Catástrofe criminal en una buddy movie a tres bandas
Netflix estrena una nueva película coreana, en esta ocasión dirigida por Gyu-tae Park, un desconocido en nuestras fronteras. Esta película arranca de una forma bastante engañosa. La primera imagen nos presenta de un modo un tanto terrorífico a un preso cubierto de tatuajes con fórmulas matemáticas y extrañas ecuaciones que parecen prometer una conspiración compleja, secretos ocultos o algún tipo de rompecabezas criminal digno de ‘Prison Break’. Sin embargo, a medida que la historia avanza descubrimos que esas expectativas estaban destinadas a estrellarse contra una realidad muy distinta. Los misteriosos tatuajes apenas tienen relevancia narrativa. Y eso no es un defecto ni un engaño deliberado, sino una declaración de intenciones. ‘Maridos en acción’ no es un thriller. Tampoco pretende ser un drama criminal sofisticado. Es una comedia de acción desenfadada, bobalicona y consciente de su propia ligereza.
La propuesta de Gyu-tae Park se sitúa claramente dentro de la tradición de las buddy movies norteamericanas. Es fácil encontrar ecos de producciones en las que personajes incompatibles se ven obligados a colaborar mientras sobreviven a persecuciones, criminales y situaciones ridículas. En el contexto del cine surcoreano contemporáneo, probablemente se acerque más al tipo de entretenimiento popular asociado a los filmes protagonizados por Ma Dong-seok, aunque aquí la balanza se inclina mucho más hacia la comedia que hacia la acción.
Tres maridos, un enredo criminal y mucho humor absurdo
La principal diferencia respecto a la fórmula clásica reside en que no tenemos una pareja protagonista enfrentada a sus diferencias, sino un trío de personajes obligados a colaborar. La película construye su motor narrativo alrededor de tres maridos atrapados en una trama criminal que amenaza no solo su tranquilidad personal y legal, sino también la seguridad de sus respectivas esposas.
Lo interesante es que, pese a que el argumento podría sugerir una historia dominada por la testosterona, el filme evita glorificar a sus protagonistas. Todo lo contrario. Los tres están retratados desde la torpeza, la fragilidad y el ridículo constante. Son hombres que intentan parecer competentes mientras la realidad se empeña en demostrar exactamente lo contrario.
El personaje que mejor funciona es el interpretado por Jin Seon-kyu. Su presencia resulta decisiva para mantener el interés incluso cuando la historia cae en excesos humorísticos discutibles. Su personaje vive instalado en una especie de optimismo permanente, un auténtico chorro de serotonina ambulante que afronta con una sonrisa situaciones que harían perder la paciencia a cualquiera. Está separado de su esposa, mantiene una relación sin custodia con su hija y debe enfrentarse a criminales peligrosos. Pero, curiosamente, su principal fuente de frustración parece ser la existencia del nuevo marido de su exmujer.
Ese nuevo esposo, interpretado por Gong Myoung, aporta una energía completamente distinta. Veterinario de profesión y aficionado a los deportes de riesgo, representa una juventud impulsiva que choca continuamente con la experiencia del protagonista. A ellos se suma el personaje interpretado por Kim Ji-suk, un delincuente cibernético con una actitud burlona que termina convirtiéndose en una pieza fundamental dentro del grupo.
Una comedia entre el crimen digital y los delincuentes de la vieja escuela
Aunque la película jamás abandona su tono ligero, introduce de forma interesante un contraste entre distintas formas de criminalidad. Por un lado aparecen delincuentes modernos que operan a distancia, aprovechan la tecnología y carecen de cualquier escrúpulo. Por otro encontramos criminales de la vieja escuela, vinculados a códigos de honor bastante discutibles, extorsiones tradicionales y métodos más directos.
No es una reflexión profunda sobre la evolución del crimen organizado, pero sí un elemento que aporta algo de personalidad a una trama que, por momentos, podría haberse limitado a encadenar persecuciones y gags. Mezclando esto la película consigue tener ritmo y rara vez se detiene demasiado tiempo en una misma situación. Cuando un chiste deja de funcionar, llega una nueva secuencia de acción. Cuando la acción amenaza con repetirse, aparece otra situación cómica. Esta estructura evita que el metraje se vuelva pesado, aunque también provoca que algunos momentos carezcan de verdadero peso dramático.
Entre los doramas cómicos y el espíritu de ‘Taxi’
El mayor problema de ‘Maridos en acción’ reside en la naturaleza de su humor. Muchas escenas abrazan una comicidad extremadamente infantil. Gestos exagerados, reacciones sobreactuadas y situaciones cercanas al slapstick dominan buena parte de la experiencia. Habrá espectadores que conecten inmediatamente con este tono, mientras que otros probablemente encuentren algunas secuencias demasiado estridentes.
Sin embargo, sería injusto criticarla por algo que forma parte esencial de su identidad. El humor que despliega conecta directamente con ciertas comedias televisivas surcoreanas y con el espíritu desenfadado de numerosos doramas. También recuerda notablemente a producciones francesas como ‘Taxi’ o a las comedias de Philippe Lacheau, donde la sofisticación narrativa importa mucho menos que la capacidad para encadenar situaciones absurdas y personajes entrañablemente incompetentes.
Ficha de ‘Maridos en acción’
Estreno en España: 19 de junio de 2026. Título original: Nampyeondeul. Duración: 107 min. País: Corea del Sur. Dirección: Gyu-tae Park. Guion: Gyu-tae Park, Kim Jong-hyeon. Reparto principal: Jin Seon-kyu, Gong Myoung, Kim Ji Suk, Yoon Kyung-ho, Kang Han-na, Lee Da-hee, Jeon So Min. Producción: TPS Company. Distribución: Netflix. Género: comedia. Web oficial.
Hacía mucho que una película de terror no me recordaba al clásico j-horror
‘Noise’, de Kim Soo-jin, irrumpe como una obra que, con menos brillanteces técnicas de las que esperaba, apuesta por el sonido como eje narrativo. La película se sitúa en esa tradición del terror asiático que entendía el miedo como una grieta emocional antes que como un espectáculo, la misma que encumbró títulos como ‘The Eye’, y que aquí encuentra una inesperada reactivación.
La premisa es aparentemente sencilla: una mujer con problemas de audición se traslada al apartamento de su desaparecida hermana y comienza a percibir sonidos inexplicables que parecen conectar con una presencia maligna. Kim Soo-jin, en su debut en el largometraje, demuestra una comprensión de las obsesiones y la locura. Esto se nota sobre todo cuando consigue incomodar desde lo invisible. Y es que el uso del sonido está ahí no como simple recurso de susto, sino como elemento narrativo central, capaz de sostener la atmósfera de principio a fin.
El sonido como amenaza: cuando el silencio deja de ser refugio
Uno de los grandes aciertos de ‘Noise’ es su capacidad para convertir un problema cotidiano como es el ruido de los vecinos en un dispositivo de terror. El fenómeno del “ruido entre pisos”, una cuestión social real en Corea del Sur, sirve como base para una historia que explora la ansiedad urbana y la alienación contemporánea. Este detalle, lejos de ser anecdótico, dota a la película de una textura casi documental que refuerza su credibilidad.
La protagonista (interpretada por Lee Sun-bin) no solo lucha contra una amenaza externa, sino contra sus propias limitaciones sensoriales. Aquí es donde la comparación con ‘The Eye’ resulta inevitable: ambas comparten esa idea de un cuerpo “defectuoso” que, paradójicamente, abre la puerta a lo sobrenatural. Pero mientras aquella jugaba con la visión, ‘Noise’ apuesta por el oído… o por su ausencia.
El film utiliza el silencio y los ruidos molestos como arma. En un género saturado de estridencias, aquí los momentos más inquietantes son aquellos en los que no ocurre nada audible. O, mejor dicho, en los que el espectador duda si ha escuchado algo. Esa ambigüedad genera una tensión sostenida que se apoya en una puesta en escena minimalista: pasillos estrechos, paredes que parecen respirar, apartamentos que se convierten en cajas de resonancia emocional.
