Crítica: ‘Pizza movies’

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Aprovecha bien el gancho del costumbrismo incómodo y neurótico para abordar la épica de lo precario

Hablar de ‘Pizza Movies’ implica sumar un título más a lo que se está convirtiendo ya en una marca generacional dentro de la comedia española. Carlo Padial se alinea, de forma consciente, con ese humor de la incomodidad que han explorado series como ‘Vergüenza’ y ‘Poquita fe’. Aquí también encontramos personajes que no aspiran a ser admirados, sino diseccionados: individuos atrapados en su propia neurosis, incapaces de articular una épica personal y condenados a una rutina emocionalmente erosionada.

La protagonista de ‘Pizza Movies’ (Judit Martín) encarna ese tipo de figura tan reconocible como incómoda: alguien que quiere pertenecer al mundo cultural, pero que vive permanentemente al borde de la irrelevancia. Padial construye su filme desde esa fragilidad, con una mirada que oscila entre la compasión y la ironía, verbalizada muchas veces por quien hace de su esposo, Berto Romero. Como ocurría en las series mencionadas, el humor no surge del gag clásico, sino de la acumulación de pequeñas miserias cotidianas: conversaciones que no llevan a ningún sitio, ideas disparatadas, reacciones fuera de lugar o momentos de vergüenza ajena.

El resultado es un retrato bastante certero de cierta clase creativa urbana, atrapada entre la vocación y la precariedad. No es casual que el filme insista en mostrar entornos laborales difusos, proyectos a medio hacer y colaboraciones mal pagadas (o directamente inexistentes). En ese sentido, ‘Pizza Movies’ no solo busca la risa, sino también una cierta identificación incómoda por parte del espectador.

Humor, improvisación y los límites de la repetición

El humor está presente y, en líneas generales, funciona. Padial demuestra buen oído para el diálogo absurdo y para detectar esas microdinámicas sociales que generan incomodidad. Sin embargo, hay momentos en los que el propio mecanismo cómico se resiente. Algunas escenas, probablemente abiertas a la improvisación, caen en una repetición excesiva de una misma frase o idea (un recurso que, bien dosificado, puede ser efectivo, pero que aquí termina por diluir el chiste).

Esa insistencia acaba alargando innecesariamente ciertas secuencias, rompiendo el ritmo del filme y generando una sensación de desgaste. Es como si la película se recreara demasiado en su propio hallazgo cómico, perdiendo de vista la progresión narrativa. Este problema no invalida el conjunto, pero sí introduce altibajos que resultan evidentes.

A ello se suma una cierta irregularidad en los personajes secundarios. Mientras que la protagonista sostiene con solvencia el peso emocional del relato, algunos secundarios parecen menos definidos, casi esbozos de ideas más que personajes plenamente desarrollados, como si no tuviesen vida más allá del único gag que tienen. Esto afecta especialmente en las escenas corales, donde el contraste entre interpretaciones resta fuerza al conjunto.

Pizzas, cine y resistencia cultural

Donde ‘Pizza Movies’ encuentra su verdadero pulso es en su dimensión metacinematográfica. Cuando las pizzas entran en juego (con ese diseño deliberadamente infantiloide), la película activa un registro distinto, más lúdico y cómplice. No se trata solo de un recurso visual llamativo, sino de una declaración de intenciones: reivindicar el cine como experiencia compartida, como espacio de juego y de memoria colectiva.

En esos momentos, el filme parece dialogar directamente con películas como ‘Rebobine, por favor’, recuperando ese espíritu de “hazlo tú mismo” y de amor por la cultura popular. Las pizzas funcionan como catalizador, como un revulsivo frente a la apatía generalizada que domina el resto del relato. Es ahí donde Padial logra conectar de forma más directa con el espectador, apelando a una complicidad que trasciende la ironía inicial.

Este elemento entronca, además, con uno de los temas más interesantes del filme: el paralelismo entre la crisis personal de la protagonista y la crisis estructural de las salas de cine. Ambas comparten un mismo diagnóstico: la desidia, la falta de rumbo, la sensación de estar perdiendo relevancia. Pero también una posible salida: la reinvención, incluso a través de ideas aparentemente absurdas.

En este sentido, ‘Pizza Movies’ acierta al retratar el estado actual de la crítica cultural. Sin necesidad de subrayarlo en exceso, deja claro que muchos críticos se ven obligados a pluriemplearse para sobrevivir (una realidad cada vez más evidente). Esta capa añade profundidad al relato y lo ancla en un contexto reconocible, alejándolo de cualquier tentación de abstracción.

No obstante, el filme también se regodea en la crisis existencial, en la neurosis y en el patetismo de sus personajes, lo cual puede que le haga perder partidarios. Yo me quedo con que entre la incomodidad generada en algunas escenas y el amor por el cine como experiencia compartida, se construye una obra que logra capturar el desconcierto de una generación, tanto de consumidores como de profesionales.

Ficha de ‘Pizza movies’

Estreno en España: 15 de mayo de 2026. Título original: Pizza Movies. Duración: 91 min. País: España. Dirección: Carlo Padial. Guion: Carlo Padial, Desirée de Fez, Carlos de Diego. Música: Javier Rodero. Fotografía: Patricio Vial. Reparto principal: Judit Martín, Berto Romero, Joaquín Reyes, Bruna Cusí, Raúl Arévalo, Melina Matthews, Javier Botet, Tamar Novas, Belén Barenys, Miguel Noguera. Producción: El Cansancio, Bambina, Scorpora, Pioneros-Media Offline. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial.

Crítica: ‘Flores para Antonio’

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Sinopsis

Una hija se dispone a buscar la verdad sobre quién fue su padre, un músico legendario, fallecido cuando ella tenía 8 años. Él es Antonio Flores, ella la también célebre actriz Alba Flores. Alba dejó de cantar al perder a Antonio y ahora se dispone a recuperar su voz y su historia, preguntando por primera vez a sus familiares y amigos.

Crítica

Precioso retrato de un gran Antonio Flores

Qué disfrutable es ver un documental tan bien realizado, con tanto cariño y amor hacia una de las figuras claves en el ámbito español. Antonio Flores nació con estrella, venía de una gran familia de artistas. Su madre, la gran Lola Flores y su padre el Antonio González “El Pescaílla’. Ambos grandes cantantes y bailadores. Pero es cierto, que pese a esa estrella, él tenía claro que su música era el rock y que quería triunfar con ese estilo musical. Un estilo propio y que ha dejado canciones inmensas como ‘No dudaría’, ‘Al caer el sol’, ‘Gran vía’ o ‘7 vidas tiene un gato’. Y que decir de su interpretación de ‘Pongamos que hablo de Madrid’ escrita por su amigo Sabina.

Pero bueno, esto es una crítica del documental ‘Flores para Antonio’ dirigido por Elena Molina e Isaki Lacuesta, y solo puedo deciros que os acerquéis a verlo. Nos muestra mucho material inédito del artista; dibujos, videos caseros con su hija Alba y con toda su familia, además de fotografías.

Su hija, Alba Flores, la estupenda actriz de la ‘Casa de Papel’ nos muestra su lado más vulnerable, en la búsqueda para lograr conocer bien a su padre y de historias por las que nunca a preguntado por no sufrir y hacer sufrir a los suyos. Al final, ‘Flores para Antonio’ es también un paso para que esta mujer recupere su voz, voz que dejó de sonar al morir su padre, pues era con el único con el que cantaba. Y vamos viendo como poco a poco se convierte en la búsqueda de respuestas a preguntas que nunca quiso realizar.

