‘El mal no existe’, del director de ‘Drive my car’
La nueva película del multipremiado cineasta japonés Ryûsuke Hamaguchi, ‘El mal no existe’, llegará a los cines el próximo 1 de mayo gracias a la distribución de Caramel Films. Hamaguchi es el autor de ‘Drive my car’, ‘La ruleta de la fortuna y la fantasía’. Esta última película fue premiada con el León de Plata – Gran Premio del Jurado en la última edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, donde también se hizo con el FIPRESCI.
‘El mal no existe’ también fue premiada en el pasado Festival de Londres (BFI London Film Festival) como mejor película. Este hipnótico, delicado e impredecible prodigio cinematográfico obtuvo además el Premio Lurra de Greenpeace dentro de la sección PERLAK del Festival de San Sebastián. Un galardón obtenido por los valores, el respeto y el conocimiento del medio natural que la película transmite desde la gran pantalla a través del conflicto que una comunidad afronta cuando ve amenazado su entorno por un modelo en el que prima el beneficio sobre el equilibrio.
‘El mal no existe’ está protagonizada por Hitoshi Omika, Ryo Nishikawa, Ryuji Kosaka, Ayaka Shibutani y Hazuki Kikuchi.
Sinopsis oficial:
Takumi y su hija, Hana, viven en un pueblo cercano a Tokyo. Su vida se verá profundamente afectada cuando descubren que cerca de su casa se va a construir un glamouroso camping para que los habitantes de la ciudad hagan escapadas cómodas a la naturaleza.
Cuando la directora de vídeos para internet Hiroko Kurasawa visita la casa de su antiguo colega Naoto Ihara, quien ha perdido a su esposa, ve a su hijo Haruto recitando un extraño hechizo en dirección a un montículo de tierra en su jardín. Un encantamiento misterioso, la cola de un lagarto, un dedo, una sombra pálida, un montón de tierra ondulante y una casa sellada… Alrededor de Hiroko comienzan a producirse fenómenos extraños y lo que comenzó como el deseo inocente de un niño se convierte en una maldad desatada.
Crítica
Con mucho más de dorama que de J-Horror
Nos reencontramos con el director japonés Hideo Nakata pero no con el terror que le hizo tan famoso con ‘The Ring’ y sus secuelas y remakes. ‘Juego prohibido’ es una película que intenta recuperar los elementos del J-Horror de principios de siglo pero que se queda en agua de borrajas a la hora de actualizarse. Ya de entrada la pigmentación del arranque de la película dista de lo tétrico y está repleta de color y una bella imagen que parece una foto con efecto Orton. Y es que los primeros quince minutos si son inquietantes y trágicos, pero luego la trama sigue uno derroteros que no nos imbuyen terror.
Una lagartija que crece a partir de su cola, un accidente, la sombra de una amante, una reanimación milagrosa, inquietantes llamadas distorsionadas… El guión dispone algunos misterios que se van intercalando con una trama que bien podría ser la de un dramón de los de sobremesa de domingo que además va acompañado de algún que otro momento cómico. ‘Juego prohibido’ es en su mayoría un culebrón paranormal que si solo hiciese uso de la imagen arquetípica de los fantasmas japoneses podría haber sido un sencillo divertimento terrorífico. Pero hay algo que nos aterra, los momentos ridículos y algunos detalles estéticos.
La trama es tan desconcertante como absurda. Al principio o si nos quedamos solo con los elementos más desconcertantes, podríamos llegar a pensar incluso que Nakata se ha contagiado de las imaginativas historias de Junji Ito. Sin embargo, a parte de una historia de corazones rotos a veces esto parece más la adaptación de un anime juvenil de tintes fantasiosos, más propia de Takashi Miike (momento Uri Geller incluido). La tarma de los cazademonios a lo ‘JujutsuKaisen’ se sale completamente del tono terrorífico que parecía que buscaba el director. Ni los momentos de comedia, ni tampoco el maquillaje del fantasma nos permiten sentirnos en una verdadera historia de terror. ‘Juego prohibido’ parece un dorama que surge de la novela de Shimizu Karma y su título hace alusión a un triángulo amoroso y a un flirteo con el más allá, de esos nada aconsejables porque evidentemente te van a traer problemas. La idea está bien, pero ni es nada novedosa ni está embadurnada de los artificios correctos.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de octubre de 2023. Título original: Kinjirareta asobi. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Hideo Nakata. Guion: Noriaki Sugihara. Reparto principal: Kanna Hashimoto, Daiki Shigeoka, Mayu Hotta, Yuki Kura. Producción: Dub, Toei Company. Distribución: Selecta Visión. Género: suspense, terror. Web oficial:https://kinjirareta-asobi.jp/index.html
El cine oriental y la vuelta de ‘The Toxic Avenger’ nos han arropado en el día de hoy
Estamos llegando al final del Festival De la 56ª edición de Sitges. Hoy se ha realizado la entrega de premios a LeeUnkrich, Premio Màquina del Temps y el último Gran Premio Honorífico para el gran Phil Tippett, que, con un extenso texto de agradecimiento, nos dio un masterclass antes del visionado de ‘Toxic Avenger’.
También tuvimos el honor de estar en la presencia de TakashiMiike, siempre agradecido de estar en Sitges y este año además ha traído la premiere mundial de ‘Lumberjack the monster’ su última película protagonizada pro KazuyaKamenashi, quien también estuvo con nosotros. Además de que quisieron hacerse una fotografía con todo el público que podéis ver a continuación. Y ya por fin se pusieron las películas que habrá en las maratones del domingo con sus horarios específicos.
Aquí os dejamos todas las críticas de las películas que hemos visto el día de hoy en el Festival de Sitges.
‘The Toxic Avenger’
Llega el remake de ‘El vengador tóxico’ y con ello la vuelta de la Troma a la gran pantalla. Una cinta a la que le falta, como se diría en la Muestra Syfy, mucha mandanga, pero en los momentos en los que hay fatalities, es buenísima; pero hay pocos momentos así. La película se centra mucho en el drama familiar del protagonista y en la destrucción de la tierra por culpa de la contaminación de fábricas.
El maquillaje es tremendo, está muy bien y PeterDinklage como Vengador tóxico está estupendo. La ambientación de la película, es también tremenda, parece sacada directamente del Springfield de Los Simpson.
En líneas generales, ‘Toxic Avenger’ tiene un tono bastante amable, sobre todo conociendo la película predecesora y todas las cintas de la Troma. Y es lo que nos ha dejado a todos un poco fríos. Es una pena, porque la verdad en los momentos excesivos es extrema y es realmente lo que todos queríamos ver, sangre y destrucción por todos lados.
Nos reencontramos con Hideo Nakata en Sitges pero no con el terror que le hizo tan famoso con ‘The Ring’. Ya de entrada la pigmentación del arranque de la película dista de lo tétrico y está repleta de color y una bella imagen que parece una foto con efecto Orton. Y es que los primeros quince minutos si son inquietantes y trágicos, pero luego la trama sigue uno derroteros que no nos imbuyen terror.
Una lagartija que crece a partir de su cola, un accidente, la sombra de una amante, una reanimación milagrosa, inquietantes llamadas distorsionadas… El guión dispone algunos misterios que se van intercalando con una trama que bien podría ser la de un dramón de los de sobremesa de domingo que además va acompañado de algún que otro momento cómico. Culebrón paranormal que si solo hiciese uso de la imagen arquetípica de los fantasmas japoneses podría haber sido un sencillo divertimento terrorífico. Pero hay algo que nos aterra, los momentos ridículos y algunos detalles estéticos.
La trama es tan desconcertante como absurda. Podríamos llegar a pensar incluso que Nakata se ha contagiado de las imaginativas historias de Junji Ito. Sin embargo, a parte de una historia de corazones rotos a veces esto parece más la adaptación de un anime juvenil de tintes fantasiosos, más propia de Takashi Miike (momento Uri Geller incluido). Ni los momentos de comedia, ni siquiera el maquillaje del fantasma nos permiten sentirnos en una verdadera historia de terror. ‘Juego prohibido’ hace alusión a un triángulo amoroso y a un flirteo con el más allá, de esos nada aconsejables porque evidentemente te van a traer problemas. La idea está bien, pero ni es nada novedosa ni está embadurnada de los artificios correctos.
Dividido en capítulos, en el documental de Simone Scafidi vamos conociendo el lado más personal de Dario Argento. Uno de los grandes directores del cine de terror. El propio Argento nos cuenta lo importante que fue para él el trabajo de fotógrafa de su madre, la cual, fotografío a grandes actrices. De ahí aprendió la mirada fuerte de las mujeres y a como contar historias para ellas.
También nos cuentan cómo hizo famosa su cara al salir en la televisión. ‘Dario Argento: pánico’, es un documental enfocado para gente especializada, de esa que no falta en el Festival de Sitges. Yo me he perdido en algunas ocasiones. Conozco al director, pero es cierto que no he visto toda su filmografía. Pero aun así lo he disfrutado mucho.
Un pintoresco cuento contemporáneo que no tiene reparos en mezclar géneros y argumentos. Unos críos intentan jugar a su nueva consola, la cual es robada, y para ello necesitan chantajear a su madre con un pastel de arándanos. En el proceso se sumergen en un road trip cargado de curiosos personajes. Con esa premisa no lo decimos todo pues la película se reserva aún más.
Aventura rodada en 16mm muy setenteros evocando el espíritu de antaño, no solo de hacer cine sino también de aquellos tiempos en los que era concebible jugar sin la necesidad de una pantalla de por medio. Sin darse cuenta de ello estos amigos evocan el espíritu desafiante de Pipi Calzaslargas enfrentándose sin reparos y jugueteando con el mundo adulto. Son unos trastos que cual Link de Zelda tienen una misión que los lleva a otras misiones secundarias escondidas en bosques y tabernas. Es como una aventura gráfica llena de sinvergonzonerías. Lástima que al final no cierre el mensaje que yo por lo menos he extraído y que tenga algunos momentos de bajón por recrearse en los secundarios, a los cuales, tampoco les da excesiva explicación.
Divertida película canadiense, con un humor muy sencillo y que arranca sonrisas durante sus 92 minutos de duración. Sasha no es una vampiresa normal, tiene un trauma desde pequeña que hace que sus colmillos no asomen. En su adolescencia la obligan a marcharse porque intenta alimentarse por sí misma. En sus noches conoce a Paul, un suicida que tiene un plan.
La película trata varios temas de manera un tanto cómica, como el suicidio, las reuniones para intentar no suicidarse y también el bullying. Sasha y Paul parecen sacados de la mente de Tim Burton, son personajes deprimidos, retraídos socialmente y con una ingenuidad que los hace ser dulces y frágiles. La verdad que me lo he pasado muy bien y me ha parecido una película bastante tierna.
Phil Tippet uno de los grandes en el ámbito de los efectos visuales, creó ‘Mad God’ en los años 80, durante mas de 30 años estuvo trabajando en ella, junto a voluntarios que le ayudaron a sacar el trabajo adelante.
‘Mad God’ es una película tenebrosa que ya pasó por el Festival de Sitges y que no dudamos en ver de nuevo. Llena de criaturas que parecen sacadas de pesadillas dantescas en un mundo apocalíptico, lleno de mugre, guerras y seres terribles. Seguimos a un personaje a través de todo este mundo. Realmente no sé qué me ha querido contar, en el Q&A que hemos tenido después del visionado él ha descrito ‘Mad God’ como un viaje de conversión religiosa.
Eso sí, la película me ha parecido tremenda visualmente, el trabajo de stop-motion, creación de criaturas y toda la ambientación es brutal. Además de la dirección. Tiene unos planos muy cuidados.
Del director de ‘El bueno, el malo y el raro’, Jee-woon Kim, llega esta larguísima película. Una obra igual de ágil y cómica en la que nos muestra la obsesión de un director por acabar su nueva película, aquella que intenta que le coloque por fin a la altura de su mentor. Pero la censura y los miedos de la época le frenan. La nostalgia se ha asentado en el cine coreano y volvemos a los setenta, como con ‘Smugglers’. Su industria ha madurado y crecido tanto que les ha llegado el momento de hacer cine sobre hacer cine. Esta película reflexiona sobre el pasado de la industria en el país oriental y a la vez hace un ejercicio de metacine.
Jee-woon se monta su propio ‘Birdman’, su ‘Ave, Cesar!’ en el que pone un circo y le crecen los enanos. Nos sumerge en el frenesí de un rodaje improvisado y casi clandestino. Notas de humor pueblan la película que se va enredando más y más. Doble intriga para el espectador pues hay dos narraciones en marcha, dos finales por resolver que, conociendo como suelen ser estas películas, sabemos que se solucionarán simultáneamente: el del trastabillado rodaje y la historia ficticia para la que hay que rodar un nuevo final. Quizá hay algo de historia personal en todo esto, pero huele a que el director ha querido seguir los pasos de otros filmes de Estados Unidos pero con los detalles de su país. Una manera de hacer un remake sin necesidad de pagar derechos y con la ventaja de la innovación allá en su tierra.
Takashi Miike, el prolífico y adaptable director japonés, vuelve a Sitges con una historia que conserva su sello, pero que exhibe una contención pocas veces vista en su filmografía. Su currículo está repleto de extravagancias y baños hemoglobínicos, que aquí no faltan, pero nos reduce la dosis. Los chorros de sangre van de más a menos y en su lugar nos brinda una trama policial. Es la persecución de un asesino psicópata, de varios de hecho, aunque procura no olvidarse de sus personajes extraños.
La película sigue el juego de duelos entre detectives y sociópatas como el de ‘Death Note’. El villano flirtea con la policía que le pisa los talones, mientras hay otra fuerza enemiga en el tablero. Incluso se plantea un debate similar sobre el castigo a los supuestos enemigos de la sociedad o lo justificado que puede estar el tomarse la justicia por cuenta propia. A la trama le falta la ultraviolencia de Miike pero por el contrario se vuelve muy interesante con el duelo a tres bandos que plantea.
Quizá los actores ejecutan sus papeles con excesivo dramatismo, pero no deja de ser algo propio del cine nipón. Miike ha escogido una buena base para este nuevo filme, la novela de Mayusule Kurai. Además se ha asociado con alguien también muy acostumbrado a adaptar animes o mangas a la acción real como Hiroyoshi Koiwai. Se hecha de menos su sentido del humor pero es un gustazo ver que sigue en forma y descubriendo nuevos talentos como Kazuya Kamenashi que tiene aquí su primer papel protagónico.
El director (Ryo Takebayashi) firma la película como Take C. No se si es un guiño a Takeshi Kitano por sonar parecido pronunciado en inglés o si simplemente hace alusión a la inexperiencia que tiene en el campo del largometraje indicando que no es alguien de sacar el trabajo en una sola toma. Para compensar esa falta de experiencia la película se ambienta en un solo lugar, una oficina, y aunque hace referencia otras muchas películas del mismo subgénero intenta romper la rutina de este tipo de films. Normalmente los bucles temporales en el cine se muestran primero como un día normal y luego empieza la repetitividad. Las víctimas de este día de la marmota arrancan conscientes y hartos de estar enfrascados en la repetitividad, intentando convencer al resto. Es una metáfora obvia sobre la rutina, la sensación de bucle que podemos tener al acudir todas las semanas al mismo lugar de trabajo, con la misma gente y la misma tarea.
Hasta para los japoneses la rutina y la frialdad del trabajo puede ser deprimente. Insospechadamente desde el país nipón nos llega esta obra que aboga por romper la rutina que nos pone un grillete en la oficina y nos anima a mirar más allá de nuestro puesto de trabajo. También por no tener miedo a volar hacia otros proyectos a través de una paloma que se estrella constantemente y la trama de la protagonista que duda en abandonar su puesto. Dotada de muchas pequeñas historias consigue ser un entretenimiento simpático
Ha vuelto el decálogo del humor físico por excelencia
Mi yo de los ochenta y noventa pensaba que ‘La noche de los castillos’ y ‘El Gran Prix’ juntos no llegaban ni a la suela de los zapatos de ‘Humor Amarillo’. Tampoco programas extranjeros y posteriores como ‘Ninja Warrior’, ‘Gladiadores Americanos’ o ‘Wipeout’. Mi yo de 2023 sigue pensando eso con el regreso del programa que ahora conocemos como ‘El Castillo de Takeshi’. Para los nacidos en años posteriores al 2000, es un concurso que no tiene nada que envidiar a ‘El juego del calamar’.