Luces y sombras de un debut prometedor
No obstante, ‘Noise’ no es una obra exenta de fisuras. Su tramo final explota de manera un tanto predecible y ofrece pocas respuestas. Esto sucede mucho en el terror cuando se juguetea con lo sobrenatural y se quiere dejar puertas abiertas a una secuela o hay miedo a ofrecer soluciones concretas.
Aun así, estos tropiezos no empañan el conjunto. Si algo logra ‘Noise’ es reconectar con una forma de entender el terror que parecía olvidada: aquella que no busca el sobresalto inmediato, sino la inquietud persistente. La película se inscribe así en una tradición que va desde el J-horror más atmosférico hasta el thriller psicológico contemporáneo, pero lo hace con identidad propia.
Visualmente sobria, yendo del pastel a lo mugriento, ‘Noise’ es, en última instancia, una buena experiencia. Una película que obliga al espectador a escuchar, de verdad, y a enfrentarse a la incomodidad de no poder confiar en sus propios sentidos.
Ficha de ‘Noise’
Estreno en España: 1 de abril de 2026. Título original: Noijeu. Duración: 95 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kim Soo-jin. Guion: Lee Je-hui. Fotografía: Hong-Gyu Jeon. Reparto principal: Lee Sum-bin, Kim Min-seok, Han Su-a, Ryu Kyung-soo, Jeon Ik-ryung. Producción: Finecut, KC Ventures. Distribución: Marmitako Films. Género: terror. Web oficial.
¡Entre lo ordinario y lo extraordinario! ¿Quiénes somos? «High Five»
La chica del taekwondo «Wanseo», el aspirante a escritor «Jisung», la nueva gerente «Seonnyeo», el jefe del equipo de trabajo FM «Yakseon» y el hipster desempleado «Kidong».
Las cinco personas recibieron un trasplante de corazón, pulmones, riñón, hígado y córnea de un misterioso donante de órganos. Pero junto con sus cuerpos sanos, ¡también recibieron superpoderes inesperados!
Confirman la existencia de los demás a través de sus propias marcas y deciden formar un equipo, pero sus habilidades, personalidades y gustos son diferentes, y cada vez que se reúnen, pelean y tienen accidentes.
Mientras tanto, «Youngchun», el líder de la Iglesia del Nuevo Dios, que recibió un trasplante de páncreas y también obtuvo poderes especiales, se propone encontrar a los demás receptores para convertirse en el ser absoluto con el que ha soñado toda su vida…
Crítica
Un trasplante del cine de superhéroes que convierte la comedia coreana en cine global
El cine surcoreano lleva años demostrando su versatilidad a la hora de conquistar mercados internacionales. Con ‘Hi-Five (Haipaibeu)’, el director Kang Hyeong-cheol vuelve a demostrar que en Corea del Sur saben reinventar géneros populares y darles un sello propio. La película nos presenta un relato de superpoderes que podría hacer las veces del ‘Chronicle’ de Josh Trank, el cual, cambió la visión de las historias de personas con poderes. En esta ocasión no hay oscuridad ni tragedia adolescente, sino un espectáculo lleno de color, comedia y energía desbordante.
Para contextualizar, conviene recordar que ‘Chronicle’ sorprendió en su día como una propuesta independiente que exploraba la responsabilidad y el deterioro psicológico en torno a los superpoderes. Fue una película con efectos visuales notables y, además, un trampolín para talentos como Dane DeHaan o Michael B. Jordan. Pues bien, con ‘Hi-Five’ podríamos hablar de un “Chronicle coreano”, pero pasado por un filtro mucho más festivo y cercano al espíritu del cómic o el manga.
La cinta crea su propia mitología original para justificar cómo los personajes adquieren sus habilidades: en este caso, a través de trasplantes de órganos que les otorgan habilidades extraordinarias. Esta premisa, tan peculiar como ingeniosa, da pie a un grupo protagonista compuesto por cinco individuos totalmente heterogéneos. Kang Hyeong-cheol no se limita a mostrar sus poderes como simples recursos narrativos, sino que los utiliza al servicio de la comedia física y visual, explotando al máximo cada situación absurda o inesperada.
Uno de los aspectos más destacados es cómo la película equilibra humor y épica. Aunque la mayor parte del metraje busca arrancar carcajadas, también hay momentos que recuerdan al cine de aventuras con gran despliegue visual. El villano de turno, cerca de ser un mero estereotipo, se integra dentro de esa mitología inventada, dotando a la historia de un trasfondo que prácticamente cae en lo anecdótico.
En términos técnicos, ‘Hi-Five’ sorprende con unos efectos especiales competentes y coloridos, que aunque no buscan el hiperrealismo de Hollywood, cumplen con creces en el terreno estilizado que propone la cinta. La fotografía refuerza ese aire comiquero, con tonos vivos y composiciones que parecen sacadas de una viñeta. Además, la banda sonora dinámica aporta un ritmo adicional a la narración, subrayando tanto los momentos cómicos como los más heroicos.
Lo que termina de redondear la experiencia es el carácter coral de los protagonistas. La película se toma su tiempo para que cada uno de ellos tenga su momento de lucimiento, mostrando sus particularidades y, en consecuencia, favoreciendo la conexión con la audiencia. Esta construcción de personajes recuerda a otros títulos donde grupos dispares aprenden a colaborar, pero lo hace con un acento marcadamente coreano y con un humor que nunca se toma demasiado en serio a sí mismo.
‘Hi-Five’ se inscribe en esa tendencia reciente del cine surcoreano de mezclar géneros para alcanzar tanto al público local como al internacional. Al igual que en películas como ‘Smugglers’ o la delirante ‘Escape from the 21st Century’, aquí se parte de una premisa aparentemente sencilla para construir un producto redondo, capaz de entretener y sorprender a partes iguales. Es el tipo de filme que quizá pase desapercibido en taquillas globales, pero que sin duda encontrará su lugar en el catálogo de streaming y entre los aficionados al cine fantástico con un toque irreverente. ‘Hi-Five’ es una película fresca y no me sorprendería que generase su propio manhwa.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Haipaibeu. Duración: 119 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kang Hyeong-cheol. Guion: Kang Hyeong-cheol. Música: Kim Jun-seok. Fotografía: Choi Chan-min. Reparto principal: Lee Jaein, Ahn Jaehong, Ra Miran, Kim Hiewon, Oh Jungse, Park Jinyoung. Producción: Annapurna Films, Next Entertainment World. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: comedia, fantástico. Web oficial:https://its-new.co.kr/en/movie/works/detail.aspx?seq=1212&search=&year=2025&lang=en&pageNum=1&type=
En los años 70, el director Kim está obsesionado por el deseo de volver a rodar el final de su película recién terminada ‘Cobweb’, pero el caos y la confusión se apoderan del plató con la interferencia de los censores y las quejas de los actores y productores que no pueden entender la reescritura del final. ¿Será Kim capaz de encontrar un camino a través de este caos para cumplir sus ambiciones artísticas y completar su obra maestra?
Crítica
Kim Jee-woon teje su ejercicio de metacine acercándose a ‘Birdman’ o a ‘The Studio’
Con ‘Cobweb (Tela de araña)’, el surcoreano Kim Jee-woon demuestra una vez más su virtuosismo para reinventar géneros y rendir homenaje a la historia del cine sin caer en la nostalgia vacía. El director de títulos tan dispares como ‘El bueno, el malo y el raro’, ‘Encontré al diablo’ o ‘2 hermanas’, se adentra esta vez en el terreno del metacine, entregando una obra tan autoconsciente como lúdica, tan sofisticada en su artificio como entrañable en su fondo humano.