Elena Molina e Isaki Lacuesta logran un documental muy completo, conocemos a un montón de amigos, que nos van contando los momentos más complicados del artista y como de verdad quería salir de todo eso, pero le era muy difícil poder escapar. Pero sobre todo vemos, todo el amor que estos amigos recibieron de él y cuanto le querían.

Junto a la familia Flores encontramos a Joaquín Sabina, Ariel Roth, Juan Díaz Ojeda “Juanito el Golosina”, Silvia Pérez Cruz, Marianne Nilsen o Carlos Narea, entre muchos otros, que han decidido acompañar para contar las luces y sombras de Antonio.

¿Qué es lo que más me ha gustado? Descubrir a un hombre que además de ser un gran cantante y compositor, se dedicó al cine y también dibujaba. Su parte vulnerable y a la vez su fortaleza que le hacía una y otra vez intentar salir de sus recaídas. Me encanta como se juega con sus dibujos y como los animan para presentarnos diferentes etapas de su vida, todo ello junto con sus canciones y así contarnos su historia a través de todo su arte.

No os puedo negar que salí encantada del documental y que al final las palabras no pueden contar todo lo que sentí al verlo. Es emocionante y muy triste, a la vez, nos muestra la vida tal cual, con sus alegrías, el amor hacia la familia y también el dolor. No os lo perdáis. 

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de noviembre de 2025. Título original: Flores para Antonio. Duración: País: España. Dirección: Elena Molina e Isaki Lacuesta. Guion: Elena Molina e Isaki Lacuesta. Música: Alba Flores y Silvia Pérez Cruz. Fotografía: Juana Jiménez AEC. Reparto principal: Alba Flores, Ana Villa, Rosario Flores, Lolita Flores, Nüll García, Elena Furiase, Guillermo Furiase, Antonio Villa, Mariola Orellana, Antonio Carmona, Ariel Roth, Joaquín Sabina, Juan Díaz Ojeda “Juanito el Golosina”, Silvia Pérez Cruz, Marianne Nilsen, Eduardo Lago “Chirro”, Carlos Narea, Fernando Illán, Javier Catalá, Erik Franklin, Tato Icasto, Tomasito, Fernando Soto, Mara Rey. Producción: Flower Power Producciones, LACOproductora, Caballo Films, Flores Para Antonio La película AIE, Movistar Plus+. Distribución: A Contracorriente Films, Movistar Plus+. Género: Documental, biografía. Web oficial: https://caballofilms.com/producciones/flores-para-antonio/

Crítica: ‘La leyenda de Ochi’

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Sinopsis

Una niña descubre los misterios de la comunicación animal.

Crítica

Ni su sabor a fábula escandinava, ni la impresionante expresividad de sus animatrónicos consiguen transmitir algo más allá de lo visualmente cautivador

Con ‘La leyenda de Ochi’, Isaiah Saxon y A24 entregan una obra que parece surgir de un sueño febril y lúcido, un híbrido entre fábula escandinava y cine indie contemporáneo. La película no es solo un relato de aventuras, es un ensayo visual sobre la memoria de los mitos y la interacción entre humanidad y monstruosidad. En su estructura y tono, remite inevitablemente a ‘Cómo entrenar a tu dragón’, pero lo hace desde un lugar inexplorado: el norte de Europa, entre bosques brumosos y aldeas que parecen extraídas de un cuento de otra época.

Desde el primer plano, la película demuestra una obsesión estética que roza lo pictórico. La saturación cromática de cada escena, tan cuidada que recuerda a un cuento en technicolor, tiene la meticulosidad de un Wes Anderson. La música, pausada y con tintes melancólicos, se entrelaza con la flema de los diálogos, creando un ritmo hipnótico que no busca la espectacularidad sino la contemplación. Cada gesto de los personajes, cada movimiento de cámara, parece meditado para reforzar esa sensación de atemporalidad.

El universo de ‘La leyenda de Ochi’ es igualmente fascinante. La isla protagonista recuerda poderosamente a Isla Melé de ‘Monkey Island’, pero habitada por criaturas que son tanto entrañables como peligrosas. La población humana ha sufrido las embestidas de estos monstruos: personas con miembros amputados conviven con los que los temen y los veneran. La protagonista, una niña huérfana de madre entrenada para cazar a las criaturas, fracasa en su cometido y encuentra en la amistad con Ochi, un ser híbrido entre mono y vampirillo, la llave de una reconciliación imposible entre especies. De nuevo símiles y reminiscencias inevitables con la película de Dean DeBlois y Chris Sanders. Esta criatura, trabajada mediante animatrónicos con una expresividad sobresaliente, logra transmitir simultáneamente ternura y ferocidad, recordándonos que la línea entre lo temible y lo adorable es frágil y difusa cuando estamos en plena naturaleza.

La narrativa también juega con un anacronismo deliberado: casas de techo vegetal, armaduras y lanzas conviven con coches, postes eléctricos y abrigos de pluma. Esa mezcla de tiempos históricos crea un espacio liminal donde lo mítico se encuentra con lo cotidiano, reforzando la sensación de que estamos ante un relato fuera del tiempo. Saxon, lejos de limitarse a emular los clásicos de animación, transforma los elementos del cuento en un discurso sobre la convivencia y la violencia latente de la civilización.

Sin embargo, lejos de innovar, ‘La leyenda de Ochi’ se queda atrapada en su propia estética. La narrativa avanza con una lentitud que roza el tedio, y los paralelismos con clásicos animados no aportan novedad alguna. La película parece depender exclusivamente de su impacto visual, mientras desaprovecha el potencial dramático y emocional que podrían haber aportado sus actores. Emily Watson y Willem Dafoe, dos talentos de primer nivel, quedan reducidos a meros adornos en una historia que no les permite explorar profundidad alguna.

‘La leyenda de Ochi’ es un ejercicio visualmente atractivo, pero excesivamente superficial. La mezcla de technicolor, animatrónicos y ambientación nórdica no logra sostener una narrativa que resulta monótona y previsible. La película se percibe como un bello envoltorio sin contenido sólido: la relación humano-monstruo, la tensión moral y la fábula de convivencia apenas se desarrollan, dejando al espectador más frustrado que fascinado. Una obra que, pese a su atractivo estético, termina siendo excesivamente aburrida y desaprovecha tanto sus recursos técnicos como a su destacado elenco. Incluso su final, que se supone que tiene que transmitir unas lágrimas que traspasan la pantalla, no logra contagiar al público por forzado y mal cimentado.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de enero de 2026. Título original: The legend of Ochi. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Isaiah Saxon. Guion: Isaiah Saxon. Música: David Longstreth.  Fotografía: Evan Prosofsky. Reparto principal: Helena Zengel, Finn Wolfhard, Emily Watson, Willem Dafoe. Producción: A24, Access Entertainment, IPR.VC, AGBO, Encyclopedia Pictura, Nieghborhood Watch, Year of the rat. Distribución: A Contracorriente Film. Género: fantástico, aventuras. Web oficial: https://a24films.com/films/the-legend-of-ochi

Crítica: ‘Sketch. Cuidado con lo que dibujas’

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Sinopsis

Una niña con mucha imaginación deja caer accidentalmente su cuaderno en un misterioso estanque y sus dibujos cobran vida. Criaturas disparatadas y un poco peligrosas se escapan por la ciudad, sembrando el caos. Junto a su hermano y con la ayuda de su despistado padre, deberán atrapar a sus propias creaciones antes de que el desastre sea total.

