¿Quieres ver la primera película de ciencia ficción de la historia de Corea del Sur?

Una especie de Godzilla repleto de momentos cómicos

La primera película de ciencia ficción de la historia de Corea del Sur nació con el título ‘Space Monster Gwangmagwi’ y se estrenó en 1967. Muchos consideraban que este título estaba perdido, pero los responsables de CutreCon junto con la distribuidora Trash-O-Rama acabarán con esa creencia pues proyectarán esta película para goce y deleite de los espectadores que quieran verla. Será el 7 de junio a las 22:30 horas en el céntrico cine madrileño mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral 125).

Escondida en Seúl se encontraba la única copia conocida de este largometraje. Es una de las pocas ocasiones en la que se podrá ver esta película fuera de su país. Ha sido restaurada en la más alta definición posible y promete ofrecer unas horas tronchantes ya que se permitirá al público hacer cualquier comentario en alto. Será proyectada en versión original subtitulada al castellano.

“Se trata de un pseudoplagio de la japonesa ‘Godzilla’ que hace gala de un sentido del humor impensable y fuera del lugar, con inesperados chistes costumbristas y escatología variada, lo que pillará desprevenido al público y hará las delicias de aquellos que busquen experiencias insólitas”, nos comentan desde la organización de esta proyección. Carlos Palencia, director de CutreCon añade que “el monstruo es como Godzilla pero con más orejas y un toque simiesco, sembrando el caos con un estilo tan descarado como hilarante”.

ENTRADAS YA A LA VENTA

Las entradas para la proyección en Alta Definición de ‘Space Monster Gwangmagwi’ (1967) el viernes 7 de junio a las 22:30 horas en el mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral, 125) de Madrid, ya están a la venta en www.cinepazmadrid.es

Crítica: ‘Parasyte: los grises’

Acierta al no intentar readaptar y consigue convivir paralelamente al original

La historia de ‘Parasyte’ arrancó como un manga en Japón allá por 1988. Su autor Hitoshi Iwaaki ha visto como su obra se grajeaba muchos fans e incluso se llegaba a convertir en serie anime y a tener dos películas de acción real. Ahora es Netflix quien coge esta exitosa idea de terror y la convierte en ‘Parasyte: los grises’, una serie live action con 6 episodios que llegan el 5 de abril. Por mucho que esta serie le pegue mucho al director japonés Takashi Miike, quien ha realizado esta adaptación para Netflix es el guionista y director Yeon Sang-ho. Quizá es porque Miike, el mayor adaptador de mangas de la historia, estaba ocupado haciendo para la plataforma el anime de ‘Onimusha’.

Y me alegro de que haya sido Yeon Sang-ho pues muchos en España somos admiradores de su trabajo tras el estreno de ‘Seoul Station’ y ‘Train to Busan’, quizá no tanto tras ‘Península’. No es la primera vez que el rompedor director trabaja con Netflix pues ya estrenó la más que potable ‘Rumbo al infierno’ o la fantástica película de acción y ciencia ficción ‘Jung_E’.

Para aquellos que no conozcan ‘Parasyte’ han de saber, sin spoilers, que trata sobre como los humanos han de enfrentarse a unos seres bautizados como parásitos. Esto no va en el mismo sentido que la película de Bong Joon-ho, aunque algo de retrato de vagos y oportunistas hay, sino de un modo más cercano al de ‘Los ultracuerpos’, ‘The faculty’ o ‘Invasión secreta’. Con códigos de terror e imágenes grotescas similares a las que vemos en las páginas del ahora tan de moda Junji Ito, seguimos la historia de un adolescente llamado Shin’ichi Izumi, quien cual Eddie Brock con Venom empieza a convivir con uno de los parásitos invasores. Eso es lo que plantea inicialmente el manga. La serie se desplaza a un escenario ubicado un tiempo más adelante, con la invasión más avanzada, en términos más apocalípticos y con una protagonista diferente a la de los primeros mangas, pero que plantea las mismas cuestiones sobre la coexistencia.

Los humanos convirtiéndose en formas agusanadas letales y afiladas son la marca de la casa cuando hablamos de ‘Parasyte’. Las criaturas comparten el instinto de supervivencia de sus huéspedes ayudándose en simbiosis, pero sin compartir los intereses u objetivos. Estas criaturas son todo un reto para los cosplayers fans de la saga, los cuales, muy gratamente verán como la estética y morfología de las criaturas está respetada en la serie. No hay que preocuparse, no estamos ante un caso tipo ‘Death note’, la fidelidad de esta serie está más próxima a lo recientemente visto con ‘One piece’. Eso sí, hay que puntualizar que esta no es una traslación literal sino un fantaseo que sobre todo explora otras posibilidades del universo creado por Iwaaki. En el caso del manga y anime la dinámica es más ‘Venom’ y ‘The faculty’ y en el caso de la serie se toma un rumbo más cercano a ‘Invasión secreta’, The Strain’ y ‘Los ultracuerpos’. La pena es que la serie arranca con los mismos mensajes ecologistas que el manga, pero no desarrolla los argumentos en contra de lo perniciosos que somos los humanos de un modo convincente.

Yeon Sang-ho es ya todo un experto en manejar historias que ponen en jaque en a la humanidad. Hitoshi Iwaaki ya se ha manifestado muy satisfecho con las nuevas ideas que aporta la serie y yo no puedo decir lo contrario. La historia cambia sustancialmente con personajes más traumados y escenas más crudas, pero las reglas y el discurso se mantienen, de hecho, lo que sucede en la serie convive perfecta y simultáneamente con el manga. La trama es más policial y alude constantemente al ‘Dr. Jekyll y Mr. Hyde’, pero no pierde su sentido grotesco. En resumen, es un acierto que la serie haya desarrollado una trama que va de la mano a la original y no se haya intentado adaptar lo que ya hemos visto en formato anime y películas de acción real. Es una buena manera de ampliar el universo de ‘Parasyte’.

Diario del Sombra Madrid 2024. 14 de marzo

Día de películas angustiosas

La mañana (y parte e la noche) del segundo día de Sombra Madrid hay que calificarla de angustiosa pues hemos visto el corto ‘Angustias’ de Aída Cordero y la más que angustiosa película ‘La mesita del comedor’ de Caye Casas, la cual, ha causado sensación allí por donde ha pasado y no podía faltar en este festival. Las proyecciones han tenido lugar en el mismo salón de la Facultad de Ciencias de la Información de la UCM donde arrancó el festival.

Simultáneamente en FNAC Callao ha tenido lugar la charla titulada Laboratorios de Creación y Desarrollo: Guía de Supervivencia. Elena Muñoz y Óscar Martín, artífices de ‘Amigo’, han trasladado sus experiencias vividas de primera mano sobre el mundo de la producción, financiación y estrenos cinematográficos.

Por la tarde nos hemos repartido entre la Sala Berlanga de la SGAE y los mk2 Cines Paz para ver las propuestas, nuevas y rescatadas del recuerdo, que tenía la programación reservada para nosotros. El final el día ha sido similar al de la mañana, tenso y angustioso por lo bien planteada que está la película coreana ‘Sleep’.

‘Angustias’ (cortometraje)

Comedia negra llena de vampirismo. Humor macabro made in spain con sorna y guiños hacia todo aquello que rodea a los chupasanges. Aída Cordero Domínguez dirige este divertido cortometraje que tiene sabor a fantaterror y a las ‘Historias para no dormir’. ¿Lo mejor? Cómo juega con las sombras y su carácter burlesco.

Comentado por Furanu.

‘La mesita el comedor’ (crítica completa)

El director Caye Casas nos ha hecho pasar los mejores peores momentos en una sala de cine de los últimos años con ‘La mesita del comedor’. Este filme más que una película es una experiencia pues su repercusión en el espectador es demoledora, transmite una tremenda angustia. Se rodó en diez días y tiene ya casi una treintena de premios internacionales, eso debería indicarle a los académicos y miembros de la industria que se están dejando pasar una joya de nuestro cine.

Nos lleva a conocer a una pareja en la que él, interpretado por David Pareja, toma una decisión que se tornará en la peor de su vida. Es una obra que nos habla de cómo en un abrir y cerrar de ojos la vida puede convertirse en una pesadilla. Su relato no necesita elementos fantásticos ni toques de terror ya que está revestido de una cotidianidad y pertenece a una crónica de sucesos que nos llama a la puerta con una crudeza tremendamente real. Gran trabajo de guión y grandísimas interpretaciones de Pareja, Estefanía de los Santos y Josep Riera.

Si pensabas que estabas insensibilizado tras años y años de ver películas gore, de vivir todo tipo de giros de guión o de ver violencia en los telediarios yo te digo que te atrevas con esto pues quizá dentro de ti aún seas muy impresionable. Hay que emplear el término arriesgado pero eso no quiere decir que sea una película malsana, que podría confundirse sobre todo por mezclar drama, tragedia y comedia negra.

Comentado por Furanu.

