Película de Tomohiko Ito, basada en el best seller de Keigo Higashino
Vértigo Films ha lanzado el tráiler oficial doblado al castellano de ‘El guardián del árbol de alcanfor’ (‘Kusunoki no Bannin’), la nueva película de animación dirigida por Tomohiko Ito, conocido por trabajos como ‘Silver Spoon’ y ‘Sword Art Online’.
La cinta llegará a los cines españoles el próximo 12 de junio y se perfila como uno de los grandes estrenos de anime del año gracias a su combinación de drama emocional, misterio y elementos sobrenaturales. La película adapta la novela homónima del exitoso escritor japonés Keigo Higashino, uno de los autores de misterio más populares de Japón y responsable de numerosos best sellers internacionales. La obra original ha superado el millón de copias vendidas.
Una historia de redención marcada por el misterio
Ambientada en Tokio, ‘El guardián del árbol de alcanfor’ sigue la historia de Reito, un joven que toca fondo tras una cadena de malas decisiones y tragedias personales. Después de perder a su madre y quedarse sin trabajo, su vida termina precipitándose hacia la delincuencia y finalmente la cárcel. Sin embargo, cuando todo parece perdido, un misterioso abogado vinculado a un poderoso imperio familiar le ofrece una inesperada oportunidad de recuperar su libertad. La única condición será aceptar un extraño y enigmático papel: convertirse en el Guardián del Árbol de Alcanfor.
La película mezcla elementos sobrenaturales con un relato profundamente humano sobre la culpa, la redención y las segundas oportunidades, apoyándose además en una cuidada puesta en escena y una animación de gran nivel visual.
Presencia en Tribeca y Annecy
Antes de su llegada a las salas españolas, la película tendrá una destacada presencia internacional dentro del circuito de festivales. ‘El guardián del árbol de alcanfor’ celebrará su estreno internacional en el prestigioso Tribeca Festival y también formará parte de la Sección Oficial del Annecy International Animation Film Festival, considerado uno de los certámenes de animación más importantes del mundo.
La selección en ambos festivales refuerza las expectativas alrededor de una producción que ya apunta a convertirse en uno de los títulos japoneses más destacados del año dentro del panorama de la animación internacional.
Tomohiko Ito vuelve al largometraje emocional
Tomohiko Ito es una de las figuras más reconocidas de la animación japonesa contemporánea, especialmente por su trabajo en adaptaciones de anime de enorme éxito como ‘Sword Art Online’. Con ‘El guardián del árbol de alcanfor’, el director apuesta por una historia más intimista y emocional, alejada de la acción fantástica de sus trabajos más conocidos, pero manteniendo una fuerte carga visual y un importante componente psicológico. La película busca conectar tanto con el público habitual del anime como con espectadores interesados en relatos dramáticos y de misterio con sensibilidad adulta.
Van Sant recupera el eco incómodo de una Norteamérica que nunca se fue
Hablar de Gus Van Sant es hablar de un cineasta que siempre ha transitado entre lo experimental y lo profundamente humano. En ‘Prime Crime: A True Story’, el director vuelve a esa línea difusa entre realidad y recreación que ya exploró en títulos como ‘Elephant’ o ‘Last Days’, pero aquí lo hace con una intención casi arqueológica: reconstruir un fragmento de la historia criminal estadounidense desde la textura visual y emocional de otra época.
Desde varios de sus compases, la película se posiciona como un falso documento que bebe del lenguaje televisivo de los años 70. La fotografía granulada, el uso de zooms abruptos y los encuadres imperfectos no son un capricho estético, sino una declaración de intenciones. Van Sant no quiere que el espectador vea la película; quiere que la experimente como si estuviera viendo una retransmisión olvidada en un archivo.
Este enfoque se refuerza con decisiones técnicas que el uso de lentes vintage y cámaras adaptadas para replicar las limitaciones tecnológicas de la época. Incluso algunas escenas fueron rodadas con iluminación mínima para mantener esa sensación de crudeza casi accidental. El resultado es una obra que parece encontrada más que filmada, todo un acierto en ese sentido. Nunca sabremos cómo habría salido esta película con Werner Herzog dirigiendo y Nicolas Cage protagonizando pues así se proyectó en principio.
Un relato potente que se diluye en su tramo central
Sin embargo, no todo en ‘Prime Crime: A True Story’ funciona con la misma eficacia. Si bien su arranque es magnético y su cierre tiene un peso social notable, el tramo central acusa una cierta fatiga narrativa. La acción, si es que puede definirse así, se vuelve completamente estática, apoyándose casi exclusivamente en diálogos tensos y silencios prolongados.
Aquí es donde la propuesta de Van Sant puede dividir al público. Los tira y afloja psicológicos, que en un principio resultan absorbentes, terminan por saturar. Hay una reiteración de dinámicas que no siempre aportan nuevas capas al conflicto, lo que provoca que el ritmo se resienta. No estamos ante un thriller al uso ni ante una película de acción, es más bien un estudio de comportamiento, y como tal exige paciencia.
Este tipo de narrativa recuerda, en cierto modo, al minimalismo extremo de ‘Gerry’, donde el tiempo y el espacio se dilatan hasta incomodar. Pero mientras en aquella propuesta la experiencia era casi hipnótica, aquí se percibe un ligero estancamiento que puede desconectar al espectador menos predispuesto. También hay que reconocer que el magnetismo de dos actores como Bill Skarsgård y Colman Domingo juegan a favor de este nuevo estreno.
Un retrato cultural inquietantemente vigente
Donde la película recupera toda su fuerza es en su lectura cultural. ‘Prime Crime: A True Story’ no es solo la recreación de un crimen real en busca de enganchar a los fans del true crime. Es un retrato de una Norteamérica que construyó sus héroes a base de violencia, coraje individual y una fe casi ciega en la justicia por mano propia.
