Crítica: ‘The Punisher: One Last Kill’

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Un capítulo puente intentando domesticar lo indomable

Resulta complicado abordar ‘The Punisher: One Last Kill’ como si fuese un largometraje autónomo. Su propia estructura se resiste a ello y en ese sentido creo que han sido bastante honestos a la hora de publicitarlo. Más que una película al uso es un capítulo que funciona como una pieza intermedia, colocado entre acontecimientos mayores del universo televisivo de Marvel. El problema es que tampoco termina de sentirse indispensable. Está ahí para para empujar ligeramente a Frank Castle hacia un nuevo estado emocional y narrativo, y poco más.

La obra se sitúa evidentemente después de la segunda temporada de ‘The Punisher’ y, según todo apunta, transcurre de manera paralela a los sucesos de ‘Daredevil: Born Again’ temporada 2. La ciudad aparece sumida en un caos extraño, una especie de vacío moral donde apenas quedan vigilantes capaces de imponer cierto orden. Sobre el papel, la conexión tiene sentido. En la práctica, el especial parece desligado del resto de la continuidad, como un fanmade con escena digital de poca monta incluida. Incluso cuando menciona o respeta acontecimientos previos, transmite la sensación de ser un relato encapsulado, aislado del resto del MCU callejero.

Quizá ahí radique precisamente su verdadera función. Más que contar algo imprescindible, ‘The Punisher: One Last Kill’ parece existir para cerrar heridas concretas y recolocar psicológicamente al personaje antes de su futura aparición en ‘Spider-Man: Brand New Day’. Y visto desde esa perspectiva, muchas decisiones empiezan a cobrar sentido. Frank Castle necesitaba ser reducido de nuevo a sus elementos básicos para después reconstruirse parcialmente. El especial no pretende evolucionar ni revolucionar al personaje, sino estabilizarlo.

Jon Bernthal vuelve a demostrar por qué su versión de Punisher sigue siendo la definitiva para buena parte del público contemporáneo. El actor entiende que Frank Castle ya no puede ser simplemente una máquina de matar con frases lapidarias. Aquí es un hombre agotado, deteriorado mentalmente, acosado por recuerdos y atrapado dentro de una espiral de culpa interminable. Su mayor enemigo no son los mafiosos ni los matones de turno. Es él mismo.

Y eso explica también el retorno constante al trauma familiar. Sí, otra vez la pérdida de su esposa e hijos. Otra vez las pesadillas. Otra vez el estrés postraumático dominando cada rincón de la narración. Nadie había pedido realmente regresar a ese punto, especialmente después de tantas iteraciones previas del personaje, pero el especial insiste en ello con una terquedad casi obsesiva. Frank vive como un cadáver funcional. Apenas duerme. Apenas habla. Apenas distingue entre castigo y rutina.

Violencia seca, brutal y sin heroicidades

Afortunadamente, ‘The Punisher: One Last Kill’ comprende que el personaje no puede sostenerse únicamente sobre introspección y sufrimiento psicológico. Hay violencia. Mucha violencia. Y cuando aparece, el especial encuentra sus mejores momentos.

Algunas secuencias recuerdan claramente a ‘Dredd’ por esa sensación de brutalidad urbana encerrada en espacios opresivos y balconadas. Otras evocan el salvajismo físico de ‘Oldboy’, especialmente en enfrentamientos donde la cámara privilegia el agotamiento corporal antes que la espectacularidad superheroica tradicional. Aquí los cuchillos salpican sangre. Los disparos rompen huesos. La violencia no aparece como estética cool, sino como consecuencia inevitable.

Y conviene recordarlo porque Marvel parece olvidarlo a menudo: Punisher mata. No tiene el código moral de Daredevil. No existe espacio para discursos sobre redención cuando Frank entra en acción. El especial entiende eso mejor que muchas adaptaciones anteriores del personaje. Este Punisher está completamente sonado. No transmite miedo porque sea invencible, sino porque parece alguien que ya no distingue entre sobrevivir y autodestruirse.

También hay una decisión particularmente significativa desde el inicio. La historia comienza mal. Muy mal. Hay un perro. Y quien conozca mínimamente el lenguaje emocional del thriller contemporáneo ya sabe lo que eso significa.

Una despedida parcial antes de una nueva etapa

El principal problema de ‘The Punisher: One Last Kill’ es que nunca termina de justificar plenamente su existencia como obra independiente. Tiene sentido industrialmente. Tiene sentido dentro de la maquinaria narrativa de Marvel. Incluso tiene sentido como puente psicológico. Pero dramáticamente se queda a medio camino entre episodio piloto, epílogo y terapia emocional para su protagonista.

Eso provoca una sensación extraña. El especial parece querer cerrar asuntos pendientes mientras simultáneamente prepara algo distinto. No funciona como conclusión definitiva ni como verdadero renacimiento. Simplemente mueve piezas sobre el tablero.

Aun así, ‘The Punisher: One Last Kill’ posee suficiente personalidad sombría y suficiente brutalidad física como para resultar disfrutable. Es simplemente una última parada en el descenso emocional de un hombre incapaz de dejar de castigarse a sí mismo. Y quizá eso sea lo más honesto que podía ofrecer esta etapa del personaje, pero ya lo sabíamos.

Ficha de ‘The Punisher: One Last Kill’

Estreno en España: 12 de mayo de 2026. Título original: The Punisher: One Last Kill. Duración: 60 min. País: EE.UU. Dirección: Reinaldo Marcus Green. Guion: Jon Bernthal, Reinaldo Marcus Green. Música: Kris Bowers. Fotografía: Robert Elswit. Reparto principal: Jon Bernthal, Judith Light, Deborah Ann Woll, Jason R. Moore, Kelli Barrett, Andre Royo, John Douglas Thompson, Eduardo Campirano. Producción: Marvel Studios. Distribución: Disney+. Género: acción. Web oficial.

Crítica: ‘Primate’

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Critica

La gran sorpresa del año. Primate es una fiesta

En 2025 una de mis películas favoritas fue ‘The Monkey’, este año sin duda, ‘Primate’ va de cabeza a mi top ten. Y si queda mucho año, pero es que este slasher me ha encantado. Pude ver esta película en el Festival de Sitges y solo recuerdo los aplausos cada vez que Ben, este mono tan especial, mataba a alguien. Una de esas películas muy disfrutables con público y que sin duda va a dar que hablar.

La historia es sencilla y nada original. Un grupo de adolescentes llegan a la casa de una de las chicas, allí vive el mono de la familia, Ben, al cual han mordido. Así, sin complicación, un mono con rabia comienza a matar a cualquiera que aparece por su lado.

Como he dicho, no es nada original, es como ‘Cujo’, pero con un chimpancé. Los personajes humanos, apenas nos interesan, con lo que no coges cariño a ninguno y te da igual la muerte que tengan. Para mí, esto es esencial, te olvidas de los momentos dramáticos y disfrutas de este divertido slasher desde el principio. Ya que ‘Primate’ no se anda con miramientos, y tarda poco tiempo en despegar. Además que la película dura poquito y eso hace que al final sea perfecta. Porque no se lía con tonterías y como digo, va al grano.

Ben, el mono rabioso

Una de las cosas que más me ha gustado, ha sido el animatrónico de Ben. Está claro que algo de CGI habrán utilizado, pero se nota mucho el trabajo manual. Todo esto es gracias a Millennium FX, que están acostumbrados a trabajar animatrónicos de todo tipo, ya que han trabajado tiempo para ‘Dr. Who’. Y sin duda Ben, este mono asesino, me parece un trabajo impresionante.

Todo ello ayudado sin duda a la iluminación y fotografía de la cinta, que hace que si hubiese algún defecto, se disimule. Me parece un trabajazo y es sin duda lo mejor de la película. Stephen Murphy director de fotografía, nos contó en el Microsalón de AEC, que disfrutó mucho trabajando en esta cinta, ya que le encanta el cine de terror.

Los humanos indispensables

Si, os lo he comentado antes, pero que los personajes sean tan insoportables e innecesarios me encanta. Porque así, cada vez que ves una muerte, la disfrutas de verdad. Al no entablar ningún tipo de cariño hacia ninguno de ellos, hace que te den completamente igual.

Tenemos caras conocidas, como Kevin McNally o el oscarizado Troy Kotsur. Y en el reparto joven tenemos a Johnny Sequoyah, Jessica Alexander, Victoria Wyant, Charlie Mann, Benjamin Cheng o Gia Hunter.

Papeles sencillos, sin complicaciones, adolescentes un tanto insoportables que solo quieren fiesta y que van a terminar la noche de la manera menos esperada para todos, con un monete acosándoles fuera de una piscina.

¿Qué esperar de Primate?