Crítica

Eficiente aventura con el trazo como catarsis terapéutica

En un momento en que el cine fantástico a menudo parece haber perdido el asombro en favor del espectáculo vacío, ‘Sketch. Cuidado con lo que dibujas’ emerge como una propuesta original y fresca. Dirigida por Seth Worley, esta cinta mezcla acción real con animación dibujada a mano para ofrecernos una historia inquietante sobre los sentimientos reprimidos y los peligros de proyectar nuestros deseos sin control.

Lejos de ser una simple película juvenil o una fantasía complaciente, ‘Sketch. Cuidado con lo que dibujas’ se adentra en terrenos oscuros y profundamente emocionales. La premisa podría recordar a estrenos cercanos como ‘Harold y el lápiz mágico’, pero Worley imprime un tono completamente distinto, más introspectivo y adulto, donde el acto de crear deja de ser un juego para convertirse tanto en un bálsamo terapéutico como en una amenaza. Aquí, el cuaderno de dibujos no es un portal a la maravilla, sino un espejo del subconsciente de su protagonista. Para sorpresa esta es una película de Angel Studios (la productora cristiana de ‘Sound of freedom’) y por ninguna parte aparecen argumentos religiosos, al contrario, es un filme que funciona de manera universal y tiene un carácter inesperadamente indie e incluso con tintes de comedia negra.

La historia sigue a Amber (Bianca Belle), una joven retraída que descubre en un cuaderno de bocetos el bálsamo para sus penas, rabias e inquietudes. Todos hemos visto en películas de terror sobrenatural o de criaturas esas escenas escalofriantes en las que el profesor de turno enseña a los padres los espeluznantes dibujos que ha hecho su hijo/a. Con este filme sucede lo mismo e incluso estamos ante una obra que podría estar dentro del survival horror o el monster movie. Pero el carácter de las criaturas rompe esa sensación ya que estamos ante seres garabateados que aparecen por el bosque cual pokémon que te asalta.

La cinta funciona muy bien como aventura, como comedia e incluso a veces como título que puede dar miedo. Sobre todo es un filme que funciona como terapia. En la actualidad se habla mucho de la salud mental pero poco se toca tanto el tema infantil. Worley juega con el espectador y con los enfoques familiares para desarrollar bien su idea y sus giros. Cada trazo dibujado es una pincelada emocional, un símbolo que conecta con la psique de Amber y con sus conflictos internos. No es casualidad que muchas de las criaturas creadas reflejen sus miedos, deseos reprimidos y culpa, convirtiendo el filme en un estudio sobre el poder de la creatividad y el tratamiento del trauma.

A nivel visual, ‘Sketch. Cuidado con lo que dibujas’ es una delicia muy divertida. La transición entre el mundo tangible y los dibujos no busca el hiperrealismo, sino que apuesta por el contraste expresivo. Esto refuerza la fragilidad de lo imaginado frente a lo real, y también la idea de que todo poder creativo conlleva un enorme riesgo. Uno de los mayores logros de ‘Sketch’ es la forma en que integran los garabatos animados en la narrativa visual. Lejos de ser un mero recurso estético, estos dibujos cobran vida con una lógica propia, caótica y a veces inquietante. Su estilo visual (intencionadamente rudimentario, como si hubieran sido esbozados deprisa por una mente agitada y evidentemente infantil) contrasta con la fotografía realista y sobria del mundo tangible. La animación no pretende fundirse con la imagen real, sino invadirla, como si la imaginación estuviera filtrándose por las grietas de la realidad. Este choque estilístico refuerza la sensación de descontrol, ya que los trazos parecen expandirse más allá de lo que el protagonista desea, actuando con voluntad propia. Los dibujos interactúan físicamente con los personajes y el entorno, rompiendo las leyes naturales y desafiando cualquier lógica, lo que añade tensión y amenaza constante a cada escena. Evidentemente esto último forma parte de otra de las capas psicológicas del filme.

En cuanto al reparto, hay un gran equilibrio entre todo el elenco. Credibilidad en la relación de los hermanos protagonistas y un Tony Hale que podría ser un claro ejemplo para aquellos padres que se piensan que lo están haciendo todo bien (pero no). Si acaso habría que reprochar que el elenco infantil tiene momentos menos naturales, sobre todo en el caso de Kalon Cox, quien hace las veces del típico bromista cargante del instituto. Aun así todo el casting infantil funciona en los momentos en los que entra en juego la comedia.

‘Sketch’ no es solo una fantasía oscura, sino también una meditación sobre el arte como refugio y como amenaza. En una época donde la inteligencia artificial y la generación automática de contenido están en auge, la película plantea preguntas inquietantes: ¿Qué ocurre cuando no encontramos canales a través de los cuales transmitir lo qué sentimos? ¿Qué sucede cuando nuestras creaciones dejan de obedecernos? ¿Dónde acaba la inspiración y empieza la locura? Seth Worley ha firmado una obra valiente, emocionalmente compleja y visualmente particular. Una cinta que, aunque bebe de referentes clásicos, traza su propio camino con rotundidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Título original: Sketch. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Seth Worley. Guion: Seth Worley. Música: Cody Fry. Fotografía: Megan Stacey. Reparto principal: Bianca Belle, Tony Halle, D’Arcy Carden, Kue Lawrence, Kalon Cox. Producción: Morphan Time Productions. Distribución: a Contracorriente Fillms. Género: aventuras, fantasía. Web oficial: https://www.angel.com/movies/sketch

Tráiler de ‘Flores para Antonio’

Un gran homenaje para uno de los artistas más importantes de nuestra historia

Elena Molina (‘Remember my name’) e Isaki Lacuesta (Premio Goya al Mejor director por ‘Segundo premio’) escriben y dirigen ‘Flores para Antonio’. La película documental que recorre la vida y la obra del músico y compositor Antonio Flores, de la mano de su hija, la actriz Alba Flores.

Este largometraje documental, tendrá su estreno mundial en la Sección Oficial fuera de concurso de la 73 edición del Festival de San Sebastián. ‘Flores para Antonio’ propone un viaje íntimo para acercarnos a la memoria y la vida del músico, uno de los artistas que más han trascendido y calado en la música de este país, y cuyo legado continúa muy presente.

Alba Flores, explora la vida y obra de su padre a través de materiales inéditos, como vídeos caseros, fotos, dibujos, imágenes de archivo y su propia música. La acompañan en este viaje su familia (incluidas su madre, Ana Villa y sus tías, las célebres Lolita y Rosario Flores) y reconocidos artistas como Antonio Carmona, Ariel Rot, Joaquín Sabina o Silvia Pérez Cruz, entre otros.

‘Flores para Antonio’ es un documental original de Movistar Plus+ y está producida por Flower Power Producciones, LACOProductora, Caballo Films y Flores para Antonio la película AIE y cuenta con la financiación de la ICAA y la Comunidad de Madrid.

Distribuida por A Contracorriente Films, se estrenará en cines el 28 de noviembre. A principios de 2026 llegará en exclusiva a Movistar Plus+. Las ventas internacionales corren a cargo de Goodfellas.

A continuación os dejamos con el cartel de la cinta y el tráiler de la misma.