Los créditos finales, que incorporan imágenes de archivo, funcionan como un golpe de realidad. De pronto, lo que parecía una estilización se revela como un reflejo directo de una época. Van Sant inserta fragmentos que evocan el imaginario del western clásico, con referencias implícitas a figuras como John Wayne, símbolo de ese héroe solitario que resolvía conflictos a punta de pistola.
No es casualidad. La película sugiere, sin subrayarlo de forma explícita, que esa mitología sigue latente. Que existe una pulsión social que añora a esos “héroes de a pie”, cansados del sistema y dispuestos a actuar al margen de él. En este sentido, aunque no establece un paralelismo directo con la actualidad, el subtexto resulta inquietantemente contemporáneo.
Y es aquí donde inevitablemente surge la comparación con ‘Tierra prometida’ o ‘No te preocupes, no llegarás lejos a pie’, obras que abordaban de forma más clara y comprometida las tensiones sociales modernas. Frente a ellas, ‘Prime Crime: A True Story’ parece menos intencional y más conmemorativa a efectos de mostrar un país que no deja de estar enfermo.
Ficha de ‘Prime Crime: A True Story’
Estreno en España: 17 de abril de 2026. Título original: Dead Man’s Wire. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Gus Van Sant. Guion: Austin Kolodney. Música: Danny Elfman. Fotografía: Arnaud Potier. Reparto principal: Bill Skarsgård, Dacre Montgomery, Al Pacino, Colman Domingo, Cary Elwes, Myha’la Herrold. Producción: Elevated Films, Pressman Film, Pinstripes, Co Created Media, Wrong Turn Productions, Artemis, Yo Productios, Velodrome, Edith Productions, Punch Once, Va Bene Productions. Distribución: Vértigo Films. Género: biográfico, drama, suspense. Web oficial.
Basado en el videojuego homónimo de éxito mundial creado por KOTAKE CREATE. Un hombre atrapado en una interminable estación de metro se propone encontrar la Salida 8. Las reglas de su búsqueda son sencillas: no pasar por alto nada fuera de lo normal. Si descubre una anomalía, debe dar media vuelta inmediatamente. Si no es así, puede continuar. Cualquier descuido le enviará de vuelta al principio. ¿Conseguirá alcanzar su objetivo y escapar de este pasillo infinito?
Crítica
Del error en Matrix al terror japonés en una inquietante película
La adaptación cinematográfica de ‘The Exit 8’ supone un reto similar al que ya planteaba el videojuego original: trasladar a otro medio un walking simulator minimalista que, a pesar de su sencillez mecánica, atrapaba por la tensión psicológica y su atmósfera opresiva. El juego, disponible en múltiples plataformas, nos sumerge en un bucle aparentemente interminable que recrea con un hiperrealismo perturbador los pasillos de un metro japonés. Eso sí, con un curioso contraste: mientras la arquitectura está recreada con un nivel de detalle casi fotográfico, los personajes parecen sacados de un título de finales de los 90. La clave estaba en detectar y esquivar anomalías para encontrar la salida correcta, la ansiada salida 8.
La película entiende que la tensión del juego no radica en la acción frenética sino en la espera, la observación y el nerviosismo creciente. Esa sensación de inseguridad, de tener que desconfiar de lo cotidiano, ha sido trasladada con bastante acierto a la gran pantalla. Buena parte de ello se debe tanto al diseño de producción, que replica con mimo ese submundo subterráneo, como a la interpretación de Kazunari Ninomiya, a quien muchos reconocerán de los live action de Gantz. Su rostro transmite el desconcierto, la confusión y, poco a poco, el terror latente que impregna cada rincón del laberinto.
El filme se atreve a ir un paso más allá: mientras el videojuego ponía a prueba la memoria y la concentración, aquí se añaden elementos de terror psicológico y jump scares que aportan variedad y dinamismo. Además, introduce anomalías nuevas que no estaban en el material original, lo que convierte la experiencia en algo novedoso incluso para quienes ya han exprimido el juego hasta el final. En paralelo, se expande el lore, ofreciendo pistas de un trasfondo que en el videojuego era completamente inexistente.
Uno de los mayores añadidos es una trama personal para el protagonista, algo ausente en la obra base que ni siquiera te pone en precedentes. Esa historia dota de mayor peso dramático al viaje, planteando una moraleja vinculada a la superación y al miedo al cambio. El laberinto pasa así a ser metáfora de un estado de shock del que el personaje no logra escapar, pero también una lectura más amplia sobre las rutinas asfixiantes de las grandes ciudades como Tokio, que pueden terminar anulando la identidad individual.
Dado el funcionamiento del juego era casi obligado que la película estuviese rodada con largos planos secuencia. No es un filme que se haya rodado en una sola toma, de hecho, tiene bastantes cortes y trucos, pero está lograda la sensación de continuidad que nos sumerge en el bucle. La escenografía calca a la que vemos frente a la pantalla del ordenador y dan ganas de hacerse con la versión jugable con gafas VR.
‘Exit 8’ no se limita a ser una copia literal del videojuego: lo amplifica, lo reinterpreta y lo enriquece. Si bien el metro real de Japón no es tan laberíntico como su propio mapa hace parecer, la cinta aprovecha esa sensación de desorientación para convertirse en una alegoría sobre la importancia de los detalles, sobre cómo nuestras decisiones, por nimias que parezcan, pueden definir el rumbo de nuestra vida. No es casual que el filme juegue con ecos de ‘Matrix’, recordando aquella célebre frase que se refería a los déjà vu como fallos en el sistema. Al final, la película funciona tanto para los jugadores que disfrutan con los retos de observación (como si de un “encuentra las siete diferencias” enfermizo se tratara) como para los espectadores que buscan un relato desconcertante, cargado de atmósfera y con más lecturas de las que se aprecian a simple vista.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de octubre de 2025. Título original: 8-ban deguchi. Duración: 95 min. País: Japón. Dirección: Genki Kawamura. Guion: Genki Kawamura, Hirase Kentaro. Música: Shouhei Amimori. Fotografía: Keisuke Imamura. Reparto principal: Kazunari Ninomiya, Yamato Kochi, Naru Asanuma, Kotone Hanase, Nana Komatsu. Producción: AOI Promotion, Story, Toho. Distribución: Vértigo Films. Género: terror, suspense, adaptación. Web oficial:https://exit8-movie.toho.co.jp/
Una experimentada bailarina (Pamela Anderson) debe planificar su futuro cuando su espectáculo cierra abruptamente tras una carrera de 30 años. Como bailarina de cincuenta años, se debate por saber qué hacer a continuación. Como madre, se esfuerza por reparar una tensa relación con su hija, que a menudo pasaba a un segundo plano en su vida.
