Crítica: ‘El mago del Kremlin’

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Interesante retrato del “Rasputín” de Putin

Hablar de ‘El mago del Kremlin’ supone partir de una paradoja: la película se presenta como adaptación de una novela histórica que, en realidad, es una ficción inspirada en hechos reales. Ese triple filtro (realidad, ficción literaria y reinterpretación cinematográfica) le resta de entrada cierta credibilidad documental que ya de por sí llega velada por el oscurantismo y la opacidad de la Rusia de Putin. Sin embargo, también le otorga libertad dramática. Lo que propone Olivier Assayas no es una crónica periodística, sino una disección moral del poder contemporáneo.

Inspirada en la novela de Giuliano da Empoli, la película articula el ascenso de Vladimir Putin a través de la figura de Vadim Baranov, trasunto evidente de Vladislav Surkov. En pantalla, Baranov es interpretado por Paul Dano, que compone un personaje frío, cerebral y magnéticamente ambiguo. Se le ha llamado el “Rasputín moderno”, y la comparación no es gratuita: no gobierna, pero susurrando al oído del poder modela el destino de un país.

La cinta funciona como una lección acelerada de historia reciente rusa, desde el caos postsoviético hasta la consolidación del Kremlin putinista. Y lo hace sin caer en el didactismo explícito, sino a través de una estructura narrativa fragmentada y retrospectiva.

Flashbacks y densidad política

Assayas apuesta por un thriller político de ritmo pausado y arquitectura compleja. La narración se despliega mediante múltiples flashbacks que, en ocasiones, contienen a su vez otros recuerdos insertados. Esta estructura en abismo podría haber resultado farragosa, pero la actualidad de los acontecimientos y la escasez de ficciones cinematográficas centradas en la trastienda del poder ruso sostienen el interés durante sus casi dos horas y media de metraje.

La acción física es secundaria frente a la batalla simbólica. No se trata de espionaje clásico, sino de ingeniería narrativa. Baranov diseña el concepto de “democracia soberana”, formulación ideológica que legitima un sistema formalmente democrático, pero profundamente centralizado y controlado, de hecho, se le conocía también como “El cardenal gris”. La película convierte ese término en eje dramático: ¿es la democracia una estructura institucional o un relato cuidadosamente administrado?

En este punto, el filme trasciende el caso ruso y se adentra en una reflexión más amplia sobre las autocracias contemporáneas. La manipulación mediática, la creación de oposiciones controladas y la fabricación de consensos aparecen como piezas de un tablero donde la verdad es moldeable. Los medios no son meros observadores, sino actores activos en lo que la película sugiere como planes maquiavélicos para alcanzar fines políticos o económicos.

Hay una secuencia especialmente elocuente que remite a la gestión del hundimiento del Kursk en el mar de Barents. La inacción política, el cálculo oportunista y el sensacionalismo mediático dialogan con resonancias contemporáneas que trascienden Rusia. Resulta inevitable que el espectador español detecte paralelismos con la gestión de crisis propias, donde la búsqueda de la verdad se diluye entre intereses cruzados.

Reparto al servicio del retrato de la autocracia

Aunque Alicia Vikander aparece como cabeza de cartel, su papel es más bien episódico y funcional. Sirve para iluminar algunas facetas íntimas de Baranov, pero no altera el eje narrativo. El verdadero protagonista es Paul Dano, cuya interpretación sostiene el peso moral e intelectual de la película. Su Baranov no es un villano caricaturesco, sino un estratega patriota convencido de que la estabilidad justifica la manipulación.

Como secundarios con verdadero peso dramático destacan Jude Law (en una composición contenida que evoca al propio Putin sin caer en la imitación grotesca) y Will Keen, cuyo personaje aporta contrapunto ideológico y mayor presencia en pantalla que la propia Vikander. Junto a ellos el rodaje recrea con meticulosa fidelidad despachos y ambientes del Kremlin en localizaciones europeas, evitando filmar en Rusia por razones obvias. El resultado es un retrato de una Rusia edificada a través de actos violentos, no siempre bélicos ni explícitos, pero sí estructurales: violencia simbólica, institucional y narrativa. Evidentemente están los conflictos de Crimea y la guerra en Ucrania que planean sobre la historia como consecuencia lógica de un sistema donde el relato precede a la realidad.

‘El mago del Kremlin’ puede incomodar. Es probable que escueza en determinados círculos rusos, y cuesta imaginar a Putin asistiendo a una proyección privada. Pero más allá de su dimensión geopolítica, la película funciona como advertencia universal: cuando la verdad se convierte en herramienta, la democracia deja de ser un sistema y pasa a ser una escenografía. Propone es una mirada lúcida y densa sobre el poder contemporáneo. Y en ese terreno, ‘El mago del Kremlin’ no es solo un thriller político, sino un espejo incómodo de nuestro tiempo.

Ficha de ‘El mago del Kremlin’

Estreno en España: 6 de marzo de 2026. Título original: Le Mage du Kremlin. Duración: 156 min. País: Francia. Dirección: Olivier Assayas. Guion: Emmanuel Carrère, Olivier Assayas. Fotografía: Yorick Le Saux. Reparto principal: Jude Law, Paul Dano, Alicia Vikander, Tom Sturridge, Jeffrey Wright. Producción: Curiosa Films, Gaumont, France 2 Cinema, Tribune Pictures, LB Entertainment. Distribución: DeAPlaneta. Género: suspense. Web oficial.

Crítica: ‘La asistenta’

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Sinopsis

Basada en el increíble fenómeno literario escrito por Freida McFadden.

Una joven, Sydney Sweeney, con un pasado complicado comienza a trabajar como asistenta en la lujosa casa de los Winchester, Amanda Seyfried y Brandon Sklenar. A medida que se adentra en la vida de la familia, descubrirá secretos oscuros que pondrán en peligro su seguridad, pero quizá ya sea demasiado tarde…

Crítica

Un híbrido entre el spicy y el thriller doméstico que consigue tener lo suyo de insólito

‘La asistenta’ es la nueva apuesta de Paul Feig por los relatos centrados en mujeres, pero esta vez se aparta de la comedia como ‘Cazafantasmas’ o el thriller juguetón de ‘Un pequeño favor’ para sumergirse en un híbrido inesperado: un thriller romántico con pinceladas de terror. Feig, que vuelve a confiar el peso de su película a un reparto femenino, construye una narración que combina melodrama, sensualidad y oscuridad psicológica, una mezcla que promete más de lo que finalmente entrega, pero que resulta curiosamente magnética.

Desde sus primeros compases queda claro que ‘La asistenta’ conecta mejor con quienes disfrutan de las novelas de Freida McFadden. No he leído la obra original, pero si la película es fiel al espíritu del libro, estamos ante una historia dirigida a un público que busca intensidad emocional, giros retorcidos y erotismo tipo spicy literario. Amanda Seyfried encarna una figura que podría haberse escapado de ‘M3gan’, con esos vestidos y una actitud imprevisible mezclada con un aura de inestabilidad que apenas necesita palabras para desplegarse. Frente a ella, Sydney Sweeney sostiene el verdadero eje de la trama, atrapada entre la fascinación y el desconcierto.

‘La asistenta’ parece querer seguir la senda de clásicos como ‘La mano que mece la cuna’, pero pronto evidencia que sus intenciones van por otro camino. Feig nos traslada desde escenas marcadas por el deseo adolescente hasta estallidos de violencia emocional y física que rompen por completo la atmósfera inicial. Cuando ‘La asistenta’ se atreve a abrazar su naturaleza más oscura y a jugar con las expectativas del espectador, la propuesta funciona, sorprende y demuestra personalidad. El problema es que estos momentos inspirados llegan tras una acumulación de escenas románticas, malentendidos y subtramas que estiran más de lo necesario el metraje. Da la sensación de que Feig ha querido conservar cada latido de la novela sin detenerse a pensar en las exigencias del lenguaje cinematográfico. Quizá es por eso que el segmento explicativo hacia el final contado desde dos perspectivas resulta excesivamente largo, un lastre que habría funcionado mejor desde la insinuación que desde la sobreexposición. Feig apuesta por aclararlo todo cuando el misterio habría permitido una resolución más elegante.

En su tramo final se notan varios fallos de coherencia: decisiones narrativas precipitadas y un uso poco claro del rol de Michelle Monrroe, que habría necesitado un desarrollo más sólido son solo un par de ejemplos claros. Aun así, es probable que una parte del público pase por alto estos descuidos porque la película introduce elementos que, al menos, se salen de lo convencional. La protagonista, por ejemplo, permanece en una espiral de locura de la que cualquiera querría escapar, pero la trama construye motivos, algunos creíbles, otros puramente morbosos, para retenerla en ese espacio mental y físico.

