Arvi Licensing trae a nuestras casas el regreso de Daniel Day-Lewis
El lanzamiento en formato doméstico de ‘Anémona’ por parte de Arvi Licensing supone una oportunidad interesante para un reencuentro. Esta es una obra que, por su sensibilidad visual y narrativa, gana matices en revisiones posteriores, pero que sobre todo es muy esperada por los fans de Daniel Day-Lewis.
Disponible tanto en DVD como en Blu-ray desde este mes de abril, esta edición apunta directamente al coleccionista que valora el soporte físico o son mitómanos.
Presentación y calidad de imagen
La edición en Blu-ray ofrece una mejora evidente respecto al DVD, especialmente en esta película que presenta planos muy abiertos, alto nivel de contraste y mucho color. ‘Anémona’ es una película que se apoya en muchas secuencias en su estética, por lo que el salto a alta definición resulta relevante. El nivel de compresión es correcto, sin artefactos especialmente notorios, aunque en determinadas escenas con iluminación compleja se puede perder detalle si no tenéis bien calibrada vuestra televisión.
Sonido y experiencia audiovisual
En el apartado sonoro, la edición cumple con solvencia. Las pistas disponibles presentan una mezcla equilibrada, con diálogos claros y una ambientación bien distribuida en canales. No es una edición que destaque por espectacularidad sonora, pero sí por coherencia con el tono íntimo de la obra.
Para quienes valoran la versión original, la inclusión de opciones de audio y subtítulos facilita una experiencia más fiel al material original. Y es que uno de los detalles importante para captar matices en este filme es el acento que han trabajado los protagonistas.
Se puede escuchar en castellano, alemán e italiano Dolby Digital Plus 7.1. Inglés Dolby Atmos con servicio de audiodescripción. Los subtítulos se pueden configurar en inglés, inglés para sordos, danés, finés, alemán, italiano, noruego y sueco.
Contenidos adicionales
Uno de los aspectos más discretos de esta edición es la ausencia de contenidos extra. En un contexto donde el formato físico compite con plataformas digitales, la inclusión de material adicional (entrevistas, making of, comentarios del director) podría haber elevado considerablemente el valor del producto. Habría sido interesante ver a Daniel Day-Lewis hablando de su regreso o de cómo ha sido trabajar con su hijo y viceversa.
Es por esto que la edición en Blu-ray de ‘Anémona’ es una opción recomendable para quienes deseen incorporar la película a su colección en alta definición o a las películas del actor más oscarizado de la historia.
Extras
Esta edición no incluye ningún tipo de contenido adicional.
Casi una hagiografía, sin zonas incómodas y justo con la parte artística
Hay una decisión estructural que define por completo ‘Michael’: su límite temporal. El relato se detiene prácticamente a mediados de los ochenta y apenas roza los noventa. Es una elección que condiciona tanto el tono como el contenido, porque deja fuera (de forma deliberada) las polémicas más espinosas asociadas a Michael Jackson. Conviene advertirlo de entrada: quien acuda buscando el morbo de las acusaciones de abuso infantil no lo encontrará aquí. Ese material estuvo en versiones tempranas del guion, pero se eliminó tras una reconfiguración sustancial del proyecto (con un sobrecoste de 15 millones) y bajo las presiones de la familia de Jordan Chandler (primer niño en acusarle y en obtener un dinero sin ni siquiera presentar cargos).
El resultado es un biopic curado y encapsulado, que prioriza la construcción del mito temprano. La producción, además, no es ajena al círculo íntimo del artista: familiares como hermanos o el hijo de Michael Jackson se encuentran en la producción y su sobrino (Jaafar Jackson) es quien le interpreta. Este dato no es menor: predispone a una mirada edulcorada, que aquí se confirma en numerosos pasajes. El guion insiste en un Michael casi angelical, con un punto de ingenuidad que, en algunos momentos, roza lo caricaturesco: infantil, inocente y a ratos sorprendentemente temeroso. Algo en la línea de lo que vimos con ‘Bob Marley one love’.
La película sí introduce las tensiones domésticas. El padre, interpretado por Colman Domingo, aparece como un patriarca severo, convencido de la eficacia de sus métodos y poco dado a la empatía. ‘Michael’ no esquiva los episodios de maltrato y control férreo, y en ese pulso íntimo encuentra su mejor material dramático y el propio eje del largometraje. La trayectoria del joven artista se dibuja entonces como una fuga progresiva del yugo familiar, una batalla por la autonomía creativa que conecta con biopics de corte más sobrio como ‘El método Williams’, antes que con las fantasías musicales estilizadas de ‘Bohemian Rhapsody’ o ‘Rocketman’. Esta contienda paternofilial se siente como tema recurrente si buscamos casos contemporáneos con artistas como Britney Spears o mirando un poco más atrás con lo que pasó con Amy Winehouse.
Entre la fábrica familiar y el nacimiento del icono
El arco narrativo recorre desde la infancia en un entorno obrero hasta la última gran gira con sus hermanos, con especial atención al tránsito de producto familiar a artista total. ‘Michael’ insiste en la idea de “juguete roto”, un eco que el propio filme subraya al asociarlo, en términos de percepción pública, a figuras como su amigo y defensor Macaulay Culkin y la combina con un relato de superación y emancipación.
Hay destellos bien elegidos que ayudan a humanizar al icono: su fascinación por Disney, la identificación con Peter Pan, las sesiones de cine con su madre, o su conocida faceta filantrópica. También se abordan los cambios de imagen, tanto como construcción consciente de marca como consecuencia de episodios como el accidente durante el rodaje con Pepsi. Este último lance es utilizado por el director Antoine Fuqua con más o menos veracidad como bisagra dramática.
Donde el filme sí brilla notablemente es en la recreación de algunos instantes icónicos. Por ejemplo, el momento ‘Thriller’. La secuencia vinculada al trabajo con John Landis está rodada con un respeto casi fetichista por el original, hasta el punto de recurrir a su localización original y coreografías con una precisión que, más que imitación, busca revivir un hito cultural. Es ahí donde ‘Michael’ se permite respirar y recordar por qué estamos ante un artista que no solo dominó la música, sino que redefinió el videoclip como forma narrativa.
Entre el mito y el mensaje
Aunque Antoine Fuqua ha explorado en su filmografía temas de empoderamiento afroamericano en una industria históricamente desigual, aquí opta por un enfoque menos frontal. Aun así, el subtexto es evidente: contar la historia de Michael Jackson es, indirectamente, narrar cómo un artista negro rompió techos de cristal y abrió camino a generaciones posteriores (como la de Bruno Mars, al que Fuqua ya dirigió un videoclip). La película no verbaliza en exceso esta lectura, pero la deja flotando, especialmente en la representación de los obstáculos iniciales y la conquista de espacios de visibilidad en la industria.
En términos interpretativos, Jaafar Jackson cumple con solvencia. El maquillaje y el vestuario hacen a veces un trabajo mimético, pero es en el movimiento donde se legitima: los números de baile transmiten una disciplina y una memoria corporal que conectan con el original. No siempre hay gran parecido ni volvemos a él como estamos resucitando a James Gandolfini viendo a su hijo en ‘Daredevil born again’, pero si se rememora con honestidad el espíritu de alguien a quien se busca recordar con mucho cariño en esta película.