Crítica
Bonita historia sobre los sueños sin cumplir y los anhelos de otra vida
Hace ya un tiempo se estrenó un documental en Netflix llamado ‘Pamela: Una historia de amor’. La historia de una chica que quería ser una famosa actriz. Durante años fue una de nuestras vigilantes de la playa favoritas, en el cine tampoco destacó demasiado pese a todos sus intentos de avanzar y demostrar lo que sabía hacer. La filtración de un video doméstico hizo de su carrera se parase y los papeles que le daban no fuesen los mejores del mundo.
Pamela Anderson, tras una gran depresión y lograr encandilar a Nueva York con su papel e Roxie Hart en Chicago, protagoniza ‘The last showgirl’. Para nada es autobiográfica, pero admito que después de ver el documental, veo porque se ha sentido tan cómoda realizando este papel. Está hecho para ella. No se si Kate Gersten escribió el guion pensando en ella, pero sin duda, en entrevistas, Gia Coppola, la directora de la película, movió cielo y tierra para que la actriz leyese el guion. Y por supuesto sin dudarlo ni un momento, lo aceptó.
En la cinta conocemos a un grupo de vedettes que trabajan en un show en Las Vegas, que está a punto de terminar. No van a renovarlo y todas las bailarinas deben renovarse o morir.
Vemos los difíciles momentos del casting, y más para una mujer, como es el caso de nuestra protagonista, con más de 50 años. Venderte delante de jóvenes directores de casting, para bailar que es lo único que crees que sabes hacer, es difícil, los nervios y la tensión son complicados de llevar. Mientras vemos estas escenas, creo que la actriz da mucho más y se ve a ella misma años atrás intentando regresar a un mundo que la ha dejado atrás.
La cinta nos cuenta también esa camaradería entre estas bailarinas, todas ellas con edades muy distantes, pero que se comprenden al tener el mismo sueño, lograr triunfar de un modo u otro en este mundo tan difícil que es el de la actuación.
En este reparto tan dispar, encontramos junto a Pamela Anderson, a Brenda Song, Kiernan Shipka, Dave Bautista y Jamie Lee Curtis. Todos ellos estupendos en esta cinta en la que conocemos a todos los personajes a través de situaciones cotidianas, en el día a día.
Una de las cosas que me ha gustado mucho ha sido la fotografía, tiene un grano grueso, con colores apagados y poca luz. Por la noche brilla y en el exterior es una luz muy tenue. Dándole la importancia que tiene a la noche de estas chicas que están a punto de perder su modo de vida.
El vestuario, lleno de trajes complicadísimos llenos de pedrería y grandes tocados. En entrevistas, he podido ver que las actrices comentaban lo mucho que pesaban estos adornos en el pelo. Se nota un gran trabajo por parte de vestuario, Rainy Jacobs y Jacqueline Getty son los principales encargados de este trabajo.
‘The last showgirl’ es una cinta bastante nostálgica, llena de anhelos, donde la vida pasa y los sueños no se han cumplido. Simplemente, la vida a pasado entre bambalinas y de repente tienes que volver al ruedo y avanzar.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de junio de 2025. Título original: The last showgirl. Duración: 86 minutos. País: Estados Unidos. Dirección: Gia Coppola. Guion: Kate Gersten. Música: Andrew Wyatt. Fotografía: Autumn Durald. Reparto principal: Pamela Anderson, Kiernan Shipka, Brenda Song, Jamie Lee Curtis, Dave Bautista, Jason Schwartzman, Billie Lourd. Producción: Utopia, Digital Ignition Entertainment, High Frecuency Entertainment, Pinky Promise. Distribución: Vértigo Films. Género: Drama. Web oficial: https://vertigofilms.es/movie/the-last-showgirl/
Brasil, 1971. Un país en las garras de una dictadura militar. Una madre se ve obligada a reinventarse cuando la vida de su familia se ve destrozada por un acto de violencia arbitraria.
Crítica
Conmovedora película llena de una terrible realidad
Walter Salles, nos trae ‘Aún estoy aquí’, basada en las memorias de Marcelo Rubens Paiva, en las que seguimos a su madre obligada a investigar la desaparición de su marido durante la dictadura militar de Brasil en 1971.
Vamos conociendo a la familia Paiva, poco a poco. Como su casa siempre está abierta a sus amigos y familias. Como sus hijos crecen en un ambiente feliz lleno de libertad y amor. Y como todo esto poco a poco se ve truncada tras la detención de Rubens, el padre de familia y su desaparición. Vemos detenciones, controles en carretera, escuchamos torturas y cómo van amedrentando la paciencia de Eunice. Esta madre coraje tiene que lidiar con mantener a sus hijos y su propia cordura en un mundo que les ha abandonado. Y ya no eso, sino también aceptar un luto que no entiende y no quiere comprender.
Fernanda Torres da vida a esta mujer y lo hace de una manera increíble. Las lágrimas que se traga para que sus hijos no la vean. Su rostro triste, pero siempre con una sonrisa para que no la vean sufrir. Todos sus gestos están medidos al dedillo y logra una actuación de 10. No sé si se llevará o no el Oscar, pero sin duda se lo merecería.
Como curiosidad, vemos a una Eunice anciana y ese papel está protagonizado por Fernanda Montenegro, madre de Fernanda Torres. También actriz.
