Crítica: ’28 años después: el templo de los huesos’

En qué plataforma ver 28 años después: el templo de los huesos

Cuando la ira ya no necesita excusas pero aún así te las da

Hablar de ‘28 años después. El templo de los huesos’ implica aceptar, desde el primer minuto, que la saga ha dejado de buscar respetabilidad para abrazar el exceso como forma de discurso. Si ‘28 años después’ fue un capricho lúcido de Danny Boyle y Alex Garland, una secuela que utilizaba el apocalipsis para disparar contra el aislamiento británico, el nacionalismo rancio y la obediencia militar ciega, esta nueva entrega dirigida por Nia DaCosta opta por regresar a los orígenes salvajes del relato. No es una marcha atrás, sino una mutación: menos alegoría ordenada y más demencia consciente.

DaCosta, que ya demostró en ‘Candyman’ su interés por reformular mitologías desde una mirada incómoda, recoge el testigo (con Garland firmando el guión) y lo lleva a un terreno donde la lógica se fragmenta, pero el subtexto permanece. ‘28 años después. El templo de los huesos’ no quiere ser una película elegante ni medida. Quiere ser un artefacto furioso, impregnado de rabia acumulada, tanto vírica como social.

Un mundo roto que ya no cree en la razón

La película es plenamente consciente de su escenario: una población aislada, mermada y mentalmente erosionada por décadas de abandono. Aquí los infectados no son solo cuerpos descontrolados, sino el espejo deformado de una sociedad mermada que lleva demasiado tiempo sobreviviendo sin horizonte. El virus de la ira ya no es únicamente un catalizador narrativo, es un estado emocional colectivo.

Visualmente, DaCosta conserva la columna vertebral estética de la saga, cámara nerviosa, suciedad digital, violencia abrupta, pero introduce una imaginería más cercana a lo ritual y lo sacrílego. El “templo” del título no es solo un espacio físico, sino una metáfora de cómo la desesperación acaba organizándose en torno a creencias extremas. En ese sentido, la película se permite una libertad tonal que roza lo delirante, como demuestra una de sus decisiones musicales: mezclar una canción de Duran Duran asociada al opening del anime ‘Speed Grapher’ con el icónico ‘The number of the beast’ de Iron Maiden. No es un guiño gratuito, sino una declaración de principios: lo pop, lo satánico y lo apocalíptico conviven sin jerarquías.

Este enfoque también sirve para dar sentido retrospectivo al extravagante final de la entrega anterior y a la aparición de los Jimmys, liderados por Jack O’Connell. Lo que antes podía parecer una sátira excesiva, con ecos evidentes al caso mediático de Jimmy Savile que ya explicamos en esta web, aquí adquiere una dimensión más inquietante. Los Jimmys ya no son solo una broma negra: representan cómo el vacío moral se llena con ídolos grotescos cuando las instituciones colapsan.

Ciencia, fe y el nuevo rostro del fanatismo

Uno de los grandes aciertos de ‘28 años después. El templo de los huesos’ está en el choque ideológico entre los personajes interpretados por Ralph Fiennes y Jack O’Connell. El primero encarna una visión científica, cansada pero firme, con unas maneras encantadoras. El segundo, un líder satanista que abraza el caos como respuesta al abandono. El enfrentamiento entre ambos articula el núcleo temático del filme: la guerra contemporánea entre conocimiento y creencia, entre hechos contrastados y narrativas conspiranoicas.

Resulta especialmente sugerente ver a O’Connell en este rol tan sacrílego tras su presencia destacada en ‘Sinners’, una de las películas de terror más comentadas de la temporada anterior. Aquí su personaje canaliza un carisma peligroso, muy reconocible en una época en la que el negacionismo y las teorías delirantes ganan terreno frente a verdades científicas largamente asumidas. Garland, fiel a su trayectoria en la ciencia ficción, utiliza este conflicto para insistir en que el verdadero terror no está en los infectados, sino en la facilidad con la que la razón se convierte en enemiga en aras de libertades que dan rienda suelta a nuestra naturaleza salvaje.

No es casual que el tráiler incorpore la voz de Arthur C. Clarke, recuperando una reflexión sobre un futuro impredecible y brutal. En aquella intervención para la BBC, Clarke advertía también de cómo el avance científico puede hacer que ciertas mentalidades se vuelvan conservadoras por miedo a quedarse atrás. Esa idea atraviesa la película como un nervio oculto y conecta tanto con la primera ‘28 días después’ como con esta nueva entrega.

Un cierre más sólido y un futuro inquietante

A diferencia de su predecesora, ‘28 años después. El templo de los huesos’ ofrece un final más cerrado, menos extravagante y narrativamente más satisfactorio. No renuncia al impacto ni al hype, pero evita la sensación de chiste privado que dividió a parte del público. La última escena unirá a buena parte de los desencantados con el estreno del año pasado. Aunque por otro lado se introduce un elemento clave relacionado con la evolución del virus que reconfigura el tablero y despertará una expectación genuina olvidada en otras historias de zombies como ‘The Walking Dead’.

Sabiendo que esta cuarta entrega se rodó de manera simultánea y que será Danny Boyle quien cierre esta etapa de la saga, la película funciona como un puente sólido entre el caos y la conclusión. No es una simple película de zombis, es un comentario incómodo sobre un mundo que, incluso sin virus, ya parece infectado de ira.

Ficha de ‘28 años después: el templo de los huesos

Estreno en España: 16 de enero de 2026. Título original: 28 Years Later: The Bone Temple. Duración: 109 min. País: Reino Unido. Dirección: Nia DaCosta. Guion: Alex Garland. Música: Hildur Guðnadóttir. Fotografía: Sean Bobbitt. Reparto principal: Ralph Fiennes, Jack O´Connell, Alfie Williams, Erin Kellyman, Chi Lewis-Parry. Producción: Columbia Pictures, DNA Films, Decibel Films. Distribución: Sony Pictures. Género: terror. Web oficial.

Crítica: ‘Marvel Zombies’

En qué plataforma ver Marvel Zombies

El crossover marvelita de no-muertos cobra vida

‘Marvel Zombies’ llega a Disney+ con una misión clara: recuperar la esencia macabra y gamberra que tanto fascinó en los cómics, y al mismo tiempo encajar dentro del cada vez más complejo engranaje del MCU. La serie se convierte en un paso adelante hacia contenidos más oscuros y adultos, alejados del tono familiar que suele caracterizar las producciones de la Casa de las Ideas. Evidentemente todo dentro de los esquemas de un what if.

El recorrido de Marvel Zombies en las viñetas arranca a mediados de los 2000 con guionistas como Robert Kirkman, padre de ‘The Walking Dead’, al frente de una saga que pronto se convirtió en objeto de culto. Entre las historias más celebradas destaca ‘Hambre insaciable’, donde héroes y villanos convertidos en muertos vivientes devoran todo a su paso en un festival de horror y referencias al universo marvelita. La primera aparición animada de esta idea llegó años después con el capítulo dedicado a los zombies en ‘What if…?’, que fue recibido con entusiasmo y abrió la puerta a esta nueva serie.

Disney+ mantiene el mismo estilo visual que ‘What if…?’, un cel-shading elegante, dinámico y capaz de combinar la acción superheroica con la crudeza del gore. Y es ahí donde se produce la primera gran sorpresa: Marvel se atreve a mostrar muertes sangrientas, brutales y sin censura, recordándonos que, como en cualquier historia de zombies que se precie, nadie está a salvo.

La gran diferencia respecto a otros relatos de muertos vivientes está en que los héroes infectados mantienen sus poderes. Ver a personajes que conocemos desde hace más de una década en el MCU devorando carne humana con la misma facilidad con la que antes salvaban el mundo, es un espectáculo grotesco pero fascinante. Es un recordatorio de que Marvel, cuando quiere, sabe dar un giro radical a sus fórmulas.

Los protagonistas cambian respecto a los cómics más emblemáticos, y esa decisión funciona bien: permite explorar una aventura fresca dentro de la misma realidad alternativa. Se respira el mismo espíritu de crossover que en cualquier gran evento editorial: cada capítulo está plagado de guiños, cameos y detalles que los lectores veteranos sabrán apreciar. Desde referencias a los skrulls y las vacas hasta alusiones a títulos recientes del MCU como ‘Thunderbolts’, ‘The Marvels’, ‘Doctor Strange en el multiverso de la locura’, ‘Wakanda Forever’ o ‘Thor: Love and Thunder’ en última instancia. Incluso hay espacio para un guiño inesperado a ‘Star Trek’ con el vehículo que los héroes usan en uno de los primeros episodios a pesar de que no es una franquicia de Disney/Marvel.

