Divisa Home Videoha creado dos packs maravillosos con todo el trabajo de José Luis Garci. Hemos gozado de la oportunidad de poder tener entre nuestras manos el primer pack, que va del años 1977 al 1992. Sale a la venta a partir del día 21 de octubre de 2024 y en este artículo desgranamos su contenido y ofrecemos una minuciosa galería de fotos además de un unboxing en vídeo.
Un imprescindible y merecido homenaje a uno de los directores más importantes de la historia de nuestro cine, mundialmente reconocido como el primer español en conseguir el Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa. Guionista, escritor, director y divulgador incansable, José Luis Garci es capaz de navegar entre géneros, regalarnos interpretaciones memorables de sus actores y ser cronista de la Transición con fondo radiofónico, nostalgia y mucha nicotina.
En esta edición limitada, no solo encontramos las películas del director desde 1977 hasta 1992, sino que también tenemos 7 episodios de la serie ‘Historias del otro lado’ de TVE en DVD. Además contiene un extracto del libro de Andrés Monet ‘Una vida de repuesto’ de más de 300 páginas, ilustrado con un magnífico contenido gráfico y cartelería inédita.
Además, este pack está lleno de detalles. Su presentación es impecable y muy cuidada. Los Blu-ray vienen representados en color dorado, mientras que los DVD son de color blanco para diferenciarlos. Esta gran edición proporcionan un total de 821 minutos aproximadamente de buen cine en casa, algo insuperable hoy en día entre las ofertas del mercado.
Contenido del pack
‘Asignatura pendiente’
José y Elena fueron novios durante su adolescencia en los año de la dictadura. Ahora la democracia se abre camino en España y ambos están casados con otras parejas, con las que tienen familias y con las que viven vidas completamente normales. Un día, inesperadamente, los dos vuelven a encontrarse… y vuelven a enamorarse de nuevo.
Incluye el cortometraje ‘Mi marylin’ (1975) 18 min.
‘Solosen la madrugada’ (inédita en Blu-ray).
José, periodista y locutor de radio, realiza un programa diario con el título de ‘Solos en la madrugada’, que ha conseguido una enorme audiencia nacional. Casado y separado de Elena, José tiene dos hijos, a los que casi no ve. Entonces conoce a Maite, más joven que él, extrovertida y de mentalidad más liberal de lo que él quisiera.
Incluye el cortometraje ‘Alfonso Sánchez’ (1980) de 18 min.
‘Las verdes praderas’ (inédita en Blu-ray).
El matrimonio Rebolledo, José y Conchi, con sus dos hijos, parecen la familia perfecta. Él tiene un buen trabajo en una compañía de seguros y su mujer le ama sinceramente. Pueden permitirse algunos caprichos y han adquirido un chalé en la Sierra de Guadarrama, Madrid, donde pasan los fines de semana en compañía de familia y amigos.
‘El Crack’
Germán Areta, un expolicía que trabaja como investigador privado en Madrid, duerme poco, anda mucho y lo que ve no le gusta. Con la ayuda de El Moro, inicia la investigación de un nuevo caso: la desaparición de la hija de un empresario de Ponferrada. A medida que avanza en sus pesquisas, Areta se ve presionado para que abandone.
‘Volver aempezar’ (nueva restauración desde negativo original)
En 1981 el famoso escritor Antonio Miguel Albajara, llega a Gijón, su ciudad natal, procedente de Estocolmo, donde acaba de recibir el premio Nobel de Literatura. Durante cuarenta años ha sido profesor de Literatura Medieval en la Universidad de Berkeley (California), donde ha alternado su labor docente con la producción literaria.
‘El Crack Dos’
El detective Germán Areta, es un hombre inteligente de principios inconmovibles. Investiga un caso muy complejo que lo lleva a seguir los pasos de un doctor en farmacia que ha abandonado al hombre con el que vivía. De forma inesperada, ambos aparecen muertos; a primera vista parece que uno de ellos mató al otro y después se suicidó.
‘Sesión continua’ (inédita en Blu-ray)
José Manuel Varela, un director de cine, separado y con dos hijos a los que apenas ve, está preparando una nueva película “Me deprimo despacio”. Colabora en el guion su amigo Federico Alcántara, al que acaba de abandonar su esposa. Durante años, los dos amigos, han disfrutado de las películas en salas de sesión continua y programa doble.
‘Asignatura aprobada’ (inédita en formato físico)
José Manuel Alcántara es un autor teatral de unos cincuenta años. A causa del fracaso de su última obra, o quizás debido al abandono de su mujer decide irse de Madrid e instalarse en una ciudad a orillas del mar. Allí vive tranquilamente, dedicado a sus colaboraciones en radio. Pero de repente, los “errores del pasado” se le aparecen nuevamente.
Incluye cortometraje ‘Casablanca revisitada’ (1992) 18 min.
‘La sustancia’ destaca a pesar de la visita de múltiples celebridades
Hoy ha sido el día en el que hemos visto una de las mejores películas de lo que va de año, ‘La sustancia’. La película de Coralie Fargeat ha causado sensación y es una pena que no pueda participar a concurso en la Sección Oficial porque se llevaría de calle una buena cantidad de premios. En las reseñas que publicamos más abajo tenéis más detalles y opiniones sobre precuelas y secuelas que hemos visto hoy como ‘Terrifier 3’ o ‘Apartment 7A’.
La propia Coralie Fargeat ha desfilado por los distintos photocalls del festival por los que han pasado hoy celebridades ensombrecidas por el impacto de su película. Han visitado Sitges 2024 artistas como Damien Leone, David Howard Thornton, Lauren LaVera y SamanthaScaffidi, todos ellos de ‘Terrifier 3’. También ha empezado sus primeras actividades el carismático Nick Frost (‘Zombies party’, ‘Trilogía del Cornetto’).
Y ya ha aterrizado en Sitges 2024 el receptor del Premio Honorífico Màquina del Temps, Mike Flanagan. El autor de series como ‘La maldición de Hill House’ o de películas como ‘Doctor sueño’ ha comenzado su periplo por esta edición con sendos visionados de trabajos anteriores como ‘Hush’ y ‘The Stand’.
Y por su fuese poco, algunos afortunados han podido ver el documental ‘Super/Man: The Christopher Reeve Story’. Ha sido unánime la sensación conmovedora en este repaso a la carrera cinematográfica y la vida personal del mejor Clark Kent de la historia. Una película, dirigida por Ian Bonhôte y Peter Ettedgui, que Warner Bros. Pictures estrenará pronto en cines de España.
‘La sustancia’ es un thriller de terror y ciencia ficción que, además de impactantes efectos visuales, ofrece una profunda crítica. La película, magníficamente protagonizada por Demi Moore y Margaret Qualley, explora la presión que la industria de la imagen ejerce sobre las mujeres de determinada edad, obligadas a mantenerse jóvenes para no ser olvidadas.
Para comprender su trama de Serie B hay que indicar que es un remake no oficial de ‘Rejuvenatrix’. Con ecos del cine de Cronenberg (‘La mosca’ y ‘Rabid’ bien presentes), aborda la obsesión por la juventud eterna y sus consecuencias. La transformación física grotesca de sus personajes simboliza el terror real: el miedo a envejecer en una sociedad que venera la juventud. Aunque emplea tropos del cine de terror de serie B, ‘La sustancia’ se distingue por entrelazar este horror con una crítica más intelectual y relevante sobre las expectativas inhumanas impuestas por la “cultura”. Goza de un erotismo provocador y un sonido apabullante. Es ‘La muerte os sienta tan bien’ versión plástica, gore y prostéticos de látex.
Cómo me ha gustado ‘Apartamento 7A’, la precuela de ‘La semilla del diablo’, que aún no tiene fecha de estreno en España. Nos cuenta una historia casi paralela a la que vimos en la película de Polansky. Acompañamos a Terry, una bailarina a la cual las cosas no le van demasiado bien, que termina viviendo en uno de los edificios más importantes de Nueva York gracias a una pareja de ancianos, a partir de aquí, su vida se complica, en todos los sentidos.
La manera en la que Natalie Erika James rueda es muy cuidada, bonita y aunque esta película sea de terror, tiene imágenes muy bucólicas y artísticas. No es perfecta, pero sin duda a mí me ha convencido de principio a fin.
Volvemos a encontrarnos a Art en esta tercera película, en la que el payaso nos muestra otro festín de casquería pura y dura. Sin complejos, sin miramientos, no hay persona que deje escapar a sus garras.
‘Terrifier 3’, regresa 5 años después de lo ocurrido en la segunda parte, en la que dos hermanos logran sobrevivir a este ser. Aquí les volvemos a ver y vuelven a ser víctimas de Art. Aunque la película en esta ocasión es más corta, no para de haber asesinatos cada poco y la acción en sí es bastante dinámica, ‘Terrifier 3’ llega a ser aburrida por el simple hecho de que no han arriesgado y se han ido a por la trama fácil. No voy a meterme en ella, pues siempre animo a ver las películas, pero es cierto que hubiese estado mucho mejor si hubiesen innovado a la hora de explicar el origen de Art.
Una de las películas que más esperaba este año, era ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’ y es que soy fan del libro de Manel Loureiro en el que se ha basado esta película.
Básicamente, un virus comienza a afectar a la humanidad de manera terrible convirtiéndolos en horripilantes zombies. Manel junto con Lúculo, su gato, emprende una aventura en la búsqueda de lo queda de su familia.
Película bastante sencillita, muy básica pero que funciona muy bien. Es entretenida y los personajes muy interesantes. Si que es verdad, que aunque en el tramo final tiene bastante acción, aun así le falta un poquito de fuerza. También es cierto que todo este comentario viene de una lectora de la novela y las comparaciones suelen ser odiosas. Así que os animo a verla, a partir del 31 de octubre la tendréis en Prime Video.
‘Infinite Summer’ es una película de Miguel Llansó, conocido por su mezcla de surrealismo y crítica social. En esta obra, Llansó explora una visión enigmática del futuro cercano, donde la tecnología cyberpunk y la realidad aumentada son parte integral de la vida cotidiana. La historia sigue al personaje de Teele Kaljuvee-O’Brock, quien pasa el verano con dos amigas, afrontando la vacuidad de sus relaciones y anhelando la atención de una de ellas. Llansó utiliza este escenario para criticar la creciente o alarmante dependencia de la tecnología y la incapacidad cada vez más acentuada que tenemos para evadirnos de la realidad por nosotros mismos. Estamos ante el terror ante la hibridación entre mente y mundo virtual.
El enfoque visual de la película es notable, con colores vibrantes y efectos psicodélicos que crean una atmósfera única, reflejando el estado mental de la protagonista. El guion, aunque profundo y filosóficamente antropológico, puede resultar inaccesible para quienes prefieren tramas más lineales. La película puede sentirse lenta debido a su estilo abstracto, sin embargo, ofrece una experiencia cinematográfica desafiante y original para los espectadores dispuestos a sumergirse en su mundo visual y conceptual.
Thriller que promete una atmósfera cargada de misterio, pero se queda corto en ejecución. Si habéis visto ‘Speak no evil’ o su reciente remake la trama te puede resultar familiar. Si sigues el cine de Haneke también puede serte poco sorprendente el malsano juego que sufren los protagonistas. Si no estás familiarizado con ninguna de las anteriores referencias la película de Mercedes Bryce Morgan te va a resultar toda una sorpresa, que tarda en cargarse con sus movimientos de celos y desconfianza para brindarnos una recta final cargada de violencia.
La película apuesta por un ritmo pausado que intenta construir tensión, pero cae en lo predecible y no logra mantener el interés. Los giros de guión tardan en aparecer y si lo que te gustan son los títulos cargados de erotismo y manipulación puede entretenerte. Hay que reconocer que aunque dista de tener algo novedoso, sus personajes tienen cierta simpatía, pero no llegan a ser realmente carismáticos.
Como curiosidad, os sonará la protagonista pues es Maddie Hasson de ‘Maligno’ y la música del filme, pues la pone el español Roque Baños.
El documental ‘Super/Man: la historia de Christopher Reeve’ ofrece una mirada profunda a la vida del actor, más allá de su icónica interpretación de Superman. Lejos de caer en el sensacionalismo o en la lágrima fácil, explora la vulnerabilidad que se esconde tras el héroe, recordando los momentos que marcaron su vida y lo hicieron madurar. Dirigido por Ian Bonhôte y Peter Ettedgui, el filme no solo destaca su carrera, sino también su lucha tras el accidente que lo dejó parapléjico. Reeve se convirtió en un símbolo de valentía y resiliencia, defendiendo los derechos de las personas con discapacidades y promoviendo la investigación médica. Su historia demuestra que no necesitaba una capa para ser un verdadero héroe. Además, el documental presenta conmovedores testimonios de sus hijos, reflejando a un padre transformado, lo que da a la película un enfoque centrado en los valores familiares. Con material de archivo sorprendente, el filme recuerda a una figura que, desde joven, demostró un fuerte sentido de la justicia y compromiso social. Lleno de momentos emotivos, anécdotas tiernas y educativas, deja una impresión duradera, logrando que Christopher Reeve vuelva a brillar en la pantalla.
Merece la pena echarle un visionado al debut de la hija de Shyamalan
Los bosques de irlanda fueron el escenario escogido por la hija de M. Night Shyamalan para rodar su primer largometraje como directora. Ishana Shyamalan es la autora de ‘Los vigilantes (The watchers)’, quien junto con su hermana Saleka Shyamalan parece que lanza su carrera bajo el paraguas del nombre de su padre. No obstante, a pesar de cualquier argumento nepotista, la película tiene sus virtudes y ha encandilado a una buena parte de la audiencia, llegando a recaudar más de 33 millones de dólares por todo el mundo.