La premisa es sencilla, aunque vertiginosa: Un director veterano, interpretado por el siempre brillante Song Kang-ho (‘Parásitos’, ‘Memories of Murder’), está obsesionado con rehacer el final de su última película, convencido de que una nueva conclusión la convertirá en una obra maestra. Sin embargo, los obstáculos son muchos: la censura surcoreana de los años 70, un equipo que no comparte su entusiasmo, y un sistema de producción que bordea el caos. Así, ‘Tela de araña’ se convierte en una sátira sobre los límites del autor, una reflexión sobre la creación cinematográfica y una comedia negra sobre la frustración artística.
Como en ‘Birdman’ de Iñárritu o ‘¡Ave, César!’ de los hermanos Coen, el relato navega entre el drama de quien desea trascender y el absurdo del sistema que lo contiene. Jee-woon monta una función de múltiples capas: vemos la película dentro de la película, el rodaje de esa película, y los entresijos emocionales de los actores y técnicos que participan en ella. La doble narración —la historia del film ficticio y la del rodaje— genera una tensión dramática bien dosificada, donde el caos del plató se entrelaza con las emociones contenidas del guion que se está filmando. La resolución de ambos relatos, como cabría esperar, ocurre de forma paralela y culmina con una brillante fusión entre realidad y ficción, mostrando la maestría de Kim para estructurar el relato sin perder el control ni ceder al artificio gratuito.
Visualmente, ‘Tela de araña’ es una delicia: su ambientación de los años 70, con decorados que remiten tanto al cine noir como al melodrama clásico coreano, está cuidada al milímetro. La paleta de colores, las texturas del celuloide recreado, y la iluminación tenue que contrasta con los estallidos emocionales de los personajes, construyen un ambiente que es a la vez homenaje y pastiche, celebración y crítica.
Lo más interesante de ‘Tela de araña’ es cómo, sin necesidad de discursos explícitos, lanza dardos sobre la censura institucional, la rigidez de los estudios y la dificultad de innovar cuando se está atrapado en los moldes del pasado. El cine coreano, que lleva años demostrando una madurez imponente, parece haber alcanzado ese punto en que puede mirarse a sí mismo con ironía, afecto y lucidez. Otra prueba de ello es ‘Smugglers’. Y al igual como éxitos recientes, como la serie ‘The Studio’, ‘Tela de araña’ no es solo cine sobre cine: es también una revisión identitaria, un ajuste de cuentas con el legado artístico de un país que hoy domina festivales y taquillas internacionales.
Song Kang-ho brilla como un Quijote del séptimo arte, encarnando con ternura y desesperación a un hombre que lucha contra molinos de celuloide. Su interpretación trasciende el guion, elevando un personaje que podría haber sido caricaturesco a un nivel trágico y conmovedor.
‘Tela de araña’ no es perfecta: su metraje puede sentirse excesivo, su ritmo, por momentos, errático. Pero como los grandes experimentos cinematográficos, su valor reside en el riesgo, en la ambición desmedida y en esa voluntad de hacer arte incluso cuando todo parece en contra. Jee-woon no ha hecho solo una película sobre el cine: ha tejido una compleja red de amor, frustración, obsesión y humor que merece ser explorada con atención.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de mayo de 2025. Título original: Geomijip. Duración: 135 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kim Jee-woon. Guion: Shin Yeon-shick. Música: Mowg. Fotografía: Kim Ji-yong. Reparto principal: Song Kang-ho, Lim Soo-jung, Oh Jung-se, Jeon Yeo-been, Krystal Jung, Park Jeong-su. Producción: Barunson Studio, Anthology Studios, Luz y Sonidos. Distribución: Filmin. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.anthology.kr/projects-6
Kamehameha múltiple que terminó épicamente esta edición
Finalizó la ecimocuarta edición de CutreCon con una maratón de películas sobre Dragon Ball, algo que los fans llevaban pidiendo tiempo dados los diversos live actions que existen y fragmentos vistos en ocasiones anteriores. Seguidamente tenéis comentarios de los cuatro títulos vistos pero antes toca dar buenas y esperadas noticias.
Un año más ha sido una semana con múltiples proyecciones llenas hasta la bandera incluso cuando se ha doblado el número de salas. 2025 ha supuesto un año de récord en el que se han proyectado más películas que nunca y los asistentes han elevado el medidor de decibelios con sus cánticos, risas y running gags festivaleros. Es por eso que los responsables de CutreCon, entre los que se encontraban Carlos “Oso” Palencia, Pedro J. Mérida o Juan Pérez de la Torre han anunciado algo que tenía que pasar antes o después. CutreCon tendrá ediciones en Canarias y Barcelona. En la capital condal se está trabajando para hacer una edición en colaboración con el Festival B-Retina y Cotxeres de Sants. En el archipiélago canario CutreCon tendrá presencia tanto en Tenerife como en Las Palmas de Gran Canaria con una edición que será este mismísimo 2025.
Y no podía faltar el anuncio que cierra cada edición. Cada convocatoria de esta fiesta del cine cutre tiene su leitmotiv. Si este año ha sido el cine de épica medieval y el anterior fueron los vampiros, para 2026 será el cine de acción el que protagonizará la programación. Quien sabe, quizá veamos “comedias” como ‘Ekipo JA’, versiones a lo ‘El cuervo’ como ‘Adam Chaplin’, el ‘Far Cry’ de Uwe Boll, la bizarrada de ‘Eliminators’, la adaptación del manga ‘Riki-Oh: the story of Ricky’ o ‘Steel, un héroe de acero’ aquella película de acción protagonizada por Shaquille O’Neal. Lo que está claro es que fijo que tendremos mercenarios, ninjas y muchas explosiones. Ya sabemos que CutreCon intenta siempre ofrecernos títulos nuevos, pero siendo el quince aniversario no nos importaría volver a ver niñas bonitas del festival como ‘Action Jackson’ o ‘Samurai Cop’.
‘Dragonball evolution’
Una de las grandes muestras de porqué no hay que intentar cambiar la esencia de un producto tan longevo como Dragon Ball. Ya sea por soberbia al intentar hacerlo mejor que el original o ya sea por falta de conocimiento y occidentalización de una producción asiática lo que se hizo con este flime es flagrante. Un desastre a la altura de la última versión de ‘Street Fighter’ que modifica el canon desde el minuto cero y a pesar de tener ritmo resulta aburrida. Un sinfín de tópicos que deslucen la gran herencia de una historia que ha hecho escuela. Inmerecida completamente, incluso el nombre está mal escogido ya que ni siquiera vemos una evolución de saiyan. Con razón su protagonista cayó en el olvido de los secundarios televisivos
Con menos presupuesto, con menos talento, con menos efectos especiales que la versión norteamericana, con menos derechos de autor y casi veinte años antes esta película taiwanesa consigue ser más fiel al espíritu de Toriyama. El espíritu burlón y aventurero de Dragon Ball está presente. Otra cosa es que los actores actúen de manera exagerada e incluso excesivamente infantiloide, como si estuviesen en un teatro de títeres. Las maneras orientales de hacer cine o su obsesión con el mundo de los espíritus/zombies no le hacen mucho favor pues los efectos de sonido o la música pueden resultar cargantes. Hay personajes inventados y la trama dista de ser fiel al canon pero al menos personajes como el Duende Tortuga nos divierte. Su fuente de inspiración es ‘Dragon Ball: La leyenda del dragón Xeron’.
Un año antes que en Taiwán se estrenó esta película que supuso el primer live action sobre Dragon Ball. Una película en la que Goku está interpretado por Heo Sung-tae, uno de los actores de la primera temporada de ‘El juego del calamar’. Es quizá la película que tiene más elementos canónicos de las cuatro proyectadas en la CutreCon. Pero por desgracia es la que se va perdiendo más según avanza y termina cansando hasta el público más resistente. Un Mutenroshi que parece Santiago Segura, un Goku peinado a lametón de vaca, cabezudos y peluches parlanchines y fumadores, peleas más interminables que en la serie… Un vía crucis que solo es recomendable ver sin expectativas y acompañado.