‘La asistenta’ también busca momentos de humor y deja espacio para la sobreactuación de Seyfried, algo que la actriz parece manejar con plena conciencia. Aunque el atractivo erótico de Brandon Sklenar y de Sweeney se explota constantemente, la auténtica fuerza motora del filme es la dinámica entre Sydney Sweeney y Amanda Seyfried. Ellas sostienen incluso los tramos menos inspirados. Aunque su final, la manera en cómo se resuelve su relación, llega de manera abrupta y con necesidad de echarle imaginación, los duelos que van protagonizando son cada vez más inquietantes e intensos. Si no fuese por ese tira y afloja bien mantenido por ambas actrices, la película no se habría mantenido.

Ficha de La asistenta

Estreno en España: 1 de enero de 2025. Título original: The Housemaid. Duración: País: Dirección: Paul Feig. Guion: Freida McFadden, Rebecca Sonnenshine. Música: Theodore Shapiro. Fotografía: John Schwartzman. Reparto principal: Sydney Sweeney, Amanda Seyfried, Brandon Sklenar, Michele Morrone. Producción: Lionsgate, Hidden Pictures, Feigco Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: suspense. Web oficial: https://thehousemaid.movie/

Crítica: ‘Núremberg’

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Sinopsis

NÚREMBERG nos sitúa de pleno en los juicios celebrados hace 80 años por los Aliados tras la derrota del régimen nazi. El psiquiatra estadounidense Douglas Kelley (Rami Malek) es designado como responsable de evaluar la salud mental de los prisioneros y determinar si son aptos para ser juzgados por sus crímenes de guerra. De la noche a la mañana, Kelley se verá inmerso en una compleja batalla de ingenio contra Hermann Göring (Russel Crowe), mano derecha de Hitler y uno de los hombres más temibles que ha visto el mundo.

Crítica

Directa desde de nuestro pasado, la película de juicios más interesante de los últimos años

James Vanderbilt dirige ‘Núremberg’, la cual, emerge como una de esas obras que se atreven a enfrentar de manera directa la oscuridad absoluta de la historia. Su duración, cercana a las tres horas, podría intimidar a cualquier espectador contemporáneo acostumbrado al montaje vertiginoso del cine actual. Sin embargo, la película domina con precisión la tensión narrativa: va directa al grano, nunca deja de entretener y lo que resulta aún más estimulante, no abandona en ningún momento la reflexión ética y psicológica que la sustenta. Todo ello gracias a la base del libro de Jack El-Hai. Vanderbilt construye un relato que no se limita a revisitar los juicios que marcaron la posguerra, sino que profundiza en lo que significó sentar ante un tribunal a quienes encarnaron el mal más sistemático del siglo XX.

Uno de los interrogantes más fascinantes del filme surge de una estrategia que todos hemos visto (en la ficción y en la vida real) reproducirse casi como una fórmula: la del villano que busca escabullirse alegando enajenación mental, defensa propia o cualquier exención de responsabilidad que diluya sus crímenes. Parte del interés de la película reside en examinar cómo esa táctica fue empleada en los tribunales internacionales y hasta qué punto resulta lícito o siquiera posible mantener la objetividad cuando se juzga a un arquitecto del nazismo. ¿Puede el derecho, con su estructura racional, captar la dimensión monstruosa del genocidio? ¿Puede un profesional de la salud mental evaluar a un líder que construyó una maquinaria de muerte sin precedentes?

Es ahí donde surge el duelo central entre Russell Crowe, encarnando a un Hermann Göring temible y astuto y Rami Malek, en la piel del psiquiatra encargado de determinar la verdadera naturaleza psicológica del jerarca nazi. Vanderbilt articula entre ambos un enfrentamiento psicológico y legal que plantea el dilema esencial: ¿es Göring un oportunista capaz de disfrazar su ideología bajo el barniz del “patriotismo”, o un ser perfectamente consciente y carente de remordimientos, capaz de diseñar el exterminio de un pueblo? La película se adentra en ese juego de espejos, en ese ejercicio de hipocresía que recuerda que “la historia la escriben los vencedores”. En pantalla se sugiere de forma incisiva que, al mismo tiempo que se juzgaba a quienes levantaron campos de exterminio, otros actores del bando aliado justificaban bombardear con bombas atómicas y “defenderse” en territorio extranjero. Vanderbilt no lo plantea para relativizar, sino para incomodar: para recordarnos que la moral colectiva siempre opera en zonas grises.

Los juicios de Núremberg fueron la culminación de una búsqueda de justicia que, incluso hoy, parece insuficiente ante la magnitud del horror. No han pasado cien años y, sin embargo, a muchos jóvenes estas páginas de la historia les resultan casi arqueológicas. La película se vuelve inquietantemente actual cuando evidencia que la humanidad continúa asistiendo impasible a crímenes de guerra, incluso perpetrados por quienes en su día fueron víctimas. La frase que pronuncia el personaje de Michael Shannon: “ya no hay ninguna guerra local, todas son ya mundiales” funciona como un puente directo hacia nuestro presente, un recordatorio de que los conflictos y la expansión del odio se reproducen con nuevas máscaras. Lo más estremecedor es que la película recuerda que la incitación al odio puede anidar y pasar desapercibida en sociedades supuestamente civilizadas. De hecho, el psiquiatra interpretado por Malek terminó suicidándose en la vida real, deprimido y harto de advertir, incapaz de soportar la idea de que aquel veneno podría volver a propagarse sin que nadie reaccionara a tiempo.

Lo de Núremberg fue algo internacional y multitudinario. Es por ello que el elenco secundario es amplio y sostiene con solidez esta reconstrucción coral. Michael Shannon y Richard E. Grant aportan presencia, matices y pulso dramático. Resulta especialmente interesante el cruce actoral entre Crowe y Shannon, enfrentados aquí como villano y defensor de la justicia, invirtiendo los roles que compartieron en ‘El hombre de acero’, donde daban vida a Jor-El y al general Zod. Aun así, el gran protagonista es Rami Malek: su personaje ofrece un recorrido introspectivo que no solo analiza a los monstruos nazis, sino que examina el precio emocional y ético de mirar al abismo sin parpadear y sin pretender salir marcado por la experiencia.

‘Núremberg’ es una película arriesgada, incisiva y de una recuperación profundamente necesaria. No pretende cerrar heridas, sino recordarnos por qué se abrieron y por qué no deben olvidarse. Vanderbilt firma una obra que interpela tanto a la memoria colectiva como a la responsabilidad individual, y lo hace mediante un cine de ideas que, afortunadamente, no ha renunciado a interpelar a su público.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de noviembre de 2025. Título original: Nuremberg. Duración: 150 min. País: EE.UU. Dirección: James Vanderbilt. Guion: James Vanderbilt. Música: Brian Tyler. Fotografía: Dariusz Wolski. Reparto principal: Rami Malek, Russell Crowe, Leo Woodall, Michael Shannon, Richard E. Grant, Colin Hanks, John Slattery. Producción: Walden Media, Filmsquad, Mythology Entertainment, Széchenyi Funds. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, histórico. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/nuremberg

Crítica: ‘The Running Man’

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Sinopsis

En una sociedad de un futuro cercano, The Running Man es el programa de mayor audiencia de la televisión: una competición mortal en la que los concursantes, conocidos como runners, deben sobrevivir 30 días mientras son perseguidos por asesinos profesionales. Cada movimiento es retransmitido a un público sediento de sangre y cada día que sobreviven aumenta la recompensa económica.

Desesperado por salvar a su hija enferma, Ben Richards (Glen Powell), un hombre de clase trabajadora es convencido por el encantador, pero despiadado productor del programa, Dan Killian (Josh Brolin), para participar en el juego como último recurso. Pero la rebeldía, el instinto y la determinación de Ben lo convierten en un inesperado favorito de los fans y en una amenaza para todo el sistema. A medida que se disparan los índices de audiencia, también lo hace el peligro, y Ben debe burlar no sólo a los runners, sino a una nación adicta a verle caer.

Crítica

Tan divertida, imprevisible e incendiaria como un monólogo de Ricky Gervais

Nueva adaptación de una novela de Stepen King, este año está siendo prolífica la cosa. ‘The Running Man’ es una obra de cuando King escribía bajo el pseudónimo de Richard Bachman, al igual que el reciente y recomendable estreno ‘La larga marcha’. Además estamos hablando de un remake y seguro que todos tenemos en mente la película de Arnold Schwarzenegger, sino ya se han encargado de refrescárnosla con la promoción en la que el actor ha participado. Evidentemente esta nueva obra tiene puntos en común con la película de Paul Michael Glaser, pero la capacidad de dirigir y de mover las cámaras magistralmente hacen que el espectáculo sea mayor. ‘The Running Man’ supone otra lección de rodaje y montaje de Édgar Wright. Además el enfoque es mucho más cómico y lleno de acción sin cesar. Es tan divertida, imprevisible y explosiva como un monólogo de Ricky Gervais.

Lo primero que destaca es la distancia respecto a la cinta de 1987, que en España conocimos como ‘Perseguido’. La nueva versión se ciñe con mayor fidelidad al espíritu de la novela original, aunque por razones obvias el final ha tenido que ser modificado y aprobado por King. El tiempo se expande más allá de una única noche, la motivación del protagonista se preserva intacta y la crítica hacia los poderes fácticos adopta un peso sustancial dentro del relato. Wright no solo quiere ofrecer acción; quiere desenmascarar el entretenimiento tramposo que adormece a las masas. Quiere sacudir al espectador tanto como el propio concurso sacude a sus participantes hasta tal punto que esta e una película bastante incendiaria.