La trama parte de un libro de A.M. Shine y sigue a una joven que se queda varada en un bosque en el que intenta buscar refugio. Cuando cree que lo ha encontrado descubre que unos extraños, aquellos que la acogen, viven amedrentados por unas criaturas que les observan toda la noche. Es palpable que Ishana Shyamalan intenta seguir la estela de su padre y consigue muy buena ambientación y puesta en escena, pero no consigue el efecto sorpresa.
El Blu-ray que ha puesto a la venta Arvi Licensing viene encabezado por la portada que protagoniza parte del rostro de Dakota Fanning, tapado por un símbolo que es claro a lo que alude. El estuche no contiene libreto ni folleto sobre el filme. Únicamente encontramos en el interior el disco de la película casi en negro por completo con el título del filme. En cuanto al menú de opciones que encontramos al meter el disco en nuestro reproductor, si no has visto el filme te va a intrigar.
El Blu-ray ofrece resolución 1080 de alta definición en formato 16:9 1.85:1. El audio se encuentra disponible en 5.1 con los idiomas seleccionables en castellano, inglés, francés, italiano y checo. En cuanto a los subtítulos están disponibles en castellano, francés, holandés, checo, coreano, cantonés, chino complejo además de en inglés e italiano para sordos.
Extras (33 min. aprox.)
Wellcome to the sho: the making of The Watchers (8:50 min.)
Llevar a la pantalla el folclore irlandés y las páginas de Shine era el retop para hacer esta película. La directora, el productor (M. Night Shyamalan) y el equipo técnico, como la directora de coreografía nos hablan de cómo han hecho esto realidad.
Creating The Watchers (5:02 min.)
Las criaturas de la película fueron creadas con trajes de captura de movimiento. Pero a parte de esta moderna técnica de recreación a través de ordenador había que tener en cuenta su aspecto, su origen y forma. Todas estas referencias y técnicas son las que se tratan aquí. Como sorpresa, se usó una especie de danza japonesa.
Constructing the coop (6:16 min.)
En la película hay un corral y aunque suene a algo sencillo o rudimentario tiene su intríngulis. Para este elemento tan pintoresco y especial se ha contado con el propio autor de la novela que no habla de su concepción y sentido.
Ainriochtan and the irish fairy folclore (4:22 min.)
La manera en cómo vemos actualmente a las criaturas del folclore ha cambiado mucho. Esa influencia se hace patente en este filme que intenta revivir leyendas con un enfoque tanto moderno como tradicional.
Lair of love (9:29 min.)
Solo los que han visto la película entenderán porqué el extra más largo de la película es una especie de Gran Hermano del amor.
Un libro de Ángel Sala sobre el fantástico Español
Ángel Sala (director del Festival de Sitges) visitará Madrid para presentar su libro bautizado con el título ‘Profanando el sueño de los muertos’, haciendo honor a la película de Jorge Grau. En un acto acogido por la Academia de Cine y acompañado por el cineasta Víctor Matellano que estará sucedido por la proyección de ‘El orfanato’.
El objetivo de este libro es realizar un recorrido y un estudio del cine fantástico español para librarle de la etiqueta de exploitation. Es una edición, revisada y actualizada del ensayo publicado en 2010 por Scifiworld que abarca más de 125 años de historia.
Saldrán a la palestra nombres como Segundo de Chomón, Paul Naschy, Jesús Franco, Narciso Ibáñez Serrador, Rafael Gil, Carlos Serrano de Osma, Fernando Fernán Gómez, Carlos Saura o Manuel Gutiérrez Aragón. Por supuesto también aparecen personalidades más contemporáneas como Alejandro Amenábar, J. A. Bayona, Álex de la Iglesia, Jaume Balagueró y Paco Plaza, y movimientos subterráneos liderados por cineastas como Nacho Vigalondo, Juan Cabestany y realizadores singulares como Elio Quiroga u Óscar Aibar, sin olvidar fenómenos como el cine ‘low cost’.
‘Profanando el sueño de los muertos’ tampoco se olvida del panorama televisivo, medio que hoy en día capta adeptos al fantástico gracias a las plataformas pero no hay que olvidar que en su día fue el que plantó las semillas. Como también sembraron en su momento autores míticos como Luis Buñuel y José Ramón Larraz.
El volumen no olvida la relevante influencia del medio televisivo en la evolución de lo fantástico, así como la labor de autores que, a pesar de haber desempeñado una mayor parte de su trayectoria fuera de España, pueden considerarse fundamentales en la evolución del género, tales como Luis Buñuel o José Ramón Larraz.
El acto tendrá lugar el viernes 27 de septiembre a las 19h en la Academia de Cine. Aquellos que quieran conectar con Ángel Sala y obtener un ejemplar firmado podrán acudir el sábado 28 a la Filmoteca, donde firmará antes de la proyección de ‘Una vela para el diablo’.
La unidad de combate de alto secreto, compuesta por un variopinto grupo de pícaros e inconformistas liderados por Gus March-Phillipps (Henry Cavill), emprende una arriesgada misión contra los nazis utilizando técnicas de combate totalmente poco convencionales y «poco caballerosas». En última instancia, el audaz enfoque del grupo especial cambió el curso de la guerra y sentó las bases del SAS británico y de la guerra de operaciones encubiertas moderna.
Crítica
Ritchie prosigue con su saga de la deformada caballerosidad inglesa
‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ es una película que, sin duda, cumple con las expectativas de aquellos que buscan una narrativa dinámica, pero quizá no tanto de los auténticos fans de GuyRitchie. Basada en hechos reales de la II Guerra Mundial, la película nos adentra en las operaciones clandestinas del Reino Unido durante la II Guerra Mundial. La elegancia y el decoro inglés se fue al garete creando una unidad especial encargada de llevar a cabo misiones poco convencionales contra las fuerzas del Eje.
Cuatro guionistas han participado en este filme que aparte de en sucesos históricos que fueron el germen del SAS y probablemente de las novelas de James Bond, está basado en un libro de Damien Lewis. Quizá toda esa fuente de inspiración a acotado demasiado el tono del filme, el devenir de la historia, pues el estilo de Ritchie está presente pero se percibe muy contenido. Ritchie es conocido por su habilidad para mezclar comedia y acción de manera eficaz. Sin embargo, en esta ocasión, la comedia es menos prominente. Aunque hay momentos de humor, estos son esporádicos y en ocasiones se sienten poco originales. Sobre todo esto se nota cuando la caballerosidad parece en desacuerdo con el título de la película y el estilo esperado de Ritchie, que parece haber hecho básicamente una especie de secuela espiritual de ‘The gentlemen: los señores de la mafia’. La narrativa, centrada en una unidad militar que realiza operaciones «poco caballerosas», podría haber explorado más a fondo el lado irreverente y subversivo de sus misiones. En lugar de eso, la película a veces cae en representaciones más tradicionales y honorables de la guerra, lo que puede resultar un tanto decepcionante para aquellos que esperaban una visión más gamberra.
Con este filme Ritchie prosigue con una serie de películas (y una serie), que tratan de desdibujar la clásica elegancia inglesa, esa que siempre ha parodiado desde películas asentadas en los bajos fondos londinenses como su trilogía compuesta por ‘Lock, Stock and Two Smoking Barrels’, ‘Snatch’ y ‘Rockonrolla’ e incluso con su versión de Sherlock Holmes. Básicamente se ha montado su propio Rat Pack, sus Malditos Bastardos, su Escuadrón Suicida, su comando The Boys, algo que tampoco es raro en su cinematografía. Arquetípicamente, cual Equipo A, cada uno tiene su habilidad y carisma. Una de las razones por las que ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ te mantiene enganchado es precisamente por sus actores. La mayoría del reparto además de intérpretes son fans del cine de acción y de género. Así pues viajar en esta aventura junto a Henry Cavill, Alan Ritchson, Eiza González, Rory Kinnear y compañía se convierte en un viaje entre amigos, con violencia y nazis, eso sí.
Las secuencias de acción están bien coreografiadas y filmadas, quizá un poco estiradas, pero con un ritmo que evita cualquier atisbo de aburrimiento. Aunque hay mucho más movimiento que en los filmes de Tarantino, a ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ le pesa que se parezca en algunas fases a la película protagonizada por Brad Pitt, Christoph Waltz y demás. Algunas escenas recuerdan directamente a ‘Malditos Bastardos’. A diferencia de este último título, la fidelidad a los eventos históricos reales añade una capa de autenticidad y respeto hacia las verdaderas operaciones realizadas por estos valientes y kamikazes soldados. Aunque también hay más explosividad y algo de imaginería que los vecinos de las Islas Canarias van a tener que ver con cierta permisividad.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de julio de 2024. Título original: The Ministry of Ungentlemanly Warfare. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Guy Ritchie. Guion: Arash Amel, Eric Johnson, Guy Ritchie, Paul Tamasy. Música: Christopher Benstead. Fotografía: Ed Wild. Reparto principal: Henry Cavill, Eiza González, Alan Ritchson, Alex Pettyfer, Hero Fiennes Tiffin, Babs Olusamokun, Henrique Zaga, Til Schweiger, Henry Golding, Cary Elwes, Rory Kinnear. Producción: Lions Gate Films, Jerry Bruckheimer Films, Black Bear Pictures, AZ Celtic Films. Distribución: Prime Video. Género: acción, comedia, adaptación. Web oficial:https://www.theministryofungentlemanlywarfare.movie/
Hace unos días estuvimos en la presentación de contenido de Prime Video, y entre las novedades que pudimos ver, el tráiler de ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’, la película basada en el exitoso libro de Manel Loureiro, actual ganador del Premio Fernando Lara por su nueva novela ‘Cuando la tormenta pase’. Que además estará este año en el Festival Celsius de Avilés.
‘Apocalipsis Z: El principio del fin’ es la primera de tres novelas en las que nos adentramos en un mundo rodeado de zombies. Una Galicia destruida por estos muertos vivientes y por la desesperación de los humanos que quedan vivos. Uno de estos humanos es Manel un hombre atormentado por su pasado que vive con Lúculo, su gato.
La película está dirigida por Carles Torrens (‘Feria’). Francisco Ortiz será el encargado de dar vida a Manel, junto a el encontraremos a María Salgueiro, Amalia Gómez,Marta Poveda, Iria del Río, Yuri Mikhaylychenko, OriolRuiz y JoseMaría Yazpik.
La película es una producción de Nostromo Pictures, con Nuria Valls como productora ejecutiva junto a Adrián Guerra, que ejerce de productor. El guion corre a cargo de Ángel Agudo.
A continuación, tenéis el tráiler y el teaser poster de la película que llegará el próximo 31 de octubre a nuestras pantallas.
Sinopsis
En ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’, una extraña enfermedad similar a la rabia empieza a extenderse sin freno por todo el planeta, transformando a la gente en criaturas extremadamente agresivas. Pero Manel (Francisco Ortiz) lleva tiempo viviendo su propio apocalipsis; aún no ha superado la pérdida de su mujer en un accidente, y lleva un año deprimido y aislado de su familia, con Lúculo, su gato, como única compañía. Cuando la enfermedad cobra aún más fuerza, su hermana insiste en que deje Vigo y se reúna con ella en Canarias, pero el plan fracasa. Manel tiene que parapetarse en su casa, recurriendo a su ingenio y habilidades para sobrevivir. Sin embargo, él y Lúculo pronto se ven empujados a salir, y se irán encontrando, por tierra y por mar, con compañeros de viaje improbables pero esenciales. ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’ es la historia de un duelo, de un viaje de supervivencia, tanto físico como emocional, con acción, tensión, infectados rabiosos, un poco de sangre… y un malhumorado gato.
En un caluroso día de verano en Oslo, los muertos despiertan misteriosamente, y tres familias se ven sumidas en el caos cuando sus seres queridos fallecidos vuelven a ellos. ¿Quiénes son y qué quieren?
Crítica
Los zombies tienen más sangre que los vivos en este filme contemplativo
Tenía una pequeña expectativa con ‘Descansa en paz’ pues en ella se reúnen títulos como ‘La peor persona del mundo’ y ‘Déjame entrar’, ya que trabajan en este estreno los actores Renate Reinsve y Anders DanielsenLie y el guionista John Ajvide Lindqvist respectivamente. También porque la sinopsis nos prometía una historia de zombies diferente, atípica, como igual de extraño es el vivir un día caluroso en Noruega. Pero por tras salir de la proyección me quedo como el resto de espectadores que comentaban a la salida, con la sensación de haber estado viendo muchas escenas que cuentan poco y nos dejan con una enorme sensación de vacío.
Reconozco que identifico que la película de Thea Hvistendahl trata sobre el vacío que dejan aquellos que pasan a mejor vida, eso es algo que está en la superficie, que se remarca reiteradamente en todos los arcos que tiene el filme. Pero la fútil sensación con la que abandonamos el cine se debe a que no se detecta ningún otro argumento o desarrollo. ‘Descansa en paz’ es una película contemplativa y dramática que intenta explorar complejidades del género de los muertos vivientes a través de una lente íntima. Sin embargo, a pesar de su fuerza dramática, la película tiene problemas de coherencia narrativa y enfoque temático.
Uno de los principales problemas de la obra reside en el desarrollo de la trama. A menudo, la narración parece excesivamente errática repleta de escenas con una parsimonia tal que parece que los zombies tienen más sangre que los vivos. Esta falta de claridad puede hacer que los espectadores se sientan confusos y desconectados de los acontecimientos de la película, lo que dificulta la implicación total con los personajes y su viaje.
