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Crítica: ‘La cita’

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Sinopsis

Las primeras citas siempre son estresantes, pero ¿estar en una primera cita mientras un desconocido te manda memes personales que pasan de molestos a homicidas? Aterrador.

Crítica

Landon se pasa al terror digital transmitiéndonos la tensión vía Bluetooth

Christopher Landon regresa tras sus exitosos slasher cómicos para sumergirse en el  género del thriller con ‘La cita (Drop)’, una película que explota las ansiedades modernas en la era digital. Protagonizada por Meghann Fahy en el papel de Violet, una madre viuda que se aventura en su primera cita en años, la narrativa se centra en cómo una velada aparentemente normal se transforma en una pesadilla cuando Violet comienza a recibir mensajes anónimos a través de Bluetooth. Estas comunicaciones se tornan en amenaza y pronto comienzan las sospechas hacia todos los que la rodean, incluyendo el chico con el que lleva chateando tres meses, Henry, interpretado por Brandon Sklenar. Esto puede recordar a filmes como ‘Equipaje de mano’, ‘Locke’, ‘Eagle eye’ o ‘Última llamada’, pero incorporando nuevas tecnologías y siguiendo derroteros algo diferentes.

La premisa de ‘La cita’ se inspira en una experiencia real de Olivia Sui, quien durante una cena con su pareja y un amigo, los productores Sam Lerner y Cameron Fuller, recibió memes aleatorios de Shrek a través de AirDrop. Este incidente cotidiano tan loco y que bien podría haber salido de la imaginación del director se convierte, bajo la dirección de Landon, en una exploración de las vulnerabilidades tecnológicas y en su mayoría, en una manera de conducirnos hacia un tema mucho más peliagudo.

Comparando ‘La cita’ con trabajos anteriores de Landon, como ‘Feliz día de tu muerte’ y ‘Este cuerpo me sienta de muerte’, se observa una evolución en su enfoque del terror y el suspense. Mientras que ‘Feliz día de tu muerte’ combinaba el slasher tradicional con bucles temporales y toques de humor negro, y ‘Este cuerpo me sienta de muerte’ exploraba el intercambio de cuerpos con una mezcla de comedia y terror. ‘La cita’ mantiene algo de ese humor sinvergüenza (ahí están los memes, el camarero intensito y el ‘Baby Shark’ a piano) pero se sumerge más en un thriller psicológico. Aquí, Landon abandona los elementos sobrenaturales para centrarse en amenazas plausibles en el mundo hiperconectado de hoy. Con cambio de tercio o sin él queda patente que lo que hace este cineasta es readaptar filmes a corrientes actuales maquillándolo todo a través de artificios tecnológicos que visualmente quedan resultones pero que no esconden que estamos ante lo mismo de siempre. El cierre del filme es el que deja meridianamente claro que estamos ante algo más convencional de lo que las lentejuelas esconden.

Sin ser una interpretación de Oscar Meghann Fahy demuestra capacidad para transmitir la creciente desesperación y el conflicto interno de su personaje. Es en gran medida responsable de la tensión que conseguirá mantener a buena parte de los espectadores en vilo. Si piensas que en Tinder encuentras citas raras espérate a ver la que tiene esta joven viuda. Landon se podría haber puesto mucho más loco pero ha optado por embadurnar al filme de un tema comprometido y eso merece por lo general mucho respeto y menos cachondeo. ‘La cita’ es una película en la que la protagonista no tiene el control de la situación e irónicamente el guión consigue contenerse y evitar un desmadre que quizá habría hecho del final algo más remarcable.