‘Primate’ está dirigida por Johannes Roberts, director que ya sabe como hacer que un animalillo de miedo, pues ya lo logró en ‘A 47 metros’, si que es cierto, que no podemos comparar un tiburón con un chimpancé, pero, sabe lo que se hace. El guion lo escribió junto a Ernest Riera, que también trabajó con el en la ya mencionada ‘A 47 metros‘. Ambos realizan un trabajo divertido y salvaje.

Sin duda Paramount viene fuerte este comienzo del año con esta cinta y con la próxima de ‘Scream’. ‘Primate’ os puedo asegurar que es una gran fiesta. Si os gustan los slasher, las muertes crueles y originales, esta es vuestra película. Un entretenimiento puro y duro, con la que no necesitas pensar en nada, solo disfrutar.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de febrero de 2025. Título original: Primarte. Duración: 82 min. País: Estados Unidos. Dirección: Johannes Roberts. Guion: Johannes Roberts, Ernest Riera. Música: Adrian Johnston. Fotografía: Stephen Murphy. Reparto principal: Johnny Sequoyah, Jessica Alexander, Kevin McNally, Troy Kotsur, Kae Alexander, Gia Hunter, Victoria Wyant, Benjamin Cheng, Charles Mann, Tienne Simon, Stuart Whelan. Producción: 18hz Production. Distribución: Paramount Pictures. Género: Terror. Web oficial.

Crítica: ‘Singular’

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Sinopsis

Doce años después de la muerte de su hijo, Diana y Martín deciden reencontrarse durante un fin de semana en su antigua casa del lago. Ella es especialista en Inteligencia Artificial, él abandonó la profesión para vivir retirado de la civilización. Cuando un enigmático joven con un misterioso parecido con el difunto hijo aparece en la casa, salen a la luz antiguos secretos y nuevas sospechas. Del pasado de la familia podría depender la existencia de un futuro.

Crítica

Enigmática y existencial

En 2019, el proyecto de Alberto Gastesi consiguió el premio Pitchbox de Sitges. Con ello se lograba que ese guion pudiese tener opciones de llegar a película. Un guion sin duda bastante original y con varios giros de guion muy bien llevados.

En la película conocemos a Diana, una mujer dedicada en cuerpo y alma a su trabajo, conseguir que la Inteligencia Artificial avance hasta niveles insospechados. Un día, recibe la llamada de Martín, su ex pareja. Ambos perdieron a su hijo hace 12 años y deciden reencontrarse en su antigua casa del lago para cerrar heridas. Allí, un joven misterioso aparece en la casa y salen a la luz antiguos secretos.

‘Singular’ me ha parecido bastante interesante, os aviso que su ritmo es pausado, van contándonos todo paso a paso, lentamente y llega un momento de bucle que puede hacerse un poco pesado. Pero es necesario para el desenlace de la cinta. Una película que nos habla del dolor por la pérdida. De las cosas que no se dicen cuando se está deshecho de dolor y de esos secretos que se guardan por no dar más dolor a la otra persona. La culpa pesa mucho y también es otro de los grandes temas de ‘Singular’. Y por supuesto, la Inteligencia Artificial. Poco a poco nos lo van adentrando y poco a poco vemos como gana protagonismo, con miedo, temor y también curiosidad.

Como he comentado, tiene varios giros que logran sorprender y eso es bastante difícil con la cantidad de historia que vemos hoy en día. Pero si que es cierto que a ‘Singular’ le puede pesar un poco el ritmo.

Patricia López Arnáiz siempre está bien, hasta en películas que no le piden una increíble interpretación, como es ésta. Y es que simplemente nos muestra una mujer sencilla, con un pasado doloroso y que en el fondo no quiere volver a abrir ese capítulo de su vida. Junto a ella encontramos a Javier Rey, bastante bien en su personaje, igual, un hombre que solo quiere recuperar la familia que perdió.

Tiene imágenes muy bonitas, bucólicas y con un toque de ensueño. También vemos alguna que otra imagen con CGI bastante curiosa, se nota que han andado bien de presupuesto, es poco el CGI que ha necesitado, pero está muy bien utilizado.

Sin duda ‘Singular’ no es para todo el mundo, lo pude comprobar cuando salí de la sala del Auditori en el Festival de Sitges, había comentarios de todo tipo. En mi caso, me gustó bastante, tiene una historia potente y consigue sorprender.

 Ficha de la película

Estreno en España: 28 de noviembre de 2025. Título original: Singular. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Alberto Gastesi. Guion: Alex Merino, Alberto Gastesi. Música: Ana Arsuaga, Jon Agirrezabalaga. Fotografía: Esteban Ramos. Reparto principal: Patricia López Arnaiz, Javier Rey, Miguel Iriarte, Iñigo Gastesi, Emilia Lazo. Producción: Vidania Films, White Leaf Producciones, 61ºNorth, RTVE, ETB. Distribución: Warner Bros Pictures. Género: Drama. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/singular#informacion

Crítica: ‘Wicked: parte II’

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Sinopsis

And now whatever way our stories end, I know you have rewritten mine by being my friend …

El fenómeno cinematográfico y cultural del año pasado, que se convirtió en la adaptación a la gran pantalla más exitosa de todos los tiempos de un musical de Broadway, despliega su épico, apasionante y emotivo final en ‘Wicked: parte II’.

Crítica

Una secuela tan ambiciosa y arriesgada como el musical que cuestiona héroes y villanos

Se acabó la espera que hemos mantenido durante dos años. ‘Wicked: Parte II’ se estrena en cines y se presenta como una continuación más oscura, más madura y más emocional que su predecesora. Es un trayecto narrativo que abandona en buena parte la ligereza cómica del primer filme para adentrarse en territorios dramáticos, donde las consecuencias de las decisiones pesan con una gran intensidad.

Desde sus primeros compases, esta segunda parte marca un cambio de tono palpable. Jon M. Chu reconoce que, si la primera entrega era, en sus palabras, un “coming of age” sobre elecciones, esta segunda se adentra en un terreno de consecuencias, de preguntas más complejas sobre identidad, poder y verdad. El guion, firmado por Winnie Holzman (responsable también del libreto del musical original) y Dana Fox, conserva momentos de ligereza, sobre todo gracias a Ariana Grande como Glinda. Pero estas pinceladas de humor ya parecen menos frecuentes y más contenidas, pues la película busca avanzar sin depender tanto del respiro cómico. Eso no quita que Grande siga siendo, en muchos instantes en los que explota el carácter más bobalicón y presumido de su personaje, la que mejor actúa en este filme.

Uno de los aciertos más evidentes es cómo se profundiza en la amistad entre Elphaba (Cynthia Erivo) y Glinda. No es solo un vínculo superficial, sino una relación compleja, extremadamente cambiante, frágil y poderosa. Chu ha hablado de lo difícil que fue filmar esa conexión: a diferencia de un romance, la amistad no tiene un final previsible, sube y baja, exige presencia constante. Y eso se percibe en el filme que en varias ocasiones dispone un verdadero caos emocional que hace que nos cuestionemos cómo cambian de bando tan rápido y en una sola escena varios personajes.

Hay que reconocer que esta entrega es, también, más “ñoña” en lo romántico y lo sentimental. Pero quizá el tema más fascinante de ‘Wicked: parte II’ es ese juego de apariencias. A lo largo de la película queda claro que los héroes más luminiscentes no son necesariamente los más genuinos. Glinda, ensalzada como símbolo de bondad para todo Oz, vive cómodamente en el palacio de la Ciudad Esmeralda, disfrutando del favor popular. Mientras tanto, Elphaba, demonizada por el Mago y convertida en la Bruja Malvada del Oeste, lidera desde el exilio una lucha por la justicia. Este contraste no es casual: Chu habla de propaganda, de cómo los poderosos construyen imágenes para manipular al pueblo, insertando referencias visuales propias de iconografía bélica, llegando incluso a imitar a través de Jeff Goldblum a ‘El gran dictador’ de Chaplin. En ese sentido, la oscuridad narrativa es también una invitación a cuestionar los roles tradicionales de “bueno” y “malo”. La autenticidad, sugiere la película, reside en quienes han sido etiquetados como villanos.

Visualmente, ‘Wicked: parte II’ es deslumbrante. El CGI se emplea de forma ambiciosa, especialmente en la representación de los paisajes, animales, las masas y ciertos momentos épicos. Dicho esto, no todo funciona: algunas escenas pecan de artificio, y es difícil olvidar que estamos ante imágenes generadas por ordenador, sobre todo cuando aparecen criaturas parlantes o entornos brillantes demasiado perfectos. Uno de los momentos más logrados desde el punto de vista técnico es el plano de Ariana Grande cantando frente a una serie de espejos. No es solo la voz pues no es de los temas más exigentes: es el montaje digital y el juego de cámaras. Un ejercicio complejo que demuestra ambición y pericia. Curiosamente, no todo es digital, esto no es Marvel. Tanto el personaje de la Bruja del Oeste como el Hombre de Hojalata y el Espantapájaros combinan prótesis, cabello real y un diseño artesanal que rinde homenaje a los clásicos.