A las incoherencias narrativas de la película se suman sus ambigüedades temáticas. No está claro si ‘Descansa en paz’ pretende explorar temas como el trauma, la superación de la pérdida o el proceso de superación. Esta falta de claridad temática da lugar a momentos contradictorios a lo largo de la cinta, lo que enturbia aún más su mensaje general y su impacto. Cuando parece que nos están exponiendo escenas que nos hablan del trauma o de una especie de terror psicológico aparecen elementos que rectifican el género o contradicen las sensaciones de los protagonistas.
Sin duda Thea Hvistendahl tiene el mérito de conseguir una atmósfera triste y plomiza. Durante unos instantes intriga ya que siempre es enigmático desarrollar una trama en la que los muertos salen de sus tumbas. Pero ese suspense se convierte en confusión a medida que las secuencias consisten solo en fustigar a los personajes con sus penas y en plantear situaciones donde los diálogos brillan por su ausencia y las acciones no muestran progreso alguno. Quizá la novela de John Ajvide Lindqvist en la que se basa es más eficiente a la hora de explicar sus argumentos.
La muerte y la tragedia están presentes desde el principio en ‘Descansa en paz’ y ni con ello son capaces de ser visualmente cautivadores. Si que se crea un estilo propio y un ambiente enrarecido, generado puntualmente por algunos ruidos o interferencias para las que tampoco encontramos explicación. Son instantes que o bien se acotan a vertientes modernistas o bien a detalles tan excesivamente personales que solo entiende el equipo del filme. No es que uno esperase un espectáculo de sangre, al contrario, con una exploración sugerente o sustanciosa me habrían agradado más. Pero ni lo uno ni lo otro. Permitidme el spoiler, pero si esperáis una película de zombies mordiendo a gente… ved solo los últimos cinco minutos.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de junio de 2024. Título original: Håndtering av udøde. Duración: 97 min. País: Noruega, Suecia, Grecia. Dirección: Thea Hvistendahl. Guion: Thea Hvistendahl, John Ajvide Lindqvist. Música: Peter Raeburn. Fotografía: Pål Ulvik Rokseth. Reparto principal: Renate Reinsve, Anders Danielsen Lie, Bjørn Sundquist, Bente Børsum, Bahar Pars, Inesa Dauksta. Producción: Anonymous Content Nordic, Einar Film, Filmiki Etaria, Zentropa International Sweden. Distribución: Avalon. Género: drama, fantástico. Web oficial:https://avalon.me/peliculas/descansa-en-paz/
El villano de ‘Wax’ nos asalta a través de las páginas
Víctor Matellano firmó el largometraje ‘Wax’ en 2014. De esa película rodada en los museos de cera de Barcelona y Madrid se dio a conocer un villano estupendamente interpretado por el mítico Jack Taylor, el Doctor Knox. Diez años han pasado desde el estreno de ese filme que contaba también Geraldine Chaplin y Jimmy Shaw. Ahora se publica una novela sobre el personaje que recibe el título de ‘El diabólico doctor Knox’, la cual ha sido escrita por Carlos Díaz Maroto.
Pigmalión, en su colección Lumière, ha editado esta historia que se alza como una precuela de la película. De este modo aquellos que no hayan visto el filme podrán disfrutar igualmente la historia. Aunque nos garantizan igualmente que los que si tengan el check marcado en este largometraje descubrirán elementos que les ayudarán a degustarla mejor. Es una historia de orígenes que presenta trazos pulp y homenajes a la Hammer y al fantaterror.
Jack Taylor se ha involucrado en el proyecto firmando el prólogo y rodando el book tráriler que podéis ver a continuación. La obra además viene acompañada de ilustraciones internas de Claudio Sánchez Viveros, una ilustración de cubierta por parte de Sanjulián y de contracubierta de la mano del mítico y fallecido Azpiri.
La historia arranca en un lugar indeterminado de Alemania en 1972, donde dos muchachas indefensas irán a parar a la morada del científico loco, pero luego retrocederemos al pasado para conocer las acciones de este médico infernal, sus actividades alquímicas y cómo desarrolló sus peculiares aficiones culinarias…
La semana que viene conoceremos la selección definitiva
Del 3 al 5 de junio tendrá lugar ‘Rodando páginas, del libro a las pantallas’. Un evento que se ha convertido en lacita imprescindible para productores, distribuidores, televisiones, plataformas y editores. Este año, coincidiendo con la Feria del Libro de Madrid, una de las grandes citas literarias a nivel nacional e internacional, nos anuncian que ha logrado congregar a más de 155 obras en su séptima edición. Además desde la organización señalan que todos estos proyectos tienen carácter tanto nacional como internacional pues provienen también de Argentina, México, Uruguay, Chile, Perú, Colombia.
En total han sido 136 libros y 19 podcast los que se han presentado y detectado como potencialmente adaptables a formatos audiovisuales, llegando por primera vez a presentarse en Rodando Páginas. Entre todas ellas, 16 obras, cuya selección se hará pública la semana que viene, participarán en el evento presentando los proyectos en formato pitch frente a un auditorio de destacados profesionales del audiovisual.
También se suma como sede del evento el Círculo de Bellas Artes, para el desarrollo de la jornada profesional de pitch y encuentros de networking, además de la Biblioteca Pública Eugenio Trías (Parque de El Retiro), donde tendrán lugar las actividades paralelas
Rodando Páginas es una cita ya consolidada para los profesionales de los sectores literario y audiovisual, atrayendo a Madrid al mejor talento de habla hispana, para fomentar la posibilidad de adaptación de obras literarias a las diferentes pantallas. La pasada edición, se mantuvieron unas 80 reuniones profesionales, y se congregó a más de 550 asistentes.
Esta 7º edición la convocatoria de proyectos con potencial para ser adaptados a las pantallas se ha ampliado al formato PODCAST, con muy buena acogida e interés por parte del sector. El objetivo de crear sinergias entre sectores creativos vinculados con las adaptaciones literarias se amplía por tanto este año, adaptándose así a las tendencias que se están afianzando a nivel nacional e internacional.
Además, se realizará un catálogo complementario exclusivo para profesionales acreditados, que incluirá la información actualizada sobre las obras que han pasado por todas las ediciones anteriores de Rodando Páginas, así como ciertos proyectos de la convocatoria de este año que a pesar de no haber sido seleccionados han sido considerados de especial relevancia por el comité de selección.
Un comité de expertos, destacados profesionales de la producción audiovisual en activo, ha sido el encargado de evaluar y seleccionar las obras literarias y podcast que participarán en esta 7º edición. El comité está compuesto por: Mireia Acosta, productora ejecutiva Masficción, Paula Palacios, directora y productora La Morada, José Esteban Alenda, productor y director Solita films, Samuel Hurtado, productor y guionista Smith&Pixel, Antonello Novellino, productor y director Belino Production, y Leire Ariz Sarasketa, productora Producciones del KO.
Además de la presentación de la jornada profesional del día 5 de junio, donde se presentarán las obras seleccionadas en formato pitch y tendrán lugar los encuentros profesionales one-to-one, se celebrarán unas mesas redondas el día 3, y un Taller el día 4.
Jorge Caballero y Jorge Carrión serán los encargados de impartir el taller: ‘Escritura expandida: un taller sobre IA y creatividad literaria’, el martes 4 de junio de 10.30h a 14.30h en el Salón de Actos de la Biblioteca Pública Eugenio Trías (El Retiro). Este taller teórico-práctico está diseñado para explorar los modelos de inteligencia artificial (IA), especialmente los modelos de lenguaje de gran escala (LLMs), y sus diversas aplicaciones en la escritura creativa y técnica, para que los participantes puedan aplicar la IA en sus propios proyectos de escritura y presentaciones, incentivando la innovación y la creatividad en sus trabajos.
‘Rodando páginas, del libro a las pantallas’ es un evento organizado por la Asociación Madrileña Audiovisual (AMA) y la Federación de Gremios de Editores de España (FGEE), con el apoyo de la Comunidad de Madrid, Ayuntamiento de Madrid, Feria del Libro, CEDRO, DAMA, PIAF y Madrid Film Office.
Berta Castañé (‘Viaje fin de curso’, ‘Todos mienten’) y el debutante Jae Woo, darán vida a Klara y Kang protagonistas de la película ‘Sigue mi voz’, adaptación cinematográfica de la novela de Wattpad homónima escrita por Ariana Godoy (‘A través de mi ventana’).
‘Sigue Mi Voz’ es la historia más personal de Godoy hasta la fecha, en la que acompañaremos a Klara y su búsqueda del amor, la identidad y la aceptación de sí misma. La novela acumula más de 32 millones de lecturas en la plataforma Wattpad, en la que Ariana Godoy se ha convertido en la autora de novela para jóvenes adultos más leída en español. Con más de dos millones de seguidores en la plataforma, sus historias han acumulado más de ochocientos millones de lecturas. Penguin Random House publicó la versión impresa de Sigue mi Voz de la que lleva vendidas más de 80 mil copias.
La película es una producción de Zeta Studios y Beta Fiction Spain en asociación con Wattpad WEBTOON Studios y se rodará durante 6 semanas entre Navarra y Madrid. ‘Sigue mi voz’ será la primera producción española de Wattpad WEBTOON Studios que se estrenará en cines, y será distribuida en España por Beta Fiction Spain.
Completan el reparto Claudia Traisac (‘Vivir sin permiso’), Nuno Gallego (‘Élite’), Fernando Guallar (‘Pared con Pared’), Sofía Iznájar, Adrià Salazar (‘El inocente’), Victoria Oliver (‘La ruta’), Ethan Kim, Alberto Jo Lee e Iñaki Mur (‘Merlí’), con la colaboración especial de Itziar Ituño (‘La casa de papel’).
Inés Pintor y Pablo Santidrián son dos jóvenes directores y guionistas que se dieron a conocer con ‘El tiempo que te doy’, la primera miniserie de Netflix en formato corto. Su íntimo retrato de las relaciones románticas consiguió una nominación al Premio Feroz al Mejor Drama, y convirtió a sus autores en uno de los equipos creativos a seguir en la escena audiovisual nacional.
‘Sigue Mi Voz’, es una producción de Sigue y No Pares AIE, Zeta Cinema, Beta Fiction Spain y Wattpad Webtoon Studios, y cuenta con la financiación del ICAA. La película será estrenada en cines por Beta Fiction Spain. Film Factory es la responsable de las ventas internacionales.
‘Sigue Mi Voz’ es un rodaje con una producción sostenible, en el que se incorporan herramientas, protocolos y medidas que garantizan los criterios de sostenibilidad en los ámbitos medioambiental, económico y social.
Sinopsis oficial:
Tras una crisis de salud que la mantiene en casa 76 días seguidos, Klara no hace otra cosa que escuchar su programa de radio favorito, Sigue Mi Voz. Pero un día se pregunta: ¿es posible enamorarse de alguien a quien ha oído en la radio, pero nunca ha conocido? ¿Puede realmente sentir algo por Kang, el presentador del programa de radio cuya voz sólo ha oído una vez, superará sus miedos y saldrá de nuevo al mundo?
Madrid 1635. La reina Isabel de Borbón, apodada por el pueblo español “la deseada”, cita al escritor Calderón de la Barca en sus aposentos íntimos para hacerle un encargo muy especial y peligroso para él.
Una relación secreta, una mujer intelectual y liberal para su época, un escritor que intenta escalar socialmente y ser reconocido como artista, una reina que busca dejar su herencia en el tiempo y la tensión sexual entre ambos.
Crítica
Un duelo interpretativo a la antigua que saca a relucir taras actuales
A día de hoy se representa en el Teatro de la Comedia El monstruo de los jardines. Es una visión moderna y altamente recomendable de uno de los textos menos conocidos de Calderón de la Barca. Las casualidades existen y como deliciosa coincidencia ha llegado a nuestra bandeja de entrada el visionado de ‘El monstruo de la fortuna’, un cortometraje de Manuel Castillo Huber con guión de Cesar Farah. El centro de la conversación del filme es la mencionada obra de Calderón. Ambos se complementan de una manera ideal pues ponen sobre la mesa conceptos e ideas que aún hoy en día están vigentes. Nuestro pasado regresa para recordarnos que nuestras inquietudes no han cambiado tanto tras cinco siglos de historia.
El Madrid de 1635. Ese es el marco al que nos traslada este duelo interpretativo e intelectual. Protagoniza la que fue desposada con Felipe IV, apodada “La Deseada” y retratada por Velázquez, la reina Isabel de Borbón (María Olga Matte), conservando el acento francés y pintada con un fuerte carácter. Frente a ella un reservado, sumiso pero afilado Calderón de la Barca (Raúl Prieto), uno de los grandes literatos de nuestra historia, quien dio carpetazo con su muerte al Siglo de Oro. Ambos conversan de un modo sugerente en lo que bien pudo ser un encuentro real, pero que no busca sacar a la luz ninguna anécdota secreta sino el generar una serie de debates acompañados de una evidente tensión sexual.
La censura de la iglesia, el enfrentamiento celoso con otras estrellas de su época, los prejuicios que impiden creer en otros… No hay tanta diferencia con el siglo XXI, el cual, está repleto de influencers que se copian los unos a los otros, ciertos sectores de la sociedad que cancelan a cómicos, una supuesta dictadura de lo políticamente correcto… ‘El monstruo de la fortuna’ habla de una peligrosa oportunidad, y llega a la conclusión de si lo más importante es el nombre y el ego o la obra de arte y su potencial impacto en sí misma. Llegados a este punto me ha hecho recordar a la historia de María Lejárraga, con lo que nos acercamos aún más a nuestros días.
