Crítica: ‘The Boys’ temporada 5

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El superhéroe como dictador pop: Patriota ya no es una sátira, es una advertencia

Hay algo profundamente incómodo en esta quinta temporada de ‘The Boys’. No tanto por sus mutilaciones imposibles, sus estallidos de vísceras o sus muertes grotescas (que las hay, y en abundancia), sino porque el universo creado por Eric Kripke ha dejado de parecer una caricatura exagerada para convertirse en una réplica deformada (pero reconocible) de la realidad política y mediática estadounidense actual. Y ahí reside el auténtico horror.

Resulta inquietante comprobar cómo una temporada rodada hace tiempo parece sincronizada con la deriva política de la Norteamérica contemporánea. El paralelismo entre Patriota y Donald Trump ya no se limita a la obviedad del líder populista amado por las masas. Esta vez la serie entra de lleno en el delirio mesiánico, en la construcción de una figura pseudo-divina alimentada por propaganda, manipulación mediática y una masa social intoxicada por la posverdad. Las referencias al MAGA, la demonización de inmigrantes, los ecos del ICE y la intoxicación informativa son tan explícitos que provocan escalofríos. Incluso el propio Kripke terminó reaccionando en redes sociales con un resignado “WTF”, como si él mismo se hubiese sorprendido de hasta qué punto la realidad decidió copiar a su ficción.

Patriota se convierte aquí en el auténtico centro gravitacional de la temporada. Antony Starr ofrece probablemente la interpretación más enfermiza y aterradora del personaje desde el inicio de la serie. Ya no necesita explotar cabezas cada cinco minutos para generar miedo. Le basta con sonreír. Su ego mesiánico recuerda inevitablemente a ciertos montajes creados con IA que han circulado por internet representando a Trump como una especie de Jesucristo moderno. Y lo perturbador es que ‘The Boys’ parece haberlo anticipado antes de que esas imágenes se popularizasen.

La serie lleva años ridiculizando el concepto del superhéroe corporativo, pero en esta última etapa el discurso se vuelve mucho más agresivo. Ya no se trata únicamente de reírse de Justice League o de las poses grandilocuentes del cine superheroico contemporáneo. Aquí directamente se destripa la idea de que una sociedad necesite ídolos salvadores. Y lo hace con una mala leche admirable.

Violencia grotesca, sátira salvaje y un arranque absolutamente demencial

Si alguien pensaba que la televisión moderna ya había alcanzado su techo en materia de violencia absurda, esta quinta temporada llega para demostrar lo contrario. El primer episodio empieza de forma tan salvaje que parece diseñado específicamente para poner a prueba el estómago del espectador. Y sí, si durante años la muerte de David Carradine fue utilizada como referencia morbosa dentro de la cultura popular, ‘The Boys’ consigue aquí superarla con algunas de las muertes más soeces, desagradables y directamente enfermizas vistas en televisión reciente.

Pero lo fascinante es que la serie continúa encontrando formas nuevas de burlarse del cine de superhéroes. Hay una secuencia concreta a cámara lenta que funciona como una sátira descarada de los momentos “cool” asociados a personajes velocistas como Flash o Quicksilver. La escena juega precisamente con esa estética de videoclip heroico que tantas veces hemos visto en filmes de Marvel Studios o DC Studios, solo que aquí el resultado termina siendo grotesco, incómodo y ridículamente divertido.

Ese equilibrio entre humor negro, crítica política y violencia enfermiza sigue siendo la gran virtud de la serie. Lo que en otras manos sería puro nihilismo adolescente, en ‘The Boys’ encuentra una extraña coherencia interna. La sensación constante es que todo puede empeorar todavía más. Y normalmente empeora.

Un final precipitado, personajes desaprovechados y un universo que quizá ya ha dicho demasiado

Eso sí, esta última etapa no sale completamente indemne. El principal problema aparece en su tramo final. Da la impresión de que la serie tenía demasiadas piezas sobre el tablero y necesitaba moverlas a toda velocidad para alcanzar la conclusión definitiva. Hay decisiones importantes que suceden demasiado deprisa, personajes que aparecen y desaparecen casi teletransportándose y conflictos que pedían más respiración dramática.

El desenlace, aun siendo coherente con la deriva nihilista de la serie, transmite cierta sensación de precipitación. Pero también era inevitable. Algunos personajes llevaban tanto tiempo cruzando líneas morales irreversibles que cualquier final relativamente contenido habría resultado falso. ‘The Boys’ jamás pudo terminar de forma realista porque nunca fue una serie realista. Era una pesadilla hiperbólica construida sobre los excesos del capitalismo mediático y del culto al poder.

Quizá el mayor problema sea la gestión de ciertas subtramas. La de Soldier Boy queda extrañamente colgada pese a que su presencia se siente constantemente sobrevolando la historia. Peor aún resulta el tratamiento de los personajes de Gen V. Llegan tarde, aparecen poco y apenas tienen impacto real. Se percibe claramente la intención de seguir alimentando el universo expandido de la franquicia, pero el problema es que ‘Gen V’ terminó cancelándose, dejando esas conexiones narrativas en una especie de limbo frustrante.

Ahora solo queda esperar a la futura precuela centrada en Soldier Boy y sus antiguos compañeros, porque este universo todavía parece resistirse a morir. Aunque quizá la gran pregunta sea otra: después de haber reflejado de forma tan inquietante el deterioro político y social contemporáneo, ¿qué puede hacer ahora ‘The Boys’ para sorprendernos más que la propia realidad?

Análisis del Steelbook de ‘Predator Badlands’

‘Predator Badlands’ llega a nuestras casas 

Tenemos con nosotros uno de los steelbook más chulos que Divisa Films nos ha traído. ‘Predator Badlands’, la última película acerca de estos alienígenas que tanto les gusta cazar.

En un futuro bastante lejano, en un planeta remoto, conocemos a Dek, un joven Predator. El es expulsado de su clan y junto a Thia, se embarca en un viaje en busca de su adversario definitivo.

Con una hora aproximada de extras, vemos el montaje de la película, la creación de los Predator, los efectos visuales y digitales, que en esta cinta son mucho más. Y la verdad que se disfrutan mucho.

A continuación os dejamos con la ficha técnica y con las fotografías de esta edición tan bonita. Ademas de un vídeo al final del artículo donde la podéis ver.

Película 4K ULTRA HD

Imagen: 2160p Alta Definición / 2.39:1 / 16×9

Idiomas: 7.1.4 Dolby Atmos: Inglés / DTS Digital Surround 5.1: Castellano / Dolby Digital Plus 7.1: Italiano / Dolby Digital 2.0: Audiodescripción en Inglés.

Subtítulos: Castellano, Italiano, Danés, Finés, Noruego, Sueco, Inglés codificado para sordos.

Película Blu-ray

1080p Alta Definición / 2.39:1 / 16×9

Idiomas: DTS Digital Surround 5.1: Castellano / DTS-HD Ma 7.1: Inglés / Dolby Digital Plus 7.1: Italiano

EXTRAS (1 hora aprox.)

En la piel del Predator (05:43 min)

Vemos al actor debajo del traje, estamos en territorio de estos aliénigenas y también diferentes tipos de monstruos.

Autenticidad sintética (06:41 min)

La creación de las sintéticas, es divertido ver a la actriz, Elle Fanning moviéndose y luchando contra su propio cuerpo, pues tiene que fingir que no tiene piernas.

El diseño de las Badlands (6:53 min)

Dek de los Yautja (06:11 min)

Escenas eliminadas (27:37 min)

Me gusta mucho ver todo este extra, ya que podemos ver las escenas sin CGI, y como son antes de ser montadas. Además, por supuesto, de las escenas que no hemos visto en la película.