A parte del tema social, que no comentaré por no destripar el trasfondo de la protagonista, ‘La cita’ también destaca por su comentario sobre la invasión de la privacidad en la era digital. Al basar la trama en una función común de los smartphones, Landon convierte una utilidad cotidiana en una fuente de terror, recordando al público las posibles vulnerabilidades en su vida diaria. Muchas veces una función la mar de práctica se convierte en herramienta para hacer fechorías: mensajería instantánea, envíos de imágenes, ver cámaras de seguridad desde el móvil, clonado de datos… Día a día la tecnología deja con la sensación de obsolescencia a más gente y esta es una fuente de terror e inquietudes que sin ser novedosa explota bien el filme. Sin llegar a tener giros a lo Shyamalan ‘La cita’ demuestra que Landon se esfuerza por sorprender alejándose una vez más de las fórmulas de terror convencionales. Pero carece del talento o la visión que convirtieron a cineastas como Edgar Wright, Karyn Kusama o, más recientemente, Oz Perkins, en voces realmente distintivas dentro del género.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de abril de 2025. Título original: Drop. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Landon. Guion: Jillian Jacobs, Christopher Roach. Música: Bear McCreary. Fotografía: Marc Spicer. Reparto principal: Meghann Fahy, Brandon Sklenar, Violett Beane, Jacob Robinson, Reed Diamond, Gabrielle Ryan. Producción: Blumhouse, Platinum Dunes, Wild Atlantic Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: suspense. Web oficial: https://www.instagram.com/dropthemovie/

Crítica: ‘Hombre lobo’

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Sinopsis

El nominado a los Globos de Oro Christopher Abbott protagoniza esta historia en el papel de Blake, un hombre casado y padre de familia residente en San Francisco que hereda la remota casa donde creció en una zona rural de Oregón tras la desaparición de su propio padre, dado por muerto. En plena crisis de pareja con su enérgica esposa Charlotte, Blake la convence para tomarse un descanso de la gran ciudad y visitar la propiedad con su hija Ginger.

Todo se tuerce cuando, de camino a la granja y en plena noche, la familia sufre el brutal ataque de un animal al que no consiguen ver y, en un intento desesperado por huir, se atrincheran dentro de la casa mientras la criatura merodea por la zona. Pero, con el paso de las horas, Blake comienza a comportarse de un modo extraño y a convertirse en algo irreconocible, y Charlotte se verá obligada a decidir si esa monstruosidad es más letal que el peligro que acecha en el exterior.

Crítica

Aprovecha su técnica pero no su significado subyacente

Leigh Whannell, quien sorprendió al público y a la crítica con su renovada interpretación de ‘El hombre invisible’ (2020), regresa al cine de terror con ‘Hombre lobo’, una película que, si bien prometía ser otro ejercicio de reinterpretación moderna de los monstruos clásicos, se queda a medio camino entre el homenaje y la reinvención. Whannell demuestra que sigue siendo un narrador técnicamente competente, pero en esta ocasión parece haber perdido la ocasión de plantear un subtexto como hizo con su película anterior, consiguiendo así un ejercicio fascinante. Sin duda estamos ya lejos del Dark Universe que quería crear Universal y nos encontramos de lleno con una nueva colaboración con Bluhouse.

En ‘El hombre invisible’, Whannell exploraba temas como el gaslighting, la violencia de género y el control psicológico, creando una capa adicional de terror que resonaba profundamente con la realidad contemporánea. ‘Hombre lobo’ siembra lo suficiente como parecer tener la oportunidad de ahondar en un discurso igualmente rico: la lucha entre el instinto protector y los impulsos más oscuros del ser humano heredados entre generaciones. Sin embargo, esta posibilidad queda prácticamente desaprovechada, relegada a menciones superficiales que nunca se desarrollan por completo. El protagonista, cuyo vínculo familiar debería ser el corazón emocional de la historia, no logra transmitir una tensión emocional suficiente como para convertir ese conflicto en el motor de la trama. Por supuesto ni el giro final ni el desenlace responden a avatares tan complejos, al contrario, se alzan como algo escrito en piloto automático.

Donde sí destaca Whannell es en su capacidad para construir secuencias de alta tensión, y el prólogo de ‘Hombre lobo’ es un ejemplo brillante de ello. Desde el primer minuto, el director crea un ambiente opresivo y cargado de suspense, dejando entrever una amenaza física pero jugando mucho con los planos. Es una lástima que el resto de la película no mantenga este nivel de intensidad, pero este inicio es un recordatorio del talento de Whannell para crear la atmósfera.