Vuelve el battle royale más famoso de la televisión. El próximo 10 de julio en Prime Video podréis ver los 8 nuevos episodios de ‘El Castillo de Takeshi’. El concurso se presenta en un formato en el que cada dos episodios vemos a una tanda de concursantes intentando superar las pruebas que llevan hasta el gran Takeshi, es decir, dos episodios equivalen a un programa completo. Todo para intentar superar una prueba final atiborrada de leds que se antoja imposible.
No se puede hacer una crítica seria de esto. Es un concurso absurdo, puro caos basado en el humor splatstick y la broma fácil por parte de los narradores. Esta opinión va a estar muy condicionada en función del país desde el que la leas. Y es que la primera vez que se proyectó en España con una pareja de dobladores resultó la mar de divertido. Nunca nos ha preocupado qué dirían de verdad en el programa original ya que los nombres inventados o las voces que ponían ambos presentadores eran un acompañamiento ideal para los topetazos y zambullidas de los participantes que se ponían a merced de Takeshi. Un Takeshi que parece ahora en forma virtual durante toda la temporada, hasta que hace acto de presencia en los últimos episodios.
Las que si que están omnipresentes son algunas de las pruebas clásicas. Regresan Las Zamburguesas (ahora más largas e incluso con persecución), El Laberinto del Chinotauro (que ha cambiado de nombre y ya no están Juanito Calvicie y Paco Peluca), La Seta Asesina, Los cañones de Nakasone, Las Megapuertas del Pánico (con una extensión aún mayor)… Por mucho que se hayan introducido cambios o haya pruebas nuevas este ‘Castillo de Takeshi’ sigue recordando a aquel ‘Humor Amarillo’ en el que perecieron Gacela Thomson, el Chino Cudeiro y compañía. De hecho, hasta se recuperan concursantes de las temporadas originales, muy a lo ‘Saber y Ganar’.
Por supuesto hay hueco para la nueva chavalada e incluso para participantes españoles. En esta primera temporada de ‘El Castillo de Takeshi’ podréis ver a un colchonero gritando “¡al turrón!” antes de ser derribado por una salchicha gigante, un ingeniero que casi llega a la final y una cosplayer que se mete más de una toña.
Por supuesto, además de la retahíla de golpes que vemos la gracia de este concurso está en un doblaje que está más españolizado que series noventeras como ‘Sabrina’ o ‘El Príncipe de Bel-Air’. Con unos locutores muy a lo ‘El Informal’ nos echamos unas risas de las buenas. DaniRovira, Eva Soriano y Jorge Ponce son los “presentadores/dobladores” principales. Aunque yo habría preferido propuestas más profesionales y graciosas como El Korah hay que reconocer que ver el programa con ellos es como estar con unos amigos comentando la jugada y saben sacar jugo a toda la parafernalia que se ha montado en este regreso. No esperaba menos de un producto que nos ha llegado producido por David Broncano (Encofrados Encofrasa).
La pena es que Fernando Costilla y Paco Bravo (locutores clásicos del programa) hayan quedado relegados a un segundo plano haciendo de dos Pepe Livingstone rebautizados como “los Calatrava”. No se las circunstancias en las que se ha gestado esto, pero queda feo porque seguramente será por puro marketing. De todos modos puede que haya sido algo amistoso o de otra índole pues hace mofa del tema.
Realmente el gran fallo con el tema del doblaje es la presencia de Míster Jägger, horrible haciendo las veces del que sería un nuevo General Tani obsesionado con los 90. Al menos tenemos también al original chocheando como si fuese Biden. Y quienes también habrían sido prescindibles son los Venga Monjas. Si yo fuese directivo de Prime Video me daría coraje haberles pagado por unas canciones que dan vergüenza ajena, parecen sacadas de un botellón.
No ha estado nada mal este regreso que incorpora nuevos personajes como Los Autotunos, el recién divorciado, la familia Cudeiro, Espoilerman, el niño de la generación z… Tampoco hay un exceso de modernización y son pocas pero acertadas las incorporaciones de GIFs, memes o animaciones que amenizan las tremendas caídas. Dada la cantidad de pruebas e inversión que se percibe da la impresión de que hay mucho más de lo que hemos podido ver en estos ocho primeros episodios. Ojalá vengan más asaltos al Castillo de Takeshi.
Empiezan los pases de desastrosas películas superheróicas
La versión japonesa de ‘Spider-Man’, una reinvención delirante del famoso personaje, llegará a la pantalla del Cine Paz (C/ Fuencarral 125) de Madrid el próximo 3 de diciembre a las 22:30 horas, en una sesión de “cine cutre” organizada por los responsables del festival internacional CutreCon y la distribuidora Trash-O-Rama.
A finales de los 70, la productora japonesa Toei y la editorial Marvel Comics llegaron a un acuerdo para filmar una nueva serie de acción real basada en Spider-Man, pero con importantes modificaciones para adaptarse a los gustos del público nipón. El resultado fue una “divertidísima locura donde el superhéroe conduce su propio Spidermóvil, su propia Spidermoto e incluso pilota su propio robot gigante, en la línea de ‘Super Sentai‘, la serie que dio origen a los Power Rangers”, explican los organizadores de la proyección, quienes añaden que “el público va a alucinar con esta versión alternativa de Spiderman, muy alejada del concepto original”.
Lo que se proyectará en el Cine Paz de Madrid será un remontaje en formato película de varios episodios de la serie original, en idioma japonés con subtítulos en castellano. Además, los responsables del evento aseguran que habrá algunas sorpresas durante la proyección, así como un pequeño avance de la próxima edición del festival CutreCon, cuya temática serán los superhéroes y que se celebrará a finales de enero de 2023.
Desde la organización explican que, como es habitual en las sesiones que organizan CutreCon y Trash-O-Rama, se permitirá la libre participación y los comentarios del público, para “disfrutar aún más de la película”.
ENTRADAS YA A LA VENTA
Las entradas para la proyección de “Spider-Man Japonés” (1977) el 3 de diciembre a las 22:30 horas en el Cine Paz (C/ Fuencarral 125) de Madrid, ya están a la venta de forma anticipada en la taquilla del recinto y también online a través del siguiente enlace.
CutreCon es el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, un evento anual donde se proyectan “algunas de las peores películas del mundo” y que ya ha celebrado diez exitosas ediciones. La duodécima edición ya ha sido anunciada y tendrá lugar del 25 al 29 de enero.
Trash-O-Rama Distribución es un sello especializado en cine raro y de culto, que rescata y edita algunas de las películas más insólitas del mundo, en ediciones especiales en DVD y Bluray para coleccionistas.
Con tan solo cinco tomos ‘Kaiju 8’ ha vendido más de 7 millones de copias en Japón. Planeta Cómic traerá esta esperadísima publicación en septiembre. El lanzamiento consistirá en la venta de las dos primeras entregas. La historia es una especie de ‘Ataque a los titanes’ con ‘Pacific Rim’.
Naoya Matsumoto es el mangaka autor de esta historia contemporánea en la que leemos cómo Japón tiene la mayor tasa de incidencias por ataques de Kaijus de todo el mundo. Los Kaijus irrumpen continuamente y sin piedad en las vidas cotidianas de la gente. Kafka Hibino, que siempre quiso ser un miembro de las Fuerzas de Defensa, actualmente trabaja como limpiador de cadáveres de Kaijus. Sin embargo, un día, una misteriosa criatura convierte a Kafka en un Kaiju, y las Fuerzas de Defensa de Japón, encargados de derrotar a estos monstruos, le identificaron con el nombre clave de “Kaiju N.8”.
Nos esperan más de doscientas páginas de monstruosas aventuras.
Repasamos todo el festival de cine cutre con Holocausto Zinéfago
El pasado mes de febrero lo clausuramos entre risas y horas de sueño pues nos pasamos casi toda la semana metidos en los cuatro cines que dieron cobijo a la CutreCon XI. Siempre gozamos (y patrocinamos) este evento pues nos parece una de las mejores experiencias cinematográficas que se encuentran actualmente en activo.
En el programa os comentamos todas las películas que vimos (casi todas) y nuestras sensaciones, además de cómo fueron nuestros encuentros con los invitados. Podéis verlo al completo aquí.
Día de copias y monstruos chapuceros. ¡El año que viene superhéroes!
El cierre de la jornada y de CutreCon XI ha tenido lugar con dos maratones. Una centrada en el género kaiju y otra en los dinosaurios, como es tradición haciendo uso del leitmotiv del año. Con una afluencia alta en la sala de cine gozamos de lo más bizarro de ambos géneros. Y por si fuese poco cuatro de los asistentes se fueron con un extra, unos regalos que otorgamos Moviementarios y que podéis ver aquí.
La organización ha velado, por suerte o de manera premeditada, que las películas de la Dinotón tuviesen una conexión en el final de la última que se ha proyectado, de un modo que… tenéis que venir a CutreCon para vivir estas cosas.
¿Se ha desvelado el leitmotiv festival para el año que viene? ¡Si! ¡Superhéroes!
Estas fueron las últimas películas de CutreCon XI, una edición que repasaremos próximamente en un especial junto a Holocausto Zinéfago.
‘Kaijuton’
No ha sido una película sino muchas. Y series, trailers, spots… la organización del festival junto a Trash-O-Rama ha realizado una selección de material exclusivamente de kaijus. Hasta tres horas con canciones, peleas de señores disfrazados de monstruos, ciudades de forespan y cartón, planetas recreados con bolas de Navidad, secuencias hechas con juguetes, sobreactuaciones…
Trozos de películas que incluyen ataques de monstruos peludos como Gahera, héroes mecha como Spectreman, y por supuesto míticos como Gamera o Godzilla. Muy al estilo de la antología Tetsudón de la edición IX celebrada en 2020.
Un dinosaurio mágico recorre miles de desventuras cuando unos extraterrestres le roban un cristal que custodiaba. Es miedoso y lo único que quiere es divertirse y nadie le deja en paz. Con patines, bici y lo que haga falta, va escapando de las infinitas adversidades que se le ponen por delante.
Una sesión un tanto complicada, con un dinosaurio que no hace más que chillar y con una voz aguda que se te queda metida en la cabeza.
Del director Sompote Sands, del cual ya vimos ‘Cocodrilo’ en otra de las ediciones de CutreCon, toma hasta los mismos decorados para rodar esta cinta.
Lo mejor sin duda el disfraz del dinosaurio y el baile que se marca con uno de los que le quiere matar.
La tripulación de una nave espacial se estrella en un planeta repleto de dinosaurios. Vestidos como si fuesen una versión setentera de los ‘Power Rangers’ o los ‘4 fantásticos’. Aunque sus trajes cumplen más la función de los de ‘Star Trek’, determinar la labor de cada uno en la misión. Ray Harryhausen visitó el rodaje de la película y accedió a que una de sus criaturas de ‘El monstruo de tiempos remotos’ apareciese en el filme. Es lo único reseñable de la película.
Una cinta que ha llenado de nuevo la CutreCon de dinosaurios y de mostachos. Se escribió un papel tan vejatorio para las mujeres del reparto que con las torpezas que hacen son más causantes de la desgracia de los protagonistas que los dinosaurios que les acechan: se les olvida la radio para el SOS, mojan armas estropeándolas, dejan caer la comida por un acantilado… La trama avanza torpe y sin progresión.
Cuando una criatura caníbal aparece con un collar de diamantes, la hija del doctor Chambers, Denae, contrata a unos aventureros de rescate para encontrar de donde salen esos diamantes.
Copiando escenas de ‘El Planeta de los Dinosaurios’ nos llevan al centro de la tierra.
Persecuciones, intentos de cocina por parte de los caníbales, vemos también el vehículo que se utilizó en La fuga de ‘Logan’ y el robot es de ‘Planeta prohibido’ que además como curiosidad, aparece acreditado en un montón de películas.
Dirigida por Fred Olen Ray y con caras conocidas en el reparto (como la de Jeffrey Combs), en la película vemos un montón se sucesos sin sentido, pero con lo que me quedo, es el recuerdo de Futurama.
Con escasos medios para ser 1997, en vhs y con la marca del tracking desajustado apareciendo de vez en cuando. Hemos visto una copia que solo era para visionados autorizados y no difusión. Jeffrey Combs repite en esta cinta vestido parecido a su personaje en ‘Re-Animator’. Alarmantemente la película tiene menos calidad que ‘Re-Animator’ y ‘The phantom empire’. Y conecta con ‘Planet of dinosaurs’ al irse a la era prehistorica, vestir a los protagonistas con la misma ropa y también reciclar sus escenas de dinosaurios, pero a lo bestia.
Los autores de este filme lo quisieron lanzar en VHS pero pronto renegaron de ella. Igual que los creadores de ‘El planeta de los dinosaurios’, por eso quedó libre de derechos. Toda la película es una especie de remake que recicla imágenes de la antigua para crear otra historia. Los hay que se aburren mucho o tienen pretensiones muy descaradas.
Hoy ha sido el día en el que hemos podido estar en petit comite con los dos invitados de este año. Podréis leer su entrevista en el próximo libro de Pako Mulero o conocer más detalles en el vídeo en directo que haremos centrado en la CutreCon XI, como solemos hacer cada año. El centro de atención ha sido Sergio Martino que ha proyectado ‘Destroyer brazo de acero’ y recibido el premio Applehead Team Sah-Di-A. El director recibió el premio de manos de PacoPlaza.
JD Shapiro hizo entrega del premio del público. Un premio que ha sido votado por el público durante las dos últimas jornadas tras ver los trabajos enviados a la organización del festival. Fue la película mallorquina ‘Jostissi de Carreró’ la que se alzó con la primera estatuilla de la Sección Oficial en la historia de CutreCon. Una película muy loca, autofinanciada y con Masters del Universo.
Más adelante descubriréis una razón más para decir que este ha sido el día de los Pacos. Y además de habernos quedado en unas tres películas sin terminar, con finales inconclusos, hemos vuelto a conectar con nuestro niño, nuestro inconsciente niño, pues hemos visto de nuevo ‘Power Rangers: La película’. Y la cosa terminó a altas horas de la madrugada con la película hindú de esta edición que hizo que el público se pusiese de pie.
‘Future War’
Los amantes de la animatrónica jamás podrán defender un filme como este. Ni nadie podrá defender nunca a aquellos que caen en las garras de tan torpes dinosaurios. En ‘Future war’ unos ciborgs han abducido a humanos y dinosaurios, a los primeros para someterlos y a los segundos para usarlos de rastreadores.
Dinosaurios que explotan persiguen a un pobre imitador de Van Damme (que mira que ya es triste de por sí) que se parece a Pablo Puyol y que ha sido rescatado por una joven monja fumadora con dudas vocacionales. Es una aburridísima persecución sin continuidad alguna que solo se ha animado en presencia de las cajas, si, de cajas. Si en la eterna cuenta atrás del final hubiese habido cajas otro gallo habría cantado.
La visión de los dinosaurios es en rojo a lo Terminator, de fondo se oye un tamborileo a lo Terminator… está claro el referente. Para los seguidores de la CutreCon la sorpresa es la presencia de uno de los villanos de ‘Samurai Cop’.
Otra de las películas que no han defraudado ha sido ‘Destroyer. Brazo de acero’, película dirigida por Sergio Martino, el cual nos hizo una pequeña presentación. Paco Queruak, un ciborg que solo tiene un cometido, asesinar. Pero sus programadores no contaban con que Paco tiene sentimientos y escapa a su destino. Enamorándose de la dueña de un motel comienzan a perseguirle e intentar asesinarle.