Aunque se percibe que ha habido cierta prisa a la hora de rodar la película y no se recrea en excesivas filigranas técnicas como pudimos ver en ‘Última noche en el Soho’, el cineasta convierte esta distopía en un festival visual, en otra lección de rodaje y montaje, demostrando una vez más su capacidad para mover la cámara como si formara parte del propio concurso. La película es pura energía revolucionaria, una pieza que rebosa humor negro, ritmo impecable y un sentido eleva el material original sin ridiculizarlo. Aquí la acción no es solo vertiginosa, es cómica, estratégica y coreografiada.

La ambientación cyberpunk envuelve todo con una estética que se siente sucia, saturada, hipertecnológica y al mismo tiempo plenamente reconocible. Y es que, aunque exagerado, este futuro recuerda al presente: a los concursos donde parece que “todo vale”, a las audiencias que consumen violencia emocional por inercia, a la lógica del pan y circo que ha sobrevivido desde Roma hasta nuestros televisores. Wright entiende que ‘The Running Man’ no es solo una persecución, es un espejo incómodo en el que mirarse.

En ese sentido, Glen Powell firma aquí una interpretación que lo coloca desde ya en la lista de favoritos del público. Carismático, agotado, irónico y feroz, sostiene la película incluso cuando todo alrededor se vuelve un caos calculado. Y bajo la batuta de Wright, ese caos se convierte en un placer cinematográfico.

‘The Running Man’ es un espectáculo que combina sátira, explosiones, crítica social y carcajadas, una obra que respeta la novela al tiempo que aprovecha el cine para amplificar su mensaje. Edgar Wright demuestra una vez más que sabe transformar cualquier historia en un festival de estilo.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de noviembre de 2025. Título original: The Running Man. Duración: 133 min. País: Reino Unido. Dirección: Edgar Wright. Guion: Michael Bacall, Edgar Wright. Música: Steven Price. Fotografía: Chung Chung-hoon. Reparto principal: Glen Powell, William H. Macy, Lee Pace, Michael Cera, Emilia Jones, Daniel Ezra, Jayme Lawson, Sean Hayes, Katy O’Brian, Colman Domingo, Josh Brolin. Producción: Complete Fiction, Genre Films, Paramount Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://www.facebook.com/RunningManMovie

Crítica: ‘No other choice’

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Sinopsis

Después de estar desempleado durante varios años, un hombre diseña un plan único para conseguir un nuevo trabajo: eliminar a su competencia.

Crítica

Posee el dramatismo y la moral ambigua cómicamente negra de obras como ‘Breaking Bad’

Park Chan-wook regresa al largometraje tras tres años de su último estreno cinematográfico y nos entrega una sátira oscura que combina humor, suspense y tragedia ligera. ‘No other choice’ parte de una premisa a la que estamos acostumbrados en España pero que en Corea es prácticamente un infortunio y una vergüenza: Man-su (Lee Byung-hun), veterano trabajador de una fábrica de papel, es despedido luego de 25 años de fidelidad. Para una persona de su edad eso supone una crisis similar a la de los cuarenta y coloca su dignidad, su masculinidad, su rol como padre de familia en riesgo.

El protagonista de esta historia se convierte a la desesperada en un villano improvisado. Man-su no es un malvado clásico, ni un antihéroe puro, sino algo más complejo: es el villano torpe que, en su ingenio desesperado, traza un plan para eliminar la competencia en entrevistas de trabajo. Sus tropiezos físicos, sus equivocaciones, su ingenuidad criminal lo acercan más a una figura tragicómica que a un asesino frío. Lee Byung-hun lo interpreta con una vis comica facial que impone, similar en esto al carácter estirado de Mads Mikkelsen, pero con momentos de torpeza tan exagerados que provocan risa, sin quitar que el personaje posee también una desesperación real.

El tono recuerda en ciertos pasajes al Woody Allen de “comedia de enredos” y criminales, donde entrevistas, encuentros absurdos y diálogos sobre la identidad laboral se suceden con rapidez e ironía. Pero Park lo mezcla con suspense: el humor no está reñido con la tensión, con el miedo de no encontrar empleo, con la angustia social. Esa fusión funciona, aunque se nota que, si la película hubiese sido más corta, habría mantenido un ritmo aún más afilado. Hay secuencias que se sienten repetitivas o cuya acción alargada es poco necesaria para el avance del conflicto.

Son Ye-jin interpreta a Mi-ri, esposa de Man-su, madre que flota entre la sospecha y la complicidad. Ella capta el suspense: sabe más de lo que admite; su mirada, su paciencia, su equilibro entre sostener la familia y dudar de lo que hace su marido suman tensión. En muchos momentos ella parece ser el centro moral oculto, o al menos el pivote más humano. La película acierta al darle ese espacio, porque acaba siendo el personaje más interesante.

El film no se limita a la comedia negra y pudiera ser que debajo lata una denuncia social potente. En Asia (y en otros lugares), la presión de mantener el empleo, de no fallar, de sostener a la familia puede llegar a ser devastadora. Se sabe que allí los índices de suicidio relacionados con la pérdida de empleo o el miedo de perderlo crecen, ya pudimos verlo en ‘El juego del calamar’. Y ‘No Other Choice’ pone esa ansiedad en primer plano. Man-su no quiere solo volver al trabajo: espera que los entrevistadores no tengan otra opción que elegirlo a él, una metáfora de lo desesperado de su situación económica, social y emocional. Esa presión de “no hay alternativa” es lo que le da su título todo el peso dramático: no solo habla de su lucha personal, sino de un mecanismo de opresión laboral, donde muchas personas sienten que no hay otra opción.

‘No Other Choice’ es una obra que tenía posibilidades y no es que fracase, pero si podría haber sembrado más debate de haber sido más corta o ahondar más en el drama social que expone. Mantiene al espectador en esa franja incómoda entre la identificación y la repulsión, entre la risa y el nudo en la garganta. Si final posee esa moral ambigua que hace difícil saber si estamos ante un villano o una víctima, como sucedía a veces en ‘Breaking Bad’.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de febrero de 2026. Título original: Eojjeolsuga eobsda. Duración: 139 min. País: Corea del Sur. Dirección: Park Chan-wook. Guion: Park Chan-wook, Don McKellar, Lee Kyoung-mi, Jahye Lee. Música: Young-wuk Cho. Fotografía: Kim Woo-hyung. Reparto principal: Lee Byung Hun, Son Yejin, Park Hee Soon, Lee Sung Min, Yeom Hye Ran, Cha Seung Won. Producción: CJ ENM Co., CJ Entertainment, Moho Film. Distribución: MUBI. Género: comedia, drama, suspense. Web oficial: https://mubi.com/es/es/films/no-other-choice

Crítica: ‘Esa cosa con alas’

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Sinopsis

Luchando por procesar la repentina e inesperada muerte de su esposa, un joven padre pierde el control de la realidad cuando una presencia aparentemente maligna comienza a acecharle desde los oscuros recovecos del apartamento que comparte con sus dos hijos pequeños.

Crítica

Benedict Cumberbatch sobrevuela el desconsuelo a través de una profunda comprensión

Dylan Southern, conocido por su sensibilidad al retratar emociones frágiles, da un paso adelante con ‘Esa cosa con alas’, una película que se instala en el territorio del duelo, pero que va más allá de la simple tristeza para explorar algo mucho más huidizo: el desconsuelo. No el dolor inmediato de la pérdida, sino ese eco persistente que nos impide encontrar reposo. Es una obra basada en el libro ‘Grief Is the Thing With Feathers’ de Max Porter.

El filme, protagonizado por Benedict Cumberbatch, evoca inevitablemente a ‘Un monstruo viene a verme’, tanto por su combinación de realismo emocional e imaginería simbólica como por la mirada infantil que atraviesa la historia. Sin embargo, Southern sustituye el componente fantástico por uno más introspectivo y sombrío, donde la figura del cuervo se alza como metáfora del dolor desconsolado y la melancolía. Una presencia que remite directamente a Edgar Allan Poe, y que dota al relato de una textura poética cercana al terror interior.

Cumberbatch, habituado a personajes atormentados como en ‘Patrick Melrose’ o ‘Eric’, encuentra aquí un registro distinto: el de un hombre que, en lugar de hundirse en su silencio o en la autodestrucción de las drogas o el alcohol, busca la redención a través del diálogo. Su personaje, un padre y artista devastado por la pérdida, decide enfrentarse a su vacío hablando de él, pintándolo, solitario pero abierto a hablar sobre el dolor que le atraviesa. Y es en ese gesto donde la película encuentra su mayor fortaleza: el reconocimiento de que el duelo no se supera, se acompaña.