‘Tenebre’

Para muchos esta es realmente la mejor película de Darío Argento. Yo sigo prefiriendo ‘Suspiria’, ‘Phenomena’, ‘Rojo oscuro’ o incluso ‘Los ojos del diablo’. Aún así esta película se puede meter dentro del mismo saco que todas aquellas que sentaron cátedra y fueron precursoras de géneros como el slasher. Un clásico entre los títulos del giallo que se centra más que nunca en la historia y menos que de costumbre en resaltar los artificios estéticos del género.

Novelesca y detectivesca. La historia de ‘Tenebre’ nos mantiene en suspense como las mejores novelas policiales o las series de investigadores más intrincadas. El guión no es parco en giros y resulta tan sugerente como la música, como no, obra de Simonetti y los Goblin.

Comentado por Furanu.

‘The Uncle’

Una familia se prepara para recibir a un tío que viene desde Alemania para celebrar la Navidad. Un familiar al que aman, temen y respetan por igual. La situación que viven es asfixiante y el ambiente está enrarecido, más aún cuando experimentamos un anacronismo que nos introduce smartphones en un ambiente ochenteno, más propio de la época de los últimos coletazos de la URSS que de la era postpandemia. Los nervios y la tensión por tener todo perfecto pasan a convertirse en una fiesta teñida de rojo sangre. Bien podría ser esta una metáfora de la tensión que vivían los ciudadanos contra un régimen que se supone que existía para ellos pero les tenía sofocados entre tanta norma. Y es que la relación tóxica y patriarcal es tan extraña que vive esta familia yugoslava tenía que explotar en algún momento. Y lo hace por motivos evidentes pues la rutina navideña de esta familia es peor que el día de la marmota.

Seguir la senda de directores controvertidos como Haneke o Lanthimos ni es fácil ni está exento de riesgo. La dupla formada por David Kapac y Andrija Mardesic ha orquestado una película incómoda y con una narrativa peculiar, quizá habría que decir que muy dirigida al público de su cultura. Un filme con personajes fríos pero no exento de algo de comedia, de la extraña también hay que decir. Este es un filme en el que se percibe cierta intencionalidad y va más allá de lo meramente recreativo, pero le falta universalidad.

Comentado por Furanu.

‘We are zombies’

Los directores de ‘Turbo kid’ y ‘Verano del 84’, regresan con esta divertida película de zombies. En un mundo en el que humanos y no muertos conviven, unos estafadores tendrán que luchar para salvar a su abuela de una gran corporación que intenta mancillar el nombre de los zombies.

Con una idea muy buena, seguimos a nuestros tres protagonistas en esta aventura en la que los zombies son un colectivo pacífico y vulnerable. Algunos humanos luchan por su integración social. La Madre Teresa, prostitutas, cocineros, todos ellos zombies que intentan vivir su vida lo más normal posible.

El maquillaje es de lo mejor que he visto en mucho tiempo y algunos zombies tuneados parecen sacados de nuestras peores pesadillas, aun siendo buena gente.

‘We are zombies’ sorprende en un género muy explotado y eso es algo bueno en un mundo con pocas ideas originales. Ojalá que estos chicos sigan haciendo películas y no se les terminen sus maravillosas ideas. Y que estrenen pronto la película para que la podáis ver, pues la lleva A Contracorriente.

Comentado por Vicky Carras.

‘Sleep’

Un joven matrimonio a punto de ser padres, comienza a ver dañada su estabilidad por culpa de los hábitos de sueño del marido. Poco a poco vamos viendo como el pobre hombre comienza a tener un comportamiento bastante peligroso para toda la familia.

Decir que me ha gustado, es poco. Me ha mantenido en tensión desde el primer momento y logra que ese nerviosismo no se te vaya durante los 95 minutos de duración de la cinta.

‘Sleep’ nos muestra los peligros de no dormir y de las obsesione y pesadillas que se pueden crear a partir del poco descanso.

La película está muy bien rodada, utilizando una pequeña casa como una protagonista más, creando una localización bastante claustrofóbica y tenebrosa en un lugar que debería ser el sitio más seguro del mundo para una familia.

Comentado por Vicky Carras.

Crítica: ‘The Childe (El bastardo)’

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Han es un boxeador de padre coreano y madre filipina que participa en combates ilegales en Filipinas con la intención de reunir dinero para pagar una costosa operación a su madre enferma. Paralelamente a esto, Han trata de encontrar a su padre y, cuando un día recibe una llamada desde Corea de alguien que afirma serlo, se embarca en un viaje infernal al país en el que tendrá que luchar por su propia vida.

Crítica

Un thriller con varias válvulas de escape, entre ellas, un final con un par de giros sorprendentes

Park Hoon-jung, guionista de un recomendadísimo título como ‘Encontré al diablo’, asume de nuevo el rol de director en un nuevo thriller lleno de violencia. Nos presenta a un luchador callejero y con ello a todo un mundo de delincuencia, siguiendo la estela de muchas de sus películas anteriores. La motivación del protagonista es el ganar dinero para tratar la enfermedad de su madre mientras, de paso, busca a su padre, pero acepta una propuesta demasiado arriesgada.

Aunque el enfrentamiento de este boxeador ilegal contra todo un sistema mafioso que le sobrepasa en tierra extranjera puede sonar a Ong-Bak realmente predomina el suspense sobre la acción, aunque no faltan escenas de persecuciones o peleas con artes marciales. Hay varios giros que hacen interesante esta trama que no es una película más de mafiosos o de virtuosos usando sus puños. A falta de media hora llega lo más desconcertante del filme y de ahí hasta el final es un no parar, es cuando realmente hay más acción. El resto de la película vemos al protagonista huyendo o intentando sobrevivir dentro de un entramado que le es totalmente ajeno y ahí, en esa búsqueda de la verdad y la salvación, está el suspense.

El personaje principal está modestamente interpretado por Kang Tae-Ju pero destaca sobre él Kim Seon-Ho que es prácticamente el co-protagonista. Se lleva el gato al agua gracias a que también su personaje es pintoresco, tan simpático como letal. Quizá a veces nos saca del tono de la película, rompiendo la seriedad del relato, pero hay quien agradecerá estas válvulas de escape.

A modo de sarcasmo ‘The Childe (El bastardo)’ nos viene a decir que los lazos de sangre no siempre son convenientes. Y con todo y con eso nos reserva un par de últimos giros que retuercen con ironía toda la historia, incluido durante la escena post créditos. Es una apuesta arriesgada con sus giros tan locos, pero esconde entrelíneas un trasfondo de realismo.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de febrero de 2024. Título original: Gwigongja. Duración: 118 min. País: Corea del Sur. Dirección: Park Hoon-jung. Guion: Park Hoon-jung. Música: Mowg. Fotografía: Shin Tae-ho. Reparto principal: Kang Tae-Ju, Kim Seon-Ho, Go Ara, Kang-woo Kim, Justin John Harvey, Caroline Magbojos, Hyuk-Hyun Kwon. Producción: Goldmoon Film, Studio & New. Distribución: A Contracorriente Films. Género: suspense. Web oficial: https://wellgousa.com/films/childe

Crítica: ‘Fuerza bruta (The roundup)’

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La Unidad de Delitos Mayores de la Policía de Geumcheon recibe la misión de repatriar a un fugitivo que huyó a Vietnam. El policía Ma Seok-do y el capitán Jeon Il-man pronto intuyen que hay algo raro en la voluntad del sospechoso de entregarse y, poco tiempo después, descubren los crímenes cometidos por un terrorífico asesino llamado Kang Hae-sang. El Bud Spencer coreano, Ma Dong-seok, vuelve a la carga con un thriller lleno de acción y puñetazos.

Crítica

Acción de la vieja escuela a golpe de carisma y mano abierta

Llega por fin a España la secuela de ‘The outlaws’, película que en versión original se titulaba ‘Beomjoidosi’. En España a este nuevo título se le ha conocido como ‘The roundup’, ‘Furia policial’ y finalmente como ‘Fuerza bruta’. Cualquiera de esos títulos define bien esta nueva obra protagonizada por Ma Dong-seok, el Gilgamesh de ‘Eternals’, para aquellos que solo van al cine para ver películas de Marvel. Para los que seguimos su carrera de cerca es más conocido por ser el héroe de ‘Train to Busan’ o por una carrera que le ha hecho grajearse el apodo de “el Bud Spencer coreano”.

Decir que Dong-seok tiene gancho es usar esa palabra con doble sentido. El actor coreano tiene un gran carisma con cualquiera de sus personajes, pero destaca sobre todo con aquellos que se abren paso repartiendo mamporros a mano abierta. En esta secuela vuelve como uno de esos policías que no tiene reparos en sumergirse en un mundo lleno de maleantes y mafiosos. En esta ocasión el director Lee Sang-yong (con quien ya trabajó en ‘El bueno, el malo y el raro’) le hace viajar a un territorio que no es el suyo. Si en España nos quejamos de los destrozos de los turistas en Corea u otros países asiáticos sufren la visita de prófugos que buscan cobijo y continuar con sus actividades ilegales. A eso se enfrenta el brusco, carismático y simpaticón policía de Dong-seok en esta secuela que es aún más trepidante y efectiva que su predecesora. Quien iba a decir que las estrellas del género de acción de Hollywood encontrarían aquí un digno sucesor/competidor.

