Crítica: ‘El caballero de los Siete Reinos’

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Poniente cambia los dragones por la comedia y la justa

Es difícil regresar a Poniente sin esperar el sonido de alas dracónicas o el choque de ejércitos masivos. Sin embargo, lo primero que hay que advertir al espectador desprevenido es que ‘El caballero de los Siete Reinos’, aunque firmemente ambientada en el mundo de R.R. Martin, cambia radicalmente de tono. Para algunos fans puristas, curtidos en la solemnidad política de ‘Juego de Tronos’ o la tragedia shakesperiana de ‘La casa del dragón’, este giro podrá resultar desconcertante, quizás incluso malo. Pero para otros, será una bocanada de aire fresco absolutamente necesaria.

HBO parece haber entendido que la única forma de evitar el hastío del espectador ante tantas conspiraciones palaciegas era apostar por algo diametralmente opuesto: la sencillez y sorprendentemente, el humor. Si las anteriores entregas eran óperas wagnerianas, ‘El caballero de los Siete Reinos’ se acerca más a una balada folk tocada en una taberna ruidosa. Es una manera inteligente de conseguir esquivar las comparaciones directas que habrían hundido a cualquier otro spin-off que intentara imitar la escala de sus predecesoras.

Un tono radicalmente distinto: entre Lanthimos y el cine medieval

En los libros originales ya se ve que este es un texto mucho más ligero, casi una novela picaresca medieval, y la serie abraza esta naturaleza sin complejos. Es abiertamente más cómica, apoyándose en la química de una extraña pareja. Por momentos, la dirección y los diálogos afilados hacen que parezca más ‘La favorita’ de Yorgos Lanthimos que ‘Juego de Tronos’. Hay un absurdo delicioso en la burocracia de los torneos y en la pomposidad de los caballeros que la serie explota con maestría.

Incluso si la serie fuese un poco más allá con el espectáculo de la comedia y la anacronía musical, estaríamos hablando de la nueva versión de ‘Destino de caballero’, aquella película de culto protagonizada por Heath Ledger. La comparación no es gratuita, puesto que la trama se ambienta completamente en una justa, con todo el color, el polvo y el bullicio que ello conlleva. Sin embargo, descuidad que este tono lúdico se mantiene sobretodo durante los tres primeros capítulos. Es ahí cuando la cosa cambia. Tras los episodios dirigidos por Owen Harris (conocido por ‘Black Mirror’), tiene lugar un giro que cambia la dinámica de la serie, recordándonos que, a fin de cuenta, en Poniente nadie está completamente a salvo. Y es por todo esto que el episodio 5 regresa a la brutalidad de los campos de batalla de Westeros, con toda la violencia e impredecibilidad que ello conlleva.

El caballero de los Siete Reinos como serie pequeña en una historia inmensa

George R. R. Martin figura como co-creador y productor ejecutivo, con Ira Parker ejerciendo de showrunner, y se nota el cariño por el material original. Estamos ante una precuela con un formato inusual: seis episodios de poco más de 30 minutos. Esta duración, más propia de una sitcom que de un drama de prestigio, juega a su favor, evitando el relleno innecesario.

Cronológicamente, la acción ocurre aproximadamente 90–100 años antes de ‘Juego de Tronos’ y se sitúa también unos 70 años después de los eventos más tempranos narrados en ‘La casa del dragón’. Es una época fascinante por lo que no tiene: es un mundo donde los dragones son solo recuerdos y cráneos polvorientos. El linaje Targaryen ostenta el Trono de Hierro, sí, pero su poder ya genera cuestionamientos. Sin la amenaza nuclear de los dragones, la autoridad se mantiene mediante la política y la percepción, algo que vemos a través de los ojos del caballero errante Dunk (interpretado por un inmenso Peter Claffey) y su escudero Egg (el joven Dexter Sol Ansell).

La serie se desarrolla durante la era de la Primera Rebelión Fuegoscuro, aunque el foco está en las interacciones personales. La participación de personajes como Aerion Targaryen (Finn Bennett), Lyonel Baratheon (Daniel Ings) y Baelor Targaryen (Bertie Carvel) aporta ese toque de realeza divina y peligrosa, pero vista desde abajo. Muy bien cogido el reparto, especialmente la dinámica entre Claffey y Ansell, que sostienen el peso emocional de la trama con una naturalidad pasmosa y llana.

La sombra de los Targaryen y el giro que lo cambia todo

Para quienes vengan de la literatura, sabrán que en su historia editorial en España, ‘El caballero de los Siete Reinos’ es una compilación de tres relatos: ‘The Hedge Knight’ (El caballero errante), ‘The Sworn Sword’ (La espada leal) y ‘The Mystery Knight’ (El caballero misterioso). La serie narra las aventuras de este caballero, que no es otro que el antepasado de Brienne de Tarth, un dato que explica mucho sobre el tamaño del personaje y el código de honor que veremos en pantalla.

Lo brillante de esta propuesta es que aporta una perspectiva más «a ras de tierra». Ofrece una profundización cultural y social sobre cómo vivían distintas capas de la sociedad en esa época, lejos de la Fortaleza Roja. Es por ello una historia mucho más pequeña y mucho más sencilla que todo lo que hemos visto hasta ahora. Pero no os dejéis engañar por la escala: en buena parte sienta las bases de lo que transcurre durante ‘Juego de Tronos’.

La serie es diferente incluso en su tratamiento de la acción: evita mostrar muertes violentas gratuitas, buscando más el impacto narrativo que el visual. Pero eso no quita que no haya violencia; cuando el acero choca, se siente pesado y peligroso. Constantemente sentimos que esto es el mundo de R.R. Martin y puede morir un personaje repentinamente.

Si no quieres destriparte el primer giro interesante que llega en el tercer capítulo, no mires exactamente de qué va esta historia en internet. Solo diré que la inocencia del torneo da paso a una realidad política mucho más oscura. ‘El caballero de los Siete Reinos’ demuestra que no hacen falta dragones para contar una gran historia de Poniente. Solo hacen falta un buen caballero, un escudero sabiondo e insolente y un guion que sepa reírse de sí mismo antes de sacar la espada.

La serie se estrena el 18 de enero y tiene anunciada segunda temporada para 2027.

Crítica: ‘Esa cosa con alas’

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Sinopsis

Luchando por procesar la repentina e inesperada muerte de su esposa, un joven padre pierde el control de la realidad cuando una presencia aparentemente maligna comienza a acecharle desde los oscuros recovecos del apartamento que comparte con sus dos hijos pequeños.

Crítica

Benedict Cumberbatch sobrevuela el desconsuelo a través de una profunda comprensión

Dylan Southern, conocido por su sensibilidad al retratar emociones frágiles, da un paso adelante con ‘Esa cosa con alas’, una película que se instala en el territorio del duelo, pero que va más allá de la simple tristeza para explorar algo mucho más huidizo: el desconsuelo. No el dolor inmediato de la pérdida, sino ese eco persistente que nos impide encontrar reposo. Es una obra basada en el libro ‘Grief Is the Thing With Feathers’ de Max Porter.

El filme, protagonizado por Benedict Cumberbatch, evoca inevitablemente a ‘Un monstruo viene a verme’, tanto por su combinación de realismo emocional e imaginería simbólica como por la mirada infantil que atraviesa la historia. Sin embargo, Southern sustituye el componente fantástico por uno más introspectivo y sombrío, donde la figura del cuervo se alza como metáfora del dolor desconsolado y la melancolía. Una presencia que remite directamente a Edgar Allan Poe, y que dota al relato de una textura poética cercana al terror interior.

