, ‘Nowhere’) y Sere Quijano, una hacker antisistema y esotérica encarnada por María Rodríguez Soto (‘Los días que vendrán’, ‘Casa en llamas’). Juntas formarán un trío explosivo dispuesto a enfrentarse al sistema que las ha aplastado.

Reparto de lujo y conexiones con Reina Roja

El elenco de ‘Todo arde’ se completa con grandes nombres del cine y la televisión española: Silvia Abascal (‘La Catedral del Mar’, ‘Reina Roja’ T2) como la Comisaria Romero, Francesc Orella (‘Merlí’, ‘El buen patrón’) como Ponzano, Emma Suárez (‘Julieta’, ‘La ardilla roja’), quien retoma su papel de Laura Trueba, conectando directamente esta historia con la exitosa adaptación de Reina Roja,

Esta estrategia refuerza el ambicioso universo narrativo que Prime Video está construyendo en torno a las novelas de Gómez-Jurado, uno de los autores españoles más leídos de los últimos años.

Dirección y producción de primer nivel

Todo arde está dirigida por Samantha López Speranza (‘Sin huellas,’ ‘Todos los lados de la cama’) y escrita por Laura Sarmiento (‘El cuerpo en llamas’, ‘Intimidad’), una dupla creativa que garantiza tensión narrativa, profundidad de personajes y una puesta en escena vibrante.

La producción corre a cargo de Oslodije, con Eneko Gutiérrez y Aritz Cirbián como productores, y se está rodando íntegramente en Madrid.

Prime Video apuesta por el thriller femenino

Con ‘Todo arde’, Prime Video refuerza su compromiso con la producción nacional y las historias con protagonismo femenino. Este thriller con toques de drama social y acción promete conquistar tanto a los fans del libro como a quienes buscan nuevas historias en plataformas de streaming.

La película todavía no tiene fecha oficial de estreno, pero se espera que llegue a Prime Video en 2026, ampliando el fenómeno literario de Juan Gómez-Jurado en la pantalla y consolidando su universo como una de las franquicias más potentes del audiovisual español.