Una estancia del Hospital de Tavera de Toledo sirve para proveer al corto de una buena puesta en escena. Hay quien diría que dado que solo tiene una localización y consiste en una conversación sin casi acción y mucho vestuario esta es una obra teatral. No podía ser de otra manera tratándose de Calderón de la Barca, a si es que considero que eso es buen halago. El texto evita el verso de la época y de la obra del dramaturgo, pero conserva algunas de las florituras del castellano antiguo. Es por ello que ‘El monstruo de la fortuna’ se hace ligera de seguir pero densa a la hora de extraer temáticas.
Ficha de la película
Estreno en España: 2024. Título original: El monstruo de la fortuna. Duración: 20 min. País: España. Dirección: Manuel Castillo Huber. Guion: Cesar Farah. Música: Belén Vives. Fotografía: Almudena Sánchez. Reparto principal: Raúl Prieto, María Olga Matte. Producción: La Sierra Produce. Distribución: Selected Films. Género: drama. Web oficial:https://lasierraproduce.com/
Prime Video ha desvelado hoy las primeras imágenes de ‘Mi lady Jane’, la serie romántica ambientada en una realidad alternativa del mundo de los Tudor. La serie se estrenará el 27 de junio en exclusiva en Prime Video.
Inspirada en el éxito superventas, ‘Mi lady Jane’ es una nueva versión radical de la historia de la monarquía inglesa, en la que Edward VI, el hijo del rey Henry XVIII, no muere de tuberculosis, Jane Grey no es decapitada, ni tampoco lo es el bribón de su marido Guildford. En el centro de esta nueva serie se encuentra la brillante y testaruda Jane, que es coronada como reina de la noche a la mañana y se ve en el punto de mira de infames villanos que quieren su corona (y su cabeza)… ‘Mi lady Jane’ es una historia épica de amor verdadero y grandes aventuras, donde una dama en apuros se salva a sí misma, a su amor y después a su reino.
El elenco está encabezado por Emily Bader en el papel principal de Jane Gray. Se unen al reparto Edward Bluemel (‘Killing Eve’) como Guildford Dudley y Jordan Peters (‘Pirates’) como el rey Edward. Dominic Cooper (‘Preacher’) interpreta a Lord Seymour, Anna Chancellor (‘Pennyworth’) como la madre de Jane, Lady Frances Grey, Rob Brydon (‘The Trip’) como Lord Dudley, el padre de Guildford. Jim Broadbent (‘El duque’) interpreta al Duque de Leicester, el tío de Jane.
Completan el reparto Henry Ashton (‘Creation Stories’) como el hermano de Guildford, Stan, Isabella Brownson (‘Napoleon’) y Robyn Betteridge (‘La rueda del tiempo’) como las hermanas de Jane, Kate O’Flynn (‘Landscapers’) y Abbie Hern (‘Enola Holmes 2’) como las hermanas del rey, las princesas Mary y Bess. También están en el reparto Máiréad Tyers (‘Extraordinary’), Joe Klocek (‘Años de sequía’) y Michael Workeye (‘Esto te va a doler’).
La creadora de la serie y co-showrunner Gemma Burgess (‘Brooklyn Girls’) está a cargo de la producción ejecutiva junto a la co-showrunner Meredith Glynn (‘The Boys’), Jamie Babbit (‘Solo asesinatos en el edificio’) que dirige cinco de los ocho episodios y es también director de producción, Sarah Bradshaw (‘Citadel’, ‘La momia’ y la próxima serie de HBO ‘El caballero de los Siete Reinos’) y Laure MacDonald (‘La señal’, ‘La leyenda del Zorro’, ‘Men in Black’, ‘Gladiator’).
Exhibe mucha complejidad y espectacularidad, pero como en ‘Juego de Tronos’, procrastina en exceso el desenlace
Netflix estrena este 21 de marzo la adaptación a televisión de ‘El problema de los tres cuerpos’. La rompedora obra de ciencia ficción escrita por el escritor chino Liu Cixin que causó sensación cuando se publicó la primera parte de la trilogía, ahora se convierte en serie de ocho episodios. Han sido los artífices de ‘Juego de Tronos’, David Benioff y D.B. Weiss, quienes han realizado esta traslación. Y les pega mucho esta narración pues al igual que la obra de R.R. Martin nos hace saltar rápidamente por diferentes localizaciones, épocas y personajes, sembrando misterio y peligro allá por donde va. Pero sobre todo se asemeja en que todo trata sobre una amenaza en principio desconocida y a priori imposible de vencer, además de que no hay personaje que esté a salvo.
Con la Revolución Cultural china y el mundo actual como telón de fondo, la novela explora temas como las carreras tecnológicas, la política y la búsqueda de vida extraterrestre, asimilándose en algunos aspectos a los relatos de Asimov. El libro es más lineal que la serie, la cual alterna mucho más las diferentes líneas temporales. Aún así no se ha perdido el toque de Liu Cixin, el cual tejió una historia compleja y sugerente que ahonda en las consecuencias de las acciones humanas y los retos existenciales que plantean los encuentros con civilizaciones avanzadas. Quizá habría que decir que el libro es intelectualmente más interesante pues profundiza mucho más en cuestiones tecnológicas, pero emocionalmente la serie está al mismo nivel, sobre todo gracias al poder de sus imágenes, las cuales plasman perfectamente todo aquello que imaginamos al leer el libro. Evidentemente esto sucede sobre todo en las escenas del videojuego o en los momentos más enmarcados en situaciones fantásticas. Pero más allá de su gancho visual uno de los puntos fuertes de ‘El problema de los tres cuerpos’ reside en su retrato de la colisión entre diferentes ideologías y la naturaleza impredecible del comportamiento humano ante una amenaza cósmica. Igualmente se entremezclan conceptos científicos con indagaciones filosóficas, no al nivel de magníficas obras como ‘Devs’, pero si de un modo que abre debate. Por ejemplo, yo me cuestiono si se ha incurrido en un fallo enorme de guión cuando se habla de diferencias de tecnología poniendo sobre la mesa la picotecnología alien frente a la capacidad del ser humano de progresar de manera exponencial.
Por otro lado, aunque es una historia interesante y cautivadora hay que reconocer que tiene demasiados puntos en común con ‘El juego de Ender’. Un videojuego que no es ni un entrenamiento, ni un entretenimiento recreativo, sino que sirve a intereses reales además de un enfrentamiento interplanetario con una especie alienígena que nunca vemos. De igual manera podemos asemejarla a ‘Ready Player One’, donde los protagonistas también debían resolver un acertijo en un mundo virtual cuyo resultado afectaba a la realidad.
Los personajes están bien desarrollados, cada uno de ellos lidiando con sus propios dilemas morales y luchas personales mientras navegan por las complejidades de la misteriosa amenaza y los desconcertantes eventos con los que se tropiezan. Por encima de un reparto con rostros conocidos como los de Liam Cunningham, Jonathan Pryce o Benedict Wong cabe destacar los papeles de Zine Tseng y Eiza González. Esta última se diría que gracias a ‘El problema de los tres cuerpos’ ha encontrado un papel que le permite mostrar sus verdaderas dotes interpretativas más allá de su figura y su rostro, normalmente cosificados.
En conjunto, esta primera temporada de ‘El problema de los tres cuerpos’ es un visionado cautivador que invita a la reflexión y que traspasa los límites de la ciencia ficción tradicional. Su exploración de grandes temas cósmicos combinada con un drama humano íntimo la convierte en una obra por encima de la media. Tanto si te gusta la ciencia ficción pura y dura como la especulación filosófica, esta serie ofrece una experiencia rica y gratificante que permanecerá en tus pensamientos mucho tiempo después de que hayas terminado el último episodio, sobre todo porque su final queda abierto.
A los seis meses de una solitaria misión de investigación en los confines del sistema solar, el astronauta Jakub (Adam Sandler) se desespera cuando se da cuenta de que su matrimonio quizá no aguante hasta su regreso a la Tierra. Pero en las entrañas de la nave anida un misterioso ser ancestral que lo ayudará a arreglar las cosas con su mujer, Lenka (Carey Mulligan). La criatura, llamada Hanuš (con la voz de Paul Dano en la versión original), repasa con Jakub los escollos de su relación antes de que sea demasiado tarde.
Crítica
Tediosa sesión de psicólogo pseudocientífico de una tristeza constante
‘Spaceman of Bohemia’, el libro de Jaroslav Kalfar, sirve de base para ‘El astronauta’. Para esta adaptación se ha mantenido el origen del protagonista, la República Checa, e incluso se le ha brindado un ambiente propio de la Checoslovaquia soviética. Es una obra donde el escritor volcó muchas inquietudes de su pasado y el director Johan Renck ha mantenido el toque intimista. La propuesta parece sobria y aburrida y el resultado es tal y como suena. Era de esperar la parsimonia que presenta el montaje, pues este director ha trabajado en series como ‘Breaking Bad’ o ‘Chernobyl’, pero lo que mata a ‘El astronauta’ es su continuo carácter meditabundo, filosófico, pseudocientífico y ante todo, triste.
A muchos les chocará ver a Adam Sandler en una película tan apesadumbrada, pero alguno de los últimos trabajos que ha hecho para Netflix, ‘Diamantes en bruto’ o ‘Garra’, ya auguraban que el actor se encuentra en la fase más “seria” de su carrera. En esta ocasión se mete en la piel de un cosmonauta checo que se haya en una misión por nuestro sistema solar. A bordo de la nave Jan Hus 1 viaja para investigar la nube Chopra, la cual ha aparecido en el firmamento de la Tierra y se haya más allá de Júpiter. Parece que el nombre de la nube hace alusión a los discursos del escritor indio Deepak Chopra, también creyente de la pseudociencia que tan presente está en ‘El astronauta’, pues todo gira en torno a la búsqueda del lugar donde empiezan los pensamientos, de a qué debemos prestar atención en la vida y de cómo nuestra mente puede sanarnos en todo los aspectos. Es un viaje tan lento y agotador que cuando termina nuestros pensamientos realmente ya se hayan en otra parte.
Metafóricamente o no el guía y psicólogo del protagonista está materializado por Hanuš, una araña gigante que parece hija de Ella-Laraña, con mejoras de CGI inherentes a los progresos de la tecnología. Se comunica a través telepatía y el doblaje de Paul Dano y con esto llego a lo que más me ha gustado de ‘El astronauta’, las voces. Desde el trabajado acento que emplea Sandler hasta la manera en cómo Paul Dano controla su tono con moderación, de un modo similar a lo que hizo con Acertijo en ‘The Batman’, los diálogos son lo mejor del filme. Y quizá es cosa de que pertenezco a una generación desengañada con el neoliberalismo y el capitalismo, pero otro acierto que se ve de respagilón es el mostrar como el ser humano es capaz de meter publicidad hasta en el espacio, aun cuando se trata de comunicarse con alguien que está completamente aislado a millones de kilómetros. Mostramos así más frialdad y vacío que el propio espacio, pero sobre todo egoísmo.
El egoísmo es un tema importante en la película. Las decisiones que hacen huir de los problemas, romper promesas y perder la confianza de los allegados a veces llegan de una manera premeditada. Ese tipo de contradicciones están voluntariamente plasmadas en el guion para desarrollar un discurso sobre el individualismo y el miedo. El diván cósmico sobre el que se tumba el protagonista junto a su arácnido acompañante durante su misión redentora hace surgir miedos subyacentes pero también nuestros bostezos. Y se abordan también los intereses propios cuando surge una ruptura por vídeomensaje a distancia y sin posibilidad de respuesta.
‘El astronauta’ puede recordarles a muchos algunos aspectos de películas como ‘Moon’ o ‘Ad Astra’. Es lenta, meditabunda e intimista a más no poder. Paul Dano ya se ha embarcado en introspecciones similares, como fue ‘Swiss army man’. Lástima que aquí no aparezca la gracia de los Daniels.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de marzo de 2024. Título original: Spaceman. Duración: 106 min. País: EE.UU. Dirección: Johan Renck. Guion: Colby Day. Música: Max Richter. Fotografía: Jakob Ihre. Reparto principal: Adam Sandler, Paul Dano, Carey Mulligan, Kunal Nayyar, Lena Olin, Isabella Rossellini. Producción: Free Association, Stillking Films, Tango Entertainment. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, drama, romance. Web oficial:ver en Netflix.
¿Podría la escena en escala de grises responder a una explicación física?
La segunda parte del Dune de Denis Villeneuve está dejando a todos atónitos (crítica aquí). Una de las virtudes de esta película es su capacidad para desarrollar un mundo en el que los mayores extremos de la religión y la tecnología conviven en el mismo ambiente. Por supuesto también está ganándose a los adeptos a las novelas de Frank Herbert por su fidelidad para con el espíritu de la historia. Pero sin duda otra razón por la que nos ha cautivado a los que ya la hemos visto es su poder visual.
Entre desérticas escenas y futuristas escenarios Villeneuve nos ha colado una escena en blanco y negro. Muchos le atribuyen un sentido artístico o poético al más puro estilo Zack Snyder, que es algo que nadie puede negar. Pero otros le encuentran un sentido dentro de la “física de la ciencia ficción”. Y es que en dicha escena que transcurre en el planeta Giedi Prime, propiedad de los Harkonnen y donde el sol es negro, se ve todo en escala de grises. Ahí presenciamos una vibrante escena protagonizada por Austin Butler y Stellan Skarsgård al más puro estilo cine clásico de gladiadores, tan clásico que está en blanco y negro. Pero esto solo sucede cuando los personajes están al aire libre. Por el contrario, cuando en ese planeta se hayan en un interior, bajo la influencia de luz artificial, todo se ve en color. Por lo tanto hay algo en la luz solar, los materiales o la atmósfera que produce este efecto.