La estrategia de Marvel Studios parece clara: evitar abusar de los personajes más icónicos y dar aire a nuevas figuras, preparando el terreno para una nueva fase. Una de las curiosidades más llamativas es la aparición de un Blade fusionado con el Caballero Luna, interpretado por la voz de Todd Williams. El actor, que tiene cierto parecido físico con el cazador de vampiros, se rumorea como posible plan B en caso de que Mahershala Ali no continúe en el proyecto de ‘Blade’ en acción real. En la animación, la cara sigue siendo la de Ali, pero su voz no. Este detalle muestra cómo Marvel juega sus cartas con cautela, manteniendo el misterio y abriendo posibles caminos para el futuro.

‘Marvel Zombies’ podría ser un simple spin-off o un producto secundario. Pero no deja de ser una apuesta arriesgada que recuerda a los fans que Marvel puede ser mucho más que un desfile de efectos digitales y chistes recurrentes. Aquí hay horror, sangre y riesgo narrativo. Para los comiqueros es un banquete de referencias, y para los fans del MCU, una invitación a aceptar que el futuro de la saga puede ser tan oscuro como imprevisible.

¿No entendiste ’28 años después’? Aquí va una explicación

Ordenamos el caos de ’28 años después’ e imaginamos qué ha pasado por las mentes de Boyle y Garland

La película ‘28 años después’ se ha convertido en una de las películas de la saga de Danny Boyle con mejor valoración tras los primeros visionados. Pero no es ajeno para el sentir popular el hecho de que supone un cambio radical en la franquicia. Esta es sin duda la entrega más poética y emotiva, también la más extravagante y arriesgada. Pero (casi) todo esto responde a un significado.  Si bien el final se presenta abruptamente y con rarezas que se salen de tono, el guionista Alex Garland no da puntada sin hilo, como es costumbre en su cine.

No voy a arrojar valoraciones sobre la película, para eso tenemos una crítica publicada hace días. Pero sí he de advertir que esta publicación contiene spoilers pues voy a intentar arrojar luz sobre el significado de esta obra que he tenido la ocasión de poder analizar a fondo y con contexto. Evidentemente todo lo aquí expuesto puede considerarse subjetivo, pero presentaré bastantes datos que confirman mis impresiones.

Empecemos por los posters que no se limitan solo a mostrar ’28 años después’. “El tiempo no ha curado nada” dice el tagline de este afiche. Con ello ya nos insinúan que el virus de la rabia, responsable de los infectados que corren en busca de carne, no se ha curado. Pero también se lee entre líneas un paralelismo hacia lo poco que hemos aprendido tras la pandemia del COVID y un dardo hacia la tradicional costumbre inglesa de ir a contracorriente en muchas cosas (enchufes, sentido de circulación, moneda…) tropezando con la misma piedra constantemente. Más adelante volveremos sobre esto último.

Casi nada más empezar una voz en off nos pone en máxima tensión y alerta. Una transmisión de corte radiofónico recita el poema ‘Boots’ de Rudyard Kipling. Esa obra fue publicada en 1903 para describir la monotonía y la tensión psicológica de la marcha de los soldados británicos en la Segunda Guerra de los Bóers. Taylor Holmes es quien recitó en la grabación esas líneas pavorosamente y con el tiempo ha sido utilizado para retratar las secuelas de la guerra. Si lo pensamos bien los efectos de la guerra en los soldados era el tema de ‘Warfare’, última película de Garland. Con eso ya empezamos criticando el tema militar, algo que tuvo espacio en el final de ’28 días después’. Mientras suena en la película se muestran injertos de imágenes de batallas en las que el imperio británico salió victorioso: Guerras Mundiales, la Segunda Guerra de los Bóers, batallas medievales… Eso contrasta con la situación del filme en la que todo es decadencia. Con ello Boyle y Garland parece que quieren advertir de que toda época de gloria tiene su fin y Reino Unido suele estar cegada por su propia vanidad. La soberbia británica se repite y mantiene en el tiempo siendo casi siempre la causa de los males que suceden en las mismas islas.

Todo esto sucede cuando el joven protagonista, con tan solo 12 años, es extraído a un mundo repleto de peligros y con baja probabilidad de supervivencia. Cual espartano, es sometido a un rito iniciático que le convertirá en hombre y guerrero. Esto no dista mucho de todas esas guerras cuyas tropas estuvieron atestadas por críos reclutados por el gobierno británico. Revelador es el último plano de ‘28 años después’, el cual tiene lugar en el final de los créditos. En él vemos a Alfie Williams con la bandera inglesa ardiendo detrás. Este estandarte volverá a aparecer en este artículo a pesar de haberlo citado en los post-créditos. Por supuesto, esta situación que expone a un menor a un conflicto violento retrata la peligrosidad de nuestra raza que parece abocada a volver a la barbarie, y por supuesto a lo primitivo y a la Edad Media. Por supuesto implica la imposición de un sentimiento territorial o patriótico a una temprana edad. Quizá esto sea lo que se puede ver más fácilmente en la superficie.

El cine de Danny Boyle es muy británico y esta no es la excepción. Se respira correct english y la música suena a pub de Candem Town. Curiosamente el filme le da caña a todo lo británicamente ortodoxo. Parece que lo que nos quieren decir con este filme es que Reino Unido ha ido siempre a su bola y con el tema del Brexit ha quedado aislado del resto Europa. El virus rabia sería algo así como una metáfora del independentismo sin sentido que provoca siempre el caos interno y hace que los ingleses se devoren los unos a los otros, aunque sea comercial o socialmente hablando. No son pocas las ocasiones en las que aparece la bandera de Inglaterra, la de San Jorge, en varias tomas envuelta en llamas. Este símbolo también es muy utilizado por la ultraderecha, casi acaparado para su causa. Durante la película aparecen escenas del filme ‘Henry V’ de Laurence Olivier con esa bandera muy presente. La figura de Enrique V tiene un significado simbólico poderoso para sectores ultraconservadores y nacionalistas británicos, aunque no siempre de forma explícita o dominante en el discurso político actual. Su relevancia está más ligada a la construcción del mito nacional y al imaginario de un Reino Unido fuerte, soberano y victorioso frente a potencias extranjeras. Por supuesto relacionado con esto está la fotografía de la reina Isabel II de joven que el pequeño reducto superviviente luce en su salón de actos. Aquí es donde llega la crítica al Brexit orquestado por los conservadores que echan de menos el imperio incapaces de ser parte de un todo más grande. Lo que sucede en este filme se convierte en un símbolo de escarmiento al dejar el mundo a los británicos apartados de la comunidad internacional durante 28 años. Esto podría ser una represalia al considerar que fue primero Inglaterra la que dejó de lado a Europa. En la realidad el paralelismo son las consecuencias económicas y comerciales claras por su decisión de salir de la Unión Europea. Más que un castigo, ha sido un efecto directo del aislamiento económico.

’28 años después’ es también una advertencia de que, tomando la senda del individualismo, el Reino Unido tiene mal futuro. El pensamiento conservador suele enfatizar el mérito individual, el liderazgo fuerte y la libertad frente al control estatal. En la película aparecen unos nuevos zombies llamados “alphas” pues por su corpulencia y violencia se alzan como líderes de manada. El alfa es precisamente eso: un individuo que sobresale y lidera de manera por lo general abrumadora. Además, suele ser masculino, considerado menos «blando» o dialogante por ciertas mentes más primitivas. Testosterona política = canibalismo prehistórico. El virus rabia provoca alfas de igual modo que los populismos o el hastío social dan a luz a figuras extremas y preponderantes que anulan las mentes de sus seguidores.

El filme tiene más lecturas, como el tema de la eutanasia, que evidentemente tiene a sus máximos detractores en el Partido Conservador. Y aunque ‘28 años después’ y sus diferentes capas me han gustado, hay que reconocerle el riesgo, manifiesto sobre todo en el mismísimo final. Hay que admitir que su última secuencia es una excentricidad completamente fuera de tono y que nos lleva a ese Reino Unido de Guy Ritchie lleno de matones vestidos de sport o incluso al de los dementes de ‘Little Britain’. Al final de este apocalipsis british aparecen unos cazadores vestidos con chándal del Humana. Esto parece simplemente una manera de conectar con la primera escena y con algunos cuantos guiños que hemos ido viendo. Nos muestran a un niño y a un mundo que se han vuelto tarados, traumáticos. Pero ojo que esa excentricidad puede esconder algo más. Estos personajes conservan un perturbador parecido con el presentador de la BBC y DJ Jimmy Savile (de hecho, el personaje de la escena se llama Jimmy). Por muchos es sabido que recibió diversas denuncias por abuso sexual infantil. La pista nos la dio nuestro compañero Jorge Loser. Hay una similitud con los niños viendo como zombies los Teletubbies (un show de la BBC). Pero lo que nos dice este desconcertante desenlace es que se han creado unos monstruos. Quizá simplemente han querido hacer alusión a otro tipo de depredador, en este caso el sexual, o quizá es una pista para lo que podremos encontrar en la siguiente entrega, la cuarta y penúltima de la franquicia.