Lo bueno de ‘Fuerza bruta’, que como decía, eleva el nivel de la primera, es que es una segunda parte de una trilogía que concluirá con ‘The roundup: No Way Out’. La dupla Sang-yonh/Dong-seok promete muchas más horas de diversión. Tal es el grado de complicidad que el actor se involucra en los guiones. Adoro su visión de Corea del Sur que sin dejar de lado la violencia delictiva o el sentido del thriller aporta con humor una historia de acción que huele a los años del Blockbuster.

Ficha de la película

Estreno en España: marzo de 2023. Título original: Beomjoidosi 2 (The roundup). Duración: 106 min. País: Corea del Sur. Dirección: Lee Sang-yong. Guion: Ma Dong-seok, Min-Seong Kim, Lee Sang-yong, Lee Young-jong. Música: Kim Tae-seong. Fotografía: Sung Lim Ju. Reparto principal: Ma Dong-seok, Son Suk-ku, Choi Gwi-hwa, Park Ji-hwan, Heo Dong-won, Ha-Jun, Park Ji-young. Producción: BA Entertainment, Big Punch Pictures, Hong Film. Distribución: La Aventura Audiovisual, Movistar Plus+. Género: acción. Web oficial: http://baent.co.kr/bbs/board.php?bo_table=works&wr_id=58

VHZ exhibirá las peores películas de Super Mario Bros.

Chute de malas adaptaciones videojueguiles

El show “VHZ”, el único espectáculo de humor en español que combina comedia en vivo con “cine cutre”, regresa los días 22 de abril y 13 de mayo a las 12:30 horas del mediodía a la Sala Equis (C/ del Duque de Alba, 4) de Madrid, con el objetivo de sorprender y divertir al público recorriendo durante 90 minutos “algunas de las peores y más desconocidas películas de ‘Super Mario’ y otros populares videojuegos”, según explican sus responsables, que son los organizadores de CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid.

Y es que, muchos años antes de arrasar en los cines, “Super Mario apareció en ignotas y descacharrantes producciones de bajo presupuesto procedentes de China, Filipinas o incluso Corea Del Sur”, explica Carlos Palencia, presentador del espectáculo, quien también recuerda que “existen varias versiones filipinas de “Mortal Kombat” y de otros videojuegos, y todas ellas tendrán cabida en el show”.

“VHZ” es un innovador show multiformato que mezcla comedia ‘stand-up’, sketches en directo y extractos de películas de serie B/Z. Sus autores lo definen como “un viaje a las profundidades abisales del celuloide”, donde se dan a conocer algunas de las películas “más delirantes y chapuceras de todos los tiempos”.

Cada mes, el espectáculo cambia su temática, adaptándose a la actualidad cinematográfica. En esta ocasión, aprovechando el éxito de “Supero Mario Bros. La Película”, se hará un repaso por algunos de los peores filmes basados en videojuegos.

Una de las principales características que definen a “VHZ” es la cercanía con el espectador, ya que se permite al público interaccionar con los presentadores y hacer preguntas, como si de una clase se tratara. Además, la entrada incluye consumición y la función tendrá lugar en ‘La Plaza’, el recinto más amplio de Salaequis y que cuenta con barra de bar, la cual permanecerá abierta durante todo el espectáculo.

El montaje está conducido por Carlos Palencia, director del festival CUTRECON y colaborador habitual del programa Hoy Empieza Todo en Radio 3. Con casi 20 años de existencia, Cinecutre.com, la página web que está detrás de CUTRECON y de «VHZ»,  ha acumulado durante ese tiempo gran información sobre cine marginal y a sus responsables se les puede considerar verdaderos expertos en la materia, por lo que “aquellos que estén interesados en ampliar sus conocimientos sobre cine y no le hagan ascos a ningún tipo de películas, tienen en este espectáculo una gran oportunidad de reírse y aprender al mismo tiempo”, señala Palencia.

ENTRADAS YA A LA VENTA

Las entradas para el espectáculo de humor «VHZ», que tendrá lugar los días 22 de abril y 13 de mayo a las 12:30 horas del mediodía en la Salaequis (C/ del Duque de Alba, 4) de Madrid, ya están a la venta en taquilla, la web oficial del recinto y Atrapalo.com.

Cinecutre.com es una veterana web de cine y humor que rinde culto a algunas de las peores películas de la historia. Sus responsables han colaborado en multitud de ocasiones con el programa televisivo «Cinebasura» de MOVISTAR+ y todos los años organizan la CUTRECON (www.cutrecon.com), el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, que ya ha celebrado 12 exitosas ediciones, a la espera de una decimotercera entrega que tendrá lugar del 31 de enero al 4 de febrero de 2024.

Crítica: ‘Retorno a Seúl’

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Con el fin de reencontrarse con sus orígenes, Freddie, de 25 años y criada en Francia, regresa por primera vez a Corea del Sur, donde nació antes de ser adoptada. La joven, de carácter obstinado, comienza a buscar a sus padres biológicos en un país que apenas conoce, llevando su vida por nuevos e inesperados caminos.

Crítica

Todo el filme supone un secuestro emocional, para la protagonista y para el espectador

Es extremadamente difícil ponerse en la piel de una persona en cuya vida irrumpe una cultura totalmente diferente a la suya. Pero es aún más difícil comprender los sentimientos de alguien que se sumerge en una cultura que se supone que la define por nacimiento pero que no ha tenido nunca contacto con ella. Eso es lo más valioso de ‘Retorno a Seúl’, la tercera película de Davy Chou, la cual logra retratar una situación que no es del todo extraña pero que está escasamente explorada.

‘Retorno a Seúl’ fue la candidata al Oscar por Camboya y aunque no llegó a pasar el último corte pienso que sería por muy poco. Pese a tratar todo sobre la cultura coreana la película tiene su origen y producción en Camboya. Está inspirada en la vida de Laure Badufle, una amistad del director, y trata sobre una mujer que teniendo solo un año es adoptada y llevada de Corea del Sur a Francia. Tiempo después regresa para descubrir no solo cómo es el país en el que llegó al mundo sino las razones por las que su familia se desprendió de ella. En ese terreno se mueve ‘Retorno a Seúl’. Un territorio lleno de malentendidos y choques culturales, un campo en el que cultivar la comprensión y aplacar el resentimiento.

Es un viaje y una búsqueda como reflejo externo de una transformación interior. Una vuelta y descubrimiento de raíces. Todo el filme supone un secuestro emocional, para la protagonista y para el espectador. Es una confrontación constante de sentimientos en la que lo interior se enfrenta mucho al ponerse en lugar de otros acabando todo en reacciones que a priori parecen irracionales, pero tienen su base.

La protagonista tiene un carácter europeo, con brotes de descaro, curiosidad e irreverencia pero también de ira contenida. Un papel que le pega a la artista visual Park Ji-Min, quien hace aquí por primera vez un trabajo de actriz. De hecho me consta que cuestionó mucho la concepción de su personaje y si la protagonista tiene ese carácter tan agresivo o extrovertido en público pero acongojado con su nueva familia es por ella. Sin duda ha aportado también en lo referente al vestuario. Su interpretación lo es todo en esta película pues maneja estadios muy complejos en la transformación de su personaje y sabe interpretar muy bien las intenciones del guión.

Además de todo un discurso sobre la identidad ‘Retorno a Seúl’ es en segundo plano un retrato generacional de una zona específica de Asia y de unas personas exiliadas en manos extranjeras. Quizá cueste empatizar algo más por eso con la protagonista y su entorno pero ‘Retorno a Seúl’ demuestra como tantas otras que esos países, antaño en recesión por las guerras, dictaduras o culturas tradicionales, ya están totalmente dentro de la aldea global. Davy Chou consiguió mostrar su película en festivales de Cannes, Toronto, Nueva York o Sevilla. Esa internacionalidad demuestra como extensión del discurso del filme, la inclusión de esta cultura en nuestro mundo capitalista.

Aunque parezca que el tercer acto es más oscuro las sensaciones que nos deja al final la película no son dramáticas o fatalistas. Aunque trate de vidas rotas o trastocadas es un filme que arroja algo de luz. En un momento dado se ve fugazmente que el número de adopciones decrece cada vez más según nos aproximamos a nuestros días. Una muestra más de que Corea se desarrolla con normalidad y que está cada vez más metida en occidente que en oriente.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de marzo de 2023. Título original: Retour à Séoul. Duración: 117 min. País: Camboya. Dirección: Davy Chou. Guion: Davy Chou. Música: Jérémie Arcache, Christophe Musset. Fotografía: Thomas Favel. Reparto principal: Ji-min Park, Louis-Do de Lencquesaing, Yoann Zimmer, Oh Kwang-rok, Guka Han, Kim Sun-young, Son Seung-Beom, Hur Ouk-Sook, Emeline Briffaud, Lim Cheol-Hyun. Producción: Aurora films, Vandertastic Films, Frakas Productions, Merecinema, Anti-Archive, Ciné+, CNC, FFA, VOO, BE TV. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/retorno-a-seul/

Crítica: ‘Project Wolf Hunting’

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Un grupo de peligrosos delincuentes coreanos tiene que ser trasladado en un buque de carga de Manila a Busan. Los acompañan a bordo el capitán de la policía coreana y otros 22 detectives experimentados. Pronto, la prisión flotante abandona el puerto y comienza su camino hacia Corea. Los prisioneros están fuertemente custodiados y todo está tranquilo a bordo hasta que los criminales inician un motín.