Cumberbatch, habituado a personajes atormentados como en ‘Patrick Melrose’ o ‘Eric’, encuentra aquí un registro distinto: el de un hombre que, en lugar de hundirse en su silencio o en la autodestrucción de las drogas o el alcohol, busca la redención a través del diálogo. Su personaje, un padre y artista devastado por la pérdida, decide enfrentarse a su vacío hablando de él, pintándolo, solitario pero abierto a hablar sobre el dolor que le atraviesa. Y es en ese gesto donde la película encuentra su mayor fortaleza: el reconocimiento de que el duelo no se supera, se acompaña.

Southern filma con delicadeza, sin recurrir a grandes estallidos emocionales. La cámara observa los silencios, los pequeños rituales, los gestos torpes de quienes intentan consolar sin saber cómo. En su aparente quietud, ‘Esa cosa con alas’ se convierte en un ensayo sobre la comunicación emocional: cómo hablar del dolor, cómo sostener al otro sin invadirlo, cómo seguir adelante cuando la ausencia pesa más que la presencia.

Visualmente, la película destaca por su tono grisáceo, casi gótico, donde cada plano parece suspendido entre lo tangible y lo imaginado. El cuervo, más que un símbolo, actúa como un espejo: una voz que nos recuerda que la pérdida también nos pertenece. Y esta criatura aparece antropomórfica, enorme, monstruosa, como una parte de nosotros que parece surgida de nuestras peores pesadillas, pero que necesitamos para poder sobrevivir.

‘Esa cosa con alas’ no busca conmover por la lágrima fácil, sino por la honestidad de su mirada. Es una fábula amarga y compasiva sobre la aceptación, sobre aprender a convivir con lo que no puede arreglarse. Southern entrega una obra madura, íntima y profundamente humana, donde el dolor no se cura, pero al menos se comparte.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de octubre de 2025. Título original: The Thing with Feathers. Duración: 98 min. País: Reino Unido. Dirección: Dylan Southern. Guion: Dylan Southern. Música: Fotografía: Ben Fordesman. Reparto principal: Benedict Cumberbatch, David Thewlis, Richard Boxall, Henry Boxall, Eric Lampaert, Vinette Robinson, Sam Spruell. Producción: Lobo Films, LB Entertainment, Align, Film i Väst, Film4, SunnyMarch. Distribución: Avalon. Género: drama. Web oficial: https://www.andreacornwell.com/the-thing-with-feathers

Crítica: ‘Indomables’

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Sinopsis

Muriel y su marido Lee comienzan una nueva vida en California cuando él regresa de la guerra de Corea. Pero su nueva estabilidad se ve alterada por la llegada del carismático hermano de Lee, Julius, un jugador caprichoso con un pasado secreto. Rápidamente se forma un peligroso triángulo amoroso. Cuando Julius se marcha en busca de la joven tramposa de la que se ha enamorado, el anhelo de Muriel por algo más la empuja a una vida secreta propia, apostando a los caballos de carreras y explorando un amor que nunca soñó posible.

Crítica

Una historia old-school con corazón actual

A veces pasan por nuestras carteleras títulos que sin gran inversión de marketing acaban pasando desapercibidos o con salas casi vacías por el reclamo de producciones mayores y aún así convirtiéndose en clásicos a reivindicar para los que le dan una oportunidad. Ese es el caso de ‘Indomables’, la película protagonizada por un elenco de jóvenes estrellas emergentes como Daisy Edgar-Jones, Jacob Elordi y Will Poulter. Dirigida por Daniel Minahan, es una película que desafía convenciones del pasado de manera audaz y tan desafiante como hemo estado viendo en algunos casos en lo último años. Desde su inicio, la cinta se revela como una historia de identidad y libertad, donde cada personaje parece escudriñar sus propias fronteras emocionales y sociales, impulsado por deseos que no siempre encajan en estructuras tradicionales.

Lejos de ser un mero triángulo amoroso, ‘Indomables’ se expande hasta convertirse en más que un triángulo amoroso en un pentágono amoroso: relaciones múltiples entrecruzándose como piezas de un tablero complejo. Lo protagonitas conforman un entramado donde afecto, interés y engaño flirtean constantemente. Este laberinto romántico refleja, casi simbólicamente, una economía emocional intrincada: aquí aparece la idea de jugar a varias bandas, tanto amorosa como económicamente. No es solo pasión y deseo; también hay una contienda, una danza fina entre poder, ganancia y vulnerabilidad. Cada personaje parece invertir (emocional o materialmente) en alianzas que pueden ser desmanteladas en cualquier momento. Y lo que predomina en todo momento es un sentimiento de peligro: peligro al apostar, peligro de que te descubra tu pareja, peligro al hacer trampa, peligro a que se desvele tu homosexualidad…

Hay un gusto muy marcado por lo retro: la ambientación, el vestuario, la banda sonora y ciertos guiños estéticos nos transportan directamente a los años 50. ‘Indomables’ nos hace volver a esa época basándose en la novela de Shannon Pufahl. Además hay algo ‘old school’ en su planteamiento, en la gestualidad de los personajes, incluso en el ritmo narrativo. Los diálogos tienen la cadencia de Hollywood clásico, pero proyectados con una claridad moderna y libre de censura o tabúes sociales. En cierto sentido, ‘Indomables’ actúa como una revisión contemporánea de figuras icónicas como Marlon Brando, John Wayne o James Dean, ese espíritu rebelde e íntimo, pero refractado a través de una mirada de hoy. No se trata de una copia, sino de una reinterpretación consciente, como si el director hubiese querido revisar aquella época sin ánimo de cancelar lo hecho hasta ahora, pero si de invitarnos a la amplitud de miras.

El tema LGBTQI+ se hila con naturalidad a lo largo de la historia, sin fórmulas ni estridencias. La identidad fluye, las etiquetas se desdibujan. La cinta explora con elegancia y potencia cómo amar y pertenecer pueden ir de la mano de la libertad de ser. Esa dualidad (identidad y libertad) está en el centro de los conflictos internos: el deseo de autenticidad frente al miedo a la marginación, las redes de afecto que refuerzan, pero también encadenan, y la necesidad de romper esos grilletes para alcanzar una libertad plena.

Daniel Minahan, a través de una puesta en escena calculada y sutil, logra un equilibrio entre lo vintage y lo contemporáneo. No hay estridencias visuales: predominan planos sobrios, iluminación tenue, tonos pastel y sombras largas que recuerdan los grandes estudios, pero con una paleta emocional más diversa. La sensación es nostálgica, pero no sacada de un museo.

El guion aprovecha esa base literaria para explorar psicologías complejas. Los silencios valen tanto como las palabras, y ciertos gestos o miradas evocan más que diálogos explícitos. La carga simbólica de la época de los 50 (con su moral implícita y su glamour conservador) se fractura con la pluralidad de los cuerpos y afectos que circulan en ‘Indomables’.

No todo encaja; a veces la densidad temática hace que ciertos arcos narrativos queden un poco comprimidos hacia el final. Pero esta compresión también agrega tensión, como si los personajes se viesen obligados a resolverse antes de lo esperado. Y aunque se agradece esa intensidad, tal vez un poco más de expansión en algunos vínculos hubiese permitido un cierre menos abrupto emocionalmente, pese a que tiene una escena final elegante.