A pesar de su respeto por el musical, la película no se refugia en la nostalgia de ‘El Mago de Oz’. De hecho, rompe con las expectativas tradicionales: el león es cero antropomórfico y el Hombre de Hojalata tiene matices que recuerdan a una figura más propia de un slasher barato. Esto no significa que la narrativa deje de ser emocional o íntima: ‘Wicked: parte II’ sigue siendo, en el fondo, una historia de amistad entre dos mujeres cuya relación, podría haber inspirado incluso series modernas como ‘Miércoles’, dicho sea de paso, por ese balance entre compañerismo y diferencia tonal.

Jon M. Chu ha dejado claro que este segundo filme no es solo un cierre de cuento de brujas, sino una reflexión sobre la desinformación, la propaganda y la construcción del odio. En tiempos donde la verdad se cuestiona y las identidades se politizan, su película se convierte en un espejo, partiendo de un universo fantástico para hablar de migración, miedo al diferente y discursos autoritarios. Pero hace trampa, una trampilla si nos ponemos literales. No creo que yo abra a estas alturas ningún debate que no haya surgido ya en los corrillos a la puerta del Teatro Gershwin de Nueva York. Aunque está muy bien mostrar que no todo es blanco y negro y estamos en un mundo de grises, no deja de ser injusto el trato hacia la película original. Es una historia clásica de arquetipos del bien y el mal y… ¿se suponen que ahora hemos de sentirnos mal por alegrarnos de que la villana de la historia muriese? Parece que a los autores de esta nueva versión si les ha dado cierto reparo y han parcheado el final, igual que el del musical y muy al estilo de ‘El Caballero Oscuro’.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de noviembre de 2025. Título original: Wicked: For Good. Duración: 138 min. País: EE.UU. Dirección: Jon M. Chu. Guion: Winnie Holzman, Dana Fox. Música: Stephen Schwartz, John Powell. Fotografía: Alice Brooks. Reparto principal: Cynthia Erivo, Ariana Grande, Jonathan Bailey, Ethan Slater, Bowen Yang, Marissa Bode, Michelle Yeoh, Jeff Goldblum. Producción: Universal Pictures, Marc Platt Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: musical, drama, comedia. Web oficial: https://www.instagram.com/wickedmovie/

Análisis del steelbook de ‘Tron’

Divisa Films nos trae esta maravilla

Steven Lisberger fue el encargado de traernos la locura de ‘Tron’ a nuestras pantallas. Una película adelantada a su tiempo, siendo una de las primeras películas del cine en utilizar imágenes generadas por computadora. CGI.

Con la banda sonora de la increíble Wendy Carlos, con Jeff Bridges, Bruce Boxieitner, Cindy Morgan y David Warner, entre otros, como protagonistas, ‘Tron’ despegó en 1982 y sin duda es una de las grandes películas de ciencia ficción de toda la historia.

Hoy os traemos el steelbook, con su disco de Blu-ray y 4K, que ha sacado Divisa Films y que nos ha dejado con la boca abierta, es precioso, pero ya no solo eso, tiene una cantidad inmensa de extras de los que os hablaremos a continuación y que sin duda vais alucinar.

Película 4K ULTRA HD

Imagen: 2160p Alta Definición / 2.20:1 / 16×9

Idiomas: 7.1.4 Dolby Atmos: Inglés / DTS Digital Surround 5.1.: Castellano, Italiano / DTS-HD MA 5.1.: Japonés / Dolby Digital 5.1.: Español Latino / Dolby Digital 2.0.: Autodescripción en inglés.

Subtítulos: Castellano, Italiano, Japonés, Español Latino, Danés, Finés, Noruego, Sueco, Inglés codificado para sordos.

Película Blu-ray

Imagen: 1080p Alta Definición / 2.20:1 / 16×9

Idiomas: Dolby Digital 5.1: Castellano, Inglés, Italiano, Francés, Alemán.

Subtítulos: Castellano, Inglés, Francés, Italiano, Alemán, Sueco, Noruego, Danés, Finlandés, Islandés, Holandés, Portugués, Inglés codificado para sordos.

Sin más nos adentramos en los extras y os dejamos un vídeo mostrando fotos de la edición.

EXTRA (Mas de 4 horas)

Fototronología (16:37 min)

  • Fotos del set, de la producción y nos cuentan un poquito de cómo fue todo el rodaje.

El fenómeno Tron (09:45 min)

  • Lo que significó Trob para los actores, directores, pero no solo los primeros, sino no a los nuevos actores de ‘Tron: Legacy’. Tuvieron que innovar mucho ya que en aquella época no existía nada.

Extras originales DVD

 Desarrollo

  • Primer desarrollo de Tron (2:37 min)

Inspirado por ‘Star Wars’, tema efectos especiales, tiburón energía y emoción.

  • Primera animación de los estudios de Lisberger (00:30 sg)
  • “Los ordenadores son personas también” (04:28 min).

Primeras imágenes de ‘Tron’ con el director comentándolas.

  • Los primeros test de videos (00:31 sg)

Disney no se fiaba como iba a ser el resultado y les pidió un pequeño corto para ver si funcionaba.

  • Galerías

Imágenes interactivas, con un menú bastante curioso.

Imágenes digitales

  • Iluminación posterior (01:39 min)

El gran trabajo de montaje es increíble, vamos viendo los distintos fotogramas y como los superponen unos a otros para lograr la iluminación correcta.

  • Imágenes digitales de Tron (03:44 min)

De cómo distintos equipos se ocuparon de las diferentes secuencias digitales de la película.

  • “Beyond Tron” (04:00 min)

De como entró MAGI (Mathematicial Applications Group, Inc) a trabajar en Tron.

  • Triple I (00:34 sg)
  • Muestra de Triple I (02:15 min)

Muestra de lo que podía hacer Triple I, una de las empresas que contrataron para efectos especiales.

Cómo se hizo Tron (1:28:21 min)

Nos explican con gran detalle de dónde salió la idea. Como se hizo este gran equipo.

Música

Wendy Carlos fue la encargada de dar música a esta cinta tan futurista. Su música de sintetizadores logra crear ese futuro tan cercano.

  • Escena de las motos de luz con pistas de audio de Carlos alternativas (02:46 min)
  • Créditos finales con música original de Carlos (05:15 min)

Publicidad

  • Nato (05:02 min)

Cortometraje para presentar la película.

  • Trabajo en desarrollo (01:26 min)
  • Tráiler n° 1
  • Tráiler n° 2
  • Tráiler n° 3
  • Tráiler n° 4
  • Galería

Escenas eliminadas

  • Introducción por el escritor y director Steven Lisberger (02:18 min)

Nos cuenta que las escenas de amor que vemos a continuación se eliminaron por ser demasiado sentimentales.

  • Escena de amor de Tron y Yori (01:56 min)

La escena está casi completa con efectos porque la quitaron tarde del montaje.

  • Escena de amor de Tron y Yori 2 (00:44sg)
  • Prólogo de comienzo alternativo (01:21 min)

Un prólogo en el que veíamos varios párrafos explicando un poco lo que se iba a ver en pantalla a continuación.

Diseño

  • Introducción por el escritor y director Steven Lisberger (01:10 min)
  • Galería

Galería interactiva en la que podemos ver los diferentes diseños de las motos de luz.

  • Las motos de luz Syd Mead (01:52 min)

El diseñador nos habla acerca de cómo creó las motos de luz.

  • Test de animación de MAGI de las motos de luz (00:16 sg)
  • Reconocedor: el video juego paranoides espaciales – letterbox (00:16 sg)

Reconocedor: el video juego paranoides espaciales- pantalla completa.(00:16 sg)

Storyboards

  • El proceso de storyboards (03:52 min)

Creación del título principal de Tron

  • Storyboards de Moebius (00:16 sg)
  • Galería

Storyboards vs película

  • Introducción del artista de storyboards y animación Bill Kroyer (00:51 sg)
  • Storyboards de la persecución de las motos de luz (01:56 min)
  • Película final de la persecución de las motos de luz (01:56 min)

Comentarios en audio

Con Steven Lisberger productor Donald Kushner, productor asociado y supervisor de efectos visuales Harrison Elleshaw y supervisor de efectos visuales Richard Taylor.

Tráiler de ‘Una película de Minecraft’

Minecraft se pasa a la pantalla grande

Bienvenidos al mundo de Minecraft, donde la creatividad no solo nos ayuda a construir, ¡Sino que es esencial para la supervivencia!. Hess, nominado al Oscar, ha dirigido la cinta a partir de un guion de Chris Bowman & Hubbel Palmer y Neil Widener & Gavin James y Chris Galletta, con historia de Allison Schroeder y Chris Bowman & Hubbel Palmer. La historia está basada en el videojuego Minecraft. Roy Lee, Jon Berg, Mary Parent, Cale Boyter, Jason Momoa, Jill Messick, Torfi Frans Ólafsson y Vu Bui, son los productores. Y Todd Hallowell, Jay Ashenfelter, Kayleen Walters, Brian Mendoza y Jon Spaihts, ejercen de productores ejecutivos.