  • Trampa de arena
  • El cañón fluvial
  • Tessa contra Abe
  • Hierba cortante
  • El puesto avanzado
  • Superexoesqueleto montacargas

Crítica: ‘Atrapando a un Monstruo’

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Bonito cuento lleno de acción y estéticamente precioso

Hay películas que no te esperas y sin duda, ‘Atrapando a un monstruo’ es una de ellas. Un cuento muy tierno y lleno de tiroteos. Con la estética mágica de ‘Amelie’ y su rareza tanto en el ambiente como en sus pintorescos protagonistas y con la tierna y extraña amistad de ‘León. El profesional’. No puedo describirla mejor y es que es como una simbiosis rara que sin duda te atrapa desde el minuto uno.

Que nos cuenta este cuento

Conocemos a Aurora, cansada de que el monstruo de debajo de su cama haga que se quede sin familia decide contratar a su vecino, un asesino a sueldo, para que cace a la criatura. Aurora descubrirá que hay varios tipos de monstruos en la vida.

Pero sin duda hay mucho más aquí y es que todo esconde un poquito de reflexión y es que muchas veces los pensamientos que tenemos se pueden hacer realidad. Además, que deberíamos escuchar y creer más a los niños. En el momento en el que Aurora se siente escuchada, se comienza a comprender todo un poco mejor.

Ambos personajes, el de Aurora y el del vecino están solos y necesitaban encontrarse. Es super tierno la manera en la que se necesitan, sin saberlo ellos mismos.

Reparto y dirección

Estamos ante la ópera prima de Bryan Fuller, creador de la estupenda serie ‘Hannibal’ en la que ya trabajó con Mads Mikkelsen. Y como os comento, no ha podido hacer mejor trabajo. Se ha reunido con un reparto estelar y sobre todo con un equipo técnico increíble.

En el reparto tenemos a Sophie Sloan, también novata en esto de la actuación, pero que está fabulosa. Tiene un papel tan tierno, tan fuerte y tan valiente. Una niña aterrada por un terrible monstruo con el que comparte habitación, pero decidida a terminar esta pesadilla, pone soluciones, pese al terror que tiene. La escena de la Iglesia me parece una maravilla.

Mads Mikkelsen, en un papel sencillo, pero tan bonito. Si, es un asesino a sueldo, pero tiene un corazoncito bastante grande. Con gran curiosidad decide seguir el royo a la niña y ayudarla.

Sigourney Weaver, tiene un papel pequeño pero muy importante, está fabulosa. Se nota que disfruta del personaje, que la verdad es bastante peculiar. Las conversaciones que tiene con El vecino (el personaje de Mikkelsen) me parecen de lo mejor de la película.

Los acompañan David Dastmalchian, Sheila Atim, Rebecca Henderson, Armond Willis, Rea Milla, Tibor Szauervein, Sute Zhao, Tao Jia y Hisham Omer entre muchos otros.

El arte en la película

Y es que ‘Atrapando a un monstruo’ es, ante todo, una maravilla visual. Tenemos una atmósfera de cuento gracias a los colores. Tenemos un eterno filtro verde, que contrasta con colores vivos como el amarillo o el rojo.

La fotografía realizada por Nicole Whitaker es preciosa, muy cuidada y sobre todo da la importancia a los dos protagonistas. Dando un brillo especial tanto a Aurora como a El vecino. De echo Mikkelsen suele tener como una luz siempre que viene desde su espalda, dando así una sensación de salvador.

Y bueno, qué decir del vestuario, me parece increíble. Esto es gracias a Catherine Leterrier (‘Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel’) y Olivier Bériot (‘Valerian y la ciudad de los mil planetas’). El trabajo que realizan es maravilloso y es que el vestuario de Sophie Sloan, casi siempre rojo, con unos diseños que la hacen ver como la niña decidida y valiente que es. O los diseños homenajeando a las películas de kung fu que lleva Mikkelsen. Y ya, los vestidos de alta costura que le vemos puestos a Sigourney Weaver, son espectaculares.

Un cuento divertido y tierno

Dos personas que se necesitan y no lo saben terminan unidos por un monstruo. Una película como he comentado al principio, bastante rara, bonita y divertida. Además, con mucha acción, una mezcla de géneros curiosa y que funciona. No dejéis de verla porque realmente me ha parecido una chulada. 

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de abril de 2026. Título original: Dust Bunny. Duración: 106 min. País: Estados Unidos. Dirección: Bryan Fuller. Guion: Bryan Fuller. Música: Isabella Summers. Fotografía: Nicole Hirsch Whitaker. Reparto principal: Mads Mikkelsen, Sophie Sloan, Sigourney Weaver, David Dastmalchian, Rebeca Henderson, Sheila Atim, Wael Alroyly, Sute Zhao, Line Kruse, Caspar Phillipson, Armond Willis, Rea Milla, Tibor Szauervein. Producción: Entertainment One, Thunder Road Pictures, Hero Squared, Dust Bunny Productions, Living Dead Guy Productions. Distribución: Diamond Films. Género: Terror, drama. Web oficial.

Análisis del pack con Sisu 1 y 2 en Blu-ray

Dos entregas que son literalmente inmortales

Decir que Sisu es inmortal es hablar con dobles sentidos pues además de tratar sobre un personaje imbatible hablamos de un tipo de humor que perdurará en el tiempo y que seguro que permanecerá en tu estantería pasando de una generación a otra. El fenómeno de ‘Sisu’ se ha consolidado como una de las propuestas más contundentes del cine de acción europeo reciente. Con su mezcla de violencia estilizada, ambientación bélica y un protagonista implacable, la saga dirigida por Jalmari Helander ha conseguido ganarse un hueco entre los aficionados al género.

Ahora, gracias a Arvi Licensing, llega al mercado un pack que reúne las dos películas publicadas hasta la fecha, convirtiéndose en una opción ideal tanto para nuevos espectadores como para aquellos que siguen este filme desde su proyección en festivales.

Un lanzamiento que reúne la saga completa hasta la fecha

Este pack de Sisu ofrece la oportunidad de disfrutar de las dos entregas disponibles en una única edición. Se trata de una propuesta especialmente atractiva para quienes buscan tener la colección completa en formato físico, algo cada vez más valorado en un contexto dominado por plataformas digitales pues antes o después las películas desaparecen de los catálogos.

La figura de Aatami Korpi, ese buscador de oro convertido en máquina de guerra, se consolida a lo largo de ambas películas como uno de los personajes más icónicos del cine de acción contemporáneo, elevando la saga a un estatus de culto.

Presentación y formato: sencillez funcional para el coleccionista

A diferencia de otras ediciones más recargadas, este pack apuesta por una presentación más funcional, reuniendo ambas películas en un mismo estuche y un interior a modo de libro alojando ambas películas en discos independientes. Y aunque la caja sea la clásica amaray al menos ambos blu-rays están serigrafiados con el cartel del filme.

Datos técnicos

Audios: Alemán DTS HD Master Audio 5.1, Castellano Dolby Digital 5.1, Inglés DTS HD Master Audio 5.1, Italiano DTS HD Master Audio 5.1

Calificación: No recomendada para menores de dieciséis años

Formato: Blu-ray

Formato de imagen: 2.40:1

Subtítulos: Alemán, Castellano, Estonio, Holandés, Inglés, Italiano, Letón, Lituano, Portugués, Turco

Zona: FREE

Extras en Sisu (25 min. aprox.)

Making of (24:25 min.)

Por suerte en estos extras se habla mucho más que en la película. Casi media hora de reportaje hablando sobre la concepción de este personaje y los retos que representa. Una película de guerra contra nazis en Finlandia es un rara avis, pero no es el único hándicap que el equipo de rodaje manejó para dar vida a esta especie de Chuck Norris europeo. Materializar escenas cada vez más locas, generar acción en un terreno baldío, dar vida a un héroe “creíble”, conectar con algún que otro elemento histórico…

Superar los límites de la realidad: los efectos visuales de Sisu (10:48 min.)

Que lo del aguante de Rambo en sus aventuras no es realista lo tenemos asumido. Pero lo de ‘Sisu’ traspasa la realidad hasta lo sobrenatural y surrealista. Para hacer todo esto más allá de contar con buenos especialista ha habido que tirar de efectos digitales capaces de mostrar en pantalla escenas completamente demenciales.

Extras en Sisu 2 (4 min. aprox.)