Sinopsis

Una hija se dispone a buscar la verdad sobre quien fue su padre, un músico legendario, fallecido cuando ella tenía 8 años. Él es Antonio Flores, ella, la también célebre actriz Alba Flores. Alba dejó de cantar al perder a Antonio y ahora se dispone a recuperar su voz y su historia, preguntando por primera vez a sus familiares y amigos.

Crítica: ‘Un «like» de Bob Trevino’

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Sinopsis

Lily, una veinteañera solitaria, se hace amiga por internet de un desconocido con el mismo nombre que su padre ausente. El apoyo de este nuevo Bob Trevino, un hombre bondadoso y sin hijos, cambiará la vida de los dos. Inspirada en la historia real de la directora.

Crítica

Emotiva cinta sobre la soledad y la cura de ésta

Una chica con una relación bastante tóxica con su padre, discute con el y decide buscarle por Facebook para llamar su atención. Encuentra a un hombre con el mismo nombre que su padre y comienza una amistad vía internet. Lily Trevino encuentra a su figura paterna con Bob Trevino, un hombre que necesitaba una amistad y a alguien a quien dar todo el cariño que tiene dentro.

Que película tan bonita, de éstas que da gusto recomendar y por supuesto ver. Es sencilla, como la vida y es que esta historia esta basada en la propia historia de la directora y guionista. La película está dedicada al verdadero Bob Laymon, alguien quien sin duda fue muy importante para Tracie Laymon.

Barbie Ferreira (‘Nope’) está estupenda, en este personaje tan bonito, frágil y triste. Una mujer que vive para los demás, para los “likes” de las redes sociales, para que su padre la logre aceptar tal como es.

A su lado encontramos a John Leguizamo (‘John Wick’), que está perfecto. Un hombre roto por una pérdida. Intentando hacer feliz a su mujer a toda costa. Encuentra en Lily un apoyo tremendo y también a alguien a quien cuidar y dar todo lo mejor que tiene.

El tercero en discordia es Frenche Stewart, el Bob Trevino padre, y es que hace un papel terrible. No os equivoquéis, está perfecto, pero es que realmente el padre es tremendamente asqueroso. Trata fatal a su hija, un tanto torpe, pero porque al final es un ser humano, y no le pasa ni una.

‘Un “like” de Bob Trevino’ nos habla de la soledad. De esa melancolía de encontrarse rodeado de gente y aun así no casar con nadie y sentirte solo. Es una película bastante triste, pero dentro de esa pesadumbre, tenemos un poco de esperanza. Siempre encontramos a alguien que nos devuelve la luz y hacer que podamos salir de ese estado de desdicha.

Como os digo me ha parecido tan bonita. Técnicamente es muy sencilla. Tiene una fotografía bastante natural, sin florituras, no las necesita, nos está contando una historia del día a día de dos personas totalmente normales. No necesitamos complicados movimientos de cámara ni grandes planos para adentrarnos en la vida de Lily y Bob. Al igual que la banda sonora, está, pero tampoco sobresale, porque lo importante es lo que escuchamos de los personajes.

Poco más puedo añadir, que paséis al cine y la veáis, la disfrutéis y os quedéis con esa pequeña esperanza que da al final en el que al final las cosas siempre terminan saliendo bien, de una manera u otra.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de julio de 2025. Título original: Bob Trevino Likes It. Duración: 102 min. País: Estados Unidos. Dirección: Tracie Laymon. Guion: Tracie Laymon. Música: Jacques Brautbar. Fotografía: John Rosario. Reparto principal: Barbie Ferreira, John Leguizamo, Rachel Bay Jones, Lauren ‘Lolo’ Spencer, Debra SAndlund, Ted Welch. Producción: Laymon’s Terms, Five By Eight Productions, Purple Intuition, Artlmage Entertainment, Bondlt, Myriad Pictures, Seasick Studios, Lankis Entertainment. Distribución: A Contracorriente. Género: Drama. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/bob-trevino-likes-it

Crítica: ‘Sorda’

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Sinopsis

Ángela, una mujer sorda, va a tener un bebé con Héctor, su pareja oyente. La llegada de la niña altera la relación de pareja, y lleva a Ángela a afrontar la crianza de su hija en un mundo que no está hecho para ella.

Crítica

Un relato poderoso sobre la comunicación en todas sus formas

La ópera prima de Eva Libertad, ‘Sorda’, se alza como una de las propuestas más conmovedoras y casi obligatorias del cine español reciente. Ganadora de dos premios en Berlín y de la Biznaga de Oro a la mejor película española en el Festival de Málaga, así como del premio del público y de los galardones ex aequo a mejor interpretación para Miriam Garlo y Álvaro Cervantes, la película aborda con sensibilidad las barreras comunicativas y emocionales que enfrenta una pareja en la que uno de sus miembros es sordo y el otro oyente, especialmente en el reto de la paternidad.

A través de la historia de los personajes de Ángela y Héctor, Sorda explora los desafíos que surgen cuando una pareja compuesta por una persona sorda y oyente deciden traer alguien a este mundo. La llegada del bebé intensifica las dificultades de comunicación, la incertidumbre sobre cómo enfrentar la crianza y la necesidad de encontrar un equilibrio en una sociedad que sigue sin estar completamente adaptada a la diversidad funcional. La película no solo denuncia las barreras externas que se encuentran aquellos que no son oyentes, sino también las internas, aquellas que nacen de los miedos, las inseguridades y las múltiples o posibles faltas de entendimiento dentro de la pareja.

‘Sorda’ construye con sutileza un relato entrañable y cotidiano que, en su tercer acto, despliega con mayor claridad las inquietudes y dilemas que atraviesa la pareja protagonista. Es especialmente valioso que el filme evite caer en el melodrama fácil, alejándose de los conflictos basados en discusiones o tragedias. En cambio, abre un debate que muchos jamás se habrán planteado. Para aquellos menos familiarizados con la comunidad sorda, o incluso para quienes desconocen la relevancia de la lengua de signos en la vida de tantas personas, la película supone una auténtica inmersión en una realidad distinta, especialmente en sus últimos diez minutos. La controversia radica en la diferencia entre aceptar y desear tener un hijo sordo. Mientras algunos padres no oyentes rechazan la idea de criar hijos CODA (oyentes con padres sordos), lo que algunos consideran una postura contraria a la evolución, los abuelos, por otro lado, temen transmitir una herencia que implique el reto adicional. Además, la película aborda con sensibilidad la compleja transición de quienes deben salir de la comunidad en la que se sienten comprendidos para integrarse en entornos ajenos que la paternidad les impone.

El trabajo de Miriam Garlo es sobresaliente, aportando una autenticidad única a su personaje. Su expresividad y dominio del lenguaje corporal logran transmitir la complejidad emocional de Ángela sin necesidad de artificios. Por su parte, Álvaro Cervantes ofrece una interpretación matizada, encarnando con sensibilidad el papel de un hombre que, pese a su amor y voluntad de apoyo, se enfrenta a dificultades que no siempre sabe cómo manejar.