Crítica: ’28 años después’

En qué plataforma ver 28 años después

Sinopsis

Han pasado casi tres décadas desde que el virus de la rabia escapó de un laboratorio de armas biológicas, y ahora, todavía bajo una cuarentena brutalmente impuesta, algunos han encontrado formas de existir en medio de los infectados. Uno de estos grupos de supervivientes vive en una pequeña isla conectada al continente por una única carretera fuertemente defendida. Cuando uno de los miembros del grupo abandona la isla para adentrarse en el oscuro corazón del continente, descubre secretos, maravillas y horrores que han mutado no sólo a los infectados, sino también a otros supervivientes.

Crítica

Danny Boyle convierte el apocalipsis en arte lisérgico

Recuerdo que cuando vi ‘28 días después’ quedé en shock por su planteamiento inicial, por su crudeza y por innovar con el concepto de infectados y de zombies que corren. Quizá precisamente sea la novedad y la conmoción lo que buscan Danny Boyle y Alex Garland con este regreso a su saga. ’28 años después’ supone un retorno muy diferente al que todo el mundo espera. Desde luego no es una película para todo el mundo. Lejos de repetir la fórmula que tantos imitadores generó, esta entrega es la mayor macedonia que han creado ambos cineastas, con extra de riesgo comercial, una mezcla de géneros, narrativas y estilos que sorprende tanto como desconcierta. Y, aun así, la he disfrutado.

Conste que aunque es un filme fácil de entender y difícil de describir voy sin spoilers. Aunque os dé algunas claves, no acertaríais ni de lejos lo que pasa en esta película. Ni en un millón de intentos. Y eso, en los tiempos que corren, ya es un logro.

La premisa nos lleva a una Europa que, motivada por el miedo al virus, ha decidido cerrar sus fronteras e ignorar al Reino Unido. Se condena así a las islas británicas a un regreso a la Edad Media donde la humanidad debe encarar y abrazar sus facetas más primitivas. ¿COVID? ¿Crisis de refugiados? ¿Paralelismos con la actualidad? Lo pensé y puede haber alguna lectura similar. Pero si acaso está más presente el tema del Brexit y una especie de condena a esa Inglaterra que se independiza de todo. Y por supuesto está el amor maternofilial como en ’28 semanas después’ y el filme se atreve también con temas como la eutanasia y el ritualismo, pero todo envuelto en una narrativa que a ratos roza el delirio.

Danny Boyle recupera su espíritu más experimental. Si en ‘28 días después’ jugó con cámaras domésticas, ahora rueda buena parte con móviles, dándole un aire más casero y cercano para el espectador. Aunque esta tecnología también le permite grabar efectos “tipo Matrix” que les dan a las muertes un toque diferente y distintivo. Fotogénicamente la película no tiene pero alguno, logrando imágenes que muchas horas después de ver el filme aún tengo grabadas. Hay fotogramas memorables, secuencias que sacan lo mejor de este artista. Igual sucede con la música, que aporta un toque tremendamente british al filme y en cuya banda sonora no está el tema de John Murphy. Este marcado acento de las islas está justificado por cómo se azota al país natal de los autores de la obra. Me explico en el siguiente párrafo.

Podemos asumir que los injertos de películas como ‘Enrique V’ mostrando a ingleses victoriosos matándose por Europa en diferentes épocas, están para trasladarnos a una situación que se repite en el tiempo y retratan una soberbia caída ahora en desgracia. Conducir por el otro lado, tener enchufes diferentes, pagar en libras… Los británicos han tenido siempre una especie de necesidad de desmarcarse del resto y esa autosuficiencia identitaria está en el filme a base de referencias fatales. Al fin y al cabo esta película nos viene a decir que el virus de la rabia es algo de los ingleses y el mundo ha dicho, «quédate ahí con lo tuyo». Y si entramos en el campo de las alusiones nos damos cuenta del batiburrillo y lo loco que ha sido este nuevo viaje. Teletubbies, ritos iniciáticos espartanos, enfrentamientos tipo ‘El guerrero número 13’, huidas a lo ‘Ataque a los titanes’, momentos que rememoran a Braindead… Todo eso ha pasado por mi cabeza en diferentes momentos, así de caótica es la cosa. Si la película te parece una locura con estas conexiones espera a ver a los cazadores ataviados con chándal del Humana.

Y, sin embargo, por alguna extraña razón, ’28 años después’ funciona. Hay secuencias antológicas, como una tensa escena con una voz en off radiofónica in crescendo, una persecución vibrante por un corredor marino o un momento de recorte en silueta que a escalofríos de lo goyesco que es. La película se entiende y se sigue, incluso cuando se va por derroteros más propios del cine lisérgico o de autor. Lo que cuesta entender es cómo han decidido tomar un rumbo tan comercialmente arriesgado. Todo esto nos habla de un Danny Boyle desmelenado. Pero ¿y Alex Garland? Difícil decir dónde está su huella exacta. Hay momentos poéticos, otros excesivos, algunos profundamente inquietantes, quizá ahí está su marca. Por supuesto hay un poco del tema militar, leitmotiv de sus últimas películas (‘Civil War’, ‘Warfare’). Desde luego en este reencuentro de ambos no tenemos un resultado igual. ‘28 años después’ no tiene la energía caótica de la primera ni el tono bélico de la segunda. Es más calmada, más enigmática y por momentos bellísima en su rareza.

Los zombis están, sí. Y corren. Pero ahora también evolucionan, y eso abre preguntas que ni me esperaba o son propias de la serie B o Z. Si esto es lo que nos espera para las próximas dos entregas ya anunciadas, no sé cómo me voy a preparar.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de junio de 2025. Título original: 28 days later. Duración: 115 min. País: Reino Unido. Dirección: Danny Boyle. Guion: Danny Boyle, Alex Garland. Música: Young Fathers. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Jodie Comer, Aaron Taylor-Johnson. Jack O’Connell, Alfie Williams, Ralph Fiennes. Producción: Columbia Pictures, British Film Institute, Decibel Films, DNA Films. Distribución: Sony Pictures. Género: terror. Web oficial: https://28yearslater.movie/

CutreCon llega a Barcelona

El 6 y 7 de junio Barcelona acogerá a CutreCon

El Festival Internacional de Cine Trash, CutreCon nacido en Madrid y donde ha celebrado catorce exitosas ediciones, llega por primera vez a Barcelona, con una selección del peor cine mundial. Cargada de superproducciones fallidas, clásicos del despropósito audiovisual y rarezas que jamás debieron salir del videoclub. La cita tendrá lugar los días 6 y 7 de junio de 2025 en los Cines Verdi Park (Carrer de Torrijos, 49) y el Casinet d’Hostafrancs (Carrer del Rector Triadó, 53), con un total de ocho películas repartidas en dos jornadas que prometen risas, caos y cine del que deja cicatriz.

No queríamos simplemente repetir lo que hacemos en Madrid; por eso, esta primera edición en Barcelona apuesta por una mezcla de títulos legendarios y estrenos inéditos, con invitados de primer nivel’, señala Carlos Palencia, director del certamen. A su lado, Juan Pérez, productor del festival, asegura que ‘la selección está pensada para que nadie salga indiferente: ni el fan del cine basura más curtido, ni el espectador que viene por primera vez a ver un desastre fílmico en compañía’.

INAUGURACIÓN EN LOS CINES VERDI PARK

El festival arrancará el viernes 6 de junio con dos de los títulos más infames de la historia reciente, que podrán verse como nunca antes en pantalla grande. Será en los Cines Verdi Park, uno de los templos del cine en versión original de la ciudad. A las 20:30 horas se proyectará ‘Super Mario Bros’ (1993) en su versión remasterizada en 4K, la fallida superproducción que intentó adaptar el popular videojuego de Nintendo y terminó convirtiéndose en uno de los fracasos más fascinantes de la historia del cine noventero. La sesión cuenta con el patrocinio del portal www.nostalgiapop.es,

Y a las 22:30 horas llegará ‘Dunyayi Kurtaran Adam’ (1982), también conocida como ‘Star Wars Turco’, en una copia remasterizada en 2K. Este plagio de ‘La Guerra de las Galaxias’, rodado en Turquía con música robada de John Williams y escenas copiadas de la película original, ha sido durante décadas uno de los grandes mitos del cine trash mundial.

HOMENAJE DE PEDRO TEMBOURY Y MARATÓN EN EL CASINET

El sábado 7 de junio, las actividades se trasladan al Casinet d’Hostafrancs, donde se habilitará también un mercado interior con puestos de merchandising, bebida y cachondeo, que funcionará durante todo el día desde las 11:00 hasta las 00:00 horas.

La jornada del sábado comenzará a las 11:00 horas con una sesión matinal de entrada libre, dedicada a uno de los grandes nombres del cine trash patrio: Pedro Temboury. El cineasta malagueño, piedra angular de la comedia gamberra y el despropósito consciente en España, acudirá personalmente al festival para presentar dos de sus obras más icónicas, acompañado por su colaborador habitual y guionista Pablo Álvarez Almagro. Juntos protagonizarán también un coloquio posterior con el público.