Subiendo la apuesta (3:03 min.)

Básicamente es una especie de tráiler en el que se sacan a relucir dos elementos claves: la acción va mucho más allá, sin límite alguno. Y se suman actores de la talla de Stephen Lang como antagonista de un héroe que gana trasfondo.

Escenas eliminadas (00:41 min.)

Una única escena en la que se realiza un pago y en la que por supuesto Aatami no pronuncia palabra.

Crítica: ‘The Furious’

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Salvaje, llena de adrenalina, ‘The Furious’ no te deja ni respirar

Os puedo asegurar que sin duda ‘The Furious’ es una de las mejores películas de artes marciales de los últimos años. Es entretenida y adrenalínica. No para ni un segundo y no deja descanso ninguno para que pienses.

¿Qué vamos a ver en The Furious?

La hija de un hombre aparentemente normal, es secuestrada por una red de tráfico de menores. Éstos, no saben lo que han hecho, y es que Wang Wei, es un experto en artes marciales y junto a él de manera inesperada se une un periodista que busca a su mujer.

‘The Furious’ es salvaje, es una película llena de acción, llena de patadas, puñetazos, se utiliza cualquier objeto para hacer daño. Ves volando a los protagonistas y antagonistas por todos lados. Es fabulosa. Es de estas películas de las que sales flipando del cine y quieres volver a ver. Y la recomiendas porque sabes que va a gustar si o si.

¿Quién está detrás de esta maravilla?

Kenji Tanigaki es el encargado de la dirección de esta cinta. Este director, coreografo y también doble de acción, sabe muy bien lo que se hace. Y es que los movimientos de cámara, la manera de seguir los cuerpos de estos actores volando por todos lados, es un logro. Además que es una manera maravillosa de meternos en la película.

Todo esto también se consigue gracias a sus actores, Miao Xie, este padre que no cesa en el rescate de su insoportable hija. Es cierto que al principio dices, se merece un buen susto la niña, luego se pasan. Junto a él encontramos a Joe Taslim, al que si que hemos visto en cintas como ‘Mortan Kombat’ y que también veremos en ‘Mortal Kombat II’. Estos dos hacen una buena pareja y sin duda nos meten bastante comedia dentro de todo lo que estamos viendo.

Y el malo malísimo, Yayan Ruhian, este actor me parece increíble, su sola presencia da respeto y se hace duro de roer. ¿Qué donde le hemos visto? En ‘The Raid’ ‘John Wick: Capítulo 3- Parabellum’ o ‘Star Wars: El despertar de la Fuerza’.

¿Qué es lo que hace especial a ‘The Furious’?

Es una película que aunque no sorprenda en su guion, como os he comentado, no deja pensar. Es de estas películas de las que sales estresado de tantos estímulos visuales. Una película que parece tener como protagonistas a superhéroes de incognito, ya que los golpes que recibe no son normales.

Y como he comentado, utilizan muy bien todo su entorno, da igual donde estén, todo objeto es válido para poder atacar o defenderse, incluso una bicicleta. ‘The Furious’ me parece algo tan espectacular, que solo espero que cuando la estrenen en las salas de cine, corráis a verla y a disfrutarla, porque de verdad que merece la pena.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de junio de 2026. Título original: Hou zhe yan. Duración: 113 min. País: Hong Kong. Dirección: Kenji Tanigaki. Guion: Frank Hui, Lei Zhilong, Mak Tin-Shu, Kwan-Sin Shum. Música: Flying Lous, Olivia Xiaolin, Elliot Leung. Fotografía: Meteor Cheung. Reparto principal: Xie Miao, Joe Taslim, Enyou Yang, Yayan Ruhian, Brian Le, Joey Iwanaga, JeeJa Yanin, Sahajak Boonthanakit. Producción: EDKO Film, Zhejiang Hengdian Film Production. Distribución: YouPlanet. Género: Acción, thriller. Web oficial.

 

Crítica: ‘Shelter: El protector’

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Un título repetido para una historia mil veces contada

Hay algo casi irónico y desde luego revelador, en el hecho de que ‘Shelter: El protector’ llegue a nuestras carteleras con un título que parece reciclado de una cadena de montaje. No es la primera vez que vemos algo así: en su día con Stallone, Dolph Lundgren, Denzel Washington, Liam Neeson e incluso con Banderas y hasta con Santiago Segura y su ‘Torrente 3’ ya tuvimos un “protector”. De hecho, ‘Homefront’ (2013) y ‘Beekeeper’ (2024) ya se tradujeron en España como ‘El protector’. Estamos ante una fórmula harto explotada, que demuestra que lo de Jason Statham ya no es pasión por hacer cine sino ir en piloto automático.

En este contexto, el filme de Ric Roman Waugh no solo no intenta diferenciarse, sino que parece abrazar sin complejos el piloto automático. No estamos ante una revisión del arquetipo, ni siquiera ante una variación especialmente ingeniosa: es, sencillamente, otra iteración. Y eso se nota desde el primer minuto.

El cine de acción contemporáneo ha encontrado en esta plantilla un refugio seguro, quizá el título es ‘Shelter’. Se sienten cómodos dentro de la misma receta: protagonista masculino, pasado oscuro, intento fallido de vida calmada y una espiral de violencia que lo arrastra de nuevo a lo que mejor sabe hacer para salvar a alguien y alcanzando a una organización criminal. ‘Shelter: El protector’ no solo encaja en este molde, sino que lo reproduce con una fidelidad casi académica.

Jason Statham y el héroe funcional

El rostro visible de esta maquinaria es Jason Statham, quien lleva años perfeccionando un tipo de personaje que aquí alcanza su forma más depurada (o más vacía, según se mire). En esta ocasión, su profesión alternativa roza lo pintoresco: farero, una elección que parece diseñada más por su carga simbólica que por su credibilidad narrativa. Al final va a conseguir interpretar más profesiones que Homer Simpson. Creo que esta broma ya la había hecho, pero si Statham se puede permitir repetir una y otra vez lo mismo, ¿por qué yo no?

Y sí, hay perro. Un detalle que, en el cine de acción contemporáneo, funciona casi como un presagio: si alguien amenaza a ese animal, la violencia posterior estará no solo justificada, sino emocionalmente amplificada. Es un recurso tan eficaz como previsible.

Statham cumple, como siempre. Su presencia física, su economía gestual y su capacidad para transmitir amenaza siguen intactas. Pero también lo está su falta de evolución. El actor británico no parece interesado, ni quizá necesitado, de salir de esta zona de confort, y ‘Shelter: El protector’ no le exige lo contrario.

Ric Roman Waugh y el agotamiento del modelo

Si hay un responsable último de esta sensación de déjà vu constante, ese es su director. Ric Roman Waugh lleva años orbitando este tipo de cine, con títulos como ‘Angel Has Fallen’ dentro de la conocida saga de acción institucional. Su filmografía revela una clara inclinación por relatos de hombres al límite enfrentados a sistemas corruptos o amenazas desproporcionadas.

En ‘Shelter: El protector’, esa tendencia alcanza un punto de saturación. No hay riesgo formal, no hay búsqueda estética ni narrativa. Todo está calculado para funcionar dentro de unos parámetros conocidos: ritmo constante, escenas de acción eficaces pero intercambiables y una progresión dramática que avanza sin sorpresas.

Algunas curiosidades de producción, como el énfasis en realizar escenas de acción con el menor uso posible de efectos digitales o la insistencia de Statham en ejecutar personalmente muchas de sus secuencias físicas, aportan cierto valor artesanal. Sin embargo, estos detalles, que podrían enriquecer la experiencia, quedan diluidos en un conjunto que nunca aspira a ser más que correcto. Es una película que no ofende, pero tampoco entusiasma ni defiende un género que hoy en día busca nuevos códigos para reivindicarse. Funciona como entretenimiento inmediato, pero carece de cualquier tipo de resonancia. Es cine de consumo rápido, diseñado para ser olvidado con la misma facilidad con la que se ve.