El trabajo de dirección de casting me ha parecido tremendo. Al finalizar la película aparecen las fotografías de la familia Paiva y es que han realizado un trabajo de captación increíble, se parecen un montón. Además, luego el trabajo de arte, y es que han recreado las fotografías totalmente. Es una pasada lo que han trabajado para que sea totalmente fiel a la historia de esta familia.
Si que es cierto, que para Salles, rodar esta historia es bastante personal. Pues el, era uno de los amigos de las hijas de los Paiva. Pasó buena parte de su adolescencia en esa casa y quería reflejar y contar lo que sucedió con ellos. Sobre todo, al leer la historia de Marcelo, el único hijo varón de la familia y que ha participado en la creación del guion.
Aún estoy aquí, habla de lo que cuesta cerrar heridas, de la fortaleza por sobrevivir en un mundo que no lo pone nada fácil y la entereza de salir a la calle con la cabeza bien alta. También habla de ese dolor que se calla, el que queda dentro y solo se refleja en la mirada. Una película que, aunque es triste, deja un halo de esperanza en el que vemos como después de todo lo ocurrido la verdad termina saliendo a la luz. Además que el amor hace que toda una familia logre aceptar y perdonar.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: Ainda estou aquí. Duración: 135 min. País: Brasil. Dirección: Walter Salles. Guion: Murilo Hauser, Heitor Lorega, Marcelo Rubens Paiva. Música: Warren Ellis. Fotografía: Adrian Teijido. Reparto principal: Fernanda Torres, Fernanda Montenegro, Selton Mello, Valentina Herszage, Luiza Kosovski, Bárbara Luz, Guiherme Silveira, Cora Mora, Dan Stulbach, Pri Helena, Carla Ribas, Maeve Jinkings. Producción: VideoFilmes, RT Features, MACT Productions, Cospiraçao Filmes, arte. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial:https://vertigofilms.es/movie/aun-estoy-aqui/
Edward, un aspirante a actor sin éxito profesional ni amoroso, se somete a una operación para cambiar su aspecto. El nuevo Edward es, a simple vista, un triunfador, pero el reencuentro con un antiguo amor platónico y la aparición de un misterioso desconocido comienzan a resquebrajar esa fachada.
Crítica
Misteriosa, curiosa y sin duda diferente
Siempre que A24 anuncia una película, sabemos que estamos ante un gran proyecto. No hace falta que sea una cinta con grandes efectos visuales, acción o terror. No, simplemente una película que nos va a dar para debate al finalizarla, que va a dar que pensar y hacer un poco más social la experiencia al salir del cine. Y esto es lo que ocurre con ‘A different man’.
Es la primera película que veo de Aaron Schimberg y sinceramente me ha parecido muy curiosa. Si, puedo decir muchas cosas de ‘A different Man’ pero sobre todo es curiosa, diferente y con un fondo del que muchos deberían de aprender. Su manera de estar rodada también me gusta mucho, no se si es a propósito, pero me daba la sensación de que fuese una obra de teatro, con muchos escenarios diferentes, pero con esa esencia que tiene el teatro.
Conocemos a Edward, un aspirante a actor el cual piensa que no tiene éxito en su vida por culpa de su físico. Edward por culpa de una afección tiene el rostro deformado. Consigue que le operen y cambia de aspecto, algo que le hace comenzar a triunfar como actor, se reencuentra con su amor platónico, pero en el fondo se siente vacío. En el momento que Edward comienza a ser una “persona normal” entra en su vida a Oswald, un hombre misterioso que le irá quitando todo lo que más quiere. Un hombre que, como él, tiene una deformación en el rostro, pero una manera de ser arrolladora.
‘A different man’ tiene un gran trasfondo, en donde se nos habla sobre la importancia del físico, pero no solo de vista al exterior, sino en nuestro propio interior. De la importancia de querernos a uno mismo y aceptarnos. De como la seguridad hace mucho más que una operación. Y también por supuesto el ser buena persona.
Sebastian Stan y Adam Pearson se miden en un pulso actoral increíble. Ambos están maravillosos, uno interpretando a un personaje con un gran pesimismo y malestar por todo en general mientras que el otro representa el lado positivo, lleno de energía, comiéndose su mundo y el de Edward. Me parece fabuloso todo lo que hacen ambos.
Hace poco fue la entrega de los Globos de Oro y Sebastian Stan se llevó la estatuilla por esta película y la verdad echo en falta las nominaciones para Adam Pearson, porque se lo merece muchísimo. Está estupendo, se come la cámara con su carisma. No le había visto en ninguna película y quizás aquí se abre el debate, pues por triste que parezca seguramente sea por su aspecto. He escuchado alguna que otra pregunta en entrevistas un tanto impertinentes en cuanto a este tema.
En fin, ‘A different man’ nos habla muchos de la importancia que le damos a las apariencias, de como no procesamos que personas “diferentes” sean capaces de lograr grandes cosas y que una persona “normal” no lo logre. De esa frustración que se crea al no conseguir triunfar pese a tener un gran físico.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de enero de 2025. Título original: A Different Man. Duración: 112 min. País: Estados Unidos. Dirección: Aaron Schimberg. Guion: Aaron Schimberg. Música: Umberto Smerilli. Fotografía: Wyatt Garfield. Reparto principal: Sebastian Stan, Renate Reinsve, Adam Pearson, Lawrence Arancio, Neal Davidson, Christopher Spurrier. Producción: A24, Grand Motel Films, Killer Films. Distribución: Vértigo Films. Género: Drama. Web oficial: https://vertigofilms.es/movie/a-different-man/
Llega a nuestras pantallas la adaptación de la novela de Lily Brett ‘Too many men’
Presentada en el pasado Festival de Berlín, ‘Treasure’ llega a nuestras pantallas el próximo 20 de septiembre gracias a la distribuidora VértigoFilms. La película, basada en la novela de LilyBrett, ‘Too many men’. ‘Treasure’ se centra en la curiosa relación entre un padre y su hija que emprenderán un viaje muy personal hacia Polonia, en busca de sus raíces. JuliavonHeinz, es la encargada de la dirección de la película, además de coescribir el guion junto a JohnQuester.