Con una puesta en escena sobria pero efectiva y un guion que equilibra lo íntimo con lo universal, Sorda no solo es un drama sobre la discapacidad auditiva, sino también un reflejo de los retos que enfrentan muchas parejas al convertirse en padres. Es, en última instancia, una llamada a la empatía y la comprensión, recordándonos que la comunicación va mucho más allá de las palabras.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de abril de 2025. Título original: Sorda. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Eva Libertad. Guion: Eva Libertad. Música: Aránzazu Calleja. Fotografía: Gina Ferrer. Reparto principal: Miriam Garlo, Álvaro Cervantes, Elena Irureta, Joaquín Notario. Producción: Distinto Films, Nexus CreaFilms. Adolfo Blanco, RTVE, Movistar Plus+, La7, ICAA, ICEC, Región de Murcia, Ayuntamiento de Molina de Segura. Distribución: A Contracorriente Films, Latido Films. Género: drama. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/deaf-2

Crítica: ‘Ciento volando’

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Sinopsis

Eduardo Chillida fue un gran artista que dejó una huella imborrable en el arte contemporáneo. Con una vida dedicada a forjar, tallar, esculpir y modelar la materia para resolver cuestiones fundamentales que le surgían durante su proceso creativo relacionadas con el espacio, el tiempo, la materia o el espíritu. También fue un defensor de los derechos humanos y la justicia social. Sus ideas son un testimonio eterno de la capacidad de las personas para cuestionar, descubrir y asombrarse ante el mundo que nos rodea y luchar por la libertad y respeto de todas las culturas.

Crítica

Calma y belleza, es todo lo que sentiremos con ‘Ciento volando’

Como final de un año de conmemoración por el nacimiento de Eduardo Chillida, llega este próximo 10 de enero ‘Ciento volando’ un documental que nos adentra en su vida y sobre todo en su arte.

Tuvo su premier mundial en el Festival de San Sebastián, en la sección Zinemira. El documental está dirigido por Arantxa Aguirre, seguimos a Jone Laspiur, la cual nos narra a través de distintas cartas del artista y de sus entrevistas con diferentes personalidades cercanas a Chillida, la vida de este escultor tan especial.

Uno de los fuertes de este documental son las potentes imágenes que llenan la pantalla de arte y naturaleza. Y es que Eduardo Chillida lograba que ambas casaran de una manera especial. Sus esculturas y la naturaleza se aunaban en una dando paso a una nueva visión de ambas. Logrando una gran comunión entre el metal y tierra.

El Museo ChillidaLeku es el culmen de esta búsqueda, de esta unión. Y es que nos encontramos ante un caserío con un gran terreno en el que sus esculturas descansan para que los visitantes puedan pasear, sentarse, tocar este arte. Todo ello rodeados de naturaleza. Esto lo muestran muy bien gracias al sonido, y es que, durante todo el documental, además de escuchar las obras de Johann Sebastian Bach, escuchamos pájaros, pero también el mecer de las hojas de los árboles y esto es en parte lo que el escultor nos quería mostrar.

‘Ciento volando’ nos enseña también que no solo se dedicó a la escultura, sino también al dibujo y la narrativa. Y es que escribió un sinfín de poemas que se engloban en varios libros.

Todo ello está narrado y contado gracias a Jone Laspiur. Ella va entrevistando a un montón de allegados y conocidos del escultor. Nos van contando poquito a poco su manera de trabajar y vivir. De como pasó de ser portero de La Real Sociedad a uno de los artistas más grandes del país. Con su bonita voz, Jone Laspiur nos lee muchos de los escritos que dejó Chillida.

Por supuesto, vemos grandes obras como el Peine de los Vientos, Buscando la luz, incluso se ve el lugar donde descansa junto a su mujer.

Un documental bastante entretenido, donde conoceremos no solo el arte si no también al artista. Un hombre que sin duda amaba su vida familiar y disfrutaba de su trabajo. Una figura que merece la pena descubrir si no lo conocéis. 

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de enero de 2025.  Título original: Ciento volando. Duración: 97 min. País: España. Dirección: Arantxa Aguirre. Guion: Arantxa Aguirre.  Fotografía: Gaizka Bourgeaud, Rafael Reparaz. Reparto principal: Jone Laspiur, Eduardo Chillida. Producción: A Contracorriente Films, Bixagu Entertainment, Fundación Chillida.  Distribución: A Contracorriente Films. Género: Documental. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/freedom-to-dreams?whereToWatch=in-cinemas

Crítica: ‘Daaaaaalí!’

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Sinopsis

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Una joven periodista francesa se encuentra en varias ocasiones con el icónico artista surrealista Salvador Dalí para un proyecto documental que nunca llegó a realizarse.

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Crítica

La comunión inevitable de dos genios del surrealismo

Hace dos años tuve la inmensa suerte de conocer a Quentin Dupieux en el marco del festival de Sitges. Allí vivimos una de las ruedas de prensa más divertidas de todas las celebradas en la localidad catalana. Entre muchas sugerentes e interesantes preguntas pude lanzar un par. Una de esas cuestiones era más una sugerencia pues planteaba al director usar su característico estilo y aplicárselo a algún suceso real. Me respondió rotundamente que no. Ahora se estrena ‘Daaaaaali!’ y lejos de señalar que se ha contradicho, hay que reconocer que tanto en la realidad y la ficción, con el genio surrealista era difícil distinguir lo que eran ensoñaciones y lo que eran hechos reales. Por eso era inevitable la comunión entre el director francés y el mítico artista español, porque ambos tienen pocas ligaduras con la realidad.

‘Daaaaaali!’ no es una película únicamente para los muy cafeteros de Dupieux pero tampoco la más accesible. Aún así es una muestra del absurdo estilo distintivo de Quentin Dupieux, un cineasta conocido por su enfoque disparatado y su capacidad para desdibujar las líneas entre lo posible y la ficción más lunática. El guion de ‘Daaaaaali!’ mezcla elementos excéntricos, cómicos y oníricos, reflejando las ocurrencias de dos genios capaces de crear de manera libre. Es una obra audaz y creativa que captura la esencia del surrealismo y rinde homenaje a uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Dupieux demuestra su afinidad con el surrealismo y dadaismo de Dalí, sugiriendo que ambos habrían hecho buenas migas, estoy seguro de que se habrían adulado mutuamente. Al igual que Dalí podía soltar algo incomprensible que dejaba al oyente con el gesto torcido, Dupieux nos asalta siempre con escenas tan ocurrentes como sorprendentes e insondables. La película llega hasta el punto de ser capaz de deshacerse a sí misma e introducirnos en un bucle. Estoy seguro de que también le gustará a Christopher Nolan, de igual modo que los que amamos ‘Los Caballeros de la Mesa Cuadrada’ o ‘Top Secret!’ hemos encontrado gags conocidos.

Pero, ¿de qué tarta Dalí? Con todo lo que he dicho hasta aquí podrás imaginar que no es un biopic. La narrativa no sigue una estructura lineal tradicional, sino que se despliega como una serie de viñetas que exploran diferentes aspectos de la vida y la mente de Dalí, sobre todo acerca de su personalidad. Entre estos episodios se incluyen personajes como Gala, su musa y esposa, y su fiel chófer. El hilo conductor es una entrevista que no acaba de cuajar, subrayando así la naturaleza indómita y caprichosa del artista. Dupieux no tiene miedo de desafiar las expectativas del público, una valentía que es una de las fortalezas de su obra, de nuevo alineándose con otra característica de Dalí, su arrojo propiciado por su confianza ciega en su arte. A través de este enfoque, Dupieux logra retratar desde la imaginación a este maestro inigualable, llegando incluso a criticarse a sí mismo por intentar acercarse al arte del genio.