Ficha de ‘Shelter: El protector’

Estreno en España: 27 de marzo de 2026. Título original: Shelter. Duración: 107 min. País: EE.UU. Dirección: Ric Roman Waugh. Guion: Ward Parry. Música: David Buckley. Fotografía: Martin Ahlgren. Reparto principal: Jason Statham, Bill Nighy, Bodhi Rae Breathnach, Naomi Ackie, Daniel Mays. Producción: Black Bear, CineMachine Media Works, Eastern Film, Fire Hawk Productions, Punch Palace Productions, Quebec Film and Television Tax Credit, RVK Studios, Stampede Ventures. Distribución: Diamond Films. Género: acción. Web oficial.

CutreCon 2026, día 8 de febrero

CutreCon cierra edición y ya prepara el fin del mundo para 2027

La CutreCon baja el telón un año más dejando tras de sí salas llenas, gargantas gastadas de tanto reír y la sensación de que el cine cutre es, ante todo, una experiencia colectiva. Han sido días de títulos imposibles, héroes desorientados y decisiones creativas que desafiaban cualquier manual de guión, celebradas como se merecen: con aplausos, carcajadas y complicidad absoluta entre público y programación. El festival vuelve a demostrar que no hace falta perfección para generar entusiasmo, solo amor por el cine más desatado y sin complejos. Prueba de ello es que el propio Uwe Boll ha manifestado su satisfacción calificando al festival como el mejor en el que ha estado.

Y antes de que se enfríen los proyectores, la organización ya mira al futuro: la CutreCon 2027 estará dedicada al cine de catástrofes. Seguro que nos esperan cosas tales como terremotos con cartón piedra, efectos especiales descontrolados y apocalipsis rodados con más ambición que presupuesto. La fecha ya se conoce, de forma aproximada, del 3 al 7 de febrero, manteniendo su habitual hueco invernal en el calendario cinéfilo. Una nueva excusa para reunirse, reírse del fin del mundo y celebrar que, pase lo que pase en pantalla, la CutreCon siempre sobrevive.

‘Empire of the dark’

Steve Barkett se hizo esta película por y para él: escrita, producida, dirigida, promocionada y protagonizada por él. Es una película de autobombo y muy torpe pero curiosamente no deja de emplear buenos recursos. No obstante parece una película rodada a partir de ideas sueltas escritas en servilletas conviven amigos y familiares. Demonios, mafias, posesiones y pistoleros conviven sin demasiada explicación en una trama ritualista y de otra dimensión. Es como si todo diera igual (incluidos continuidad y rácord) mientras haya ilustraciones curiosas y diálogos solemnes. Nadie actúa como una persona real, sino como alguien que acaba de despertarse de una siesta incómoda y quiere que todos lo sepan. No sería posible aguantarla sino fuese por los chistes del público de Cutrecon. Es tan seria en su delirio que acaba funcionando como comedia accidental. No se entiende, pero se recuerda, que en el fondo es lo mejor que puede decirse de ella. Sorprendentemente la película tiene un 5 raspado en IMDB.

‘Roots of evil’

Un alemán rodando barato en Madrid en los años setenta. Contando con muchos actores y técnicos españoles pretende tomarse a sí misma con una gravedad casi religiosa, mientras encadena escenas de lucha bochornosas. Imposible tomársela en serio cuando el villano está interpretado por Deep Roy (el Oompa Loompa) vestido de Rigodón. Una película de explotación de artes marciales con trama tipicona en la que el protagonista sufre presiones para que deje el local en el que imparte karate. Si esto pasase en el Madrid de hoy en día solo tendrían que actualizarle el precio. En su lugar se prepara un triángulo amoroso con muy poca acción, en varios sentidos. Cuesta creer que ni el nulo carisma del protagonista, ni la desastrosa escena de baile, ni las mal montadas escenas de karate o las conexiones con el cine quinqui avisaron al resto del equipo de que esta es de esas obras que arruinan carreras.

‘Miami conection’

Si has ido alguna vez a CutreCon has cantado la canción de esta película, el tema ‘Against the ninja’ de Dragon Sound, que se proyectó en la segunda edición. Un subidón verla en formato karaoke. Por lo demás es una de esas películas que americanizaban la cultura ninja y en las que hasta el apuntador sabe artes marciales. El villano cambia del look trajeado al camuflaje de barriada sin sentido, el sonido de las voces baja y sube, personas que aparecen en cuadro donde no debería haber nadie, la trama es tan simplona como el juego de un niño que mezcla sus juguetes… La película cree de verdad en la música, la hermandad y los patadones… hay cinismo, solo entusiasmo desbordado y decisiones de producción inexplicables.

‘Rambo Turco: Korkusuz’ + ‘Rambo Indonesio: Rambu, The Intruder’ + ‘Rambo Turco: Vahsi Kan’

Maratón de películas que sin licencia imitan, continúan o rehacen las películas de Sylvester Stallone. Mala calidad mezclada con elementos de las originales, Cüneyt Arkın saltando en camas elásticas mientras ejerce su misoginia, explosiones a varios metros de las supuestas víctimas, munición ilimitada hasta para el bazoka… Por quedarnos con algo… la batalla entre villanos en motos de cross y bienhechores en motocarros.

 

CutreCon 2026, día 7 de febrero

En CutreCon se mueve el bigote, pero no solo para comer

CutreCon se traslada al mk2 Palacio de Hielo para maratonear con películas de explosiones y bigotones. Durante todo el fin de semana la casa del festival es el cine emplazado en el Centro Comercial Palacio de Hielo y ahí, la sala con más de 500 butacas ha colgado varias veces el cartel de «no quedan entradas». La penúltima jornada fue toda una fiesta con buen sentido del humor, camaradería y capacidad de resistencia a según qué películas.

Tras ver varias películas en las que los protagonistas lucían diversos tipos de bigotes y peores argumentos, la jornada de CutreCon cerró con la proyección de ‘Postal’ acompañados del director Uwe Boll presente. Un broche de oro y locura para con una sesión golfa abarrotada patrocinada por Moviementarios en la que los asistentes no solo disfrutaron de la visión del director de primera mano, sino que recibieron copias firmadas de sus películas. Y todo esto sucedió justo después de que Boll maldijese a Paul W.S. Anderson por hacerse con los derechos de ‘House of the Dead’. No obstante, el crowdfunding para hacer su secuela, ‘23 years later: return to zombie island’, sigue adelante.

‘White Fire’

Demostración científica de que en los 80 nadie leía el guion completo antes de rodar. Esta ha sido una demostración a lo CutreCon style, de esas películas que no hay que ver solo en casa, sino bien acompañado. Es una inexplicable película sobre revolucionarios y traficantes. Robert Ginty actúa como si no supiera muy bien qué película está haciendo, pero eso solo aumenta su encanto. Las escenas de acción son más torpes que sangrientas y el tono cambia más que los modelos de bigotes que desfilan por la pantalla. Todo es excesivo, incoherente e ineficazmente serio, lo que convierte a ‘White Fire’ en una joya involuntaria. El título se te graba a fuego por el incesto y la gran cantidad de veces que lo mencionan, pegadiza canción incluida. Pero eso no es lo más memorable. Lo más reseñable es una inexplicable trama con incesto y endogamia que cuesta creer que a los guionistas se les haya colado por descuido.

‘Karachi Thunderbolt’

En anteriores ocasiones CutreCon nos ha preparado remixes como este. Esta vez Trash-o-rama distribución nos ha brindado una selección muy loca de cine Pakistaní. Todo protagonizado por Sultán Rahi, un actor con más de un centenar de películas en su haber. Una persona que fue asesinada por unos fans que no le reconocieron al no llevar su bigote postizo, muchas veces recreado con dos trozos de cartón. Lo que hizo este actor es cine sin frenos ni cinturón de seguridad y también sin cuidado porque las películas eran de usar y tirar, acababan en la basura. Cine rescatado directamente desde Lollywood (la “factoría” de cine de Pakistán) con escenas que provocan auténtico dolor, por sus histriónicas interpretaciones, por su constante cambio de color, por su deficiente sonido, por la repetición de golpes… te deja los sentidos hechos fosfatina.