Partamos de lo básico. En la Tierra vemos el mundo a todo color gracias a la luz solar. El color real de nuestro astro rey es el blanco. Esa La luz blanca que emite es el resultado de la combinación o superposición de todos los colores, lo que llamamos el espectro visible. Cada color posee un rango de radiación magnética emitida con su característica longitud de onda. Sucede que podemos distinguir colores en los objetos debido a las longitudes de onda que rebotan en ese objeto. En otras palabras, los objetos absorben todas las longitudes (o colores) menos una. Ese color que no atrapan y que rebotan es el color que nuestro ojo capta. Si queréis saber más os lo explica en profundidad CuriosaMente.
Si aceptamos esto como una regla física presente en la saga Dune solo podría existir un mundo en escala de grises si considerásemos algunas remotas posibilidades. Una de ellas es que ese mundo estuviese hecho de materiales que absorban todas las longitudes de onda o ninguna. Habría que asumir que el material biológico, los minerales o los metales de ese planeta están compuestos de sustancias que rebotan toda la luz o que la absorben por completo. Por lo tanto sería un mundo en blanco y negro, no en escala de grises. La segunda hipótesis supondría que los rayos que emite el venerado sol negro de Giedi Prime no portasen el espectro de color dentro de ellos. Por lo tanto los objetos pueden tener propiedades que en otros ambientes emiten color, pero bajo la influencia de esos rayos solo pueden transmitir tonalidades blancas, negras o grisáceas. Podríamos atribuir este triste ambiente a algo más biológico y comprobable. Los encargados de recibir la luz en nuestro ojo son los fotorreceptores, que se dividen entre conos y bastones. Los conos se ocupan de transmitir la información del color, mientras que los bastones registran la intensidad. Si la luz del sol negro fuese capaz de anular nuestros conos solo podríamos distinguir la intensidad de los colores, pero no su tonalidad, veríamos en blanco y negro. Por último, está la opción de la atmósfera. Podría ser que los gases que componen la atmósfera de ese planeta repeliesen todo el espectro de color de nuevo al espacio dejando pasar hasta la superficie solo los tonos más oscuros y claros, hasta tal punto que todo se ve en tonalidades grisáceas. Teniendo en cuenta que en las novelas nos explican que ese planeta es industrial hasta el punto de haber acabado con casi toda la flora y fauna, se antoja como la opción más cercana a los libros. Quizá lo que hemos encontrado oculto en esta escena es un alegato ecologista.
Todo esto es evidentemente es una serie de postulaciones que solo cabe concebir dentro de un mundo de ciencia ficción. A día de hoy no se ha encontrado un mundo, una atmósfera o una luz con similares propiedades, pero no sería la primera vez que una película adelanta un descubrimiento científico ¿verdad?
Una gran adaptación llena de imágenes muy potentes
Este próximo 29 de febrero, llega a nuestras casas, la adaptación para televisión de la famosa novela de Juan Gómez-Jurado, ‘Reina Roja’, la primera parte de una trilogía que dará mucho que hablar.
Con siete episodios, la serie nos presenta a Antonia Scott, la persona más inteligente de toda la Tierra y a Jon, un policía que ha cometido un error y se ve envuelto en la investigación de un asesinato y posterior secuestro.
Koldo Serra, junto a Julián de Tavira, es el encargado de dirigir esta primera temporada y sin duda hace un gran trabajo. Capta perfectamente la esencia del libro, calcado en algunos momentos, pero aprovechándose de un audiovisual tremendo y muy bien utilizado.
Con esto último me refiero a cuando nos adentramos en los pensamientos de Antonia Scott. El cerebro de esta mujer funciona por encima de sus posibilidades, algo que la hace pasarlo mal a no ser que se medique. Cuando se toma su pastilla, sus pensamientos poco a poco van montándose y mostrándole un sinfín de posibilidades hasta llegar a la conclusión final. Para eso han utilizado el CGI y unas imágenes muy potentes para que podamos entender a Antonia y su manera de trabajar. Estos recursos hacen que visualmente la serie sea una maravilla. Con una fotografía muy cuidada y con un CGI muy bien trabajado.
Entramos en los dos protagonistas, Vicky Luengo está perfecta. Absorbe al personaje y su peculiar personalidad. Su compañero de aventuras Hovik Keuchkerian, se convierte en Jon, un personaje honorable, simpático y en el que recae el humor que vemos en la serie. Dan ganas de darle un abrazo todo el rato, es bondad pura.
La química entre ambos es maravillosa. Se logra ver esa extraña amistad entre dos personas totalmente diferentes, pero que en el fondo se necesitan mutuamente.
Pero, aunque sin ellos ‘Reina Roja’ no sería nada, también los personajes secundarios logran crear la conjunción perfecta. Tenemos a Celia Freijeiro, Nacho Fresneda, José Ángel Egido, Karmele Larrinaga, Andrea Trepat, Alex Brendemühl, Urko Olazabal o Vicenta N’Dongo entre otros.
Si es cierto, que quizás a ‘Reina Roja’, le falta un poco de intensidad en los diálogos, pero en general, me ha parecido muy buena serie. Con unos personajes tan extraordinarios y a la vez tan cercanos y con una historia que tiene mucho fondo y de la que quieres conocer mucho más. Así que espero que se pongan pronto a ello y nos regalen ‘Loba Negra’, la segunda novela de esta trilogía.
Se adentrará en el viaje mítico de Paul Atreides cuando se une a Chani y a los Fremen en una guerra de venganza contra los conspiradores que destruyeron a su familia. Tendrá que elegir entre el amor de su vida y el destino del universo conocido mientras lucha por evitar un horrible futuro que solo él puede prever.
Crítica
Más completa y espectacular que la primera y pidiendo tercera
Tenemos a un príncipe caído en desgracia al que se le abre un mundo que hasta entonces le era desconocido, la profecía de un elegido y una historia de amor más que pronosticable. Los pasos que sigue ‘Dune’ no dejan de ser arquetípicos y el libro, a mi gusto es más que mejorable. Estamos ante uno de esos casos en los que la película mejora el material original siendo mucho más dinámica, menos espesa y por otro lado mucho más espectacular de lo que podríamos ser capaces de imaginar a través de las líneas de la novela. No estamos hablando de que se amolde más a los gustos actuales, es que es una opinión más que extendida que la primera parte de ‘Dune’ (novela) se hace bola por lo poco que progresa y la narrativa que tiene. Otra razón por lo que esta película se antoja como uno de los mayores logros de DenisVilleneuve es lo beneficiada que sale con las comparativas con la película de David Lynch o la que iba a hacer Jodorowsky. Pero no olvidemos que estas películas no habrían sido lo mismo ni de lejos si no fuese por la música (o sonidos) de Hans Zimmer y la fotografía de Greig Fraser.
La aportación de Zimmer pesa más en la primera parte. En esta continuación el trabajo del compositor se hace notar pero no juguetea tanto con el sonido. Su banda sonora es reconocible completamente pues introduce sus famosos tic tacs y sus efectos sonoros pero la fotografía gana de calle en esta segunda parte. Y es que ‘Dune: parte 2’ tiene fotogramas que son un sueño húmedo para los fans de la ciencia ficción. Sobre todo al mostrar determinados escenarios y principalmente cuando los vehículos Harkonnen llenan la pantalla con formas que recuerdan a las de Giger. El diseño de armamento, atrezo, escenografía y vestuario son impresionantes. Por otro lado está la licencia artística que nos trae una secuencia en escala de grises que además de ser un gustazo estético responde a la hipotética existencia de un sol negro capaz de arrojar luz sin el colorido especto que conocemos, solo con las longitudes de onda blancas y negras. Hablando de estética, los tocados que luce Florence Pugh en el papel de la hija del Emperador recuerdan mucho al que lucía la Emperatriz infantil de ‘La Historia Interminable’, preciosos ambos.
Antes comentaba que esta película es más dinámica que la novela pero con todo y con eso tiene momentos en los que la trama se adormece o redunda en exceso sobre los mismos puntos. Villeneuve ha querido cimentar bien la guerra de guerrillas y toda la parte religiosa de la obra. Probablemente eso le traiga algunos de los pocos malos comentarios que va a tener este filme. En parte por lo que decía, el ritmo se ve perjudicado y en parte porque puede salir más de un islamófobo. Y es que esta es una historia de religión y fanatismos con muchas influencias de oriente medio. Gran parte de los lectores conoce el hecho de que la Revuelta Árabe pudo inspirar a Frank Herbert de igual modo que a R.R. Martin le sirvió de base ‘La Guerra de las Dos Rosas’.
Este filme se siente aún más parte de la saga de Herbert. No solo por todo lo que se desarrolla su parte mediática. También porque se distingue algo más la auténtica magnitud y profundidad. Es la antesala de una saga galáctica llena de personajes, familias y planetas y después de verla cruzo los dedos para que Warner de luz verde a la tercera entrega. Aunque con ‘Dune: parte 2’ se finiquita el primer libro, con unas cuantas licencias argumentales, nos entran ganas de ver una conclusión que cierre absolutamente del todo la trama. También por aprovechar algo más a los gusanos de arena, que al fin y al cabo son la marca de la franquicia.
Además de todo el poder técnico en esta segunda parte se agradece la irrupción de nuevos personajes. Casi todos los partícipes del filme han tenido que trabajar una buena evolución para sus personajes y eso está interesante pero hay aire fresco con incorporaciones como la ya mencionada Florence Pugh, el emperador que interpreta Christopher Walken y sobre todo Austin Butler. El actor ahora archiconocido por su papel como Elvis hace un papel tremendamente físico y además de esos en los que ha de parecer un psicópata, nada fácil. Como válvula de escape hemos tenido a un Bardem imponente que a veces parecía que estaba parafraseando ‘La Vida de Brian’ o las palabras del Walter Sánchez de Les Luthiers.
Como sorpresa ya destripada por las premieres, Anya Taylor-Joy aparece en esta película antes de figurar en otra desértica película de Warner como es ‘Furiosa’.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de marzo de 2024. Título original: Dune: part 2. Duración: 166 min. País: EE.UU. Dirección: Denis Villeneuve. Guion: Jon Spaihts, Denis Villeneuve, Craig Mazin. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Oscar Josh Brolin, Austin Butler, Florence Pugh, Dave Bautista, Christopher Walken, Léa Seydoux, Stellan Skarsgård, Charlotte Rampling, Javier Bardem, Souheila Yacoub, Alison Halstead. Producción: Legendary Entertainment, Warner Bros. Pictures, Villeneuve. Distribución: Waner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial:https://www.warnerbros.com/movies/dune-part-two
La serie limitada de siete episodios ‘El simpatizante’, original de HBO, se estrena el lunes 15 de abril en HBO Max. Park Chan-wook y Don McKellar codirigen y producen la serie. La serie está protagonizada por Hoa Xuande, Fred Nguyen Khan, Toan Le, Phanxine, Vy Le, Ky Duyen, Kieu Chinh, Duy Nguyen, Alan Trong, Sandra Oh y Robert Downey Jr, que interpreta varios papeles.
Basada en la novela homónima de Viet Thanh Nguyen, ganadora del Premio Pulitzer, ‘El simpatizante’ es un thriller de espionaje y una sátira intercultural sobre las luchas de un espía comunista mitad francés y mitad vietnamita durante los últimos días de la guerra de Vietnam y su nueva vida como refugiado en Los Ángeles, donde se entera de que sus días de espía no han terminado.
Co-showrunner, productor ejecutivo, guionista y director (episodios 1-3), Park Chan-wook; co-showrunner, productor ejecutivo y guionista, Don McKellar; productor ejecutivo, A24; productor ejecutivo y protagonista, Robert Downey Jr, productora ejecutiva, Susan Downey, productora ejecutiva, Amanda Burrell para Team Downey; productor ejecutivo, Niv Fichman para Rhombus Media; productor ejecutivo, Kim Ly; productor ejecutivo, Ron Schmidt; productor ejecutivo y autor del libro, Viet Thanh Nguyen; productor ejecutivo, Jisun Back para Moho Film. Directores: Fernando Meirelles (episodio 4), Marc Munden (episodios 5-7). Guionistas: Mark Richard, Naomi Iizuka, Maegan Houang, Anchuli Felicia King, Tea Ho. ‘El simpatizante’ es una coproducción de HBO, A24 y Rhombus Media, producida en asociación con Moho Film y Cinetic Media.
Warner Bros. Discovery ha anunciado hoy que Maribel Verdú (‘The Flash’), Mariela Garriga (‘Misión Imposible 7 y 8’), Austin Amelio (‘Hit Man’, ‘Fear The Walking Dead’), Ben Temple (‘Upon Entry’) y Dani Rovira (‘El campeón’) integran el reparto principal de la serie de ficción ‘Cuando nadie nos ve’, un Max Original producido para Max en España, basada en la novela homónima de Sergio Sarria (publicada por Espasa). Enrique Urbizu (‘No habrá paz para los malvados, La caja 507’) dirige los ocho episodios de cincuenta minutos de esta serie creada por Daniel Corpas y escrita por un equipo de guionistas liderado por Arturo Ruiz, con la colaboración de José Antonio Valverde, Germán Aparicio e Isabel Sánchez. La serie está producida por Zeta Studios para Warner Bros. Discovery en España.
Abril Montilla, Lucía Jiménez, Numa Paredes, María Alfonsa Rosso, Eloy Azorín, Virginia de Morata, Carlos Beluga, Lorca Prada y Ana María Vivancos completan el reparto de la serie, entre otros.