Secuela realizada solo un año después y contando con el mismo protagonista. Presentada como ‘Son Goku Súper Detective’ pero en su versión original sería algo así como ‘Gundaman Fight’. Los fans de la cultura japonesa sabrán porqué solo con ver el cartel. Goku con 13 años, de traje, con robots (cosa que también tenían las dos anteriores) que parecen sacados de una convención fan y cuatro enemigos a batir, a cada cual más bizarro. ¿Lo más flagrante es que Goku convierte sus manos en armas o se transforma en mecha? Que va, hay más, como la torpeza de sus enfrentamientos o el pegajoso peinado de Goku que seguro que hace las veces de buen atrapamoscas.
Noche de premios, encuentros y por supuesto mucho cine
Christophe Gans nos ha sorprendido con su simpatía en uno de los encuentros más interesantes de la semana, además hoy ha recibido el Premio Méliès Career, director de ‘Silent Hill’, ‘El pacto de los lobos’ o ‘La bella y la Bestia’. También hemos estado con el gran Geoffrey Rush, que nos ha hablado de su carrera y de su nueva película.
Además en el día de hoy también se dieron los premios Méliès d’Or, a la mejor película a ‘Descansa en paz’, la ópera prima de la cineasta noruega Thea Hvistendahl.
A continuación os dejamos nuestras reseñas de las películas que hemos visto hoy. Pronto las tendréis mas detalladas.
‘Touched by eternity’
A pesar de llevar una existencia pésima, un hombre que vive en su caravana anhela la vida eterna. Una posibilidad que llama a su puerta cuando se le presentan dos vampiros (uno de ellos bisnieto de Pinochet) que honestamente, tienen pinta de ser igual o más fracasados que él. Así de absurda es la sinopsis de la película letona dirigida por Marcis Lacis. Explora el viaje existencial y oscuramente cómico de un hombre obsesionado con la inmortalidad mientras intenta hacerse rico infructuosamente con cryptomonedas. Vampiros skaters, una rave en una caravana, alusiones a los Gipsy Kings, acampadas vampíricas en un granero… Aunque a priori graciosa, chiflada y entrañable le cuesta cumplir su intrigante premisa y flaquea en hilaridad ya que se amolda al estilo arrítmico y seco del cine de europa del este. Tiene algo de gracia pero no compensa su falta de carisma con, por ejemplo, reflexiones sobre temas como la soledad o el miedo a la vida desperdiciada. A pesar de su singular idea, ‘Touched by eternity’ se queda corta en su exploración de la tradición vampírica, quizá debido a su incapacidad para aportar escenarios o salir de la templanza y falta de salero. Aporta poco al género dejando al público un tanto insatisfecho, solo con un par de carcajadas como buen recuerdo.
JamesAshcroft nos trae una película inquietante a mas no poder. Un juez entra en una residencia para que le cuiden después de un ictus. Allí se encontrará con una situación de abusos por parte de otro interno y de cómo los trabajadores pasan de todo y no hacen caso a sus pacientes.
La soledad, el cómo una vez llegas a cierta edad los “adultos” no toman en serio a las personas mayores y también el miedo hacia un agresor hace que una residencia entera quede en silencio. Situaciones que se pueden vivir a diario y que la verdad dan mucho miedo.
Lo he pasado fatal viéndola, mucha tensión y sin duda tiene un pedazo de actuaciones por parte de GeoffreyRush y de JohnLithgow que dejan con la boca abierta. El director sin duda logra mantenernos con la angustia. Muy recomendable
Alfonso Cortés-Cavanillas dirige un elenco español compuesto por Marian Álvarez, Greta Fernández y Asier Etxeandia, entre otros. Una película de esas que aísla a sus personajes en el espacio sometiéndoles a un reto de supervivencia y fortaleza mental, con retos relacionados con el sacrificio y la esperanza. Unos astronautas en la Luna pierden el contacto con la Tierra tras ver como esta recibe el impacto de un asteroide. La situación es abrumadora y tiene difícil solución. Situación catastrófica para esta película, en cuanto a su trama como a su ejecución. Claros movimientos con cuerdas, pobres efectos especiales digitales y prácticos, frases a lo Mr. Wonderfull… Nos somete a un exceso de tomas a lo Tony Stark y a un montón de licencias científicas a las que calificar como licencias es edulcorar mucho el asunto. No les habría venido mal un asesor tipo Kip Thorne, total, la banda sonora también imita la de ‘Interstellar’. ¿Lo mejor? El retrato egoísta e inculto de la influencer interpretada por Greta Fernández.
Una madre pierde su hijo en el mar, buscándolo desesperadamente, lo encuentra en la orilla empapado. A partir de ese día, el niño se comportará de una manera bastante extraña, introduciéndose en el agua porque escucha voces en ella.
‘Call water’ nos trae un drama familiar envuelto en un evento sobrenatural. Admito que es muy interesante, pues aunque la mayor parte de la película es sobre el tema de que no se escuchan, los hijos aguantan a sus padres todo el día discutiendo y todo lo que eso conlleva.
El reparto y la idea está muy bien llevada y bueno, es una película sencilla pero merece la pena.
Ojalá las oficinas de Correos de mi barrio tuviesen un investigador dedicado a entregar cartas que nunca llegaron a buen término. A eso se dedican en ‘Dead mail’. De ese modo se narra un ‘Misery’ de la electrónica de garaje, como si Jobs hubiese secuestrado a Wozniak. Además con motivaciones del trumpismo a favor de la fabricación en USA sin depender de empresas extranjeras.
Una de esas cartas sin destino ni remitente claros pone en alerta al servicio postal. Pero la narración más que tratarse de estos empleados de panadería se centra en la historia de un ingeniero de sonido y su mecenas.
Dirigida por Kyle McConaghy y Joe DeBoer, combina el misterio y lo retro en una historia intrigante. Su premisa es prometedora y su ambientación de los 80, llena de faxes, sintetizadores y polaroids, genera una atmósfera nostálgica. La película adolece por su extenso flashback y el aturdimiento que causa tanta música de órgano. Aún así la banda sonora, una inquietante mezcla de sonidos sintéticos refuerza la sensación de arrinconamiento y desesperación de los personajes. Los elementos de thriller psicológico, aunque no siempre ejecutados con precisión, se ven compensados por una estética llamativa y momentos de humor inesperado.
En un futuro cercano, el gobierno de Francia está haciendo desaparecer a los activistas medioambientales. Estos aparecen misteriosamente en un lugar paradisiaco del cual no pueden salir.
Una película con una idea buenísima, pero que termina alargando demasiado hasta que llega un momento que estas deseando que termine.
Es una lástima, porque como digo, la idea es muy buena, está muy bien dirigida, las actuaciones son geniales y toda la ambientación es estupenda.
Una película futurista, llena de drones, gafas virtuales y sobre todo mucha seguridad, algo a lo que nos estamos acercando en la actualidad. Y por supuesto, a la persecución de la gente que está en la lucha para que el medioambiente se cuide.
Llega la prometida cuarta entrega de la saga ‘The Roundup (Fuerza bruta)’ protagonizada por Ma Dong-seok (Don Lee). Heo Myeong Haeng es el nuevo director. Quien antes era especialista de acción sigue los pasos o la moda de Hollywood impulsada por Stahelski o Leitch metiéndose a director y dotando al filme de coreografías y acción constante, algo de lo cual no andaba escasa la saga. Esta nueva película es un chorro de aire fresco para una franquicia que, si bien no ha decaído en ningún momento, necesitaba un nuevo impulso que la sacase de la monotonía.