Uno de los aspectos más discutibles de la película es la representación del licántropo. Había una palpable expectativa por ver cómo Whannell reinterpretaría la transformación del hombre en bestia, un momento emblemático en cualquier obra de licantropía (seguro que todos tenéis en mente películas como ‘Dog Soldiers’, ‘Hombre lobo americano en Londres’, ‘Wolf’, ‘Underworld’ o cualquiera de Paul Naschy). Sin embargo, en lugar de optar por una visión antropomórfica que honrara el legado del monstruo clásico, Whannell toma un camino más visceral y grotesco, recordando a ‘La mosca’ de David Cronenberg. La transformación es dolorosa y deshumanizante, lo que resulta impactante pero al mismo tiempo alienante para quienes esperaban una criatura más icónica y menos perteneciente al body horror. Aunque esta elección tiene su mérito en términos de originalidad, la ejecución deja una sensación de desconexión, como si la película se alejase demasiado de las raíces míticas del hombre lobo, a pesar de que en su inicio intenta vincularse con leyendas de la américa profunda. Para muchos aparecerá en mente el aspecto de los klingon de ‘Star Trek’ o de los protagonistas convirtiéndose en cerdo en ‘Willow’, lo cual, es muestra de que no se ha escogido el mejor aspecto, quizá el más científico, pero no el más mítico.

Un punto a favor es la manera en que Whannell experimenta con la perspectiva de la bestia. Las escenas que nos muestran la visión del hombre lobo –un caleidoscopio de colores distorsionados y movimientos casi psicotrópicos– ofrecen una inmersión única en su experiencia sensorial. Es un recurso interesante y técnicamente bien logrado, aunque su impacto narrativo es limitado, ya que no llega a integrarse de manera orgánica con la historia.

En definitiva, ‘Hombre lobo’ es una película que combina destellos de genialidad técnica con decisiones narrativas que no terminan de cuajar. Aunque el prólogo y la perspectiva sensorial del licántropo destacan como virtudes, el filme carece de un subtexto que la haga justificable. La oportunidad de explorar un discurso profundo sobre el instinto protector y los conflictos internos del protagonista se pierde en una historia que parece más interesada en sus momentos de impacto visual que en sus implicaciones temáticas.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de enero de 2025. Título original: Wolf Man. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Leigh Whannell. Guion: Leigh Whannell, Corbett Tuck, Rebecca Angelo, Lauren Schuker Blum. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Stefan Duscio. Reparto principal: Christopher Abbott, Julia Garner, Sam Jaeger, Matilda Firth, Ben Prendergast. Producción: Blumhouse Productions, Motel Movies, Universal Pictures, Waypoint Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: terror. Web oficial: https://www.instagram.com/wolfmanmovie/

Análisis del Blu-ray con todas las películas de Gru

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Todo lo que necesitas saber sobre este pack recopilatorio

Hoy tengo entre manos un artículo que sin duda despertará la nostalgia y el entusiasmo de los fanáticos de la animación: el Blu-ray de colección que reúne las cuatro películas principales publicadas hasta la fecha de ‘Gru: Mi Villano Favorito’. Si eres como yo, alguien que disfruta tener lo mejor del entretenimiento en su formato físico más nítido y lleno de extras, prepárate, porque este paquete tiene entretenimiento para rato.

Desde su estreno en 2010, ‘Gru: Mi Villano Favorito’ no solo ha sido un soplo de aire fresco dentro del cine de animación, sino que también ha creado unas figuras que se han tatuado a fuego en la cultura POP, los adorables Minions, esos traviesos ayudantes amarillos. Por desgracia este Blu-ray solo incluye la saga original que sigue las desventuras del carismático Gru y su familia. Queda a parte la precuela que explora los orígenes de sus fieles secuaces. Han quedado excluidas las películas de los minions de 2015 y 2022.

En este análisis, vamos a explorar cada detalle: desde la calidad de la imagen y el sonido, hasta los extras incluidos, como comentarios del director, cortometrajes inéditos y material detrás de cámaras. ¿Qué hay del diseño del empaque? ¿Es de esos que lucen espectacular en la estantería? Podéis comprobarlo al pie de esta entrada en la galería de fotos.

Los discos, como podéis ver en las fotos, vienen serigrafiados con imágenes de las películas, alejándose de otras versiones más sobrias y sencillas que únicamente ilustraban el título o los habituales sellos de producción. Son cuatro discos, los cuales están animados, desde sus créditos hasta sus menús de opciones. Es importante señalar que estos discos pueden requerir conexión a internet para obtener contenido extra a través de ‘What’s new!’ y la función BD Live.