Es una obra valiente, rica y evocadora. Una película que nos invita a revisar lo que damos por clásico y a pensar en la identidad y el deseo como fuerzas siempre renovables. Entre referencias retro, tensión emocional y libertad contemporánea, Minahan propone una mirada audaz al amor, al poder, a la identidad y al campo de fuerzas afectivas que atraviesa a cada persona.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de agosto de 2025. Título original: On Swift Horses. Duración: 117 min. País: EE.UU. Dirección: Daniel Minahan. Guion: Bryce Kass. Música: Mark Orton. Fotografía: Luc Montpellier.  Reparto principal: Daisy Edgar-Jones, Jacob Elordi, Will Poulter, Diego Calva, Sasha Calle. Producción: Ley Line Entertainment, FirstGen Content, Cor Cordium, The Dan Corp, Wavelength, Killer Films. Distribución: Beta Fiction. Género: romance, drama. Web oficial: https://www.leylineentertainment.com/on-swift-horses

Crítica: ‘Sé lo que hicisteis el último verano’

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Sinopsis

Cuando cinco amigos provocan sin querer un accidente de coche mortal, encubren su implicación y hacen un pacto para mantenerlo en secreto en lugar de afrontar las consecuencias. Un año después, su pasado vuelve para atormentarlos y se ven obligados a enfrentarse a una aterradora verdad: alguien sabe lo que hicieron el último verano… y está empeñado en vengarse. A medida que los amigos son acechados uno a uno por un asesino, descubren que esto ya ha sucedido antes, y recurren a dos supervivientes de la legendaria Masacre de Southport de 1997 en busca de ayuda.

Crítica

Nostalgia con resaca argumental

En una era donde parece que la nostalgia vende más que el riesgo creativo, se reciclan títulos como ‘Sé lo que hicisteis el último verano’. Una nueva versión dirigida por Jennifer Kaytin Robinson que, como ya hicieran sagas como ‘Scream’ o ‘Halloween’, se presenta como una recuela: secuela-remake que pretende revivir una franquicia desde sus cenizas, actualizándola sin traicionar del todo su legado. El problema es que aquí ni hay fuego ni hay cenizas, sino humo, espejos y un gancho oxidado que apenas se sostiene y que busca enganchar a los escasos fans que puedan quedar del título de 1997.

En un alarde de originalidad mal entendida, esta nueva entrega opta por cambiar la premisa jugueteando un poco con los sustos o con lo que podemos esperar. Lo que en su día fue una historia sobre culpa, remordimiento y juventud perseguida por sus errores, ahora se transforma en una trama de motivaciones tan absurdas que rozarían lo paródico si no pretendieran ir en serio. El accidente inicial es sustituido por un evento aún más inverosímil ya que los protagonistas se comportan de un modo absurdo. Y para colmo la solución final no nos resulta fresca ya que ha sido explotada por ‘Scream’ en más de una ocasión.

El guion es el colmo de la inconsistencia argumental. Personajes que toman decisiones sin sentido, giros de guion que no sorprenden a nadie y una estructura narrativa que parece escrita por alguien con un conocimiento superficial del slasher. Todo se reduce a una sucesión de tópicos, desde el grupo de jóvenes estereotipados hasta los asesinatos telegrafiados desde la primera escena. Por ejemplo, puede parecer que responde a trasuntos actuales, pero el dar manga ancha al asesino por parte de las autoridades con la excusa de no espantar a los turistas también es algo ampliamente repetido, la película se llamaba ‘Tiburón’ y la hizo un tal Spielberg. En ese sentido, la cinta no solo es predecible, sino que llega a ser insultante hacia el espectador, como si se asumiera que su audiencia no tiene recorrido cinematográfico o no merece un mínimo de inteligencia narrativa. Para colmo el montaje es aún peor y saltamos por escenarios de tal modo que se impide el desarrollo en las relaciones entre los personajes, careciendo por completo de cualquier elipsis.

Lo que la salva del desastre absoluto son ciertos elementos puntuales: algunos momentos graciosos con el personaje de Madeline Cline, que aporta un evidente alivio cómico con su humor autoconsciente, y el inevitable gancho nostálgico, con cameos anunciados y otros que ya podíamos entrever. Con ello los autores apelan directamente al público que vio la original en su adolescencia. Esto es lo único que justifica realmente este regreso que sin duda, junto con su escena post-créditos, intenta recuperar una franquicia que para muchos se encuentra en el top del género slasher y para otros es un entretenimiento de lo más simplón que surge de las novelas reimaginando los misterios de Poirot o Fletcher.

Lo triste es que, con todos sus defectos, esta película logra ser mejor que la infame serie televisiva y que la desastrosa y casi desconocida tercera entrega cinematográfica. El kill count es más nutrido y los asesinatos tienen cierto toque de brutalidad, aunque lejos de la calidad de la segunda, que es en mi opinión la más digerible de todas.

Este nuevo (o continuista) ‘Sé lo que hicisteis el último verano’ es una oportunidad perdida si nos quedamos en que podrían haberse desmarcado con el tratamiento actual de los últimos slashers recuperados. Evidentemente si eres fan incondicional de la saga disfrutarás las referencias y cameos, pero no podrás negar el escaso nivel interpretativo y en la dirección. Me tocará tragarme las palabras si funciona en taquilla y debido a ello tenemos más entregas. Pero todos sabemos que taquilla y calidad no siempre van de la mano.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de julio de 2025. Título original: I Know What You Did Last Summer. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: Jennifer Kaytin Robinson. Guion: Jeff Howard, Leah McKendrick, Jennifer Kaytin Robinson, Sam Lansky. Novela: Lois Duncan. Música: Chanda Dancy. Fotografía: Elisha Christian, David Lanzenberg. Reparto principal: Madelyn Cline, Chase Sui Wonders, Jonah Hauer-King, Tyriq Withers, Sarah Pidgeon, Billy Campbell, Gabbriette Bechtel, Austin Nichols, Lola Tung y Nicholas Alexander Chavez, Freddie Prinze Jr., Jennifer Love Hewitt. Producción: Columbia Pictures, The South Austalian Film Corporation, Original Film. Distribución: Sony Pictures. Género: terror, remake. Web oficial: https://www.facebook.com/ikwydlsmovie

Crítica: ‘La furgo’

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Sinopsis

Oso (Pol López), un hombre divorciado de 45 años, vive con su hija de 6 años en una furgoneta en Barcelona mientras intenta reconstruir su vida. Acompañado por un grupo de personajes peculiares trata de recuperar estabilidad, pero la boda de su ex lo lleva al límite. La Furgo es un emotivo drama humano sobre la precariedad, la identidad y la búsqueda de segundas oportunidades.

Crítica

Cómo avanzar sin GPS hacia uno mismo cuando te encuentras aparcado de la vida

La furgo’, dirigida por Eloy Calvo y basada en el cómic homónimo de Martin Tognola y Ramón Pardina, se suma a la oleada de películas españolas que, sin alardes ni grandilocuencias, logran trazar un retrato certero de la sociedad contemporánea. Esta adaptación cinematográfica se apoya en un sólido guion para explorar con sensibilidad, pero sin sentimentalismo, los vértices de la crisis de los cuarenta, una etapa que en este caso se manifiesta más en el exterior que en el interior: el protagonista (interpretado con contención y vulnerabilidad por Pol López) vive en una furgoneta tras separarse de su pareja, malvive a base de favores y lucha por mantener el vínculo con su hija.