El gran límite de ‘Michael’ es, precisamente, su voluntad de control. Al evitar los claroscuros más incómodos, el filme se queda a medio camino entre el retrato y la hagiografía. Funciona como crónica de la forja y como celebración de un talento irrepetible, pero no como radiografía completamente real. Ahora bien, el propio cierre sugiere una estrategia mayor: la sensación de que estamos ante la primera mitad de un díptico. Si la taquilla acompaña, es razonable pensar en una continuación que aborde los años más complejos y con ellos, algo más de objetividad examinando al mito. Pero quién sabe, quizás se conformen únicamente con retratar la red de relaciones con otros gigantes de la época, como por ejemplo la amistad y posterior distanciamiento, con Paul McCartney y Freddie Mercury o sus muchos trabajos colaborativos con otras estrellas que si llegaron a marcar nuestra cultura popular.
Ficha de ‘Michael’
Estreno en España: 22 de abril de 2026. Título original: Michael. Duración: 127 min. País: EE.UU. Dirección: Antoine Fuqua. Guion: John Logan. Música: Lior Rosner. Fotografía: Dion Beebe. Reparto principal: Jaafa Jackson, Nia Long, Laura Harrier, Miles Teller, Colman Domingo. Producción: Lionsgate, GK Films, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género:Web oficial.
Referencias y sabor a gran franquicia por encima de ambición narrativa
Con ‘Super Mario Galaxy: la película’, el trío formado por Aaron Horvath, Michael Jelenic y Pierre Leduc da un paso más allá en la consolidación del universo cinematográfico de Nintendo. No es casual: vienen de trabajar en productos tan reconocibles como ‘Teen Titans Go!’, el entorno animado de Batman o la maquinaria de éxitos de ‘Gru’. Sin embargo, el verdadero eje creativo aquí es el guionista Matthew Fogel, responsable de títulos como ‘La LEGO película 2’, ‘Minions: el origen de Gru’ o ‘Esta abuela es mi padre’. Su firma se nota: estructura clásica, ritmo ágil y una tendencia clara a priorizar el gag sobre la profundidad narrativa.
La película parte con una premisa ambiciosa: trasladar la escala cósmica del videojuego ‘Super Mario Galaxy’ al cine. El resultado es, en términos visuales, apabullante. La animación de Illumination vuelve a demostrar un dominio absoluto del color, las texturas, la iluminación y la expresividad de los personajes. Cada planeta, cada galaxia y cada criatura está diseñada para ser reconocible por el fan y accesible para el espectador casual. El salto del pixel al 3D que muchos personajes ya han dado en las consolas no afecta para nada el espíritu original.
Sin embargo, este despliegue técnico tiene un coste: la narrativa queda subordinada a la construcción de franquicia. Lo que debería ser una aventura autocontenida se percibe más como una pieza intermedia dentro de un engranaje mayor. Hay una clara intención de sentar las bases de algo más grande, y eso afecta al equilibrio interno del filme, que se entretiene mucho en ciertas pates.
Humor, referencias y una clara orientación hacia el público infantil
Confieso que esperaba una evolución similar a la saga de ‘Sonic the Hedgehog’ en el cine, donde cada entrega ha ido afinando su tono hasta conectar mejor con el público adulto. En este caso, aunque ‘Super Mario Galaxy: la película’ no decepciona de forma contundente, sí resulta menos divertida para ese espectador que busca capas adicionales.
Gran parte de esta sensación viene de una decisión llamativa: la ausencia de un número musical destacado de Jack Black. Tras el impacto cultural de su interpretación en la anterior entrega, su falta de protagonismo musical aquí se siente como una oportunidad perdida. El humor sigue presente y de hecho su personaje es de los más divertidos, pero en general el filme está más orientado al slapstick y a la inmediatez, con menos ironía o doble lectura.
Eso sí, el largometraje funciona como un festival de referencias. Para los seguidores de Nintendo, es un auténtico deleite: criaturas, escenarios, power-ups, melodías clásicas y hasta detalles como cambios de look o sonidos icónicos aparecen integrados con notable fidelidad. Esta acumulación de guiños, lejos de ser anecdótica, es uno de los pilares del atractivo de la película.
Además, la relación de Illumination con Universal Pictures permite introducir referencias externas bastante evidentes. Hay secuencias que evocan el espectáculo de ‘Jurassic World’, reforzadas por la presencia de Chris Pratt en el doblaje de Mario, y otras que recuerdan al icónico puente de ‘King Kong’ en la versión de Peter Jackson, donde curiosamente también participó Jack Black.
¿El inicio de un universo cinematográfico al estilo Nintendo?
El aspecto más discutible (y a la vez más revelador) de ‘Super Mario Galaxy: la película’ es su clara vocación de expansión. Si Disney tiene su universo Marvel y Warner sus personajes de DC, quizás el gran universo para Universal no va a ser el universo de monstruos, sino el de Nintendo. Hay dos elementos que apuntan directamente hacia la construcción de un universo compartido. El primero es la introducción del concepto de múltiples princesas, una decisión que abre la puerta a explorar personajes y líneas argumentales más allá de la clásica Princesa Peach. Teniendo en cuenta que Mario celebra ya cuatro décadas de historia, el material disponible es prácticamente inagotable.
El segundo elemento, mucho más significativo, es la aparición de un personaje ajeno al universo principal de Mario. Sin entrar en spoilers, su inclusión parece diseñada para preparar el terreno hacia un evento mayor, algo que inevitablemente remite a la posibilidad de un ‘Super Smash Bros.’ cinematográfico. No es una idea descabellada: el modelo de universo compartido ha demostrado su eficacia en otras casas.
El problema es que este enfoque tiene consecuencias narrativas. La trama principal pierde fuerza, algunos gags no terminan de ir más allá de lo ñoño o lo tontorrón y una de las escenas post-créditos es más un anuncio que un cierre satisfactorio.
Ficha de ‘Super Mario Galaxy: la película’
Estreno en España: 1 de abril de 2026. Título original: Super Mario Galaxy: the movie. Duración: 98 min. País: EE.UU. Dirección: Aaron Horvath, Michael Jelenic. Guion: Matthew Fogel. Música: Brian Tyler. Reparto principal: Chris Pratt, Anya Taylor-Joy, Charlie Day, Jack Black, Donald Glover, Keegan Michael Key, Kevin Michael Richardson, Brie Larson, Ben Safdie, Luis Guzman, Issa Rae. Producción: Universal Pictures, Nintendo, Illumination Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género:Web oficial.
Ha transcurrido un año desde que fuimos testigo de la pesadilla sobrenatural en la pizzería de Freddy Fazbear. La historia de lo que ocurrió allí ha ido adquiriendo la talla de leyenda local, e incluso ha dado pie al primer “Faszfest”.
El exguarda de seguridad Mike (Josh Hutcherson) y la agente de policía Vanessa (Elizabeth Lail) han ocultado la verdad a Abby (Piper Rubio), la hermana de 11 años de Mike, acerca del destino de sus amigos animatrónicos.
Pero cuando Abby decide reconectar con Freddy, Bonnie, Chica y Foxy, desatará una serie de acontecimientos aterradores que revelarán oscuros secretos sobre el verdadero origen de Freddy’s, desencadenando un horror que llevaba décadas escondido y olvidado.