Crítica

Gore y acción encerrados en un barco

Sitges nos trajo muchas buenas sorpresas este año y una de ellas fue ‘Project Wolf hunting’ una cinta de acción en medio del mar, donde un grupo de peligrosos delincuentes tienen que ser trasladados en barco hacia Busan. Todo parece ir bien, hasta que hay un botín en medio del mar. Pero el peligro real no son estos delincuentes, sino algo que anda escondiendo el doctor que hay en el barco.

La película comienza rápido y sin ningún miramiento. Algo que me gusta y que realmente es bastante raro en el cine oriental que suelen darle demasiadas vueltas a todo. Además, la duración de la película también me ha llamado la atención pues dura menos de dos horas, también extraño en este tipo de cine.

Un entretenimiento que no deja descansar al espectador hasta el final y que sin duda hará las delicias de los fans de las cintas de acción. Pero también a los que nos gustan los monstruos y el gore. Pues ‘Project Wolf hunting’ no se corta ni un cacho al mostrarnos escenas bastante fuertes en medio del mar. Un viaje lleno de sangre, pues según el director, Hongsun Kim, se utilizaron 2,5 toneladas de sangre durante la producción de la cinta. Pero no solo eso, durante el trascurso de la historia podremos contar unos 57 cadáveres.

Si, es una película de estas que, si os gusta ver muertes por todos lados y a cada cual más bruta, os va a encantar. Si no, os recomiendo que mejor ver otra cosa.

El maquillaje de la película está muy bien realizado, las prótesis están realmente bien hechas.  Pero no solo el maquillaje, las coreografías de la cinta, están muy bien trabajadas, dando un espectáculo de acción tremendo, como si de un anime se tratara. No hay límites y la verdad que se agradece mucho.

‘Project Wolf hunting’ nos da lo que nos promete y nada más, pero es divertida, interesante y es capaz de hacerte estar pendiente hasta el final de toda la historia. Una película con la que podríamos compararla en la actualidad sería la fallida ‘REC 4’ y es que si ésta hubiese tenido esta acción y no darle tanta importancia a una historia ya machacada hubiese sido mejor.

Así que, si queréis mandanga de la buena esta es vuestra película. Ya que este año no hay Muestra SYFY, al menos que nos podamos divertir igualmente en las salas de cine.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de febrero ed 2023. Título original: Project Wolf Hunting. Duración: 122 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kim Hong-sun. Guion: Kim Hong-sun. Fotografía: Ju-Hwan Yun. Reparto principal: Seo In-guk, Sung Dong-il, Choi Gwi-hwa, Jung So-min, Jang Dong-yoon, Jeong-hwan Park, Moon-Sung Jung, Jang Young-Nam. Producción: Cheum Film, Contents G. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror, acción. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/project-wolf-hunting

Crítica: ‘Jung_E’

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En este apasionante thriller de ciencia ficción, un catastrófico cambio climático ha devastado la Tierra y los humanos han huido a refugios espaciales. Allí se libra una guerra y, para ponerle fin, un equipo ha clonado el cerebro de la mítica mercenaria Yun Jung-yi para crear la IA de combate definitiva.

Crítica

Song-ho Yeon se monta su propio Ghost in the shell

Sang-ho Yeon (‘Train to Busan’, ‘Rumbo al infierno’) vuelve con un nuevo largometraje en el que una vez más intenta entretenernos y ya de paso criticar la condición humana. En esta ocasión se aleja de los monstruos para adentrarse en el metal de los robots de la ciencia ficción. En ‘Jung_E’ nos lleva a un mundo en el que la humanidad vive en el espacio, fuera de un planeta Tierra inundado por el cambio climático. Pero nuestro siempre presente belicismo provoca una guerra entre las colonias que pueblan las distintas estaciones espaciales. Es por eso que en un intento desesperado uno de los bandos intenta replicar a su mejor mercenaria copiando su mente y trasladándola al cuerpo de un androide.

El aprendizaje de las máquinas siempre depende de unas primeras instrucciones humanas acompañadas de posteriores correcciones dadas al programa. Para los detractores de las IA’s que tantas imágenes están generando hoy en día, saber que previamente se le han enseñado miles de imágenes y luego viene la generación genuina de nuevo material. La fuente de conocimiento del androide que se pretende crear en ‘Jung_E’ es la conciencia y recuerdos de una letal soldado. Pero hay algo que falla y no se consigue un producto satisfactorio para la corporación que ha iniciado el proyecto. La película tiene una pizca de acción pero se centra en el debate y proceso de creación de este nuevo ser. Y es que para Yeon somos criaturas de naturaleza vil, cuya historia demuestra que nuestra maquinaria de guerra acaba sirviendo a productos que usamos luego en nuestro día a día.

El tema de las IAs no es nuevo pero si está cada vez más de moda. ‘Jung_E’ funciona en algunos momentos en los que toca lo ético de este tipo de tecnologías. A pesar de que lo más atractivo son sus imágenes no es una película que se fundamente en los tiros o las peleas. Es un entretenimiento que busca ser más emocional y dramático. Se siente como tantas otras narraciones asiáticas de género fantástico. Tiene un argumento muy distópico, acción épico-heróica y pese a ello está plagada de tontorronerías e incluso diría que de momentos naif. Busca cierta complejidad existencialista y sentimental pero le pierde su humor infantiloide. Pese a ello como decía tiene visualmente también sus virtudes y aunque los efectos especiales son mejorables la calidad es superior a la de ‘Rumbo al infierno’. Me ha gustado mucho el diseño de robots y androides, pero sobre todo de la fábrica en la que se crean.

La trama se evidencia como un popurrí de otras muchas películas tanto clásicas como recientes, algo mucho menos original de lo que nos tiene acostumbrados el director coreano. A la cabeza se nos pueden venir películas como ‘Ex machina’, ‘Alita: Ángel de combate’, ‘Morgan’, ‘Archive’, ‘Altered Carbon’, ‘Elysium’, ‘Yo, Robot’ e incluso por unos robots que aparecen recuerda a ‘Chappie’ y por un examen de ética al que se someten rememoramos el test de Voight Kampff de ‘Blade Rubner’. Ahí os dejo una buena lista. Pero sobre todo es una especie de ‘Ghost in the shell’ en el que Sang-ho Yeon incorpora unos robots que se mueven como los tachikoma, dispone una sala de montaje como la que vio nacer a Motoko Kusanagi y las ciudades están provistas de luz, oscuridad y lluvia.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de enero de 2023. Título original: Jung_E. Duración: 109 min. País: Corea del Sur. Dirección: Yeon Sang-ho. Guion: Yeon Sang-ho. Reparto principal: Kim Hyun-joo, Kang Soo-youn, Ryu Kyung-Soo. Producción: Climax Studio. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, acción. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘La Casa de Papel: Corea’

El remake coreano de ‘La Casa de Papel’ ya está aquí.

Este viernes 24 de junio llega a nuestras casas ‘La Casa de Papel: Corea’ y la verdad que me ha dejado bastante fría.

Comenzamos con las dos Coreas unificándose y decidiendo con ello crear una casa de la moneda conjunta, la cual, por supuesto, nuestros protagonistas al igual que en la versión española, deciden entrar a robar.

¿Qué por qué me ha dejado fría? Pues quitando la sinopsis inicial en la que las dos Coreas se unen el resto es igual a nuestra serie patria. Vale que querían hacer una Casa de Papel, pero creía que iban a innovar algo más. Si que juegan un poco con el tema de Corea del Sur y Corea del Norte, con las enemistades que aun pueden quedar. Pero no lo suficiente y, aun así, utilizando esto sigue siendo igual que ‘La Casa de Papel’.

Al menos en los 6 episodios de 12 que nos han dejado ver es una copia. ¿Está mal hecha?, para nada. Es un remake muy bien realizado la verdad.

Está claro que la han realizado para tener al público oriental, pero visto lo visto no hubiese hecho falta. Al menos en mi opinión, realizar un remake tan calcado tan pronto me ha parecido algo innecesario.

Pero como digo, es mi opinión y aunque me haya dejado fría, no significa que sea malo. La serie al final es ‘La Casa de Papel’, está bien interpretada y la acción y los escenarios muy bien trabajados.

Quizás eche en falta un poco más de atractivo al personaje de El Profesor y no me refiero al físico que me da igual, pero su personaje no atrae tanto misterio como el que pudo darle Alvaro Morte. Quizás sea el personaje que más rabia me ha dado. En cambio el dúo de Denver y Moscú me ha encantado. Ya me gustaba la versión española, pero admito que estos dos actores logran canalizar mucho el amor entre padre e hijo y como se cuidan el uno al otro.