El equipo creativo del realizador cuenta con el director de fotografía nominado al BAFTA Enrique Chediak (“127 horas”, “Transformers: El despertar de las bestias”), el oscarizado diseñador de producción Grant Major (“El Señor de los anillos: El retorno del Rey”, “Megalodón”), el montador James Thomas (“Pokémon: Detective Pikachu”, las películas de “Borat”), el supervisor de efectos visuales ganador del Oscar Dan Lemmon (“El libro de la selva”, “Batman”) y la diseñadora de vestuario Amanda Neale (“Megalodón”, “Lo que hacemos en las sombras”).  El casting corre a cargo de Rachel Tenner.  Los supervisores musicales son Gabe Hilfer y Karyn Rachtman y la música es obra de Mark Mothersbaugh (“Thor: Ragnarok”, las películas de “LEGO»).

Os dejamos el tráiler de la película en su versión doblada al castellano.

 

Sinopsis

Cuatro inadaptados, Garrett “The Garbage Man” Garrison (Momoa), Henry (Hansen), Natalie (Myers) y Dawn (Brooks), deben hacer frente a problemas cotidianos cuando de repente se ven arrastrados a través de un portal misterioso hacia el Supramundo: un país de las maravillas extraño y cúbico que se nutre de la imaginación.  Para volver a casa, tendrán que dominar ese mundo (y protegerlo de cosas tan malvadas como los Piglins y también de los Zombis) mientras se embarcan en una búsqueda mágica con un experto e inesperado artista llamado Steve (Black).  Juntos, los cinco correrán una aventura que pondrá a prueba su audacia y su capacidad para reconocer las cualidades que hacen de cada uno de ellos una persona excepcionalmente creativa… esas mismas habilidades que necesitarán para salir adelante cuando vuelvan al mundo real.

Crítica: ‘Better man’

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Sinopsis

Better Man se basa en la historia real del ascenso meteórico, caída dramática e increíble resurgir de la superestrella de pop británica Robbie Williams, uno de los mejores showmans de la historia. Bajo la dirección visionaria de Michael Gracey (EL GRAN SHOWMAN), la película se cuenta desde la perspectiva única de Robbie, reflejando su inimitable ingenio y su espíritu indomable. Sigue la trayectoria de Robbie desde su infancia y su experiencia como el miembro más joven de la boyband de enorme éxito Take That hasta los logros míticos de su carrera en solitario, todo mientras se enfrenta a los retos que vienen con la fama y el éxito estratosféricos.

Crítica

Robbie Williams se convierte en un símbolo de cómo la humanidad ha mutado su concepto de salvaje

‘Better Man’ dirigida por Michael Gracey, aborda la turbulenta vida de Robbie Williams, uno de los artistas más icónicos y controvertidos del pop británico. Desde su anuncio, este biopic ha generado curiosidad, sobre todo por la decisión de representar a Williams como un mono. En un panorama que comienza a estar saturado de películas sobre estrellas de la música como ‘Bohemian Rhapsody’, ‘Rocketman’, ‘One love’ o ‘Back to Black’, ‘Better Man’ destaca por su enfoque gamberro y surrealista.

Robbie Williams como chimpancé, un intento de crear un símbolo de autenticidad y autocrítica. La decisión de representar a Robbie Williams como un mono puede parecer, a primera vista, una elección extravagante, un truco de marketing o incluso un capricho absurdo. Sin embargo, al analizar esta metáfora, se hace evidente que Michael Gracey intenta plasmar la lucha interna del cantante con sus inseguridades, su fama, sus compañeros de Take That y su percepción pública. El simio, con su energía caótica y a veces autodestructiva, encapsula la autocrítica mordaz de Williams, hacia su carrera y sus problemas personales, incluidos la adicción y los constantes altibajos emocionales. También podría servir como símbolo de una humanidad que ha cambiado su concepto de lo salvaje.

En comparación con ‘Bohemian Rhapsody’ (saldrán comparativas), que se centró en resaltar el genio artístico de Freddie Mercury y sus compañeros mientras suavizaba aspectos oscuros de su vida, ‘Better Man’ no teme sumergirse en las sombras de su protagonista. Incluso frente a ‘Rocketman’, que apostó por el surrealismo musical y el espectáculo flashmob para narrar la vida de Elton John, la figura del mono en ‘Better Man’ lleva el simbolismo y el concepto de showman un paso más allá, creando un retrato introspectivo y único. El biopic musical ha pasado por una transformación significativa en la última década, pero ‘Better Man’ parece haber dado un paso aún más arriesgado al mezclar elementos de realismo mágico con un enfoque emocionalmente crudo. Son arrebatadoras las escenas con la abuela o el final con los padres o las escenas de degradación. Con este enfoque sobre Williams se alejan casi siempre del molde del «héroe musical redimido» o la estrella fatídica que intentó explotar ‘Back to black’ y lo sitúa en un espacio más honesto y, a la vez, controvertido. Williams siempre controvertido.

El chimpancé hecho en CGI en ‘Better Man’ es una de las apuestas más audaces de la película, destacando tanto por su calidad técnica como por el ya mencionado impacto emocional. Creado por Weta, los expertos detrás de producciones como ‘El Señor de los Anillos’, esta representación combina tecnología avanzada de captura de movimiento y animación de última generación. La actuación de Jonno Davies, quien prestó movimientos y expresividad al personaje, ha sido fundamental para transmitir las emociones del cantante en diferentes etapas de su vida. El director Michael Gracey señaló aquí atrás que el simio no solo debía ser técnicamente impecable, sino también conectar emocionalmente con el público, logrando que este elemento simbólico reflejara la adicción y la ansiedad de Williams. Desde luego, el resultado es tan impactante como el que hemos visto en la saga de ‘El planeta de los simios’.

¿Por qué puede tener interés o envergadura en nuestras carteleras? La respuesta está en su relevancia para una audiencia millennial y de la generación Z. Robbie Williams fue una figura presente en todas las listas y revistas de los años 90 y principios de los 2000, y muchos de sus fans ahora adultos están buscando relatos más complejos y humanos sobre sus ídolos o por lo menos rascar más allá de la superficie de aquello que vivieron en el pasado. ‘Better Man’ ofrece algo más que una simple cronología de eventos que van desde su infancia, es una exploración de cómo la fama modifica la identidad y haciendo algo de análisis transversal, de como el propio concepto de popularidad ha cambiado. El propio cartel, que parte de la portada de ‘Life thru a lens’, ya revela esa intencionalidad de mostrar al cantante como un mono de feria dependiente de la opinión pública, a pesar de que este siempre se ha intentado mostrar como un jeta descarado completamente desinhibido.

Además, la dirección de Michael Gracey, que ya demostró su talento visual y efectividad en ‘El gran showman’ (no tanto con ‘P!nk: Todo lo que sé hasta ahora’), asegura que ‘Better Man’ sea una experiencia que merezca pagar por verse en pantalla grande. Desde secuencias oníricas, pasando por evidentes espectáculos masificados, hasta momentos de cruda humanidad, Gracey parece haber encontrado un equilibrio que hace de esta película una obra única dentro del género.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de enero de 2025. Título original: Better man. Duración: 135 min. País: Australia. Dirección: Michael Gracey. Guion: Oliver Cole, Simon Gleeson, Michael Gracey. Música: Batu Sener. Fotografía: Erik Wilson. Reparto principal: Robbie Williams, Jonno Davies, Alison Steadman, Kate Mulvany, Anthony Hayes, Raechelle Banno, Jake Simmance, Liam Head, Chase Vollenweider, Jesse Hyde. Producción: Sina Studios, Facing East Entertainment, Rocket Science, Lost Bandits, Footloose Productions, RPW Productions. Distribución: Tripictures. Género: biográfica. Web oficial: https://tripictures.com/peliculas/better-man/

Crítica: ‘Twisters’


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Sinopsis

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Edgar-Jones interpreta a Kate Cooper, una ex cazadora de tormentas perseguida por un devastador encuentro con un tornado durante sus años universitarios que ahora estudia los patrones de tormentas en pantallas en la ciudad de Nueva York. Su amigo Javi la lleva de regreso a las llanuras para probar un nuevo e innovador sistema de seguimiento. Allí, se cruza con Tyler Owens (Powell), la encantadora e imprudente superestrella de las redes sociales que disfruta publicando sus aventuras persiguiendo tormentas con su estridente equipo, cuanto más peligroso, mejor.

A medida que la temporada de tormentas se intensifica, se desatan fenómenos terroríficos nunca vistos, y Kate, Tyler y sus equipos competidores se encuentran directamente en el camino de múltiples sistemas de tormentas que convergen sobre Oklahoma en lo que será una lucha por sobrevivir.