Tras presentar ‘Treasure’ en Berlín, la propia JuliavonHeinz explicó el contexto en el que todo acontece en la cinta: «El año 1991, en el que se ambienta el film, sigue directamente a un momento clave de la historia polaca. Justamente después de la caída del Telón de Acero, judíos de todo el mundo -especialmente de Estados Unidos- viajaron a Europa del Este para llegar al fondo del legado de sus familias. Ruth es una de ellas. El hecho de que su padre se imponga y la acompañe le pone de los nervios al principio, hasta que el viaje le permite comprender a su padre, algo que Ruth necesita para entenderse a sí misma y al trauma transgeneracional que lleva dentro«.
‘Treasure’ está protagonizada por Stephen Fry y Lena Dunham. Para la directora, poder contar con este elenco le ha hecho especialmente feliz: “Estoy encantada de que Lena y Stephen interpreten a Ruth y Edek Rothwax. No sólo son estrellas internacionales, sino que también tienen una fuerte conexión personal con la historia: Las familias de ambos son judías y tienen sus raíces en Europa del Este”.
A continuación, os dejamos el tráiler de la cinta en su versión doblada al castellano y la sinopsis de la misma.
Sinopsis
‘Treasure’ relata un viaje muy personal, entre padre e hija, ambientado en la Polonia de los años 90. Ruth (Dunham), una periodista musical estadounidense, y su padre, Edek (Fry), un superviviente del Holocausto, encantador pero testarudo, emprenden un viaje en coche a su tierra natal, que proporcionará un reencuentro entre ambos y su pasado. Mientras Ruth está ansiosa por encontrar un sentido al pasado de su familia, Edek emprenderá el viaje con sus propios planes. Y se convertirá en un momento de superación de viejos traumas y, además, en un tesoro inesperado…
Un veterano de las fuerzas especiales, una tensa promotora inmobiliaria, una influencer con medio millón de seguidores y un acabado creador digital son enviados a un curso especial para afrontar su miedo a volar. El reto principal del curso incluye participar en un vuelo que va desde Londres a Islandia pero que terminará siendo una terrible experiencia. Perdidos en aquel remoto país, congelados y aterrorizados, entre todos deben encontrar la manera de enfrentarse a sus miedos y trabajar juntos para desplegar las alas… y volar.
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Crítica
Solvente comedia que evita estrellarse gracias a un par de personajes
‘Mayday club’ nos lleva de viaje con un grupo de personas a los que les da miedo volar. Pocas películas han intentado basar su argumento en la aerofobia y en el caso del filme de Hafsteinn Gunnar lo consigue a medias. El inicio de la historia sigue al personaje de Lydia Leonard pero pronto nos sumerge en el grupo de personas que no es que sean raras o peculiares, es que las conocemos en una situación extrema para ellos. Eso es gracioso y el guión lo explota bien en líneas generales, pero por desgracia el tramo central del filme se olvida de que esto va sobre el pánico a despegar y se convierte en la historia de unas personas atrapadas en una situación que no controlan.
‘Mayday club’ tiene sus momentos graciosos y su clímax disparatado. La cuestión es que durante casi toda la película se olvida de sus running gags, como por ejemplo la goma que utiliza Timothy Spall. Quizá si los derroteros del largometraje hubiesen ido por los mismos que otras comedias como ‘Toc toc’ habríamos tenido una historia más hilarante. Este proyecto islandés intenta seguir los pasos de las comedias de enredos francesas o inglesas pero no es capaz de liberarse del todo, de convertirse en un desenfreno. Y eso que tiene más de una escena subida de tono y personajes añadidos que resultan bastante surrealistas.
Algo que no juega en favor de extraernos carcajadas es la falta de color. El ambiente es excesivamente triste y frío. Vamos del Londres gris a la Islandia nublada por las tempestades de nieve. Sigurðsson estuvo más acertado con el esbozo de personajes y la tonalidad de ‘Buenos vecinos’.
‘Mayday club’ es capaz de hacernos pasar un rato agradable. Sobre todo funciona cuando el guión recupera la trama del pánico a montarse en un avión. Y consigue sorprendernos en el sentido de que por tiempo de cámara y por ser quien abre y cierra la película la protagonista es Leonard, todo hacía pensar que el actor con más caché (Spall) acapararía toda la atención y finalmente resulta que el actor menos conocido y a priori el personaje más normal de todos Simon Manyonda, es el que capta mejor dónde está el filón de esta idea. Es algo muy similar a lo que pasó con la primera temporada de ‘The White Lotus’ con el personaje de Murray Bartlett. Si te gustan esas historias donde hay algo de drama y locura entremezclados puede que goces de este club.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de abril de 2024. Título original: Northern Comfort. Duración: 97 min. País: Islandia. Dirección: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson. Guion: Halldór Laxness Halldórsson, Tobias Munthe, Hafsteinn Gunnar Sigurðsson. Música: Daníel Bjarnason. Fotografía: Niels Thastum. Reparto principal: Timothy Spall, Lydia Leonard, Ella Rumpf, Rob Delaney, Emun Elliott, Gina Bramhill, Sverrir Gudnason, Björn Hlynur Haraldsson, Simon Manyonda. Producción: Good Chaos, Netop Films, ONE TWO Films. Distribución: Vértigo Films. Género: comedia. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/mayday-club/
El pasado lunes 30 de octubre arrancó el rodaje de ‘Verano en diciembre’. Una comedia dirigida por Carolina África en lo que supone su debut en la dirección cinematográfica. La propia África es autora del texto y la dirección de la obra teatral homónima en la que se basa la película. Una comedia que invita a superar las crisis familiares tomándolas con risa y buen humor.
Protagonizada por Carmen Machi, Bárbara Lennie, Vicky Luengo, Irene Escolar, Beatriz Grimaldos y Lola Cordón. Además les acompañan en el reparto nombres del nivel de Antonio Resines, Silvia Marsó o Nacho Fresneda.