En pantalla se podrá ver su legendario debut, ‘Kárate a muerte en Torremolinos’ (2003), donde zombies karatekas, surferos católicos y monstruosos crustáceos se baten el cobre en un delirio fílmico rodado con celuloide caducado y espíritu punk. A continuación, se proyectará ‘Ellos robaron la picha de Hitler’ (2006), una comedia aún más desatada que su predecesora, donde una absurda conspiración internacional gira en torno a los genitales momificados del mismísimo Führer, en una historia que mezcla ciencia loca, pulp castizo y la inolvidable presencia de Jesús Franco en uno de sus últimos papeles.

Por la tarde, llegará el turno de los más valientes. A partir de las 16:00 horas, el Casinet d’Hostafrancs se convertirá en un manicomio cinematográfico con una maratón de cuatro películas que pondrán a prueba la resistencia física y mental del público. Las presentaciones correrán a cargo de Carlos Palencia y de Juan Pérez, director y productor de CUTRECON respectivamente, quienes —como es costumbre— ejercerán de maestros de ceremonias y crearán el ambiente propicio para el visionado de los filmes.

Abrirá fuego ‘La Venganza de Sansón’ (1987), una fantasía bíblica indonesia donde el Antiguo Testamento se mezcla con monstruos de goma, mutilaciones gratuitas y una imaginería religiosa pasada por LSD. A continuación, llegará ‘El Increíble Bulk’ (2012), probablemente el peor uso del croma en la historia del cine moderno, una parodia involuntaria de Hulk, renderizada con fondos reciclados y efectos especiales dignos de PowerPoint.

Tras el destrozo visual, la maratón continuará con ‘Captain Barbell’ (1986), un superhéroe filipino musculoso y desquiciado, adaptación de un famoso cómic local que por fin se proyecta por primera vez en España, remasterizado en HD para el goce colectivo. Y como colofón, ‘Kokey’ (1997), una especie de E.T. asiático protagonizado por un alien mitad tumor mitad empanadilla mojada. También en estreno exclusivo en España y con una restauración en alta definición que no mejora, pero sí intensifica, su capacidad de provocar pesadillas.

ENTRADAS YA A LA VENTA

Las entradas para todas las sesiones de CUTRECON BARCELONA ya están disponibles a través de los enlaces habilitados en www.cutrecon.com.

CUTRECON BARCELONA está organizado por la web de cine y humor Cinecutre.com, la productora A.D.J. Proyectos Audiovisuales, la agencia PJ Comunicación, el festival de cine B-Retina, la asociación Pop Culture España, la distribuidora Trash-O-Rama, el Secretariat d’Entitats de Sants, Hostafrancs i la Bordeta, los Cines Verdi y el Ajuntament de Barcelona – Districte de Sants-Montjuïc.

Análisis del Blu-ray de ’28 semanas después’

Los zombis que corren llegan de nuevo a nuestras casas

Después de que un paciente se despierte en el Hospital con todo Londres destruido y lleno de zombis, el mundo es totalmente otro. En ’28 semanas después’ vemos como está la situación. Y conocemos a dos personajes nuevos que viven escondidos en una cabaña en la Inglaterra rural. Más zombis y más desesperación. El director Juan Carlos Fresnadillo nos devuelve a estos zombis que corren y que tanto miedo y tensión nos dieron.

Danny Boyle y Alex Garland siguen dentro del proyecto, esta vez como productores. Dejando a Juan Carlos Fresnadillo, Enrique López Lavigne, Rowan Joffe y Jesús Olmo como guionistas del proyecto. Encontramos como protagonistas a Robert Carlyle, Rose Byrne, Jeremy Renner, Harold Perrineau, Idris Elba o Imogen Poots.

Este 2025 llega a nuestras pantallas la tercer parte de esta trilogía. 28 años después, que ha sido rodada enteramente con un iPhone 15 y que sin duda es una de las películas más esperadas de este verano. Danny Boyle regresa como director y Alex Garland como guionista.

A continuación, os detallamos los extras que encontraremos en este Blu-ray, editado por Divisa Films,  junto a una pequeña galería fotográfica del mismo.

Idioma: Castellano 5.1 DTS, Inglés 5.1 DTS HD, Alemán 5.1 DTS

Subtítulos: Castellano, Alemán, Danés, Finés, Noruego, Sueco, Inglés para sordos

EXTRAS (44:00 min. aprox)

Comentario de Juan Carlos Fresnadillo y Enrique López-Lavigne

2 cortometrajes (12:20 min)

  • 28 days later the aftermath. Stage 1: Development. (07:36)
  • 28 days later the aftermath. Stage 3: decimation 29 to 31 days later (04:44)

Cortometrajes con distinta animación, muy sencilla que nos cuentan un poco la vida en tan difícil situación.

Escenas eliminadas

  • The canteen (02:59 min.)
  • Andy’s dreams (02:15 min.)

Cómo se hizo 28 Semanas después (13:06 min.)

El reto de volver a ese mundo que tanto gustó y asustó. Juan Carlos Fresnadillo, Enrique López Lavigne, Danny Boyle o Andrew Macdonald nos hablan de como hicieron para regresar a este Londres que intenta renacer.

Los infectados (6:57 min.)

El maquillaje de los infectados, todo el trabajao que lleva. Pero no solo el maquillaje, sino los movimientos. Vemos a los actores creando diferentes coreografías para poder moverse como un zombi real.

La acción (07:13 min.)

Tráilers

 

A continuación tenéis una pequeña galería de este Blu-ray.

 

Tráiler de ’28 años después’

Pasan los años y los zombies siguen ahí

Danny Boyle y Alex Garland vuelven a reunirse en ’28 años después’, la nueva y aterradora historia ambientada en el mundo de ’28 días después’. La película llegará el próximo 20 de junio de 2025.

Aaron Taylor-Johnson, Ralph Fiennes, Jodie Comer, Cillian Murphy, Jack O’Connell, Erin Kellyman, Edvin Ryding y Chi Lewis-Parry, son parte del reparto de una de las cintas más esperadas de 2025. Una de las peculiaridades de la cinta, es que está completamente rodada con un iPhone 15 Pro Max y es, de momento, la película más larga rodada con un smartphone.

Aquí os dejo el tráiler de la cinta.

Sinopsis

Han pasado casi tres décadas desde que el virus de la rabia escapó de un laboratorio de armas biológicas, y ahora, todavía bajo una cuarentena brutalmente impuesta, algunos han encontrado formas de existir en medio de los infectados. Uno de estos grupos de supervivientes vive en una pequeña isla conectada al continente por una única carretera fuertemente defendida. Cuando uno de los miembros del grupo abandona la isla para adentrarse en el oscuro corazón del continente, descubre secretos, maravillas y horrores que han mutado no sólo a los infectados, sino también a otros supervivientes.

Diario de Sitges 2024. 4 de octubre

‘La sustancia’ destaca a pesar de la visita de múltiples celebridades

Hoy ha sido el día en el que hemos visto una de las mejores películas de lo que va de año, ‘La sustancia’. La película de Coralie Fargeat ha causado sensación y es una pena que no pueda participar a concurso en la Sección Oficial porque se llevaría de calle una buena cantidad de premios. En las reseñas que publicamos más abajo tenéis más detalles y opiniones sobre precuelas y secuelas que hemos visto hoy como ‘Terrifier 3’ o ‘Apartment 7A’.

La propia Coralie Fargeat ha desfilado por los distintos photocalls del festival por los que han pasado hoy celebridades ensombrecidas por el impacto de su película. Han visitado Sitges 2024 artistas como Damien Leone, David Howard Thornton, Lauren LaVera y Samantha Scaffidi, todos ellos de ‘Terrifier 3’. También ha empezado sus primeras actividades el carismático Nick Frost (‘Zombies party’, ‘Trilogía del Cornetto’).

Y ya ha aterrizado en Sitges 2024 el receptor del Premio Honorífico Màquina del Temps, Mike Flanagan. El autor de series como ‘La maldición de Hill House’ o de películas como ‘Doctor sueño’ ha comenzado su periplo por esta edición con sendos visionados de trabajos anteriores como ‘Hush’ y ‘The Stand’.

Y por su fuese poco, algunos afortunados han podido ver el documental ‘Super/Man: The Christopher Reeve Story’. Ha sido unánime la sensación conmovedora en este repaso a la carrera cinematográfica y la vida personal del mejor Clark Kent de la historia. Una película, dirigida por Ian Bonhôte y Peter Ettedgui, que Warner Bros. Pictures estrenará pronto en cines de España.