Southern filma con delicadeza, sin recurrir a grandes estallidos emocionales. La cámara observa los silencios, los pequeños rituales, los gestos torpes de quienes intentan consolar sin saber cómo. En su aparente quietud, ‘Esa cosa con alas’ se convierte en un ensayo sobre la comunicación emocional: cómo hablar del dolor, cómo sostener al otro sin invadirlo, cómo seguir adelante cuando la ausencia pesa más que la presencia.

Visualmente, la película destaca por su tono grisáceo, casi gótico, donde cada plano parece suspendido entre lo tangible y lo imaginado. El cuervo, más que un símbolo, actúa como un espejo: una voz que nos recuerda que la pérdida también nos pertenece. Y esta criatura aparece antropomórfica, enorme, monstruosa, como una parte de nosotros que parece surgida de nuestras peores pesadillas, pero que necesitamos para poder sobrevivir.

‘Esa cosa con alas’ no busca conmover por la lágrima fácil, sino por la honestidad de su mirada. Es una fábula amarga y compasiva sobre la aceptación, sobre aprender a convivir con lo que no puede arreglarse. Southern entrega una obra madura, íntima y profundamente humana, donde el dolor no se cura, pero al menos se comparte.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de octubre de 2025. Título original: The Thing with Feathers. Duración: 98 min. País: Reino Unido. Dirección: Dylan Southern. Guion: Dylan Southern. Música: Fotografía: Ben Fordesman. Reparto principal: Benedict Cumberbatch, David Thewlis, Richard Boxall, Henry Boxall, Eric Lampaert, Vinette Robinson, Sam Spruell. Producción: Lobo Films, LB Entertainment, Align, Film i Väst, Film4, SunnyMarch. Distribución: Avalon. Género: drama. Web oficial: https://www.andreacornwell.com/the-thing-with-feathers

Crítica: ‘El talento’

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Sinopsis

Basada en la novela de Arthur Schnitzler ‘La señorita Else’, publicada en 1924, ‘El talento’ cuenta la historia de Elsa (Ester Expósito), una prometedora estudiante de violonchelo que disfruta de la exclusiva fiesta de cumpleaños de su amiga Idoia (Mirela Balić) organizada por el padre de ésta (Pedro Casablanc). Durante este escaparate de la alta sociedad, Elsa recibe una inesperada llamada de su madre que la obligará a tener que elegir entre el futuro de su familia y su dignidad.

Crítica

Suspense clásico, retratos contemporáneos y Ester Expósito con una madurez interpretativa palpable

‘El talento’, la nueva película de Polo Menárguez, llega a las salas como una apuesta ambiciosa dentro del cine español contemporáneo. Se trata de una adaptación libre de una novela de 1924 de Arthur Schnitzler, un escritor vienés famoso por diseccionar las pulsiones humanas y los entresijos morales de la sociedad burguesa. Menárguez y su equipo han querido traer esa esencia al presente, transformando los bailes de salón en coreografías de TikTok, las ensoñaciones etílicas en desfases con drogas, y los coqueteos aristocráticos en tramas donde el lujo digital convive con la decadencia emocional. Sin embargo, pese a estos cambios, el filme conserva un sustrato clásico: la carta misteriosa que inicia la trama, la invitación a una fiesta prohibida, los secretos familiares y los juegos de máscaras.

El arranque de la película es impecable. Durante buena parte del metraje se mantiene un suspense genuino, con una tensión que recuerda a narraciones de esas que siembran misterio entre la jet set del momento. El espectador se siente atrapado en un espacio donde cada gesto puede esconder una traición y cada palabra susurra un secreto. No obstante, ese halo se diluye progresivamente. Cuando los enredos de faldas y los apuntes contemporáneos toman el control, el misterio pierde fuerza, convirtiéndose en un eco de lo que pudo ser un thriller más compacto. Aun así, la tensión de la protagonista (siempre entre la espada y la pared) logra sostener al espectador hasta el desenlace.

Uno de los grandes aciertos de ‘El talento’ es su reparto. Ester Expósito ofrece una gran interpretación. Es cierto que su trayectoria pública ha estado marcada por su imagen sensual en títulos como ‘Élite’ o en redes sociales, pero basta revisar películas como ‘Cuando los ángeles duermen’, ‘Venus’, ‘Tu hijo’, ‘Veneno’ o ‘El llanto’ para descubrir una actriz a la que muchos vemos con registros sólidos y comprometida con personajes que orbitan en torno al machismo, la cosificación o el acoso. En esta ocasión, Expósito se enfrenta a un rol exigente que la impulsa hacia una madurez interpretativa palpable. Para más inri, si la audiencia de esta actriz es por lo general joven, también servirá este filme para acercarles un poco a la música clásica, que evidentemente hoy en día dista de estar de moda. Frente a ella, Pedro Casablanc despliega su habitual solvencia, componiendo un antagonista a la altura de las circunstancias. El duelo actoral entre ambos enriquece notablemente la película.

La producción y parte del guion llevan la firma de Fernando León de Aranoa. Su huella es visible en la mirada hacia los contrastes de clase: los privilegiados adinerados frente al sector servicios y la clase trabajadora que habitualmente sufre vejaciones o desprecios. En ocasiones, esta representación cae en tópicos que restan sorpresa, pero refuerzan un contexto reconocible. La estructura narrativa, casi hitchcockiana, se ve lastrada por un final más atrevido pero menos elegante, condicionado por los códigos actuales del cine. Polo Menárguez abre la película con una escena que adelanta el destino final, una apuesta arriesgada que, sin embargo, logra mantener el interés al rellenar con solvencia el trayecto hacia ese punto culminante.

‘El talento’ se presenta como un relato sobre vulnerabilidad, orgullo y decencia, pero también sobre las huellas que dejan nuestras decisiones. Es una película que invita a reflexionar sobre el precio de lo que hacemos, si el fin justifica los medios, aunque su mensaje se vea parcialmente diluido por escenas accesorias y personajes poco relevantes. A pesar de ello, se trata de una obra que confirma la evolución artística de Ester Expósito y la capacidad de Menárguez para arriesgar con un material clásico y traerlo, con mayor o menor fortuna, a nuestro presente.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de septiembre de 2025. Título original: El talento. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Polo Menárguez. Guion: Fernando León de Aranoa, Polo Menárguez. Música: Carla F. Benedicto. Fotografía: Jose Martín Rosete. Reparto principal: Ester Expósito, Pedro Casablanc, Mirela Balić, Juan Pablo Fuentes, Rocío Muñoz-Cobo, Clara Sans, Marta Aledo. Producción: 3Cat, Coficiné, Comunidad de Madrid, Crea SGR, Movistar Plus+, The MediaPro Studio, Reposado Producciones, RTVE. Distribución: Tripictures. Género: suspense. Web oficial: https://tripictures.com/peliculas/el-talento/

Crítica: ‘Los tipos malos 2’

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Sinopsis

Los delincuentes favoritos de todos están de vuelta, pero esta vez tienen compañía.

En la nueva entrega rebosante de acción de la aclamadísima y taquillera comedia de DreamWorks Animation en torno a un genial equipo de animales que no respetan la ley, los ahora muy reformados Tipos Malos se esfuerzan (mucho, muchísimo) en ser buenos, pero se ven envueltos involuntariamente en un golpe de envergadura mundial planeado por un inesperado grupo de criminales: las Tipas Malas.

Crítica

Una secuela mezclada con combustible para cohetes y servida en vaso de Martini

No es fácil hacer una secuela que no solo funcione, sino que también mantenga el estilo, eleve la apuesta y nos arranque carcajadas sin perder elegancia. Pero ‘Los tipos malos 2’, dirigida de nevo por Pierre Perifel y acompañado esta vez por JP Sans, lo logra con una mezcla tan inesperada como eficaz: una banda de animales antropomórficos exdelincuentes con trajes a lo Humphrey Bogart, persecuciones imposibles y una animación que parece cobrar vida a base de dinamita visual. Está claro que los personajes de los libros de Aaron Blabey van a tener películas para rato.

La película nos devuelve a estos carismáticos ladrones con gran corazón justo cuando están intentando portarse bien… o al menos camuflando su maldad con clase y muchos sudores fríos. El señor Lobo Feroz, que no ha perdido ni una pizca de su encanto canalla, y su pandilla vuelven a la acción para enfrentarse a un reto mayor que cualquiera de sus muchos atracos: conseguir la aceptación de la sociedad, robar el corazón de la gente.

Vestuario, localizaciones y una atmósfera casi sacada de una cinta noir de los años 40, todo sigue ahí, como si Casablanca se hubiera colado y actualizado en una página de cómic. Hay persecuciones que parecen salidas de un storyboard de ‘Sin City’ mezclado con ‘Speed Racer’, y escenas donde los personajes rompen la cuarta pared con tanta frescura que uno espera que el Señor Serpiente se siente contigo en el sofá y te pase unas palomitas.