En el reparto encontramos caras bastantes conocidas como Yunjin Kim (‘Lost’), Park Hae-soo (‘El juego del calamar’), Yoo Ji-Tae (‘Old boy’) o Jeon Jong-seo (‘Burning’).

Poco más que deciros, la serie llega este 24 de junio a Netflix con 12 episodios de mas o menos 1 hora de duración cada uno. Y ya veremos si al menos en los 6 siguientes que restan introducen algo que marque diferencia.

Teaser de ‘La piedad’

Participará en el Festival BiFan de Bucheon (Corea del Sur)

Ya podemos ver el teaser tráiler de ‘La piedad’ el segundo largometraje de Eduardo Casanova. Con la publicación de este vídeo nos han anunciado que ha sido seleccionado para participar en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine Fantástico BiFan que se celebrará en Bucheon (Corea del Sur) entre el 7 y el 17 de julio. Previamente ‘La piedad’ participará en la sección oficial del  Festival Internacional de Karlovy Vary.
‘La piedad’ está protagonizado por Ángela Molina (‘Los abrazos rotos’, ‘Carne Trémula’), Manel Llunell (‘Malnazidos’), Ana Polvorosa (‘Pieles’, ‘Las chicas del cable’), Antonio Durán Morris (‘Fariña’), María León (‘Sin Fin’, ‘La voz dormida’), Daniel Freire (‘El año de la furia’), Songa Park (‘Desaparecidos’), Alberto Jo Lee (‘Xtremo’) y con la colaboración especial de Macarena Gómez (‘30 Monedas’, ‘Musarañas’) y Meteora Fontana (‘Los Europeos’).

‘La piedad’ es una coproducción hispano-argentina, con Pokeepsie Films, Gente Seria AIE, Spal Films, Link-up y Crudo Films.

“Después de mucho tiempo, de muchas cosas perdidas por el camino, entre ellas la salud, ya tengo lista mi segunda película: ‘La piedad’, lo único que me interesa en la vida” apunta Casanova. “Es una película de terror, un terror nada convencional, que habla de la relación más tóxica posible entre una madre y un hijo, estableciendo un paralelismo entre una dictadura y su pueblo, en concreto la dictadura de Corea del Norte. Todes hemos estado en una relación tóxica, da igual si ha sido con una pareja, un amigo o con nuestra propia familia. Las relaciones son profundamente complicadas, estoy seguro de que cualquier persona que esté leyendo este texto está o ha estado en una relación así, pero… ¿cómo se sale de ahí? Si consigues salir ¿cómo y cuánto tiempo te quedas ahí? ‘La piedad’ establece un universo estético diferente al que estoy acostumbrado a rodar. No es nada parecido a ‘Pieles’; nada parecido a nada. Algo mucho más oscuro; tan oscuro como sus personajes.”

Así fue el último acto de ‘La casa de papel’

Asistimos por última vez a una rueda de prensa de la serie española de Netflix

El Palacio de Vistalegre de Madrid fue el escenario escogido para alojar la última rueda de prensa final de ‘La casa de papel’, la que precede al estreno de los últimos episodios de la serie. Fuimos invitados por Netlix a este evento en el que no podían faltar sus protagonistas o artífices. Es por eso que pudimos contar con la presencia de los actores Úrsula Corberó, Álvaro Morte, Pedro Alonso, Najwa Nimri, Miguel Herrán, Jaime Lorente, Esther Acebo, Darko Peric, Hovik Keuchkerian, Luka Peros y Belén Cuesta junto con los creadores y productores Álex Pina, Jesús Colmenar y Esther Martínez Lobato.

El estreno de la segunda parte de la temporada cinco está programado para el inminente 3 de diciembre. ‘La casa de papel’ parte 5 vol. 2 será el final de la serie. La pregunta en la rueda de prensa, que fue la mar de amena, no se hizo esperar. Jesús Colmenar dijo “el final de ‘La casa de papel’ es el final de ‘La casa de papel’. No habrá puerta abierta a una sexta temporada, este es el final de la historia”.

Pero no os preocupéis que poco tardó en resolverse el misterio. El universo de ‘La casa de papel’ va a continuar. En rueda de prensa el creador Álex Pina ya había respondido a una pregunta sobre la generación de nuevo material. Pina, respondiendo dubitativo, afirmó “es algo que estamos pensando, pero ahora mismo está en el aire, le estamos dando vueltas. No puedo responderte a eso hoy”. Hoy en día parece que la prensa no tiene el voto de confianza necesario, lo cual no es de extrañar viendo como corren algunos medios a publicar y a buscar clics rápidos, pues pocas horas después en el evento fan, que también se celebró en el Palacio de Vistalegre y al cual se sumaron más actores, se confirmó que nos esperan nuevas historias. Por un lado habrá un spin-off centrado en Berlín. Conoceremos sus robos previos más allá de los flashbacks que hemos empezado a ver en la temporada 5. Tenemos incluso tráiler.

Muchos han sido los comentarios que se quejaban del parecido estético entre la vestimenta de los ladrones de esta serie frente a los organizadores ficticios de ‘El juego del calamar’. Eso ya nos auguraba en cierto modo más episodios nuevos que están por venir, pero será en forma de remake. Desde Corea del Sur la historia se re-escribirá. Y uno de los protagonistas de la versión oriental es Park Hae-soo, a quien ya hemos visto en ‘El juego del calamar’. Así fue su anuncio en vídeo emitido también durante el evento fan.

Por mencionar alguna curiosidad más que pudimos conocer durante la entrevista grupal. El merchandising de ‘La casa de papel’ se limita a caretas, falsificadas por todas partes. Pero el atrezzo y vestuario de la serie va más allá. Úrsula Corberó nos reconoció que se llevó bastantes recuerdos del set de la segunda temporada pensando que ahí acababa la historia, “y después en la quinta me volví a llevar todo” reconoció entre risas. Incluso se quedó con el colgante de brillantes de Bvlgari “a ver, tampoco me lo han pedido de vuelta” se burló. El resto del elenco no admitió haber cogido nada del set pero si haberse emocionado con el paquete que le enviaron sus “jefes”. Un cofre con su traje original de la serie que le tocó la fibra sensible a Hovik Keuchkerian.

Najwa Nimri es de las únicas o pocas que ha recibido y querido ver la serie hasta el final. “me ha encantado. Era complicadísimo solucionar este tinglado, me ha encantado, sinceramente”, dijo hasta que le cortó Colmenar con un “le ha gustado” que impedía que la actriz soltase ningún spoiler pues reconoció que se moría de ganas por contar todo. “Cuando lleguen al último capítulo los espectadores van a decir, pero ¿cómo van a salir de esta?” nos aseguró Álex Pina. Ya no queda nada, lo próximo que haremos será comentar cómo se resuelve este exitazo de serie.

Crítica: ‘Nido de víboras’

Sinopsis

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Los destinos de un mediocre grupo de desgraciados comienzan a converger a medida que se desmoronan. Joong Man lucha por llegar a fin de mes trabajando en una sauna mientras cuida de su madre enferma, pero un día se encuentra una bolsa llena de dinero en los vestuarios. Tae Young intenta arreglar que su novia se haya dado a la fuga con el dinero que él había pedido a un prestamista. Poco después, un cadáver aparece misteriosamente. Mi Ran, acorralada entre las agresiones de su marido y su trabajo sin futuro como chica de alterne, encuentra a un joven amante, Jin Tae, quien se ofrece a matar a su pareja. Así arranca este juego despiadado que solo puede ganar el más fuerte.

Crítica

Alimentando aún más el éxito de las producciones coreanas

Más allá de necesitar ser reivindicado, el cine coreano y su ficción televisiva han llegado por fin al punto de convertirse en populares e incluso mainstream, prueba de ello es el reciente éxito de Netflix, ‘El juego del calamar’. Sobre gustos no hay nada escrito y predecir qué producción va a ser la siguiente en convertirse en viral o en éxito mundial es imposible. Pero sí que es cierto que en los últimos años se percibe al cine coreano como una apuesta casi segura, una nueva opción de calidad a tener en cuenta.

‘Nido de víboras’ confirma esa tendencia que alimenta aún más nuestra buena percepción del cine que sale de Corea del Sur. Es una película de enredos, de cruce de caminos con muchos personajes y una trama repleta de puñaladas. Kim Yong-hoon emula a su estilo a los Coen y nos propone una historia coral y fatal pero a su vez con humor negro. Un thriller que bien podría competir con ‘La casa torcida’, ‘Pulp Fiction’, ‘Puñales por la espalda’ y similares. Entorno a un mundo criminal se mueve un abanico de personajes variopinto, diverso, de tal modo que las reacciones y resultados son imprevisibles. Y el guion se va enrevesado hasta tal punto que al final acaba haciendo hasta gracia.