‘La sustancia’ (crítica completa)

‘La sustancia’ es un thriller de terror y ciencia ficción que, además de impactantes efectos visuales, ofrece una profunda crítica. La película, magníficamente protagonizada por Demi Moore y Margaret Qualley, explora la presión que la industria de la imagen ejerce sobre las mujeres de determinada edad, obligadas a mantenerse jóvenes para no ser olvidadas.

Para comprender su trama de Serie B hay que indicar que es un remake no oficial de ‘Rejuvenatrix’. Con ecos del cine de Cronenberg (‘La mosca’ y ‘Rabid’ bien presentes), aborda la obsesión por la juventud eterna y sus consecuencias. La transformación física grotesca de sus personajes simboliza el terror real: el miedo a envejecer en una sociedad que venera la juventud. Aunque emplea tropos del cine de terror de serie B, ‘La sustancia’ se distingue por entrelazar este horror con una crítica más intelectual y relevante sobre las expectativas inhumanas impuestas por la “cultura”. Goza de un erotismo provocador y un sonido apabullante. Es ‘La muerte os sienta tan bien’ versión plástica, gore y prostéticos de látex.

Comentado por Furanu.

‘Apartment 7A’ (crítica completa)

Cómo me ha gustado ‘Apartamento 7A’, la precuela de ‘La semilla del diablo’, que aún no tiene fecha de estreno en España. Nos cuenta una historia casi paralela a la que vimos en la película de Polansky. Acompañamos a Terry, una bailarina a la cual las cosas no le van demasiado bien, que termina viviendo en uno de los edificios más importantes de Nueva York gracias a una pareja de ancianos, a partir de aquí, su vida se complica, en todos los sentidos.

La manera en la que Natalie Erika James rueda es muy cuidada, bonita y aunque esta película sea de terror, tiene imágenes muy bucólicas y artísticas. No es perfecta, pero sin duda a mí me ha convencido de principio a fin.

Comentado por Vicky Carras.

‘Terrifier 3’ (crítica completa)

Volvemos a encontrarnos a Art en esta tercera película, en la que el payaso nos muestra otro festín de casquería pura y dura. Sin complejos, sin miramientos, no hay persona que deje escapar a sus garras.

‘Terrifier 3’, regresa 5 años después de lo ocurrido en la segunda parte, en la que dos hermanos logran sobrevivir a este ser. Aquí les volvemos a ver y vuelven a ser víctimas de Art. Aunque la película en esta ocasión es más corta, no para de haber asesinatos cada poco y la acción en sí es bastante dinámica, ‘Terrifier 3’ llega a ser aburrida por el simple hecho de que no han arriesgado y se han ido a por la trama fácil. No voy a meterme en ella, pues siempre animo a ver las películas, pero es cierto que hubiese estado mucho mejor si hubiesen innovado a la hora de explicar el origen de Art.

Comentado por Vicky Carras.

‘Apocalipsis Z: el principio del fin’ (crítica completa)

Una de las películas que más esperaba este año, era ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’ y es que soy fan del libro de Manel Loureiro en el que se ha basado esta película.

Básicamente, un virus comienza a afectar a la humanidad de manera terrible convirtiéndolos en horripilantes zombies. Manel junto con Lúculo, su gato, emprende una aventura en la búsqueda de lo queda de su familia.

Película bastante sencillita, muy básica pero que funciona muy bien. Es entretenida y los personajes muy interesantes. Si que es verdad, que aunque en el tramo final tiene bastante acción, aun así le falta un poquito de fuerza. También es cierto que todo este comentario viene de una lectora de la novela y las comparaciones suelen ser odiosas. Así que os animo a verla, a partir del 31 de octubre la tendréis en Prime Video.

Comentado por Vicky Carras.

‘Infinite Summer’ (crítica completa)

‘Infinite Summer’ es una película de Miguel Llansó, conocido por su mezcla de surrealismo y crítica social. En esta obra, Llansó explora una visión enigmática del futuro cercano, donde la tecnología cyberpunk y la realidad aumentada son parte integral de la vida cotidiana. La historia sigue al personaje de Teele Kaljuvee-O’Brock, quien pasa el verano con dos amigas, afrontando la vacuidad de sus relaciones y anhelando la atención de una de ellas. Llansó utiliza este escenario para criticar la creciente o alarmante dependencia de la tecnología y la incapacidad cada vez más acentuada que tenemos para evadirnos de la realidad por nosotros mismos. Estamos ante el terror ante la hibridación entre mente y mundo virtual.

El enfoque visual de la película es notable, con colores vibrantes y efectos psicodélicos que crean una atmósfera única, reflejando el estado mental de la protagonista. El guion, aunque profundo y filosóficamente antropológico, puede resultar inaccesible para quienes prefieren tramas más lineales. La película puede sentirse lenta debido a su estilo abstracto, sin embargo, ofrece una experiencia cinematográfica desafiante y original para los espectadores dispuestos a sumergirse en su mundo visual y conceptual.

Comentado por Furanu.

‘Bone lake’

Thriller que promete una atmósfera cargada de misterio, pero se queda corto en ejecución. Si habéis visto ‘Speak no evil’ o su reciente remake la trama te puede resultar familiar. Si sigues el cine de Haneke también puede serte poco sorprendente el malsano juego que sufren los protagonistas. Si no estás familiarizado con ninguna de las anteriores referencias la película de Mercedes Bryce Morgan te va a resultar toda una sorpresa, que tarda en cargarse con sus movimientos de celos y desconfianza para brindarnos una recta final cargada de violencia.

La película apuesta por un ritmo pausado que intenta construir tensión, pero cae en lo predecible y no logra mantener el interés. Los giros de guión tardan en aparecer y si lo que te gustan son los títulos cargados de erotismo y manipulación puede entretenerte. Hay que reconocer que aunque dista de tener algo novedoso, sus personajes tienen cierta simpatía, pero no llegan a ser realmente carismáticos.

Como curiosidad, os sonará la protagonista pues es Maddie Hasson de ‘Maligno’ y la música del filme, pues la pone el español Roque Baños.

Comentado por Furanu.

‘Super/Man: La historia de Christopher Reeve’

El documental ‘Super/Man: la historia de Christopher Reeve’ ofrece una mirada profunda a la vida del actor, más allá de su icónica interpretación de Superman. Lejos de caer en el sensacionalismo o en la lágrima fácil, explora la vulnerabilidad que se esconde tras el héroe, recordando los momentos que marcaron su vida y lo hicieron madurar. Dirigido por Ian Bonhôte y Peter Ettedgui, el filme no solo destaca su carrera, sino también su lucha tras el accidente que lo dejó parapléjico. Reeve se convirtió en un símbolo de valentía y resiliencia, defendiendo los derechos de las personas con discapacidades y promoviendo la investigación médica. Su historia demuestra que no necesitaba una capa para ser un verdadero héroe. Además, el documental presenta conmovedores testimonios de sus hijos, reflejando a un padre transformado, lo que da a la película un enfoque centrado en los valores familiares. Con material de archivo sorprendente, el filme recuerda a una figura que, desde joven, demostró un fuerte sentido de la justicia y compromiso social. Lleno de momentos emotivos, anécdotas tiernas y educativas, deja una impresión duradera, logrando que Christopher Reeve vuelva a brillar en la pantalla.

Comentado por Furanu.

Crítica: ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’

En qué plataforma ver Apocalipsis Z: El principio del fin

Sinopsis

Una extraña enfermedad similar a la rabia empieza a extenderse sin freno por todo el planeta, transformando a la gente en criaturas extremadamente agresivas. Pero Manel (Francisco Ortiz) lleva tiempo viviendo su propio apocalipsis; aún no ha superado la pérdida de su mujer en un accidente, y lleva un año deprimido y aislado de su familia, con Lúculo, su gato, como única compañía. Cuando la enfermedad cobra aún más fuerza, su hermana insiste en que deje Vigo y se reúna con ella en Canarias, pero el plan fracasa. Manel tiene que parapetarse en su casa, recurriendo a su ingenio y habilidades para sobrevivir. Sin embargo, él y Lúculo pronto se ven empujados a salir, y se irán encontrando, por tierra y por mar, con compañeros de viaje improbables pero esenciales.

Crítica

Carles Torrens logra una gran adaptación con estos zombis patrios

Hace unos años descubrí esta trilogía de libros de Manel Loureiro, en la que vemos como Europa es invadida por una gran epidemia de zombies. Cuando me enteré que Prime Video iba a realizar la película me emocioné bastante, pues la verdad que ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’ me gustó mucho. Yo lo descubrí ya como novela, pero realmente esta obra comenzó como un blog en Internet que Manel escribía en sus ratos libres, transformándose en un fenómeno viral hasta el día de hoy que ya es cine.

La película, dirigida por Carles Torrens (‘Pet’), nos da mucho de la novela, pero también añade algunas cosas nuevas eliminando otras. Al final se trata de una adaptación y no de una recreación tal cual es la novela. Como adaptación, me ha gustado bastante.