‘The Roundup’ sigue visitando otros países asiáticos, en este caso arranca en Filipinas. A este policía le da igual a qué tipo de maleantes enfrentarse. En este caso va tras los pasos de una mafia relacionada con las criptomonedas y las apuestas online que nos recuerda un poco a la trama de ‘Beekeeper’. Como siempre el guión maneja un tema muy de actualidad, más que nunca, lo cual nos lleva a tener a Dong-seok haciéndose el boomer, sacando al personaje de su zona habitual de calles y mamporros, algo que da pie a muchos más gags.
El filme mantiene ese tipo de comedia física y a veces bobalicona que tanto ha hecho que se le asocie a las películas de Spencer y Hill. En este caso incluso hay un halo de ‘Arma Letal’, sobre todo recordando a la colaboración con delincuentes como el que interpretaba Joe Pesci.
Basada en la cinta canadiense ‘Tucker & Dale contra el mal’, la película nos presenta a dos amigos que van a vivir en el hogar de sus sueños, una casa de estilo europeo que les va a dar muchos problemas, pues el diablo vive allí. A la par, conocemos a un grupo de adolescentes, bastante irritables que, por varios motivos, unirán sus caminos de manera absurda a la de estos dos amigos.
La película me ha divertido mucho, es absurda y muy tonta, de echo ellos dos pueden recordar perfectamente a los personajes de ‘Dos tontos muy tontos’. El comienzo además me ha recordado a ‘Se lo que hicisteis el último verano’ pero con una cabra, luego ya cambia todo, pero aun así me lo he seguido pasando bien. No puedo compararla con la original, ya que no la he visto, pero sin duda, esta os la recomiendo si queréis pasar un buen rato.
Gretchen, una joven estadounidense, se muda a Alemania a vivir con la familia de su padre. Ruidos extraños en el bosque, una persona que la persigue en momentos extraños hace que Gretchen se ponga alerta.
La película dirigida por Tilman Singer no es para nada perfecta, pero si que es una película lo suficientemente interesante para que nos quedemos hasta el último minuto esperando el final.
Hunter Schafer, es la protagonista de la cinta y la verdad que está bastante bien, pero sin duda Dan Stevens resalta en esta cinta, dándonos un papel bastante misterioso, que tiene mucho que ocultar.
La película tiene bastante tensión y un imaginario bastante curioso. Si que me falla un poco la manera de terminarla. Y es que como digo, todo es bastante interesante, pero no termina de funcionar el desenlace.
‘The Goldfinger’ es una película ambientada en la atmósfera del Hong Kong de los años 80, con una estética gris y parda que acompaña una trama sobre turbios ejecutivos y detectives. Aunque intenta desarrollar una historia compleja con técnicas de montaje al estilo hollywoodiense, no logra captar la atención del espectador. Inexplicablemente hay una clara ausencia de elementos del cine fantástico, a pesar de haberse proyectado en el Festival de Sitges. El filme se centra en una investigación policial sobre la quiebra de una multinacional china, con un líder de moral cuestionable, pero presenta poca emoción y acción. A pesar del talento de sus actores principales, Tony Leung y Andy Lau, el guion no les ofrece grandes desafíos, lo que resulta en interpretaciones automáticas. Aunque técnicamente bien hecha, la película falla en ser innovadora y se percibe como una imitación costosa del estilo norteamericano, sin la profundidad necesaria.
El detective Ma Seok-do se une al Equipo de Investigación Cibernética para atrapar a Baek Chang-ki, un antiguo mercenario y jefe de una organización de apuestas online.
Crítica
Revitaliza la saga con acción trepidante, humor físico y relevancia contemporánea
La cuarta entrega de la saga ‘The roundup’, titulada ‘The roundup: punishment’, protagonizada por Ma Dong-seok (también conocido como Don Lee), llega con nuevas dosis de acción trepidante y una narrativa que intenta revitalizar la franquicia. El cambio de dirección está en manos de Heo Myeong Haeng, quien previamente se había destacado como especialista en escenas de acción y ahora sigue una tendencia popular en Hollywood, donde figuras como Chad Stahelski o David Leitch, también provenientes del mundo de la acción y las acrobacias, han dado el salto a la dirección con éxito. Este cambio aporta una nueva perspectiva que se traduce en una mayor frescura y dinamismo para una saga que, si bien nunca ha decaído, necesitaba ese empuje que le diese una renovada energía.
Desde su inicio, ‘The roundup: punishment’ continúa con su contexto internacional, comenzando con una secuencia en Filipinas. Este giro global se ha convertido en un sello de la saga, que desde las entregas anteriores ha explorado otros países asiáticos, lo que añade una capa de diversidad y dinamismo en cuanto a escenarios y antagonistas. Esta vez, la trama enfrenta al personaje de Ma Seok-do, el intrépido y brutal policía, contra una mafia relacionada con las criptomonedas y las apuestas en línea, temas que resuenan con la realidad contemporánea. Es imposible no ver un paralelo con la película ‘The Beekeeper’, que también explora tramas que giran en torno a delitos digitales. La habilidad del guion para mantenerse conectado con temas modernos le otorga una relevancia especial que, además, da pie a momentos cómicos donde Dong-seok aprovecha su personaje para mostrarse como un «boomer» desconectado del mundo digital, lo que contribuye a generar situaciones humorísticas fuera de su habitual entorno de peleas callejeras.
Uno de los elementos que sigue siendo central en la saga es la mezcla de acción y comedia física. El humor, muchas veces simple y basado en la interacción corporal de los personajes, recuerda a las películas clásicas de Bud Spencer y Terence Hill. Este tipo de slapstick, casi bobalicón, se mezcla de manera eficaz con las escenas de acción, con una intensidad que nunca deja que el espectador se relaje. Cada puñetazo y cada cuchillada están perfectamente calculados para tener un impacto tanto visual como emocional.
Otra referencia cinematográfica que se puede percibir en ‘The roundup: punishment’ es la de las películas tipo ‘Arma Letal’. La dinámica entre los personajes evoca la relación entre los personajes de Riggs y Murtaugh con delincuentes como el que interpretaba Joe Pesci en dicha saga. Además, el carisma de Ma Dong-seok, con su imponente físico y su habilidad para combinar brutalidad con ternura y humor, continúa siendo el pilar fundamental.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Beomjoidosi 4. Duración: 104 min. País: Corea del Sur. Dirección: Heo Myeong Haeng. Guion: Oh Sang Ho. Música: Yoon Il-sang. Fotografía: Lee Sung-je. Reparto principal: Ma Dong-Seok, Kim Mu-yeol, Park Ji-hwan, Lee Joo-bin, Lee Dong-hwi. Producción: ABO Entertainment, BA Entertainment, Big Punch Pictures, Hong Film. Distribución: por determinar. Género: acción, policial. Web oficial:http://www.baent.co.kr/bbs/board.php?bo_table=works&wr_id=72
Manel Loureiro y Carles Torrens ha lanzado hoy la adaptación de ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’. El comienzo de la serie de Prime Video que se basa en las novelas sobre zombies en España ha tenido buena acogida (opinión más abajo). “En la transición de las páginas a la pantalla siempre debe haber cambios, pero con un material tan amado por una comunidad tan pasional puede ser complicado”. El actor Francisco Ortiz ha confesado haber evitado cualquier tipo de referente del género de zombies durante la preparación del filme, pues “quería conservar el espíritu humanista del personaje sin impregnarle demasiados tics del cine de terror”. Ambos han dado el pistoletazo de salida a la Zombie Walk.
Quién mejor que Nick Frost (‘Zombies Party’) estar presente en el día de la tradicional Zombie Walk que ha convertido este Sitges 2024 en un desfile de vecinos convertidos en muertos vivientes. El actor, comediante y guionista ha recibido hoy el premio Màquina del Temps como premio a su carrera y como antesala de la presentación de su nueva película ‘Get Away’ (una de las tres obras con las que está presente en Sitges 2024). “Mi proceso de escritura consiste en ver películas de terror sin parar y escribir mínimo diez páginas cada día, aunque sean malísimas”, ha explicado el actor acerca de su trabajo creativo.