Sobra decir que la calidad de ‘Nido de víboras’ no alcanza a mitos como la película de Tarantino o las mejores obras de los autores de ‘Ladykillers’ o ‘Fargo’, pero el puzle que compone no tiene nada que envidiar. Todo parte del libro de Keisuke Sone y ciertamente el sabor es muy novelesco. Los participantes de esta historia son una prostituta, una madame, un funcionario, mafiosos, un portero de discoteca, un detective al más puro estilo Colombo, el empleado de una sauna… Sobre el papel no se sabe cómo podrían confluir todos estos “desgraciados” y cuando arranca el filme seguimos sin saberlo. Es a mitad de la historia y en su mismo desenlace cuando se cierra el círculo de tal modo que uno acaba creyendo en el karma.

La acción transcurre en muchos escenarios diferentes, pero casi siempre en interiores o cuando nos movemos al aire libre es siempre a la luz de la luna o de las frías luces de la ciudad. Kim Yong-hoon emplea en su debut un marcado estilo visual que me ha recordado a películas como ‘I saw the devil’, ‘El lago del ganso salvaje’ o ‘Sympathy for Lady Vengeance’ por mencionar otras asiáticas que también aprovecho a recomendar.

La violencia y el destino son partes fundamentales de ‘Nido de víboras’. Una película de traiciones y buscavidas, de míseros y miserables. Aunque hay muchas historias que seguir el filme no se hace lioso, exige menos atención de la que a priori parece demandar y además deja todas las tramas cerradas, cosa que se agradece.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de diciembre de 2021. Título original: Beasts That Cling to the Straw. Duración: 109 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kim Yong-hoon. Guion: Kim Yong-hoon. Música: Nene Kang. Fotografía: Kim Tae-Soo. Reparto principal: Jeon Do Yeon, Jung Woo Sung, Bae Sung-woo, Youn Yuh Jung. Producción: Megabox Plus M. Distribución: Festival Films. Género: thriller. Web oficial: http://klockworx-asia.com/warasuga/

Entrevista a Kim Yong-hoon director de ‘Nido de víboras’

«Los personajes que se ven abocados a un sistema capitalista»

El 3 de diciembre llega a cines otra película coreana llamada a conquistar a los espectadores. ‘Nido de víboras’ (crítica aquí) está dirigida por Kim Yong-hoon y es un filme coral, con personajes miserables. Un largometraje mitad comedia negra mitad suspense con un entramado muy criminal y a merced del azar o las malas decisiones. En esta historia una bolsa de dinero aparece ante un modesto trabajador de un pequeño establecimiento. Todo gira en torno a ese botín y a aquellos que lo buscan o se cruzan en su camino.

El debutante Kim Yong-hoon es también el guionista de esta obra que surge de la novela de Keisuke Sone. Hemos tenido oportunidad de hablar con él y preguntarle por este nuevo estreno que nos acerca Festival Films.

¿Qué te atrajo de la novela para convertirla en la que además es tu primera película?

Era interesante que los personajes en situaciones desesperadas se vieran sacudidos por la codicia de un momento y se convirtieran en bestias, y que se resolvieran en una estructura no lineal que no seguía el orden cronológico.

Los personajes de la historia son del tipo oportunista y perdedor. ¿Cómo puede sobrevivir alguien a un nido de víboras como este?

Los personajes eran gente corriente en el pasado, y se encontraban en un estado en el que los cimientos de la vida no estaban rotos. Sin embargo, debido a sus propios defectos o a las circunstancias, se convirtieron en personas dispuestas a agarrarse a un clavo ardiendo después de haber caído al suelo y haberse visto obligadas a arrinconarse. Cuando estos personajes se convierten en bestias por la codicia del momento, creo que funciona la ley de la selva, que es el principio básico del mundo de las bestias. Creo que en el mundo de las bestias sobrevive el depredador más feroz.

Tu película tiene cierto grado de violencia, háblame de cómo está vista la violencia cinematográfica en Corea.

En Corea, la reacción estuvo dividida. Hubo gente que pensó que había menos violencia de la esperada y para algunos, era demasiado violenta y se sentían incómodos. Personalmente, pensé que era necesaria para desarrollar la historia. Es que no considero esta película como una película que sólo muestra violencia.

El cine coreano siempre nos ha traído buenas obras, pero… ¿por qué cree que ahora tiene tanto éxito fuera de sus fronteras?

Creo que es una combinación de varios factores. Corea comenzó a formar el sistema de la industria cuando el capital de las grandes empresas se apresuró a entrar, y gracias a esto, la buena mano de obra está entrando en la industria. Además, se han producido constantemente películas de bajo presupuesto que persiguen la originalidad, lo que ha contribuido a crear grandes cineastas.

En especial, creo que directores como BONG Joon-ho (‘Parásitos’), PARK Chan-wook (‘Old boy’), KIM Ki-duk (‘Hierro 3’), KIM Ji-woon (‘Dos hermanas’) y HONG Sang-soo (‘Ahora sí, antes no’), que han construido su propio mundo y estilo, han influido mucho en el cine coreano desde principios del 2000.

¿Crees que la buena acogida internacional de esta película guarda relación con otros éxitos violentos o llenos de miseria como ‘Old boy’, ‘Parásitos’ o ‘El juego del calamar’?

Parecen tener similitudes en cuanto al tratamiento de personajes que se ven abocados a un sistema capitalista.

Viendo la película me han venido a la cabeza películas como ‘Pulp Fiction’ y ‘Quemar después de leer’. ¿Son Tarantino y los Coen referentes para ti?

Personalmente, son directores que admiro. Creo que ver sus películas una y otra vez me afectó de alguna manera y salió en la película.

¿Ha servido la bolsa de dinero como objeto metafórico del sueño de ser director que sientes tú mismo?

Si consideras la bolsa de dinero como el medio de querer agarrarte a un clavo ardiendo, puede que lo veas así. Pero yo no me lo planteé desde esa razón mientras hacía la película.

Muchas gracias a Kim Yong-hoon por una película que nos a agradado tanto y por su tiempo al responder a estas preguntas.

Crítica de ‘Sweet home’

Un drama monstruoso y pandémico

Un joven adolescente se ve inmerso en una depresión cuando todo a su alrededor comienza a agitarse, cuando el mundo, o por lo menos su país (Corea del Sur) se ve asolado por una extraña pandemia que convierte a la gente en aberrantes criaturas. ¿La razón? Ya la iréis viendo, pero anticipo que es original. El protagonista de esta serie de terror disponible en Netflix es ese chico del que poco a poco vamos descubriendo cosas, pero realmente hay que afirmar que ‘Sweet home’ está protagonizada por muchos personajes.

Al igual que en otros mangas o animes esta serie de acción real añade una cantidad grande de protagonistas y los usa para desarrollar su acción. Tenemos por lo tanto una comunidad de desconocidos guiada por varios héroes. Un grupo variopinto y heterogéneo que como en historias tipo ‘Gantz’ ha de aprender nuevas habilidades sociales y de combate que les ayuden a sobrevivir a los monstruos que les acechan.

‘Sweet home’ dispone de un héroe al más puro estilo ‘Prototype’ y da mucho protagonismo a las mujeres de este edificio que se ve obligado a confinarse ante la amenaza externa. Incluso incluye un personaje que se gana el calificativo de cruel y calculador, al más puro estilo Light Yagami. Lo que quiero decir con todo esto es que todo aquel que le dé al play va a encontrar en ‘Sweet home’ un personaje con el que sentir apego, como nos ha pasado con series tipo ‘Lost’.

Hablemos de la trama. ‘Sweet home’ adapta un cómic distribuido de manera online, en lo que en Corea han llamado webtoon. Empieza recordando a ‘#Alive’ y poco a poco la acción y el terror se hacen con el protagonismo. La serie está la mar de entretenida siempre que introduce escenas con monstruos de todo tipo que parecen inspirados en los jefes del ‘Resident Evil’. Pero esa presencia va desapareciendo y da paso a momentos de relaciones entre personajes que se agradecen para enriquecer la serie pero que se apoderan en exceso del metraje.

Lee Eung-bok es el artífice de la serie y se nota que es experto en K-Drama, por todo lo que os acabo de contar y por cómo le gusta ver llorar a sus actores. No obstante ‘Sweet home’ es una serie que recomiendo sobre todo por su primera mitad que está repleta de acción y de proezas. Aunque abuse en exceso de un tema de Imagine Dragons (irónicamente la productora que ha realizado la serie se llama Studio Dragon) consigue momentos épicos y emotivos.

Y se puede disfrutar de la historia a pesar de que hay algunos saltos en los que han cambiado o aportado detalles que no nos explican. Sin duda lo mejor de ‘Sweet home’ son los diseños de las criaturas y la interpretación de alguno de sus actores, como Jin-wook Lee y Si-Young Lee. Es una producción que deja buen sabor de boca a pesar de disponer de un final abierto.

Crítica: ‘Parásitos’

Sinopsis

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Toda la familia de Ki-taek está en el paro y se interesa mucho por el tren de vida de la riquísima familia Park. Un día, su hijo logra que le recomienden para dar clases particulares de inglés en casa de los Park. Es el comienzo de un engranaje incontrolable, del cual nadie saldrá realmente indemne.