La película nos lleva directamente a ver como España está siendo poco a poco invadida por seres humanos que han contraído un virus y que poco a poco ha ido mutando hasta convertirlos en lo que sería terribles zombis. Pero no zombis tranquilos, no, zombis que corren. Manel, nuestro protagonista, queda anclado en su casa de Vigo, por culpa de varios contratiempos, junto con su gato Lúculo, esperando noticias de su hermana. Así que lo que vemos en esta primera parte, es una lucha por la supervivencia en este mundo que se está destruyendo.

Si es una premisa básica de zombis, pero no solo tenemos esto. También Manel está atravesando un proceso de superación por la pérdida de alguien muy querido y como la soledad no le ayuda nada. Así que, en sus aventuras, encontrará personas que poco a poco harán que todo su trauma vaya desapareciendo.

Como os he comentado, me ha gustado bastante, dista mucho de la novela en varias ocasiones, pero no es algo que me moleste. Al final le han dado mucho más trasfondo al personaje principal para que terminemos empatizando más con él. Si que puedo decir, que quizás el principio se queda un poco sin fuerza, según vamos avanzando, pero tiene un tercer acto lleno de acción que contrarresta con todo y nos deja con muchas ganas de más.

Francisco Ortiz (‘García’), es el encargado de meterse en la piel de Manel, con su traje de neopreno y su gato a todos lados. Berta Vázquez, Iria del Río, Jesús Lloveras, Ali Boulabiar o Arántzazu Ruiz, son parte del reparto de esta película.

Así que ya sabéis, a partir del 31 de octubre, la podéis ver en vuestras casas gracias a Prime Video. Queda claro, que como he comentado al principio, es una trilogía y la película queda bastante abierta para la segunda parte. Sin duda, nos quedamos con ganas de ver cuando llega la siguiente.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de octubre de 2024. Título original: Apocalipsis Z: El principio del fin. Duración: País: España. Dirección: Carles Torrens. Guion: Ángel Agudo. Fotografía: Edu Canet, Elías M. Félix. Reparto principal: Francisco Ortiz, Berta Vázquez, Iria del Río, José María Yazpik, Jesús Lloveras, Alberto Ladrón de Guevara, Sergio Crespo. Producción: Nostromo Pictures. Distribución: Prime Video. Género: Acción. Web oficial: https://www.primevideo.com/-/es/offers/nonprimehomepage/ref=dv_web_force_root?langua

Teaser tráiler de ‘Apocalipsis Z. El principio del fin’

Los zombies llegan a Galicia el próximo Halloween

Hace unos días estuvimos en la presentación de contenido de Prime Video, y entre las novedades que pudimos ver, el tráiler de ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’, la película basada en el exitoso libro de Manel Loureiro, actual ganador del Premio Fernando Lara por su nueva novela ‘Cuando la tormenta pase’. Que además estará este año en el Festival Celsius de Avilés.

‘Apocalipsis Z: El principio del fin’ es la primera de tres novelas en las que nos adentramos en un mundo rodeado de zombies. Una Galicia destruida por estos muertos vivientes y por la desesperación de los humanos que quedan vivos. Uno de estos humanos es Manel un hombre atormentado por su pasado que vive con Lúculo, su gato.

La película está dirigida por Carles Torrens (‘Feria’). Francisco Ortiz será el encargado de dar vida a Manel, junto a el encontraremos a María Salgueiro, Amalia Gómez, Marta Poveda, Iria del Río, Yuri Mikhaylychenko, Oriol Ruiz y Jose María Yazpik.

La película es una producción de Nostromo Pictures, con Nuria Valls como productora ejecutiva junto a Adrián Guerra, que ejerce de productor. El guion corre a cargo de Ángel Agudo.

A continuación, tenéis el tráiler y el teaser poster de la película que llegará el próximo 31 de octubre a nuestras pantallas.

 

Sinopsis

En ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’, una extraña enfermedad similar a la rabia empieza a extenderse sin freno por todo el planeta, transformando a la gente en criaturas extremadamente agresivas. Pero Manel (Francisco Ortiz) lleva tiempo viviendo su propio apocalipsis; aún no ha superado la pérdida de su mujer en un accidente, y lleva un año deprimido y aislado de su familia, con Lúculo, su gato, como única compañía. Cuando la enfermedad cobra aún más fuerza, su hermana insiste en que deje Vigo y se reúna con ella en Canarias, pero el plan fracasa. Manel tiene que parapetarse en su casa, recurriendo a su ingenio y habilidades para sobrevivir. Sin embargo, él y Lúculo pronto se ven empujados a salir, y se irán encontrando, por tierra y por mar, con compañeros de viaje improbables pero esenciales. ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’ es la historia de un duelo, de un viaje de supervivencia, tanto físico como emocional, con acción, tensión, infectados rabiosos, un poco de sangre… y un malhumorado gato.

Crítica: ‘Descansa en paz’

En qué plataforma ver Descansa en paz

Sinopsis

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En un caluroso día de verano en Oslo, los muertos despiertan misteriosamente, y tres familias se ven sumidas en el caos cuando sus seres queridos fallecidos vuelven a ellos. ¿Quiénes son y qué quieren?

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Crítica

Los zombies tienen más sangre que los vivos en este filme contemplativo

Tenía una pequeña expectativa con ‘Descansa en paz’ pues en ella se reúnen títulos como ‘La peor persona del mundo’ y ‘Déjame entrar’, ya que trabajan en este estreno los actores Renate Reinsve y Anders Danielsen Lie y el guionista John Ajvide Lindqvist respectivamente. También porque la sinopsis nos prometía una historia de zombies diferente, atípica, como igual de extraño es el vivir un día caluroso en Noruega. Pero por tras salir de la proyección me quedo como el resto de espectadores que comentaban a la salida, con la sensación de haber estado viendo muchas escenas que cuentan poco y nos dejan con una enorme sensación de vacío.

Reconozco que identifico que la película de Thea Hvistendahl trata sobre el vacío que dejan aquellos que pasan a mejor vida, eso es algo que está en la superficie, que se remarca reiteradamente en todos los arcos que tiene el filme. Pero la fútil sensación con la que abandonamos el cine se debe a que no se detecta ningún otro argumento o desarrollo. ‘Descansa en paz’ es una película contemplativa y dramática que intenta explorar complejidades del género de los muertos vivientes a través de una lente íntima. Sin embargo, a pesar de su fuerza dramática, la película tiene problemas de coherencia narrativa y enfoque temático.

Uno de los principales problemas de la obra reside en el desarrollo de la trama. A menudo, la narración parece excesivamente errática repleta de escenas con una parsimonia tal que parece que los zombies tienen más sangre que los vivos. Esta falta de claridad puede hacer que los espectadores se sientan confusos y desconectados de los acontecimientos de la película, lo que dificulta la implicación total con los personajes y su viaje.

A las incoherencias narrativas de la película se suman sus ambigüedades temáticas. No está claro si ‘Descansa en paz’ pretende explorar temas como el trauma, la superación de la pérdida o el proceso de superación. Esta falta de claridad temática da lugar a momentos contradictorios a lo largo de la cinta, lo que enturbia aún más su mensaje general y su impacto. Cuando parece que nos están exponiendo escenas que nos hablan del trauma o de una especie de terror psicológico aparecen elementos que rectifican el género o contradicen las sensaciones de los protagonistas.

Sin duda Thea Hvistendahl tiene el mérito de conseguir una atmósfera triste y plomiza. Durante unos instantes intriga ya que siempre es enigmático desarrollar una trama en la que los muertos salen de sus tumbas. Pero ese suspense se convierte en confusión a medida que las secuencias consisten solo en fustigar a los personajes con sus penas y en plantear situaciones donde los diálogos brillan por su ausencia y las acciones no muestran progreso alguno. Quizá la novela de John Ajvide Lindqvist en la que se basa es más eficiente a la hora de explicar sus argumentos.

La muerte y la tragedia están presentes desde el principio en ‘Descansa en paz’ y ni con ello son capaces de ser visualmente cautivadores. Si que se crea un estilo propio y un ambiente enrarecido, generado puntualmente por algunos ruidos o interferencias para las que tampoco encontramos explicación. Son instantes que o bien se acotan a vertientes modernistas o bien a detalles tan excesivamente personales que solo entiende el equipo del filme. No es que uno esperase un espectáculo de sangre, al contrario, con una exploración sugerente o sustanciosa me habrían agradado más. Pero ni lo uno ni lo otro. Permitidme el spoiler, pero si esperáis una película de zombies mordiendo a gente… ved solo los últimos cinco minutos.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de junio de 2024. Título original: Håndtering av udøde. Duración: 97 min. País: Noruega, Suecia, Grecia. Dirección: Thea Hvistendahl. Guion: Thea Hvistendahl, John Ajvide Lindqvist. Música: Peter Raeburn. Fotografía: Pål Ulvik Rokseth. Reparto principal: Renate Reinsve, Anders Danielsen Lie, Bjørn Sundquist, Bente Børsum, Bahar Pars, Inesa Dauksta. Producción: Anonymous Content Nordic, Einar Film, Filmiki Etaria, Zentropa International Sweden. Distribución: Avalon. Género: drama, fantástico. Web oficial: https://avalon.me/peliculas/descansa-en-paz/

Diario del Sombra Madrid 2024. 14 de marzo

Día de películas angustiosas

La mañana (y parte e la noche) del segundo día de Sombra Madrid hay que calificarla de angustiosa pues hemos visto el corto ‘Angustias’ de Aída Cordero y la más que angustiosa película ‘La mesita del comedor’ de Caye Casas, la cual, ha causado sensación allí por donde ha pasado y no podía faltar en este festival. Las proyecciones han tenido lugar en el mismo salón de la Facultad de Ciencias de la Información de la UCM donde arrancó el festival.