Crítica
La única máquina bien engrasada aquí es el departamento de merchandising
Resulta imposible acercarse a ‘Five Night at Freddy’s 2’ sin reconocer primero el peso del fenómeno que la sostiene. El videojuego original marcó a toda una generación con su fórmula de terror minimalista y altamente viral, y su salto al cine confirmó ese arrastre: la primera entrega fue un récord de taquilla inesperado, impulsado por un fandom gigantesco que acudió en masa más por lealtad que por expectativas artísticas. Ese éxito creó una presión peculiar para esta secuela, que llega con la obligación de demostrar que la saga puede ofrecer algo más que un eco diluido del juego. Lamentablemente, lo que entrega Emma Tammi es una continuación que pretende legitimarse en la magnitud del fenómeno, pero que jamás encuentra una voz cinematográfica propia.
Como película de terror, ‘Five Night at Freddy’s 2’ es un catálogo de lugares comunes del género. Blumhouse, que lleva años explotando fórmulas repetidas hasta la extenuación, parece no haber aprendido nada del desgaste del público. La cinta cae en decisiones ilógicas que rompen cualquier intento de tensión, muestra una mecánica narrativa incapaz de sostener el suspense durante más de unos segundos, y despliega una historia tan vaga que apenas hay una hebra a la que agarrarse. El sentido del terror es nulo: todo se reduce a sobresaltos puntuales, trucos visuales y una falta absoluta de creatividad que evidencia un agotamiento preocupante. Aún así, tanto su clímax (si puede llamarse así) como su escena post-créditos son una declaración de intenciones por continuar con esto.
Conviene recordar que la primera entrega batió récords de taquilla, pero lo hizo empujada por un efecto llamada generado por los fans del videojuego, que acudieron en masa más por identificación cultural que por el valor cinematográfico de la propuesta. Ese tipo de fenómenos son, por naturaleza, impredecibles. Si esta secuela logra repetir cifras, sería más una señal inquietante sobre el perfil del público (impresionable, acrítico y cada vez menos exigente) que una prueba de que la película funciona. La taquilla, esta vez, no debería confundirse con calidad, aunque el tiempo nos ha dado la razón a los que vimos cero arte o siquiera divertimento en la primera pues ha acumulado puntuaciones sobre el 5 o menos en webs como IMDB, Letterbox, Rotten Tomatoes o Filmaffinity.
En su vínculo con el videojuego, ‘Five Night at Freddy’s 2’ sigue la estrategia de ampliación del lore: nuevos personajes, nuevas criaturas y, por supuesto, un surtido de muñecos listos para inundar las tiendas en Navidad. La gran incorporación es Marionette, cuya presencia pretende elevar el componente de posesiones y expandir el misticismo del universo. Pero el guion introduce estos elementos sin la más mínima intención de construir una base sólida o un trasfondo coherente. Todo ocurre porque sí, sin lógica interna y sin profundizar en aquello que, en el juego ganó trasfondo con el tiempo. Un excesivo tiempo sin respuestas mínimamente elaboradas que el séptimo arte no suele tolerar. La película imita su fuente, pero parece no entender que ese punto ya ha sido superado y nos encontramos ante otros códigos o hábitos de consumo.
El resultado es una secuela que aspira a capitalizar la marca sin ofrecer nada memorable. Una obra que se apoya demasiado en un fandom fiel y que parece asumir que cualquier movimiento mecánico de sus animatrónicos será suficiente para generar emoción. ‘Five Night at Freddy’s 2’ no solo decepciona por comparación: decepciona porque no intenta nada más y ni siquiera sabe ubicar a sus personajes o moverles con su propia lógica.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2025. Título original: Five Nights at Freddy’s 2. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Emma Tammi. Guion: Scott Cawthon, Seth Cuddeback, Emma Tammi. Música: The Newton Brothers. Fotografía: Lyn Moncrief. Reparto principal: Josh Hutcherson, Piper Rubio, Theodus Crane, Matthew Lillard, Freddy Carter, Wayne Knight, Mckenna Grace, Skeet Ulrich, Megan Fox. Producción: Scott Games, Blumhouse, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: adaptación, terror. Web oficial:https://www.blumhouse.com/film/five-nights-at-freddy-s-2
And now whatever way our stories end, I know you have rewritten mine by being my friend …
El fenómeno cinematográfico y cultural del año pasado, que se convirtió en la adaptación a la gran pantalla más exitosa de todos los tiempos de un musical de Broadway, despliega su épico, apasionante y emotivo final en ‘Wicked: parte II’.
Crítica
Una secuela tan ambiciosa y arriesgada como el musical que cuestiona héroes y villanos
Se acabó la espera que hemos mantenido durante dos años. ‘Wicked: Parte II’ se estrena en cines y se presenta como una continuación más oscura, más madura y más emocional que su predecesora. Es un trayecto narrativo que abandona en buena parte la ligereza cómica del primer filme para adentrarse en territorios dramáticos, donde las consecuencias de las decisiones pesan con una gran intensidad.
Desde sus primeros compases, esta segunda parte marca un cambio de tono palpable. Jon M. Chu reconoce que, si la primera entrega era, en sus palabras, un “coming of age” sobre elecciones, esta segunda se adentra en un terreno de consecuencias, de preguntas más complejas sobre identidad, poder y verdad. El guion, firmado por Winnie Holzman (responsable también del libreto del musical original) y Dana Fox, conserva momentos de ligereza, sobre todo gracias a Ariana Grande como Glinda. Pero estas pinceladas de humor ya parecen menos frecuentes y más contenidas, pues la película busca avanzar sin depender tanto del respiro cómico. Eso no quita que Grande siga siendo, en muchos instantes en los que explota el carácter más bobalicón y presumido de su personaje, la que mejor actúa en este filme.
Uno de los aciertos más evidentes es cómo se profundiza en la amistad entre Elphaba (Cynthia Erivo) y Glinda. No es solo un vínculo superficial, sino una relación compleja, extremadamente cambiante, frágil y poderosa. Chu ha hablado de lo difícil que fue filmar esa conexión: a diferencia de un romance, la amistad no tiene un final previsible, sube y baja, exige presencia constante. Y eso se percibe en el filme que en varias ocasiones dispone un verdadero caos emocional que hace que nos cuestionemos cómo cambian de bando tan rápido y en una sola escena varios personajes.
Hay que reconocer que esta entrega es, también, más “ñoña” en lo romántico y lo sentimental. Pero quizá el tema más fascinante de ‘Wicked: parte II’ es ese juego de apariencias. A lo largo de la película queda claro que los héroes más luminiscentes no son necesariamente los más genuinos. Glinda, ensalzada como símbolo de bondad para todo Oz, vive cómodamente en el palacio de la Ciudad Esmeralda, disfrutando del favor popular. Mientras tanto, Elphaba, demonizada por el Mago y convertida en la Bruja Malvada del Oeste, lidera desde el exilio una lucha por la justicia. Este contraste no es casual: Chu habla de propaganda, de cómo los poderosos construyen imágenes para manipular al pueblo, insertando referencias visuales propias de iconografía bélica, llegando incluso a imitar a través de Jeff Goldblum a ‘El gran dictador’ de Chaplin. En ese sentido, la oscuridad narrativa es también una invitación a cuestionar los roles tradicionales de “bueno” y “malo”. La autenticidad, sugiere la película, reside en quienes han sido etiquetados como villanos.