Aunque pueda parecer que ‘La furgo’ se sube a la moda post-pandemia de las camper vans como estilo de vida, la película toma un rumbo diferente. Aquí el vehículo no es símbolo de libertad, sino de precariedad, una prisión con ruedas en la que el protagonista intenta recomponer los pedazos de una existencia resquebrajada. El tema de la vivienda basada en un furgón podría recordar el tema social e incluso romántico de ‘Nomadland’. En parte es así e incluso se toca el tema del trabajo precario como repartidor, lanzando dardos a Glovo en lugar de a Amazon. No olvidemos que este cómic se publicó en 2018, dos años antes que la película de Chloé Zhao.

Aunque a muchos podría recordar detalles generacionales de ‘Nomadland’, dista de seguir el mismo rumbo o hilo central. Por supuesto está el tono mediterráneo marcando una buena diferencia. Como aquella película, toca temas como la vivienda inaccesible, las responsabilidades y las vidas improvisadas en la marginalidad urbana. ‘La furgo’ prefiere la cercanía de los barrios de Barcelona, donde el asfalto y el cemento aprietan tanto como las deudas emocionales. Y sobre todo llegará al espectador que viva la dificultad para independizarse y para conseguir vivienda propia. También trata sobre aquello que nos impide pedir ayuda, las segundas oportunidades y la construcción de una identidad. Es una película que dentro de su sencillez y hora y media de duración es capaz de establecer todas esas capas.

Uno de los grandes aciertos del film es cómo transita entre el realismo social y las evasiones del protagonista, representadas mediante preciosas secuencias de animación que conectan directamente con el espíritu gráfico del cómic original. Estas escenas no solo aportan belleza visual, sino que refuerzan una de las grandes ideas de la historia: la necesidad de imaginar otras vidas posibles, aunque sea para sobrevivir a la propia.

En una época en la que el cómic español encuentra nuevas vías de expresión a través del cine —como ya demuestran nombres como Paco Roca o Santiago García—, ‘La furgo’ se posiciona como un ejemplo de cómo el audiovisual puede dar una segunda vida al noveno arte, sin perder el alma de la obra original. Calvo consigue encapsular en apenas 90 minutos un abanico de temas —la identidad, el perdón, las segundas oportunidades— sin perder el pulso narrativo ni caer en el drama lacrimógeno.

‘La furgo’ es un road trip sin mapa, donde el mayor viaje es el de la vida. Una película sencilla, pero con capas que merecen ser descubiertas. Una historia pequeña que habla de cosas grandes. Y sobre todo, una demostración de que el cine español actual sigue encontrando caminos propios para hablar del mundo que nos rodea. Aunque sea desde una furgoneta aparcada en una calle cualquiera.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de junio de 2025. Título original: La furgo. Duración: 88 min. País: España. Dirección: Eloy Calvo. Guion: Martín Tognola, Ramon Pardina. Música: Marc Parrot. Fotografía: Anna Molins. Reparto principal: Pol López, Marina Lleida. Producción: Teidees, RTVE, 3CAT, Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC), Crea SGR Distribución: Sideral. Género: drama. Web oficial: https://www.teidees.com/es/projectes/la-furgo/

Jaime Lorente rueda ‘La Silla’

Adaptación de la novela de David Jasso

Ha dado comienzo el rodaje de ‘La Silla’, el nuevo thriller psicológico de Ángel de la Cruz que estará protagonizado por Jaime Lorente, quien se encuentra ahora mismo en carteleras con ‘Hamburgo’. La productora AF ha iniciado a finales de mayo el rodaje de esta película que se basa en la novela homónima de David Jasso, editada por Apache Libros.

La película promete ser un thriller psicológico cargado de tensión y angustia, fiel al espíritu de la novela, que ya situó a Jasso como uno de los autores más inquietantes del género con otras obras suyas como ‘Bering’. La historia sumerge al espectador en una experiencia claustrofóbica que explora los rincones más oscuros de la mente humana.

En ‘La Silla’, Jaime Lorente interpreta a Daniel Lonces, un escritor de novelas de terror que ha logrado cumplir sus metas personales y profesionales. En busca de mayor realismo para su nueva obra, Daniel propone a su esposa un extraño experimento: ser amordazado y atado a una silla de su despacho durante dos horas. Sin embargo, un trágico accidente doméstico impide que ella regrese para liberarlo, desatando una pesadilla marcada por el miedo más puro.

El director Ángel de la Cruz ha descrito el proyecto como “una historia de superación, culpas, remordimientos y redención, cargada de simbolismo, metáforas y poesía”. En sus palabras, ‘La Silla’ “provoca angustia porque se adentra en los rincones más oscuros del ser humano, explorando los límites a los que una persona puede enfrentarse tras un accidente cotidiano… sin salir de casa”.

Para contribuir a esa atmósfera de tensión psicológica, la película contará con la banda sonora de Jesús Martín-Fernández, un prestigioso neurocirujano que también es compositor y que aplicará sus conocimientos sobre el cerebro para diseñar una música capaz de alterar emocionalmente al espectador.

Con una sólida carrera como director, guionista y productor, Ángel de la Cruz ha recibido varios premios Goya por sus trabajos anteriores. Su debut en el cine comercial llegó con ‘El bosque animado’ (2001) y ‘El sueño de una noche de San Juan’ (2005), ambas galardonadas por la Academia. También fue guionista y productor ejecutivo de ‘Arrugas’ (2011), que le valió el Goya al Mejor Guion Adaptado y a la Mejor Película de Animación.

La producción corre a cargo de AF, la compañía fundada por Frank Ariza, que en sus 10 años de trayectoria ha realizado cerca de 30 producciones. En los últimos años, la productora se ha consolidado como un referente en la creación de contenido internacional con proyección global.

Crítica: ‘Queer’

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Sinopsis

En 1950, William Lee, un expatriado estadounidense en la Ciudad de México, pasa sus días casi completamente solo, excepto por algunos contactos con otros miembros de la pequeña comunidad estadounidense. Su encuentro con Eugene Allerton, un exsoldado expatriado nuevo en la ciudad, le muestra, por primera vez, que puede ser posible establecer una conexión íntima con alguien.

Crítica

Un caos hacia una apertura de mente que se percibe irónicamente hermético

Luca Guadagnino, conocido por su enfoque sensorial y sentimental en obras como ‘Call Me by Your Name’ o ‘We are who we are’, se adentra en terrenos más oscuros y menos accesibles con su adaptación de ‘Queer’, la satírica y provocadora novela de William Burroughs. Protagonizada por un sorprendente Daniel Craig, esta película desafía al espectador con una narrativa y una atmósfera casi impenetrable, lo que la convierte en un objeto de admiración para unos pocos y de frustración para otros.

Desde el principio, queda claro que Guadagnino no busca una traducción literal del texto de Burroughs, de hecho ha convertido una novela corta en un largometraje más largo que denso. Es una reinterpretación que captura su espíritu inquietante y experimental. ‘Queer’ relata la historia de Wiliam Lee, un expatriado estadounidense en México que, marcado por la alienación y un deseo no correspondido, se pierde en un mundo de autodestrucción, exploraciones sexuales y abuso de drogas. Sin embargo, la película opta por subrayar lo fragmentario de esta experiencia, adoptando una narrativa que a menudo parece deliberadamente opaca.