El premio Nosferatu de este año ha recaído en el actor italiano Fabio Testi. Y un compatriota suyo, el productor, director, guionista y ejecutivo Ovidio G. Assonitis, ha recogido el otro premio Màquina del Temps.
Paco Caballero ha mostrado su adaptación de ‘Invisible’ de Eloy Moreno y Marc Recha ha gozado del estreno mundial de su obra ‘Centaures de la nit’ en una jornada en la que estaban programadas película como ‘Mads’, ‘Exhuma’ u ‘Oddity’ con presencia de su director, el talentoso Damian McCarthy. Además se han entregado los Premios SGAE Nueva Autoría 2024 que se han repartido entre el alumnado de ESCAC, ECIB y La Casa del Cine. Así mismo se ha celebrado la primera jornada Horror Girls compuesta por varias charlas destinadas a reconocer e impulsar el cine realizado por mujeres.
Ovacionada ha sido la presencia en Sitges 2024 de Damien Leone que acompañado del actor David HowardThornton (Art) y las actrices SamanthaScaffidi y Lauren LaVera han presentado ‘Terrifier 3’. “De hecho, una de las mayores inspiraciones de Art the Clown es el papel que Stefán Karl Stefánsson interpretó en la serie infantil Lazy Town; cuando me ofrecieron el personaje lo primero que hice fue llamarle” ha declarado el actor. Leone por su parte, entusiasmado con la repercusión de su trilogía, ha declarado que “¡Art the Clown ha llegado incluso al Call of Duty, es fantástico!”.
Damian McCarthy vuelve tras conquistarnos en Sitges 2021 con su primer largometraje, ‘Caveat’, del cual, muchos recordarán su espeluznante conejito, que por cierto aquí hace una aparición en forma de huevo de pascua como los que veíamos en Expediente Warren. De nuevo consigue una trabajada atmósfera, nos lleva a un lugar aislado de la civilización y conduce el terror a través de objetos inanimados. Pero marca la diferencia con una historia de suspense, de esas que saben dosificar la información y tienen un toque espeluznante.
Se trata de un thriller en el que una mujer ciega tiene poderes de médium a través del tacto con objetos. La película trata el duelo, la locura y la búsqueda de la verdad a través de elementos sobrenaturales. De nuevo McCarthy consigue salirse de la norma y además de brindarnos una buena historia nos sobresalta con más de un ingenioso jumpscare.
Siguiendo la perversión animada de películas como ‘La fiesta de las salchichas’, Tommy Wirkola (‘Zombies nazis’) se une a Rasmus A. Sivertsen, director de películas de animación infantiles, para llevar a cabo una nueva perversión repleta de inquietudes y humor púber.
Aquellos que crecimos en los 80 podemos decir que es como retorcer ‘Érase una vez el cuerpo humano’ teniendo momentos musicales que por desgracia son bastante olvidables. También podría rememorar a ‘El chip prodigioso’ o al capítulo de ‘Futurama’ titulado ‘Parasites Lost’. Pero sin duda por cercanía en el tiempo a lo que más se va asimilar esta divertida propuesta es a ‘Del revés’. La gran diferencia es que estamos ante algo que desde la burla trata temas como el sexo y los primeros amores.
Aventura veraniega y calenturienta de un adolescente en edad de darle a la zambomba como si formase parte de un conservatorio y uno de sus espermatozoides, motivado por salir al mundo exterior esquivando peligros como los profilácticos, las masturbaciones o el espermicida. Película que sin mojigatería y con mucho descaro narra esa carrera hacia el éxtasis procreativo que iniciamos en cuanto nos crece el vello en ciertas partes y que tienen que hacer nuestras células sexuales para conseguir la fecundación. Literal y gráficamente es para decir ¿¡qué cojones!?
Dividida en episodios, vamos conociendo a los distintos personajes. Una familia atormentada por una extraña enfermedad y un grupo de personas que son contratadas para lograr paliar estos extraños eventos sobrenaturales.
La película atrapa desde el minuto uno, tenemos una atmósfera muy bien construida. Con unos personajes bastante planos, necesarios para que nos fijemos bien en la trama y en todos los eventos misteriosos que tienen que ir soportando nuestros protagonistas.
Me encanta como introducen algo de la mitología coreana como la eopshin, una curiosa criatura que, aunque aparece poco, da un poco de susto cuando lo hace. Además de mostrarnos alguna que otra ceremonia chamán para intentar que los espíritus malignos se marchen.
Una película muy recomendable que llegará a nuestras pantallas gracias a YouPlanet.
Aunque parece que la moda fue pasajera y que ha caído en el olvido ‘El juego del calamar’ sigue vivo. Mientras aguardamos por su segunda temporada llega una experiencia que nos devolverá en nuestras propias carnes a lo que fue aquel macabro juego que a muchos nos rememoró a ‘Battle Royale’. Se ha anunciado que tras su paso por Nueva York ‘El juego del calamar: The Experience’ abrirá sus puertas el 24 de octubre en Espacio Ibercaja Delicias de Madrid.
Netflix se ha asociado con LETSGO para ofrecer vivencias en primera persona. La adrenalina brotará a borbotones en los fans que se sometan a prueba como Luz Roja, Luz Verde, bajo la atenta mirada de la muñeca Young-hee. Pero no todo serán pruebas. También se ha dispuesto una zona de restauración con productos coreanos donde comentar las jugadas y las sensaciones vividas tras sobrevivir a ‘El juego del calamar: The Experience’.
Quienes tengan más ganas de ponerse a prueba podrán apuntarse a la preventa de esta experiencia en eljuegodelcalamarexperience.com. La venta general de entradas se abrirá en la misma web a partir del próximo 11 de septiembre.
Netflix ha anunciado hoy que la segunda temporada de ‘El juego del calamar’ se estrenará el 26 de diciembre de 2024 y que la temporada final llegará en 2025. Esta noticia se ha comunicado a los fans de todo el mundo a través de una carta escrita por Hwang Dong-hyuk, productor ejecutivo, guionista y director de la serie.
Tres años después de ganar El juego del calamar (Firstman Studio), el jugador 456 sigue decidido a encontrar a la gente que está detrás del juego y poner fin a su vicioso deporte. Usando su fortuna para financiar su búsqueda, Gi-hun empieza por el más obvio de los lugares: buscar al hombre del elegante traje que juega al ddakji en el metro. Pero cuando sus esfuerzos por fin dan resultado, el camino para acabar con la organización resulta ser más complicado de lo que imaginaba: para acabar con el juego, necesita volver a entrar en él.
El director Hwang Dong-hyuk, que hizo historia en la 74ª edición de los Primetime Emmys® al convertirse en el primer asiático en ganar el premio a la mejor dirección de una serie dramática, vuelve a ponerse al frente de la serie como director, guionista y productor. Lee Jung-jae, Lee Byung-hun, Wi Ha-jun y Gong Yoo retoman sus papeles de la primera temporada junto a una impecable lista de nuevos miembros del reparto, como Yim Si-wan, Kang Ha-neul, Park Gyu-young, Lee Jin-uk, Park Sung-hoon, Yang Dong-geun, Kang Ae-sim, Lee David, Choi Seung-hyun, Roh Jae-won, Jo Yu-ri y Won Ji-an, que completan el conjunto de pintorescos personajes de la nueva temporada. Hwang Dong-hyuk está acompañado en la producción ejecutiva por Kim Ji-yeon.