Acción a raudales, peleas increíbles a lo ‘Blade Runner’ y escenas sacadas de ‘Terminator’ o cualquier película de los 80’, la película tiene intrépidas persecuciones con helicópteros y camiones. Un disfrute para los amantes del cine de acción y también de las cintas creadas con poco presupuesto.
Paródica sin duda. Todos los tópicos del cine de acción en esta película que imita los villanos latinos, el héroe de frases lapidarias o sarcásticas, las mujeres objeto, los secuaces sin nombre… Con tono de comedia y amor por la acción el asturiano EduardoCastejón reparte hostias como cachopos.
Esta serie presentada con sus primeros episodios montados como una película nos habla de Latimer Justicia, un detective que busca vengar a su hermano. Para narrar esta historia tira de frases típicas de esas películas llenas de testosterona y tiros, pero también de Pimpinela. Y para más inri se hace mofa y se saca provecho del parecido del responsable del filme con Keanu Reeves.
Una obra con aire de after hours barato y desguace despreocupada por la calidad del sonido de doblaje, el etalonaje, los acentos mal imitados, el barco metido en la piscina… pero sobre todo por su montaje que se presenta confuso y caótico. Es consciente de su carácter cómico y de ahí que hasta coja la música de títulos hollywoodienses como ‘007’, ‘Rocky’… Aunque la calidad es la que es, se reconoce el mérito de sacarla adelante y se agradece su sinceridad o sus ganas de divertir.
Bryan Spicer fue el encargado de llevar al cine la cinta de ‘Power Rangers: la película’, continuación directa de la serie. Y que queréis que os diga, la recordaba mucho peor. Sí, el ambiente CutreCon ayuda en este tipo de visionados. Qué deciros, el malvado Ivan Ooze llega a la Tierra para ponérselo crudo a la humanidad y a los Power Rangers. Ellos deben de reinventarse para poder ayudar a Zordon y salvar a La Tierra.
Mechas, esbirros inútiles y muchos mocos morados es lo que vemos en esta película con un CGI terriblemente malo. Claro que estamos hablando de una película del 95 y sin duda querían innovar y demostrar que podían hacer cosas por ordenador.
¿Cine hindú es sinónimo de color y canciones? Pues en este caso sí. Y menos mal que nos han puesto el corte comercialmente preparado para occidente pues originalmente duraba unas tres horas. Aun así, la hora y media conservada se hace larga por todos sus momentos musicales que en más de una ocasión ha hecho ponerse en pie a los espectadores. No obstante, no ha sido la película de castigo pues las actuaciones siguen siendo tan cómicamente diferentes a las nuestras y tiene momentos de acción que solo pueden calificarse de “flipada”.
Si la película dura tanto no es solo por sus extensos videoclips, también por sus numerosas cámaras lentas, el director debe ser fan de Zack Snyder. Es una trama de justicia y venganza con tintes delictivos y sobre todo telenovelescos.
Recibiendo a un maestro y estrenando Sección Oficial a Concurso
El día de hoy ha celebrado su tercera y última jornada en la Universidad Complutense. Allí se ha proyectado ‘2019: Tras la caída de Nueva York’. Pero lo más interesante es que ha estado presente su director, el italiano Sergio Martino. El cineasta, también nombre destacado del giallo, ha sido reconocido con el Premio Applehead Team Sah-Di-A. “Me hace ilusión o gracia ver que hay aquí mucha gente joven que ni había nacido cuando hice la película” ha dicho Martino antes del pase. En el siguiente vídeo podéis verle y descubrir que fue quien dirigió a Nicole Kidman en sus orígenes.
También hemos vuelto a la casa del año pasado, el mk2 Palacio de Hielo, donde hemos podido estrenar la Sección Oficial del festival con cuatro primeros títulos. CutreCon XI ha seleccionado a concurso películas que el público ha votado o votará también el sábado y que tendrán su recompensa con el premio que se entregará de la mano de J.D. Shapiro, invitado estrella del año pasado. Os comentamos todas las películas en nuestras minicríticas habituales.
‘2019: Tras la caída de Nueva York’
De una Nueva York apocalíptica y tiranizada la película nos lleva a una competición tipo Carmageddon en el desierto de Nevada y luego a una base en Alaska. El mundo está devastado y contaminado por la radioactividad y Parsifal, el protagonista se encuentra con la posibilidad de viajar a Alfa Centauro, donde la humanidad se va a mudar. Pero para ello ha de encontrar a una mujer en la peligrosa y derruida Nueva York.
Parte del filme transcurre fuera de la ciudad que le da título y además tienen sabor a ‘Hijos de los hombres’ pues se observan muchos planos en común. Eso si, cuando nos lleva a esa Nueva York que parece la subterránea de Futurama, está tan vilmente recreada que hasta se percibía su olor. Y nos maestra el Picasso por cierto.
Por supuesto, fruto de su época, la única mujer que aparece impoluta entre tanta miseria y por lo tanto sexualizada es la que le hace tilín al protagonista. De todos modos la película de Sergio Martino (firmada como Martin Dolman) es una aventura… una aventura. Se perciben sus límites presupuestarios y de la tecnología de la época.
Este maravilloso cortometraje dirigido por Adrián Cardona y David Muñoz (‘Firs os Jesus’), nos lleva a un mundo a los Mad Max en el que Papa Noel solo quiere darle un regalo a la única buena persona de este nuevo mundo, el cual se encuentra en un aprieto con un montón de matones. Mucho gore gracias a juguetes utilizados como armas y con muy buena producción.
Ambientada en Levante, la película nos cuenta la historia de Marty, un chaval adoptado por una familia mafiosa. Poco a poco se va desgranando una trama llena de crímenes y secretos.
Rodada en blanco y negro y con muy poco presupuesto, dejan ver el amor al cine de Tarantino. Nos hemos divertido mucho gracias a sus frases profundas antes y después de asesinar a alguien.
Aunque no tenga buen sonido y algunos planos sean un poco torpes, la película no está mal dirigida y se nota el cariño hacia el cine negro desde el minuto uno. Un buen ejemplo de que no hace falta mucho para contar una historia.
Golam, un hombre solitario regresa a Porto Cristo, donde un grupo criminal, conocido como “La Banda del Lobo”, controla las calles de este idílico pueblo.
La película es un sinfín de referencias a la cultura pop, ‘He-Man’, ‘Dragon Ball’, ‘Perseguido’, ‘Destroyer’, ‘El resplandor’… por nombrar unas cuantas, y la verdad que es muy divertido ver a los diferentes esbirros enfrentarse a nuestro héroe.
Tiene buena manufactura, vemos efectos que aunque cutres son muy resolutivos y la verdad que se han trabajado mucho todo el tema de referencias por todos lados, utilizándolas con inteligencia de manera que sirvan para la historia, que no estén ahí por estar.
Pues si, hay un montaje para el público de norteamérica y otro para el japonés de esta película que junta a dos de los grandes monstruos del cine. Pero es la versión que se estrenó en 1963, no la que vimos en 2021. En esta versión depende de que montaje veas la duración cambia pero sobre todo se modifica el desenlace de este titánico enfrentamiento.
Confrontación que no tiene ni pies ni cabeza con los argumentos que se plantean. Pero es que la pelea también es un desternillante sin fin de golpetazos entre dos señores disfrazados, llegando a tener un tronchante momento vegano. Parece un torpe enfrentamiento de lucha libre en el que los luchadores están borrachos y con agujetas. Como siempre, le falta más monstruo y sobran humanos, aunque destrucción de edificios (o maquetas) no falta.
De dinosaurios de baratillo a matanzas garrulas gallegas a camas elásticas turcas
La mañana del segundo día de CutreCon XI (24 de febrero) ha empezado haciendo honor al leitmotiv del festival, los dinosaurios con dos filmes que, de manera justificada o no, han incluido los dinosaurios en la trama.
El coloquio de hoy ha tenido lugar tras la proyección de ‘La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos’. Ha estado presente Sylvia Superstar, artista integrante del filme, Nico Campos (experto en la película) y Ricardo Llovo (uno de los dos directores de la obra). Ricardo “yo después cogí y me fui al campo”. Nico Campos hizo un documental de la película que ha sido proyectado también en la misma jornada: “es gracioso que hiciese un documental con más presupuesto que la película y aun así la película es mejor”. Podéis ver toda la charla en el siguiente vídeo.
La noche se ha cerrado con dos películas turcas protagonizadas por Kuneit Arkin. Al final del artículo, justo antes de la galería de fotos, tenéis sus reseñas.
‘Trog’
La última película de Joan Crawford que eligió este filme para dar final a su carrera. Una decisión similar al cabezazo Zidane que hizo que se fuese con una roja bien merecida. Un filme que avergonzaría Ray Harryhausen pues (no se si de manera consentida o no) utiliza escenas de ‘El mundo de los animales’ donde recreó dinosaurios junto a Willis H. O’Brien.
Unos espeleólogos descubren una salvaje criatura en una cueva. Un troglodita. A partir de ahí el filme es un trasunto de Tarzán centrado en el debate e investigación de lo que creen que es el eslabón perdido. ¿Suena aburrido? Lo es, pero te diviertes con la criatura qje está hecha con una máscara de carnaval y unas pantuflas peludas de estar por casa. Y sumado a eso un final tipo Leatherface.
Un filme muy british de la Warner en el que también actuó Michael Gough, quien hizo de Alfred en los Batman de Tim Burton.
Otro filme de los 70. Trust es una corporación que comanda una expedición en la que pierden a varios hombres tras descubrir a un dinosaurio. Merecido se lo tenían si eran tan misóginos, racistas, machistas y prejuiciosos como la película. No puede cumplir más estereotipos rancios.
Escenas gore entre dinosaurios, maquetazas, música melódica, dinosaurios fatalmente recreados… La imagen a veces se ralentiza o faltan frames… Sabiendo que eran los mismos que hacían antiguamente a Godzilla no es de extrañar. De hecho, suena de vez en cuando el grito de Godzilla. Es una mezcla de ‘Viaje al centro de la tierra’ con ‘Kingkong’ y alguna escena a lo ‘Jurassic Park’ pero con argucias y momentos soeces. Al final acaba siendo una especie de traslación de la lucha de Ahab contra Moby Dick.
Desde Galicia y con muchas caras conocidas en España una película con gore de baratillo y mucha provocación, pero sin pretensiones que se puedan tomar en serio. Un filme poco conocido en su tierra rodado en 4:3 y siguiendo la estela de las películas slasher norteamericanas, sobre todo de ‘La matanza de Texas’, pero en la Galicia rural.
Los propios títulos de crédito iniciales presentando a los personajes hacen un spoiler mostrando quiénes mueren. Deslenguada, sucia, ruidosa y despreocupada película con rock y punk de fondo. Mucho humor negro relacionado con el canibalismo y casquería con momentos acompañados de música infantil y onomatopeyas de dibujos infantiles. Encima acaba a lo ‘Garrulos en dinerolandis’. Es tan turbia que haría desmayarse a cualquiera de los pertenecientes a la llamada “generación de cristal”. Lo de Galicia Calidade es puro sarcasmo en este caso.
ToniCosta, SantiagoSegura, los participantes de ‘La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos’ o personas de su entorno hablan sobre la figura del co-director de la mencionada película, Antonio “Toñito” Blanco.
Descubrimos en este documental de 2006 aquí que el germen de la película era un musical y una función teatral, teniendo como referente ‘Rocky Horror Picture Show’. Además de eso el documental recorre las peripecias del rodaje, que le costó a los amigos de los dos directores 300.000 pesetas, 2000 del bolsillo de cada uno. Rodaron la escena de los desenterradores al lado de un entierro, tuvieron problemas con el dueño de un sembrado de centeno, rodaron con sangre, orina y vísceras de verdad… Reunieron muchos amigos, muchas ganas y muchajeta.
Si esta película se llama como se llama es porque coge, literalmente coge, imágenes de Star Wars. Al filme se le estropearon los decorados y lo arreglaron cogiendo escenas de Star Wars robadas de un cine. Solo sabiendo eso se entienden las incoherencias que tiene y la razón por la que no tiene derechos de autor. Pero no se quedan ahí pues se fusila también la banda sonora y efectos de sonido de ‘Flash Gordon’ o ‘Indiana Jones’, por ejemplo.
Seguramente no me equivoque al decir que esta es la película con más camas elásticas que haya visto nunca. Para llevar a cabo la acción de los protagonistas, que son una especie de Ángel Cristo mezclados con El Puma y Georgie Dann, se usan muchas camas elásticas, piedras de corcho y trucos de cámara. Y como escenario parajes tipo La Capadocia, lo único salvable.
¿La trama? Dos pilotos acaban varados en un planeta desconocido mientras unos extraterrestres (que usan naves tanto de los Rebeldes como del Imperio de ‘Star Wars’) les persiguen para acabar con la humanidad. Algo gracioso, por seleccionar una cosa más, esos villanos que les atacan son monstruos de peluche, chinos mandarines, momias de papel higiénico… y la trama acaba estando relacionada con un Islam y el cristianismo que según la película viene desde los mayas, no digo más.
Ninjas turcos con los efectos de sonido de películas tipo Bruce Lee. Como el ‘Star Wars’ turco también protagonizada por Kuneit Arkin, también con camas elásticas y también con las momias de celulosa. De hecho repiten unos cuantos actores del ‘Star Wars’ turco.
El inicio es una mezcla de varias localizaciones distintas con tramas diferentes y a priori inconexas. Y efectivamente así es la película, son sentido e incomprensible. No hay sentido ninguno de la continuidad entre peleas y tramas presuntamente policiales.
CutreCon XI ha dado el pistoletazo de salida. Y lo ha hecho estrenando sede, una de las cuatro que tiene este año. La Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid ha cogido la sesión gratuita y mañanera en la que hemos visto películas hechas con toda la ilusión del mundo pero que tienen una factura de ínfima calidad.
La rueda de prensa de apertura de CutreCon XI ha contado con uno de los invitados de este año, Alan Hofmanis, el representante internacional de Wakaliwood. Aunque realmente deberíamos nombrarle por su nombre ugandés, pero se nos hace del todo imposible de recordar e incluso de pronunciar. En Uganda es conocido por el nombre que le puso su madre pero también tiene segundos nombres como waka (casa de las cabras, de ahí WAKAliwood) o labtop por ser el único con portátil en todo el suburbio. Él nos contó que lleva “11 años trabajando con Isaac Nabwana en Uganda, les represento por el mundo y ahora con el COVID no es fácil”. Sobre su fenómeno viral nos dijo que “Ni siquiera querían hacer cine para exportar, incluso ni por el país porque tienen distintas lenguas, era para divertirse. Hasta que se filtraron 90 segundos de ‘Quién mató al capitán Alex’ y se hizo viral. Yo lo vi, acabé vendiendo todo y me fui allá”. “Es un cine que me hace sentir como un niño de nuevo” ha declarado Hofmanis.
Si habéis ido a CutreCon algún año quizás sabéis en qué consiste Wakaliwood pero en CutreCon XI hemos descubierto qué supone España para los humildes ciudadanos que hacen cine desde África. “España es muy importante porque fue el primer sitio donde se tradujo y se proyectó, a partir de ahí el resto de países, los últimos, los americanos”. “Fui director de un festival en el que Del Toro o Scorsese fueron invitados. Para mi Isaac está a ese nivel. Él no mira tutoriales, aprende sobre la marcha y crea herramientas recicladas para sus rodajes. Como decía una frase de Eminem no hay que mirar alto, hay que mirar abajo y ver lo que tienes a mano”.