Visualmente, ‘Wicked: parte II’ es deslumbrante. El CGI se emplea de forma ambiciosa, especialmente en la representación de los paisajes, animales, las masas y ciertos momentos épicos. Dicho esto, no todo funciona: algunas escenas pecan de artificio, y es difícil olvidar que estamos ante imágenes generadas por ordenador, sobre todo cuando aparecen criaturas parlantes o entornos brillantes demasiado perfectos. Uno de los momentos más logrados desde el punto de vista técnico es el plano de Ariana Grande cantando frente a una serie de espejos. No es solo la voz pues no es de los temas más exigentes: es el montaje digital y el juego de cámaras. Un ejercicio complejo que demuestra ambición y pericia. Curiosamente, no todo es digital, esto no es Marvel. Tanto el personaje de la Bruja del Oeste como el Hombre de Hojalata y el Espantapájaros combinan prótesis, cabello real y un diseño artesanal que rinde homenaje a los clásicos.
A pesar de su respeto por el musical, la película no se refugia en la nostalgia de ‘El Mago de Oz’. De hecho, rompe con las expectativas tradicionales: el león es cero antropomórfico y el Hombre de Hojalata tiene matices que recuerdan a una figura más propia de un slasher barato. Esto no significa que la narrativa deje de ser emocional o íntima: ‘Wicked: parte II’ sigue siendo, en el fondo, una historia de amistad entre dos mujeres cuya relación, podría haber inspirado incluso series modernas como ‘Miércoles’, dicho sea de paso, por ese balance entre compañerismo y diferencia tonal.
Jon M. Chu ha dejado claro que este segundo filme no es solo un cierre de cuento de brujas, sino una reflexión sobre la desinformación, la propaganda y la construcción del odio. En tiempos donde la verdad se cuestiona y las identidades se politizan, su película se convierte en un espejo, partiendo de un universo fantástico para hablar de migración, miedo al diferente y discursos autoritarios. Pero hace trampa, una trampilla si nos ponemos literales. No creo que yo abra a estas alturas ningún debate que no haya surgido ya en los corrillos a la puerta del Teatro Gershwin de Nueva York. Aunque está muy bien mostrar que no todo es blanco y negro y estamos en un mundo de grises, no deja de ser injusto el trato hacia la película original. Es una historia clásica de arquetipos del bien y el mal y… ¿se suponen que ahora hemos de sentirnos mal por alegrarnos de que la villana de la historia muriese? Parece que a los autores de esta nueva versión si les ha dado cierto reparo y han parcheado el final, igual que el del musical y muy al estilo de ‘El Caballero Oscuro’.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de noviembre de 2025. Título original: Wicked: For Good. Duración: 138 min. País: EE.UU. Dirección: Jon M. Chu. Guion: Winnie Holzman, Dana Fox. Música: Stephen Schwartz, John Powell. Fotografía: Alice Brooks. Reparto principal: Cynthia Erivo, Ariana Grande, Jonathan Bailey, Ethan Slater, Bowen Yang, Marissa Bode, Michelle Yeoh, Jeff Goldblum. Producción: Universal Pictures, Marc Platt Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: musical, drama, comedia. Web oficial:https://www.instagram.com/wickedmovie/
Muestra a Hammer Films a través de los ojos de sus actores, cineastas y fanáticos, rastreando la historia de la productora.
Crítica
Exhaustivo homenaje a una factoría que cambió el terror
En el universo del cine de terror, pocas productoras han logrado un sello tan distintivo como Hammer Films. Desde sus humildes comienzos en Londres hasta convertirse en un icono del género, la compañía británica transformó el terror en una experiencia visual y emocional que todavía hoy influye en cineastas de todo el mundo. ‘Hammer: Heroes, Legends and Monsters’, dirigido por Benjamin Field, es un viaje revelador por la historia de esta factoría, narrado con la voz profunda y carismática de Charles Dance.
Lo primero que llama la atención es la narrativa del documental. Dance no solo guía al espectador con autoridad, sino que aporta una cadencia dramática que encaja a la perfección con la estética gótica de Hammer. La edición, ágil y cuidada, combina entrevistas, fragmentos de películas y material de archivo, creando una sensación de inmersión que hace sentir al público parte del proceso creativo. Más allá de los directores y actores, el documental ilumina la labor de los maquilladores que hicieron creíbles a los monstruos, de los diseñadores de sets que reutilizaban materiales con ingenio, y de los editores que coloreaban y montaban las películas eludiendo la censura, demostrando que el verdadero motor de Hammer era un equipo cohesionado y apasionado.
El documental también destaca elementos históricos poco conocidos. Muchos se sorprenderán al descubrir que Enrique Carreras, un español, fue uno de los fundadores de Hammer, y que su hijo James impulsó el crecimiento de la compañía mientras que su nieto Michael mantuvo vivo el legado. Los orígenes humildes de la productora y su equipo, formado por personas que habían pasado por la II Guerra Mundial, explican la ética de trabajo implacable y la capacidad de producir cine de guerrilla con recursos limitados. La inclusión de la serie ‘Quatermass’ como pieza clave resalta cómo Hammer supo diversificar su propuesta, mezclando ciencia ficción, suspense y terror de manera innovadora, así como realizando una especie de “destape” a la británica que marcó un punto de inflexión (negativo) para la marca.
Entender Hammer Films a través de este documental es comprender cómo una pequeña productora británica cambió el rostro del terror moderno. Cada entrevista y cada fragmento de película no solo narran hechos, sino que transmiten la pasión, la creatividad y la resiliencia de quienes trabajaron detrás de cámaras. La sensación que deja el documental es la de un legado vivo, un recordatorio de que el cine, incluso en sus formas más populares, puede ser un arte lleno de ingenio y humanidad. Testigo de ello es que cineastas como Tim Burton, John Landis, Joe Dante, Carpenter o John Logan hablan con pasión de esta productora.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de octubre de 2025. Título original: Hammer: Heroes, Legends and Monsters. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: Benjamin Field. Guion: Benjamin Field. Fotografía: Ash Connaughton. Reparto principal: Charles Dance, Tim Burton, John Carpenter, Joe Dante, John Landis, John Logan, Axelle Carolyn, Caroline Munro, John Gore, Jonathan Rigby, Sarah Appleton, Dave Elsey. Producción: Deep Fusion Films, Hammer Films. Distribución: Filmin. Género: documental, terror. Web oficial:https://www.deepfusionfilms.com/programming
Llega a nuestras pantallas, gracias a SYFY, el spinoff de la serie ‘The Librarians’ y hemos tenido la oportunidad de ver el primer episodio. Este 11 de septiembre llega ‘The Librarians: el próximo capítulo’, el esperado regreso de una de las grandes franquicias de la televisión.
Con este nuevo spinoff nos vamos a la actualidad. La historia se centra en Vikram Chamberlain, un Bibliotecario del pasado que viaja en el tiempo hasta el presente, donde se va a quedar atrapado en un mundo totalmente desconocido para él. La magia se libera por todo el mundo haciendo que criaturas revivan y tengan que ir intentando acabar con cada una de las amenazas.