‘Ninja Terminator’

‘Ninja Terminator’ es una película donde la trama es un rumor lejano y los ninjas visten camuflajes rosas y de manera esporádica. El argumento, si existe, gira en torno a una estatua robada, pero lo importante son los combates reciclados, los planos robados de otras películas y los nombres de los protagonistas que en versión española ganan otra dimensión. Cada ninja actúa como si protagonizara su propia película, sin preocuparse por la coherencia global. El montaje es un collage delirante y la música suena como si alguien hubiera dejado una cinta puesta al azar. Es cine cutre en estado puro, desde el villano con peluca de Adam de Eternia hasta el teléfono con forma de Garfield. Sin dura una proyección que ha recordado a los mejores momentos de CutreCon.

‘James Bond Turco: En Büyük Yumruk’

Es lo que pasa cuando alguien decide hacer una película sin respetar derechos, sin criterio cinematográfico y sin ningún tipo de respeto. El personaje no es Bond: conduce coches normales, pelea como en una película de barrio y se enfrenta a villanos que parecen pueblerinos enfadados. Pero se roban detalles y escenas de acción de la franquicia. Y la música… suenan pasodobles españoles y temas de Flash Gordon. El protagonista, Cüneyt Arkın, la mítica estrella de otros plagios turcos, actúa con una seriedad de galán misógino como si estuviera en ‘Goldfinger’. Todo es cutre, sucio y directo, sin más esfuerzo que encadenar una pela tras otra, un ligoteo tras otro. Parodia involuntaria fruto de una época y cultura que entiende poco del respeto. Un monumento al cine de explotación y a la cara dura creativa. Será que, como dicen cerca de una decena de veces en la película, es cosa de hombres.

‘Retroceder nunca, rendirse jamás’

De entrada hay que decir que el protagonista está constantemente huyendo y rindiéndose en situaciones comprometidas. Esta es la película que intentó subirse al éxito de ‘Karate Kid’… y acabó practicando su propio kata de ridiculeces narrativas y tópicos. Jean-Claude Van Damme aparece interpretando a un villano que parece imitación del Drago de ‘Rocky IV’, que casualmente también se estrenó ese año. Pero aparece unos minutos al comienzo y luego en el combate final, protagonizando el cartel antes de su fama. Todo se toma terriblemente en serio, con discursos inspiradores y momentos de constante revancha y abusones. Es ingenua, torpe y entrañable, una cápsula del tiempo de los 80 donde el sudor, las patadas y la moralina eran suficientes para vender heroísmo de videoclub.

‘Postal’

‘Postal’ es Uwe Boll en estado de pura venganza: provocación, caos y una clara voluntad de enfadar a todo el mundo por igual. La película no adapta tanto el videojuego como su espíritu más desagradable, apostando por el humor ofensivo, el mal gusto y la sátira pasada de rosca. Nada importa demasiado: los personajes entran y salen, la trama avanza a base de burradas y las escenas están pensadas para incomodar con humor sin prejuicios. Boll incluso aparece en pantalla, como si quisiera recordarte que esto es culpa suya y un arma suya contra todo lo correcto. No es divertida en el sentido clásico, pero sí fascinante como experimento y como bofetada. ‘Postal’ no quiere gustar, quiere molestar… y en eso, triunfa pues con el tiempo ha sobrevivido bien y mantiene su relevancia.

CutreCon 2026, día 6 de febrero

De la película más seria en la historia del festival a una fiesta india sin límites

El día de hoy, la tercera jornada de CutreCon 2026, ha transcurrido con las sesiones de entrevistas con Uwe Boll, la presentación del libro oficial de CutreCon, la proyección de ‘Rampage’ (para muchos la mejor obra del director alemán) y el gran clímax con la película india ‘Jaat’ en los mk2 Cines Paz. Además se han celebrado las últimas proyecciones de la Sección Oficial y se ha anunciado el ganador. Por primera vez no se ha podido entregar el premio en persona (el peso del director en películas donadas por Fnac) pues el público ha decidido que ‘AJ goes to the dog park’ de Toby Jones sea la ganadora.

Si regresáis a esta entrada los próximos días, o si os mantenéis al tanto de nuestro canal de Youtube, podréis ver nuestra entrevista con Uwe Boll. En ella hablamos de varias novedades que ha desvelado en lo últimos días, de su nueva película con Armie Hammer o de la importancia del humor y la libertad creativa. ‘El afilador’

‘Rampage’

Uwe Boll firma con ‘Rampage’ una de sus películas más incómodas y más coherentes. Aquí no hay ironía ni guiños al espectador: hay un nihilismo frontal que convierte la violencia en discurso, con ciertos parecidos con ‘Un día de furia’ o con ‘Heat’. La puesta en escena es seca, casi televisiva, y el guion renuncia a matices psicológicos para abrazar la provocación pura y descansar en la interpretación de su protagonista. Boll no pretende explicar nada, solo señalar con el dedo y gritar. El problema es que esa crudeza, sostenida sin respiración ni distancia crítica, termina siendo monótona, pero moralmente nada torpe. Incomoda por lo que muestra y pronostica, de hecho, se estrenó dos años antes de la matanza de Utoya. Un filme extremo en varios sentidos y de tanta actualidad como películas del corte de ‘Civil War’ o ‘Edington’, aunque el director considere estos filmes poco comprometidos. Una película que no cuadra con el festival, pero que demuestra que Boll es capaz de lo mejor y de lo peor.

‘Jaat’

Acción flipada es como se puede definir este tipo de películas. ‘Jaat’ es cine de acción indio sin complejos, orgullosamente exagerado y con una energía que la emparenta directamente con títulos como ‘Action Jackson’ o ‘RRR’. La lógica narrativa importa poco, si a John Wick le incitan a un camino de venganza matando a su perro, a este protagonista lo que le motiva es conseguir unas disculpas porque le tiran al suelo un plato de comida. Las largas secuencias musicales tampoco importan mucho, ni siquiera los pixelados en gore y desnudos, lo esencial es el héroe invencible, los villanos caricaturescos y las set pieces diseñadas para levantar al público de la butaca. La dirección apuesta por el exceso (más cámaras lentas que Zack Snyder, golpes que desafían la física y música omnipresente) y lo hace con una convicción que resulta contagiosa. No es una película sutil ni pretende serlo, su mérito está en abrazar el espectáculo como identidad con un protagonista que recuerda al Ma Dong-seok de la saga ‘Fuerza bruta’. Como otros títulos provenientes de oriente funciona mejor cuando se acepta como pulp desatado: ruidosa, absurda y tremendamente entretenida dentro de su propio código.

CutreCon 2026, día 5 de febrero

La llegada de Uwe Boll sabe a premios y reencuentro con el público y la crítica

Segundo día de CutreCon 2026 y probablemente el más esperado por el público más fiel del festival. Ha llegado Uwe Boll. Directamente desde Alemania a la locura de CutreCon el director conocido como el peor adaptador de videojuegos de la historia (junto a Paul W.S. Anderson) ha aterrizado dispuesto a imbuirse del espíritu de un festival dirigido con quién en su día se batió en un ring de boxeo. Anécdota a parte, el cineasta llega dispuesto a comentar con el público películas como ‘House of the dead’, ‘Rampage’, ‘Postal’ o ‘Alone in the dark’. Y vaya si lo ha hecho además de muy buen grado. Recogió el premio que le ha brindado el festival, recordó su combate con Carlos Palencia y otros críticos, habló de lo que ha salido mal (y algunas cosas bien de su filmografía…). Nos espera un festival muy ameno con él en esta sintonía.

Tal es la confianza que pronto se ha transmitido entre público y director que nos han contado varios proyectos que si bien quizá no son primicia, están aún por difundirse como es debido. Uwe vuelve a tener los derechos de ‘Alone in the Dark’ y va a hacer otra película que se basará en la última entrega. Con la anterior no estaba del todo contento, coincidiendo con los fans, pues no se parecía a los juegos, ya que como nos ha desvelado, se basaba en un juego que estaba por publicarse y nunca vio la luz. Y este no es el único proyecto que ha anunciado pues acaba de abrir un crowdfunding en indigogo para hacer una continuación de ‘House of the Dead’ con todo el reparto original pese a que SEGA no estaba muy por la labor. Se llamará ’23 years later: return to zombie island’. Podéis participar aquí.