Aunque pudimos ver un divertido vídeo de Nabwana cogiendo el premio Jess Franco en Uganada, Alan Hofmanis recogió el premio que el festival le ha otorgado de las manos de Enrique L. Lavigne. “No sabemos nada, estos países van a comer vivos y me alegro de ello” dijo el productor. Y tras ello hemos podido tener una conexión en directo con el director. En los siguientes vídeos podéis ver esa conexión y el Q&A con Hofmanis tras las proyecciones.
Entre evento o proyección CutreCon XI ha presentado el libro editado por Applehead Team. Un libro que recoge carteles y momentos de las diez ediciones pasadas. Un recopilatorio que sirve como guía de cine chusco, una colección ideal para sacar sugerencias de visionados con los amigos. Además cuenta con fotografías publicadas por Moviementarios en los artículos que hemos ido publicando a modo de diario año tras año.
Además, para terminar la primera jornada de Cutrecon XI, hemos podido acudir a la Cineteca del Matadero de Madrid para la ver la que ha sido la sesión inaugural con ‘New York Ninja’. Un pase que estuvo a con el cartel de “no hay entradas”, como es costumbre en este evento al cual acudieron nuevos y sorprendidos espectadores además del grupo de parroquianos habituales que con los gags y chistes recurrentes de siempre ha amenizado tan desastrosa película.
Comentarios de todo lo visto a continuación y fotos del día al final del artículo.
‘Bad Black’
Wakaliwood es una constante y un éxito asegurado en la CutreCon. ‘Bad Black’ ya estuvo en el festival, de varias maneras porque tiene una escena post créditos y gags que aluden al propio festival. Es una película con el sello diferenciador de Wakaliwood, con todo lo que eso supone, pero con un guión y una trama que están la mar de trabajados.
El humor, la acción y el ritmo loco de las películas de Nabwana I.G.G han vuelto para sorprender a los alumnos de la Universidad Complutense que seguro que han tomado nota de lo que hay que hacer para echarle ganas a esta profesión y de lo que no hay que hacer para conseguir la calidad deseada.
Como aliciente para los fans de Wakaliwood, a parte de las carcajadas habituales… en este filme se desvela quién mató a Capitán Alex.
Si el nombre de Wakaliwood os suena raro por la película que hemos comentado antes podéis ver este documental o leer este artículo que escribimos explicando en qué consiste este fenómeno africano. Esta película de Cathryne Czubek y Hugo Perez se mete de lleno en el set de rodaje del cineasta Nabwana I.G.G. para contarnos cómo desde un pequeño barrio Uganda ha llegado a todo el mundo. Desde un lugar que tiene luz eléctrica días si y días no estos ciudadanos han conseguido mostrarnos que con poco se puede hacer cine, de la calidad que sea, pero siempre con muchísima ilusión.
La película de Víctor Matellano también es una dicotomía como las comentadas anteriormente. Mientras que Matellano ha hecho un estupendo documental, con ritmo, humor, información y buen guión, la película o fenómeno del que nos habla supone todo un desastre cinematográfico, en lo que se refiere a comercialmente hablando. Este documental, repleto de referencias al spanish horror (o fantaterror) nos cuenta como el filme ‘Los resucitados’ ha tardado más de 20 años en ver la luz. Y no es de extrañar cuando escuchamos los testimonios de tan caótico rodaje.
Pero aunque la película saliese mal parada ‘Mi adorado monster’ pone en relevancia que tras un fracaso hay ilusión y lo que para nosotros puede ser un fiasco para su autor puede haber sido un éxito. Que levante la mano el que haya conseguido reunir a muchos actores (ahora de renombre) y rodar la película que tiene en mente… pues eso. Si queréis un texto más completo tenéis nuestra crítica extendida aquí.
Para terminar la jornada nos fuimos a Cineteca de Madrid en Matadero con ‘New York ninja’. Dirigida, escrita y protagonizada por John Liu. Irónico es que el director fue acusado de trata de blancas y en ‘New York ninja’ es justo lo que denuncia.
Nos vamos a Nueva York, en donde una joven pareja se acaba de enterar de que van a ser padres. La mujer ve algo que no tiene que ver y termina siendo asesinada. Su enamorado, decide plantarse en las calles de la ciudad vestido de Ninja con patines y acabar con la delincuencia y evitar la trata de blancas.
Nos ha dado mucho juego en la sala, gracias a la actuación exagerada de John Liu que bien podría ser maestro de Tommy Wiseau. Con una sala completamente llena, las risas y los gritos han sido los grandes protagonistas de la hora y media de película.
Como curiosidad, por falta de dinero esta cinta dirigida en 1984 no se llegó a montar, pero gracias al distribuidor Vinegar Syndrome en 2021 se estrenó, cuando el metraje fue descubierto y restaurado por ellos.
El JFFO 2022 nos ofrece gratis 18 títulos para ver desde casa
Hoy arranca el Japanese Film Festival Online 2022 (JFFO 2022), una apuestapionera en la difusión del cine japonés contemporáneo que no tiene la oportunidad de llegar a las salas españolas. De forma totalmente gratuita y en versión original subtitulada.
En su segunda edición, el festival apuesta por 18 títulos que componen una interesante radiografía del Japón contemporáneo. Una programación que evidencia la riqueza del cine y la animación japonesa, y que permite a los espectadores viajar con sus sentidos por la diversidad y la belleza del paisaje japonés; descubrir regionesinsospechadas; acercarse a la gastronomíamenos conocida; tener el privilegio de adentrarse en mundos tan desconocidos y fascinantes como el de los luchadores de sumo; o profundizar en la evolución del papel de la mujer en la sociedad japonesa actual.
España es uno de los 25 países en los que el Japanese Film Festival Online se celebra de forma simultánea. Territorios de los cinco continentes tendrán la oportunidad de disfrutar de novedades y pequeñas joyas que se han convertido en títulos de culto en Japón, y que son difíciles de encontrar fuera del país nipón.
Tu cuenta te dará acceso al visionado de todas las películas del Festival en el momento que prefieras. Cuando empieces a reproducir un título, tendrás 48 horas para verlo.
Más información y programación completa del festival en fundacionjapon.es.
La película de Netflix ‘Asakusa Kid’, basada en las memorias de Takeshi Kitano, bebe de la auténtica y conmovedora historia del legendario artista; un relato de sueños, fracasos, amor y lealtad protagonizado por Kitano y su mentor, Senzaburo Fukami.
Crítica
‘El chico de Asakusa’ es una pequeña píldora que nos quita el mono del director japonés
Que Takeshi Kitano mezcla muy bien lo tradicionalmente japonés con lo moderno no lo duda nadie. Que su sentido del humor es muy distinto al que suelen tener en su país también ha quedado patente a lo largo de su gran carrera. Pero que sus orígenes estaban en el espectáculo de variedades o que representa un relevo generacional muy drástico es menos conocido.
Siempre tiene algo de dramático el hecho de que el aprendiz supere al maestro. Pero si a ello le sumamos el sorpasso de un formato como el televisivo que se comió en su día al teatral tenemos un drama tragicómico muy propio de la filmografía del director de ‘El verano de Kikujiro’, ‘Hana-bi’ o ‘Zatoichi’. Y para más ende la película nos habla de la transformación y decadencia de todo un barrio, el de Asakusa, que fue desde el Japón feudal todo un distrito de entretenimiento. Pero ante tanto infortunio la película aplica varias capas de respeto y candidez que suavizan la historia, convirtiéndose más en un tributo que en un biopic meticuloso.
Desde que estrenó en España ‘Outrage 3’ estamos en sequía de Takeshi, no nos llegan cosas suyas a estas costas desde 2017. ‘El chico de Asakusa’ es una pequeña píldora que nos quita el mono del director japonés. En parte porque nos arroja algunos datos sobre sus orígenes artísticos y en parte porque todo procede de sus memorias manuscritas. La película abre con un plano de Yûya Yagira muy bien maquillado, con mucho parecido a Takeshi, pero ese maquillaje solo es para recordarnos la imagen más conocida del director pues todo transcurre años atrás, empezando en el 74.
Beat Takeshi en España es más conocido por el público general por presentar ‘El castillo de Takeshi’ o como dice su nombre más popularizado, ‘Humor amarillo’. Ahí le veíamos disfrazado de señor feudal, pero los que le han visto actuar en películas o han visionado entrevistas reconocerán aquí sus gestos. Yagira imita muy bien sus tics, su boca ladeada al hablar, las nada poco habituales manos en los bolsillos, su menuda estatura… incluso aparecen algunos destellos de su mala leche. Lo que más destaca en ‘El chico de Asakusa’ es su gusto por el jazz. Y la verdad es que viendo este vídeo parece justificado tanto taconeo. Aún así ‘El chico de Asakusa’ se rellena con demasiado bailoteo y canto.
Relleno era la comedia en el establecimiento en el que él aprendía de su maestro a hacer reír. Un local donde solo había llenos cuando había estriptis. Takeshi fue un amago de ingeniero que dejó rapidísimamente sus estudios para usar su ingenio en pro de la comedia y la ficción. En este filme se rinde homenaje a quien fue su mentor. Es un renovarse o morir. Ante ese dilema vemos como Takeshi, en su constante capacidad para adaptarse al medio usó su estilo propio y se enfrentó ante el control que ejerce la televisión sobre sus artistas. Es por eso que el filme emplea humor satírico y negro, que es lo que le hizo destacar en el Japón de los 80.
‘El chico de Asakusa’ no toca sus conflictos de juventud, posible germen de sus historias de mafiosos. También pone al cineasta todo lo bien que se pone a una persona que es tildada de genio en su país. Compro esa adulación, pero me habría gustado una película más realista que preciosista. Pero como cortesía a los maestros que hemos tenido en la vida me parece muy elegante.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de diciembre de 2021. Título original: Asakusa Kid. Duración: 122 min. País: Japón. Dirección: Hitori Gekidan. Guion: Hitori Gekidan. Reparto principal: Mugi Kadowaki, Morio Kazama, Hiroyuke Onoue, Honami Suzuki, Nobuyuki Tsuchiya, Yûya Yagira, Yo Oizumi. Producción: Django Film, Nikkatsu. Distribución: Netflix. Género: biográfico, drama. Web oficial:ver en Netflix.
Tatsu el Dragón Inmortal es un exyakuza que pasa sus días como amo de casa, es el jodido jefe de su hogar, así, tan mal como suena. Sin dejar sus maneras chungas de comportarse o su lenguaje, Tatsu aplica los códigos de la yakuza a su nueva vida cotidiana y de pareja donde el gato ocupa el tercer puesto en su jerarquía. Le queda muy cuco el mandil con su ropa negra de mafioso.
Esta serie es cachondísima. Es hilarante ese tono fatal de matón hablando de cosas hogareñas como preparar la fiambrera de la comida, las instrucciones para hacer bricolaje, el poner en marcha la aspiradora automática, ir a comprar el merchandising de las ‘Policías brujitas’ para su novia… Suena ridículo pero él se lo toma todo como una misión a superar, es como si todo fuesen negocios, nada personal. Recuerda a Robert de Niro en ‘Una terapia peligrosa’. Da la impresión de que esto lo ha hecho algún seguidor de la trilogía ‘Outrage’ de Takeshi Kitano con el cerebro frito de ver ‘Bobobo’.
Desde el 9 de abril podéis ver en Netflix esta miniserie sobre este temido mafioso que dedica su día a día a cocinar (divinamente), a hacer fotos a sus platos y a descubrir cosas como las clases gratis de yoga. ¿Qué se quiere comprar un coche con su novia? Pues mira si en el maletero entra un cadáver o si el cristal es a prueba de balas. ¿Qué le visita un comercial de cuchillos? Lo primero, eso no son cubiertos, los llama armas y por supuesto los maneja con la maestría de un asesino ninja. ¿Qué hay rebajas? Pues le toca hacer un mercadillo callejero con las compras compulsivas que ha hecho.
Las confusiones con la jerga están servidas. Para él los perros es la policía y cantar es chivarse. Esta es una serie llena de malentendidos y momentos épico-cotidianos. No es raro que se confunda la salsa de tomate con sangre o que una cucaracha en el salón sea vista como un rival en territorio prohibido.
‘De yakuza a amo de casa’ consta de 5 episodios cortos de unos 20 minutos que se dividen a su vez en otros más pequeños, en unos 6 por capítulo. Realmente lo que hace la serie es juntar las tiras cómicas lanzadas en la revista Kurage Bunch. Una obra de Kōsuke Ōno que posteriormente ha sido recopilada en tomos manga y que en España edita Ivrea.
Se nota que ya estamos recuperando el funcionamiento de la industria pues la serie está estupendamente doblada al castellano. Gran trabajo en versión doblada por parte de Marc Zanni, Irene Mirás, Nerea Alfonso, Luis Gustems… Un síntoma contrario, quizá de ahorro de recursos, podría ser la animación de la serie que no es nada del otro mundo. Peca de falta de dinamismo, de hecho tiene muchos cortes o saltos en los movimientos de los personajes. Eso no le aporta mucha agilidad al estilo visual pero la serie es tan viñetera que no le hace falta, no pierde continuidad en sus escenas.
‘De yakuza a amo de casa’ no tiene desperdicio, ni siquiera los sketches del gato Gin. Los quehaceres caseros son mucho más épicos desde el punto de vista de un yakuza. No voy a extenderme más con mis comentarios, que al final vais a tardar más en leer la crítica que en ver la serie. Vedla ahora mismo u os bajaré puestos en la jerarquía del fan del anime. Yo mientras me voy a buscar la serie de acción real que se llama igual que el manga, Gokushufudo.
La película canadiense ‘Cube’ es conocida por todos aquellos amantes del cine independiente y sobre todo por aquellos que aman el terror. Una cinta extremadamente sangrienta que realizó Vincenzo Natali (‘En la hierba alta’, ‘The Stand’) y que podemos enmarcar en ese tipo de survival horror ambientados en algún tipo de escape room.
Aquella película dio paso a una saga que con mayor o menor solvencia nos mantuvo enganchados, muy al estilo de ‘Saw’, es decir, con trampas ingeniosas y muertes la mar de encarnizadas.
Ahora se han cambiado las tornas. Es el cine japonés el que se hace eco de una película de culto realizada en occidente. Si estamos acostumbrados a que los norteamericanos versionen el terror japonés ahora será el país nipón quien re-interprete una de sus películas. En concreto es Yasuhiko Shimizu (‘Vise’) quien añade el toque oriental a esta historia. Pero ojo, bajo la atenta mirada de Natali que es productor de este proyecto.
Los protagonistas encerrados en el malicioso cubo están interpretados por Takumi Saitoh (‘Shin Godzilla’), Masaki Suda (‘Gintama’), Masaki Okada (‘Gintama’), Kôtarô Yoshida (‘Assassination classrom’) y Hikaru Tashiro (‘Kamen Raidâ Birudo’).
¿Preparados para los gritos, la carnicería y las matemáticas? El estreno de ‘Cube’ está previsto en Japón para el 22 de octubre de este 2021.
Mientras los dos Zen’ô deciden qué hacer con el exceso de universos que existen, Goku se presenta en su palacio para recordarles que hace tiempo les propuso la organización de un torneo de lucha. Así, los 12 dioses de la destrucción son convocados, se les informa ¡y empieza un battle royale entre ellos!
Reseña
Next level
Es muy de agradecer que Akira Toriyama haya ampliado el universo ‘Dragon Ball’ hasta un punto que no podamos con concebir sus límites (un poco como nos pasa en el universo real en el que vivimos). Son Goku ya no es el más fuerte, ni siquiera está en las primeras posiciones. Y no han tenido que convertirlo en un niño como en ‘Dragon Ball GT’.
‘Dragon Ball’ corría el riesgo de quemarse de la misma manera que ‘Caballeros del Zodiaco’ (‘Saint Seiya’ en su versión original) daba igual que tuviera un reparto coral con personajes interesantes. Al final todo el peso recaía en el protagonista. ‘Naruto’ consiguió evadir ese espinoso problema solo para meterse en un fango narrativo con decenas de personajes sin una focalización definida.