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Crítica

Una vuelta al espíritu trepidante y divertido del 96

1996 fue uno de los mejores años cinematográficos de la era moderna. No es solo una apreciación personal, la taquilla y el número de clásicos instantáneos que se estrenaron ese año hablan por sí solos. Pudimos ver en pantalla grande ‘Independence Day’, ‘Scream’, ‘Abierto hasta el amanecer’, ‘Misión: imposible’, ‘Fargo’, ‘Trainspotting’, ‘La Roca’… una larga lista de títulos que prácticamente no bajan su medida del siete, algo muy difícil de encontrar hoy en día. Atreverse a hacer secuelas o remakes de estos blockbusters se antoja por lo tanto como un ejercicio arriesgado. Warner Bros. rescata de esa época ‘Twister’, un título que siempre nos ha gustado a los amantes del género de catástrofes. Aunque no tiene grandes estrellas el resultado de ‘Twisters’ es mucho mejor que el de otra película extraída de nuestra nostalgia, ‘Space Jam’.

Estrenar ‘Twisters’ significa también atreverse a ponerse a la altura de Jan de Bont. El director de otra trepidante película como ‘Speed’, encargado de la fotografía de películas como ‘Instinto básico’ o ‘La caza del octubre rojo’, tiene en su galería momentos míticos del cine. Nadie podrá negar que la caída de Hans Gruber del Nakatomi Plaza es un momento inmortal. En ‘Twister’ suplió magistralmente las carencias de los efectos digitales de la época, creando una obra que ha envejecido estupendamente. Esta nueva versión de Lee Isaac Chung cuenta con mayor potencial tecnológico (en varios sentidos) pero lo más importante es que consigue rememorar el espíritu de De Bont siendo trepidante y divertida.

Muchos no saben que el germen de estas películas es un guión de Michael Crichton (‘Jurassic Park’, ‘Congo’, ‘Esfera’). Si analizáis esos títulos comprobaréis que mezcla géneros como la aventura y el terror con elementos gigantescos o catastróficos para el ser humano. Probablemente esos elementos habrían estado magnificados en la segunda parte, nunca sabremos como habría sido la secuela en 3D que estaba preparando Bill Paxton, pero al menos con esta nueva película regresamos a la tónica de por entonces, una que con las nuevas técnicas de CGI y sonido nos sumerge en un torbellino de emociones, tenía que hacer el chiste antes o después.

Glen Powell ya tuvo la presión de aparecer en otra película que trababa de revivir, y revivió, un clásico como ‘Top Gun’ y ahora le toca intentar lo mismo con ‘Twisters’. El reto es más difícil, el fandom es más reducido y no cuenta con una gallina de los huevos de oro como Tom Cruise. Él es de los más mayores y tendría solo unos ocho años cuando se estrenó ‘Twister’. La labor de imbuir el alma del filme recae por lo tanto en el director y en la capacidad de todo el equipo de imitar lo rodado por aquel entonces. He de decir que reto superado, me he divertido de una manera ininterrumpida. ‘Twisters’ ya no puede impresionarme por toda la inmensa cantidad de films que he visto en mi vida, pero confío en que podrá causar el mismo efecto que viví yo en el 96 en los nuevos espectadores.

Menciono a Powell pero la protagonista es realmente Daisy Edgar-Jones. Su papel es muy similar al de Helen Hunt. Ambas tienen un origen en una tierra asiduamente visitada por tornados y ambas pierden a alguien a cuenta de ello. La diferencia está en cómo gestionan ese trauma. Lejos de ser una kamikaze que se lanza casi a ciegas hacia los tornados el personaje de Edgar-Jones los respeta y teme. La actriz coge así el testigo sin necesidad de calcar al personaje pero manteniendo su vertiente científico-romántica.

Desde luego que la nostalgia está presente, a poco que hayas visto la película original verás que hay un halo de reverencia. El poster evoca al de la película original, se ha rodado con cámaras similares y volvemos a tener los dispositivos Dorothy. Pero tengo que avisaros que no hay cameos sorpresa. Eso sí, tenemos muchos guiños y para aquellos que como yo siempre miren el lado científico de la historia os adelanto que hay homenaje para los cazatornados del equipo real de TWISTEX, algunos de los cuales fallecieron en 2013 estudiando un tornado categoría F3 en la escala de Fujita. Y ahí es donde tenemos que comprender que esta película no es un calco, en mi opinión intentar copiar al pie de la letra el largometraje de De Bont habría sido un error. Es una actualización que respeta a la original manteniendo elementos a modo de lo que ahora se llama “recuela” pero saliéndose por otros derroteros. De entrada los pijos esponsorizados son “los bueno” y los salvajes rudimentarios “los malos”. También juegan a favor de ello los avances de la tecnología, los cuales, permiten estudiar estos destructivos fenómenos de otra manera y ‘Twisters’ se hace eco de ello empleándolos para modificar la trama y darle un nuevo giro fantasioso.

Como en muchas secuelas o re-interpretaciones, que es lo que realmente es ‘Twisters’, se confunde lo más grande, lo más catastrófico, con mayor espectáculo. A veces más es menos y este nuevo filme solo peca de ello en un par de ocasiones. Merece la pena verla pues consigue ser emocionante aunque no tiene el mismo nivel de secundarios. El pago por el visionado lo vale pues sus protagonistas están en estado de gracia. Aunque sea hay que acercarse al cine por ver como actúa rodeado de tornados el nuevo Superman, David Corenswet, sin tener a Kevin Costner muriendo de manera lastimosa.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de julio de 2024. Título original: Twisters. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Lee Isaac Chung. Guion: Mark L. Smith. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Daniel Mindel. Reparto principal: Daisy Edgar-Jones, Glen Powell, Anthony Ramos, David Corenswet, Brandon Perea, Sasha Lane, Daryl McCormack, Kiernan Shipka, Nik Dodani, Maura Tierney. Producción: Warner Bros. Pictures, Universal Pictures, Amblin Entertainment, The Kennedy/Marshall Company, Lightnin’ Production Rentals. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventuras. Web oficial: https://www.instagram.com/twistersmovie/

Llega a cines ‘Kalki 2898 AD’

La superproducción india que amplía la serie animada ‘B&B: Bujji and Bhairava’

La productora Vyjayanthi Movies ha traído el universo de Kalki a través de una serie de animación, ya disponible en Prime Video, llamada ‘B&B: Bujji and Bhairava’; una historia que explora las aventuras de Bhairava, un cazarrecompensas en la ciudad futurista de Kasi que se sitúa en el año 2896, dos años antes que Kalki 2898 AD, y BU-JJ1, una piloto de IA, mientras forjan una amistad y se embarcan en una emocionante aventura.

Mañana, 27 de junio, presenta en más de 40 países el esperado estreno de la película live action ‘Kalki 2898 AD’, una de las grandes triunfadoras del pasado Comic-Con, promete ser una de las más grandes producciones indias de la historia, con un presupuesto de más de 75 millones de dólares. Millones de reproducciones de su tráiler avalan la expectación de este estreno.

Esta superproducción de ciencia ficción, acción y aventura dirigida por Nag Ashwin (‘Yevade Subramanyam’, ‘Mahanati’) cuenta con un elenco estelar encabezado por Prabhas, conocido por su trabajo en ‘Baahubali’, Amitabh Bachchan, una leyenda viva del cine indio con una carrera de más de cinco décadas, Kamal Haasan, reconocido por su versatilidad y premiado actor y cineasta, Deepika Padukone, una de las actrices más aclamadas de Bollywood, y Disha Patani, destacada por su papel en ‘M.S. Dhoni: The Untold Story’.

La película combina mitología india y ciencia ficción avanzada, utilizando tecnologías de VFX de última generación. La trama se sitúa en un futuro oscuro donde una nueva fuerza surge para salvar al mundo, mientras que el tráiler ha captado la atención internacional desde su presentación en la Comic-Con de San Diego, mostrando una impresionante mezcla de tradición y tecnología futurista.

 

Publicado por @moviementarios
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Sinopsis oficial:

La historia se desarrolla en un futuro lejano, en el año 2898 AD. El mundo está en caos y decadencia, y una sociedad llamada ‘The Complex’, formada por la élite y los ricos, tiene acceso a todos los recursos restantes del planeta. Aquellos que no pudieron comprar su entrada en el complejo viven en extensos barrios marginales, donde la comida y el agua son muy escasas.

En este mundo, llega un rayo de esperanza, donde la gente cree que Dios vendrá a rescatarlos en forma de un avatar. Ashwathama, un guerrero inmortal de la era del Mahabharata, busca redención protegiendo al niño que reside en el vientre de Sumathi.

Al mismo tiempo, The Complex intenta capturar a Sumathi, colocando una recompensa por su cabeza. Aquí es donde entra Bhairava, un cazarrecompensas. Él intenta luchar contra Ashwathama y reclamar la recompensa para sí mismo.