Una de las características más destacadas de la película es la interpretación de Dalí por múltiples actores. Las seis aes del título hacen referencia a los seis actores que llegan a lucir el bigote característico de Dalí. El de Figueres era inigualable pero hasta cierto punto no era inimitable, como demuestran casi todos los intérpretes del filme que clavan sus gestos y su hablar sin citar ni un solo detalle real. Este enfoque refleja la percepción pública de Dalí como una figura cambiante y multifacética. Dupieux utiliza este recurso para crear una sensación de desorientación y fascinación que mantiene al espectador cautivado.

A favor del filme está le haber rodado en la tierra de Salvador Dalí. Visualmente, la película es un festín para los ojos. Dupieux, quien también es conocido por su trabajo como director de fotografía, emplea una paleta de colores veraniegos y una composición visual meticulosa que captura la esencia del arte de Dalí, de hecho recrea por lo menos tres cuadros auténticos. Las escenas están llenas de imágenes surrealistas sumergiendo al espectador en un mundo casi sin sentido. Y por si queréis algo más de disparate. Dupieux es conocido por su faceta de Dj y su campaña con Flat Eric. Curiosamente la banda sonora de ‘Daaaaaalí!’ no está compuesta por él, sino por alguien con quien ya trabajó en ‘Reality’, Thomas Bangalter, uno de los miembros de Daft Punk.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de octubre de 2024. Título original: Daaaaaalí! Duración: 79 min. País: Francia. Dirección: Quentin Dupieux. Guion: Quentin Dupieux. Música: Thomas Bangalter. Fotografía: Quentin Dupieux. Reparto principal: Anaïs Demoustier, Gilles Lellouche, Edouard Baer, Jonathan Cohen, Pio Marmaï, Didier Flamand, Romain Duris. Producción: Atelier de Production, Associates M Productions, France 3 Cinéma. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial: https://es.unifrance.org/pelicula/55586/daaaaaali

Crítica: ‘Justicia artificial’

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Sinopsis

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El gobierno anuncia un referéndum para aprobar un sistema de Inteligencia Artificial en la Administración de Justicia que promete automatizar y despolitizar la justicia sustituyendo, en la práctica, a los jueces y juezas de todos los tribunales del país.

El referéndum desata una encarnizada campaña electoral en la que se enfrentan el Gobierno, en alianza con la tecnología creadora del sistema, y la carrera judicial, que defiende el carácter humano de la justicia.

Carmen Costa, una reconocida jueza, es invitada a trabajar en el desarrollo del proyecto, pero la repentina desaparición de Alicia Kóvack, creadora del sistema, provoca una gran desconfianza en ella, hasta el punto de entender que está descubriendo la punta del iceberg de una conspiración que pretende controlar, desde la justicia, a todo un país

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Crítica

Interesante thriller con un debate muy actual

Llega a nuestras pantallas ‘Justicia artificial’, una película dirigida por Simón Casal y con guion del propio director junto a Victoriano Sierra Ferreiro.

‘Justicia artificial’ nos trae una historia del que podría ser nuestro futuro, no solo español, sino mundial. El Gobierno decide poner fin a las esperas en el terreno judicial, anunciando un referéndum para aprobar un sistema de Inteligencia Artificial en la Administración de justicia. Con ello, promete automatizar y despolitizar la justicia, sustituyendo, en la práctica, a los jueces y juezas en todos los tribunales del país. Una reconocida jueza, es invitada a trabajar en el desarrollo del proyecto.

La película es un gran thriller, en el que vemos la desconfianza de unos y la seguridad de otros. Una muerte en extrañas circunstancias, conspiraciones y un gran debate sobre si estamos realmente preparados para las IAs, es lo que nos da ‘Justicia artificial’.

Me ha gustado bastante la película, está muy bien dirigida y el ritmo es muy dinámico. El estar rodada en Galicia le da un tono oscuro y triste que a la historia le viene de fábula. Nos crea mucha tensión el no saber exactamente quien está detrás de todo lo que parece una gran conspiración y la verdad los guionistas juegan muy bien las cartas.

Toda la fuerza de la película recae sobre Verónica Echegui, que está estupenda, Concha, su personaje, se enfrenta a un gran problema, si ayudar a una IA a que su trabajo desaparezca o intentar ver fallos en el sistema, además de intentar averiguar de todo lo que está pasando y porque la prisa de introducir este sistema por parte del Gobierno.

A la actriz la acompañan Tamar Novas, Alba Galocha, Lúcia Moniz, Alfonso Pimentel, Paula Morado, Ledicia Sola, Xabier Deive y Alberto Ammann entre muchos otros.

La sobriedad de la fotografía de Diego Cabezas viene muy bien en esta historia, donde lo que nos importa es lo que nos están contando. Es muy sencilla, pero se nota que es a propósito. Eso sí, las escenas en el mar nos dan una nostalgia y tristeza que hace que nos sintamos como la protagonista y logra que vayamos conociendo un poco sus sentimientos.

‘Justicia artificia’ es una película que, aunque no vaya a ser un bombazo, si que es muy recomendable, va a dar debate después de su visionado. Porque como digo, es muy actual, es algo que no creo que a corto plazo, pero si que pienso, que a largo plazo comenzaremos a ver este tipo de noticias en nuestras televisiones, pues la Inteligencia Artificial, cada día está más presente en nuestras vidas. 

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de septiembre de 2024. Título original: Justicia artificial. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Simón Casal. Guion: Simón Casal. Música: Sofía Oriana Infante. Fotografía: Diego Cabezas. Reparto principal: Verónica Echegui, Tamar Novas, Alba Galocha, Aberto Ammann, José Alfonso Pimentel, Elea Petit, Monti Castiñeiras, Marco D’Almeida, Melania Cruz, Ledicia Sola, Xabier Deive. Producción: Abano Producions, Amazon Prime Video, Axencia Galega das Industrias Culturais, ICAA. Distribución: A Contracorriente Films.  Género: Thriller. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/artificial-justice-1

Crítica: ‘Héroes de Central Park’

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Sinopsis

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Un títere fugitivo y un simpático perro de peluche se encuentran en Central Park iniciando una gran amistad. Juntos vivirán grandes aventuras en la ciudad de Nueva York y con el poder de su imaginación harán realidad sus sueños, demostrando que incluso los más pequeños pueden lograr grandes hazañas.

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Crítica

Bonita, imaginativa y muy divertida

Central Park tiene innumerables lugares y rincones perfectos para perderse, llenos de historia y de arte. Uno de esos lugares es Swedish Cottage Marionette Theatre. Esta bonita casita, construida en pino y cedro se trata de una edificación que representó a Suecia en Filadelfia en 1986, durante la celebración del primer centenario de los Estados Unidos de America.

Este edificio ha sido cobertizo, centro entomológico hasta que en 1947 se convirtió en un Teatro de marionetas, gracias a Fiorello La Guardia, alcalde de la ciudad en aquel momento.

Y ahora diréis… ¿Y por qué me está contando todo esto? Pues porque ‘Héroes de Central Park’, se centra en este pequeño teatro de marionetas de este gran pulmón de la Gran Manzana. Y allí conocemos a sus marionetas, que al estilo de Toy Story, están vivas y todos los días se levantan para ensayar las grandes obras de teatro que van a representar para los transeúntes de Central Park.

El protagonista principal, Don, es una marioneta que siempre hace de bufón. Cansado de ello y con un alarde de gran imaginación, marcha a la búsqueda de aventuras para demostrar que él también puede ser un héroe. Conoce por el camino a un muñeco rapero, DJ Doggy Dog, al que tendrá que enseñar que vale mucho más que una simple grabación en su espalda. Juntos deben ir al rescate de sus antiguos compañeros del teatro.