En realidad, lo que vemos en este número y en el anime es algo que sabíamos desde el minuto 1 de ‘Dragon Ball Super’. Desde el primer combate que vimos. La primera vez que vimos este combate no fue en el manga ni en el anime si no fue en la película ‘La batalla de los dioses’. Al final de dicha película el rival de Son Goku le revelaba un secreto que nos rompió los esquemas a todos los fans de la serie.
La mejor decisión del creador de ‘Dragon Ball Super’ ha sido desarrollar poco a poco este concepto sin prisa, pero sin pausa. Y ahora el manga se ha desmarcado del anime de manera complementaria. Hay cosas del anime que no aparecen en el manga y viceversa, pero con el mismo mimo por los detalles.
¿Qué nos deparará este nuevo nivel? Ahora os lo desvelaremos sin spoilers.
En esta ocasión os hablaré del número 26 de ‘Dragon Ball Super’ (el 237 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’. Al final del manga podremos ver la portada del siguiente y curiosamente es una ilustración de este número.
GUION
A nivel argumental esta entrega está dividida en dos partes. Terminamos el novedoso combate exclusivo del manga en el que podremos seguir disfrutando de nuevas técnicas con personajes nunca vistos hasta ahora. Un combate en el que Son Goku no tiene nada que ver, es un mero espectador y alucina en colores tanto como el lector.
La segunda parte de este manga es un combate de Son Goku contra otro personaje nuevo muy al estilo Toriyama, con un físico que engaña a la hora de combatir. Como es un combate de exhibición podemos disfrutar de todas las transformaciones de Son Goku.
Y la última página nos deja con el corazón en un puño cuando un personaje le revela a Son Goku (y al lector) que aún queda un nivel nuevo por descubrir que cambiará para siempre el universo ‘Dragon Ball’
DIBUJO
Como en todas las entregas Toyotarô, el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’, alterna modernidad y tradición. El primer combate está dibujado de una manera formal (no podríamos distinguirlo de Akira Toriyama) y curiosamente el segundo combate, el que está protagonizado por Son Goku, está dibujado de una manera novedosa, sobre todo al mostrar las transformaciones Super Saiyan de Son Goku. Que como Toyotarô es un fan, no pierde la oportunidad de mostrar el Super Saiyan Nivel 3 cada vez que puede. Porque con los nuevos niveles de poder divinos, se había quedado un poco en tierra de nadie.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Hay diferencias entre los acontecimientos relatados, que provocan que el anime y manga sean exclusivos y complementarios como si fueran dos universos paralelos. Esperemos algún día que hagan un anime cómic de este arco argumental porque merece la pena.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 48 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: noviembre de 2019. Precio: 2,95€.
Después de la victoria contra Zamasu, Goku y los demás viven un período de paz, aunque Vegeta sigue entrenándose con Whis y el mismísimo Beerus. Pero cuando a Goku le entra el gusanillo de los combates, se pone en contacto con Whis y se entera de que su rival está con él, resulta que el príncipe de los saiyanos tiene que volver a la Tierra… ¡para ser padre!
Reseña
it’s showtime!
En este número nos preparamos para el MAYOR espectáculo de toda la historia de ‘Dragon Ball’.
Se acabaron los combates de exhibición. Se acabó la nostalgia y cerrar cabos sueltos. Empieza el espectáculo. A todos los niveles. Algo se ha cocido desde el primer combate de ‘Dragon Ball Super’ y por fin eclosiona. ¿Queréis personajes y mundos nuevos? ¡Pues ahí tenéis decenas de ellos! Personajes con sus propias historias que contar y por supuesto que combatir.
La explosión de personajes nuevos presentados a la vez es muy parecida a otros mangas actuales como ‘Naruto’ o ‘Bleach’. Esto no había pasado nunca en ‘Dragon Ball’. Una saga completamente nueva y una forma de combatir que tampoco habíamos visto hasta ahora…donde todo puede ocurrir.
En esta ocasión os hablaré del número 25 de ‘Dragon Ball Super’ (el 236 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada en la que podemos ver uno de los momentos culminantes del número que tenemos en las manos, mostrando a muchos personajes (que queríamos conocer desde el principio de ‘Dragon Ball Super’) sorprendidos por el anuncio del evento que cambiará para siempre este manga.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’.
GUION
Una entrega muy cargadita de novedades a nivel argumental.
Al igual que en el principio de ‘Dragon Ball Super’ se nos dan pistas de futuros arcos argumentales, dejándose caer en conversaciones como si tal cosa. Algo muy del estilo Toriyama. Lo que quiere el maestro es que nos centremos en el ahora.
También Toriyama concibe el destino con mucho humor, fruto del azar casi. Existe una ambigüedad en torno a lo que sucede antes en una determinada situación que no vamos a desvelar ¿que fue antes el huevo o la gallina? algo muy divertido y propio del humor made in Toriyama.
Conocemos un montón de personajes y mundos nuevos. Y es solo un aperitivo porque faltan por presentar casi 80 personajes nuevos. No exageramos. No podemos explicar más porque ya entraríamos en el terreno de spoiler.
En la primera gran reunión de personajes nuevos el lector se siente como un niño en la mañana de navidad, revisando todas las viñetas intentándose quedar con todas las caras nuevas y que nos podrán aportar en la historia. Digamos que Son Goku está tan asombrado como el lector.
Aunque como se nos presenta una situación que se les ha ido de las manos totalmente a nuestros protagonistas, todos los personajes nuevos que se presentan (que son increíblemente más poderosos que Son Goku y Vegeta) también están totalmente desconcertados por esta nueva situación.
Un número lleno de humor (siguiendo la tradición, los nombres de los nuevos personajes están basados en bebidas alcohólicas) y sobre todo acción, con unos combates exclusivos del manga que elevarán vuestras expectativas hasta niveles insospechados.
Y como bonus track, de regalo, capítulo especial que resuelve cabos sueltos del anterior arco argumental. Algo que es una costumbre ya en ‘Dragon Ball Super’, pero cuidado, que no se han llevado todos los capítulos especiales al manga de la serie roja y la editorial se ha reservado alguno para los tomos recopilatorios.
Ya sabéis, nos quieren arruinar.
DIBUJO
Toyotarô demuestra que está sobradamente preparado para esta prueba de fuego. Se desenvuelve con soltura dibujando escenarios y recreándose en los detalles. A veces hay que releer otra vez las viñetas para darse cuenta de la complejidad de las estructuras que dibuja. En esos momentos nos damos cuenta de que Toyotarô imita al maestro porque los lectores queremos. En realidad, ya lo hemos comentado en varias reseñas de ‘Dragon Ball Super’, a los fans no nos gustan mucho los cambios.
Páginas repletas de personajes nuevos que harán las delicias de los otakus e incluso también de los fans de Marvel, acostumbrados a páginas completas llenas de héroes y villanos. Presenciamos un tipo de combate totalmente nuevo, tanto en lo referente a los personajes, técnicas especiales, perspectivas, ritmo narrativo…
Un pequeño apunte sin spoilers. Encontrareis un homenaje visual a ‘Dragon Ball GT’ con respecto al diseño de un personaje. En ‘Dragon Ball Super’ no dan puntada sin hilo, porque este arco argumental predijo el regreso de un personaje muy querido y se convirtió en canon. Así que creemos que ‘Dragon Ball GT’ llegará a convertirse en canon, contado de una manera mejor. Curiosamente la película ‘Dragon Ball Super: Broly’ resuelve las incongruencias de los niveles de poder entre ‘Super’ y ‘GT’ y de una manera indirecta nos indican el camino que llevarán a los acontecimientos de ‘Dragon Ball GT’
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Ahora mismo son universos ligeramente paralelos, pero igual de espectaculares. Me explico. Normalmente el manga de ‘Dragon Ball’ es superior al anime, porque en el anime solo se diferencia del manga por episodios de relleno y ningún argumento original exclusivo. (La única excepción fue el torneo de las artes marciales del otro mundo organizado por el Gran Kaio después de la saga de Célula y a raíz de su éxito entre los fans, tuvo su repercusión en la película ’Fusión’)
En ‘Dragon Ball Super’ tanto el manga como el anime tiene contenidos exclusivos. Y este número contiene un combate que a día de hoy no hemos visto en versión animada. Y en el anime el combate es diferente, por un lado potenciando personajes secundarios de ‘Dragon Ball’ que en el manga tendrán su momento de gloria en arcos argumentales posteriores y con unos rivales que en el manga tendrán posterior relevancia.
El manga y anime de ‘Dragon Ball Super’ son (ligeramente) diferentes y complementarios. Cada uno adaptado a las exigencias del medio en el que los acontecimientos son narrados.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 48 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: noviembre de 2019. Precio: 2,95€.
Una multitud de Zamasu rodea a los protagonistas, que no saben qué hacer para derrotar a este temible enemigo, hasta que a Goku se le ocurre llamar al Zen’ô de este universo, que puede acabar con el enemigo en un momento y permitir que el grupo se reúna y celebre la victoria, que por otro lado supone la desaparición del futuro de Trunks y Mai.
Reseña
Cosas de casa
¿Qué es lo mejor de ‘Dragon Ball’? ¿los combates sin fin? ¿los niveles de poder ilimitados?
Pues no.
Eso te lo puede dar cualquier manga Shonen. Para los neófitos en el manga, el Shonen (como ‘Dragon Ball’) es un género de manga y anime enfocado al público adolescente y su origen es un término por parte de los editores definido como “comic para chicos” (aunque también pueda interesar a las chicas) por tener grandes dosis de acción y protagonistas masculinos. Pero de la misma manera que los editores crearon el Shojo, dirigido al público femenino, con el paso de los años se difuminaron las líneas entre géneros.
En el caso concreto de ‘Dragon Ball’, si nos ponemos a investigar e identificar la magia que hace que sea un manga único, (dejando aparte sus múltiples y variados villanos, los poderes ilimitados y los combates) ‘Dragon Ball’ destaca por su rica mitología y referencias culturales, pero creo que lo que realmente logra que se diferencie de los demás mangas son sus situaciones cotidianas.
Esto puede parecer un poco contradictorio, lo sabemos, pero esto es algo que ha explorado Akira Toriyama desde sus inicios en ‘Dr Slump’: la vida cotidiana con toques del fantástico y por supuesto mezclado con mucho humor. Nos identificamos con sus personajes y les cogemos cariño. ¿Quién no ha tenido en su grupo de amigos alguien tan serio como Vegeta o Piccolo? Y seguro que tenéis amigos tan inclasificables como el maestro Mutenroshi que os avergüenzan todo el tiempo, pero vuestra vida sería más aburrida sin ellos.
Eso consigue que ‘Dragon Ball Super’ mantenga fresca la franquicia. ‘Dragon Ball GT’ fue concebida con una intención similar en su día, pero enseguida fue sepultada esa idea bajo una lluvia de combates y niveles de poder. Y la fórmula se quemó enseguida. Aunque si es verdad que los pesos pesados siguen siendo Goku y Vegeta, han recibido bastantes humillaciones, ya no son los más fuertes ni de lejos. Vuelven a ser aprendices. Y el reparto vuelve a ser mucho más coral (incluso en los combates) dándole mucha importancia al humor.
Por eso en este número disfrutamos de lo lindo con la vida cotidiana de nuestros guerreros favoritos. Tienen responsabilidades, trabajos, cuidar de una familia… el referente Marvel más cercano podría ser Spiderman, salvo que en el caso del humor no es tan absurdo (aunque ‘Spiderman: un nuevo universo’ se acerca mucho al sentido del humor de Toriyama…)
En esta ocasión os hablaré del número 24 de ‘Dragon Ball Super’ (el 235 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada en la que podemos ver al nuevo elenco de personajes de ‘Dragon Ball Super’ que va a revolucionar nuestro concepto de ‘Dragon Ball’ (y a dos personajes que ya lo han revolucionado)
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ y de series parecidas manga de temática parecida como ‘Boruto’ (nieto de ‘Dragon Ball’ por decirlo de alguna manera)
Al final del número podremos ver la portada del siguiente en el que podremos comprobar que nuestros héroes no van a tener mucho descanso y se va a liar parda sí o sí.
GUION
Disfrutamos de ‘Dragon Ball’ sin prisa, pero sin pausa, con la vida cotidiana de nuestros personajes favoritos. Si en el anterior número acompañábamos a Son Goku, en esta nueva entrega podemos cotillear la vida privada de Vegeta, tanto en su entrenamiento con los dioses, como en su vida casera en la tierra.
El interludio cómico de viñeta a página completa, que ya es un clásico en los últimos números y mata dos pájaros de un tiro. Por un lado, muestra la madurez de un personaje y es muy cómico porque además corrige cualquiera duda de que ‘Dragon Ball’ sea solo un cómic para chicos o que transmita un mensaje machista.
Y por supuesto no podía faltar un pedazo combate en el cual se demuestra que el protagonista no es solo Son Goku (al contrario que el anime y podemos creerlo normal por el marketing) a pesar de que es un combate de entrenamiento se vuelve un combate muy serio. Como siempre se les van de las manos las situaciones a nuestros personajes.
Y por último, hablando de situaciones que se van de las manos, se comete la mayor burrada del universo ‘Dragon Ball’. O no. Uno de nuestros protagonistas toma una decisión inocente acorde a su personalidad y la lía pardisima ¿o es otra forma de salvar el universo con humor? Con Toriyama nunca se sabe. Ambigüedad y sentido del humor absurdo son las señas de identidad del maestro.
DIBUJO
Toyotarô combina los diseños cómicos made in Toriyama y escenarios increíbles (tanto celestiales como los urbanos) En los combates el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’ destaca con un trazo propio, perspectivas dinámicas, personajes estilizados, a la par de detallados logrando que para el ojo exigente se pueda observar una evolución del dibujo de esta franquicia.
Es un cambio muy sutil pero necesario, de la misma manera que el maestro creador, Akira Toriyama, fue pasando de un estilo más redondeado tirando a simple, a un estilo más anguloso con las sombras, detalles de la ropa o músculos muy bien definidos. Quizás la saga de Célula fue el momento más exagerado de Toriyama y en la saga del monstruo Bu se estableció unas proporciones más adecuadas que ha respetado el discípulo para la mayoría de las escenas cotidianas y con personajes conocidos, evolucionando en los nuevos personajes y en las escenas de combate.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
No muchas, aunque el manga es más fluido que en el anime narrativamente hablando, en ‘Dragon Ball Super’ se puede presumir de que hay muy pocos (casi nada) episodios de relleno y todos cuentan algo. Nada que ver con ‘Dragon Ball’ y ‘Dragon Ball Z’ con molestos episodios de relleno. Tantos que se tuvo que hacer ‘Dragon Ball Kai’ (reedición remasterizada del anime de ‘Dragon Ball Z’) para quitarlos. Alguien tenía que decirlo.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: octubre de 2019. Precio: 2,95€.
Tras ver como Zamasu intentaba utilizar a Mai para dejar indefenso a Goku, y aprovechando que su unión Pothara se ha deshecho, Trunks le ataca con su espada y parece que lo vence. Sin embargo, las apariencias engañan y el enemigo vuelve más fuerte e invencible que nunca…
Reseña
Su propio ritmo
El manga de ‘Dragon Ball Super’ empezó muy apresuradamente y a medida que fue teniendo su propio ritmo poco a poco se fueron viendo diferencias con el anime debido a que el manga tenía que innovar en algún aspecto. Actualmente el manga ha ido cogiendo la delantera con el parón del anime (que ha sido sustituido por ‘Dragon Ball Héroes’ para los que necesitan anime dragonbolero en vena). Por eso este arco argumental se termina con un epílogo tranquilo y no hay prisa por entrar de lleno en la siguiente búsqueda de las bolas de Dragón.