En este primer episodio conocemos a los principales protagonistas de esta nueva aventura, el ya mencionado Vikram, este Bibliotecario al que le gusta infringir un poco las reglas, Lysa Pascal, una física que intenta sacar provecho de todo esto para investigar e intentar dar una explicación real a la “supuesta” magia, a Connor Green, un historiador que se dedica hacer directos y Charlie Cornwall, la Guardiana del Bibliotecario, que es la que dará toda la acción a la serie.
En este episodio ya vemos un monstruo bastante bien hecho. El diseño es bastante chulo, distinto a lo que estamos acostumbrados a ver y aunque se nota el toque de serie de televisión, la serie tiene un CGI bastante bueno.
Me ha recordado mucho a series como ‘Hércules’, ‘Cazatesoros’, ‘Embrujadas’, con aventuras en todos los episodios, mientras poco a poco te cuentan una historia central. En este caso, es ver como Vikram intenta volver a su tiempo.
Callum McGowan, Olivia Morris, Bluey Robinsonn, Jessica Green son los cuatro protagonistas principales. Los cuales hacen un gran tándem, algo que hace que se vea bastante camaradería y te creas bien esa amistad repentina y gran trabajo en equipo que realizan entre todos. Caroline Loncq, Adnan Haskivic, Aleksa Samardzic, Harun Cehovic, Christian Kane, Hannah Devlin o Sam Bell, son algunas de las caras que iremos viendo en los siguientes episodios.
Lo importante, que los creadores de la serie original Dean Devlin y John Rogers, siguen dentro del proyecto, como productores, guionistas y directores en algún que otro episodio. Y eso también hace que la serie mantenga el espíritu de la original y que no se convierta en algo ajeno.
Así que ya sabéis a partir del 11 de septiembre tendréis en SYFY esta nueva serie que contará con 12 episodios. Espero vuestros comentarios. Y ojalá os guste tanto como a mí.
A veces, no hay nada más peligroso para un padre de familia que unas vacaciones.
Crítica
Entre el héroe reacio y la parodia involuntaria
Si la primera entrega de ‘Nadie’ (Nobody, 2021), dirigida por Ilya Naishuller, fue una refrescante sorpresa dentro del género de acción (una especie de primo lejano y más amargo de John Wick), ‘Nadie 2’ llega con la promesa de ser una bomba de relojería. Con la dirección ahora a cargo del indonesio Timo Tjahjanto, responsable de segmentos impactantes en las antologías ‘V/H/S’ y del feroz filme de culto ‘The Night Comes for Us’, esta secuela no solo debería subir la apuesta en cuanto a violencia y ritmo, sino que tiene ese deber no escrito de ampliar el universo que se inició hace cuatro años y mantener alto el nivel de su productora 87 North. ¿Lo hace? Siendo un filme divertido se queda con asignaturas pendientes para después del verano.
Desde sus primeros compases, la película promete devolvernos a las sensaciones del primer filme. Volvemos a encontrarnos con Hutch Mansell (Bob Odenkirk), ese “hombre cualquiera” con pasado letal que intenta rehacer su vida mientras la violencia llama a su puerta. El concepto del héroe reacio sigue siendo la columna vertebral de la historia, pero esta vez el guion se acerca más al tono familiar y cómico de una serie como ‘Fubar’ que al pulso preciso, estiloso y seco de su predecesora.
Uno de los mayores problemas de ‘Nadie 2’ es la pérdida casi inmediata del sello coreográfico que caracterizó a la primera entrega. Donde antes había un manejo físico y visual elegante, que aún así estaba en sintonía con lo mundano del protagonista, ahora hay un descenso rápido a la típica sucesión de tiroteos donde los enemigos parecen sacados del cuerpo de stormtroopers: disparan mucho, fallan siempre. La dirección de Tjahjanto, aunque por momentos conserva cierto pulso, se ve limitada o diluida por un enfoque más genérico que lo que nos tiene acostumbrados. Se echa de menos su estilo sangriento, caótico pero preciso, que aquí apenas asoma.
La película tampoco teme abrazar lo ridículo, lo que no sería un defecto si lo hiciera con inteligencia o autoconsciencia. Pero aquí el humor parece impuesto, rozando el gag innecesario, con situaciones que buscan la risa fácil más que la sátira o el desahogo. Ese sentido del ridículo está presente, pero no con el filo que lo haría memorable. Aún así hay carcajadas inevitables fruto del carácter negro del filme, no todo son intenciones caídas en saco roto.
A nivel narrativo, el componente familiar vuelve a ocupar un espacio central, lo que podría haber sumado en profundidad emocional, pero acaba restando contundencia al relato. Se aleja así de la introspección crepuscular que tenía la primera entrega y se aproxima más a un producto amable, digerible y olvidable. Tan cine de fórmula como una producción barata de Netflix.
En cuanto al reparto, la inclusión de Sharon Stone como villana es una de las decisiones más cuestionables. Su personaje resulta excesivo, mal escrito y sin amenaza real, recordando más al antagonista caricaturesco interpretado por Toby Kebbell en ‘Bloodshot’ que a una némesis en la línea del estilo de la saga. Cuánto daño han hecho los bailes de Tik Tok…
‘Nadie 2’ se aleja peligrosamente de lo que hizo especial a la original. Iba con la esperanza de ver una ramificación digna de los autores de ‘John Wick’ en la que incluso podría encajar el personaje de Keanu Reeves. Ahora ya preferiría que no sea así. No es tanto una película de acción salvaje como una mezcla diluida entre lo que Tjahjanto podría haber ofrecido y lo que cualquier cinta protagonizada por Liam Neeson ha hecho ya hasta la saciedad. Pierde estilo, pierde filo y, sobre todo, pierde oportunidad.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de agosto de 2025. Título original: Nobody 2. Duración: 89 min. País: EE.UU. Dirección: Timo Tjahjanto. Guion: Umair Aleem, Derek Kolstad, Bob Odenkirk, Aaron Rabin. Música: Dominic Lewis. Fotografía: Callan Green. Reparto principal: Bob Odenkirk, Connie Nielsen, John Ortiz, RZA, Colin Hanks, Christopher Lloyd, Sharon Stone. Producción: 87North, Eighty Two Films, OPE Partners, Odenkirk Procissiero Entertainment, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: acción, comedia. Web oficial:https://www.instagram.com/nobodymovie/
Los delincuentes favoritos de todos están de vuelta, pero esta vez tienen compañía.
En la nueva entrega rebosante de acción de la aclamadísima y taquillera comedia de DreamWorks Animation en torno a un genial equipo de animales que no respetan la ley, los ahora muy reformados Tipos Malos se esfuerzan (mucho, muchísimo) en ser buenos, pero se ven envueltos involuntariamente en un golpe de envergadura mundial planeado por un inesperado grupo de criminales: las Tipas Malas.
Crítica
Una secuela mezclada con combustible para cohetes y servida en vaso de Martini
No es fácil hacer una secuela que no solo funcione, sino que también mantenga el estilo, eleve la apuesta y nos arranque carcajadas sin perder elegancia. Pero ‘Los tipos malos 2’, dirigida de nevo por Pierre Perifel y acompañado esta vez por JP Sans, lo logra con una mezcla tan inesperada como eficaz: una banda de animales antropomórficos exdelincuentes con trajes a lo Humphrey Bogart, persecuciones imposibles y una animación que parece cobrar vida a base de dinamita visual. Está claro que los personajes de los libros de Aaron Blabey van a tener películas para rato.