Con un gran homenaje a Don Quijote de la Mancha, andaremos por Central Park en compañía de Don, viviendo grandes aventuras en las que veremos dragones, castillos y un sinfín de situaciones sacadas de la imaginación de Don que como he comentado, al final es un gran homenaje para el hombre de la Mancha.

Una película con un gran mensaje de amistad, familiar y además que siempre tienes que seguir tus sueños, por locos que parezcan y sobre todo, confiar en tus amigos y apoyarte siempre en ellos cuando lo necesites.

La historia original es de Joel Cohen y Alec Sokolow, dos de los responsables de ‘Toy Story’ de ahí el guiño de que las marionetas estén vivas. Y la adaptación de este guion fue llevada gracias a Bob Barlen y Cal Brunker (‘La Patrulla Canina: La película’).

La animación es bastante bonita, me gusta mucho cuando Don comienza sus aventuras y nos adentramos dentro de su cabeza, pues la animación cambia dando lugar a un estilo algo 2D con un toque de dibujo a mano muy bonito. Algo que hace que nos saque de la realidad y podamos distinguir bien el momento en el que todo es una ilusión.

Luego cuando estamos en la realidad, logran meternos en Nueva York. Vemos muchos recovecos de Central Park, no solo la zona del teatro, si no lugares como el Belvedere Castle o Bethesda Terrace, entre muchos otros. Luego cabalgaremos por Manhattan, y veremos las impresionantes luces de Times Square en todo su esplendor.

Aunque es una película bastante infantil, ‘Heroes de Central Park’ entretiene también a los mayores. Yo la disfruté mucho y me divertí mucho viendo a esta pobre marioneta intentando demostrar que es un héroe pese a lo que los demás piensan de él.

A partir de el día 30 de agosto, la tendréis en los mejores cines y sin duda no dudéis de llevar a vuestros pequeños y disfrutarla junto a ellos.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de agosto de 2024. Título original: Les Inséparables. Duración: 88 min. País: Bélgica, España y Francia. Dirección: Jérémie Degruson. Guion: Joel Cohen, Alec Sokolow, Bob Barlen. Música: Puggy. Reparto principal: Eric Judor, Jean-Pascal Zadi, Ana Girardot, Chris Marques, Laurence Huby, Jean-François Lescurat, Bernard Bollet, Frédéric Phillippe, Garlan Le Martelot. Producción: nWave Pictures, A Contracorriente Films, Octopolis. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Aventuras. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/the-inseparables?whereToWatch=in-cinemas

Crítica: ‘El bus de la vida’

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Sinopsis

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Andrés (Dani Rovira) viaja a un pueblo del País Vasco para trabajar como profesor de música. El primer día de clase sufre un fuerte pitido en el oído: es cáncer. Para recibir tratamiento debe desplazarse al hospital de Bilbao en El bus de la vida, un viejo autocar conducido por Mai (Susana Abaitua), que traslada gratuitamente a todos los pacientes de la zona.

Gracias a las risas, confidencias y experiencias musicales compartidas con sus compañeros de viaje, Andrés irá obteniendo la fuerza necesaria para enfrentarse a sus miedos y llegar a cumplir el sueño de subirse a un escenario.

El bus de la vida está inspirada en una historia real.

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Crítica

Ensalza el valor de ser solidario aun cuando es uno mismo el que necesita solidaridad

Juzgar una película que intenta abordar un tema tan doloroso y personal como es el cáncer es muy difícil, más aún si uno de sus intérpretes lo ha padecido hace unos pocos años. No sé si Dani Rovira aceptó trabajar en ‘El bus de la vida’ por tener tan cercano su caso o por la perspectiva que ofrece, pero creo que es una historia de superación que le viene como anillo al dedo ya que como todos sabemos, además de su enfermedad ha tenido que superar muchos tipos de retos, tanto artísticos, como deportivos, como sociales por el hate que ha recibido en algunos momentos, que hoy en día es algo que se puede considerar un deporte de riesgo. Para aquellos detractores del actor esta película puede ser un zasca que no van a querer admitir, pues muestra un cariz distinto, alejado de sus papeles más cómicos o socarrones.

‘El bus de la vida’ podría considerarse una película de autoayuda, una promotora de la terapia en grupo y del optimismo. Hablar de cáncer con una sonrisa y de las virtudes de la psicoterapia colectiva me recuerda siempre a Albert Espinosa. Y lo digo en el buen sentido pues esta historia bien podría haber estado escrita de su puño y letra. Realmente este largometraje de Ibon Cormenzana surge de la historia que le contó uno de sus familiares, del viaje que vivió a bordo de un bus lleno de anécdotas y lecciones de vida. Se conforma así este largometraje como una mirada sobre el cáncer bastante vitalista, que evidentemente cuesta aplicar a la realidad pues cada caso es un mundo diferente, pero que sirve de homenaje hacía las personas que hicieron posible El bus de la vida, así como a todos aquellos capaces de afrontar la vida con una resignación embadurnada de optimismo.

Si eres de la generación de cristal y te sientes violentado porque se intente tratar con positividad o humor el tema del cáncer es mejor que no te acerques a este tipo de películas, pues estas piden una capacidad de amplitud de miras que quizá no puedes abarcar. Si piensas que todo esto es spoiler, solo tienes que leer la sinopsis oficial, la que sus propios artífices aprueban que leas antes de ver el filme. ‘El bus de la vida’ va a rebufo de títulos como ‘Planta 4ª’, ‘Bajo la misma estrella’, ‘Quiero comerme tu páncreas’ o ‘Yo, él y Raquel’, películas que afrontan la incomodidad y la pesadumbre de un tema que a muchos les es esquivo y a otros más difícil de arrostrar que un triatlón Ironman. En una época en la que las redes sociales y el capitalismo fomentan y premian el individualismo y el egoísmo, hay que agradecer que surjan películas como esta, que ensalza el valor de ser solidario aun cuando es uno mismo el que necesita solidaridad.

Bien es cierto que aunque se percibe intención de ser una película “feel-good” y tiene personajes cómicos tales como un hombre que confunde las palabras a lo novena destilación de ‘Año Mariano’ o una mujer con intenciones incendiarias, esta es una película que deja sensaciones tristes. La música es un medio como otros muchos para vomitar lo que sentimos y sufrimos. A esa capacidad catártica apela ‘El bus de la vida’. El protagonista es víctima de una enorme ironía y el resto de personajes están sometidos a un bloqueo emocional que los acordes deshacen. Escuchamos temas de Los Chikos del Maíz, Fito y Fitipaldis o Kase.O que por lo general a mí personalmente me ponen en pie, pero me da la impresión de que el gancho es menos eficiente de lo pretendido.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de julio de 2024. Título original: El bus de la vida. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Ibon Cormenzana. Guion: Ibon Cormenzana, Eduard Sola. Música: Paula Olaz, Kase.O, Los Chikos del Maíz, Fito y Fitipaldis, Chill Mafia, Rigoberta Bandini. Fotografía: Albert Pascual. Reparto principal: Dani Rovira y Susana Abaitua, Elena Irureta, Antonio Durán “Morris”, Nagore Aramburu, Amancay Gaztañaga, Andrés Gertrúdix, Pablo Scapigliati, Julen Castillo, Miriam Rubio. Producción: Arcadia Motion Pictures, Aixerrota Films, Pachacamac Films, Noodles Production, Pris&Batty, ICAA, Gobierno Vasco, Prime Video, ETB, TVC. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://www.arcadiamotionpictures.com/en/films/el-bus-de-la-vida/

A Contracorriente se hace con los derechos de la última de Quentin Dupieux

‘The second act’ acaba de inaugurar el Festival de Cannes

A Contracorriente Films estrenará en cines ‘The second act (Le deuxième acte)’, la nueva comedia escrita y dirigida por el aclamado director francés Quentin Dupieux (‘Fumar provoca tos’, ‘Mandíbulas’, ‘Rubber’, ‘Yannick’, ‘Daaaaaali!’). La película inauguró la presente edición del Festival de Cannes el pasado 14 de mayo, y se estrenó el mismo día en cines de Francia, donde lleva más de 200.000 espectadores, convirtiéndose en el mejor arranque en taquilla para un estreno de Dupieux y liderando los estrenos de la semana.