Producida por Vértigo Films y Mare Films con el apoyo de RTVE, Movistar e ICAA. La película será distribuida en salas en 2024 por Vértigo Films.
Os dejamos algunas de las imágenes de la cinta y la sinopsis de la misma.
Sinopsis.
‘Verano en Diciembre’ nos adentramos en el hogar de Teresa, lugar que será el punto neurálgico donde confluirán sus hijas y su suegra, una nonagenaria con demencia senil que vive bajo su cuidado. Las hijas coincidirán con su madre y su abuela en una reunión familiar en el hogar para conmemorar el aniversario de la muerte del padre.
Las distintas personalidades de las hermanas -la cuidadora, la rebelde, la alocada, la aventurera y a la vez ausente- serán el detonante de múltiples conflictos, que provocarán que las protagonistas choquen entre sí y lidien a su vez con sus propias frustraciones, miedos y anhelos.
Un joven llamado Mahito, que añora a su madre, se aventura en un mundo compartido por los vivos y los muertos. Allí, la muerte llega a su fin y la vida encuentra un nuevo comienzo. Una fantasía semiautobiográfica sobre la vida, la muerte y la creación, en homenaje a la amistad, de la mente de Hayao Miyazaki.
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Crítica
Hayao Miyazaki nos hace soñar y reflexionar con ‘El chico y la garza’
De Sitges nos llevamos una de las películas más esperadas del año. La nueva película de Hayao Miyazaki. Su última película, o eso dicen, aunque sí que parece una especie de despedida de su mundo.
Mahito, un joven que añora a su madre, se aventura en un mundo compartido por los vivos y los muertos. Allí, la muerte llega a su fin y la vida encuentra un nuevo comienzo. Vamos conociendo diferentes realidades a través de un mundo onírico lleno de caras conocidas y con diferentes papeles.
Miyazaki a sus 82 años aún no ha perdido ni su magia ni imaginación. En ‘El chico y la garza’ nos devuelve sus paisajes fantásticos y sus personajes tan extraños y tan dispares como el solo sabe hacer.
Si que es cierto, que a mi parecer es una película bastante amarga, triste e incluso demasiado filosófica. Se que Miyazaki ya nos tiene acostumbrados a todo esto, pero, aun así, me parece mucho más llena de nostalgia y de tristeza.
El director ya contó que es una de sus películas más personales. Donde nos habla de una manera fantástica, sobre la preocupación de su marcha de Ghibli, de que no encuentra a quien dejar su gran imperio. Y si a quien se lo deje, va a ser lo suficientemente bueno para poder quedarse tranquilo durante su jubilación.
En ‘El chico y la garza’ vemos todo esto reflejado en uno de sus protagonistas, que está sufriendo por encontrar un heredero digno de su legado.
Pero también, nos habla de la familia y por supuesto de la amistad. También de manera bastante personal. Es más, la película lleva el título en japonés de ‘Kimitachi wa Do Ikiruka’ que significa literalmente ‘¿Cómo vives?’, y está tomado de la novela homónima de Genzaburo Yoshino, libro que le regaló su madre al cineasta en su juventud y del que cogió ciertas ideas, además de sus propias vivencias de juventud.
Esta película comenzó a hacerse en 2016. Esto deja ver el cariño y trabajo duro que realiza el director para sus películas. La animación al estilo tradicional se fusiona con la animación digital dando la bienvenida a las nuevas tecnologías, pero sin perder el espíritu Ghibli.
Sus dibujos como siempre, son especiales, buscando movimientos a veces imposibles, sacados de sueños. Además de sus criaturas y esas caras tan grotescas con expresiones tan marcadas.
La película me ha gustado bastante, sí que no soy el público de Ghibli, pero en esta ocasión he de decir que me adentré de lleno en la película y la disfruté. El próximo viernes 27 de octubre llega a nuestras salas gracias a Vértigo Films.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de octubre de 2024. Título original: Kimitachi wa Do Ikiruka. Duración: 124 min. País: Japón. Dirección: Hayao Miyazaki. Guion: Hayao Miyazaki. Música: Joe Hisaishi. Fotografía: Atsushi Okui. Reparto principal: Soma Santoki, Masaki Suda, Tayuka Kimura, Aimyon, Kô Shibasaki, Yoshino Kimura, Shohei Hino, Jun Kunimura, Kaoru Kobayashi, Keiko Takeshita, Karen Takizawa. Producción: Studio Ghibli. Distribución: Vertigo Films. Género: Drama. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/el-chico-y-la-garza/
Continuando con la historia de ‘Richard la cigüeña’
Vértigo Films estrena hoy en cines la película de animación familiar: ‘Richard la cigüeña y la joya perdida’. Dirigida por la danesa Mette Tange y el alemán Benjamin Quabeck, esta pareja creativa se pone a los mandos de esta aventura, recuperando a los personajes que fueran presentados en ‘Richard la cigüeña’ (2017).
‘Richard la cigüeña y la joya perdida’ es una divertida película familiar de animación, co-producida por Alemania, Bélgica y Noruega. Enfocada en los más pequeños, es una apasionante aventura donde acontecen un buen puñado de situaciones divertidas y emocionantes.
El protagonista, Richard, es un gorrión que cree que es una cigüeña al haber sido criado por ellas. Junto a Richard podremos ver en la película a su hermano Max (una cigüeña mayor que él), al alegre periquito Kiki (fanático de la música disco y el baile), al búho pigmeo hembra Olga (acompañada de su amigo imaginario Oleg)… sin olvidar al grupo de gorriones capitaneados por Samia, al pavo real Zamano o al tierno y divertido gorrión despeinado Basak.
Bajo el guion de los propios directores (Tange y Quabeck) y la ayuda en la escritura de Reza Memari (creador original de los personajes) y Philip Lazebnik, en ‘Richard la cigüeña y la joya perdida’ descubriremos un trepidante viaje lleno de dinamismo donde un conjunto de aves vivirán una aventura inolvidable.