La animación en 3D es un espectáculo por sí sola: estilizada, vibrante, con un ritmo que no deja que el ojo parpadee demasiado. Cada movimiento es una viñeta animada, y cada plano tiene ese toque que le da identidad propia a la saga. Lejos de acomodarse, el film demuestra que el medio animado es terreno fértil para propuestas que mezclan lo clásico con lo moderno. Es por eso que pasamos de la tradicional caja fuerte a conocer a un magnate que es una evidente burla a los Musk y Bezos.

En el corazón de la historia está el mensaje de siempre, el que esgrimían películas como ‘Shrek’ o ‘Monstruos contra alienígenas’, pero con otro envoltorio: las segundas oportunidades, los prejuicios sociales y esa eterna lucha por cambiar, aunque el mundo siga viendo tus orejas de lobo. Evidentemente es una película para el mercado infantil y juvenil y la moraleja está presente y evidente durante toda la cinta, no hay margen para la sorpresa ni trata con condescendencia al espectador. Se nota en el planteamiento del guión que además de pretender frescura las cartas están bocarriba y no se busca la sorpresa fácil. Como en toda secuela animada aparecen nuevos personajes que igualmente van a la cara y no esgrimen argumentos rebozados de tópicos, sino que nos golpean continuamente con recursos originales, patente sobre todo en su resolución final.

Por mucho que los protagonistas de ‘Los tipos malos 2’ se reformen, la banda sigue disfrutando de sus aventuras, conduciendo a toda mecha y salvando el día como si fueran un cruce entre James Bond y Robin Hood con licencia para romper cosas. Casualidad o no la moraleja es similar a la de Shrek y con ‘Los tipos malos 2’ nos acercamos peligrosamente al mismo resultado que el de la saga ‘Fast & Furious’. Ambas franquicias también pertenecen a Universal Pictures.

Y para los adultos, Perifel y Sans no se olvidan de dejarnos miguitas de pan en forma de referencias: citas para clásicos como ‘Ghost’ o a los McGuffins de Alfred Hitchcock, una escena en la que el Profesor Mermelada parece poseído por Hannibal Lecter y frases de ‘Arma letal’. Y como confirmación de lo que ya opinamos con la primera entrega, la acción está pensada para aquellos nacidos en los 80 y 90 que han crecido viendo películas como ‘Heat’, ‘Reservoir Dogs’ u ‘Oceans eleven’ o para los que más recientemente han disfrutado con las distintas versiones del ’Escuadrón Suicida’. ‘Los tipos malos 2’ es una secuela que no se limita a repetir la fórmula: la agita, la mezcla con combustible para cohetes y la sirve en un vaso de Martini. Agitada, no revuelta. Y si eso no es cine con estilo, que venga la Señora Tarántula y me haga un gráfico explicativo.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de agosto de 2025. Título original: The bad guys 2. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Pierre Perifel, JP Sans. Guion: M Pierre Perifel, JP Sans. Música: Daniel Pemberton. Reparto principal (doblaje original): Sam Rockwell, Marc Maron, Craig Robinson, Anthony Ramos, Awkwafina, Danielle Brooks, Zazie Beetz, Maria Bakalova, Natasha Lyonne. Producción: DreamWorks, Scholastic Entertaiment, Universal Pictures. Distribución: Universal, Pictures. Género: comedia, aventuras. Web oficial: https://www.dreamworks.com/movies/the-bad-guys-2

Crítica: ‘Tierras perdidas’

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Sinopsis

Basada en el relato de George R. R. Martin. Una reina (Amara Okereke), desesperada por encontrar la felicidad en el amor, envía a la poderosa bruja Gray Alys (Milla Jovovich) a las Tierras Perdidas, en busca de un poder mágico que permite a una persona transformarse en un hombre lobo. Con el misterioso cazador Boyce (Dave Bautista), que la apoya en la lucha contra criaturas oscuras y despiadadas, Gray deambula por un mundo inquietante y peligroso. Pero solo ella sabe que cada deseo que concede tiene consecuencias inimaginables.

Crítica

Con la dupla Anderson/Jovovich sabes a lo que vas, pero no lo que se te viene

Paul W.S. Anderson y Milla Jovovich llevan años jugando a lo mismo. Desde que el director encontró su musa en la saga ‘Resident Evil’, ha explotado una y otra vez la misma fórmula: mundos postapocalípticos, héroes hipermusculados, criaturas generadas por ordenador y una puesta en escena que parece salida de un videojuego. ‘Tierras perdidas’, su nueva colaboración, no es la excepción. Se podría decir que el director y su esposa han desarrollado su propio subgénero dentro del cine de acción y fantástico, pero el problema es que ya han exprimido hasta la última gota de originalidad que pudiera haberles quedado.

Para este nuevo delirio visual, Anderson adapta un relato de George R.R. Martin, un autor que cuando se aleja de la fantasía medieval y se adentra en la ciencia ficción suele acabar en desastre (como lo demuestra la malograda Nightflyers). A la ecuación se suma Dave Bautista, quien parece haberse convertido en el secundario predilecto para producciones de este tipo. La historia nos sitúa en un futuro postnuclear donde la humanidad sobrevive bajo el dominio de una monarquía que combate a herejes y tanto a monstruos como a brujas, en un entorno que recuerda por momentos a ‘Mad Max’ y por otros a una partida de ‘Diablo’.

El problema de ‘Tierras perdidas’ es que se siente como un refrito de ideas ya vistas en decenas de películas previas. Juega en la misma liga que ‘Legion’ o ‘Priest. El sicario de Dios’, aquellas cintas protagonizadas por Paul Bettany que mezclaban religión y ciencia ficción con estética apocalíptica. Hay inquisidores, magia oscura y combates cuerpo a cuerpo y con pistolas, pero en ningún momento el filme logra dotar de identidad propia a su mundo. A esto se le suma un guion que intenta sonar trascendental con frases lapidarias que no funcionan y un desarrollo de personajes que se siente tan mecánico como las escenas de acción.

En el apartado visual, Anderson vuelve a apostar por su estilo de siempre: una mezcla de gótico industrial con escenarios generados por ordenador. El diseño de producción es bizarro, rozando lo grotesco, y en más de un momento parece que estamos viendo un videoclip de Rammstein en lugar de una película de aventuras. La fotografía apuesta por tonos metálicos y azulados que acentúan la artificialidad del conjunto, algo que no ayuda cuando prácticamente todas las escenas han sido rodadas sobre un croma. Es evidente que el presupuesto no es descomunal, pero las herramientas digitales actuales permiten simular espacios de gran escala… aunque en este caso todo resulta demasiado sintético y carente de vida.

Si hablamos de la acción, encontramos otro de los grandes problemas de ‘Tierras perdidas’: su sobredependencia de la cámara lenta. Anderson lleva un tiempo acercándose peligrosamente al estilo de Zack Snyder, y aquí lo demuestra en exceso. Cada combate está repleto de ralentizaciones que, en lugar de añadir épica, acaban restando fluidez a la narrativa. El montaje y la puesta en escena parecen diseñados más para lucir bien en tráileres que para aportar ritmo a la historia.

En cuanto a las interpretaciones, Milla Jovovich hace exactamente lo que se espera de ella: miradas intensas, coreografías marciales y una actuación que nunca abandona la sobriedad monolítica que la ha caracterizado en sus últimos proyectos. Dave Bautista, por su parte, cumple con su rol de guerrero imponente, pero el guion no le da muchas oportunidades y eso que suyo es uno de los giros importantes que hay que admitir que pillan desprevenidos. Por cierto que… su personaje lleva tatuados en el cuello un origami como el de ‘Blade Runner’ y una corona como las que pintaba Jean-Michel Basquiat.

‘Tierras perdidas’ es, en definitiva, un ejercicio de estilo que confirma que Anderson y Jovovich llevan tiempo estancados en su zona de confort. La película no arriesga, no innova y, aunque pueda resultar entretenida para los más incondicionales del género, se siente como un reciclaje de ideas que hemos visto demasiadas veces. Si buscas una cinta con personajes carismáticos, un mundo con personalidad propia o una historia que deje huella, aquí no lo vas a encontrar.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: In the Lost Lands. Duración: 101 min. País: Alemania. Dirección: Paul W.S. Anderson. Guion: Constantin Werner, Paul W.S. Anderson. Música: Paul Haslinger. Fotografía: Glen MacPherson. Reparto principal: Milla Jovovich, Dave Bautista. Producción: Constantin Films, Dream Bros. Entertainment, Rusalka Film. Distribución: Diamond Films. Género: Paul W.S. Anderson. Web oficial: https://diamondfilms.es/site/detalle/tierras-perdidas

Crítica: ‘Mickey 17’

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Sinopsis

Mickey Barnes (Robert Pattinson) es un insólito héroe que se encuentra en la extraordinaria circunstancia de trabajar para un empresario que exige el máximo compromiso con el trabajo: morir para ganarse la vida.