Por otro lado ha sido el día en el que ha arrancado la Sección Oficial de CutreCon 2026. Desde hace años el equipo de CutreCon recibe material de todo el mundo y lo selecciona. Tras salir vivos de similar y tortuosa labor escogen cuatro títulos que el publico del festival vota en función de cuan divertida ha sido la sesión. De momento, una de las propuestas ha sido muy divertida y la otra una verdadera sesión de castigo.

‘Soy Inmortal’

Gallardo es un habitual del festival, tanto cuando no había sección oficial como aplicando a ella. En esta ocasión nos presenta a dos protagonistas, una de ellas interpretada por una asistente del propio festival que “ha cumplido un sueño” apareciendo en una de las locuras ininteligibles del director. Por supuesto y como siempre, toda la obra está rodada en la casa y la azotea donde vive el propio director. Se supone que tiene conexión con ‘La Sustancia’ y ‘Superman’ o ‘Rambo’ pero lo más memorable ha sido ver cómo le hacen el boca a boca a una caja pintarrajeada o como juegan a intentar darle mordiscos a burbujas de jabón.

‘AJ goes to the dog park’

Filme realizado por un guionista de ‘Historias corrientes’. Evidentemente, aunque es un profesional del sector ha hecho esta película en formato amateur, gastándose lo menos posible y con sus amigos durante el fin de semana. Con esto ha alcanzado el nivel requerido para ser una película festiva en CutreCon.

Cuenta la historia de un hombre que está encantado de la vida pero pierde el parque que usa siempre para pasear a sus perros. Una comedia de lo más cartoon o quizá inspirada por el espíritu de los ZAZ o los Python. Lo mejor es su arranque con una gran cadencia de chistes. Toda una demostración de que, con pocos medios, pero con la democratización de la técnica, se puede hacer algo que funciona.

‘Alone in the Dark’

‘Alone in the Dark’ es la prueba definitiva de que estar “solo en la oscuridad” no es tan aterrador como estar acompañado por un proyecto que sale mal. Arrancando con un texto tan largo que, más que contexto es un ebook en sí mismo, la película decide huir del miedo como si fuera alérgica a él. Christian Slater parece actuar desde otra dimensión, Stephen Dorff camina por la trama siempre boquiabierto y Tara Reid… digamos que es uno de los arrepentimientos reconocidos por el director. La lógica del mundo se evapora en los primeros diez minutos. Boll mezcla arqueología, monstruos y conspiraciones como si esta fuese una versión no autorizada del AIDP de Mignola. El resultado es un batiburrillo solemne, inexplicablemente aburrido y, por eso mismo, cómico. Cada escena promete suspense y entrega tiros como si el juego fuese un shooter y por supuesto el material original no lo es.

‘House of the Dead’

Es como entrar a un túnel del terror diseñado por alguien que solo ha visto videojuegos de zombis desde la otra punta del bar y se piensa que el techno y el un metal que suena en la playlist son parte del juego. Uwe Boll adapta el clásico con ideas buenas, chocantes para la época, pero con poca eficiencia: cámara lenta a lo matrix, porque sí, montaje epiléptico y personajes que parecen haber ganado un concurso para salir en una peli sin saber actuar. El verdadero villano no son los muertos vivientes, sino los insertos del videojuego original que aparecen de repente, como si el DVD se hubiera roto y alguien hubiera dicho “déjalo, queda moderno”. Los diálogos suenan a tutorial mal traducido y la tensión brilla por su ausencia. Aun así, hay algo hipnótico en su desastre: es tan caótica y estirada que termina siendo una experiencia más divertida de lo que parece. El público de CutreCon 2026 lo ha gozado.

‘La invasión de los zombies atómicos’

Es esa clase de película que parece escrita con prisas, rodada con aún más prisas y pensada claramente para no pensar demasiado. Los zombies, rebozados en latex como croquetas olvidadas en la nevera, avanzan con la energía de quien ha perdido el autobús… Si algo hay que reconocerle a este filme es que los zombies corren mucho antes que en ’28 días después’. Pero nada más. La amenaza “atómica” se menciona tanto que uno espera ver un contador Geiger, pero lo más radiactivo acaba siendo el maquillaje y las torpes escenas en las que no pasa nada o se muestra a las mujeres como un mejo objeto. Los diálogos suenan a doblaje camuflado y la trama consiste en un corre que te pillo que uno no sabe cómo va a terminar por no tener casi contexto. Tal es así que el final también es de lo más vago e inconcluso. Tanto para nada, bueno sí, para disfrutar de localizaciones madrileñas como si una película de Garci se tratase.

CutreCon 2026, día 4 de febrero

Abrimos con Cabezas y gozamos con Kostanski

Ya está aquí. CutreCon 15, CutreCon 2026, que arranca fuerte en dos de sus sedes con las peores películas que podamos imaginar. Esta vez con la acción, las explosiones y los tiroteos como leitmotiv. Como siempre con el humor y el respeto como bandera el público ha llenado las salas, teniendo que doblarse alguna sesión. Será hasta el 8 de febrero que el público madrileño verá filmes en sedes como el salón de actos de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense, los mk2 Cines Paz y el mk2 Palacio de Hielo.

Un inicio académico, el cine malo enseña

La mañana ha transcurrido festiva en la Universidad Complutense. Allí se ha dado la clásica sesión de documentales conocida como Documentrash. En esta ocasión ha sido relacionada con la película que se ha proyectado previamente, ‘Megaforce’. Una locura de filme con récord de explosiones e irresponsables escenas peligrosas de la cual el público ha extraído el que se ha convertido instantáneamente en el saludo del festival.

Seguidamente, un director tan famoso como Paco Cabezas ha propuesto su película mala para goce y “disfrute” de los cutreconeros. ‘Una noche para desmembrar’, un filme en el que no hay plano con fallo y que no transcurre en una única noche. Una película que rápidamente hemos comprobado porqué ha sido escogida como máximo exponente de lo cutre por el director de obras como ‘Adiós’, ‘Miércoles’ o ‘El alienista’ pues parecía horror elevado, pero por ser incomprensible y discurrir con música de ascensor. La hemos desgranado con él en un coloquio posterior y en una entrevista que podréis ver aquí o en nuestro canal de Youtube.

Y no es de extrañar que hayamos tenido tan didáctica mañana pues CutreCon 2026 ha supuesto la edición en la cual se inaugura una nueva etapa colaborativa con la Universidad Complutense, lugar que lleva acogiendo el arranque del festival varios años. En los días previos a arrancar CutreCon XV se anunció un acuerdo de colaboración para los próximos cuatro años cuyo objetivo principal es la difusión de actividades culturales y de investigación entre la comunidad universitaria, y acercar a esta un tipo de cine popular y alternativo fuera del circuito de exhibición de las salas de cine y de las principales plataformas de streaming.

Cortometrajes de alumnos de la UCM

En los últimos años, debido a que CutreCon celebra sus primeros días en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, se celebra un concurso entre los alumnos, los cuales deben realizar un spot en base a unos guiones que les han entregado. Tras ese concurso, el spot escogido se convierte en uno de los anuncios oficiales del festival y se proyecta antes de cada proyección durante toda la semana. Este año ha estado muy reñido y el spot ganador nos ha divertido como cualquier otra película del festival. ¡Enhorabuena!

‘Megaforce’

Desierto y muchas explosiones. No, esto no es una película derivada de Sirat. Es un filme que nació con pretensiones de ser el nuevo Star Wars y de vender muchos muñecos como lo hizo la franquicia de George Lucas. Pero evidentemente no fue así. El resultado fue una obra hortera en su vestuario, su elección de planos inoportunos, sus coches cero prácticos y sus innumerables, innecesarias e incesantes escenas de explosiones y choques en las que sin duda más de un extra se jugó la vida. Y todo, para qué, para que el público vea pelotas de gimnasia explotando o un protagonista que mezcla carisma con mala interpretación al volante. Total, una especie de G.I. Joe rodado casi todo en un desierto y prácticamente con cero argumento.