SkyShowtime ha confirmado la fecha de lanzamiento de un nuevo thriller criminal, la serie ‘A town called Malice’. El desenfrenado y escandaloso drama, que fue grabado en España, llega a SkyShowtime el viernes 12 de mayo, con tres episodios disponibles desde su lanzamiento y nuevos episodios cada semana, hasta un total de 8.
La trama tiene lugar a principios de los 80, entre las palmeras y clubes de las playas de la Costa del Sol. ‘A town called Malice’ sigue a los Lords, una familia criminal de ladrones de poca monta, cuando huyen de Londres rumbo a España para beneficiarse de una inesperada situación, al mismo tiempo que escapan de la policía y de una investigación con gran repercusión mediática. Con Jack Rowan, Jason Flemyng, Martha Plimpton y Tahirah Sharif, este explosivo thriller compuesto por 8 episodios, está coproducido entre Vertigo Films, Rogue State y Sky Studios.
La familia Lord está liderada por Jason Flemyng (‘Save Me’, Lock, Stock Two Smoking Barrels’) que interpreta a Albert Lord; Jack Rowan (‘Born to Kill’) es Gene Lord; Tahirah Sharif (‘The Haunting of Bly Manor’) es Cindy Carter, la novia de Gene; y Martha Plimpton (‘Mass’, ‘The Good Wife’) es Mint Ma. A ellos se le unirán otros miembros de la familia como Dougray Scott (‘Ever After’, ‘Mission: Impossible 2’) como Uncle Tony; Lex Shrapnel (‘Captain America’) como Leonard Lord; Daniel Sharman (‘Fear the Walking Dead’, ‘Medici’) como Kelly Lord; George Jaques (‘The Third Day: Autumn’) como Anthony Lord; y Eliza Butterworth (‘The Last Kingdom’) como Carly Lord.
El menor y más inteligente de los hermanos de esta familia es Gene (Rowan). Junto a su prometida, Cindy (Sharif), vuela a España para evitar su arresto, tras salvarse por los pelos de una guerra sin tregua dentro del crimen organizado. La pareja se ve rápidamente envuelta en el submundo que encuentran a su llegada, y los problemas empiezan a perseguirles día y noche. Cuando el resto de la familia se une a ellos en la Costa del Sol, se dan cuenta de la oportunidad de oro que tienen para reinventarse y reconquistar la gloria perdida, para desconcierto de Gene y Cindy, que tienen otros planes muy diferentes. Con una espectacular banda sonora, ‘A town called Malice’ rememora los sonidos de la década de los 80.
Nick Love (Bulletproof, The Sweeney) firma la historia como guionista principal, apoyado por Melissa Bubnic, John Jackson, Liz Lake y Matt Evans. Jamie Donoughue es el director principal de la serie, y Andy Noble, el productor.
Vértigo Films estrenará en España, el próximo 9 de diciembre, ‘Nostalgia’. Se trata de la última película del italiano Mario Martone (‘Noi credevamo’, ‘Aquí me río yo’). Aparte de su participación en el Festival de Cannes a Sección Oficial, ‘Nostalgia’ ha sido elegida para representar a Italia en la próxima edición de los Oscar.
Basada en el libro del mismo nombre del escritor Ermanno Rea, ‘Nostalgia’ cuenta con una magnífica interpretación de Pierfrancesco Favino, uno de los mejores actores italianos desde hace años. Favino es célebre por sus papeles en ‘Roma criminal,’ ‘Nuestros mejores años’, ‘El Traidor’ también ha participado en muchos otros títulos internacionales como ‘Ángeles y Demonios’, ‘Rush’, ‘Guerra Mundial Z’, las dos temporadas de ‘Marco Polo’ de Netflix o ‘Las crónicas de Narnia: el príncipe Caspian’, entre otras producciones. Por su papel en ‘Nostalgia’, Pierfrancesco Favino ha sido nominado como Mejor Actor en los European Film Awards.
En el caso de Mario Martone, entre su amplia filmografía como realizador (aparte de haber dirigido multitud de obras teatrales), se encuentran títulos como ‘Muerte de un matemático napolitano’, premio especial del jurado en el Festival de Venecia. Entre sus títulos más reconocidos a nivel internacional destacan ‘El amor molesto’, ‘Noi credevamo’, ‘El alcalde de Rione Sanità’, ‘Aquí me río yo’, etc…
Por último, ‘Nostalgia’ pudo verse en la Mostra de Valencia (donde ganó el premio a mejor fotografía) y pasará por el Festival de Cine Italiano de Madrid.
‘Emily’ cuenta la vida imaginada de una de las autoras más famosas del mundo, Emily Brontë. La joven, que falleció a la temprana edad de 30 años, fue una rebelde e inadaptada a su tiempo y encontraría su voz al escribir el clásico literario ‘Cumbres borrascosas’. La película explora las relaciones que la inspiraron, tanto con sus hermanas Charlotte y Anne como con su malogrado primer amor, además de la especial amistad y complicidad que le unían a su inconformista hermano Branwell, a quien Emily idolatraba.
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Crítica
Una historia llena de fuerza tanto en la narrativa como en lo visual
He disfrutado una barbaridad de esta película. ‘Emily’ nos cuenta la historia de la escritora de Cumbres borrascosas. De manera libre, Frances O’Connor, nos da su versión de la vida de esta mujer depresiva y con un gran talento para la escritura.
La ópera prima de Frances O’Connor, a la que hemos podido ver en películas como ‘Expediente Warren: El caso Enfield’, ‘Al diablo con el diablo’, nos adentra en la familia Brontë, tres hermanas y un hermano, todos ellos creativos y con un gran talento para las artes. Emily Brontë fue la quinta de seis hermanos, dos de ellas murieron en un internado, algo que hizo que su hermana Charlotte se inspirase para su obra Jane Eyre.
Drogas, amor y dolor es lo que vemos en Emily. Todo ese conjunto de sentimientos y sustancias son las que lograron crear una de las mentes más rebeldes de su tiempo. Una joven que adoraba a su hermano Branwell al que estaba muy unida. Vemos también las diferentes relaciones con sus hermanos. Además de lo que adoraba la soledad.