Simultáneamente en FNAC Callao ha tenido lugar la charla titulada Laboratorios de Creación y Desarrollo: Guía de Supervivencia. Elena Muñoz y Óscar Martín, artífices de ‘Amigo’, han trasladado sus experiencias vividas de primera mano sobre el mundo de la producción, financiación y estrenos cinematográficos.

Por la tarde nos hemos repartido entre la Sala Berlanga de la SGAE y los mk2 Cines Paz para ver las propuestas, nuevas y rescatadas del recuerdo, que tenía la programación reservada para nosotros. El final el día ha sido similar al de la mañana, tenso y angustioso por lo bien planteada que está la película coreana ‘Sleep’.

‘Angustias’ (cortometraje)

Comedia negra llena de vampirismo. Humor macabro made in spain con sorna y guiños hacia todo aquello que rodea a los chupasanges. Aída Cordero Domínguez dirige este divertido cortometraje que tiene sabor a fantaterror y a las ‘Historias para no dormir’. ¿Lo mejor? Cómo juega con las sombras y su carácter burlesco.

Comentado por Furanu.

‘La mesita el comedor’ (crítica completa)

El director Caye Casas nos ha hecho pasar los mejores peores momentos en una sala de cine de los últimos años con ‘La mesita del comedor’. Este filme más que una película es una experiencia pues su repercusión en el espectador es demoledora, transmite una tremenda angustia. Se rodó en diez días y tiene ya casi una treintena de premios internacionales, eso debería indicarle a los académicos y miembros de la industria que se están dejando pasar una joya de nuestro cine.

Nos lleva a conocer a una pareja en la que él, interpretado por David Pareja, toma una decisión que se tornará en la peor de su vida. Es una obra que nos habla de cómo en un abrir y cerrar de ojos la vida puede convertirse en una pesadilla. Su relato no necesita elementos fantásticos ni toques de terror ya que está revestido de una cotidianidad y pertenece a una crónica de sucesos que nos llama a la puerta con una crudeza tremendamente real. Gran trabajo de guión y grandísimas interpretaciones de Pareja, Estefanía de los Santos y Josep Riera.

Si pensabas que estabas insensibilizado tras años y años de ver películas gore, de vivir todo tipo de giros de guión o de ver violencia en los telediarios yo te digo que te atrevas con esto pues quizá dentro de ti aún seas muy impresionable. Hay que emplear el término arriesgado pero eso no quiere decir que sea una película malsana, que podría confundirse sobre todo por mezclar drama, tragedia y comedia negra.

Comentado por Furanu.

‘Tenebre’

Para muchos esta es realmente la mejor película de Darío Argento. Yo sigo prefiriendo ‘Suspiria’, ‘Phenomena’, ‘Rojo oscuro’ o incluso ‘Los ojos del diablo’. Aún así esta película se puede meter dentro del mismo saco que todas aquellas que sentaron cátedra y fueron precursoras de géneros como el slasher. Un clásico entre los títulos del giallo que se centra más que nunca en la historia y menos que de costumbre en resaltar los artificios estéticos del género.

Novelesca y detectivesca. La historia de ‘Tenebre’ nos mantiene en suspense como las mejores novelas policiales o las series de investigadores más intrincadas. El guión no es parco en giros y resulta tan sugerente como la música, como no, obra de Simonetti y los Goblin.

Comentado por Furanu.

‘The Uncle’

Una familia se prepara para recibir a un tío que viene desde Alemania para celebrar la Navidad. Un familiar al que aman, temen y respetan por igual. La situación que viven es asfixiante y el ambiente está enrarecido, más aún cuando experimentamos un anacronismo que nos introduce smartphones en un ambiente ochenteno, más propio de la época de los últimos coletazos de la URSS que de la era postpandemia. Los nervios y la tensión por tener todo perfecto pasan a convertirse en una fiesta teñida de rojo sangre. Bien podría ser esta una metáfora de la tensión que vivían los ciudadanos contra un régimen que se supone que existía para ellos pero les tenía sofocados entre tanta norma. Y es que la relación tóxica y patriarcal es tan extraña que vive esta familia yugoslava tenía que explotar en algún momento. Y lo hace por motivos evidentes pues la rutina navideña de esta familia es peor que el día de la marmota.

Seguir la senda de directores controvertidos como Haneke o Lanthimos ni es fácil ni está exento de riesgo. La dupla formada por David Kapac y Andrija Mardesic ha orquestado una película incómoda y con una narrativa peculiar, quizá habría que decir que muy dirigida al público de su cultura. Un filme con personajes fríos pero no exento de algo de comedia, de la extraña también hay que decir. Este es un filme en el que se percibe cierta intencionalidad y va más allá de lo meramente recreativo, pero le falta universalidad.

Comentado por Furanu.

‘We are zombies’

Los directores de ‘Turbo kid’ y ‘Verano del 84’, regresan con esta divertida película de zombies. En un mundo en el que humanos y no muertos conviven, unos estafadores tendrán que luchar para salvar a su abuela de una gran corporación que intenta mancillar el nombre de los zombies.

Con una idea muy buena, seguimos a nuestros tres protagonistas en esta aventura en la que los zombies son un colectivo pacífico y vulnerable. Algunos humanos luchan por su integración social. La Madre Teresa, prostitutas, cocineros, todos ellos zombies que intentan vivir su vida lo más normal posible.

El maquillaje es de lo mejor que he visto en mucho tiempo y algunos zombies tuneados parecen sacados de nuestras peores pesadillas, aun siendo buena gente.

‘We are zombies’ sorprende en un género muy explotado y eso es algo bueno en un mundo con pocas ideas originales. Ojalá que estos chicos sigan haciendo películas y no se les terminen sus maravillosas ideas. Y que estrenen pronto la película para que la podáis ver, pues la lleva A Contracorriente.

Comentado por Vicky Carras.

‘Sleep’

Un joven matrimonio a punto de ser padres, comienza a ver dañada su estabilidad por culpa de los hábitos de sueño del marido. Poco a poco vamos viendo como el pobre hombre comienza a tener un comportamiento bastante peligroso para toda la familia.

Decir que me ha gustado, es poco. Me ha mantenido en tensión desde el primer momento y logra que ese nerviosismo no se te vaya durante los 95 minutos de duración de la cinta.

‘Sleep’ nos muestra los peligros de no dormir y de las obsesione y pesadillas que se pueden crear a partir del poco descanso.

La película está muy bien rodada, utilizando una pequeña casa como una protagonista más, creando una localización bastante claustrofóbica y tenebrosa en un lugar que debería ser el sitio más seguro del mundo para una familia.

Comentado por Vicky Carras.

Tráiler de la segunda temporada de ‘¿Qué pasaría si…?’

Estreno el 22 de diciembre

Estas Navidades nos regalarán una nueva temporada de ‘¿Qué pasaría si…?’ o ‘What if…?’ en su versión original. La serie animada que nos muestra universos alternativos para los personajes de Marvel y nos pone los dientes largos con posibilidades para futuras películas volverá el 22 de diciembre a Disney+.

El Vigilante será de nuevo nuestro guía durante la segunda temporada de ‘¿Qué pasaría si…?’. Esta temporada contará de nuevo con un reparto de voces aportadas por actores famosos y personajes tan conocidos como Nebula, Hela y Happy Hogan. Bryan Andrews dirige los episodios y AB Bradley es el guionista principal. Andrews y Bradley son además productores ejecutivos.

Carreras, batallas, esgrima, regresos, nuevas incorporaciones… y hasta un episodio navideño. Como podréis comprobar con el tráiler nos esperan episodios de lo más locos.

Diario de Sitges 2023. 7 de octubre

’30 monedas’ y la gran oleada zombie de Sitges los grandes protagonistas del día de hoy

Hoy ha sido la noche en la que los zombies acechan Sitges y salen a desfilar como uno más en la ciudad. También ha sido el día en el que Álex de la Iglesia nos ha vuelto a traer sus ’30 monedas’, en esta segunda temporada que pronto llegará a nuestras pantallas. Y también hemos podido ver ‘Moscas’, dirigido por Aritz Moreno y protagonizado por Ernesto Alterio, de la película ya os hablamos ayer en nuestro diario (aquí tenéis el enlace).