‘Making Megaforce’

Documental en el que el propio director se retrata a sí mismo como el mayor fan de ‘Megaforce’ (tampoco hay muchos más). El resultado es que parece una persona excesivamente obsesionada con una película bastante mala. Y así es. Rozando el problema de salud mental este seguidor colecciona objetos y replica los vehículos de la película. Pero llega hasta el punto de perseguir y acosar al actor Barry Bostwick, quien hizo de protagonista. Lo que en un principio podría haber acabado con una orden de alejamiento se convierte en una conmovedora historia de amistad nada exenta de momentos incómodos y arriesgados.

‘Una noche para descuartizar’

Una directora, asegura haber perdido todo el metraje de la película de terror que ha rodado y durante los siguientes tres años se propone terminar el filme con escenas descartadas. Lo que vemos aquí es una sucesión de imágenes inconexas, de parches rodados con otros actores con lo que los personajes cambian de rostro de una escena a otra y de tramos rellenados con películas anteriores de la directora. ¿El problema? Pues que lo que había hecho hasta entonces Doris Wishman era cine erótico. Una película inteligible que no se entiende ni con las explicaciones con un narrador que tampoco está bien escrito.

‘Deathstalker’

Remake del clásico de fantasía medieval. Bajo la batuta de Steven Kostanski (‘Psycho Goreman’, ‘El vacío) llega esta nueva versión que mantiene el espíritu de la original y su potente banda sonora, esta vez al ritmo de las guitarras de Slash que ha producido el filme. El público se lo pasará pipa gozando con el split diopter, los protésicos, las marionetas, la espada y brujería y lo grotesco. Todo lo que suele potenciar Kostanski está aquí: el arte manual, las criaturas que parecen sacadas de descartes de Masters del Universo, la fantasía loca y disparatada y muchas buenas elecciones de planos o de guión. Un regalo para los amantes del cine de serie B y la fantasía.

Chris Pratt visita Madrid para presentar ‘Sin piedad’

El actor protagoniza un intenso thriller futurista y se deja ver en Madrid en un exclusivo photocall matinal

Madrid ha sido una de las paradas clave de la gira promocional de ‘Sin piedad’, el nuevo thriller de ciencia ficción protagonizado por Chris Pratt. El actor estadounidense visitó la capital para presentar la película y atender a la prensa en un encuentro breve pero muy esperado por medios y fans. Recordemos que hace muy poco y en el mismo hotel, Chris Pratt atendió también a la prensa, en aquella ocasión por el estreno de ‘Estado eléctrico’ acompañado de Millie Bobby Brown y los hermanos Russo

Chris Pratt, de estreno en la capital

La visita de Pratt confirma la apuesta de Sony Pictures por el mercado español, eligiendo Madrid como escenario para dar a conocer una de sus producciones más ambiciosas de los últimos años dentro de la ciencia ficción y la acción. El actor se mostró cercano y relajado, conversando con los fotógrafos y animando a que viesen un proyecto que combina tensión judicial, drama personal y especulación tecnológica.

Un photocall matutino con el protagonista

Durante la mañana, tuvimos la oportunidad de acompañar a Chris Pratt en un photocall exclusivo, donde posó para los medios y posteriormente concedió entrevistas. El actor cambia ligeramente de tercio y acepta el desafío de interpretar a un personaje al límite, atrapado entre el pasado y un sistema judicial implacable gobernado por inteligencia artificial.

Un thriller futurista contrarreloj

‘Sin piedad’ sitúa la acción en un futuro cercano en el que la justicia ha delegado sus decisiones en una avanzada jueza de inteligencia artificial, interpretada por Rebecca Ferguson. Pratt da vida a un detective acusado del asesinato de su esposa, enfrentado a un juicio tan frío como matemático.

La película se articula como una carrera contrarreloj: el protagonista dispone de apenas hora y media para demostrar que no es culpable antes de que la jueza digital emita un veredicto definitivo. El conflicto se intensifica al revelarse que él fue uno de los principales defensores del sistema que ahora puede condenarlo, añadiendo una capa moral y emocional al relato.

Con una premisa inquietante y un reparto de primer nivel, ‘Sin piedad’ se perfila como uno de los thrillers más comentados en este arranque de año. La presencia de Chris Pratt en Madrid ha servido para aumentar la expectación y poner el foco en una película que invita a reflexionar sobre los límites de la tecnología y la justicia.

Este ha sido para nosotros el mejor cine de 2025

Cine 2025: Películas imprescindibles que han marcado el año

El año 2025 nos ha dejado una cosecha cinematográfica excepcional, demostrando que el séptimo arte sigue teniendo una capacidad inagotable para sorprendernos, ya sea a través de grandes producciones en salas o joyas ocultas en plataformas. Como es tradición en nuestra casa, hemos querido recopilar aquellos títulos que más nos han marcado durante estos meses para que no se pierdan en el ruido de los estrenos.

Fieles a nuestra filosofía, no nos gusta hacer rankings ni asignar puntuaciones numéricas, pues creemos que el cine es una experiencia demasiado subjetiva para reducirla a una cifra. Por ello, cada año organizamos esta lista por categorías, funcionando más como un mapa de recomendaciones que como una competición. Nuestro objetivo es que este texto sirva como un recordatorio útil y una guía para descubrir (o revisar) historias que merecen ser recordadas. Desde el cine de autor más íntimo hasta los grandes espectáculos visuales, aquí tienes nuestra selección de lo mejor que nos ha regalado la pantalla este año.

Listado de lo mejor de 2025 por categorías

Españolas

Terror

Comedia

Acción

Suspense

Ciencia Ficción

Drama

Animación

Documental

Decepciones

Crítica: ‘Sisu: camino a la venganza’

En qué plataforma ver Sisu: camino a la venganza

Sinopsis

Al regresar a la casa donde su familia fue brutalmente asesinada durante la guerra, «el hombre que se niega a morir» (Jorma Tommila) la desmantela, la carga en un camión y se propone reconstruirla en un lugar seguro en honor a ellos. Cuando el comandante del Ejército Rojo, que mató a su familia (Stephen Lang, de ‘Don’t Breathe’), regresa empeñado en terminar el trabajo, se produce una implacable y espectacular persecución a través del país, una lucha a muerte llena de escenas de acción increíbles e ingeniosas.

Crítica

Cuidado que el Chuck Norris finés está de vuelta (de vuelta de todo)

Cuando consumimos cine de acción contemporáneo, es raro encontrar un filme que celebre sin complejos la figura del héroe de carne y hueso (o mejor dicho, de músculo, cicatrices y un instinto de supervivencia que se regodea en lo mítico). En ese terreno se mueve con contundencia la secuela ‘Sisu: camino a la venganza’, en la que el director Jalmari Helander vuelve al terreno que le hizo célebre: un protagonista implacable, violencia sin adorno, paisajes extremos llenos de maquinaria de guerra y un código moral escueto pero absolutamente claro.

Aquí el héroe es prácticamente un “Chuck Norris finés” que arrasa y es inasequible al desaliento: el personaje vuelve, sí, pero no solo está de vuelta con una segunda y esperadísima secuela, sino que está de vuelta de todo. Desengañado de la vida, marcado por la pérdida, y con el único objetivo de ajustar cuentas. Si en la primera entrega luchaba contra nazis que aplicaban la ley de tierra quemada, en esta nueva historia el enemigo cambia: son los soviéticos los que eliminaron a su familia, lo que intensifica el tono de venganza personal y marca un cambio de frente dramático. Está claro que el protagonista de Sisu no entiende de colores. También que protege lo suyo pues si anteriormente le vimos protegiendo su botín ahora intenta salvaguardar su casa en la que es la mudanza más dura que he visto en mi vida.