Crítica

Un Bong Joon-ho más excéntrico que incisivo

Nueva película de Bong Joon-ho nueva adaptación de un texto que ya existía. De nuevo dentro de la ciencia ficción y a partir de una novela de Edward Ashton regresamos al discurso humanista de este director que tantas mentes ha suscitado. ‘Mickey 17’ deslumbra con su carisma, ingenio y mordacidad en su primera mitad. La premisa es intrigante: dispone a un hombre destinado voluntariamente a morir y ser clonado repetidamente en una misión espacial, que bien podría ser parte del universo ‘Altered Carbon’. Es una metáfora perfecta para explorar la deshumanización del capitalismo y la explotación laboral. La película combina desde el principio humor negro con una sátira incisiva, recordando lo mejor del director en trabajos anteriores. Luego… la cosa cae.

Robert Pattinson brilla en su interpretación(es), aportando matices a un personaje atrapado en un ciclo de muerte y resurrección. Su actuación es el eje central de la historia, logrando transmitir tanto la comicidad como la demencia y desesperación de un individuo que se enfrenta a su propia multiplicidad. La dinámica entre sus distintas versiones introduce un juego narrativo interesante que aporta frescura y originalidad a la trama. Es innegable que el actor hace un tremendo trabajo de voz.

Tras analizar la novela uno veía porqué este director en concreto se había decantado a adaptarla. Al margen de todos los detalles científicos sobre las calorías o la conciencia, los cuales, apenas aparecen en el filme, se podía pronosticar que la llevaría a su terreno y la elevaría más allá en lo que se refiere al tema de la lucha de clases. Sin embargo, a medida que ‘Mickey 17’ avanza, la crítica social que en un principio parecía afilada se va diluyendo en un espectáculo más preocupado por la excentricidad que por la profundidad. Bong Joon-ho, quien en películas como ‘Parásitos’ y ‘Snowpiercer’ construía comentarios sociales sólidos a través de personajes y situaciones bien definidas, aquí parece ceder demasiado al absurdo. Lo que comienza como una sátira ingeniosa termina repitiendo las mismas ideas sin darles un desarrollo significativo. No obstante, como en ‘Okja’, consigue tocar los palos del animalismo y la soberbia humana.

Uno de los aspectos más problemáticos es el tono, que oscila entre la farsa y la denuncia social sin encontrar un equilibrio claro. Algunos personajes, en particular el líder de la misión (Mark Ruffalo), son caricaturas exageradas de líderes y presidentes corporativos actuales que funcionan como bromas recurrentes, pero que nunca evolucionan hacia algo más sustancial. En lugar de servir como una representación matizada del poder y la corrupción, estas figuras quedan atrapadas en la repetición de los mismos chistes y excentricidades.

A nivel visual, ‘Mickey 17’ es capaz de transportarnos a otro mundo. El diseño del planeta donde se desarrolla la historia es envolvente y hostil, y los efectos especiales contribuyen a la sensación de un mundo alienígena creíble. La dirección de Bong Joon-ho sigue siendo magistral en la construcción de secuencias impactantes, pero el guion no logra mantener el mismo nivel de precisión que en sus mejores trabajos.

El principal problema radica en el ritmo: la segunda mitad de la película se siente alargada, con situaciones que reiteran lo que ya se ha establecido en la primera parte. En lugar de profundizar en sus temas, la historia se entrega demasiado a su extravagancia, perdiendo la oportunidad de dejar una huella más contundente y sacándose demasiados elementos de la chistera. ‘Mickey 17’ es una película ambiciosa y entretenida, con una premisa provocadora y momentos de gran ingenio. Sin embargo, a diferencia de las obras más logradas de Bong Joon-ho, aquí la sátira se dispersa en un relato que no termina de afinar su mensaje.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Título original: Mickey 17. Duración: 137 min. País: EE.UU. Dirección: Bong Joon Ho, Corea del Sur. Guion: Bong Joon Ho. Música: Jung Jae-il. Fotografía: Darius Khondji. Reparto principal: Robert Pattinson, Naomi Ackie, Steven Yeun, Toni Collette, Mark Ruffalo. Producción: Warner Bros., Plan B Entertainment, Offscreen, Kate Street Pictures Company. Distribución: Warner Bros. Género: drama, ciencia ficción, comedia. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/mickey-17

Crítica: ‘Cuando nadie nos ve’

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Imposible no engancharse con sus protagonistas y sus nazarenos volando

Enrique Urbizu (‘Gigantes’, ‘No habrá paz para los malvados’) regresa con ‘Cuando nadie nos ve’, una serie que llega este 7 de marzo a HBO Max combinando el thriller policíaco con un sutil toque de lo fantástico. Basada en la novela de Sergio Sarria, la historia se despliega en Morón de la Frontera durante la Semana Santa, un entorno donde el fervor religioso y la presencia militar estadounidense crean un trasfondo tan peculiar como tenso. A lo largo de ocho episodios—uno por cada día de la Pasión—, la serie construye un misterio en el que se entrelazan un suicidio insólito, la desaparición de un militar y un nazareno que parece haber vivido una experiencia mística.

Desde el inicio, la serie maneja con solvencia su suspense, apoyándose en una atmósfera inquietante y una narrativa pausada pero inmersiva. La clave está en la pareja protagonista: Maribel Verdú, en el papel de una guardia civil con instinto y determinación, y Mariela Garriga, como una militar estadounidense que aporta una perspectiva foránea y racionalista. Juntas conforman un dúo con ecos de ‘True Detective’ o siguiendo la estela del neo noir nórdico, es decir, cogiendo elementos clásicos de las historias detectivescos adaptándose al folclore y las hechuras locales. Aunque no a menudo comparten escena, la química entre los personajes y su manera de abordar el caso es tan importante como el propio misterio.

A diferencia de otras producciones que despachan una trama similar en un solo episodio—como ‘NCIS’ o cualquier procedimental norteamericano—, ‘Cuando nadie nos ve’ se toma su tiempo para desarrollar capas más profundas. La serie no solo investiga un crimen, sino que también reflexiona sobre la fe, el destino y los límites entre la razón y lo inexplicable. Urbizu introduce elementos fantásticos a través de visiones y alucinaciones que, sin ser abiertamente sobrenaturales, añaden una dimensión inquietante al relato.

El escenario es un acierto: la Semana Santa en Andalucía, con sus procesiones, su imaginería y su intensidad emocional, se convierte en un personaje más. La convivencia entre la tradición española y la presencia militar estadounidense en Morón de la Frontera añade un subtexto de choque cultural que enriquece la historia.

Austin Amelio, Ben Temple y Dani Rovira, entre otros, completan un reparto sólido, con Rovira alejándose de su faceta más cómica para abordar un papel circunspecto que maneja con recursos. En definitiva, ‘Cuando nadie nos ve’ no es un thriller al uso. Es una historia que retrata nuestra España y que se cuece a fuego lento, con una intención que va más allá del mero entretenimiento.

Reseña: ‘Mickey7’

Argumento

Mickey Barnes es un Prescindible, encarnado en la séptima réplica de su cuerpo, que vive (y muere) rodeado de sus colegas colonizadores en Niflheim, un planeta helado y casi inhabitable. Hay quien lo considera inmortal. O tros lo ven como una monstruosidad sin alma. Durante los últimos nueve años ha realizado toda clase de tareas peligrosas y ha sido el conejillo de Indias de experimentos que ponen a prueba los límites de la resistencia humana.

Ha sacrificado su humanidad por un bien mayor. En el transcurso de una misión de reconocimiento, Mickey7 cae herido y es abandonado a una muerte segura. Sin embargo, una especie autóctona de Niflheim lo rescata. Cuando regresa a la base, Mickey7 se topa con su siguiente réplica, Mickey8. Ninguno de los dos está dispuesto a saltar a la recicladora, pero si alguien descubre que existen múltiples Mickeys ambos serán sacrificados? y Mickey9 nunca verá la luz. No obstante, su prematuro hermano gemelo no es el único secreto que esconde Mickey7.

Reseña

Una reflexión existencial con sabor a ciencia ficción

Sumamos a muestra biblioteca personal una distopía con algo de space opera, ’Mickey7’ de Edward Ashton. Una propuesta que combina la aventura espacial con una meditación filosófica sobre la identidad, la mortalidad y la conciencia. La novela se centra en Mickey Barnes, un “prescindible” en una misión de colonización interplanetaria, cuyo trabajo consiste en morir repetidamente y ser regenerado con sus recuerdos intactos. Es para muchos una simple herramienta sacrificable y recuperable y para otros un monstruo sin alma. Sin embargo, cuando el Mickey número siete sobrevive inesperadamente y se encuentra con su propia versión más reciente, la historia toma un giro intrigante que recuerda tanto al libro ‘El hombre duplicado’ de José Saramago como a la película ‘El sexto día’ protagonizada por Arnold Schwarzenegger.

El gran acierto de ‘Mickey7’ radica en su tono ligero pero perspicaz. Ashton escribe con un humor seco que aligera los temas filosóficos subyacentes. En este sentido, su narrativa se asemeja al trabajo de Andy Weir (‘The Martian’), donde la ciencia y la lógica estructuran el conflicto sin entorpecer la fluidez de la historia. La novela plantea preguntas fascinantes: ¿qué significa ser una persona si puedes ser reemplazado? ¿Dónde reside la identidad cuando los recuerdos pueden ser transferidos? ¿Hasta qué punto es ético el sacrificio humano incluso cuando este es voluntario? Estas cuestiones, aunque no nuevas en la ciencia ficción, son exploradas con frescura gracias a la voz sarcástica y autocrítica de su protagonista.