La elección de Daniel Craig como Lee es una decisión para muchos audaz pues generalmente el actor de ‘007’ proyecta una presencia imponente y masculina. Se sumerge aquí en una vulnerabilidad inquietante, interpretando a un personaje que es a la vez repelente y patéticamente humano. Como siempre Guadagnino extrae muy buenas interpretaciones, pero como habitualmente le sucede no logra anclar una historia que se tambalea bajo el peso de sus propias ambiciones. Guadagnino parece más interesado en capturar el «sentir» del texto de Burroughs que en construir una narrativa coherente, lo que puede sacar del filme a quienes no estén familiarizados con el contexto literario o cultural del autor.

Burroughs, una figura clave de la Generación Beat, es conocido por su rechazo a las convenciones y su exploración de temas marginales. Sin embargo, esta misma cualidad que hace que su obra literaria sea fascinante también la vuelve difícil de adaptar al cine. Guadagnino se adentra en este terreno con valentía, pero el resultado es una película que, al igual que la novela, puede ser vista como impenetrable. La estructura fragmentada, las transiciones abruptas y los diálogos cargados de subtexto convierten a ‘Queer’ en una experiencia cinematográfica que exige paciencia y dedicación, mucho más que con ‘Call me by your name’.

Visualmente, Guadagnino sigue siendo un maestro. La cinematografía captura la decadencia tropical de México y los paisajes interiores de Lee con una belleza iluminada de manera inquietante. Incluso es capaz de lograr este efecto cuando usa maquetas y cromas. En ocasiones, sobre todo durante el primer acto, parece que estamos ante un nuevo ‘Casablanca’, pero rezumando homosexualidad y el calor de Centroamérica. Sin embargo, estas imágenes no son suficientes para compensar una narrativa que se siente hermética, casi como si la película estuviera destinada exclusivamente a quienes ya veneran a Burroughs y a Guadagnino.

Está claro que esto va más de sentir que de entender. De hecho, literalmente en la película se habla de la apuesta por el creer, no por el comprender. Parece un reto interesante e intrigante, pero no es difícil averiguar que el espectador promedio saldrá decepcionado. A veces la película parece arte y ensayo, otras un audiovisual post-moderno. Guadagnino no acostumbra a verbalizar sus pretensiones o conclusiones, pero quizá esta vez su particular ruta del bacalao ha quedado en algo excesivamente subjetivo y recóndito.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de enero de 2025. Título original: Queer. Duración: 135 min. País: Italia. Dirección: Luca Guadagnino. Guion: Justin Kuritzkes. Música: Trent Reznor, Atticus Ross. Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom. Reparto principal: Daniel Craig, Drew Starkey, Lesley Manville, Jason Schwartzman, Henrique Zaga, el cantante Omar Apollo, Andra Ursuta, Andres Duprat, Ariel Shulman, Drew Droege, Michael Borremans, David Lowery, Lisandro Alonso, Colin Bates. Producción: The Apartment, Frenesy Film Company, FremantleMedia North America, Cinecittà, Frame by Frame, Fremantle. Distribución: Elástica Films. Género: drama. Web oficial: https://www.theapartment.it/en/productions/film/queer/

Crítica: ‘The Umbrella Fairy’

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Sinopsis

Qingdai, un hada real del paraguas, se embarca en un viaje con un joven artesano para evitar la guerra tras fracasar en su intento de proteger a un vengativo hada de la espada que escapa del pabellón real.

Crítica

Anime preciosista y fantasioso, como un lienzo chino en movimiento

‘The Umbrella Fairy’ es una película de animación que, partiendo de la base del manhua (cómic chino) ‘San shaonü meng tan’, escrito por Zuo Xiaoling, ilustrado por Wei Ying y distribuido a través de NetEase, transporta al espectador a un universo mágico y visualmente impresionante. Esta historia sigue las aventuras de un hada guardiana que se ve obligada a abandonar su puesto para buscar a una malvada hada que busca venganza. Aunque la premisa de la película puede sonar convencional, es su presentación estética y su enfoque cultural lo que la distingue en el amplio panorama del cine de animación.

La película es un cuento que alterna entre lo mojigato, lo ingenioso y, en ocasiones, lo poético. Su trama, aunque predecible en ciertos puntos, logra cautivar por los pequeños detalles que se van revelando en el camino. La dualidad entre las dos hadas —la guardiana que representa la protección y el deber, y la malvada hada impulsada por la venganza— es un contraste que, aunque no particularmente innovador, está bien ejecutado y sostenido por una atmósfera que logra capturar la esencia de las narrativas clásicas de fantasía china.

Uno de los aspectos más destacados de ‘The Umbrella Fairy’ es su animación. La película respeta las raíces del arte clásico asiático de la animación, fusionando técnicas digitales con un estilo visual que recuerda a las tradiciones pictóricas chinas. Los fondos están adornados con una exquisita atención al detalle, cada escena parece un lienzo donde los colores vibran y los elementos naturales cobran vida. Aunque se podría argumentar que en ciertos momentos la película peca de sobrecargar visualmente las escenas, esto también forma parte de su encanto. Todo está muy ornamentado, evocando una estética palaciega y mágica que cautiva desde el primer instante.

En cuanto a los personajes, están diseñados con un estilo «kawaii» que, a pesar de ser una palabra asociada comúnmente con la cultura japonesa, se adapta perfectamente a la descripción de estos simpáticos y fantasiosos seres. Los protagonistas y secundarios tienen un encanto que, aunque a veces se siente algo superficial, logran conectar con el público infantil y familiar. Sin embargo, aquellos que busquen una mayor profundidad en el desarrollo de personajes pueden sentirse decepcionados, ya que muchos de ellos están más definidos por su apariencia visual que por sus motivaciones o complejidad interna.

‘The Umbrella Fairy’ es una película que, aunque no exenta de ciertos clichés en su narrativa, se apoya firmemente en una animación impresionante y un estilo artístico que respeta y celebra las tradiciones visuales asiáticas. Si eres fan de la fantasía oriental y te gustaron films como ‘White Snake’, ‘Big Fish & Begonia’ o ‘La leyenda de Hei’, esta propuesta de Jie Shen te va a chiflar.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: San Shao Nv. Duración: 95 min. País: china. Dirección: Jie Shen. Guion: Min Liu, Ying Wei, Xiaoling Zuo. Producción: Guton Animation Studio, Hangzhou Maoyan Time Machine Pictures, L-key Studio, Maoyan Entertainment, Suzhou Guangyun Unity Culture Media, Tianjin Maoyan Weying Media. Distribución: por determinar. Género: aventuras, fantástico.

Análisis del Blu-ray de ‘Los vigilantes’

Merece la pena echarle un visionado al debut de la hija de Shyamalan

Los bosques de irlanda fueron el escenario escogido por la hija de M. Night Shyamalan para rodar su primer largometraje como directora. Ishana Shyamalan es la autora de ‘Los vigilantes (The watchers)’, quien junto con su hermana Saleka Shyamalan parece que lanza su carrera bajo el paraguas del nombre de su padre. No obstante, a pesar de cualquier argumento nepotista, la película tiene sus virtudes y ha encandilado a una buena parte de la audiencia, llegando a recaudar más de 33 millones de dólares por todo el mundo.

La trama parte de un libro de A.M. Shine y sigue a una joven que se queda varada en un bosque en el que intenta buscar refugio. Cuando cree que lo ha encontrado descubre que unos extraños, aquellos que la acogen, viven amedrentados por unas criaturas que les observan toda la noche. Es palpable que Ishana Shyamalan intenta seguir la estela de su padre y consigue muy buena ambientación y puesta en escena, pero no consigue el efecto sorpresa.