Helander ha planteado una propuesta que muchos creían perdida en el cine moderno: un héroe de acción auténtico, un “berserker” de los que no se permite tregua, que sin apenas diálogos logra transmitir tanto como una oda al instinto de supervivencia como una metáfora de la resistencia absoluta. Pero no está solo. La inclusión de dos colosos del antagonismo como Richard Brake y Stephen Lang añade una capa extra de brutalidad y credibilidad al engranaje narrativo. Ambos intérpretes, acostumbrados a encarnar figuras duras, violentas, desequilibradas o autoritarias, apareciendo aquí suman al carisma de la película: la incorporación de dos “ásperos” del cine como Brake y Lang no hace sino aumentar el grado de rudeza de la saga (me gusta pensar que habrá más entregas). Con ellos, Helander no tenía necesidad de embellecer nada, la efectividad ya estaba asegurada, pero sí consigue que sintamos eso de que “esto es guerra y nadie va a pedir perdón”.

Si bien ya sabemos lo que ofrece Helander: capítulos divididos por títulos, protagonista silencioso, humor físico, perro inmortal (sí, ese perro que parece haber firmado contrato de perpetuidad con la violencia), sigue siendo una gozada, es puro divertimento de principio a fin. Esta entrega sube la apuesta con más explosiones, más persecuciones, más enemigos y más sangre. Dicho de otro modo: “más difícil, más chiflado, más brutal todavía”. La película lo sabe y se limita inteligentemente a 88 minutos, sin adulterar su pulsión inicial pero siendo capaz de ir constantemente más allá.

El ritmo no da tregua. Desde los primeros minutos, el espectador está en la carretera de la venganza, sin dilación, sin segundas intenciones. Helander domina el espacio como pocos para el género: la carnicería se vuelve espectáculo, pero nunca pierde la concentración. Las set-pieces funcionan porque el protagonista no se detiene, y los antagonistas tampoco. No hay demasiadas sorpresas en cuanto al planteamiento (lo cual podría interpretarse como limitación) pero la capacidad de ejecución hace que poco importe.

Ahora bien, si hay un “pero” que merece mencionarse, es que en comparación con la primera parte esta segunda entrega tiene ciertas pausas que son algo más largas y por otro lado se siente más predecible, no por ello menos disfrutable. Lo dicho, ‘Sisu: camino a la venganza’ es una carta de amor al cine de acción primario: héroe inquebrantable, antagonistas sin piedad, tierra áspera, sangre, madera, explosiones y ocurrencias de lo más descabelladas… Si te molan los héroes que no hablan mucho pero lo dicen todo con una mirada y un puñetazo, si te atraen las películas que se entienden sin grandes discursos pero con muchas muñecas rotas, esta es una que no debes perderte.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de noviembre de 2025. Título original: Sisu: road to revenge. Duración: 88 min. País: Finlandia. Dirección: Jalmari Helander. Guion: Jalmari Helander. Música: Juri Seppä, Tuomas Wäinölä. Fotografía: Mika Orasmaa. Reparto principal: Jorma Tommila, Stephen Lang, Richard Brake. Producción: Subzero Film Entertainment, Good Chaos, Cosmic Snowball. Distribución: Sony Pictures. Género: acción. Web oficial: https://www.sonypictures.es/pelicula/sisu-camino-a-la-venganza

Crítica: ‘Luger’

Sinopsis

Rafa y Toni son dos delincuentes de poca monta que trabajan para Ángela, una abogada de moral flexible que ofrece a sus clientes soluciones rápidas al margen de la ley. La historia se desarrolla a lo largo de un día frenético en un laberíntico polígono industrial, cuando son contratados para recuperar un coche robado para uno de esos clientes. En su maletero, encuentran una misteriosa caja fuerte que contiene una reliquia de la Segunda Guerra Mundial: una pistola Luger P08, muy codiciada por gente muy peligrosa del mundo del hampa.

Crítica

Cine de acción sin glamour, pero con carácter

‘Luger’, lo nuevo de Bruno Martín, se presenta como una bocanada de aire fresco para el cine de acción español, respirando no solo por su violencia cruda, sino por la química contagiosa de sus protagonistas. El productor de ‘Os Re­vien­to’, éxito reciente de la acción en España, da aquí su salto a la dirección con un filme que homenajea los ochenta, los beat’em ups de recreativa o las buddy movies convertidas en enjambre de mamporros, traiciones y lealtades rotas. En ‘Luger’ los personajes centrales son dos matones que, palabras textuales «emiten fracturas, no facturas»: están interpretados por David Sanz con acento canario y descaro, y por Mario Mayo con chispa callejera. Con ellos se construye una dupla memorable, pareja tipo “el cerebro y el forzudo”, como si Shane Black hubiera hecho casting callejero en alguna barriada española. Entre ellos hay amor-odio, fricciones, risas y mamporros que suenan tan rotundos que casi te duelen.

Toda la acción sucede en un polígono industrial (el ficticio “Santos 117”), escenario perfecto para las luces duras, los espacios de hormigón vacíos de vida o llenos de chatarra, los callejones entre naves oxidadas y esa atmósfera industrial que recuerda a la estética de los primeros filmes de Tarantino o Guy Ritchie cuando el barrio y el hampa se encontraban con estilo. No hay concesiones al glamour; los golpes duelen, las heridas no pasan desapercibidas ni dejan a los protagonistas indemnes y únicamente manchados como Rambo tras la batalla. Eso hace que ‘Luger’ no sea solo espectáculo visual de puñetazos, sino algo que se vive en la piel: la violencia como materia narrativa, no sólo decorado.

El ritmo tiene momentos más rítmicos que frenéticos, pero Bruno Martín sabe cuándo bajar el puño para dejar respirar la tensión, mostrar la vulnerabilidad, dejar que los personajes sangren emocionalmente. Constantemente nos vienen a la mente películas del corte ‘Arma letal’ o ‘Dos buenos tipos’, es decir, a Shane Black le gustará esta película. Y eso es porque hay estilo, hay esa escuela, no hay plagio o copia barata. La película está repleta de ecos, pero cuenta con una identidad española que se cuela en la jerga, los modismos, los ambientes del barrio, de los que viven al margen, de hecho aquí todo es calaña, no hay ni un solo personaje benigno. Puede que no todo en el guion sorprenda pues algunas decisiones siguen trazas conocidas, pero en conjunto ‘Luger’ se alza como un thriller de acción contundente, con corazón, adrenalina, risas y dolor.

Quizá su mayor acierto sea no permitirse la frialdad que tantas películas del género sufren: los personajes importan, sus heridas pesan, su relación importa. Y aunque la trama no sale del polígono ni de esos ambientes ese enfoque resulta, paradójicamente, su fuerza: la geografía cerrada aumenta la claustrofobia, las traiciones se sienten más cerca, la violencia más cruda. El ejercicio de arraigo y personalidad calé es quizá cercano al que hizo Miguel Ángel Vivas con ‘Asedio’ y si estuviésemos hablando de cine francés esta película llevaría el título de ‘Los miserables’ o si fuese una producción estadounidense quizá estaríamos ante un ‘The tax collector’ o cualquier otra de David Ayer. ‘Luger’ no es perfecta, pero es una película de acción que recuerda por qué vemos estas pelis: para que nos golpeen, para que nos rían, para que amemos a nuestros inadaptados. Bruno Martín demuestra que conoce el género, lo respeta, y lo revuelve hasta hacerlo suyo.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Luger. Duración: 96 min. País: España. Dirección: Bruno Martín. Guion: Bruno Martín, Santiago Taboada. Música: Levi Star. Fotografía: David Hebrero. Reparto principal: David Sainz, Mario Mayo, Ángel Acero, Ana Turpin, Ramiro Alonso, Bruno Martín, Mauricio Morales, Mónica Miranda, Daniel Ortiz, Kike Guaza, Roberto García, Mariví Carrillo, Javier Calleja, Ana Peregrina. Producción: La Dalia Films, The Go Betweeners, Far Seas Productions, Futurotel, BM, Labia.Distribución: Filmax. Género: suspense. Web oficial: https://lugerlapelicula.com/