La película nos devuelve a estos carismáticos ladrones con gran corazón justo cuando están intentando portarse bien… o al menos camuflando su maldad con clase y muchos sudores fríos. El señor Lobo Feroz, que no ha perdido ni una pizca de su encanto canalla, y su pandilla vuelven a la acción para enfrentarse a un reto mayor que cualquiera de sus muchos atracos: conseguir la aceptación de la sociedad, robar el corazón de la gente.
Vestuario, localizaciones y una atmósfera casi sacada de una cinta noir de los años 40, todo sigue ahí, como si Casablanca se hubiera colado y actualizado en una página de cómic. Hay persecuciones que parecen salidas de un storyboard de ‘Sin City’ mezclado con ‘Speed Racer’, y escenas donde los personajes rompen la cuarta pared con tanta frescura que uno espera que el Señor Serpiente se siente contigo en el sofá y te pase unas palomitas.
La animación en 3D es un espectáculo por sí sola: estilizada, vibrante, con un ritmo que no deja que el ojo parpadee demasiado. Cada movimiento es una viñeta animada, y cada plano tiene ese toque que le da identidad propia a la saga. Lejos de acomodarse, el film demuestra que el medio animado es terreno fértil para propuestas que mezclan lo clásico con lo moderno. Es por eso que pasamos de la tradicional caja fuerte a conocer a un magnate que es una evidente burla a los Musk y Bezos.
En el corazón de la historia está el mensaje de siempre, el que esgrimían películas como ‘Shrek’ o ‘Monstruos contra alienígenas’, pero con otro envoltorio: las segundas oportunidades, los prejuicios sociales y esa eterna lucha por cambiar, aunque el mundo siga viendo tus orejas de lobo. Evidentemente es una película para el mercado infantil y juvenil y la moraleja está presente y evidente durante toda la cinta, no hay margen para la sorpresa ni trata con condescendencia al espectador. Se nota en el planteamiento del guión que además de pretender frescura las cartas están bocarriba y no se busca la sorpresa fácil. Como en toda secuela animada aparecen nuevos personajes que igualmente van a la cara y no esgrimen argumentos rebozados de tópicos, sino que nos golpean continuamente con recursos originales, patente sobre todo en su resolución final.
Por mucho que los protagonistas de ‘Los tipos malos 2’ se reformen, la banda sigue disfrutando de sus aventuras, conduciendo a toda mecha y salvando el día como si fueran un cruce entre James Bond y Robin Hood con licencia para romper cosas. Casualidad o no la moraleja es similar a la de Shrek y con ‘Los tipos malos 2’ nos acercamos peligrosamente al mismo resultado que el de la saga ‘Fast & Furious’. Ambas franquicias también pertenecen a Universal Pictures.
Y para los adultos, Perifel y Sans no se olvidan de dejarnos miguitas de pan en forma de referencias: citas para clásicos como ‘Ghost’ o a los McGuffins de Alfred Hitchcock, una escena en la que el Profesor Mermelada parece poseído por Hannibal Lecter y frases de ‘Arma letal’. Y como confirmación de lo que ya opinamos con la primera entrega, la acción está pensada para aquellos nacidos en los 80 y 90 que han crecido viendo películas como ‘Heat’, ‘Reservoir Dogs’ u ‘Oceans eleven’ o para los que más recientemente han disfrutado con las distintas versiones del ’Escuadrón Suicida’. ‘Los tipos malos 2’ es una secuela que no se limita a repetir la fórmula: la agita, la mezcla con combustible para cohetes y la sirve en un vaso de Martini. Agitada, no revuelta. Y si eso no es cine con estilo, que venga la Señora Tarántula y me haga un gráfico explicativo.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de agosto de 2025. Título original: The bad guys 2. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Pierre Perifel, JP Sans. Guion: M Pierre Perifel, JP Sans. Música: Daniel Pemberton. Reparto principal (doblaje original): Sam Rockwell, Marc Maron, Craig Robinson, Anthony Ramos, Awkwafina, Danielle Brooks, Zazie Beetz, Maria Bakalova, Natasha Lyonne. Producción: DreamWorks, Scholastic Entertaiment, Universal Pictures. Distribución: Universal, Pictures. Género: comedia, aventuras. Web oficial:https://www.dreamworks.com/movies/the-bad-guys-2
Hablamos con Pierre Perifel, Santi Millan y Gemita
Con motivo del esperado estreno de ‘Los Tipos Malos 2’ el próximo 1 de agosto, hemos tenido la oportunidad de charlar con algunas de las voces más reconocibles de la película. En estas dos entrevistas exclusivas, el director Pierre Perifel nos habla del proceso creativo detrás de esta secuela repleta de acción y humor, mientras que Santi Millán y Gemita, quienes dan vida a algunos de los personajes más carismáticos de la cinta, nos cuentan su experiencia doblando al español.
Si te gustó la primera entrega de ‘Los Tipos Malos’, no te pierdas lo que sus protagonistas tienen que decir sobre esta nueva aventura animada que promete conquistar a grandes y pequeños. ¡Dale al play y descubre todos los secretos del rodaje!
En la escarpada Isla Mema, donde vikingos y dragones han mantenido una amarga enemistad durante generaciones, Hipo (Mason Thames; Black Phone, Para toda la humanidad) es un muchacho diferente a los demás. El ingenioso y subestimado hijo del jefe Estoico el Inmenso (Gerard Butler, que también puso voz al personaje en VO en la saga de animación) desafía siglos de tradición haciéndose amigo de Desdentao, un temido dragón Furia Nocturna. Su insospechado vínculo desvelará la verdadera naturaleza de los dragones, poniendo a prueba los cimientos de la sociedad vikinga.
En compañía de la feroz y ambiciosa Astrid (la nominada a los BAFTA Nico Parker; Dumbo, The Last of Us) y Bocón, el estrafalario herrero del pueblo (Nick Frost; Blancanieves y la leyenda del cazador, Zombies Party), Hipo planta cara a un mundo dividido por el miedo y la incomprensión.
Pero cuando surge una ancestral amenaza que pone en peligro tanto a vikingos como a dragones, la amistad de Hipo con Desdentao se convertirá en la clave para forjar un nuevo futuro. Juntos, deberán recorrer la delicada senda hacia la paz, volando más allá de los límites de sus mundos y redefiniendo para siempre el significado de ser un héroe y un líder.
Crítica
Increíble y perfecta
Estamos ante el primer live-action de Dreamworks y sin duda lo han clavado. Qué maravilla es ‘Cómo entrenar a tu dragón’. Si, es calcada a la película de animación, pero aun así podían perder esa magia, esos valores que nos enseñan que las apariencias engañan y no siempre los malos son las bestias enormes que echan fuego por la boca. Y no, no pierden ni una pizca de su esencia.
Nos vamos a Isla Mema, una isla en la que viven un gran pueblo vikingo cazadores de dragones. Estos están en guerra con estos grandes animales desde hace siglos. Hipo, el hijo de Estoico, el jefe de este gran pueblo, va a cambiar por completo todo esto.