‘Emily’ está contada con gusto, son 130 minutos de películas, pero pasan como un suspiro. Es una cinta muy bonita, ya no solo por la historia, sino que en lo visual me parece una maravilla. Vemos las campiñas inglesas, esos campos verdes con sus tremendas lluvias. La fotografía está llena de contrastes, pero es más bien oscura. Al final nos están contando la historia de una muchacha que está más bien perdida en el mundo. Emily, es una mujer adelantada a su tiempo y le cuesta adaptarse a las normas que le imponen.
Emma Mackey(‘Muerte en el Nilo’) está formidable. Su mirada nos enseña la delicadeza de esta mujer, de su inconformismo y a la vez su necesidad de que la acepten, sobre todo su padre.
Tenemos junto a ella a Oliver Jackson-Cohen(‘La maldición de Bly Manor’),Fionn WhiteHead (‘Dunkerque’), Alexandra Dowling (‘Juego de Tronos’), Amelia Gething (‘La princesa de España’) o Adrian Dunbar (‘El muñeco de nieve’).
Nanu Segal, es la encargada de la fotografía de ‘Emily’, como he dicho, su trabajo me ha encantado, logra darnos paz y tormentas en una historia llena de fuerza que no sería para nada igual sin su trabajo.
También otro de los grandes aciertos es el vestuario, si que es cierto, que este tipo de historias en la Inglaterra victoriana ya están muy estudiadas a nivel vestuario, pero la verdad que está muy cuidado. Vemos a Emily y a su hermano con ropajes oscuros mientras que sus hermanas siempre van con colores claros. Esto también nos muestran sus personalidades, de una manera visual. Esto es gracias a Michael O’Connor, encargado de películas como ‘Jane Eyre’, ‘Dredd’ o ‘El último rey de Escocia’.
Para terminar comentar que Frances O’Connor ha realizado un gran trabajo para ser su ópera prima, logra que mantengamos el interés de esta historia y sorprendernos con escenas aterradoras dentro de una historia donde el amor, desamor y el inconformismo son los protagonistas.
Ficha de la película
Estreno en España. 13 de enero de 2023. Título original: Emily. Duración: 130 min. País: Reino Unido. Dirección: Frances O’Connor. Guión: Frances O’Connor. Música: Abel Korzeniowski. Fotografía: Nanu Segal. Reparto principal: Emma Mackey, Adrian Dunbar, Oliver Jackson-Cohen, Fionn Whitehead, Gemma Jones, Alexandra Dowling, Amelia Gething, Sacha Parkinson. Producción: Tempo Productions Limited. Distribución: Vertigo Films. Género: Drama. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/emily/
Un grupo de amigos se dispone a realizar una película de zombis en un edificio abandonado. Entre técnicos y actores desganados, parece que sólo el director está dispuesto a invertir la energía necesaria para terminar su película de terror de bajo presupuesto. Pero la inesperada irrupción de auténticos muertos vivientes perturbará el rodaje original…
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Crítica
Hazanavicius sabe lo que se hace y reinventa ‘One cut of the dead’
Hace unos años tuvimos la oportunidad de ver y disfrutar de la película de ‘One cut of the dead’, el trabajo de fin de carrera de Shinichirô Ueda. Con dos planos secuencias nos mostraba lo complicado que es el cine si no se trabaja en equipo.
MichelHazanavicius, director de ‘The Artist’ ha querido homenajear a esta película a su manera. ‘Corten!’ es muy diferente a su predecesora, en base es igual, pero en el fondo muy diferente. Se nota mucho el cine francés, el humor y la manera de introducir el tema de las relaciones sin necesidad a ello. Pero no es algo malo, al revés, al final tampoco queremos ver una película exactamente igual.
En la película nos cuentan como un grupo de amigos se dispone a realizar una película de zombis en un edificio abandonado. Entre técnicos y actores desganados, parece que sólo el director está dispuesto a invertir la energía necesaria para terminar su película de terror de bajo presupuesto. Pero la inesperada irrupción de auténticos muertos vivientes perturbará el rodaje original…
Protagonizada por Romain Duris y Bérénice Bejo, vamos viendo como se van torciendo las cosas durante el rodaje. Como cualquier detalle puede ser decisivo para que algo salga bien o mal.
Como he dicho, al igual que la película original nos habla del amor de hacer cine, del gran equipo que tienen que formar todos para lograr sacar un proyecto adelante. Aunque sea de bajo presupuesto. Todo es importante.
Una de las cosas que más me ha gustado de esta película es la introducción del técnico de sonido, que está interpretado por Jean-Pascal Zadi, al que ya he visto en varias películas y que se mueve como pez en el agua en distinto tipo de comedias.
RomainDuris está como siempre estupendo, me encanta este actor y cada vez que le veo hace una cosa totalmente diferente. BéréniceBejo tiene un papel muy simpático y la verdad que lo borda. En el resto del reparto encontramos a GrégoryGadebois, SébastienChassagne, LyèsSalem, SimoneHazanavicius o YoshikoTakehara que repite en su papel.
Como digo, la película es divertida y aunque pierde uno de los planos secuencia, vamos viendo cómo se construye una película. Disfrutadla e id al cine, porque la verdad que merece mucho la pena. El próximo 4 de noviembre, llega a nuestras salas de cine gracias a Vértigo Films.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de noviembre 2022. Título original: Coupez! Duración: 110 min. País: Francia. Dirección: Michel Hazanavicius. Guión: Michel Hazanavicius. Idea original: Sinichirô Ueda, Ryoichi Wada. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Jonathan Ricquebourg. Reparto principal: Romain Duris, Bérénice Bejo, Grégory Gadebois, Matilda Anna Ingrid Lutz, Finnegan Oldfield, Luàna Bajrami, Sébastien Chassagne, Lyès Salem. Producción: France 2 Cinema, Getaway Films, Gaga Communications Inc. Distribución: Vértigo Films. Género: comedia. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/corten/
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