Crítica

Una singularidad que hay que aplaudir y laurear por su uso de la comedia negra

No hace falta que seáis expertos en cine coreano para comprender que el director Bong Joon-Ho, autor de películas como ‘Okja’ o ‘The host’ es un fuera de serie que destaca entre sus compatriotas y entre los directores de su generación a lo largo de todo el globo terráqueo. No es de extrañar que con ‘Parásitos’ diese la sorpresa en la pasada edición del festival de Cannes llevándose la Palma de Oro pues el último título del director surcoreano es portentoso, espero poder leerlo entre los nominados al Oscar. ‘Parásitos’ es una singularidad de esas que hacen reír a la par que reflexionar, que hay que aplaudir y laurear por su uso de la comedia negra.

Bong Joon-Ho se aleja esta vez del género fantástico para narrarnos las peripecias de una familia que sueña con aspirar a más. Aunque soñar es un término demasiado amable para un filme que a veces roza lo repugnante. Los Ki-taek más bien traman, maquinan con una vida mejor, pero no cualquier vida, quieren la que llevan otros y para eso elaboran un plan patético y un tanto escalofriante. Aunque sus personajes son tristes, descarados e incluso abyectos uno no puede dejar de sentir cariño por ellos, al fin y al cabo solo intentan sobrevivir y sufren injusticias. Sus argucias despiertan una malévola simpatía. En ese sentido ‘Parásitos’ puede recordaros a títulos recientes como la serie ‘Vergüenza’. Varios adjetivos que encajan muy bien con los Ki-taek son gorrones o chanchulleros, pero también supervivientes.

Literalmente llega un momento en que la película se convierte en una lucha de clases. Pero el filme de Bong Joon-Ho es en su mayoría una sátira que juega con el karma y la justicia poética. Resalta las diferencias entre distintos estratos sociales de un modo magistral a través de la mirada de unos protagonistas que nos muestran el derroche o la suerte de diferentes maneras. En esta ocasión el director coreano ha llegado a emplear una retorcida malicia digna del propio Lars von Trier.

Y la fotografía parece sacada de portadas de una colección manga. Estampas de lugares asiáticos urbanos que invitan a escudriñar el país en su sentido más hogareño y mundano. Hay un par de secuencias en las que la función vídeo de los smartphone entra en juego y son gloriosas.

Se nota que el guión está bien sopesado, esta no es una película que nos cuente un mero lance. Todo sucede de manera meticulosa e hilarantemente por etapas. Hasta que en uno de sus cambios de acto la cosa se desmadra. Se incorpora a la cinta la tensión, el desconcierto, la intriga, varios giros chiflados. ‘Parásitos’ es un thriller social de miserias y miserables, donde hay que identificar bien a los perdedores y a los impostores.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de octubre. Título original: Gisaengchung (Parasite). Duración: 131 min. País: Corea del Sur. Dirección: Bong Joon-Ho. Guion: Bong Joon-Ho, Han Jin Won. Música: Jaeil Jung. Fotografía: Kyung-pyo Hong. Reparto principal: Kang-ho Song, Sun-kyun Lee, Yeo-jeong Jo, Woo-sik Choi, Hye-jin Jang, So-dam Park. Producción: Barunson E&A, CJ E&M Film Financing & Investing Entertainment & Comics, TMS Comics. Distribución: La Aventura Audiovisual. Género: comedia negra, suspense. Web oficial: http://laaventuraaudiovisual.com/parasitos/

Japan Weekend Madrid contará con la cantante surcoreana Hyemin

Se une a los grupos THREE1989 y Sunstroke Project

Continuamos teniendo novedades sobre la próxima edición de Japan Weekend Madrid. Ayer conocimos la incorporación del dibujante de Marvel Salva Espín que se sumaba al artista de ‘Pokémon: Detective Pikachu’ RJ Palmer.  La organización nos envía una nueva invitada, esta vez dentro del campo de la música. Se trata de la artista de Corea del sur Hyemin, una cantante de K-Pop con una buena legión a sus espaldas. En el décimo aniversario de Japan Weekend la música va a estar muy presente pues también están anunciados los grupos THREE1989 y los moldavos Sunstroke Project.

Hyemin es una cantante, compositora e intérprete nacida en 1995 en Seúl, Corea del Sur. Su estilo musical es variado, incluyendo pop, baladas y R&B y canta en inglés y coreano. Tras debutar en 2015 bajo el nombre de Page 페이지 con 그래도 사랑 (Still I Love) en Music Bank, comienza a actuar en dramas coreanos con papeles secundarios, en programas televisivos musicales y a dar sus primeros conciertos. Es su primera visita a nuestro país, ¿estaréis ahí para darle una cálida bienvenida el 21 y 22 de septiembre?

Crítica: ‘Along with the gods’

Sinopsis

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Después de una muerte heroica, un bombero navega por la otra vida con la ayuda de tres guías.

Crítica

Cautiva con sus mundos y con la frescura de su historia

En el festival de Sitges pudimos ver en sesión doble continuada los dos títulos de ‘Along with the gods’ que llevan como tagline ‘Los dos mundos’ y ‘Los últimos 49 días’, ambos dirigidos y escritos por Yong-hwa Kim. El próximo 18 de octubre Diamond Films ha organizado en colaboración con Yelmo Cines pases en los que se podrán ver de manera seguida las dos partes de esta saga que apunta a trilogía. Podrán visualizarse en más de una decena de salas y a continuación os detallo por qué merece la pena acercarse a ver esta aventura oriental.

La película surge de un cómic digital (webtoon) de Ho-min Ju. En él nos descubren un más allá bastante estricto pero espectacular. Cada muerto ha de pasar siete juicios para alcanzar la reencarnación y para superar esos juicios se le asignan tres guardianes (que son esos actores que en el cartel aparecen vestidos a lo Matrix). La cuestión es que hay ciertas almas que se consideran «virtuosas» y el protagonista tiene una de esas almas. El rey Yeomra prometió a los guardianes que si reencarnaban a 49 virtuosos les daría a ellos también la reencarnación. Las dos películas nos narran la búsqueda de esos guías por conseguir las dos últimas almas virtuosas.

Como si fuese el infierno de Dante el más allá está dividido en varios infiernos. Solo que para ir de uno a otro es como si estuviésemos en un mundo continental, con sus diferentes paisajes y retos. La película se recrea en esas localizaciones y es ahí donde tiene uno de sus puntos fuertes. A través de imágenes generadas por ordenador nos trasladan a lugares desérticos o a selvas frondosas. Cada infierno tiene su dios con su vestuario diferente y condena que aplicar al juzgado. Esos castigos aportan una espectacularidad a la película que solo hemos visto en películas de Hollywood, no solo por su grandiosidad, si no por la calidad de sus efectos especiales.

Se me ha antojado muy original esta historia, sobre todo durante la primera parte que tiene mejor ritmo y sorpresas. La segunda intenta estirar el argumento y se hace bastante más plomiza. Aún así el sabor a leyenda y cuento tanto épico como cómico lo mantiene.

Actoralmente no es ninguna maravilla, las interpretaciones no son excelentes pero tampoco tienen mucho que reprochar, sobre todo si tenemos en cuenta que atienden a unos códigos y una naturalidad más asiáticos. Pero de todos modos el filme resulta bastante universal  y sus conceptos se pueden aplicar de un modo internacional.

Entre las dos entregas encontramos a actores muy jóvenes, pero el rostro más conocido aquí es Mak Dong Seok al cual vimos hace muy poco en la sorpresa de ‘Train to Busan’. El resto del reparto es bastante desconocido y si no estáis familiarizado con el cine coreano no os sonará nada. Tal vez ese es un punto a favor de la película, ya que no nos dejamos llevar por este u aquel famoso, si no que tenemos personajes desconocidos para nosotros que también nos cuentan una historia bastante fresca y nueva.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de octubre de 2018. Título original: Along with the gods. Duración: 140 + 140 min. País: Corea del sur. Dirección: Kim Yong-Hwa. Guion: Kim Yong-Hwa. Música: Jun-seok Bang. Fotografía: Byung-seo Kim. Reparto principal: Cha Tae-hyun, Kyung-soo Do, Ha Jung-Woo, Lee Joon-Hyuk, Won-hie Lim, Gwang Jang, Ji-hun Ju, Hae-Kyun Jung, Kim Dong-uk, Ha-Neul Kim, Kim Hae-suk, Hyang-Ki Kim, Kim Soo-an, Lee Jung-jae, Ma Dong-seok, Oh Dal-su. Producción: Dexter Studios, Realies Pictures. Distribuida por Lotte Entertainment, Well Go USA Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: aventura, fantasía, adaptación.

Crítica: ‘Okja’

Sinopsis

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Un gigante dócil y la niña que lo ha criado son el objetivo de la lucha entre el activismo animal, la codicia de una corporación y la ética científica.

Crítica

‘Okja’ es necesaria, es una cinta animalista, sí, pero también muy humana, no os la podéis perder.