El rodaje de ‘Cuando nadie nos ve’ ha comenzado esta semana en Madrid. Se desarrollará, además, durante varios meses en Morón de la Frontera (Sevilla) y en otras localidades de Andalucía y de la Comunidad de Madrid.
La trama se desarrolla durante la Semana Santa de 2024 en Morón de la Frontera, un pueblo del interior de Andalucía, al sur de España, situado junto a la base área del ejército estadounidense. Lucía Gutiérrez (Maribel Verdú) es una sargento de la Guardia Civil que investiga el insólito suicidio de un vecino y unos extraños sucesos acaecidos en la primera procesión de Semana Santa. Magaly Castillo (Mariela Garriga) es una agente especial del ejército de Estados Unidos enviada a la base de Morón de la Frontera para averiguar el paradero de un soldado americano desaparecido que parece estar relacionado con los negocios ocultos del Coronel Seamus Hoopen (Ben Temple), máximo responsable de la base área. El solitario policía militar, sargento Andrew Taylor (Austin Amelio), acompaña a Magaly en sus pesquisas. Enseguida descubren que ambas investigaciones están conectadas, que el caso es más complejo de lo que inicialmente habían supuesto, y que involucra tanto a vecinos de Morón como a militares americanos de la cercana base.
‘Cuando nadie nos ve’ es la primera serie producida en España anunciada para Max, el renovado servicio de streaming de Warner Bros. Discovery que combina todo HBO Max y el mejor contenido de discovery+ en una única plataforma. Max está disponible actualmente en EE.UU., llegará a España en primavera y se lanzará en 22 países europeos que actualmente ofrecen HBO Max.
Si os gustó la primera temporada de ‘Tokyo Vice’, la serie de HBO Max cuyo piloto estaba dirigido por Michael Mann, estáis de enhorabuena. La serie creada por J.T. Rogers vuelve con una segunda temporada. Volveremos a las entrañas del mundo criminal japonés guiados por Adelstein (Ansel Elgort).
De nuevo estarán en estos episodios Ken Watanabe, Rinko Kikuchi, Rachel Keller, Show Kasamatsu y Ayumi Ito. Se incorporan al relato de ‘Tokyo Vice’ Yosuke Kubozuka y Miki Maya.
J.T. Rogers y el ganador del Emmy® Alan Poul son los productores ejecutivos junto a Alex Boden, Josef Kubota Wladyka, Brad Caleb Kane, Adam Stein, Ken Watanabe, la ganadora del Emmy® Emily Gerson Saines, Ansel Elgort, Jake Adelstein, Kayo Washio, Destin Daniel Cretton, el ganador del Oscar® John Lesher y el cuatro veces nominado al Oscar® y ganador del Emmy® Michael Mann. De FIFTH SEASON y WOWOW, la cadena de televisión de pago más importante de Japón. FIFTH SEASON se encarga de la distribución mundial de la serie fuera de las plataformas propiedad y operadas por Max.
Pocas veces la ficción se queda corta para adaptar algo que ha sucedido en la realidad. La historia de ‘Oso vicioso’ (‘Cocaine bear’ en versión original) sucedió realmente hasta el punto de dar lugar a la disecación de un animal y su posterior exposición en un museo de Lexington, Kentucky. Pablo Eskobear fue como se bautizó a este animal que sufrió un triste percance con unos fardos de cocaína.
Elizabeth Banks adaptó en clave de comedia gore estos hechos en un filme que Arvi Licensing ha comercializado en distintos formatos (análisis del Blu-ray aquí). Si queréis conocer nuestras impresiones sobre esta película que cuenta con nombres como Keri Russell, O’Shea Jackson Jr., Christian Convery-Jennings, Alden Ehrenreich, Jesse Tyler Ferguson, Kristofer Hivju y Ray Liotta, entre otros, solo tenéis que acceder a nuestra crítica. Si queréis vivir por vosotros mismos la experiencia del Oso vicioso participad en este sorteo.
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Si la película te gustó, los extras te la van a enriquecer
Enfrentarse a patadas contra un escualo de dimensiones titánicas. La propuesta de Megalodón no puede ser más loca, quién diría que surge de una serie de novelas que tienen hasta ocho entregas, dos de ellas adaptadas al cine. Si la primera parte recaudó cinco veces más de lo que costó, que fueron más de 150 millones de dólares, y la segunda casi cuadruplicó en taquilla el que fue su presupuesto, es de imaginar que habrá tercera parte.
Desde luego que hay saga para rato y el reparto está entregadísimo a estas películas como podréis ver en los extras de este Blu-ray que ha editado Arvi Licensing. Jason Statham, Wu Jing, Sophia Cai, Page Kennedy, Sergio Peris-Mencheta, Skyler Samuels, Cliff Curtis son los protagonistas y a todos les podéis ver en el contenido adicional hablando de lo realmente bien que se lo han pasado rodando este filme que estamos seguros uqe no se quedará perdido en las profundidades, como su protagonista marino.
El director Ben Wheatley (‘In the earth’) fue el encargado de realizar esta locura que estrenó en cines Warner Bros. Pictures. Y lo hizo en sustitución de Jon Turtletaub (‘La búsqueda’) para llevar la historia a niveles aún más locos. Quizá la taquilla funcionó pero que con la primer parte, pero desde luego la opinión, de público y crítica, favorece a la secuela desmintiendo el dicho de “segundas partes nunca fueron buenas”.
Si os compráis este Blu-ray podréis verlo en versión original o con doblaje en castellano e italiano DTS HD Master Audio 5.1 o en Dolby Atmos True HD si se escoge en inglés (el cual viene con opción de audiodescripción). Los subtítulos están disponibles en castellano, sueco, noruego, finés, danés, coreano, cantonés y chino complejo. Para sordos solo está disponible en inglés e italiano. La película se proyecta en 1080p Alta Definición 16×9 2.39:1.
Extras ( 22 min. aprox.)
Making of de Megalodón 2: La fosa. (13:02 min.)
En este extra vemos a muchas de las personas del equipo hablando acerca de la película y del guion. Y de como esta cinta está realizada para ser disfrutada en el cine.
Vemos parte de los storyboards y la creación de todo este nuevo universo gracias a las grabaciones con croma.
Desde las profundidades: Aún más salvaje. ( 09:40 min.)
En su versión original, nos van presentando a las nuevas criaturas que vemos en la película. Los storyboards a todo color y como los crearon. Tanto los diseños como luego la creación en digital de cada una de las criaturas.
Prime Video ha desvelado hoy las primeras imágenes de la esperada serie original ‘Reina Roja’ que se estrenará el 29 de febrero de 2024. La adaptación de la primera entrega de la exitosa trilogía de Juan Gómez-Jurado (‘Reina Roja’, ‘Loba Negra’, ‘Rey Blanco’) cuenta con siete episodios protagonizados por Vicky Luengo (‘Antidisturbios’, ‘Historias para no dormir’) y HovikKeuchkerian (‘La casa de papel’, ‘Antidisturbios’). Koldo Serra (‘Sin huellas’, ‘La casa de papel’) es el director principal junto a Julian de Tavira (‘Hernán’), que firma los episodios 4 y 6.
Completan el reparto Andrea Trepat (‘Mar de plástico’, ‘El club de los incomprendidos’), Celia Freijeiro (‘Amor de madre’, ‘Vida perfecta’), Nacho Fresneda (‘El Ministerio del Tiempo’, ‘Hospital Central’), Vicenta N’Dongo (‘Días mejores’, ‘En la ciudad’), Karmele Larrinaga (‘Go!azen’, ‘Ane’), Pere Brasó (‘70Binladens’, ‘Los últimos días’), Fernando Guallar (‘Luis Miguel: La serie’, ‘Tras la pared’), Eduardo Noriega (‘Inés del alma mía’, ‘Hache’), Alex Brendemühl (‘El creyente’, ‘El sueño de Gabrielle’), Urko Olazábal (‘Maixabel’, ‘Mithyabadi’), Emma Suárez (‘Intimidad,’ ‘La consagración de la primavera’) y Selam Ortega (‘Madres’, ‘Reinas sin reino’).
Con un cociente intelectual de 242, Antonia Scott es oficialmente la persona más inteligente de la Tierra. Su inteligencia le valió convertirse en la “Reina Roja” de un proyecto policial secreto y experimental, pero lo que parecía un don se convirtió en una maldición y acabó perdiéndolo todo. Cuando el hijo de una poderosa magnate aparece asesinado grotescamente en su mansión, y la hija del hombre más rico de España es secuestrada, la organización ‘Reina Roja’ se pone en marcha. Mentor, antiguo jefe de Antonia, recurre a Jon Gutiérrez, un policía vasco y temperamental a punto de ser expulsado del cuerpo, para reactivar a Antonia. El retorcido juego del gato y el ratón en el que se ven envueltos Jon y Antonia durante su investigación les servirá también para descubrir que se admiran y complementan mutuamente casi tanto como se irritan. ‘Reina Roja’ es un thriller inquietante y diferente, en el que la ciudad de Madrid es una protagonista más, y que combina la urgencia y acción de la investigación con la jugosa y guasona química de sus dos protagonistas.
‘Reina Roja’ está producida por Dopamine y Focus con Amaya Muruzábal como showrunner y productora ejecutiva. El guion corre a cargo de Salvador Perpiñá y la propia Muruzábal.
Prime Video ha desvelado el tráiler oficial de la segunda temporada de ‘Reacher’ y ha anunciado que la serie regresará este 15 de diciembre. Después del éxito de la primera temporada, la segunda dobla la apuesta con aún más acción. La nueva entrega de ocho episodios se estrenará en exclusiva en Prime Video en más de 240 países y territorios de todo el mundo con tres episodios el 15 de diciembre y un episodio nuevo cada viernes hasta el fin de temporada el 19 de enero de 2024.
‘Reacher’ ha conseguido una gran audiencia global, convirtiéndose rápidamente en una de las cinco series originales más vistas en la historia de Prime Video. Los fans de la serie pueden ponerse al día con la primera temporada, así como con una amplia gama de thrillers de acción y crimen disponibles en Prime Video, como Jack Ryan de Tom Clancy, Citadel, Refugio y La lista final.
La segunda temporada de ‘Reacher’ arranca cuando el veterano investigador de la policía militar Jack Reacher (Alan Ritchson) recibe un mensaje codificado en el que se le informa de que los miembros de su antigua unidad, la 110ª Unidad de Investigaciones Especiales de la Policía Militar, están siendo brutalmente asesinados. Apartado de su estilo de vida nómada, Reacher se reúne con tres de sus antiguos compañeros que se convirtieron en su familia para investigarlo, incluyendo a Francés Neagley (Maria Sten); Karla Dixon (Serinda Swan), una contable forense por la que Reacher siente debilidad desde hace años; y David O’Donnell (Shaun Sipos), un hombre de familia, de hablar rápido y de empuñar navajas. Juntos empiezan a atar cabos en un misterio en el que cada vez hay más en juego, y que les llevará a preguntarse quién les ha traicionado y quién será el próximo en morir. Utilizando su inigualable mezcla de inteligencia y tamaño, Reacher no se detendrá ante nada para descubrir la verdad y proteger a los miembros de su unidad. Si hay algo que Reacher y su equipo tienen claro es que con los Investigadores Especiales no se juega. Prepárate para que esta temporada ‘Reacher’ y la 110ª contraataquen con fuerza.
Basada en ‘Mala suerte’, el undécimo libro de la exitosa saga de Lee Child, la segunda temporada de ‘Reacher’ está protagonizada por Alan Ritchson en el papel principal de Jack Reacher, junto a Maria Sten, Serinda Swan y Shaun Sipos como miembros de la 110ª Unidad de Investigaciones Especiales de la Policía Militar. Completan el reparto Ferdinand Kingsley como A.M., un mercenario al que la seguridad nacional se refiere como un «fantasma»; Robert Patrick como Shane Langston, jefe de seguridad de un contratista privado de defensa con un historial cuestionable; y Domenick Lombardozzi como Guy Russo, un duro detective de la policía de Nueva York.
‘Reacher’ está producida por Amazon Studios, Skydance Television y Paramount Television Studios. Basada en las novelas de Lee Child, que también ejerce de productor ejecutivo, la serie está escrita por el guionista nominado al Emmy Nick Santora (‘Scorpion’, ‘Prison Break’), que también ejerce de productor ejecutivo y showrunner. Además de Santora y Child, la producción ejecutiva de la serie también corre a cargo de Don Granger, Scott Sullivan y Adam Higgs, junto a David Ellison, Dana Goldberg y Matt Thunell de Skydance.
Tras ver al completo la segunda temporada de ‘30 monedas’, al margen de poder corroborar que esto queda para la ya anunciada tercera parte, podemos decir que ha sido un glorioso viaje de dimensiones infernales. Con épica, con comedia, con todo tipo de detalles macabros y por supuesto fantásticos.
Ya no estamos encerrados en el pueblo segoviano de Pedraza. El final de la primera temporada acababa con caos y así ha arrancado este segundo periplo de la serie de Álex de la Iglesia. El enredo ha desperdigado a los protagonistas de esta historia por todo el mundo y por su inframundo, el infierno. Ha sido un viaje tan divertido que podemos afirmar de nuevo que pagaríamos más de treinta monedas por repetirlo, de la divisa que sea.
Que a Álex de la Iglesia y a Jorge Gerrikaetxebarria les gustan las historias satánicas, los juegos de rol y las escaladas de violencia o locura es algo que ya sabíamos. Pero en ‘30 monedas’ se junta absolutamente todo eso, lo cual, sumado a que estamos ante una producción de HBO Max eleva el nivel, aunque hay muchos detalles de imágenes generadas por ordenador que son francamente mejorables. Si la primera temporada nos pareció un espectáculo rural, imaginativo y desatado, como si Berlanga fuese fan del fantástico más diabólico, en esta disfrutamos como un gamer con consola nueva. ¡Tenemos nueva partida!