¿Qué sucederá en su combate? ¿Qué pasará con la esperanza que la gente espera? ¿Qué ocurrirá con las personas que intentan resistir el régimen supremacista de The Complex?

Crítica: ‘Avatar: La leyenda de Aang’

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Una maravilla para fans y una gran aventura para los nuevos espectadores

Este próximo 22 de febrero llega una de las series que más esperaba desde hace mucho, el live action de ‘Avatar: La leyenda de Aang’. Y es que en 2005 estrenaron una serie de animación, en la que el joven Aang, tiene que afrontar su destino como Avatar y controlar los elementos para salvar un mundo en guerra, además de enfrentarse a un despiadado enemigo decidido a pararle los pies, pero como todas las series e historias, su trasfondo es mucho más profundo y la verdad que es sin duda una de mis series favoritas.

Y diréis, no vas a ser nada objetiva en tu crítica y puede ser que tengáis razón, pues la adaptación de esta serie por parte de Netflix me ha gustado muchísimo.

Esta primera temporada cuenta con 8 episodios y condensa perfectamente los 20 episodios de la primera temporada de la serie animada. Sin ninguna complicación nos explican perfectamente todo lo que vimos en la animación. Donde conocemos a las distintas tribus en este mundo lleno de magia y fuerzas de la naturaleza. Agua, fuego, aire y tierra son los cuatro elementos que nuestro protagonista tiene que aprender a manejar. Le acompañaremos en un viaje de aprendizaje con dos compañeros bastante especiales, Sokka y Katara. Dos jóvenes de una de las tribus del agua que le ayudarán a escapar del temible emperador del fuego.

Una serie llena de aventuras y con una imaginativa tremenda, donde veremos criaturas tremendamente llamativas y unos lugares llenos de contrastes. El vestuario muy bien trabajado, nos muestra los diferentes pueblos a través de sus colores.

‘Avatar: La leyenda de Aang’ es muy entretenida y con unos protagonistas muy carismáticos. Eso sí, quizás el pero más grande que le pongo, es que le falta algo de humor, y es que al final, la serie de animación, tenía un humor un tanto tontorrón que supongo que a este live action le han querido quitar para hacerlo algo más serio. Pero aun así, es algo que no estropea para nada la trama.

En el reparto encontramos a Gordon Cormier, Kiawentiio, Ian Ousley, Dallas Liu, Paul SunHyung Lee, Daniel Dae Kim, Ken Leung o Elizabeth Yu entre otros. Todos estupendos en sus respectivos papeles. Sin duda me quedo con Dallas Liu y Paul Sun-Hyung Lee, encargados de dar vida a Zuko y a su tío Iroh, dos personajes con un pasado bastante triste, que intentan sobrevivir juntos.

Aunque soy una defensora de la película de Shyamalan, tengo claro que esta serie es muchísimo mejor que su versión. Pero sin desmerecer la cinta del cineasta, por supuesto, que tenía muchas virtudes.

También una de las cosas buenas es el CGI, se nota mucho el gran trabajo realizado por los distintos equipos de efectos visuales. Appa, el gran bisonte alado, me parece una maravilla, la manera en la que se le mueve el pelo y el como están todas las criaturas insertadas en la realidad es perfecto. Y por supuesto, muchos más efectos especiales que no notamos. Como digo, ‘Avatar: La leyenda de Aang’ me parece una maravilla y quedo a la espera de las nuevas temporadas.

Crítica: ‘Aquaman y el reino perdido’

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Sinopsis

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Tras fracasar en su intento de derrotar a Aquaman la primera vez, Black Manta, que todavía siente la necesidad de vengar la muerte de su padre, no se detendrá ante nada para acabar con Aquaman de una vez por todas. Esta vez Black Manta es más temible que nunca, empuñando el poder del mítico Tridente Negro, que desata una fuerza antigua y malévola. Para derrotarlo, Aquaman recurrirá a su hermano encarcelado Orm, el antiguo Rey de Atlantis, para forjar una insólita alianza. Juntos, deberán dejar a un lado sus diferencias para proteger su reino y salvar a la familia de Aquaman y al mundo de una destrucción irreversible.

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Crítica

Tanta parafernalia y fanfarria para tan escaso argumento…

‘Aquaman’ fue la película de DC Comics más taquillera de su generación y por supuesto tiene séquela. ‘Aquaman y el reino perdido’ es el título de la segunda película en solitario del superhéroe atlante interpretado por Jason Momoa. Su primera entrega, también dirigida por James Wan, tenía un toque a aventura de cazatesoros embadurnada de sal y superpoderes. Parecía que esta continuación, dado el título con el que nos ha llegado, también iba a seguir esa senda, pero no ha sido así. En esta nueva película, que probablemente sea uno de los últimos coletazos del Universo de Snyder y compañía, la dinámica cambia velozmente. Pasamos de un filme que bien puede recordar a una versión acuática de ‘Guardianes de la Galaxia’ o ‘Valerian’, a una aventura entre hermanos tipo Thor y Loki, a una civilización cuya idea ya hemos quemado con Wakanda y a batallas que rememoran escenarios como el del Minas Morgul de Peter Jackson. Es tal la cantidad de localizaciones, personajes, criaturas y acción que cuesta empaparse de un tono concreto. De hecho al final parece que hemos visto una reimaginación de alguna novela de Julio Verne.

Desde luego, si te gusta ver gameplays pulsando el botón de 2x te puede gustar esta aventura de Aquaman. En resumidas cuentas ‘Aquaman y el reino perdido’ tiene un argumento muy sencillo. Para intentar suplir el guión tan estándar que han rodado se ha montado un filme basado en pequeñas interacciones entre protagonistas unidas por mucha acción. Pero se nota que esta película ha tenido cambios sobre la marcha. Además James Wan puebla todo el largometraje de monstruos para también arrollarnos con legiones de horrores. En esta ocasión el genio del terror nos deja sin conseguir una impresión terrorífica tan efectiva como la que logró con la escena de la fosa en la primera parte. Eso sí, se da el gustazo de introducir criaturas ataviadas con escafandras como la que aparece en el opening de su productora, Atomic Monster.

Para movernos entre tantos lugares de fantasía oceánica y dar vida a los engendros inspirados por las viñetas se ha hecho uso de muchísimo CGI. Sin llegar a los niveles de ‘Ant-Man y la Avispa: quantunmanía’ nos movemos por una película que está rodada sobre todo en escenarios con croma. A pesar de ello con ‘Aquaman y el reino perdido’ hay que celebrar que la calidad es alta. El presupuesto y las horas de postproducción han tenido que ser muchos para conseguir que todo luzca como lo vemos, aunque el frenesí de la acción puede ayudar a camuflar algunos detalles. Aquellos detractores de ‘Flash’ no encontrarán aquí nada al respecto a lo que agarrarse.

Se que será algo preguntado y comentado. Contra todo pronóstico y tras la polémica con Johnny Depp, Amber Heard está muchísimo más presente de lo esperado. Su presencia a veces es casi de atrezo y la cantidad de veces que la han recreado por ordenador delata que para ella había aún muchas más líneas de guión. Han tenido que arreglarlo todo en montaje porque hay algunas escenas que sin ella carecerían de continuidad. Es por el contrario Patrick Wilson quien está realmente presente y quien hace que se mueva la historia. En muchas ocasiones es quien dota de sentido al filme y quien con su carisma hace que no nos hundamos en la butaca.

Esta versión de Aquaman, que venía de rozar el ‘Hancock’ de Will Smith, parecía que iba a madurar con eso de que viene acompañada de bebé pero se ha ido por unos derroteros que terminan por no definir qué se busca con este personaje. Quizá ya no importe mucho pues ahora mismo parece que hace aguas su presencia dentro de los planes de James Gunn.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de diciembre de 2023. Título original: Aquaman and the lost kingdom. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: James Wan. Guion: David Leslie Johnson-McGoldrick. Música: Rupert Gregson-Williams. Fotografía: Don Burgess. Reparto principal: Jason Momoa, Patrick Wilson, Yahya Abdul- Mateen II, Dolph Lundgren, Temuera Morrison, Nicole Kidman, Jani Zhao, Amber Heard, Vincent Regan, Pilou Asbæk, Randall Park, Indya Moore. Producción: Warner Bros., DC Entertainment, Atomic Monster, The Safran Company. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/aquaman-and-lost-kingdom

Crítica de los dos primeros episodios de la T2 de ‘Loki’

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Gran regreso de Loki

Este 6 de octubre ha dado comienzo la segunda temporada de la serie de ‘Loki’. Gracias a Disney+, hemos podido ver en pantalla grande los dos primeros episodios. Pero antes del visionado, hemos podido ver un espectáculo de luces en la fachada del Centro Comercial de Príncipe Pio.

El primer episodio, conocemos lo sucedido después del final de la primera temporada, en la que se encuentran con Kang. Dirigido por Justin Benson y Aaron Moorhead, han demostrado una vez mas su buen hacer en la dirección de viajes en el tiempo e imágenes tan potentes del espacio.