En cuanto a detalles técnicos entre las distintas películas han pasado catorce años y el formato puede variar un poco. Desde 1.85:1 hasta 2.35:1. Pero en cuanto a doblaje, algo muy importante en esta saga, todas las películas están con voces en castellano, inglés, francés, italiano, alemán, danés, turco, islandés… En cuanto a los subtítulos hay menos variedad, dominando los que están en castellano, inglés o catalán, variando con otras lenguas de Europa según el disco que introduzcamos.

Extras (130 min. aprox.)

Disco 1

Gru-Control

Una manera muy diferente de ver la película con Gru al mando.

Minipelículas de Despicable Me (8:22 min.)

Tres cortometrajes titulados ‘Transformación de la casa’, ‘Día de orientación’ y ‘Plátano’. Están dobladas al castellano.

El mundo de Despicable Me (15:16 min.)

Los directores y dobladores hablan del concepto de Gru y lo que supuso hacer esta película.

Ritmos villanos (2:48 min.)

Pharrell Williams habla sobre la grabación de la banda sonora y el tema principal.

Las recetas de cocina de la Srta. Hattie

De manera animada tenemos cinco recetas para endulzar el visionado: pastas de menta, espirales de chocolate, chocococos, bolsitas de toffee y terrones de caramelo.

Un esfuerzo global ( 3:23 min.)

Centenares de personas hicieron esta primera entrega en estudios a lo largo de todo el muno, cada uno comenta cual fue su granito de arena.

Avances de juegos de Despicable Me (2 min.)

Tráilers del videojuego que acompañó a la película.

Disco 2

Escena inédita. Gru-pipis (46 seg.)

Una escena con Gru de pequeño en el colegio en uno de sus momentos más traumáticos.

Los minions (3:07 min.)

Que los minions son un fenómeno popular es innegable y aquí se analiza brevemente su éxito.

Minions malvados (4:18 min.)

Se supone que los minions son adorables, pero su objetivo es servir a un genio del mal. ¿O no? Quizá el nuevo minion morado no opina lo mismo.

Una transformación Gru-tesca (5:27 min.)

Esta segunda entrega fue la que vio nacer a un Gru convertido en padrazo. Aunque Gru se cree el mayor villano de la historia no puede negarse a ser un santurrón.

El hombre malo: la perversidad del macho (4:16 min.)

El Macho es el villano de esta segunda entrega. Un personaje con sabor latino que estuvo doblado por Benjamin Bratt.

Las chicas de Gru (5:34 min.)

Las dobladoras de las simpáticas protagonistas hablan de como fue poner voz a las niñas que están bajo el cuidado de nuestro villano favorito.

Gadgets a porrillo (4:12 min.)

Siguiendo la estela de los mejores agentes secretos, o de Batman, Gru tiene muchos inventos con los que hace sus fechorías. ¿Cuáles? Steve Carell nos lo cuenta.

Minipelículas (13 min.)

‘Cachorro’, ‘Pánico en la sala de envíos’ y ‘Ruedines’ son los títulos de estos tres cortometrajes.

Disco 3

Minipelícula (4:13 min.)

‘La vida secreta de Kyle’ es el único cortometraje que incluye este disco. El pequeño monstruito con forma de perro, mascota de la familia tiene muchos entretenimientos cuando está solo.

Escena inédita dde introducción de Diana Gaier (40 seg.)

La dobladora de Edith nos presenta una escena eliminada.

Momentos Minion (1:20 min.)

Gags de los minons sobre fondo blanco o en el laboratorio de Gru y haciendo de las suyas.

Perfiles de los personajes (10 min.)

Probablemente esta sea la entrega que más personajes presentó. 5 de sus voces hablan sobre la personalidad de sus personajes.

Así se hizo Gru 3 (6:50 min.)

Tras dos películas había que innovar y tanto productores como director nos cuentan cómo orientaron este título que hizo de la franquicia una trilogía.

Creando a Dru (4:13 min.)

El hermano de Gru fue toda una sorpresa para el público. Por supuesto estuvo doblado por Steve Carell, pero como pasó con Austin Powers, ambos eran opuestos.

Los archivos AVL (12 min.)

Como si estuviésemos en la agencia AVL podemos usar un terminal que nos da acceso a los villanos registrado y a un análisis exhaustivo.

Guía para el visitante de Freedonia (5 min.)

Pareciendo el mapa de un videojuego podemos acceder a pequeños spots sobre las zonas de Freedonia.