El Blu-ray que ha puesto a la venta Arvi Licensing viene encabezado por la portada que protagoniza parte del rostro de Dakota Fanning, tapado por un símbolo que es claro a lo que alude. El estuche no contiene libreto ni folleto sobre el filme. Únicamente encontramos en el interior el disco de la película casi en negro por completo con el título del filme. En cuanto al menú de opciones que encontramos al meter el disco en nuestro reproductor, si no has visto el filme te va a intrigar.

El Blu-ray ofrece resolución 1080 de alta definición en formato 16:9 1.85:1. El audio se encuentra disponible en 5.1 con los idiomas seleccionables en castellano, inglés, francés, italiano y checo. En cuanto a los subtítulos están disponibles en castellano, francés, holandés, checo, coreano, cantonés, chino complejo además de en inglés e italiano para sordos.

Extras (33 min. aprox.)

Wellcome to the sho: the making of The Watchers (8:50 min.)

Llevar a la pantalla el folclore irlandés y las páginas de Shine era el retop para hacer esta película. La directora, el productor (M. Night Shyamalan) y el equipo técnico, como la directora de coreografía nos hablan de cómo han hecho esto realidad.

Creating The Watchers (5:02 min.)

Las criaturas de la película fueron creadas con trajes de captura de movimiento. Pero a parte de esta moderna técnica de recreación a través de ordenador había que tener en cuenta su aspecto, su origen y forma. Todas estas referencias y técnicas son las que se tratan aquí. Como sorpresa, se usó una especie de danza japonesa.

Constructing the coop (6:16 min.)

En la película hay un corral y aunque suene a algo sencillo o rudimentario tiene su intríngulis. Para este elemento tan pintoresco y especial se ha contado con el propio autor de la novela que no habla de su concepción y sentido.

Ainriochtan and the irish fairy folclore (4:22 min.)

La manera en cómo vemos actualmente a las criaturas del folclore ha cambiado mucho. Esa influencia se hace patente en este filme que intenta revivir leyendas con un enfoque tanto moderno como tradicional.

Lair of love (9:29 min.)

Solo los que han visto la película entenderán porqué el extra más largo de la película es una especie de Gran Hermano del amor.

Crítica: ‘Buffalo Kids’

En qué plataforma ver Buffalo Kids

Sinopsis

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Tom y Mary, dos hermanos huérfanos, desembarcan en Nueva York a finales del siglo XIX. Para reunirse con su tío, se aventuran como polizones en un tren por el Salvaje Oeste donde conocerán a Nick, un nuevo y extraordinario amigo que cambiará sus vidas para siempre. Juntos se embarcarán en un peligroso viaje, enfrentándose a malvados villanos, haciendo inesperados amigos y viviendo situaciones únicas en una conmovedora y divertida historia sobre la búsqueda de un hogar.

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Crítica

Un western road trip con tanta aventura como emotividad

Quizá no tenga la misma repercusión o impacto en la cultura popular, pero la animación Española no tiene nada que envidiar a industrias como la americana, quien ponga eso en duda debería ver películas como ‘Robot Dreams’ o ‘Buffalo Kids’. Se lo acaba de arrebatar el corto ‘ON/OFF’ de Nicolás Pedro Villarreal pero el cortometraje ‘Cuerdas’, del cual parte ‘Buffalo Kids’, llegó a ostentar el Récord Guinness del cortometraje más premiado. Ahora, a partir de la idea de esa sencilla y bonita historia llega este largometraje.

Si con el cortometraje nos invitaron a retornar a un patio de colegio repleto de juegos como la comba, las palmas o la pelota, ahora lo directores Pedro Solís y Juan Jesús Galocha “Galo” nos transportan a un viaje por los Estados Unidos de finales del siglo XIX. Allí conocemos a dos hermanos irlandeses, huérfanos y emigrantes. Han de ir sin recursos de Nueva York a California para conocer a su tío. En esa aventura conocen a Nick, un niño con parálisis cerebral que junto a otros niños viajan en busca de unos padres de adopción. Puede que cueste creerlo, pero todo esto que parece salido de la sombría mente de Charles Dickens es un western road trip repleto de emotividad y peripecias.

La película gana aún más matices de afectividad cuando conocemos un tierno detalle. Nick realmente es Nicolás, el hijo de Pedro Solís. Coprotagonizaba el corto y también ‘Buffalo Kids’. Vale que la película se podría resumir como el tributo de un padre que quiere brindarle a su hijo una última aventura. Pero el filme, aunque tiene mucha sensibilidad, no se deja llevar por la sensiblería. Si el corto clamaba por la inclusión y la comprensión, el largometraje hace lo mismo en un escenario aún más grande, extendiendo su discurso a otros ámbitos y personas.

Los autores de ‘Tadeo Jones’ o ‘Momias’ van acercando cada vez más su estilo gráfico al de Pixar/Disney pero no tienen nada que envidiar. Alcanzando un nivel superior al de la saga ‘Tadeo Jones’ consiguen escenarios a veces fotorealistas para personajes ligeramente cabezones. El equilibrio entre caricaturización y paisaje realista está muy logrado. Con ello nos transportan efectivamente al far west de un modo que en muchas ocasiones rememora a los clásicos de los cincuenta.

Aunque hay hasta un guiño para ‘Aterriza como puedas’, ‘Buffalo Kids’ es una obra marcadamente infantil. Al fin y al cabo, busca inculcar valores de respeto e igualdad, los cuales, tampoco está de sobra recordárselos a algunos adultos. Por lo demás es rendirse a un divertimento con nativos americanos iniciándose en el fútbol, una niña la mar de revoltosa y un perro llamado pizca.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2024. Título original: Buffalo Kids. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Juan Jesús García Galocha, Pedro Solís García. Guion: Jordi Gasull, Javier López Barreira, Pedro Solís García. Música: Fernando Velázquez. Reparto principal (doblaje original): Alisha Weir, Sean Bean, Gemma Arterton, Stephen Graham. Producción: Atresmedia Cine, 4CatsPictures, Little Boy AIA, Anangu Grup, Mogambo Entertainment. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventuras. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/buffalo-kids

Teaser de ‘Celeste’

Nueva serie protagonizada por Carmen Machi

Movistar Plus+ ha liberado un primer vídeo sobre ‘Celeste’. Es una nueva serie original creada por Diego San José, protagonizada por Carmen Machi y dirigida por Elena Trapé. Se lanzará en la plataforma española de contenido el próximo otoño.

Acompañan a Carmen Machi en el reparto Manolo Solo, Andrea Bayardo, Antonio Durán Morris, Aixa Villagrán, Clara Sans, Jesús Noguero y Marc Soler.

‘Celeste’ es un original Movistar Plus+ en coproducción con 100 Balas (THE MEDIAPRO STUDIO).

Sinopsis oficial:

Celeste es la gran estrella de la música latina. Sus canciones son un fenómeno mundial. Sus conciertos llenan estadios. Tiene su propio perfume, su propia marca de lencería y una melena kilométrica que promociona su propio champú. Pero esta serie no trata sobre ella. La verdadera protagonista de ‘Celeste’ es Sara Santano, una inspectora de hacienda que ha dedicado toda su vida a la recaudación de impuestos. Eso es lo único que ha hecho desde que se sacó las oposiciones siendo una veinteañera hasta hoy que, después de más de treinta años entregados a la Agencia Tributaria, ha llegado el momento de prejubilarse. O eso creía ella. Porque el último día recibe el encargo más importante de su carrera: demostrar que Celeste, la gran estrella latina, reside en España y tiene que pagar aquí sus impuestos. Una misión de la que dependen veinte millones de euros para las arcas españolas. Para ello, Sara tendrá que aparcar su vida para recorrer la de Celeste y demostrar que pasó aquí 184 días. La mitad del año más uno.