Como novedad conocemos a Ouroboros, interpretado por Ke Huy Quan, un ingeniero jefe de la TVA. El papel es parecido al que le hemos visto en ‘Los Goonies’ o ‘Indiana Jones y el templo maldito’, mostrándonos sus cachivaches y sus habilidades como inventor. Un episodio muy interesante en el que nos explican bastantes tecnicismos sobre todo lo que está ocurriendo con los viajes en el tiempo que están sucediendo. En este episodio tenemos una escena post crédito que es ella sola un product placement.

El segundo episodio vemos a un dios Loki en todo su esplendor. Y un episodio con mucha más acción que el anterior. Recuperamos personajes de la anterior temporada y vemos como tienen que lidiar con el futuro que se les viene encima.

Tampoco quiero contar demasiado para no quitar la experiencia de ver la serie. Me han parecido bastante buenos incluso diría que nos dan que pensar . Si supiésemos de la existencia de varias líneas temporales… ¿querríamos saber qué hacen nuestros yoes en esas líneas? o ¿querríamos tener sus vidas?

El CGI de la serie está muy bien, creo que ya lo dije con ‘Secret Invasion’ y parece que han dejado todo el presupuesto para estos temas en las series y se han olvidado de las películas. Pero bueno, tampoco es malo, en el sentido de que se están centrando en la televisión y al final nos están dando buenos materiales.

Tom Hiddleston nos vuelve a demostrar que no hay mejor Loki que él, en todas sus facetas. Intentando ser mejor persona o siendo el gran villano.

Owen Wilson, Sophia Di Martino, Eugene Cordero, Wunmi Mosaku, Liz Carr o Rafael Casal son algunas de las caras que volvemos a ver en esta segunda temporada.

Poco más que añadir de la nueva temporada, ahora solo esperar a que vayan estrenando los nuevos episodios y podamos hablar de ellos y sobre todo disfrutarlos.

Crítica: ‘Los Mercen4rios’

En qué plataforma ver Los Mercen4rios

 

Sinopsis

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Los Mercenarios tienen una nueva misión. La acción los llevará a Libia, a la antigua planta de armas químicas de Qadhafi donde tendrán que interceptar a Rahmat, antiguo traficante de armas británico que cuenta con su propio ejército privado, para evitar que robe detonadores de misiles nucleares para el malvado Ocelot. Si eso llega a ocurrir, supondría el fin del mundo.

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Crítica

Mucha acción y poco más

Hace poco os hablé de ‘Megalodón 2’ y en aquella ocasión os comenté lo bien que me lo pasé y qué bien me pareció que se pasase al cine de serie B sin esconderse. Pero diréis, ¿por qué me pongo hablar ahora de ‘Megalodón 2’? Pues porque lo que se hizo bien en ese caso consistió en no tomárselo en serio y hacer una película divertida y en esta cuarta entrega de los Mercenarios, quiero pensar que han intentado hacer algo por el estilo, pero les ha salido el tiro por la culata.

Llega después de 3 películas la mar de entretenidas, donde lo más importante de la trama es ver a todos estos grandes actores de acción repartiendo tortas como panes y haciendo chistes malos entre ellos. Pero en esta cuarta entrega, vemos a los mismos actores, pero con mucho menos ímpetu que en sus entregas anteriores. Ya sea por el guion o por la dirección, pero para nada tiene la misma chispa que sus antecesoras.

La película comienza con una muerte inesperada para el equipo y con la entrada de varias caras nuevas, entre ellas la de Megan Fox, que viene a poner el mundo de Christmas un poco patas arriba. En el tráiler te lo ponen como un poco Sr y Sra Smith, pero ni se acerca.

La acción al menos sigue siendo buena, al final ‘Los Mercen4rios’ está dirigida por Scott Waugh, un especialista de cine de acción que ya tiene experiencia en estos menesteres y eso se nota. Además de que cuenta con Tony Jaa e Iko Uwais, que demuestran una vez mas su destreza en las artes marciales.

Realmente lo que para mí han llevado mal la película es que parece que quieren irse a una película de serie B cuando realmente se toma en serio. Cree que hacen gracia y no llega a nada. Es una pena porque son 3 guionistas los que han hecho esta película y no logran sacarnos ni una mera sonrisa.

Es una pena la verdad, porque la película ha costado un dineral y supongo que todo el dinero se ha ido en pagar a los actores, porque si no, no lo entiendo. El CGI es de vergüenza, el desenlace, que dura bastante, nos traslada a un barco carguero y vemos que no está ni en el agua. Los cromas son tremendamente malos.

Y ya si nos metemos en el tema de las actuaciones no se ni qué decir. No necesito actuaciones de Oscar, pero creo que nos merecíamos al menos una mínima calidad en la actuación. Poco más que añadir la verdad, este viernes 29 de septiembre llega a nuestras pantallas.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de septiembre. Título original: Expend4bles. Duración: 103 min. País: Estados Unidos. Dirección: Scott Waugh. Guion: Spencer Cohen, John Joseph Connolly, Max Adams. Música: Guillaume Roussel. Fotografía: Tim Maurice-Jones. Reparto principal: Sylvester Stallone, Jason Statham, Dolph Lundgren, Randy Couture, 50 Cent, Megan Fox, Tony Jaa, Iko Uwais, Andy García, Jacob Scipio. Producción: Millennium Films, Campbell Grobman Films, Nu Boyana Film Studios. Distribución: vertice360. Género: Acción. Web oficial: https://expendables.movie/

Crítica: ‘Oppenheimer’

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Sinopsis

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Escrita y dirigida por Christopher Nolan, ‘Oppenheimer’ es un épico thriller rodado en IMAX® que transporta a los espectadores a la trepidante paradoja de un enigmático hombre que deberá arriesgarse a destruir el mundo para salvarlo.

Cillian Murphy como Julius Robert Oppenheimer y con Emily Blunt interpretando a su esposa, la bióloga y botánica Katherine Oppenheimer. El ganador de un Oscar® Matt Damon se convierte en el general Leslie Groves Jr., director del Proyecto Manhattan, y Robert Downey Jr. da vida a Lewis Strauss, un miembro fundador de la Comisión de Energía Atómica de los Estados Unidos.

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Crítica

Un caramelo para los antibelicistas y los amantes de la ciencia

A pesar de su proximidad en el tiempo es muy probable que la historia de J. Robert Oppenheimer nos haya llegado con detalles tergiversados, ya sea por la desinformación, por las campañas de descrédito o por el material clasificado. A pesar de que no han pasado aún ni cien años lo único verdaderamente fiable y contrastable a la hora de reproducir su vida serían sus logros científicos. Ante la imagen tan desdibujada o borrosa que la historia ha creado de este importantísimo científico Christopher Nolan ha decidido basar su primer biopic en ‘Prometeo americano’, el libro de Kai Bird y Martin J. Sherwin.

Primera película biográfica del autor de películas como ‘Origen’ o la trilogía de ‘El Caballero Oscuro’. Es un director que siempre nos ofrece espectáculo o nos deja rallados. Cuesta creer que se haya pasado a los códigos de esas películas que narran la vida o la etapa de un personaje real y relevante. Pero Nolan es muy suyo y ha creado una comunión un tanto difícil de digerir. Para mí ‘Oppenheimer’ es una gran película que recrea detalles importantes de nuestra historia que hoy en día tienen mucho eco además de acercarnos a las figuras que estuvieron tras ello, pero el modus operandi de Nolan la convierten en un “mucho ruido y pocas nueces”.

Aunque me pese y mi amor por la ciencia se resienta habrá que decir que más allá de descubrir a este científico el atractivo de ‘Oppenheimer’ es el de recrear los hechos que hicieron a este neoyorquino citar la frase “ahora me he convertido en la muerte, el destructor de mundos”. En el 45 se detonó la primera bomba atómica, en la prueba Trinity, como fruto del proyecto Manhattan en las instalaciones de Los Alamos. Hitler estaba muerto, pero aún había que derrocar a los japoneses. Para ello se hizo uso del triunfo en la mayor apuesta científica de la historia, la carrera armamentística de la bomba atómica. Gran parte del ruido o la promoción del filme ha sido el ver esa bomba que ha recreado Nolan con diversos efectos prácticos, nada de ordenador. Esto sucede a las dos horas de película y no es para tanto, aunque la escena está muy bien montada. Lo cual me lleva a la otra obsesión de la campaña de marketing. No veo tan necesario ver este filme en las específicas condiciones que pide el director a pesar de que su fotografía es magnífica y su edición de sonido hace que te tiemblen hasta las tripas con la vibración.