Se que no iba a ser complicado que me gustase, pero iba con miedo. Muchas veces, por muy bien que se vean los tráilers, la película puede perder el alma y ‘Cómo entrenar a tu dragón’ no es una de esas. El director DeanDeBlois, director de las cintas animadas también, se ha encargado de que todo funcione a la perfección, con un gran casting y sin duda un gran equipo de efectos especiales. Se nota sin duda el gran cariño a la historia de CressidaCowell y por supuesto a su película original.
MasonThames (‘The Black Phone’) es un perfecto Hipo, con sus debilidades y fortalezas. Con esa inseguridad y bondad que le caracteriza. Junto a él, GerardButler, vuelve a ponerse en la piel de Estoico, esta vez no solo dándole la voz, sino también su cuerpo. Y vuelve a estar perfecto. NickFrost consigue frenar el carácter de este jefe que no comprende a su hijo, dando vida al herrero del pueblo.
NicoParker, GabrielHowell, JulianDennison, BronwynJames y HarryTrevaldwyn son los encargados de dar vida a los peculiares amigos de Hipo.
Por supuesto mención especial a los dragones. El increíble trabajo de efectos visuales que hay en esta película, es asombroso. Los dragones, pese a su aspecto animado, parecen reales. Están perfectamente integrados en la imagen y es un gustazo y a su vez terrorífico verlos volar. El dragón final es apoteósico, en la película animada impacta, pero aquí os puedo asegurar que es increíble. Además, aquí vemos a esos vikingos, luchadores natos, dispuestos a morir por el honor y por intentar acabar con sus enemigos.
Todo esto acompañado de la gran banda sonora de JohnPowell. Y la preciosa fotografía de BillPope, que nos hará ver los grandes paisajes irlandeses e islandesas de una manera increíble a lomos de un gran furia nocturna.
Es cierto que este live-action no trae nada nuevo, estamos acostumbrados en otros a que veamos escenas alargadas o incluso nuevas, pero aquí no, y creo que es un acierto. Y aun haciendo esto, logra que no apartes la vista de la pantalla, aun conociendo el desenlace muchos hemos tenido la mano en el pecho sufriendo por nuestros protagonistas. Sin duda una de las mejores películas del año.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de junio de 2025. Título original: How to train your dragon. Duración: 125 min. País: EE.UU. Dirección: Dean DeBlois. Guion: Dean DeBlois. Música: John Powell. Fotografía: Bill Pope. Reparto principal: Mason Thames, Gerard Butler, Nico Parker, Nick Frost, Julian Dennison, Gabriel Howell, Browyn James, Harry Trevaldwyn, Ruth Codd. Producción: DreamWorks Animation, Marc Platt Productions, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: aventura, comedia, drama. Web oficial:https://www.instagram.com/httydragon/
Universal Pictures y Blumhouse han revelado el primer tráiler en español de ‘Black Phone 2’, la esperada secuela del exitoso thriller de 2022 que recaudó más de 160 millones de dólares en taquilla y se convirtió en un fenómeno de crítica y público. La película se estrenará exclusivamente en cines el 24 de octubre.
La historia retoma los acontecimientos cuatro años después del secuestro de Finn (MasonThames), quien logró sobrevivir y matar a su captor, conocido como El Raptor, interpretado por un inquietante Ethan Hawke. Sin embargo, el mal no ha desaparecido… y el teléfono negro vuelve a sonar.
Ahora con 17 años, Finn sigue lidiando con las secuelas de su cautiverio, mientras su hermana pequeña Gwen (Madeleine McGraw), una decidida adolescente de 15 años, comienza a experimentar visiones y recibir llamadas en sueños desde el misterioso teléfono. Las señales apuntan a tres chicos en peligro en un campamento de invierno llamado Alpine Lake.
Impulsados por las aterradoras revelaciones, Gwen y Finn deciden acudir al campamento durante una tormenta de nieve. Lo que descubrirán allí será un devastador vínculo entre El Raptor y su propia familia, enfrentándolos a un enemigo aún más poderoso desde el más allá.
La secuela vuelve a contar con Scott Derrickson como director y coguionista, junto a C. Robert Cargill, a partir de los personajes creados por Joe Hill. También regresan como productores Jason Blum, Derrickson y Cargill, mientras que Adam Hendricks y Ryan Turek se encargan de la producción ejecutiva.
Además del trío protagonista —Hawke, Thames y McGraw—, el reparto se amplía con Demián Bichir (nominado al Oscar® por Una vida mejor) como el supervisor del campamento, Arianna Rivas (‘A Working Man’) como su sobrina, Miguel Mora como el hermano de una de las víctimas de El Raptor, Jeremy Davies, que repite como Terrence, el padre de Finn y Gwen, Maev Beaty (‘Beau tiene miedo’) y Graham Abbey (‘Por mandato del cielo’).
Ya acudimos hace unos años a ‘Jurassic World: The Exhibition’ y ahora tenemos la oportunidad de volver a reunirnos con los dinosaurios de Spielberg con ‘Jurassic World: The Experience’. Si alguna vez soñaste con adentrarte en este mundo de animales “extintos”, ahora tienes la oportunidad de vivirlo en primera persona. La exposición oficial de la saga abre sus puertas en el Espacio Ibercaja Delicias de Madrid a partir del 30 de mayo de 2025. Una exposición que desde que comenzó su andadura en 2016 ha reunido ya a más de 8 millones de asistentes y que está en Mardid por cortesía del Grupo Neon, Universal Pictures y LetsGo Company.
Desde que arranca la exposición sientes que estás en el ferry rumbo hacia Isla Nublar. Tras esto la experiencia te sumerge en el universo de Jurassic World. Y lo sientes al atravesar las icónicas puertas del parque, encontrarte cara a cara con dinosaurios de tamaño real, como el majestuoso brachiosaurio, los feroces velociraptores y el imponente Tiranosaurio Rex. Todo son animatrónicos y marionetas con los que se puede interactuar. Igual que se puede hacer en la sala del mítico laboratorio donde os animamos a encontrar unos curiosos huevos de pascua. Y todo ello con algunos paneles divulgativos que hacen de esta visita una experiencia educativa y emocionante, en ocasiones, no apto para los más asustadizos.
Información práctica
Ubicación: Espacio Ibercaja Delicias, Paseo de las Delicias, 61, Madrid.
Duración: Aproximadamente 45 a 60 minutos.
Entradas: Disponibles desde 19 €. Existen diferentes tipos de entradas: General, Pack Familiar, Reducida y Premium.
Niños: Los menores de 3 años entran gratis. A partir de los 3 años deben adquirir entrada.
Advertencia sensorial: La exhibición contiene efectos de iluminación estroboscópica, ruidos fuertes repentinos y niebla teatral.
¿Cómo llegar?
El Espacio Ibercaja Delicias es fácilmente accesible en transporte público:
Metro: Línea 3 – Estación de Delicias (a 6 minutos a pie).
Cercanías RENFE: Estación de Delicias (a 4 minutos a pie).
La historia de una familia y de un negocio familiar.