Televisión de mi villano favorito (3 min.)

Anuncios publicitarios simulando se una televisión en el mundo de Gru vendiendo muñecos y trajes.

Doowit canta con nosotros (1:36 min.)

Videoclip con los minions en la cárcel. En formato karaoke.

Videoclip Yellow light (3:43 min.)

Videoclip de imagen real del tema principal de la película.

Fotos de archivos policiales

Simplemente imágenes de los minions como si estuviesen siendo fichados por la policía.

Pósteres de “se buscan”

Simplemente imágenes de los minions como si estuviesen en busca y captura.

Disco 4

No contiene extras.

 

Crítica: ‘Nosferatu’ (2024)

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Sinopsis

Nosferatu es un cuento gótico en torno a la obsesión entre una atormentada joven y el aterrador vampiro enamorado de ella que deja un espantoso rastro a su paso.

Crítica

Magníficamente terrorífica. No se amilana ante el clásico de culto que readapta

Cuando Friedrich Wilhelm Murnau estrenó Nosferatu en 1922, lo hizo como una adaptación no autorizada de la novela ‘Drácula’ de Bram Stoker. Incapaz de obtener los derechos, Murnau modificó los nombres y ciertos detalles para evitar problemas legales, pero el resultado fue un filme que, pese a las demandas y la orden de destruir todas las copias, sobrevivió al paso del tiempo para convertirse en un referente absoluto del cine de terror. Ahora, en 2024, Robert Eggers, director de obras como ‘The Witch’, ‘El faro’ o ‘El hombre del norte’, se atreve con la monumental tarea de rehacer este clásico inmortal. Y lo hace con una visión tan meticulosa y apasionada que no solo rinde homenaje al original, sino que también lo reimagina para una nueva generación superando cualquier remake y yendo a rebufo del ‘Drácula’ de Coppola.

‘Nosferatu’ es una joya visual que respeta sus raíces. Desde el primer fotograma, queda claro que Eggers comprende profundamente lo que hizo especial al Nosferatu de Murnau. La fotografía, a cargo de Jarin Blaschke, colaborador habitual de Eggers, es un tributo directo al expresionismo alemán, con claroscuros pronunciados, encuadres angulares y una atmósfera que parece palpitar con opresión. Sin embargo, lejos de limitarse a imitar, Eggers incorpora su estilo característico, dando lugar a una experiencia que es a la vez clásica y moderna, estamos ante la versión de Drácula más dickensiana. Y aunque tiene momentos brillantes, no es lo suficientemente constante en su estilo como para dejarnos con un Síndrome de Stendhal, como nos tiene acostumbrados. Tampoco nos regala una reproducción de la clásica secuencia de la sombra del vampiro subiendo las escaleras, más bien es una re-imaginación. Aún así, la escena final va a quedar marcada en la retina de la historia del terror por cómo se acerca al grotesco medieval.

Hay varias decisiones arriesgadas para el filme que enfrentarán la opinión de los puristas. Y no me refiero a pasar un título mudo al sonoro. Hablamos más de hacer una película a caballo entre la obra del 22 y el ‘Drácula, de Bram Stoker’. La narrativa evidentemente es más moderna y a veces incluso mucho más grotesca. Pero sobre todo se nota que el tratamiento romántico no está del todo presente. A parte de eso están los kilos de maquillaje que han convertido a Bill Skarsgård en un Vlad Tepes al más puro estilo danza macabra (danza de la Muerte) del arte del siglo XV.

Pero es que además las interpretaciones cortan la respiración. El clásico del cine mudo adquiere otra dimensión con los diálogos y las actuaciones de esta versión de 2024. Bill Skarsgård, conocido por su capacidad para interpretar personajes perturbadores, ofrece una versión del conde Orlok que es a la vez monstruosa y profundamente trágica. No solo encarna el terror, sino también el patetismo de una criatura atrapada por su propia naturaleza. Su presencia es magnética, y cada gesto o mirada parece hablar de siglos de soledad y desesperación. Su voz transmite pesadumbre a la par que infunde terror.