 Bong Joon-ho ha logrado hacer una cinta que llega al alma, una película que dentro de sus fallos, tiene una trama tan grande que hace que ni te importen. Con mucho mensaje animalista, ‘Okja‘ nos mete de fondo temas como los transgénicos, el maltrato animal y los mataderos.

Okja es un supercerdo creado por la empresa Mirando, el cual es criado por Mija y su abuelo en plena naturaleza. Lo que Mija no sabe es que su mascota y amiga va a ser convertida en salchichas.

Es una película dura, al menos a mí me lo ha parecido, dentro de la aventura de rescatar a su mascota de los malos, la cinta te muestra mucho más, el sufrimiento y estrés que sufren los animales al ser separados de la gente que les quiere, el que en el fondo saben que algo va mal, o el momento en el que se les mete en los mataderos.

En cuanto a los elementos técnicos, la cinta está bien rodada, con ritmo y no cansa. El CGI quizá no sea el mejor de todos los tiempos, ‘Okja’, ese animal que es como un manatí con cuerpo de hipopótamo, no está mal hecho, pero sí podría estar mejor.

En el tema de los personajes Bong Joon-ho nos trae personajes caricaturizados, Tilda Wilson está estupenda con su doble papel y Jake Gillenhaal me ha sorprendido gratamente, se que es un gran actor, pero con este papel me ha demostrado que se le da bien hacer de todo. En este lado también vemos a Giancarlo Esposito, en un papel muy secundario pero muy importante en el final de la trama.

Estos dos actores son los que representan a las cárnicas pero ‘Okja‘ no solo les critica a ellos, sino que también a los defensores de animales, en esta cinta un grupo de estos «heroes» intenta ayudar a Mija a recuperar a su supercerdo, pero claro, antes tienen que demostrar y enseñar lo que se hace con ellos.

En este grupo podemos ver a una selección de jóvenes actores en pleno auge, como puede ser Paul Dano, que parece que le encanta hacer papeles extraños, Lily Collins, quizá el personaje más normal de toda la cinta, o Steve Yeun, al que coges bastante tirria por algo que hace durante el desarrollo de la historia.

Pero ‘Okja‘ no solo tiene drama, sino también aventuras y amistad. No os la perdáis en Netflix.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de junio. Título original: Okja. Duración: 118 min. País: Corea del Sur. Director: Bong Joon-ho. Guión: Boon Joon-ho. Música: Jaeil Jung. Fotografía: Dariuf Khondji. Reparto principal: Ahn Seo Hyun, Tilda Wilson, Jake Gyllenhaal, Paul Dano, Devon Bostick, Lily collins, Giancarlo Esposito, Steven Yeun, Byun Hee-bong, Shirley Henders, Daniel Henshall, Je Moon, Choi Woo-sik. Producción: Lewis Pictures, Plan B Entertainment, Netflix, Kate Street Pictures Company. Distribución: Netflix. Género: Drama. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/80091936

Crítica: ‘Seoul Station’

Sinopsis

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Precuela animada de la película ‘Train to Busan’. Durante la noche en Seúl los mendigos se refugian en la estación central. Algunos presentan síntomas extraños. Rápidamente aparecen zombies y una joven que ha roto con su novio se encuentra con ellos. Su padre y su ex-novio intentarán rescatarla.

Crítica

Un anime de los que te animan a ver animación.

Al igual que con otras películas sobre zombies (o infectados) que no transcurren en los Estados Unidos, como ‘[Rec]’ o ’28 días después’ el cambio de localización trae consigo también un cambio de concepto o tratamiento. Esta película, considerada precuela de la fantástica ‘Train to Busan’, nos aporta una nueva visión sobre un conflicto con personas zombificadas. Ambas funcionan como películas independientes pero ver los dos largometrajes nos aporta una visión más completa de esta especie de universo que ha iniciado Yeon Sang-ho.

La zombificación de la mente humana es un hecho real para el director coreano que nos arroja no solo ante muertos vivientes devoradores de personas si no ante humanos vivos aletargados y anestesiados por la civilización actual. Se retrata a un ser humano egoísta, ciego ante las desgracias de sus semejantes e incluso clasista. Al igual que en ‘Train to Busan’ Sang-ho plasmó el carácter o su opinión de la sociedad de Corea del Sur. No nos infunde mucha confianza o esperanzas hacia su gente pero es algo que ya hemos podido observar en otros cineastas del género.

Quizá el hecho de que sea animada le reste terror o la posibilidad de que nos metamos más en la historia. Pero si consigue trasladar sensación de agobio y desesperación. Los momentos de tensión son fácilmente reconocibles y en ocasiones se logra bastante espectacularidad. Innovar actualmente con la animación es muy relativo, pues se acaba por entender como innovación al despliegue de medios o la aproximación de esta a la imagen real. ‘Seoul Station’ está más cerca de los animes tradicionales pero con lo que sorprende es con sus movimientos de cámara, su fluidez y su bien escogida estética.

Pese a todo lo explicado lo que da lástima es que se queda en una historia demasiado aislada, en algo meramente episódico. Quizá por no querer ampliar sus fronteras más allá de Seúl carece de magnitud y grandiosidad. Pero si como he dicho antes nos la tomamos como apertura para ‘Train to Busan’ nos puede satisfacer.

En resumen, con lo que me quedo es con su giro final y con que resulta diferente al ofrecernos animación y zombies en Corea del Sur uniendo talento y originalidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2017. Título original: Seoul Station. Duración: 92 min. País: Corea del Sur. Director: Yeon Sang-ho. Guión: Yeon Sang-ho. Música: Young-gyu Jang. Producción: Finecut, Studio Dadashow. Género: animación, fantasía, terror.

Crítica: ‘Train to Busan’

Sinopsis

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Un brote viral misterioso pone a Corea en estado de emergencia. Sok-woo y su hija Soo-ahn suben al KTX, un tren rápido que une los 442 km que separan Seúl de Busan. Pero justo en el momento de su partida, la estación es invadida por zombis y uno de ellos sube a bordo del tren. Mientras el tren alcanza su máxima velocidad, los pasajeros tendrán que luchar por sus vidas.

Crítica

Próxima estaZión…

El cine asiático siempre nos ha dado sorpresas y es desde hace tiempo la referencia para muchos amantes del séptimo arte. En las últimas décadas las producciones provenientes de países como Corea del Sur, Japón, India… están alcanzando el nivel de Hollywood. ‘Train to Busan’ es una muestra más, otro largometraje que se suma a películas que están dejando de recibir el calificativo “de culto”.

Siguiendo la moda mundial de las historias sobre zombies nos llega ‘Train to Busan’. El director Yeong Sang-ho está más acostumbrado a trabajar con la animación, campo en el que ya ha sido bastante adulado. Da el salto a los largometrajes de acción real tirando de un tipo de cine que siempre consigue un mínimo de partidarios, el cine de zombies. Además ha escogido un escenario difícil de manejar. Pese a que prácticamente toda la acción transcurre en un agobiante tren, la película nos transporta a un escenario de catástrofe global.

Una película de género que logra emocionarnos, que posee una acción y efectos especiales de gran calidad. Los no muertos son el otro punto fuerte del largometraje junto a su reducida localización. Actores casi contorsionistas y trepamuros se convierten rápidamente en unos zombies que como suele ser habitual presentan alguna que otra peculiaridad. Zombies que trabajan en equipo y ciudadanos que luchan entre ellos. Un contraste que nos hace pensar que Sang-ho no está muy feliz con la manera de comportarse de sus conciudadanos.

El nivel interpretativo es quizás lo que baja la nota a un film del que casi hay que hablar maravillas y que causa sensación allí por donde pasa. No estamos hablando del contraste con entre el cine occidental y la manera tan particular de actuar de los asiáticos. El reparto, protagonizado por Yoo Gong (‘The Age of Shadows’) se abre paso desesperadamente y minuto a minuto por una historia trepidante. Pero lo hace de manera un tanto sobreactuada. También hay que decir que esto ocurre menos de lo habitual, pues ser exagerados en sus interpretaciones es algo muy típico en Asia. Quizá cuando mejor trabajan estos actores es cuando sus personajes tienen que mostrar sentimientos hacia sus familiares, ya que esta película también habla del amor y las atenciones hacia aquellos que son de nuestra misma sangre.

Disfrutad de las hordas de zombies que van de camino a Busan. Un tumulto voraz al más puro estilo ‘Guerra mundial Z’ pero con mejor calidad, tanto en argumento como en realización de efectos especiales y maquillaje.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de enero de 2017. Título original: 부산행 Busanhaeng. Duración: 118 min. País: Corea del Sur. Director: Yeong Sang-ho. Guión: Yeong Sang-ho. Música: Jang Young-gyu. Fotografía: Lee Hyung-deok. Reparto principal: Yoo Gong, Ma Dong-seok, Ahn So-hee, Kim Soo-an, Jung Yu-mi, Kim Eui-sung,Choi Woo-sik, Jung Kyung-mi, Shim Eun-kyung, Choi Gwi-hwa. Producción: Next Entertainment World. Distribución: A Contracorriente films. Género: terror, acción. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/645/train-to-busan/

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