T̶o̶n̶t̶o̶ Muerto el último. La segunda temporada de ‘El juego del calamar’ llega el 26 de diciembre. La temporada final llegará en 2025. pic.twitter.com/BMTYJccOg8
Una especie de Godzilla repleto de momentos cómicos
La primera película de ciencia ficción de la historia de Corea del Sur nació con el título ‘Space Monster Gwangmagwi’ y se estrenó en 1967. Muchos consideraban que este título estaba perdido, pero los responsables de CutreCon junto con la distribuidora Trash-O-Rama acabarán con esa creencia pues proyectarán esta película para goce y deleite de los espectadores que quieran verla. Será el 7 de junio a las 22:30 horas en el céntrico cine madrileño mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral 125).
Escondida en Seúl se encontraba la única copia conocida de este largometraje. Es una de las pocas ocasiones en la que se podrá ver esta película fuera de su país. Ha sido restaurada en la más alta definición posible y promete ofrecer unas horas tronchantes ya que se permitirá al público hacer cualquier comentario en alto. Será proyectada en versión original subtitulada al castellano.
“Se trata de un pseudoplagio de la japonesa ‘Godzilla’ que hace gala de un sentido del humor impensable y fuera del lugar, con inesperados chistes costumbristas y escatología variada, lo que pillará desprevenido al público y hará las delicias de aquellos que busquen experiencias insólitas”, nos comentan desde la organización de esta proyección. Carlos Palencia, director de CutreCon añade que “el monstruo es como Godzilla pero con más orejas y un toque simiesco, sembrando el caos con un estilo tan descarado como hilarante”.
ENTRADAS YA A LA VENTA
Las entradas para la proyección en Alta Definición de ‘Space Monster Gwangmagwi’ (1967) el viernes 7 de junio a las 22:30 horas en el mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral, 125) de Madrid, ya están a la venta en www.cinepazmadrid.es
Una película que ha sido siete semanas número uno en Corea del Sur
Nos siguen llegando éxitos demoledores, originales y que no tienen nada que envidiar al cine occidental desde Corea Del Sur. El último fenómeno en cuestión es ‘Exhuma’, una película que con un más de 10 millones de espectadores y más de 84 millones de euros recaudados se ha mantenido en el número uno de la taquilla de su país durante siete semanas.
Jang Jae-hyun, autor de ‘Sabana’, es quien ha escrito y dirigido ‘Exhuma’. En su reparto cuenta con Choi Min-sik (‘Old Boy’, 2003), el cual interpreta a un hombre que tras exhumar una tumba comienza a sufrir terribles consecuencias.
YouPlanet Pictures es quien pondrá esta película en pantallas de España, pero aún no nos ha transmitido la fecha de estreno.
Sinopsis oficial:
Una renombrada chamana (Kim Go-eun) y su aprendiz son contratados por una enigmática familia adinerada para investigar la enfermedad sobrenatural que afecta a su hijo primogénito. Con la ayuda de un embalsamador y el experto en feng shui más famoso del país (Choi Min-sik), rastrean una tumba familiar oculta, ubicada en tierra sagrada. Percibiendo un aura ominosa alrededor del lugar, el equipo opta por exhumar y reubicar los restos ancestrales de inmediato. Pero algo mucho más oscuro emerge en la remota montaña, desatando fuerzas sobrenaturales que amenazan con destruirlos a todos.
Acierta al no intentar readaptar y consigue convivir paralelamente al original
La historia de ‘Parasyte’ arrancó como un manga en Japón allá por 1988. Su autor HitoshiIwaaki ha visto como su obra se grajeaba muchos fans e incluso se llegaba a convertir en serie anime y a tener dos películas de acción real. Ahora es Netflix quien coge esta exitosa idea de terror y la convierte en ‘Parasyte: los grises’, una serie live action con 6 episodios que llegan el 5 de abril. Por mucho que esta serie le pegue mucho al director japonés Takashi Miike, quien ha realizado esta adaptación para Netflix es el guionista y director Yeon Sang-ho. Quizá es porque Miike, el mayor adaptador de mangas de la historia, estaba ocupado haciendo para la plataforma el anime de ‘Onimusha’.
Y me alegro de que haya sido Yeon Sang-ho pues muchos en España somos admiradores de su trabajo tras el estreno de ‘Seoul Station’ y ‘Train to Busan’, quizá no tanto tras ‘Península’. No es la primera vez que el rompedor director trabaja con Netflix pues ya estrenó la más que potable ‘Rumbo al infierno’ o la fantástica película de acción y ciencia ficción ‘Jung_E’.
Para aquellos que no conozcan ‘Parasyte’ han de saber, sin spoilers, que trata sobre como los humanos han de enfrentarse a unos seres bautizados como parásitos. Esto no va en el mismo sentido que la película de Bong Joon-ho, aunque algo de retrato de vagos y oportunistas hay, sino de un modo más cercano al de ‘Los ultracuerpos’, ‘The faculty’ o ‘Invasión secreta’. Con códigos de terror e imágenes grotescas similares a las que vemos en las páginas del ahora tan de moda Junji Ito, seguimos la historia de un adolescente llamado Shin’ichi Izumi, quien cual Eddie Brock con Venom empieza a convivir con uno de los parásitos invasores. Eso es lo que plantea inicialmente el manga. La serie se desplaza a un escenario ubicado un tiempo más adelante, con la invasión más avanzada, en términos más apocalípticos y con una protagonista diferente a la de los primeros mangas, pero que plantea las mismas cuestiones sobre la coexistencia.
Los humanos convirtiéndose en formas agusanadas letales y afiladas son la marca de la casa cuando hablamos de ‘Parasyte’. Las criaturas comparten el instinto de supervivencia de sus huéspedes ayudándose en simbiosis, pero sin compartir los intereses u objetivos. Estas criaturas son todo un reto para los cosplayers fans de la saga, los cuales, muy gratamente verán como la estética y morfología de las criaturas está respetada en la serie. No hay que preocuparse, no estamos ante un caso tipo ‘Death note’, la fidelidad de esta serie está más próxima a lo recientemente visto con ‘One piece’. Eso sí, hay que puntualizar que esta no es una traslación literal sino un fantaseo que sobre todo explora otras posibilidades del universo creado por Iwaaki. En el caso del manga y anime la dinámica es más ‘Venom’ y ‘The faculty’ y en el caso de la serie se toma un rumbo más cercano a ‘Invasión secreta’, The Strain’ y ‘Los ultracuerpos’. La pena es que la serie arranca con los mismos mensajes ecologistas que el manga, pero no desarrolla los argumentos en contra de lo perniciosos que somos los humanos de un modo convincente.
Yeon Sang-ho es ya todo un experto en manejar historias que ponen en jaque en a la humanidad. Hitoshi Iwaaki ya se ha manifestado muy satisfecho con las nuevas ideas que aporta la serie y yo no puedo decir lo contrario. La historia cambia sustancialmente con personajes más traumados y escenas más crudas, pero las reglas y el discurso se mantienen, de hecho, lo que sucede en la serie convive perfecta y simultáneamente con el manga. La trama es más policial y alude constantemente al ‘Dr. Jekyll y Mr. Hyde’, pero no pierde su sentido grotesco. En resumen, es un acierto que la serie haya desarrollado una trama que va de la mano a la original y no se haya intentado adaptar lo que ya hemos visto en formato anime y películas de acción real. Es una buena manera de ampliar el universo de ‘Parasyte’.
La mañana (y parte e la noche) del segundo día de Sombra Madrid hay que calificarla de angustiosa pues hemos visto el corto ‘Angustias’ de Aída Cordero y la más que angustiosa película ‘La mesita del comedor’ de Caye Casas, la cual, ha causado sensación allí por donde ha pasado y no podía faltar en este festival. Las proyecciones han tenido lugar en el mismo salón de la Facultad de Ciencias de la Información de la UCM donde arrancó el festival.
Simultáneamente en FNAC Callao ha tenido lugar la charla titulada Laboratorios de Creación y Desarrollo: Guía de Supervivencia. Elena Muñoz y Óscar Martín, artífices de ‘Amigo’, han trasladado sus experiencias vividas de primera mano sobre el mundo de la producción, financiación y estrenos cinematográficos.