Crítica: ‘Las pelotaris 1926’

Unas pioneras olvidadas como Las Raquetistas no se merecen el trato de telenovela

SkyShowtime estrena ‘Las pelotaris 1926’ el próximo 5 de julio. Esta serie de 8 episodios de aproximadamente una hora cada uno narra como tres pelotaris vascas y una mexicana intentan abrirse paso entre los prejuicios y obstáculos habituales para las mujeres en los “felices años 20”. Jugaron en los frontones vascos o en aquellos madrileños ubicados en las Calles Cedaceros o Doctor Cortezo, así como los que funcionaban rentablemente en LATAM. Esta serie que está basada en la historia real de unas pioneras que cayeron en el olvido ha sido creada por Marc Cistaré (‘Vis a Vis’, ‘El barco’, ‘La víctima número 8’).

Chelo, Idoia e Itzi son algunos de los nombres ficticios escogidos para representar a toda una generación de raquetistas. Dos actrices españolas (Claudia Salas y María de Nati) y una mexicana (Zuria Vega) interpretando a tres pelotaris en la época en la que las mujeres comenzaban a votar en USA pero no en los países hispanohablantes. La historia de estas deportistas llegó a influir a países de todo el mundo, donde recibían mayor reconocimiento y salario que en su propia tierra. Por eso cuenta también con la colombiana Viviana Serna) y el opening mezcla trompetas mariachis con el sonido de una txalaparta. Aquellos que se puedan indignar con orgullo por eso de que piensen que la pelota vasca solo se juega en España, que piensen también en algo como los toros, por lo que Colombia acaba de ser noticia hace poco.

Encontraron rampa de lanzamiento gracias a la idea de empresarios como Luciano Berriatua e Ildefonso Anabitarte, también presentes a través de personajes con nombres cambiados. Rompieron el techo de cristal cincuenta años antes de que ese término fuese acuñado. Consiguieron más cantidad de público y sueldo que aquellos hombres que se dedicaban a jugar pelota en aquella época, fueron las primeras deportistas en cotizar en la seguridad y dedicarse a ello de manera profesional. En lugar de destacar los hechos históricos ‘Las pelotaris 1926’ se centra más en mostrar evidentes taras de la época tales como maridos posesivos o empresarios que empleaban las artes de Weinstein. Ahí pierde el norte (nunca mejor dicho) ya que en vez de hacer una oda hacia este deporte que Euskadi exportó al mundo y a unas mujeres que hicieron brecha, se conforma con ser una telenovela. Embarazos, matrimonios de conveniencia, amoríos que vuelven del pasado… Vale que uno no esperaba algo similar a ‘Las 13 rosas’ o ‘Figuras ocultas’, pero si ves la serie pensando todos los tópicos del género acertarás los giros de la trama, y eso que solo nos han permitido ver el primer episodio. Me parece del todo inmerecido y casi irrespetuoso el rescatar de la memoria la figura de estas pioneras para darles este trato. La serie habría tenido mucho más valor si se hubiese centrado en remarcar los hitos de estas mujeres o en analizar la razón por la que no se las recuerda hoy en día de un modo más popular.

La serie llega producida por The Mediapro Studio, autores de ‘El internado’, ‘Romancero’, ‘Paraíso’, ‘Vamos Juan’, ‘The New Pope’, ‘Vis a Vis’… pero se parece más a ‘Las chicas del cable’ por eso de tener un reparto joven en medio de una serie de media tarde mezclada con vagos detalles históricos. El toque de telenovela iberoamericana supongo que viene infundido por la influencia de TelevisaUnivision, artífices de ‘Rebelde’, ‘Esmeralda’, ‘Rubí’… Sospecho que va a encontrar pocos fans en el mercado Español, sobre todo porque se olvida hasta de dotar de acento vasco a sus personajes.

Crítica: ‘El especialista’

En qué plataforma ver El especialista

Sinopsis

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Es un doble de acción, y al igual que todos en la comunidad de especialistas, sale volando, le disparan, se estrella, se tira desde ventanas y cae desde las alturas más extremas, todo para nuestro entretenimiento. Y ahora, tras un accidente que casi acaba con su carrera, este héroe de clase trabajadora debe seguir la pista de una estrella de cine desaparecida, resolver una conspiración y tratar de recuperar el amor de su vida mientras sigue haciendo su trabajo. ¿Qué podría salir bien?

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Crítica

Con ‘El especialista’ David Leitch hace un homenaje soberbio al oficio de doble de acción

Ryan Gosling y Emily Blunt protagonizaron uno de los momentos más hilarantes de la gala de los Oscars 2024. Se enfrentaron a base de dardos relacionados con el Barbenheimer aprovechando que el primero interpretó a Ken y la segunda a Kitty Oppenheimer. Lo que buena parte del público no sabía es que ambos son los protagonistas de ‘El especialista’ y lo que vimos en la ceremonia fue un adelanto de la película de David Leith pues consiste en una comedia romántica, en un tira y afloja rodeado de acción, de mucha acción.

Al igual que el director de ‘John Wick’, David Leitch fue doble de acción y dio el salto a la dirección con éxitos de taquilla tales como ‘Bullet Train’, ‘Deadpool 2’, ‘Atómica’ o ‘Fast & Furious: Hobbs & Shaw’. En sus películas se percibe una auténtica apología del doble de acción usando muchísimas coreografías y efectos prácticos donde su equipo se juega el tipo, como él ha hecho durante su carrera. Pero con ‘El especialista’ va más allá y hace un homenaje soberbio al oficio de doble de acción. Esta podría haber sido una película tipo ‘Los Mercenarios’ donde actores de acción como Schwarzenegger, Tom Cruise, Keanu Reeves, Stallone, Jason Statham y Dwayne Johnson tuviesen sus momentos de gloria, presupuesto no le falta. Pero Leitch, muy consciente de quién debía ser el centro de atención y quien se merece el homenaje, pone el foco en aquellos que se llevan los moratones y se rompen huesos para que podamos ver en el cine escenas espectaculares y realistas. No obstante tiene alguna sorpresa de carácter superstar.

Para elaborar este tributo ha contado con el guionista Drew Pearce, el cual, ha hecho una versión personal de la serie televisiva y homónima de los 80 desarrollada por Glen A. Larson. Esta es una historia que como tantas otras nos muestran con pasión una parte importante del negocio o arte de hacer cine, de hecho en este artículo tenéis una nutrida lista con filmes similares. Pero además de rodearnos de explosiones reales, de coches destrozados, de narices rotas y actores haciendo peligrosos saltos y croquetas… es importante darse cuenta del tipo de comedia que se ha llevado a cabo. El protagonista ha de usar sus dotes actorales con las cuales se juego el tipo para convertirse en todo un detective privado, lo cual, da paso a situaciones desternillantes.