Crítica
Un cuento de millonarios con sabor a sátira vintage y cartoon
Wes Anderson regresa con ‘La trama fenicia (The Phoenician Scheme)’, una comedia negra que, sin abandonar su estilo característico, se aventura en terrenos menos explorados por el cineasta. Ambientada en la ficticia nación de Fenicia durante la década de 1950, la película sigue a Zsa-zsa Korda (Benicio del Toro), un magnate europeo de moral ambigua, que busca convertir a su hija, la monja Liesl (Mia Threapleton), en su heredera. A medida que se enfrentan a amenazas de rivales industriales y asesinos, su relación se convierte en el eje emocional de la narrativa.
Es curioso, pues a Anderson siempre le gusta usar ambientes, escenarios y personajes lujosos, pero este filme se alinea, queriendo o no, con opiniones actuales que van en contra del control que ejercen los magnates y ricachones sobre regiones o países enteros. Ahora que más que nunca los multimillonarios están presentes en nuestras vidas y en el devenir de los acontecimientos es fácil encontrar argumentos que relacionen este filme con la realidad. El ejemplo más claro es la escena que comparten los protagonistas con Tom Hanks y Bryan Cranston Coca-Cola y chocolatina en mano respectivamente. Sin embargo, la carrera mercantil que supone ‘La trama fenicia, es para Anderson un salto al vacío por la comedia más disparatada desde la primera escena. Se ha prestado tanto al humor negro y a las chifladuras que eso se impone a cualquier tipo de lectura política o social. Esta nueva propuesta bien podría haber sido proyectada a modo de cartoons y ser un episodio de los Looney Tunes.
Una frase resuena casi desde el principio prevaleciendo en todo lo que le pasa a los protagonistas: “la desgracia es la mejor escuela”. Los personajes de ‘La trama fenicia’ tienen clase y actúan casi como autómatas, moviéndose con precisión y cálculo. Esto responde mucho al estilo de Anderson pero en esta ocasión atiende a una estoicidad asombrosa ante cualquier desafío a la razón o incluso a la integridad. Con ello Anderson y su ejército de amigos nos retan a superar los obstáculos de la vida sea como sea, lo cual, se antoja también como una lección a aplicarse a sí mismo tras el descalabro de ‘Asteroid City’.
Visualmente, la película mantiene las señas de identidad de Anderson: paletas cromáticas pastel cuidadosamente seleccionadas, composiciones simétricas, paneos, travelings y zooms más una meticulosa organización de los elementos en pantalla que siempre satisfacen a los que tenemos TOC. Y eso que no ha contado con su cinematógrafo habitual, Robert D. Yeoman. Aunque es la primera vez que colabora con el director de fotografía Bruno Delbonnel, conocido por su trabajo en ‘Amélie’ y ‘El instante más oscuro’, mantiene esa estética tan icónica que ha hecho imagen de marca, supongo que también tiene mucho que ver el etalonaje en post-producción.
El guion, coescrito por Anderson y Roman Coppola, marca su sexta colaboración y materializa una especie de vaticinio hecho por la mujer de Anderson cuando estos tuvieron a su hija. A través de ese hecho, se adentran en una sátira del capitalismo y la geopolítica, con toques de humor absurdo y referencias a figuras como Zsa Zsa Gabor, que inspiran el nombre del protagonista.
El reparto es coral y potente, con habituales del director como Scarlett Johansson o Tom Hanks, y nuevas incorporaciones como Mia Threapleton y Michael Cera, quien aporta un toque de ingenuidad como un tutor noruego. La química entre los actores y la dirección precisa de Anderson logran equilibrar la excentricidad con momentos de auténtica emoción. Y por fin llega el papel con el que creo que Bill Murray se habrá sentido más identificado que nunca, el de Dios.
‘La trama fenicia’ es una adición sólida al canon de Anderson, que, aunque no revoluciona su estilo, ofrece una experiencia cinematográfica rica en detalles visuales y narrativos. Es una película que, si bien puede no ser la más accesible para todos los públicos, recompensa a aquellos dispuestos a sumergirse en su mundo meticulosamente construido y recupera la mejor versión del director texano.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de mayo de 2025. Título original: The Phoenician Scheme. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Wes Anderson. Guion: Wes Anderson, Roman Coppola. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Bruno Belbonnel. Reparto principal: Benicio del Toro, Mia Threapleton, Michael Cera, Riz Ahmed, Tom Hanks, Bryan Cranston, Mathieu Amalric, Richard Ayoade, Jeffrey Wright, Richard Ayoade, Scarlett Johansson, Benedict Cumberbatch, Rupert Friend, Hope Davis. Producción: American Empirical Pictures, Indian Paintbrush, Focus Features, Studio Babelsberg. Distribución: Universal, Pictures. Género: comedia, suspense. Web oficial:https://www.focusfeatures.com/the-phoenician-scheme/
No queda nada para el estreno del live action de ‘Cómo entrenar a tu dragón’ y la verdad es que, para lo que estamos viendo últimamente en lo que se refiere a llevar al mundo real las historias animadas, tiene pintón. Universal Pictures estrena esta nueva versión el 12 de junio a través de la dirección de Dean DeBlois (guionista de la versión original de ‘Lilo & Stich’ y de las dos películas de ‘Cómo entrenar a tu dragón’).
Pero antes de este regreso a cines nos quieren devolver al mundo de vikingos y dragones. En el Espacio Movistar de Madrid y del 6 al 15 de junio habrá una experiencia inmersiva dedicada a ‘Cómo entrenar a tu dragón’. Permitirá a los asistentes adentrarse en el universo vikingo de la película a través de un recorrido sensorial y visual que recrea algunos de los escenarios más emblemáticos de Isla Mema.
El acceso a esta experiencia es gratuito y está preparado para todos los públicos. Eso sí, hará falta reservar las entradas para los días que coincidan con fin de semana. Para ello será necesario acceder a la página web oficial de Espacio Movistar. La apertura de puertas el día 6 de junio tendrá lugar a las 16h.
Ubicación: Espacio Movistar – Gran Vía 28 – 28013, Madrid
De lunes a sábado: 10h – 21h
Domingos y festivos: 12h – 20h
Sinopsis oficial:
En la escarpada Isla Mema, donde vikingos y dragones han mantenido una amarga enemistad durante generaciones, Hipo (Mason Thames) es un muchacho diferente a los demás. El ingenioso y subestimado hijo del jefe Estoico el Inmenso (Gerard Butler) desafía siglos de tradición haciéndose amigo de Desdentao, un temido dragón Furia Nocturna. Su insospechado vínculo desvelará la verdadera naturaleza de los dragones, poniendo a prueba los cimientos de la sociedad vikinga.
En compañía de la feroz y ambiciosa Astrid (Nico Parker) y Bocón, el estrafalario herrero del pueblo (Nick Frost), Hipo planta cara a un mundo dividido por el miedo y la incomprensión.
Pero cuando surge una ancestral amenaza que pone en peligro tanto a vikingos como a dragones, la amistad de Hipo con Desdentao se convertirá en la clave para forjar un nuevo futuro. Juntos, deberán recorrer la delicada senda hacia la paz, volando más allá de los límites de sus mundos y redefiniendo para siempre el significado de ser un héroe y un líder.
La película también cuenta en su reparto con Julian Dennison, Gabriel Howell, Bronwyn James, Harry Trevaldwyn, Ruth Codd, Peter Serafinowicz y Murray McArthur.
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