En esta ocasión os hablaré del número 23 de ‘Dragon Ball Super’ (el 234 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada en la que podemos ver a Son Goku y Vegeta con sus uniformes de combate de toda la vida, el mejor cebo para los fans.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ y otros mangas de temática parecida como ‘Boruto’ (nieto de ‘Dragon Ball’ por decirlo de alguna manera).
Al final del número podremos ver la portada del siguiente, en el que podremos intuir las consecuencias del último arco argumental.
GUION
A nivel de guion la primera mitad del manga es el epílogo del último arco argumental donde se explica tranquilamente todos los cabos sueltos (aunque un par de temas se quedan en el aire, pero es algo que ignoran los personajes principales y esas eran las dudas de las que os hablamos en la reseña anterior) por un lado tenemos soluciones improvisadas que encajan con el espíritu despreocupado de ‘Dragon Ball’ (ya nos preocuparemos mañana de las consecuencias). Por otro lado, tenemos decisiones meditadas por parte de algunos de nuestros personajes más queridos, que esperamos volver a verlos en el futuro. Y humor, mucho humor, que es lo que hace que, en el fondo, ‘Dragon Ball’ que haya calado tanto en la cultura popular.
La última viñeta de este arco argumental es precisamente el interludio cómico plasmado en una viñeta a página completa, protagonizada por uno de los personajes secundarios fundadores de ‘Dragon Ball’.
En la segunda mitad de este número podemos cotillear en la vida cotidiana de los personajes más queridos de ‘Dragon Ball’, aderezados con combates cómicos entre personajes en los que hay una diferencia de poder abismal. Toriyama no se olvida que a los fans nos gustan las emociones fuertes y nos muestra algún combate de entrenamiento un poco más serio.
DIBUJO
Curiosamente el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’, Toyotarô, destaca en este número mucho más que en las batallas encarnizadas de entregas anteriores. Seguimos disfrutando por su gusto por los detalles, ya sean escenarios urbanos, rurales u otros mundos.
Y aunque solo se producen un par de combates, (y tampoco es que sean muy serios) Toyotarô sabe plasmar muy bien la velocidad de luchadores. Un dibujante que nos ha demostrado todo lo que nos tenía que demostrar en los combates épicos y que no se relaja en lo que respecta al diseño de personajes, aunque sean simples terrícolas.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Aquí empiezan las diferencias gordas entre anime y manga. Y nos referimos a un concepto de ‘falso relleno’. No es que el manga sea más directo que el anime, sino que se nos insinuó un gran acontecimiento y como seguíamos el anime semana a semana se nos hizo eterno…
Por eso decía Einstein que el tiempo es relativo.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 40 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: octubre de 2019. Precio: 2,95€.
Goku y Zamasu ofrecen un espectacular combate de lo más igualado. Aun así, el cuerpo del saiyano acusa el cansancio de luchar a un nivel tan alto, y Zamasu se lo pone más difícil recurriendo a argucias. Sin embargo, también su unión Pothara se deshace al cabo de una hora…
Reseña
The End Is the Beginning Is the End
‘Dragon Ball’ es un manga muy importante para unas cuantas generaciones, sobre todo para la que creció en los 90. Por eso este número me recuerda a cierta canción de los ‘Smashing Pumpkins’ (o como diría Homer Simpson, Machaca-punkies) ‘The End Is the Beginning Is the End’, una canción que formó parte de la banda sonora de ‘Batman y Robin’, quizás la peor película de superhéroes de la historia. Pero la canción es buena y resume en gran parte el espíritu de los 90. No hay que confundirla con su otra versión, ‘The Beginning Is the End Is the Beginning’ que alcanzó bastante notoriedad unos años después al ser incluida en el trailer de la adaptación cinematográfica de ‘Watchmen’ de Zack Snyder. Pero de Zack Snyder ya hablaremos otro día.
‘The End Is the Beginning Is the End’ es una canción que me viene a la cabeza porque llegamos a un punto en el que, a partir de aquí, atravesamos lo desconocido en ‘Dragon Ball’. Este número es el fin, pero también es el principio. En fin, voy a explicarme como buenamente pueda.
Hasta ahora ‘Dragon Ball’ se movía entorno a unas reglas conocidas. Teóricamente conocíamos todo de ese universo y aunque ‘Dragon Ball Super’ nos había dejado entrever un poco más allá de esas fronteras desconocidas, todo estaba bajo control.
Pero el final de este arco argumental es bastante desconcertante, además de comenzar un nuevo arco argumental. Llega un mundo nuevo, nuevas reglas (desconocidas) una nueva forma de entender el universo que les rodea y.… realmente todo puede pasar. Pero como Akira Toriyama se lo toma con humor, no parece que vaya a pasar gran cosa.
Pero a partir de ahora, los peligros son muy reales. Nada que ver con lo que habíamos visto hasta ahora. Esto ya no es un juego y nuestros héroes ya no pueden presumir de su fuerza.
En esta ocasión os hablaré del número 22 de ‘Dragon Ball Super’ (el 233 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada en la que podemos ver a al villano dibujado al estilo Toyotarô, el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’ y no recuerda al del maestro Akira Toriyama. El ángulo, la perspectiva y trazo son propios de Toyotarô, pero no traiciona el espíritu de ‘Dragon Ball’. Esta portada recuerda al esfuerzo de otros dibujantes como Masashi Kishimoto en mangas como ‘Naruto’ para transmitir una personalidad propia a pesar de declarar su amor por el legado de Toriyama.
Como curiosidad tenemos una portada de uno de los tomos recopilatorios y en el tomo es una ilustración mucho más completa (aquí solo han elegido al villano). La otra parte de la ilustración la podremos encontrar en el interior y veréis a Son Goku en la página característica de cualquier inicio de manga: ‘resumen de lo publicado’. En ‘Dragon Ball Super’ serie roja es una costumbre reutilizar fragmentos de portadas en estas secciones del manga.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’.
Al final del número podremos ver la portada del siguiente que promete mucho.
GUION
Este manga te deja con el corazón en un puño.
Al principio sueltas eso de ‘¿pero es que no se va a morir nunca el villano?’. Frase mítica en ‘Dragon Ball Z’ en los combates de Son Goku y compañía contra Vegeta, Freezer, Célula y el monstruo Bu. Reconocedlo, hay un momento siempre en los combates finales de ‘Dragon Ball’ en el que nos mosqueamos y pensamos que no es normal que un villano aguante tanto. Porque en esta saga lo vuelven a conseguir: los poderes del villano principal vuelven a aumentar y nos mostrará técnicas nuevas y omnipotentes.
Una nueva entrega con claros contrastes: homenajes a momentos clímax de ‘Dragon Ball Z’ por parte del sensei Toriyama intercalados con interludios cómicos plasmados en viñetas a página completa.
Si en el anterior número conocíamos un nuevo ataque especial de Son Goku, esta vez le toca el turno a Vegeta de lucirse con una poderosísima nueva técnica que deja al ‘Final flash’ en un petardo de feria.
A destacar un diálogo entre Vegeta y Son Goku que demuestra que son una de las parejas justicieras más carismáticas. Como en la gran tradición de las ‘buddy movies’ o películas de colegas (‘Arma letal’, ‘Limite 48 horas’, etc).
Terminamos un arco argumental de una manera bastante sorprendente y que nos genera muchas dudas. Suponemos que las soluciones nos las proporcionará el sensei Toriyama en el futuro. En todo caso este final es desconcertante a la par de humorístico, algo que es marca Toriyama desde los inicios de su primera obra, ‘Dr Slump’. Al final, aunque la situación parece bastante desesperada como dicen en ‘Star Wars’ ‘siempre hay un pez más grande’ (sabiduría jedi de Qui-Gon Jinn)
Y no. No es ni Son Goku ni Vegeta. Ni siquiera Trunks.
¿Que quien es? ahhhhh.
Lo descubrireis leyendo este manga. Pero sí que podemos adelantar que es un personaje nuevo muy de la marca de la casa, lleno de humor.
DIBUJO
Si hay una frase que puede resumir este número a nivel gráfico es: amor por los detalles. Los uniformes de combate destrozados, las sombras, las técnicas de combate, las heridas, ataques especiales, los escenarios apocalípticos ….
Toyotarô se ha esforzado regalándonos ilustraciones espectaculares a página completa, con los interludios cómicos.
Es capaz de imprimir una fuerza arrolladora en los momentos clímax de la batalla y aportar ese aire de cotidianidad que le gusta a Akira Toriyama, sobre todo en el epílogo.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
En el anime, el villano en su forma final es bastante más abstracto que en el manga. No le encontramos una explicación salvo la de resultar más amenazador. No podemos decir nada más porque entraríamos en el terreno spoiler. Como siempre tenéis nuestras vías de contacto por si queréis que os resolvamos alguna duda en privado o si queréis algún especial de ‘Dragon Ball Super’ donde tratemos este tipo de cuestiones.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 48 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: septiembre de 2019. Precio: 2,95€.
La unión con los pendientes Pothara se deshace, pero Vegeta reconoce que Goku tiene más posibilidades que él de derrotar a Zamasu si lucha en plenas condiciones, así que le pide a Trunks que cure a su viejo rival y este, por fin, ¡pone a Zamasu en un aprieto!
Reseña
Pasado y futuro
Los fans de ‘Dragon Ball’, al igual que los de ‘Star Wars’, demandan cosas nuevas, pero… sin que se salgan del molde.
Dejando aparte polémicas como la nueva trilogía de ‘Star Wars’, los creadores de ‘Dragon Ball Super’ han sido prudentes con un ritmo adecuado, lo que ha parecido un aprovechamiento de la nostalgia, pero ha servido para cerrar cabos sueltos antes de llegar al primer gran villano de la serie.
Un villano omnipotente que pone contra las cuerdas a nuestros protagonistas. Y no solo con fuerza bruta si no con un plan bien elaborado. Aunque sabemos que Son Goku y compañía siempre salen victoriosos, la emoción radica en el suspense. ¿Cómo van a salir airosos de esta situación tan peliaguda?
En esta ocasión os hablaré del número 21 de ‘Dragon Ball Super’ (el 232 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada en la que podemos ver a Son Goku luchando contra el villano de la saga, homenajeando a uno de los combates clásicos de ‘Dragon Ball Z’.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ y como esto es un no parar, al final del número podremos ver la portada del siguiente para recordarnos (o hurgar en la herida de la espera) de comprar la siguiente entrega.
GUION
Es un número enteramente dedicado a los combates contra el villano principal y todopoderoso. Entramos en rounds desesperados. Se intenta ganar tiempo. Se acaban las opciones, surgen giros de guion y un final de infarto.
Akira Toriyama habrá disfrutado configurando las habilidades del villano y dándole toda clase de poderes y técnicas nuevas que hasta ahora no habíamos visto en combates de ‘Dragon Ball’.
También vemos los diversos usos que se le pueden hacer al nuevo nivel de poder presentado en ‘Dragon Ball Super’ (no, no os lo vamos a decir, para no fastidiaros el suspense) sobre todo aplicándolo a una nueva técnica.
Además de eso, Son Goku nos muestra otra poderosísima nueva técnica.
Y no, no es el Kame-Hame- Ha.
Lo más impactante de este número es el momento cumbre, el golpe final resuelto con un triple giro de guion. Aunque os recuerde a un combate mítico de ‘Dragon Ball Z’, Toriyama le ha dado una vuelta de tuerca y un desarrollo inesperado.
Y el final. El impresionante final. Os recordará a otro momento clásico de ‘Dragon Ball’, pero no por ello dejaréis de aplaudir.
DIBUJO
Volvemos al debate sobre si Toyotarô es un buen sucesor para seguir con la obra de Akira Toriyama ya que en este número homenajea a dos momentos míticos de ‘Dragon Ball Z’
¿Homenajea? ¿copia descaradamente? ¿falta de identidad propia? Si Toyotarô tuviera mucha identidad propia no hubiera sido elegido para ser el sucesor que dibujase ‘Dragon Ball Super’, dejemos claro ese primer punto. Porque lo que quiere ver todo el mundo (incluyendo un servidor, me declaro culpable) es el estilo Toriyama. Y ya si eso, poco a poco ir evolucionando el estilo, como hizo Akira Toriyama en su día (no tienen nada que ver los diseños del primer Vegeta al del final de la saga del monstruo Bu)
Nuestro veredicto es que Toyotarô tiene estilo e identidad propia tiene a toneladas, pero es un dibujante muy prudente. Si, incluye un par de homenajes en momentos cumbres del número, pero durante el resto del combate, Toyotarô dibuja las nuevas técnicas y los movimientos del villano con una fuerza y un dinamismo que, siendo sinceros, al maestro Toriyama no le veíamos desde la época de Freezer.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Sobre todo, en el protagonismo de Trunks, que en el anime tiene un papel más luchador, pero allí su nivel de poder alcanzado es absurdo, no se explica de manera racional. Aun así, es uno de los mejores momentos del anime y mantiene una tendencia en la serie de mezclar niveles de poder, lo cual es muy divertido, porque eso en el manga no se hace tanto.
En el manga se intenta explicar la evolución de sus poderes, que no tienen nada que ver con la fuerza bruta.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: julio de 2019. Precio: 2,95€.
Goku y Vegeta deciden unirse también ellos con los Pothara y hacer que Vegerot renazca, ahora combinándolo con el supersaiyano Blue. Con esta forma acorralan a la unión de los dos Zamasu, pero… ¡la unión solo dura una hora!
Reseña
Retroceder nunca, rendirse jamás
Un clásico de ‘Dragon Ball’ son los combates en los que nuestros héroes, aunque estén en apuros no se rinden nunca. El lector al final de este número se sentirá orgulloso de nuestros guerreros protagonistas porque nunca se rinden sea cual sea la circunstancia. Y eso le da un plus de emoción.
Nada tiene que ver ‘Dragon Ball Super’ a cuando empezó. Al principio Toriyama sabía que iba a contar la misma historia por tercera vez, después de ‘La batalla de los dioses’ y que la serie de anime ampliara con capítulos de relleno lo que no dio tiempo a contar en la película. La narración iba a toda prisa, incluido los combates. Se agradecía, pero era un efecto raro.
El segundo arco argumental (‘La resurrección de Freezer’) ni se llegó a mostrar en el manga haciendo solo una referencia verbal y fue a partir del tercer arco en el que el manga encontró su propio ritmo diferenciándose en pequeños detalles del anime. En esta última saga nos encontramos en un momento en el que hemos presenciado muchos combates, pero aún queda mucho por contar. Akira Toriyama no tiene prisa, como en los mejores momentos de ‘Dragon Ball Z’ y la pelea final contra Freezer.
Quizás Toriyama se lo puede permitir porque tiene a su ayudante dibujando, Toyotarô. Y cumple las expectativas con creces.
En esta ocasión os hablaré del número 20 de ‘Dragon Ball Super’ (el 231 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada en la que podemos ver al villano de este arco argumental y el retorno de un personaje muy poderoso (y querido por los fans).
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ y de mangas de temática parecida como ‘Boruto’ (nieto de ‘Dragon Ball’, por decirlo de alguna manera).
Al final del número podremos ver la portada del siguiente para dejarnos (como siempre) con la miel en los labios.
GUION
Otro número cargado de combates, giros de guion, orgullo saiyan, humor, técnicas, contratécnicas y lo más importante: ante las adversidades nuestros protagonistas sacan lo mejor de sí mismos. Son Goku otra vez solo ante el peligro, pero nos vuelve a sorprender.