‘The second act’ es una producción francesa protagonizada por cuatro de los actores más de moda del cine francés: la ganadora de la Palma de Oro Léa Seydoux (‘La vida de Adèle’, saga ‘007’, ‘Dune: parte dos’), Louis Garrel (‘Soñadores’, ‘Mujercitas’, ‘Un pueblo y su rey’), Vincent Lindon (‘Titane’, ‘La ley del mercado’) y Raphaël Quenard (‘Jeanne du Barry’, ‘Perro feroz’).

En ‘The second act’, Florence quiere presentarle a David, el hombre del que está perdidamente enamorada, a su padre Guillaume. Pero David no se siente atraído por Florence y quiere lanzarla a los brazos de su amigo Willy. Los cuatro se encuentran en un restaurante en medio de la nada.

‘The second act’ llegará a nuestro país tras el estreno el 25 de octubre de la nueva película del director, ‘Daaaaaali!’, un sentido homenaje en clave de humor a la icónica figura de Salvador Dalí, y que logró 500.000 espectadores en su estreno en Francia.

Vuelve Lassie con una nueva película

‘Lassie (una nueva aventura)’ en cines el 7 de junio

A Contracorriente Films distribuirá en España el regreso de Lassie. ‘Lassie (una nueva aventura)’ es la nueva película de la famosa perra collier, dirigida por el realizador alemán Hanno Olderdissen (‘Robin’ (cortometraje), ‘Corazones sin riendas’, ‘Lassie vuelve a casa’). El film se estrenó con gran éxito en Alemania, acumulando más de 500.000 espectadores, y llegará a los cines de nuestro país el próximo 7 de junio.

La perra collie Lassie es un personaje clásico de ficción creado por el escritor británico Eric Knight en 1940 con el cuento: ‘Lassie: vuelve a casa’, publicado por el periódico The Saturday Evening Post. Este personaje ha aparecido en múltiples adaptaciones, en libros, radio, televisión, cine, juguetes, historietas, series animadas, juegos y en otros medios. Esto hace que, para muchos, Lassie sea considerada la perra más famosa del mundo.

‘Lassie (una nueva aventura)’ participó en el German Children’s Film & TV Festival, donde ganó dos premios del Children Jury Golden Sparrow: Mejor Película y Mejor Actor para Nico Marischka.

La película está protagonizada por Dennis Mojen (‘60 minutos’, series de TV ‘Issy & Osy’ e ‘Into the night’), el ganador de tres German Film Awards Justus von Dohnányi (‘El hundimiento’, ‘El experimento’, serie de TV ‘En el lugar del crimen’), Katharina Schüttler (‘Hijos del tercer Reich’, ‘13 minutos para matar a Hitler’) y el joven actor Nico Marischka (‘Lassie vuelve a casa’).

Sinopsis oficial:

La perra Lassie está en una misión de rescate junto con su mejor amigo Flo y sus nuevos amigos Henri, Kleo y la pequeña Pippa, una Jack Russell terrier. Esta vez, las habilidades detectivescas de Lassie son especialmente necesarias para llegar al fondo de las misteriosas desapariciones de varios perros de pedigrí.

Crítica: ‘Dragonkeeper: guardiana de dragones’

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Sinopsis

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Tiempos oscuros en el antiguo imperio chino. Los dragones, antaño amigos y sabios aliados de los hombres, llevan años perseguidos y enjaulados. En una lejana fortaleza, una joven ayuda al último dragón vivo a escapar de su cautiverio y se une a él en una trepidante aventura para recuperar su tesoro más preciado: el último huevo de dragón, robado por un malvado hechicero que desea el poder que en él reside para alcanzar la inmortalidad. Perseguida por los ejércitos del Emperador, esta extraña pareja se embarca en un apasionante viaje a través de China, en el que ambos aprenderán a crecer juntos y a confiar el uno en el otro para derrotar a sus enemigos y garantizar la supervivencia del linaje de los dragones.

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Crítica

Una emotiva y preciosista aventura

¿A qué niño o niña no le ha gustado siempre fantasear con los dragones? ‘Cómo entrenar a tu dragón’ puso eso en evidencia. Las temibles criaturas legendarias están en casi todas las civilizaciones a lo largo del mundo. Probablemente la cultura y tradición china es la que más presente les tiene. Precisamente ahora que los que siguen el calendario lunisolar chino están en año del dragón llega ‘Dragonkeeper’. No puede ser una casualidad pues es una coproducción hispano-china de animación que cuenta con la participación de Movistar Plus+ y Atresmedia.

‘Dragonkeeper’ trata sobre Ping una niña que tiene un vínculo especial con los dragones. La aventura que propone este cuento trata de descubrir el origen y función de esa relación, pero también el rescate del último huevo que poseen los mágicos y enormes reptiles. El carácter curioso y respondón de la protagonista hace que además haya un trasunto sobre el cambiar roles y se cuestione el orden establecido.

Salvador Simó, director de ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’ y también experto artista de efectos visuales, es el director de esta potente producción. La primera novela de las seis publicadas por Carole Wilkinson sirve de base y el director ha llenado esta fábula de detalles y diseños preciosos.

‘Dragonkeeper’ arranca como muchas veces lo hacen las películas de Disney, llenando de pena nuestros corazones y con criaturas pasándolo mal. Tras eso está repleta de hechiceros, pequeños animales, soldados, habilidades jedi… Hasta su propia versión de los templarios de Osorio. A esta adaptación animada no le falta sentido de la aventura, quizá ande floja en su comedia y acción, pero no anda falta de ritmo y calidad gráfica.

Para mí el mayor acierto es el contar con Bill Nighy para dar voz al dragón y con su doblador habitual en castellano, Mario Gas. Es una jugada similar a la de ‘Dragonheart’ con Francisco Rabal. Dotan al personaje de una profundidad, dramatismo y emotividad que calan.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de abril de 2024. Título original: Dragonkeeper. Duración: 99 min. País: España, China. Dirección: Salvador Simó Busom, Jianping Li. Guion: Carole Wilkinson, Pablo I. Castrillo, Ignacio Ferreras, Rosanna Cecchini, Wang Xianping. Música: Arturo Cardelús. Reparto principal (doblaje en castellano): Lucía Pérez, Mario Gas. Reparto principal (doblaje en inglés): Mayalinee Griffiths, Bill Nighy, Bill Bailey, Anthony Howell. Producción: China Film Animation, Guardián de Dragones A.I.E., Atresmedia Cine, Movistar Plus+.