Sin embargo, ‘Mickey7’ no se aventura demasiado en lo filosófico ni en la construcción de un mundo profundamente desarrollado. Ashton se enfoca más en el ritmo narrativo y en la interacción de Mickey con su tripulación o la amenaza que representa el nuevo planeta, lo que mantiene la historia ágil pero sin la profundidad de otros referentes del género.

La inminente adaptación cinematográfica de Bong Joon-ho, ‘Mickey 17’, protagonizada por Robert Pattinson, genera expectativas altísimas. El cineasta surcoreano es conocido por su capacidad para combinar crítica social con entretenimiento (‘Parásitos’, ‘Snowpiercer’), y su enfoque podría añadir capas de significado a la historia de Ashton. A juzgar por la filmografía de Bong, es probable que la película amplifique la tensión existencial y la crítica al capitalismo inherente a la trama.

Si bien Ashton ofrece una exploración entretenida y accesible de la clonación y la identidad, Bong Joon-ho podría transformar la historia en una parábola más oscura y satírica sobre la explotación y la deshumanización en un sistema tecnocrático. Si el director logra expandir los temas de la novela sin perder su esencia, ‘Mickey 17’ podría convertirse en una de las adaptaciones más estimulantes de la ciencia ficción contemporánea.

Ficha del cómic

Autor: Edward Ashton. Editorial: Minotauro (St. Martin’s Press). Datos técnicos: 368 pags., tapa blanda, 23x15cm. Publicación: 2022 (2025 España). Precio: 18€.

Crítica: ‘Culpa tuya’

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Sinopsis

El amor entre Noah y Nick parece inquebrantable, a pesar de las maniobras de sus padres por separarles. Pero el trabajo de él y la entrada de ella en la universidad, abre sus vidas a nuevas relaciones. La aparición de una exnovia que busca venganza y de la madre Nick con intenciones poco claras, removerán los cimientos no solo de su relación, sino de la propia familia Leister. Cuando tantas personas están dispuestas a destruir una historia de amor, ¿puede realmente acabar bien?

Crítica

Nick y Noah lo tienen complicado en esta segunda parte de su historia

Llega a nuestras pantallas la segunda parte de la trilogía ‘Culpables’, los famosos libros de Mercedes Ron. ‘Culpa tuya’ llega un año después a Prime Vídeo y sin duda es una de las películas más esperadas de este mes de diciembre.

Está claro que no soy público de este tipo de historias, aun siendo bastante parecido a la serie ‘Élite’, que admito que me enganchó, ‘Culpa tuya’ no ha logrado encantarme tanto. Si que es cierto que estamos hablando también de una segunda parte, siempre sabemos que son un pequeño puente para un gran desenlace y al final ya conocemos a los personajes y pocas cosas nuevas nos suelen contar. Pero en general no me ha interesado mucho la historia de estos dos enamorados. Y otra cosa no, admito que giros de guion tiene por todos lados y no están mal hilados, pero lo dicho, supongo que no es mi tipo de cine y no por eso, significa que sea una mala película. Es más, creo que tanto al público juvenil le va a encantar.

Noah y Nick van sin freno a la vida adulta, esa tan complicada que hace que todos los planes de adolescentes se dejen fuera. El trabajo de él y la entrada de ella en la universidad harán que su amor se vea tambalear, además de que sus padres están intentando separarles todo el rato y las nuevas amistades no hacen mucho bien para que la relación a distancia salga bien.

La película continúa ‘Culpa mía’ y aunque ambos se intentan centrar volvemos a tener peleas de bandas y relaciones tóxicas que harán que la trama se complique por todos lados.

Nicole Wallace y Gabriel Guevara vuelven a ponerse en las pieles de estos dos enamorados que no hacen más que ponerse zancadillas todo el rato. Ambos vuelven a dar unas actuaciones bastante sencillas y siguen teniendo bastante buena química en pantalla.

Marta Hazas, Iván Sánchez, Víctor Varona, Iván Sánchez y Eva Ruíz repiten en sus papeles. Y encontramos nuevas caras, Goya Toledo, Gabriela Andrada, Álex Béjar, Javier Morgade y Felipe Londoño se unen a esta historia para dar más giros de guion a toda esta historia.

Domingo González, vuelve a repetir en la dirección y también en el guion junto a Sofía Cuenca. Ambos se encargan de la difícil tarea de llevar las famosas novelas a cine.

Todavía no hay fecha de estreno, pero el final de la trilogía ‘Culpa nuestra’ ya está rodada, así que no creo que tarden mucho en darnos la noticia. El 27 de diciembre podréis ver la película en Prime Video y además si queréis hacer una buena maratón, podéis poneros las dos películas seguidas en estos días de fiestas.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de diciembre de 2024.  Título original: Culpa tuya. Duración: 117 min. País: España. Dirección: Domingo González. Guion: Domingo González y Sofía Cuenta.  Fotografía: Carlos Cebrián. Reparto principal:  Nicole Wallace, Gabriel Guevara, Marta Hazas, Iván Sánchez, Eva Ruiz, Victor Varona, Gabriela Andrada, Álex Béjar, Goya Toledo, Javier Morgade, Noah Casas, Jaime Ordoñez. Producción: Pokeepsie Films, Amazon MGM Studios, Amazon Prime Video.  Distribución: Prime Vídeo. Género: Romance. Web oficial: https://www.primevideo.com/-/es/detail/Culpa-Tuya/0G5EHVLC83CC57Z5DG60LLI69L

Diario de Sitges 2024. 4 de octubre

‘La sustancia’ destaca a pesar de la visita de múltiples celebridades

Hoy ha sido el día en el que hemos visto una de las mejores películas de lo que va de año, ‘La sustancia’. La película de Coralie Fargeat ha causado sensación y es una pena que no pueda participar a concurso en la Sección Oficial porque se llevaría de calle una buena cantidad de premios. En las reseñas que publicamos más abajo tenéis más detalles y opiniones sobre precuelas y secuelas que hemos visto hoy como ‘Terrifier 3’ o ‘Apartment 7A’.

La propia Coralie Fargeat ha desfilado por los distintos photocalls del festival por los que han pasado hoy celebridades ensombrecidas por el impacto de su película. Han visitado Sitges 2024 artistas como Damien Leone, David Howard Thornton, Lauren LaVera y Samantha Scaffidi, todos ellos de ‘Terrifier 3’. También ha empezado sus primeras actividades el carismático Nick Frost (‘Zombies party’, ‘Trilogía del Cornetto’).

Y ya ha aterrizado en Sitges 2024 el receptor del Premio Honorífico Màquina del Temps, Mike Flanagan. El autor de series como ‘La maldición de Hill House’ o de películas como ‘Doctor sueño’ ha comenzado su periplo por esta edición con sendos visionados de trabajos anteriores como ‘Hush’ y ‘The Stand’.

Y por su fuese poco, algunos afortunados han podido ver el documental ‘Super/Man: The Christopher Reeve Story’. Ha sido unánime la sensación conmovedora en este repaso a la carrera cinematográfica y la vida personal del mejor Clark Kent de la historia. Una película, dirigida por Ian Bonhôte y Peter Ettedgui, que Warner Bros. Pictures estrenará pronto en cines de España.

‘La sustancia’ (crítica completa)

‘La sustancia’ es un thriller de terror y ciencia ficción que, además de impactantes efectos visuales, ofrece una profunda crítica. La película, magníficamente protagonizada por Demi Moore y Margaret Qualley, explora la presión que la industria de la imagen ejerce sobre las mujeres de determinada edad, obligadas a mantenerse jóvenes para no ser olvidadas.

Para comprender su trama de Serie B hay que indicar que es un remake no oficial de ‘Rejuvenatrix’. Con ecos del cine de Cronenberg (‘La mosca’ y ‘Rabid’ bien presentes), aborda la obsesión por la juventud eterna y sus consecuencias. La transformación física grotesca de sus personajes simboliza el terror real: el miedo a envejecer en una sociedad que venera la juventud. Aunque emplea tropos del cine de terror de serie B, ‘La sustancia’ se distingue por entrelazar este horror con una crítica más intelectual y relevante sobre las expectativas inhumanas impuestas por la “cultura”. Goza de un erotismo provocador y un sonido apabullante. Es ‘La muerte os sienta tan bien’ versión plástica, gore y prostéticos de látex.

Comentado por Furanu.

‘Apartment 7A’ (crítica completa)

Cómo me ha gustado ‘Apartamento 7A’, la precuela de ‘La semilla del diablo’, que aún no tiene fecha de estreno en España. Nos cuenta una historia casi paralela a la que vimos en la película de Polansky. Acompañamos a Terry, una bailarina a la cual las cosas no le van demasiado bien, que termina viviendo en uno de los edificios más importantes de Nueva York gracias a una pareja de ancianos, a partir de aquí, su vida se complica, en todos los sentidos.