Y Vegeta vuelve a demostrar que es el guerrero más orgulloso del espacio, pero además hace gala de una sabiduría y templanza sin precedentes. Tanto en este número como en gran parte de esta saga. Sin duda es el cerebro estratega del grupo. Akira Toriyama he descrito muy bien su evolución psicológica, pero eso no sentimos que este combate es un ‘más de lo mismo’
Volvemos a ser testigos de un nuevo nivel de poder en ‘Dragon Ball Super’. Un perfeccionamiento de un nivel ya visto explicado coherentemente (algo que en el anime prefieren ignorar en favor de la espectacularidad)
DIBUJO
Akira Toriyama concede nuevos poderes y técnicas (nunca vistos antes en ‘Dragon Ball’) al villano y el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’, Toyotarô, se encarga de plasmarlo de la mejor manera posible dejando a los lectores con una sensación parecida a las escenas futuristas de la película ’X-Men: días del futuro pasado’
Toyotarô saca el máximo partido a las viñetas con sus particulares ángulos y perspectivas. Que, en ese sentido, Toriyama es más tradicional, incluso en sus últimos trabajos (como en ‘Jaco, el patrullero galáctico’)
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Como hemos mencionado un poco antes, el manga se preocupa de explicar más los estados de poder y el anime nubla nuestros sentidos mediante la espectacularidad. En el anime también se centra en otros personajes (no solo en Goku o Vegeta) a la hora de combatir, pero en el manga su papel, aunque no sea tan combativo, es igual de importante.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 40 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: junio de 2019. Precio: 2,95€.
Cuando parecía que Vegeta y Goku dominaban sus respectivos combates, Goku Black y Zamasu utilizan un último recurso para acorralar a los dos saiyanos… ¡la unión con los pendientes Pothara!
Reseña
Aprende Thanos
Llegamos a un momento que estábamos esperando desde que empezó ‘Dragon Ball Super’. Aunque Akira Toriyama está contando historias nuevas, tenemos la suerte de que esa transición hacia lo nuevo, ha sido lenta y gradualmente. Porque la primera gran batalla seria y épica de ‘Dragon Ball Super’ tira de la nostalgia del fan de toda la vida.
El actual arco argumental nos vuelve a traer esos momentos de poder absoluto en el que auténticas fuerzas cósmicas se enfrentan en un duelo que va a decidir el destino del universo. Aprende Thanos.
En esta ocasión os hablaré del número 19 de ‘Dragon Ball Super’ (el 230 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Volvemos a tener otra portada remix de dos momentos épicos con un Vegeta majestuoso.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’. La verdad que se agradece bastante tener una guía en el propio manga (a pesar de contar en la actualidad con un acceso ilimitado a internet)
Al final del número podremos ver la portada del siguiente para dejarnos (otra vez) con la miel en los labios.
GUION
En este apartado tenemos dos puntos de vista enfrentados:
Falta de originalidad por volver a recurrir a un concepto de ‘Dragon Ball Z’.
Una actualización ingeniosa de uno de los momentos cumbres y más aclamados de ‘Dragon Ball Z’.
Ante el primer punto de vista hemos de aclarar que en ‘Dragon Ball Super’ se ha recurrido frecuentemente al pasado de ‘Dragon Ball’ no por falta de ideas, si no para cerrar cabos sueltos y desarrollar situaciones, personajes y elementos que, en su día por el ritmo del éxito de la franquicia, Toriyama no pudo profundizar en ellos. Finalizaba una saga y tenía que pasar rápidamente a la siguiente. Akira Toriyama cerró el manga por puro agotamiento (como en muchísimos otros casos).
Con respecto al segundo punto de vista solo podemos decir que en este número recurren a una técnica (no lo vamos a decir para que como siempre, disfrutéis vosotros de la experiencia) que nos gustó tanto en su día que se nos hizo muy corto y el desarrollo de los acontecimientos (hábilmente orquestado por el sensei Toriyama) han propiciado de manera natural que se pueda volver a producir esa técnica.
Ya no tenemos que volver a recurrir al fan art para ver lo que oficialmente se nos ha presentado en este manga. Y eso hará feliz a los fans más acérrimos de la franquicia.
Seguimos con toneladas de combates, mucho humor, técnicas y contratécnicas, poderes nuevos… y no uno, sino dos giros de guion al final de este número que nos da una esperanza inesperada (y un montón de posibilidades para desarrollar a uno de los personajes principales por una vía totalmente inusitada) y una emoción extra porque la victoria será mucho más difícil de lo que pensábamos.
DIBUJO
Volvemos al mismo debate que se vuelve más peliagudo y menos respetuoso en las redes sociales por tratarse del discípulo y no del maestro.
Toyotarô, el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’ ha demostrado hasta ahora que sabe manejar el difícil equilibrio entre modernidad y tradición. En este número hay homenajes visuales muy claros a las sagas de ‘Dragon Ball Z’ pero también ha aportado una fluidez del movimiento y una intensidad necesarias para no quedarse atrás si lo comparamos con la espectacularidad del anime actual.
Pero no solo de los combates vive el prestigio del dibujante. Podemos disfrutar de una condensación narrativa maravillosa en la que tenemos dos flasbacks enmarcados por el cuadro de diálogo de uno de los personajes. Se que es difícil imaginárselo sin spoilers, pero por eso os animamos desde Moviementarios a que lo comprobéis por vosotros mismos.
Y por supuesto, no podemos olvidar destacar las ilustraciones a página completa.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Este número del manga corresponde con otro de los episodios mejor valorados en cuando animación de la serie.
Entonces… ¿que es mejor? ¿Anime o manga? ¿Tomo o grapa? ¿Playa o montaña? Ya empezamos con los debates… intentaremos responderos de la manera más honesta posible.
En el anime el combate es más igualado y el villano obtiene una transformación que no vemos en el manga. En todo caso, la nueva transformación se asemeja a diseños de animes actuales, y sus movimientos en combate le da un aire actualizado, no tenemos la sensación de ver un anime del siglo pasado. Por último, uno de los personajes protagonistas puede terminar de lanzar un ataque que en el manga no le da tiempo a completar, asistiendo a uno de los momentos cumbres de ‘Dragon Ball Super’ (gracias a las técnicas digitales) y de toda la historia de ‘Dragon Ball’
En el manga predomina el humor en dicho combate y el villano está en clara desventaja. Esto provoca una exaltación y un entusiasmo en el lector, porque después de tantas penalidades de nuestros protagonistas por fin le dan la vuelta a la tortilla.
Desde Moviementarios no consideramos que el manga sea mejor que el anime ni viceversa si no que son claramente medios totalmente complementarios.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: mayo de 2019. Precio: 2,95€.
Trunks, junto a Kaiôshin y Gowasu, sobrevive como puede ante Goku Black y Zamasu. Goku y Vegeta vuelven al futuro para enfrentarse de nuevo a sus enemigos, y Vegeta pone a Black en un aprieto… ¡al transformarse en dios supersaiyano!
Reseña
Hasta el infinito (de poder) y más allá
Estamos ante número en que la escalada de poder del villano no tiene límites y que pone en apuros a nuestros protagonistas como antes no se había visto.
Al leer esta saga el lector se siente como en los años 90 cuando apareció la saga del monstruo Bu. Daba igual lo que hicieran los guerreros Z, el monstruo Bu se hacía más fuerte. Cuando creíamos que la situación la tenían controlada, un nuevo giro de los acontecimientos.
Esto demuestra que Akira Toriyama sigue siendo un maestro de la narrativa épica. Tiene preferencia por el humor, y podemos atestiguarlo en los primeros arcos argumentales de ‘Dragon Ball Super’ pero cuando se pone serio…podéis poneros un disco de Linkin Park que le vendrá como anillo al dedo a una lectura dragonbolera.
En esta ocasión os hablaré del número 18 de ‘Dragon Ball Super’ (el 229 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada remix de dos momentos de este número cuyo resultado final es una composición muy original. La misma portada indica el momento complicado de la historia en el que no sabes que va a pasar.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ y de mangas actuales de temática parecida.
Al final del número podremos ver la portada del siguiente para dejarnos la miel en los labios.
GUION
Combates, giros de guion, orgullo saiyan, humor, técnicas, contratécnicas, sorpresas, referencias clásicas… Todo lo que esperaríais de un buen combate lo tendréis aquí, y lo más importante que nos sabemos cómo va a acabar.
La primera batalla larga y seria de ‘Dragon Ball Super’ que los fans buscaban desde el principio.
Y como viene siendo norma hace unas cuantas entregas, también tendremos un final de infarto. Esto puede frustrar a más de uno, no solo por la ansiedad de saber que pasará en el siguiente número (algo parecido nos pasó en el combate contra Célula en la antigua serie roja) pero luego se compensa cuando completas la saga y puedes leer el combate de seguido.
DIBUJO
Grandes combates y, sobre todo, ilustraciones a página completa. A los que os guste dibujar, disfrutareis de lo lindo.
Toyotarô, el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’, se esfuerza en mostrarnos varios estados de poder, cada uno con su característica forma de luchar.
El villano también tiene un estilo propio en la lucha y está dibujado de una manera única. Recordemos que el nuevo villano es un personaje nuevo de ‘Dragon Ball Super’ y Toyotarô se siente libre de poder aportar pequeños detalles tanto en su trazo como en su forma de luchar.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
En esta saga, existen diferencias que corresponden a la narrativa propia de cada medio: personajes secundarios, situaciones, lugares, etc. como estas diferencias se han desarrollado poco a poco es como si fueran dos versiones de una película. ¿Cuál es el montaje del director? el manga por supuesto. Allí encontraréis todas las explicaciones que en el anime se pasan por alto.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 48 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: abril de 2019. Precio: 2,95€.
Goku y Vegeta vuelven del futuro derrotados, y han tenido que dejar allí a Trunks. Mientras Goku planea aprender el mafûba para vencer a Goku Black, Trunks debe hacer frente al enemigo sin la ayuda de los otros saiyanos.
Reseña
Revancha Saiyan
Estamos ante uno de los números determinantes de todo ‘Dragon Ball Super’, los personajes se juegan el todo por el todo… y esto nos encanta.
Un manga que huele a revancha, después de los sucesos acaecidos en los números anteriores. Pero también os avisamos (sin spoilers) que, a partir de ahora, ‘Dragon Ball Super’ entra en modo “poderes ilimitados, giros de guion imprevisibles, batallas sin fin” que ha logrado que los fans nos hayamos quedado sin uñas con las últimas noticias del manga en Japón, que ha conseguido la distancia suficiente para poder ir mucho más adelantado que el anime.
Porque ‘Dragon Ball Super’ es una rareza debido a los continuos testeos del mercado: primero fueron las películas, luego el anime y por último el manga, que tuvo que diferenciarse con acontecimientos ligeramente diferentes dándole un valor complementario.
En esta ocasión os hablaré del número 17 de ‘Dragon Ball Super’ (el 228 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada de las mejores en lo que llevamos de publicación en España: una composición clásica con los dos imponentes villanos a página completa, mientras vemos los rostros enmarcados en viñetas de Goku y Vegeta en modo supersaiyan Dios rojo (que a todo color queda espectacular) y Trunks en estado normal.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ destacando una página a todo color del primer tomo recopilatorio de estos números de la serie roja.
Si, es más pequeño, más transportable, más barato e incluye a modo trampa para que se compre si o si, capítulos exclusivos que extienden la historia. Pero qué queréis que os diga, el eterno dilema… ¿Tomo o grapa?
Los dos. Grapa para disfrutar a lo grande en casa, tomo para viajar.
No me volváis a preguntar, que os arruino.
GUION
Muchos giros de guion y combates espectaculares, y sobre todo un final de infarto en este número. No sólo se apuesta por la fuerza bruta, mostrándonos un poder nuevo la mar de práctico. Aunque no sea una técnica de combate espectacular… es muy efectiva. Y lo mejor de todo es que proviene de los orígenes de ‘Dragon Ball’ (Goku era enano y con cola, con eso os lo digo todo…)
No todo va a ser Kame-Hame-Ha.
Por fin se hace justicia a uno de los personajes en ‘Dragon Ball Súper’ mostrando su astucia y potencia de combate. Ya no hace falta recurrir a los fan-art para poder ver este nuevo estado de poder. Y lo mejor de todo es que tiene una justificación para su uso.
DIBUJO
Toyotarô aprueba con nota no solo con los combates de este número (que por así decirlo estamos todavía en un primer round, y todavía no se han destrozado los uniformes de nuestros guerreros, para que os hagáis una idea) si no en un nuevo estado de poder que llevábamos tiempo deseando ver en el manga. Toriyama le ha dado una justificación y Toyotarô lo ha plasmado a lo grande.
También a destacar los entornos apocalípticos que están muy bien detallados. Le aporta un grado de espectacularidad extra a este número.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Bastantes, pero sospechamos que por decisión editorial. Mientras que en el manga se apuesta explicar, justificar y concretar los niveles de poder, en el anime se apuesta por la espectacularidad. Que no nos quejamos, pero el fan exigente puede encontrar algún momento absurdo en el anime de varios estados de poder que se mezclan sin sentido alguno (aunque quedan muy bonitos, sobre todo en figuras de resina).
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: marzo de 2019. Precio: 2,95€.
Tras descubrir que Goku Black y Zamasu son dos versiones de la misma persona y que se han aliado, Vegeta y Goku se enfrentan a ellos, pero a pesar de lo trepidante del combate hay algo con lo que no contaban: Black se puede transformar en el supersaiyano Rosé…
Reseña
Adictos a lo imprevisible
Ahora mismo el mayor aliciente que tiene ‘Dragon Ball Super’ no son los combates ni los villanos ni los nuevos estados de poder… es su imprevisibilidad: no sabemos por dónde va a tirar la historia.
Sabemos que normalmente Goku y compañía acaban siempre ganando, pero con tantos giros de guion es emocionantísimo. Volvemos los momentos cumbres de ‘Dragon Ball Z’ en las sagas de Freezer y Célula. El recreo se convertía en un debate del congreso otaku improvisado.
Pero estos niños han crecido. Ahora son adultos que charlan por teléfono en el viaje de vuelta a casa a la salida del trabajo con los amigos que aprovechan que los peques están haciendo la siesta en casa.
En esta ocasión os hablaré del número 16 de ‘Dragon Ball Super’ (el 227 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada que funciona a modo viñeta flashback de uno de los villanos de este arco argumental. Porque todos los villanos tienen un origen (o no han sido malos desde el principio) Al final del número (como ha pasado en otras veces) se nos adelantan la ilustración del siguiente para ponernos los dientes largos.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’.
GUION
Guerreros heridos en su orgullo. No todo iba a ser tan fácil y los protagonistas se enfrentan a su primera derrota. Tienen que esforzarse más. Y, sobre todo, pensar una estrategia. Un número con mucho suspense porque no sabemos en qué dirección nos llevará el maestro Toriyama.
A destacar la personalidad y psicología de Vegeta. Toriyama le describe como en sus mejores tiempos, pero por una motivación extraída de su evolución personal. Tradición e innovación. Solo en Japón.
Pero no estamos hablando de que sea un número tranquilo. Varios personajes se han quedado en una situación muy delicada y tenemos el corazón en un puño debido a los giros de guion y momentos de infarto.
No es que Akira Toriyama haya escrito unos villanos poderosos. Si no que son muy inteligentes con todas las cartas en su poder, porque tienen un plan muy bien elaborado. Además, la narración ya no se centra en conseguir el siguiente estado de superguerrero para vencer. Entran en juego muchos más factores y gracias a un gran elenco de personajes de los de toda la vida y nuevos personajes de ‘Dragon Ball Super’ que intervienen en esta situación, se van encontrando soluciones y estableciendo giros de guion imprevisibles.
Y por supuesto terminamos este manga con una viñeta impactante que nos deja con muchas ganas de más para el siguiente número.
DIBUJO
En los últimos números se puede observar que Toyotarô, discípulo de Akira Toriyama y dibujante oficial de ‘Dragon Ball Súper’, alterna la modernidad y la tradición.
Curiosamente en todo lo referente a los personajes nuevos de esta saga (tanto héroes como villanos) aporta su propio enfoque. En cambio, en los momentos más clásicos de toda la vida Toyotarô prefiere homenajear y ser fiel al estilo Toriyama. Aunque esta situación acrecienta el Déjà vu y se han producido polémicas en Internet, cualquiera que lea detenidamente el manga se da cuenta que Toyotarô está siendo respetuoso con la obra original.