‘El especialista’ no es solo su acción y eso lo convierte en un título redondo. Es una comedia que tiene mucho de romántica, de burlesca y de paródica que puede ser incomprendida o parecer trivial, como le pasó en su día a ‘El último gran héroe’. Arriesga en algunos sentidos tal y como lo hacen aquellos que saltan de un edificio a otro o se meten en coches destinados a dar vueltas de campana. ‘El especialista’ es muy Pulp por como mezcla la aventura, con la intriga, con diálogos que van al grano e instantes propios del surrealismo. Viendo en ella a un Ryan Gosling tan divertido es imposible no acordarse de ‘Dos buenos tipos’ y el estilo de Shane Black. Enredos, momentos de detective de poca monta, salidas de tono, detalles que nos dejan desconcertados, personajes torpes y auténticos saltos de fe argumentales. Esta película es capaz de divertirnos en todas sus fases sin bajar el ritmo y sin olvidar su foco. Al fin y al cabo es todo un clamor por tener un apartado para los dobles de acción en las ceremonias de entregas de premios.

Y como carta de amor al entretenimiento de acción tiene guiños muy evidentes a títulos en los ha trabajado el director, como ‘Fast & Furious’ y otros con los que no guarda relación directa. ‘El fugitivo’, ‘Corrupción en Miami’, ‘El último Mohicano’, ‘Rocky’, la saga Bourne, ‘Gladiator’, ‘Tomb Raider’… la lista es tan larga que hasta un perro lleva el nombre de Van Damme y durante un salto suena un famoso efecto de sonido usado en ‘El hombre de los seis millones de dólares’ o en ‘Masters del Universo’. Quizá uno de los más evidentes reside en la caricatura que se hace con Aaron Taylor-Johnson, el cual está, a medio camino del Ben Stiller de ‘Tropic Thunder’ y cualquier villano ridículo y desesperado. ¿De lo mejor? El momento en el que se hace humor con una clara mezcla entre ‘Mad Max’ y ‘Dune’, la secuencia comiquera de la discoteca, el unicornio, los instantes de intensas miradas románticas que recuerdan a ‘Top gun’ o similares y el cómo Emily Blunt convierte repetitivamente a Ryan Gosling en una antorcha humana como si estuviese en el bucle de ‘Al filo del mañana’. Como veis deja muchos instantes para la memoria.

Tampoco puede pasar por alto el peligro que entraña la irrupción de las inteligencias artificiales o el cómo se rinde cortesía al heavy metal y a las space operas. Me encantaría ver Metal Storm, la película que ruedan durante ‘El especialista’. No me cabe duda de que ambas películas merecen toda la expectación de la Sala H de la Comic Con.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de abril de 2024. Título original: The Fall Guy. Duración: 126 min. País: EE.UU. Dirección: David Leitch. Guion: Drew Pearce. Música: Dominic Lewis. Fotografía: Jonathan Sela. Reparto principal: Ryan Gosling, Emily Blunt, Winston Duke, Aaron Taylor-Johnson, Hannah Waddingham, Stephanie Hsu. Producción: 87North, Entertainment 360, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: acción, comedia, romántico. Web oficial: https://www.instagram.com/thefallguymovie/

Así hemos disfrutado la exposición ‘The Art of Manga’

Ya inaugurada en el COAM de Madrid

Hemos sido invitados a la inauguración de la exposición ‘The Art of Manga’. Una experiencia propuesta por Sold Out, los mismos que orquestaron exposiciones como ‘Stanley Kubrick. The Exhibition’, ‘Hergé. The exhibition’ o ‘Bowie taken by Duffy’. De nuevo nos vuelven a convocar en el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM) para poner el foco en otro gran pedazo de la cultura popular, el manga japonés.

Oriol Estrada, divulgador de cultura japonesa especializado en manga y anime, junto con Rafael Giménez, director de Sold Out presentaron ‘The Art of Manga’. Para Rafael Giménez el manga es «uno de los fenómenos culturales más importantes de los últimos años. La exposición es tanto para expertos como para aquellos que sienten curiosidad y quieren saber qué hay detrás». Estrada, más versado en la temática y asesor de la exposición ha declarado que podremos hacer «un recorrido temporal. Desde aquellas teorías sobre los posibles orígenes del manga […] y acabamos en España, con material manga que llegó incluso antes de que en España supiésemos que se llamaba así».

El tiempo que se puede pasar en ‘The Art of Manga’ es largo ya que está compuesta de más de 150 piezas. La procedencia de las obras de arte son colecciones privadas internacionales. Con ellas la exposición recorre la historia del arte japonés. Nos ha llevado desde las obras que inspiraron este género que hoy en día para muchos está en su momento más extendido, yendo más allá explorando las influencias que ha tenido a nivel mundial. Desde los pioneros a los innovadores de hoy en día. Nos hemos podido recrear con las obras de Osamu Tezuka (‘Astroboy’), Shigeru Mizuki (‘GeGeGe no Kitaro’), Kitagawa Utamaro y Katsushika Hokusai (‘La gran ola de Kanagawa’). La muestra nos deleita con libros y pergaminos ilustrados o xilografías japonesas de los s.XVIII y XIX, pinturas y manuscritos de manga, carteles originales, fotogramas, revistas y cómics raros, así como esculturas de edición limitada.

Por supuesto hay material contemporáneo y están presentes ‘Dragon Ball’, ‘Naruto’, ‘One Piece’ y obras clásicas como ‘Heidi’, ‘Sailor Moon’, ‘Oliver y Benji’ o ‘Mazinger Z’. Y no todo es ver personajes, viñetas o portadas. Podemos ver los materiales usados tradicionalmente, las revistas desde las cuales se han gestado obras magnas del género o cronologías que nos dan una pequeña visión del recorrido de este arte. Para hacer este viaje se ha estructurado la exposición en 10 salas: Los orígenes del manga, libros y grabados en el periodo Edo, El manga en los siglos XIX-XX, El legado de Osamu Tezuka, Shigeru Mizuki y los yokai, Manga shonen, Manga shojo, La industria del manga, El manga y el anime en España y Proceso de creación de un manga.

Hoy en día el público busca, más allá del recreo cultural, vivir experiencias o poder llevarse una buena instantánea que le recuerde su visita o que pueda compartir en las redes. ‘The Art of Manga’ toma nota de ello y ha preparado un conjunto de áreas donde fotografiarse en las que se recrea un Torii (puerta tradicional), un templo Yokai, un deslumbrante pasillo de linternas japonesas, un rincón dedicado a One Piece y hasta un relajante jardín zen.

La exposición dotada de casi 700 metros cuadrados está abierta desde hoy 4 de abril y no tiene fecha de clausura. Aprovechad pues es un buen plan para pasar el día por el centro de Madrid. Dispone además de sistema de audioguía gratis en nuestros propios smartphones. Más información y compra de entradas en la web oficial.

Tráiler de ‘Pared con pared’

En Netflix el 12 de abril

La nueva película española de Netflix es ‘Pared con pared’ y ya podemos ver su tráiler. Se trata de un remake de una película francesa de 2015 dirigido por Patricia Font (‘El maestro que prometió el mar’) y guionizado por Marta Sánchez (‘Menudas piezas’, ‘Allí abajo’). El estreno tendrá lugar el 12 de abril en Netflix a través de una colaboración en producción con Tripictures.

La película está protagonizada por la cantante Aitana y el actor Fernando Guallar.  Aparecen también en el filme Natalia Rodríguez, Adam Jezierski, Paco Tous y Miguel Ángel Muñoz, entre otros.

Sinopsis oficial:

Valentina (Aitana) es una joven pianista que se prepara para una audición. David (Fernando Guallar), un inventor de juegos que solo puede concentrarse en silencio. Solo una delgada pared les separa… ¿lograrán aprender a convivir?