Pero como siempre, hemos tenido muchas más estrellas en Sitges. Mary Lambert, Gareth Evans, Cosimo Fusco, Miguel Ángel Silvestre, Macarena Gómez o Anna Zlokovic, han sido algunas caras que han pasado por la alfombra roja.

Además, hoy también se han dado los Premios SGAE Nueva Autoría que pertenecen al Sitges Festival, aquí os dejamos los ganadores.

El Premio SGAE Nueva Autoría a la Mejor Dirección-Realización ha sido para Mikel Garrido, director y guionista del cortometraje ‘Tenemos Patria’, presentado por la ESCAC.

Karen Joaquín, directora y guionista del cortometraje ‘O que me parta un rayo’, presentado por la ECIB, ha obtenido el Premio SGAE Nueva Autoría al Mejor Guion. Este corto también ha recibido una mención especial “por la excelente interpretación de las dos chicas protagonistas y por la mirada única de la directora, que ha sabido cautivar a los miembros del jurado Nueva Autoría 2023”.

El Premio SGAE Nueva Autoría a la Mejor Música Original, ha sido para Márcio Echevarria, autor de la banda sonora ‘The Son Thief’, presentado por el IDEM Barcelona.

Os dejamos con nuestras críticas de hoy a continuación.

‘Winnie the Pooh: miel y sangre’

El cuento infantil del osito Winnie the Pooh se convierte en una historia macabra. Como en ‘Hook (El Capitán Garfio)’ un niño abandona su mundo de juegos y fantasía para vivir su vida de adulto. Pero este Christopher Robin no recibe precisamente la visita de Campanilla. Tampoco acuden en su ayuda sus peluches como en la versión de Ewan McGregor. En su lugar se encuentra con una criatura que ha crecido sola y ha tenido que hacer abominaciones o simplemente seguir el curso de la naturaleza para sobrevivir. El adorable osito que se pirra por la miel se ha convertido en un robusto asesino con pinta de redneck y ansia de sangre.

Divertida premisa para una película que solo podía funcionar dentro de la Serie B y para un público como el de Sitges. El tarro de miel rebosa sangre pero por desgracia no explota bien la broma y la película se precipita en un festival de muertes ridículas y peores actuaciones. No se le puede llamar comedia involuntaria porque dudo que esta película esté hecha en serio, pero le falta ser más autoconsciente. Vale que en estos filmes slasher no suele haber mucho estudio de personajes, pero por lo menos se habría agradecido una motivación más plausible para el grupo de amigas protagonistas que no son más que otro cliché. No sé si es porque actúan mal o porque los personajes no demuestran tener muchas neuronas, pero estás deseando todo el rato que el villano tenga éxito. Lástima que cuando lo tiene no hay sorpresa o talento con la cámara, tampoco extraña viendo el guión tan ridículo que han escrito/roodado. La idea que dio luz a este proyecto es buena, sin embargo más allá de eso no hay nada destacable por encima de cualquier otra producción tipo Asylum. A los de ‘Mad Heidi’ les salió mejor eso de reventar un mito de nuestra infancia.

Comentado por Furanu.

‘Moon Garden’

Ryan Stevens Harris nos trae una cinta bastante turbia en la que una niña después de un accidente casero queda en coma y vive en una pesadilla terrible en la que debe seguir la voz de su madre para poder salir de allí y despertar.

‘Moon garden’ es una película llena de pesadillas. Rodada con una película de 35 mm caducada, algo que le da un toque siniestro a todo el mundo que ve la niña. Aparte que los efectos especiales son tradicionales, algo que hace todo más real. El maquillaje es genial y la creación de las criaturas me parece de lo mejor del film. Es una cinta, que da verdadero mal rollo. Además que la historia que hay detrás del accidente de la niña da mucha pena. No os lo cuento porque sería spoiler. Y la verdad que ‘Moon garden’ merece ser vista, al menos por todo el tema estético de la cinta.

No se si se estrenará en salas de cine, pero al verdad que el trabajo de Ryan Stevens Harris, merece ser visto en pantalla grande. Se nota que han trabajado mucho todo el tema artístico mucho y vemos sufrir a la niña un montón. Haven Lee Harris, está maravillosa en la película y me encanta ver en las escenas de los créditos, como la han cuidado. Porque realmente sufres con ella, al ser tan pequeña lo bien que trabaja.

Comentado por Vicky Carras.

‘Brooklyn 45’

Ted Geoghean sigue enciscado con el más allá. Tras títulos como ‘Satanic Panic’, ‘Todavía estamos aquí’ o ‘The Disco Exorcist’ nos traslada a una nueva historia de fantasmas y sangre ambientada esta vez en 1945, en las Navidades de ese año. Mucho sabor a veterano de la Segunda Guerra Mundial y poco navideño pues un grupo de excombatientes y amigos de toda la vida se reúnen para consolar a uno de sus compañeros de armas, recientemente enviudado y empeñado en llevar a cabo una sesión de espiritismo.

La filmografía de este director está repleta de demonios y en este caso lo está por partida doble. La sesión consigue su objetivo pero se les va de las manos y ello hace que los fantasmas del pasado acechen a los protagonistas. Se palpa la tensión, los secretos y los traumas reprimidos desde el primer minuto y eso es lo que va explotando la película según progresa y según se alcanza el clímax sobrenatural. Un flirteo con el otro lado que podría haber sido algo lovecraftiano o un tonteo de adolescentes como el de ‘Verónica’. Objeto personal, no cerrar el círculo, golpes en las paredes, la puerta se ha quedado abierta… Todo son elementos que nos suenan y están requeteutilizados. El guión nos hace pensar que esta va a ser la típica sesión que se malogra, pero se reserva unas cuantas sorpresas para el público de Sitges que hacen que ‘Brooklyn 45’ sea fresca y original.

Comentado por Furanu.

‘Un millón de zombies: la historia de la plaga zombie’

Cuatro amigos, acostumbrados a rodar cortos desde niños, deciden hacer una película de zombies, así fue como nació ‘Plaga Zombie’. ‘Acción Mutante’ o ‘Bad Taste’ son películas que animaron a estos chicos a realizar la película que les gustaría ver. Nos van contando como ellos solos hicieron todo, dirección, guion, actuación o montaje. Y lo más difícil y por lo que hemos visto, unos efectos especiales bastante currados.

Vamos viendo como consiguieron el dinero para poder hacer la primera tirada en VHS y poder meterla en un videoclub para darla a conocer. Además del gran éxito que tuvo y como se atrevieron hacer una segunda parte. Y de ahí a un pequeño negocio con su productora. Esto ya se convirtió en algo más serio y les pesó bastante en su grupo de amigos. Entre alguna situación que tuvieron que pasar, fue por terapia de grupo.

El documental, uno de tantos que se proyectan en este Sitges 2023, aunque al final se va un poco por las ramas, es bastante curioso y además vemos como con ilusión se logran muchas cosas. Y con ese ímpetu y esa pasión sentaron un precedente en Argentina.

Comentado por Vicky Carras.

Hay intención de tercera entrega con ’28 años después’

Danny Boyle y Alex Garland declaran que les gustaría cerrar con trilogía

La película origen de esta saga es considerada una de las mejores historias de zombies de la historia. ’28 días después’ nos dejó boquiabiertos con su concepto de infectados rabiosos. La dupla Danny Boyle y Alex Garland resultó ser muy efectiva y fresca para el género. Cinco años después llegó su secuela con producción española, dirección de Juan Carlos Fresnadillo y una escena de apertura para quitarse el sombrero. Ahora, veintiún años después del estallido zombie londinense, se ha anunciado que podría haber intención de producir ’28 años después’.

Gracias a una entrevista publicada en Inverse hemos podido saber de la intención de los cineastas originales de rodar una tercera parte. Y puede que todo transcurra bastante al margen de ’28 meses después’ ya que Garland ha declarado que hay algunas cosas de esa secuela que no le gustaron. Quizá ese desencuentro con la segunda parte sea debido a las extensas reescrituras del guión o a que Alex Garland ya tenía algunas ideas para la tercera entrega que entraban en conflicto con lo ya estrenado. Pese a eso Boyle está de acuerdo con la idea de la continuación.

Aún está la cosa en el aire hasta el punto de no saber quién podría dirigirla. «Si no quiere dirigirla él mismo, estaré encantado de hacerlo si podemos llevar a cabo una idea igual de buena» ha dicho Boyle. Ambos directores han estado muy ocupados con películas como ‘Sunshine’, ‘Men’, ‘Ex Machina’, ‘Trainspotting 2’ o ‘Yesterday’. A ver si ahora sincronizan agendas y nos devuelven a uno de los mejores escenarios zombies de la historia del cine.