Podréis daros cuenta de homenajes visuales a las sagas clásicas y Toyotarô nos regala viñetas espectaculares. En 16 números ha demostrado ser un digno sucesor y ha aportado frescura sin perder la identidad. Los fans no se pueden quejar con el dragón Shenron.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
No es que el manga vaya más al grano que el anime, sino que es menos lioso. Aunque debemos reconocer que eso ayudo a encender nuestros debates y discutir apasionadamente como si volviéramos a tener 13 años. Ya que el anime nos llegó a España antes que el manga y tal como se nos presentó generaba inquietudes y polémicas dignas de la última trilogía de ‘Star Wars’.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 48 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: febrero de 2019. Precio: 2,95€.
Trunks ha vuelto una vez más del futuro. En su mundo, un hombre idéntico a Goku, Goku Black, se dispone a exterminar a la humanidad. ¿¡Qué será de Goku y Vegeta, que se dirigen al futuro!? Mientras tanto, Zamasu, candidato a Kaiôshin del décimo universo, se fija en Goku…
Reseña
Sin dolor no hay gloria
Llegamos a un punto que los fans estábamos esperando, en el que nuestros protagonistas están totalmente desesperados y no saben qué hacer. Las peleas son más épicas, giros inesperados… un clásico de ‘Dragon Ball Z’.
Hemos tardado, pero se agradece la cocción a fuego lento. Si hubiéramos visto este arco argumental al principio de ‘Dragón Ball Super’ la sensación sería de un ‘más de lo mismo’ (y realmente eso pasó con ‘La resurrección de Freezer’) para llegar a la épica de antaño se necesitaba subir la emoción gradualmente y desde este punto hasta lo último publicado esto es un no parar.
En esta ocasión os hablaré del número 15 de ‘Dragon Ball Super’ (el 226 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
En la ilustración de portada nos encontramos con un personaje fundamental en este arco argumental. No vamos a desvelar nada más porque en moviementarios nos gusta transmitir nuestras impresiones pero que podáis ser los primeros en descubrir las sorpresas del manga.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios no sólo de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ si no también de todas las demás obras de Akira Toriyama.
GUION
Un numero lleno de combates, como en los viejos tiempos. La épica aumenta gradualmente, alcanzando su clímax en un doble combate en la que sus giros de guion y sorpresas son en gran medida gracias a unas ganas de innovación por parte del maestro Toriyama creando nuevas (y exclusivas) técnicas de los antagonistas.
Se cambian las tornas para nuestros protagonistas y llegamos a esos momentos de dificultad que tanto nos gustan. La emoción y el suspense alcanza los mejores momentos de ‘Dragon Ball’ y nuestros héroes acaban saliendo del aprieto (una batalla, no la guerra) recurriendo al pasado de la serie con astucia (no todo va a ser fuerza bruta) y terminamos el número con un momento de esos que nos dejan con el corazón en la garganta.
DIBUJO
Toyotarô está totalmente cómodo dibujando la saga siendo fiel al estilo tradicional con los personajes conocidos e innovando con los nuevos personajes antagonistas (ángulos, trazos, perspectivas). Es como si sintiese una libertad de hacer el dibujo más suyo cuando se trata de algo nuevo. Gracias a esto podremos disfrutar de verdaderos hallazgos visuales.
Y es impresionante que ni Toriyama en sus mejores tiempos ha dibujado un entorno tan detallado (también es verdad que tenía una presión enorme). En este caso nos referimos a un futuro postapocalíptico que os recordará a los buenos tiempos y hará disfrutar a los más exigentes.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
La versión del manga es buena, sobre todo recurriendo a una variedad de técnicas impresionante y no se hace nada aburrido. No te da la sensación de leer ‘otro combate más’, pero si es verdad que la versión de anime es más espectacular que el manga, ocupando todo un capítulo de la serie y calificados como uno de los mejores animados hasta ahora. Uno de los aspectos más curiosos es que en el anime se le da más importancia a Trunks a la hora de combatir, pero su papel en el manga es mucho más ingenioso.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 40 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: noviembre de 2018. Precio: 2,95€.
La grabación de una película de serie B de muertos vivientes es interrumpida por un auténtico apocalipsis zombi.
Crítica
‘One cut of the dead’ levanta ovaciones dada su capacidad de transmitir pasión por hacer cine
El año pasado ‘One cut of the dead’ pasó por diversos festivales españoles como Sitges o la Muestra SYFY y puedo dar constancia de que las impresiones que aquí comento no son solo mías, son bastante generales. ‘One cut of the dead’ levanta ovaciones dada su capacidad de transmitir pasión por hacer cine. Da gusto ver cómo lo pasan los personajes y como gozan los actores promocionando su película. Este es un ejercicio no solo de disfrute cinematográfico sino también de trabajo en equipo en armonía y el mejor de los ambientes.
Para hablar de esta película lo primero que hay que comentar es que se compone de dos planos secuencia. El primero que parece una película de terror convencional y el segundo que llega con un buen giro de guión que cambia totalmente las cosas. Estad pendientes a todos los detalles porque el equipo de Shinichirô Ueda os los va a desgranar de un modo casi inédito. El filme esta tan bien rodado, con tal compenetración y sentido de la continuidad que lo considero un gran zasca a esos grandes cineastas que como Iñarritu son reconocidos por engañifas como ‘Birdman’.
Volvería a ver varias veces este filme pero no por haberme perdido cosas, ya que está perfectamente desmenuzada y explicada, si no por disfrutar de su originalidad y a su vez de su simplicidad. Aunque hay que decir que para coordinar las escenas que vemos hace falta un buen trabajo logístico.
Podría decirse que ‘One cut of the dead’ es un filme terroríficamente cómico y una demostración de metacine tremendamente lograda. Vais a ver corriendo a zombies y a equipos de rodaje por igual. Está repleta de maquillaje de pura serie B, sangre casera y humor splashthic. Me parece una manera francamente astuta de rendir culto al género de zombies mientras que a su vez lo ridiculiza. Para ser un tipo de películas que tenemos más que trillado y tamizado me fue una maravillosa sorpresa descubrir este filme. De las películas que uno agradece ver y que son una entrada bien gastada.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de septiembre. Título original: Kamera o tomeru na! Duración: 96 min. País: Japón. Dirección: Shinichirô Ueda. Guion: Shinichirô Ueda. Música: Shôma Ichihashi, Kentarô Kodama, Nobuhiro Suzuki. Fotografía: Takeshi Sone. Reparto principal: Takayuki Hamatsu, Yuzuki Akiyama, Harumi Shuhama, Ayana Gôda, Miki Yoshida, Kazuaki Nagaya, Hiroshi Ichihara, Takuya Fujimura, Yôko Takahashi, Satoshi Iwagô, Tomokazu Yamaguchi, Manabu Hosoi, Yoshiko Takehara. Producción: ENBU Seminar, Panpokopina. Distribución: La Aventura Audiovisual. Género: comedia, terror. Web oficial:https://kametome.net/index.html
Director, guionista y animador de obras como ‘The Ancient Magus Bride’
La próxima edición, la que hará que se cumpla el décimo aniversario, de Japan Weekend Madrid, se sigue armando de invitados. En esta ocasión es Norihiro Naganuma quien ha sido anunciado por la organización. El director de animes como ‘The Ancient Magus Bride’ o ‘Yowamushi Pedal’ ha estado también involucrado en varios departamentos de proyectos como ‘La chica que saltaba a través del tiempo’, ‘El monstruo de al lado’ o ‘Welcome to the NHK’. También ha trabajado en un episodio de ‘Ataque a los Titanes’ o de ‘Death Note’ a si es que no dudéis en acercaros a él a preguntaros sobre todo esto.
Los días 21 y 22 de septiembre también estarán Akio Watanabe (director de ‘Monogatari’), Range Murata, THREE1989, la cantante K-Pop Hyemin, RJ Palmer (diseñador de animación de las criaturas de ‘Pokémon: Detective Pikachu‘), Gabriel Picolo (conocido por Icarus and the Sun y sus fanarts de Teen Titans) y Salva Espín (dibujante de obras como Deadpool). Sin olvidarnos de la primera visita a España de la mascota Chiitan.
Trunks ha vuelto una vez más del futuro. En su mundo, un hombre idéntico a Goku, Goku Black, se dispone a exterminar a la humanidad. ¿¡Qué será de Goku y Vegeta, que se dirigen al futuro!? Mientras tanto, Zamasu, candidato a Kaiôshin del décimo universo, se fija en Goku…
Reseña
Puro ‘Dragon Ball Z’
Por fin llegamos a un punto en el que los fans de ‘Dragon Ball’ de toda la vida, los que ansiamos combates épicos que nos corten la respiración, estamos en nuestra salsa. Ha tardado, pero la espera ha merecido la pena. Después de una vuelta a los orígenes cómicos del manga, la expansión de su universo y el desarrollo del suspense en esta última saga llegamos a las YOYAS cósmicas.
A partir de este número, ya nada será igual. Y para que os hagáis una idea, sin tener que fastidiaros a base de spoilers, será parecido al combate contra Vegeta y Nappa cuando llegaron a la tierra. Un combate que encadenó con la saga de Freezer sin dejar coger aliento a los lectores.
Pues esto es lo que nos espera en ‘Dragon Ball Super’
En esta ocasión os hablaré del número 14 de ‘Dragon Ball Super’ (el 225 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
En la ilustración de portada podéis ver al villano de este arco argumental desplegando su máximo potencial. Al ser una portada a todo color impacta mucho más que dentro del manga, que es en blanco y negro.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ y aunque tengamos internet al alcance de la mano, la verdad que ayuda mucho esta guía.
GUION
Un regalo para los fans de toda la vida con un desarrollo clásico del combate, incluyendo una técnica que no veíamos desde los tiempos de Célula. Así que más de uno va a soltar una lagrimita de nostalgia.
Pero también hay novedades. La narrativa de este número no se centra solo en el combate decisivo contra el villano, sino que además podemos disfrutar de un montaje en paralelo con otro momento importante para esta saga.
El giro final del número es excelente, con una viñeta que nos va a dejar alucinados y desconcertados a partes iguales.
DIBUJO
En este número Toyotaro apuesta por el clasicismo y pareciera que ha sido el propio Toriyama el que ha dibujado los combates. También podemos disfrutar de transformaciones con uniformes de combate que no habíamos visto todavía y del que había mucho fan art.
Para el fan muy exigente, sí que se le puede poner una pega. Hasta ahora Toyotaro había sido muy obsesivo con los detalles (como el director Zack Snyder con la adaptación de ‘Watchmen’) pero en este número se ha tomado una cierta licencia con un look de un personaje relacionado con una transformación determinada.
Si nos pusiéramos a debatirlo, entraríamos en spoilers y además sospecho que es una manía propia de un servidor, porque incluso podría estar justificado para diferenciar al personaje, pero supongo que la explicación puede ser más fácil: habrá sido un despiste del dibujante.
Hay que reconocer que Toyotaro nos tenía muy mimados con un nivel tan alto que los fans más acérrimos solo podíamos callarnos y quitarnos el sombrero. A veces es más fiel al estilo Toriyama que el propio Toriyama, que le gusta cambiar su estilo de dibujo cada cierto tiempo. Pero para muchos fans los diseños de ‘Dragon Ball’ alcanzaron su cenit en las sagas de Célula y Bu.
Y Toyotaro lo sabe. Porque Toyotaro también es un fan.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
El anime alcanzó en este número uno de sus clímax visuales, con uno de los mejores capítulos en cuanto a combates y calidad gráfica: el capítulo 57. A partir de este capítulo la serie no hizo más que subir y subir hasta la conclusión de la primera temporada.
En este aspecto el manga también mejoró porque era la primera vez que nuestros protagonistas se veían en un serio aprieto ya que hasta entonces el manga había optado por volver a los orígenes cómicos.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 40 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: noviembre de 2018. Precio: 2,95€.
Trunks ha vuelto una vez más del futuro. En su mundo, un hombre idéntico a Goku, Goku Black, se dispone a exterminar a la humanidad. ¿¡Qué será de Goku y Vegeta, que se dirigen al futuro!? Mientras tanto, Zamasu, candidato a Kaiôshin del décimo universo, se fija en Goku…
Reseña
Acercándonos al clímax
‘Dragon Ball Super’ podría haberse llamado ‘la casa por el tejado’, ya que primero vimos la película, luego la serie y luego el manga. Totalmente al revés de lo que suele ser habitual. Obviamente fue todo por una cuestión de mercado, tanteando al público a cada paso, intentando evitar el mismo fracaso que ‘Dragon Ball GT’. Pero curiosamente, esto ha repercutido muy positivamente en el manga.
Con el siguiente esquema y reparto de tareas, las películas se encargan de la acción a mansalva, la serie es la que soporta la presión mediática de los fans y el manga se ha podido desarrollar con mucha coherencia y tranquilidad.
Después del ritmo endiabladamente rápido de los 3 primeros arcos argumentales, y el desarrollo del suspense en esta presente saga, estamos llegando al clímax preferido de los fans de ‘Dragon Ball’: yoyas nivel dios.
Un preludio en el que prevalece el humor «made in Toriyama», se atan cabos sueltos de esta saga y nos deja con la miel en los labios para el combate definitivo de ‘Dragon Ball Super’ que leeremos en el siguiente número.
En esta ocasión os hablaré del número 13 de ‘Dragon Ball Super’ (el 224 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
En la ilustración de portada podéis ver uno de los momentos más desconcertantes de la historia de ‘Dragon Ball Super’ con Son Goku saludando de manera amistosa a uno de los personajes más poderosos e importantes de ‘Dragon Ball’, al cual se le tiene que tratar con mucho cuidado. Y Son Goku no es conocido precisamente por su sutileza.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ para no perderos en el tsunami de lanzamientos de nuestro manga favorito.
GUION
Un giro inesperado antes de llegar al clímax de la serie, aderezado con mucho mucho humor. Toriyama nos descubre rincones desconocidos del universo ‘Dragon Ball’ que en un futuro no muy lejano serán testigos de grandes eventos.
Se aclaran a pasos agigantados los motivos, modus operandi e identidad del villano de esta saga y por fin, llegamos al escenario clave de esta presente saga donde nuestros saiyans se jugarán el todo por el todo.
DIBUJO
Toyorato a nivel gráfico se supera con respecto al número anterior. Sobre todo, en la creación de mundos nuevos, se puede apreciar en los detalles arquitectónicos (ya sean palacios de otra dimensión o entornos urbanos) y del uso de las sombras en los momentos más dramáticos.
En este número también podréis disfrutar del estilo clásico de Toriyama al que se recurre sobre todo en los momentos más cómicos.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Damos menos vueltas que en el anime, hay que reconocerlo, aunque el anime nos recompensó con semanas de sanas discusiones con los amigos, comiéndonos el coco con cientos de teorías sobre el villano o el desarrollo de los acontecimientos de esta saga. Nada que envidiar al chasquido de Thanos.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 40 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: octubre de 2018. Precio: 2,95€.
Dos deidades con personalidades diferentes conviviendo
Sinceramente, sabía de la película animada, la cual distribuye SelectaVisión, basada en el manga de Hikaru Nakamura. Pero no conocía la serie de acción real que emite el canal Piccoma TV. Esta ha llegado a su segunda temporada y en ella podemos ver a Ken’ichiMatsuyama y Shôta Sometani, actores que os sonarán si seguís live action japoneses, en concreto ‘Death Note’ o ‘Parasyte’ respectivamente.
No hace falta ser un lince para saber cuál es el argumento de esta serie. Matsuyama ejerce de Jesucristo y Sometani de Buda. Ambos se encuentran de vacaciones en la Tierra y comparten piso durante su estancia. Dos seres sobrenaturales que comparten los quehaceres del ser humano, muy al estilo de lo que hemos visto hace poco en ‘Lo que hacemos en las sombras’.
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