La primera temporada de ’30 monedas’ se asimiló mucho a una partida de rol inspirada en las obras de Lovecraft o al ‘Dark Souls’, por mucho que De la Iglesia se haya hartado a decir que no lo ha jugado. Ahora en el plano estético están presentes Hellraiser (y Hellblazer) por motivos que tocaré después, pero adelanto que el mayor deleite es ver recreadas las extrañas figuras que El Bosco introducía en cuadros tan impresionantes como El Jardín de las Delicias. En lo que se refiere a la trama la serie sigue con ese toque coral que por momentos se asemeja a un episodio españolizado de ‘Supernatural’, a ‘La búsqueda’, ‘El Código Da Vinci’ e incluso a varias entregas de ‘Indiana Jones’. Y por supuesto entre tanta referencia a la cultura pop también hay espacio para hacer una especie de burla hacia la cienciología, los Iluminati y similares. En resumen, es una mezcla de la hostia consagrada. Yo por lo menos quiero que me digan dónde comprar ese manual de Apocalipsis para Dummies que no atina a ver el personaje de Pepón Nieto.
Videoclip de heavy metal es una similitud que también se acopla bien a esta segunda temporada. Como decía al principio y como se veía en el tráiler nos llevan al infierno y estas escenas, que no son pocas, se llevan la palma. Se percibe una influencia de la arquitectura italiana del renacimiento mezclada con criaturas como sacadas de los cómics de ‘El Batman que ríe’ (algunos encarnados por Javier Botet). El diseño de criaturas, no anda corta en monstruos, y del infierno cuyos pasajes tienen un marcado estilo neoclásico ya que se ha rodado en el Palacio de Fernán Núñez, es acertadísimo. Muchas son las representaciones que el arte ha hecho del infierno, desde literales hasta metafóricas. Álex de la Iglesia da la suya y se manifiesta como un lugar por el que se puede transitar, elegante pero a la vez macabro. Es tanta la parafernalia que se ha dispuesto que a uno le gustaría conocer la función de cada sala y cada demonio, de hecho, nos obsequian con más detalles de los esperados. Es una locura de divertido ver eso y a los dos curas (Eduard Fernández y Manolo Solo) maquillándose a lo villano de ‘The Strain’.
Hablando del infierno, ha surgido un tercer bando entre cielo e infierno, como ya se hizo por ejemplo en los cómics de Spawn, pero ese es el tipo de nuevos ingredientes que vais a ir descubriendo. Gracias a esto continúa el suspense macabro de esta serie que juguetea muy acertadamente con toda la parafernalia religiosa, mística y misteriosa. Es una carrera por objetos de poder, de esos que tanto se han tocado en Cuarto Milenio o en tropecientas películas yankees. Por supuesto hay terror y acción, no solo intrigas paranormales y sectarias. Es un gustazo ver al padre Vergara (Eduard Fernández) repartir hostias, de las de a puño cerrado en medio del averno. Pero no es el único que hace derramar la sangre pues el conteo de muertes crece capítulo a capítulo, quizá es otra aportación de HBO (por eso de ‘Juego de Tronos’). Los fatalities de esta temporada son brutales.
Al contrario de lo que sucede con algunas series que simplemente quieren ofrecer un show fantástico se percibe que hay un desarrollo de personajes. Está interesantísimo el juego que le han sacado a los protagonistas y las motivaciones que les han escrito. Ya ni que decir tiene la manera que han encontrado para juntarles. Ha habido una escisión y el que no está encerrado está oculto o está del lado del mal. A ellos se incorporan fichajes de excepción como Paul Giamatti o Najwa Nimri como una influencer que visita la zona cero de la anterior temporada. Álex de la Iglesia sube un nuevo escalón en su imaginario con estos fichajes que además demuestran de nuevo que se mantiene actualizado. Aquellos que se quejan siempre de como desmadra este director que ni le den al play porque esta serie es un follón continuo. El 23 de octubre podréis comprobar como la expresión “noche toledana” adquiere un carácter fantástico.
Cinecutre.com recopila las versiones más desastrosas del merchandising
La veterana web de cine y humor Cinecutre.com, responsable del festival CutreCon de Madrid, ha lanzado su primer libro oficial, ‘Costreando: El Hilarante Mundo Del Merchandising Pirata Oriental’, una publicación de tono humorístico que recopila “algunos de los juguetes piratas más tronchantes que pueden encontrarse en bazares”, según los responsables.
El tomo, que nace a partir de los reportajes de ‘Costreando’ publicados en la citada web, ofrece 121 páginas a todo color donde se recogen todo tipo de subproductos que no respetan la propiedad intelectual de franquicias del entretenimiento tan importantes como ‘Star Wars’, ‘Marvel’, ‘El Señor De los Anillos’ o ‘Harry Potter’, entre otras muchas.
Las características concretas son:
Precio: 15 euros + gastos de envío
121 páginas a todo color impresas a 4/4 en estucado mate 125 grs.
Cubierta con solapas de 7,5 cm. impresa a 4/0 en estucado mate 300 grs. Plastificada brillo 1 cara.
Encuadernación PUR
Tapa Blanda
Dimensiones: 14,8 cm de ancho por 21 cm de alto (DINA5)
El libro actualmente se vende online y puede encargarse a través del correo electrónico pedidos@cinecutre.com.
El próximo 8 de septiembre se estrena en cines ‘Verano en rojo’, un thriller policíaco dirigido por Belén Macías (‘El patio de mi cárcel’) protagonizado por la nominada al Goya, Marta Nieto (‘Madre’) y el ganador del Goya, Jose Coronado (‘No habrá paz para los malvados’). Junto a ellos completan el reparto el nominado al Goya, Luis Callejo (‘Intemperie’), Francesco Carril (‘Tenéis que venir a verla’), Richard Sahagún (‘El Ministerio del tiempo’), Marc Martínez (‘Hache’), Tomás del Estal (‘Ana Tramel. El Juego’), Zoé Arnao (‘Las niñas’) y cuenta con la colaboración especial de Ramón Agirre (‘Handia’).
‘Verano en rojo’ está basada en la novela homónima de la escritora y periodista Berna González Harbour y es laprimera entrega de la serie literaria formada por cuatro novelas que siguen las andanzas de la comisaria María Ruiz. Verano en rojo se centra en la investigación que llevan a cabo la comisaria Ruiz y el veterano periodista Luna sobre un doble asesinato aparentemente inconexo, pero que esconde detrás una historia de crímenes perpetrados en silencio y ocultos durante mucho tiempo.
La adaptación del texto a la gran pantalla es obra de Belén Macías y Helio Mira.
Sinopsis oficial:
Verano de 2010. La comisaria María Ruiz (Marta Nieto) se enfrenta a un tenebroso crimen: un joven ha aparecido asesinado. Sin identidad visible. Sin pistas aparentes. Sin móvil. Mujer concienzuda y tenaz, María iniciará una investigación que se complicará aún más cuando se produce un segundo asesinato. Pero no está sola, el veterano periodista Luna (‘Jose Coronado’), un maestro de la profesión acorralado por la crisis y la era digital, será clave para solucionar un caso que les llevará hasta las puertas de una importante orden religiosa.
Umberto Nobile, un ingeniero italiano de dirigibles, vive tranquilo junto a su perra Titina, a la que rescató de las calles de Roma. Un día, Umberto recibe un encargo del famoso explorador noruego Roald Amundsen, quien le pide que haga un dirigible para viajar al Polo Norte.
Crítica
Pedagógica pero triste historia en formato infantil
Los años veinte son conocidos como los felices años veinte. Por supuesto nos referimos a los del siglo XX ya que los del XXI se van a conocer de una manera bien distinta. Fue una época de bonanza, optimismo y crecimiento cultural. También de hitos históricos. Fue por entonces cuando RoaldAmundsen redondeó su hazaña y se convirtió en el primer hombre en haber conquistado el Polo Sur y el Polo Norte, irguiéndose así en todo un icono nacional para los noruegos. Pero no lo hizo sin ayuda ya que su logro fue compartido con el diseñador de dirigibles Umberto Nobile, el cual, tampoco lo habría conseguido sin el apoyo de su perra Titina.
Los pasos previos y sucesivos a la conquista de la cima del mundo son narrados en ‘Titina’. Una película que nos llega avalada por el premio de Excelencia en el Tokyo Anime Award y el premio a Mejor Película para Niños en el Zlín International Film Festival for Children and Youth. Y con eso resumo dos factores importantes del filme, es una película de animación para niños. Con lo cual nos explicamos también la única razón por la que el perro de uno de los exploradores es el eje del largometraje. Esta mascota con la que posó Nobile en casi todas sus fotos protagoniza la historia y nos ofrece su visión. Pero esto no se hace para ofrecer una perspectiva distinta de una conocida hazaña histórica, sino para suavizar lo que aconteció.
A pesar de que la conquista del Polo Norte fue más cómoda que la del Polo Sur no estuvo exenta de dificultades y momentos tensos. La relación entre Nobile y Amundsen se agrió paulatinamente y el dirigible tuvo que ser reparado más de lo que se muestra. No se ha disimulado el desencuentro entre ambos protagonistas pero como decía, el guión dulcifica lo que sucedió realmente. Y con todo y con ello tampoco disimula el triste final de esta historia que puede dejar en los espectadores un regusto de tristeza y aflicción.
La animación es digna de un libro de ilustración. Con trazos limpios, paleta de colores claros y no excesivos detalles nos muestran desde la Roma de hace un siglo hasta los confines helados del Ártico. El diseño de personajes es algo caricaturesco, recreando el rostro real de los que intervinieron en la gesta. Podrían ser perfectamente los dibujos de una aventura gráfica y su composición refleja perfectamente los instantes de una época en la que aún se filmaba en banco y negro. Dicho esto hay que señalar que se intercalan muchísimas fotografías y vídeos de archivo. Ahí quizá es donde está uno de los mayores valores de ‘Titina’. Rellena todo aquello que no se filmó por entonces, por supuesto imaginando la situación dentro del tono buscado, pero también sirviendo de gran instrumento divulgativo. Esta podría ser perfectamente una pieza para exponer en un museo relacionado con el tema.
Mi yo ecologista se apena porque se haya perdido una oportunidad con este filme. Al final de la película, bajo el retrato de Titina, se hace una llamada para detener las actividades humanas entorno a los casquetes polares, para que se mengüe su deshielo. Pero este llamamiento aparece en letras minúsculas y el largometraje no aborda en ningún momento esta materia.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de agosto de 2023. Título original: Titina. Duración: 90 min. País: Noruega. Dirección: Kajsa Næss. Guion: Kajsa Næss, Per Schreiner. Música: Kajsa Næss, Per Schreiner. Reparto principal (doblaje original): Jan Gunnar Røise, Kåre Conradi, John F. Brungot, Ingar Helge Gimle, Thorbjørn Harr, Christian Skolmen, Silje Torp, Nader Khademi. Producción: Mikrofilm, Vivi Film. Distribución: Alfa Pictures. Género: aventuras, comedia, drama. Web oficial:https://www.mikrofilm.no/Titina
Acabamos de saber que ‘El maestro que prometió el mar’, dirigida por Patricia Font (ganadora del Goya al Mejor Cortometraje por ‘Café para llevar’), se estrenará en cines el próximo 10 de noviembre. La película está protagonizada por Enric Auquer (ganador del Goya por ‘Quien a hierro mata’) y Laia Costa (ganadora del Goya por ‘Cinco Lobitos’).
Luisa Gavasa (‘La Novia’), Ramón Agirre (‘La casa de papel’), Milo Taboada (‘La isla de las mentiras’) y los pequeños debutantes Nicolás Calvo, Alba Hermoso y Gael Aparicio, entre otros, completan el reparto.
‘El maestro que prometió el mar’ nos sumerge en la historia real de Antoni Benaiges, un maestro de Mont-Roig del Camp, provincia de Tarragona, que antes de la Guerra Civil fue destinado a la escuela de Bañuelos de Bureba, un pequeño pueblo de Burgos. También es la historia de Ariadna, una mujer que busca los restos de su bisabuelo desaparecido en la guerra.
La película entrelaza pasado y presente a través de dos tramas que construyen un relato sobre la memoria y la importancia de no dejar caer en el olvido nuestra historia reciente. La trama de Ariadna (Laia Costa) pone en valor la lucha de tantas familias que todavía buscan a sus familiares enterrados anónimamente en fosas comunes, mientras que la de Antoni Benaiges (Enric Auquer) rinde homenaje a los maestros republicanos, en un relato emotivo y plenamente vigente.
La película está basada en el libro ‘Desenterrando el silencio: Antoni Benaiges, el maestro que prometió el mar’, de Francesc Escribano (Editorial Blume) y ha sido adaptado a la gran pantalla por Albert Val.
Sinopsis oficial:
Ariadna (Laia Costa) descubre que su abuelo busca desde hace tiempo los restos de su padre, desaparecido en la Guerra Civil. Decidida a ayudarlo, viaja a Burgos, donde están exhumando una fosa común en la que podría estar enterrado. Durante su estancia allí, conocerá la historia de Antoni Benaiges (Enric Auquer), un joven maestro de Mont-Roig (Tarragona) que antes de la guerra fue profesor de su abuelo. Mediante un innovador método pedagógico Antoni inspiró a sus alumnos y les hizo una promesa: llevarlos a ver el mar.