Está claro una vez más que a Nolan le chifla la ciencia. A mí me ha enganchado porque no es parca en detalles y nombres, ya faltaría con tres horas de duración. No se deja a casi ningún científico o hecho relevante, aunque la fase en la que Oppenheimer se dedicaba a la cuántica queda a un plano secundario por motivos obvios que la propia historia también se ha ocupado en tapar. No veréis por lo tanto cómo se saltaba cursos enteros o cómo llegó a formular la aproximación de Born-Oppenheimer. Pero si otros detalles como que fue quien importó la física cuántica a los Estados Unidos o su estrecha relación con Albert Einstein. Todo esto a partir de otro amor que tiene Nolan, el de sus amigos actores. El reparto podría arruinar a cualquier productora con su caché y a algunos de nosotros a base de pagar entradas de cine. Las actuaciones de Cillian Murphy y Robert Downey Jr. son laureables. Ambos lucen en pantalla como si fuesen estrellas del Hollywood dorado y son capaces de llevar a cabo un duelo interpretativo a pesar de que no comparten muchas escenas.

‘Oppenheimer’ está mejor armada, concebida o es más comprensible que ‘Tenet’. Aunque de nuevo, salvo en los compases iniciales y finales, Nolan descuida el ámbito emocional. ¿Será que Christopher Nolan está acusando no escribir junto a su hermano Jonathan? Recordemos que no lo hace desde ‘Interstellar’. Intenta suplirlo con una banda sonora que de nuevo a estado a cargo de un Ludwig Göransson que cada vez imita mejor a Hans Zimmer. Algo que también nos transmite el guión es una saturación de temas, lo cual hace que la película sea densa o dispersa al mismo tiempo. Toca el ámbito científico con la incursión de la física cuántica, los nuevos inventos cuando están al servicio de lo bélico (el hombre siempre pervierte el progreso, como nos recuerda Nolan al comienzo con el mito de Prometeo), es a todas luces un thriller político que incluye hasta la permisibilidad de USA en la Guerra Civil Española y el auge del fascismo, por supuesto funciona como biopic de un científico que a muy poco podría haber sido como ‘La Teoría del todo’ o ‘The imitation game’, también reflexiona el cómo cambió el mundo a partir de aquello y cómo lo comprobamos hoy en día que tenemos candente una guerra violenta que a la vez es fría… Para todo esto se ha dispuesto un montaje en tres tiempos fílmicos distintos. El mayor tiempo de metraje se dedica a cómo Oppenheimer progresó en el campo de la física dentro de determinados ámbitos académicos y a cómo se desarrolló su moral durante su etapa como director en el proyecto Manhattan. A parte de eso saltamos por una auditoría en la que fue martirizado y una comisión ante el Congreso. Son tres horas de concatenación de escenas que no llegan a superar los cinco minutos cada una y por eso agradezco que se pasa rápido. Pero el montaje podría considerarse intenso y agotador. En mi lugar habría recortado algunas escenas, como muchas en las que interviene Florence Pugh que están no solo fuera del tono del filme, también de lo que acostumbra a mostrar Nolan.

Aunque tiene muchas temáticas pienso que se centra la atención en la caza de brujas y el escarnio que sufrió Oppenheimer por parte de ciertos miembros de su propio país, lo cual fue desvelado tras la desclasificación en 2014 de los juicios que fueron llevados a cabo en su contra. Él era de opiniones progresistas, consideradas de izquierdas y tal y como se empeña en mostrar el filme, con lazos comunistas. En lo que coinciden los historiadores es sobre todo que su carácter era pacifista. De ahí su segunda temática principal. Esta película es la filmación de su camino hacia la culpa que sintió toda su vida, llegando a manifestar su propia vergüenza, la oposición al uso de su propio invento, tras lo que consideró un verdadero abuso de poder y una masacre. ‘Oppenheimer’ nos deja como último mensaje la constatación de que ya hemos puesto el último clavo en el ataúd de la humanidad con la invención de la bomba atómica. Su mensaje es sin duda melancólico y catastrofista, esperemos que eso no sea vaticinio de lo que les espera a las salas de cine tras la invención del streaming y las IAs.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de julio de 2023. Título original: Oppenheimer. Duración: 180 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Nolan. Guion: Christopher Nolan. Música: Ludwig Göransson. Fotografía: Hoyte van Hoytema. Reparto principal: Cillian Murphy, Emily Blunt, Matt Damon, Robert Downey Jr., Florence Pugh, Benny Safdie, Michael Angarano, Josh Hartnett, Rami Malek, Kenneth Branagh, Dane DeHaan, Dylan Arnold, David Krumholtz, Alden Ehrenreich, Matthew Modine. Producción: Universal Pictures, Atlas Entertainment, Gadget Films, Syncopy. Distribución: Universal Pictures. Género: biografía. Web oficial: https://www.instagram.com/oppenheimermovie/

Crítica: ‘La niña de la comunión’

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Sinopsis

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Mayo de 1987. Las campanas de un pequeño pueblo del interior tañen con motivo de una fiesta. La iglesia está preparada para celebrar una misa de primera comunión, entre los niños está Judith, la hermana pequeña de Sara.

A partir de la comunión de su hermana pequeña, Sara y una amiga salen una noche de fiesta y al hacérsele tarde, tiene que volver haciendo autostop. Durante el trayecto, uno de los pasajeros del coche las intimida con bromas de mal gusto hasta que alguien se les cruza en la carretera. Salen del coche para investigar y solo se encuentran con… una vieja muñeca de porcelana en medio del oscuro bosque. Así es como empieza la historia de Sara, la muñeca y la desaparición de una niña el día de su comunión.

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Crítica

Entretenida y con una muy buena ambientación

‘La niña de la comunión’ llega a nuestras salas este próximo 10 de febrero. Nosotros tuvimos la oportunidad de verla en el Festival de Sitges de 2022, desde allí ya os hablamos de ella. Ahora de una manera más detallada os contamos que nos pareció la película dirigida por Víctor García (‘Hellraiser: Revelations’).

Sara acude a la comunión de su hermana en donde un pequeño accidente con una vecina la deja un poco asustada. A la noche sale de fiesta con su amiga Rebe, ambas para volver a casa deciden la genial idea de hacer autostop y aunque en el pueblo todos se conocen, uno de los chavales les gasta una broma de mal gusto. En medio del bosque creen ver a una niña vestida de comunión, Sara decide bajarse y ver donde está esa niña, pero en vez de eso, encuentra una muñeca de comunión. A partir de esa noche comienzan a ocurrir cosas extrañas.

La película es bastante típica, muy al estilo ‘The Ring’ donde comienzan a morir personas por que si de manera horrible. Pero, aunque sea típica la verdad que es bastante resolutiva y entretiene mucho.

El maquillaje está muy trabajado, la ambientación tenebrosa y los sustos son bastante buenos y dan lo que pides al ver una película de este estilo. Si que es verdad que si estás atento el desenlace se ve venir pronto, pero admito que cuando la vi en el pase de Sitges, no mucha gente se dio cuenta hasta llegar al final.

Pero aun así esto no desmerece a ‘La niña de la comunión’ la cual tiene hasta canción, una niña que está sola y tiene frío. Se nota mucho el trabajo del director en Estados Unidos. La película tiene muchas referencias al tipo de cine de terror estadounidense, con bastante acción y sin apenas momentos de relajación

Las actuaciones de los protagonistas están bastante bien, Carla Campra a la que ya vimos en ‘Feria’ o en ’30 monedas’ es la que lleva todo el peso de la película junto a Aina Quiñones de ‘No matarás’. Ambas nos dan una actuación realista.

Uno de los puntos a favor de ‘La niña de la comunión’ aparte de como he dicho, la ambientación, es también el trabajo de localización y vestuario. Estamos en 1987 y lo vemos perfectamente, en la ropa, la manera de hablar, de actuar, la música, todo. Está muy bien la manera en la que nos adentran en una época que muchos hemos vivido y que al final aunque no ha pasado tanto tiempo si que han cambiado mucho las cosas.

La única pega que le puedo poner grande a la película es el desenlace, flojito y además el CGI de la última escena deja mucho que desear después de lo que hemos visto durante la proyección.

Comentaros antes de terminar que ‘La niña de la comunión’ es una leyenda real en la que en un pueblo de Cáceres hay una pequeña a la que le gusta aparecerse a los conductores de vez en cuando.

‘La niña de la comunión’ no es perfecta, no es original, pero si que es buen entretenimiento patrio que gustará a muchos. Además tiene canción propia, «Se ha perdido, está sola y tiene frío».

Ficha de la película

Estreno en España. 10 de febrero de 2023. Título original: La niña de la comunión. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Víctor García. Guión: Guillem Clua, Víctor García y Alberto Marini. Música: Marc Timón. Fotografía: José Luis Bernal. Reparto principal: Carla Campra, Aina Quiñones, Marc Soler, Carlos Oviedo, Olimpia Roch, María Molins, Xavi Lite, Victor Solé, Anna Alarcón. Producción: Ikiru Films, Atresmedia Cine, Rebelión Terrestre, La Terraza Films. Distribución: Warner Bros Pictures. Género: Terror. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/la-nina-de-la-comunion#informacion