Por la tarde nos hemos repartido entre la Sala Berlanga de la SGAE y los mk2 Cines Paz para ver las propuestas, nuevas y rescatadas del recuerdo, que tenía la programación reservada para nosotros. El final el día ha sido similar al de la mañana, tenso y angustioso por lo bien planteada que está la película coreana ‘Sleep’.
‘Angustias’ (cortometraje)
Comedia negra llena de vampirismo. Humor macabro made in spain con sorna y guiños hacia todo aquello que rodea a los chupasanges. Aída Cordero Domínguez dirige este divertido cortometraje que tiene sabor a fantaterror y a las ‘Historias para no dormir’. ¿Lo mejor? Cómo juega con las sombras y su carácter burlesco.
El director Caye Casas nos ha hecho pasar los mejores peores momentos en una sala de cine de los últimos años con ‘La mesita del comedor’. Este filme más que una película es una experiencia pues su repercusión en el espectador es demoledora, transmite una tremenda angustia. Se rodó en diez días y tiene ya casi una treintena de premios internacionales, eso debería indicarle a los académicos y miembros de la industria que se están dejando pasar una joya de nuestro cine.
Nos lleva a conocer a una pareja en la que él, interpretado por David Pareja, toma una decisión que se tornará en la peor de su vida. Es una obra que nos habla de cómo en un abrir y cerrar de ojos la vida puede convertirse en una pesadilla. Su relato no necesita elementos fantásticos ni toques de terror ya que está revestido de una cotidianidad y pertenece a una crónica de sucesos que nos llama a la puerta con una crudeza tremendamente real. Gran trabajo de guión y grandísimas interpretaciones de Pareja, Estefanía de los Santos y Josep Riera.
Si pensabas que estabas insensibilizado tras años y años de ver películas gore, de vivir todo tipo de giros de guión o de ver violencia en los telediarios yo te digo que te atrevas con esto pues quizá dentro de ti aún seas muy impresionable. Hay que emplear el término arriesgado pero eso no quiere decir que sea una película malsana, que podría confundirse sobre todo por mezclar drama, tragedia y comedia negra.
Para muchos esta es realmente la mejor película de Darío Argento. Yo sigo prefiriendo ‘Suspiria’, ‘Phenomena’, ‘Rojo oscuro’ o incluso ‘Los ojos del diablo’. Aún así esta película se puede meter dentro del mismo saco que todas aquellas que sentaron cátedra y fueron precursoras de géneros como el slasher. Un clásico entre los títulos del giallo que se centra más que nunca en la historia y menos que de costumbre en resaltar los artificios estéticos del género.
Novelesca y detectivesca. La historia de ‘Tenebre’ nos mantiene en suspense como las mejores novelas policiales o las series de investigadores más intrincadas. El guión no es parco en giros y resulta tan sugerente como la música, como no, obra de Simonetti y los Goblin.
Una familia se prepara para recibir a un tío que viene desde Alemania para celebrar la Navidad. Un familiar al que aman, temen y respetan por igual. La situación que viven es asfixiante y el ambiente está enrarecido, más aún cuando experimentamos un anacronismo que nos introduce smartphones en un ambiente ochenteno, más propio de la época de los últimos coletazos de la URSS que de la era postpandemia. Los nervios y la tensión por tener todo perfecto pasan a convertirse en una fiesta teñida de rojo sangre. Bien podría ser esta una metáfora de la tensión que vivían los ciudadanos contra un régimen que se supone que existía para ellos pero les tenía sofocados entre tanta norma. Y es que la relación tóxica y patriarcal es tan extraña que vive esta familia yugoslava tenía que explotar en algún momento. Y lo hace por motivos evidentes pues la rutina navideña de esta familia es peor que el día de la marmota.
Seguir la senda de directores controvertidos como Haneke o Lanthimos ni es fácil ni está exento de riesgo. La dupla formada por DavidKapac y AndrijaMardesic ha orquestado una película incómoda y con una narrativa peculiar, quizá habría que decir que muy dirigida al público de su cultura. Un filme con personajes fríos pero no exento de algo de comedia, de la extraña también hay que decir. Este es un filme en el que se percibe cierta intencionalidad y va más allá de lo meramente recreativo, pero le falta universalidad.
Los directores de ‘Turbo kid’ y ‘Verano del 84’, regresan con esta divertida película de zombies. En un mundo en el que humanos y no muertos conviven, unos estafadores tendrán que luchar para salvar a su abuela de una gran corporación que intenta mancillar el nombre de los zombies.
Con una idea muy buena, seguimos a nuestros tres protagonistas en esta aventura en la que los zombies son un colectivo pacífico y vulnerable. Algunos humanos luchan por su integración social. La Madre Teresa, prostitutas, cocineros, todos ellos zombies que intentan vivir su vida lo más normal posible.
El maquillaje es de lo mejor que he visto en mucho tiempo y algunos zombies tuneados parecen sacados de nuestras peores pesadillas, aun siendo buena gente.
‘We are zombies’ sorprende en un género muy explotado y eso es algo bueno en un mundo con pocas ideas originales. Ojalá que estos chicos sigan haciendo películas y no se les terminen sus maravillosas ideas. Y que estrenen pronto la película para que la podáis ver, pues la lleva A Contracorriente.
Un joven matrimonio a punto de ser padres, comienza a ver dañada su estabilidad por culpa de los hábitos de sueño del marido. Poco a poco vamos viendo como el pobre hombre comienza a tener un comportamiento bastante peligroso para toda la familia.
Decir que me ha gustado, es poco. Me ha mantenido en tensión desde el primer momento y logra que ese nerviosismo no se te vaya durante los 95 minutos de duración de la cinta.
‘Sleep’ nos muestra los peligros de no dormir y de las obsesione y pesadillas que se pueden crear a partir del poco descanso.
La película está muy bien rodada, utilizando una pequeña casa como una protagonista más, creando una localización bastante claustrofóbica y tenebrosa en un lugar que debería ser el sitio más seguro del mundo para una familia.
Hoy se estrena la esperadísima serie documental ‘The Leveling of Solo Leveling’. Se puede ver en exclusiva en Crunchyroll. Esta serie de dos partes profundiza en el cautivador viaje de la exitosa serie de anime ‘Solo Leveling’, una historia que ha trascendido sus raíces originales como novela web para convertirse en uno de los animes más celebrados del año.
Desde Corea y Japón, ‘The Leveling of Solo Leveling’ ofrece una exhaustiva mirada a la evolución de esta popular franquicia. Explorando sus inicios como novela web novel hasta su éxito como webtoon y ahora en su última encarnación como anime, el documental supone una visión privilegiada del fenómeno que ha capturado los corazones de los fans en todo el mundo.
En colaboración con AllSo, una productora con sede en París conocida por sus innovadoras experiencias digitales y documentales, Crunchyroll presenta una mirada en profundidad del ascenso de ‘Solo Leveling’. AllSo aporta su experiencia, habiendo trabajado en proyectos de la cultura popular con grandes empresas como Ubisoft y Red Bull, asegurando una profunda experiencia narrativa.
La serie documental muestra entrevistas con más de 20 personas, desde los fans hasta los creadores y productores tras ‘Solo Leveling’. Los espectadores se verán transportados hasta Corea, donde el documental visita D&C Media y Redice Studio, descubriendo la transición de Solo Leveling desde el texto hasta el arte. La narrativa se traslada después hasta Japón, con declaraciones de los equipos de Crunchyroll, Aniplex y A-1 Pictures, así como del director del anime Shunsuke Nakashige, que ofrece una mirada detrás de las cámaras al proceso de adaptación.
Mientras el mundo espera ver cómo se desarrolla la saga de ‘Solo Leveling’, esta serie documental demuestra el compromiso de Crunchyroll con la celebración y la exploración de la profunda cultura del anime.
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