Han pasado días desde que Netflix estrenó los tres últimos episodios de la tercera temporada de ‘The Witcher’, la última para Henry Cavill con este personaje, si nada cambia. He dejado un poco de espacio para asimilar precisamente ese hecho. A todos los que somos seguidores de esta historia y admiradores del antes Hombre de Acero nos cuesta digerir que un personaje tan bien interpretado vaya a desaparecer para ser sustituido por otro actor, el que sea.
Pero más allá de ver estos episodios desde la perspectiva de alguien que disfruta con el protagonista he intentado verla más objetivamente, analizándola como producto de entretenimiento. La primera tanda de episodios estrenados resultó bastante insípida, sin giros, sin emoción y además cortando en el momento álgido. El regreso, con el antepenúltimo episodio, estuvo mucho mejor. La purga en Aretusa era un momento esperado por los lectores y tiene escenas épicas, nadie discute que es lo mejor de esta temporada. Pero quien nos iba a decir que nos esperaría un penúltimo capítulo aburrido hasta el hastío, monótono, sin sustancia. Y ya ni hablar del final, que no tiene clímax, aunque tiene una pelea en una taberna que está mejor rodada que el resto de toda la temporada. Es una pena pues la calidad de la producción había mejorado mucho con respecto a la primera temporada, sobre todo en cuanto a diseño de escenarios. No que no ha mejorado es la calidad del doblaje en las canciones…
Aunque realmente no se sabe a qué altura de la producción el actor comunicó que terminaba con el personaje, da la sensación de que había más historia preparada y esto se ha quedado a medio camino. Porque si han orquestado estos episodios como una despedida o bien hay mucho resquemor hacia Cavill o bien no tienen amor ninguno por esta producción. Esta conclusión no tiene corazón, ni sentido de la métrica, ni del espectáculo.
Muy poco han progresado los personajes que están bastante estancados salvo por el hecho de que Ciri parece que por fin puede valerse por sí misma y que Geralt The Rivia va a salir de su neutralidad. Pero esto no se determina hasta el último episodio. Bien podría haber sido el episodio ocho el tercero o cuarto de esta T3 de ‘The Witcher’. También hay que admitir que quienes viven realmente un arco argumental que les hace evolucionar son algunos personajes secundarios como Vilgefortz, el príncipe Radovid o Tissaia.
Liam Hemsworth va a tener muy difícil igualar el papel de Cavill, por mucho que se inventen versiones multidimensionales o brujerías varias. La entrega del actor para con este personaje, tanto estéticamente como coreográficamente ha sido digna de alabanza, de las pocas cosas que para los lectores no tiene pega alguna. Pero superar la calidad de esta tercera temporada no le va a ser tan difícil, aunque eso va a ser realmente trabajo de los guionistas y directores, si Neflix no acaba cancelando estas adaptaciones. Esperemos que recuperen la senda correcta y se vuelvan a ceñir a los libros o recuperen a Cavill, por lo menos encuentren de nuevo el sentido del drama.
La primera mujer directora y productora de una película en España
En 1923 llegaba a las pantallas comerciales ‘Flor de España’, el primer largometraje producido y dirigido por una mujer en la historia del cine español: la valenciana Helena Cortesina. Por desgracia, y como sucede con muchas otras películas del periodo mudo, no se conserva ninguna copia de la película, y apenas unos cuantos fotogramas atestiguan la existencia de esta producción independiente pero con vocación comercial, ya que combinaba dos de los grandes géneros en auge de la época: la adaptación de una novela taurina y la zarzuela.
Cien años después de aquella señalada fecha, Mostra de València, que celebra su 38ª edición del 19 al 29 de octubre, publica en coedición con IVC La Filmoteca el primer estudio monográfico sobre la figura de Helena Cortesina, reivindicando su papel de pionera. Su autora es Irene de Lucas, licenciada en Comunicación Audiovisual y doctora por la Universidad de Valencia, así como investigadora cinematográfica con experiencia en el terreno del cine primitivo y autora de la tesis ‘La pionera oculta: Alice Guy en el origen del cine’ (2011).
“Cortesina es una persona especialmente moderna para la época. Por ejemplo, nunca se casó a pesar de tener hijos, además de ser una artista completa: bailarina primero, luego actriz de cine, directora y productora», asegura Irene de Lucas, la autora del libro. «Por si fuera poco, crea dos empresas teatrales. Lo que más me sorprende es esta audacia y su capacidad de reinventarse en un contexto muy complicado. Durante la Guerra Civil fallece una de sus hijas, se marcha al exilio embarazada y consigue, a pesar de todo, que su carrera no deje de crecer”.
El libro es fruto de una rigurosa investigación con escalas en Madrid, Barcelona, Granada, Nagasaki o Buenos Aires, que desmonta leyendas previas, revela nuevos datos sobre la cineasta y repasa su periplo biográfico, desde sus inicios como bailarina, pintada por Sorolla y conocida como «La Venus Valenciana», hasta su trabajo en el teatro y el cine, así como su exilio en Argentina tras la guerra civil y su relación de amistad con Federico García Lorca y otros autores de la Generación del 27.
‘Flor de España’ fue la única experiencia como directora de Cortesina, que como otras actrices de la época, montó su propia productora para relanzar su figura: “Las actrices productoras no dirigían, pero ella se atreve a hacerlo y además protagoniza el film. En nuestra investigación hemos descubierto que la película estuvo en cartel a lo largo de seis años y que logró su objetivo: Cortesina entró en el circuito teatral como actriz gracias al reconocimiento que le dio esta cinta”, afirma De Lucas.
El ensayo se complementará con una exposición en torno a Helena Cortesina que acogerá la Galería del Tossal en el mes de octubre, también comisariada por Irene de Lucas. Según Eduardo Guillot, director artístico de Mostra de València, «es imposible entender el cine del presente sin conocer su pasado, y es misión de los festivales establecer ese nexo entre uno y otro. En ese contexto se enmarca la recuperación de una mujer como Helena Cortesina, que a partir de este libro debe pasar a ser considerada un referente en la historia del cine español».
La 38ª edición de Mostra de València-Cinema del Mediterrani está organizada por el Ayuntamiento de València y cuenta con la colaboración del Institut Valencià de Cultura (IVC), el Palau de la Másica, Barreira Arte + Diseño y À Punt Mèdia como medio oficial.
En ‘Megalodón 2: la fosa’ vivirás una inmersión en aguas desconocidas con Jason Statham y el ícono de acción global Wu Jing que encabezan un audaz equipo de investigación en una misión que va a explorar las profundidades más abismales del mar. Pero su viaje se convierte en caos cuando un malévolo operativo minero amenaza su misión y los obliga a librar una batalla de alto riesgo por la supervivencia. Enfrentados a colosales Megalodones y a implacables saqueadores medioambientales, nuestros héroes deben correr más rápido, ser más astutos y nadar a mayor velocidad que sus despiadados depredadores en una trepidante carrera contra el tiempo.
Crítica
Jason Statham regresa a base de patadas a tiburones gigantes y mucha acción
Cuando se estrenó ‘Megalodón’ (aquí nuestra crítica) mucha gente renegó de ella, yo admito que la disfruté. En el visionado de ‘Megalodón 2: la fosa’ he podido ver que, aunque había mucha gente renegando de la primera parte si que venían con ganas de pasárselo bien con esta nueva entrega.
Dirigida por BenWheatley (‘Turistas’), la película se va un poco más a la serie B, además de que no se toma para nada en serio. Con un guion muy flojo, pero con mucho dinero por delante nos dan unas buenas escenas de acción, con humor tonto y eso sí, poca sangre y muchas muertes.
Volvemos a adentrarnos en las profundidades de océano, donde esta vez el mal no está en estos gigantescos animales, sino que como de costumbre aparece el ser humano por encima de todo.
Nuestro héroe JonasTaylor, vuelve a ponerse en frente de una expedición que lleva todas las de perder, pero a través de grandes inventivas de los guionistas se irán salvando poco a poco.
Aunque esté diciendo que el guion es flojo y que hay muchas licencias por parte de los escritores de la historia, he de decir, que esto es lo bueno de ‘Megalodón 2: la fosa’ y es que como he comentado no quiere tomarse en serio y logra crear una película de entretenimiento puro. Llena de idas de olla, con un villano más rápido que el correcaminos y con un megalodón capaz de escapar del lugar más seguro del mundo, sin que salten las alarmas. Y los protagonistas van de ecologistas y están todo el rato matando a animales. Vale que son peligrosos y vienen a comérselos, pero quizás lo del ecologismo les sobraba un poco.
En el reparto encontramos caras conocidas de la anterior entrega, como, por supuesto, JasonStatham, CliffCurtis, ShuyaSophiaCai o PageKennedy, que es el que da la nota de más humor en la cinta, con su mochila al estilo Mary Poppins preparada para cualquier emergencia.
Pero también encontramos en el reparto a SiennaGuillory, SkylerSamuels, KiranSoniaSawar, MelissanthiMahut.
Mencionar a JingWu que acompaña a nuestro héroe y se vuelven un gran tándem en las luchas cuerpo a cuerpo. Y a SergioPeris-Mencheta, que nada tiene que envidiar en el físico de estos dos y nos muestra sus dotes de lucha en la película.
Como podéis ver he disfrutado como una niña con la película, de verdad, no es una maravilla, pero es lo que se espera de ella. Una obra con una historia muy típica que no necesita demasiada explicación, que simplemente ponen para meterte a tres megalodones, unos cuantos lagartos peligrosos y algún que otro monstruo más.
El CGI según que escena está mejor que otras. Si que es cierto que hemos visto la película en 2D y algunos planos son bastantes raros, ya que han hecho la película para verla en 3D, y son planos que seguramente con unas buenas gafas se disfruten bastante.
Poco más que decir de la película, como digo, si vais a verla al cine es que os gustó la primera y os puedo decir que os vais a divertir mucho más. Aunque haya cosas absurdas, da igual, al final estás viendo una película de tiburones extintos con los que los humanos se pelean a patadas, no puedes pedir algo demasiado serio de todo esto y es más, no quieres ver nada serio en ‘Megalodón 2: la fosa’, solo muertes y peleas con tiburones.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de agosto de 2023. Título original: Meg 2: The Trench. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: Ben Wheatley. Guion: Dean Georgaris, Erich Hoeber, Jon Hoeber. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Haris Zambarloukos. Reparto principal: Jason Statham, Wu Jing, Sophia Cai, Page Kennedy, Sergio Peris-Mencheta, Skyler Samuels, Cliff Curtis. Producción: Apelles Entertainment, China Media Capital, Flagship Entertainment Group, Gravity Pictures, Maeday Productions, Warner Bros. Studios. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: acción, ciencia ficción. Web oficial:http://www.themeg.movie/
Ya podemos ver el poster de ‘El sueño de la sultana’, una película de la realizadora IsabelHerguera (San Sebastián, 1961), basada en el cuento del mismo título, publicado en 1905 por Begum Rokeya Hossain, escritora nacional de Bangladesh (1880-1932) y que competirá en la Sección Oficial del Festival de Cine de San Sebastian – ZINEMALDIA, con su primer largometraje de animación.
La cinta, que se estrenará el 17 de noviembre en cines de la mano de Filmin, es apta para todos los públicos, aborda varios temas, siendo la concienciación de la condición de la mujer el núcleo central.
“Recopilé información, y en base a ésta, tracé una ruta por la India de Rokeya Hossain; caminé por el paisaje de la Bengala rural, intentando impregnarme de los colores, olores y sonidos que pudieron rodear a la autora. Visité su casa natal, la tumba en Sodepur y las escuelas que fundó en Calcuta. Esto me ayudó a comprender su entorno y el coraje que necesitó para enfrentarse a una sociedad tradicionalmente patriarcal”, dice su directora Isabel Herguera, nominada a un Goya por su cortometraje La gallina ciega.
En la película se utilizan diferentes técnicas de animación. El segmento que trata sobre el viaje iniciático de la protagonista, Inés (67 min.), está ambientado en la actualidad y se lleva a cabo en animación tradicional 2D en acuarela; los fragmentos referentes a la vida de Rokeya (7 min.) están ambientados en la India de principios del siglo XX, y usan la técnica de recortables, que hace referencia al teatro de sombras típico de esa época; y la parte dedicada a Ladyland (7 min.), que es una libre adaptación del cuento original ‘El sueño de la sultana’, se ha hecho íntegramente en el estilo Mehndi (tatuaje temporal), utilizando exclusivamente la henna.
‘El sueño de la Sultana’ es una coproducción entre España y Alemania y está producida por Sultana Films (Donostia), El Gatoverde Producciones (Madrid), Abano Producións (A Coruña), Fabian & Fred (Hamburgo) y Uniko (Bilbao), y cuenta con la participación, entre otros, de ICAA, Gobierno Vasco, Ayuntamiento de Madrid, Diputación de Gipuzkoa, RTVE, EITB, Movistar +, ARTE ZDF, Filmin, Tabakalera, MOIN Film Fund Hamburg, Media Europa Creativa, NextgenerationEU. Será distribuida en cines en España por Filmin.
Sinopsis oficial:
Inés, la protagonista, es una joven donostiarra incapaz de soñar y un poco perdida que descubre accidentalmente el libro El sueño de la Sultana donde se describe el País de las Mujeres, un lugar donde las mujeres son todas científicas y tienen el poder mientras que los hombres están encerrados en casa, limitados por su ignorancia. Fascinada por este clásico de la literatura utópica feminista, y por su autora, la escritora y activista musulmana Begum Rokeya Hossain, Inés se embarca en un viaje iniciático a través de la India en busca de las trazas de la autora y del País de las Mujeres.
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