La manera en la que Natalie Erika James rueda es muy cuidada, bonita y aunque esta película sea de terror, tiene imágenes muy bucólicas y artísticas. No es perfecta, pero sin duda a mí me ha convencido de principio a fin.

Comentado por Vicky Carras.

‘Terrifier 3’ (crítica completa)

Volvemos a encontrarnos a Art en esta tercera película, en la que el payaso nos muestra otro festín de casquería pura y dura. Sin complejos, sin miramientos, no hay persona que deje escapar a sus garras.

‘Terrifier 3’, regresa 5 años después de lo ocurrido en la segunda parte, en la que dos hermanos logran sobrevivir a este ser. Aquí les volvemos a ver y vuelven a ser víctimas de Art. Aunque la película en esta ocasión es más corta, no para de haber asesinatos cada poco y la acción en sí es bastante dinámica, ‘Terrifier 3’ llega a ser aburrida por el simple hecho de que no han arriesgado y se han ido a por la trama fácil. No voy a meterme en ella, pues siempre animo a ver las películas, pero es cierto que hubiese estado mucho mejor si hubiesen innovado a la hora de explicar el origen de Art.

Comentado por Vicky Carras.

‘Apocalipsis Z: el principio del fin’ (crítica completa)

Una de las películas que más esperaba este año, era ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’ y es que soy fan del libro de Manel Loureiro en el que se ha basado esta película.

Básicamente, un virus comienza a afectar a la humanidad de manera terrible convirtiéndolos en horripilantes zombies. Manel junto con Lúculo, su gato, emprende una aventura en la búsqueda de lo queda de su familia.

Película bastante sencillita, muy básica pero que funciona muy bien. Es entretenida y los personajes muy interesantes. Si que es verdad, que aunque en el tramo final tiene bastante acción, aun así le falta un poquito de fuerza. También es cierto que todo este comentario viene de una lectora de la novela y las comparaciones suelen ser odiosas. Así que os animo a verla, a partir del 31 de octubre la tendréis en Prime Video.

Comentado por Vicky Carras.

‘Infinite Summer’ (crítica completa)

‘Infinite Summer’ es una película de Miguel Llansó, conocido por su mezcla de surrealismo y crítica social. En esta obra, Llansó explora una visión enigmática del futuro cercano, donde la tecnología cyberpunk y la realidad aumentada son parte integral de la vida cotidiana. La historia sigue al personaje de Teele Kaljuvee-O’Brock, quien pasa el verano con dos amigas, afrontando la vacuidad de sus relaciones y anhelando la atención de una de ellas. Llansó utiliza este escenario para criticar la creciente o alarmante dependencia de la tecnología y la incapacidad cada vez más acentuada que tenemos para evadirnos de la realidad por nosotros mismos. Estamos ante el terror ante la hibridación entre mente y mundo virtual.

El enfoque visual de la película es notable, con colores vibrantes y efectos psicodélicos que crean una atmósfera única, reflejando el estado mental de la protagonista. El guion, aunque profundo y filosóficamente antropológico, puede resultar inaccesible para quienes prefieren tramas más lineales. La película puede sentirse lenta debido a su estilo abstracto, sin embargo, ofrece una experiencia cinematográfica desafiante y original para los espectadores dispuestos a sumergirse en su mundo visual y conceptual.

Comentado por Furanu.

‘Bone lake’

Thriller que promete una atmósfera cargada de misterio, pero se queda corto en ejecución. Si habéis visto ‘Speak no evil’ o su reciente remake la trama te puede resultar familiar. Si sigues el cine de Haneke también puede serte poco sorprendente el malsano juego que sufren los protagonistas. Si no estás familiarizado con ninguna de las anteriores referencias la película de Mercedes Bryce Morgan te va a resultar toda una sorpresa, que tarda en cargarse con sus movimientos de celos y desconfianza para brindarnos una recta final cargada de violencia.

La película apuesta por un ritmo pausado que intenta construir tensión, pero cae en lo predecible y no logra mantener el interés. Los giros de guión tardan en aparecer y si lo que te gustan son los títulos cargados de erotismo y manipulación puede entretenerte. Hay que reconocer que aunque dista de tener algo novedoso, sus personajes tienen cierta simpatía, pero no llegan a ser realmente carismáticos.

Como curiosidad, os sonará la protagonista pues es Maddie Hasson de ‘Maligno’ y la música del filme, pues la pone el español Roque Baños.

Comentado por Furanu.

‘Super/Man: La historia de Christopher Reeve’

El documental ‘Super/Man: la historia de Christopher Reeve’ ofrece una mirada profunda a la vida del actor, más allá de su icónica interpretación de Superman. Lejos de caer en el sensacionalismo o en la lágrima fácil, explora la vulnerabilidad que se esconde tras el héroe, recordando los momentos que marcaron su vida y lo hicieron madurar. Dirigido por Ian Bonhôte y Peter Ettedgui, el filme no solo destaca su carrera, sino también su lucha tras el accidente que lo dejó parapléjico. Reeve se convirtió en un símbolo de valentía y resiliencia, defendiendo los derechos de las personas con discapacidades y promoviendo la investigación médica. Su historia demuestra que no necesitaba una capa para ser un verdadero héroe. Además, el documental presenta conmovedores testimonios de sus hijos, reflejando a un padre transformado, lo que da a la película un enfoque centrado en los valores familiares. Con material de archivo sorprendente, el filme recuerda a una figura que, desde joven, demostró un fuerte sentido de la justicia y compromiso social. Lleno de momentos emotivos, anécdotas tiernas y educativas, deja una impresión duradera, logrando que Christopher Reeve vuelva a brillar en la pantalla.

Comentado por Furanu.

Análisis del Blu-ray de ‘Los vigilantes’

Merece la pena echarle un visionado al debut de la hija de Shyamalan

Los bosques de irlanda fueron el escenario escogido por la hija de M. Night Shyamalan para rodar su primer largometraje como directora. Ishana Shyamalan es la autora de ‘Los vigilantes (The watchers)’, quien junto con su hermana Saleka Shyamalan parece que lanza su carrera bajo el paraguas del nombre de su padre. No obstante, a pesar de cualquier argumento nepotista, la película tiene sus virtudes y ha encandilado a una buena parte de la audiencia, llegando a recaudar más de 33 millones de dólares por todo el mundo.

La trama parte de un libro de A.M. Shine y sigue a una joven que se queda varada en un bosque en el que intenta buscar refugio. Cuando cree que lo ha encontrado descubre que unos extraños, aquellos que la acogen, viven amedrentados por unas criaturas que les observan toda la noche. Es palpable que Ishana Shyamalan intenta seguir la estela de su padre y consigue muy buena ambientación y puesta en escena, pero no consigue el efecto sorpresa.

El Blu-ray que ha puesto a la venta Arvi Licensing viene encabezado por la portada que protagoniza parte del rostro de Dakota Fanning, tapado por un símbolo que es claro a lo que alude. El estuche no contiene libreto ni folleto sobre el filme. Únicamente encontramos en el interior el disco de la película casi en negro por completo con el título del filme. En cuanto al menú de opciones que encontramos al meter el disco en nuestro reproductor, si no has visto el filme te va a intrigar.

El Blu-ray ofrece resolución 1080 de alta definición en formato 16:9 1.85:1. El audio se encuentra disponible en 5.1 con los idiomas seleccionables en castellano, inglés, francés, italiano y checo. En cuanto a los subtítulos están disponibles en castellano, francés, holandés, checo, coreano, cantonés, chino complejo además de en inglés e italiano para sordos.

Extras (33 min. aprox.)

Wellcome to the sho: the making of The Watchers (8:50 min.)

Llevar a la pantalla el folclore irlandés y las páginas de Shine era el retop para hacer esta película. La directora, el productor (M. Night Shyamalan) y el equipo técnico, como la directora de coreografía nos hablan de cómo han hecho esto realidad.

Creating The Watchers (5:02 min.)

Las criaturas de la película fueron creadas con trajes de captura de movimiento. Pero a parte de esta moderna técnica de recreación a través de ordenador había que tener en cuenta su aspecto, su origen y forma. Todas estas referencias y técnicas son las que se tratan aquí. Como sorpresa, se usó una especie de danza japonesa.

Constructing the coop (6:16 min.)

En la película hay un corral y aunque suene a algo sencillo o rudimentario tiene su intríngulis. Para este elemento tan pintoresco y especial se ha contado con el propio autor de la novela que no habla de su concepción y sentido.

Ainriochtan and the irish fairy folclore (4:22 min.)

La manera en cómo vemos actualmente a las criaturas del folclore ha cambiado mucho. Esa influencia se hace patente en este filme que intenta revivir leyendas con un enfoque tanto moderno como tradicional.

Lair of love (9:29 min.)

Solo los que han visto la película entenderán porqué el extra más largo de la película es una especie de Gran Hermano del amor.