El resto del elenco también está a la altura. Lily-Rose Depp como Ellen Hutter (la reimaginación del personaje de Mina Harker) aporta una vulnerabilidad y fortaleza que enriquecen el drama, recordando por momentos a personajes burtonianos. Mientras que Nicholas Hoult como Thomas Hutter, se enfrenta a los horrores del conde con una mezcla de ingenuidad y desesperación. Eggers logra extraer interpretaciones que no solo son convincentes, sino también profundamente humanas, lo que añade una capa emocional que eleva la película más allá del horror convencional. Como siempre saca oro de el elenco más joven y aprovecha volver a contar con Willem Dafoe y Ralph Ineson.

Eggers toma los elementos esenciales del original y los expande con un guion que ahonda en los temas de la corrupción, la mortalidad y el sacrificio. Aunque se mantiene fiel a la narrativa básica, introduce nuevos matices que hacen que la historia se sienta fresca sin perder su esencia clásica. Se convierte en otro título que explora el viaje del Demeter, aunque solo de manera pasajera y evidentemente en menor grado que la película de André Øvredal.

El ‘Nosferatu’ de Eggers no es simplemente una nueva versión de una película de culto, sino una exploración de cómo los miedos y obsesiones humanas trascienden el tiempo. Con una dirección impecable, actuaciones memorables y un estilo visual inconfundible, esta película reafirma a Eggers como uno de los directores más importantes del cine de terror contemporáneo. Y aunque para mí no es su mejor título hay que reconocer que no se ha amilanado ante el peso del clásico que readapta, lo cual era un reto que a muchos se les antoja inabarcable. Para los fanáticos del terror y el cine de autor, esta película es un imprescindible que celebra la historia del género.

Por último, las curiosidades vampíricas que se han dado en este filme. En ‘Nosferatu’ aparece Willem Dafoe interpretando al Prof. Albin Eberhart von Franz que es el nombre usado para adaptar a Abraham van Helsing. En su día apareció en ‘La sombra del vampiro’, la película sobre el rodaje de ‘Nosferatu’, en la cual interpretaba a Max Schreck, quien era el villano Orlok a.k.a. Drácula. Por otro lado, Nicholas Hoult encarna a Thomas Hutter que es el equivalente al enamorado Jonathan Harker, el cual sufre el calvario del vampiro. Irónicamente hace poco estaba del otro lado de la contienda interpretando al ayudante de Drácula en ‘Rendfield’. Ambas películas comparten a Nicolas Cage, como productor y protagonista respectivamente. Quien se ha metido en la piel del Orlok en esta ocasión es Bill Skarsgård, quien nunca ha estado en una de chupasangres pero cuyo hermano es Alexander Skarsgård, protagonista de ‘True Blood’. Y la cosa no se queda en estos tres actores. Más desconocido es Jordan Haj, que en esta nueva versión aparece acreditado como cazador de vampiros. Este actor y músico checo aparecía en el reparto de ‘Underworld: guerras de sangre’ estando en el bando de los vampiros.  Por último y no menos importante, la película ha rodado sus exteriores en el castillo de Hunedoara, ubicado en Rumanía y lugar donde otrora Vlad Drácula estuvo preso brevemente. Las estancias que vemos se han recreado en los castillos de Rožmitál y Pernstejn (República Checa) y por este último ya pululó Nosferatu con la película ‘Nosferatu, vampiro de la noche’ de Werner Herzog.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de diciembre de 2024. Título original: Nosferatu. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: Robert Eggers. Guion: Robert Eggers. Música: Robin Carolan. Fotografía: Jarin Blaschke. Reparto principal: Bill Skarsgård, Nicholas Hoult, Lily-Rose Depp, Aaron Taylor-Johnson, Emma Corrin, Ralph Ineson, Simon McBurney, Willem Dafoe. Producción: Focus Features, Maiden Voyage Pictures, Studio 8, Birch Hill Road Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: terror, remake. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/nosferatu/

Crítica: Winnie the Pooh: Miel y sangre 2

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Sinopsis

Christopher Robin se alejaba de sus amigos Winnie the Pooh, Piglet, Owl y Tigger para ir a la universidad. Esto puso en peligro su supervivencia y provocó que tuviesen que valerse por si mismos durante mucho tiempo, lo que los condujo a recuperar sus raíces salvajes.

En esta secuela, en lo más profundo del Bosque de los Cien Acres crece una furia destructiva cuando ven peligrar sus vidas después de que Christopher Robin revelara su existencia. Abandonando la oscuridad en la que se resguardaba, el grupo decide llevar su lucha al pueblo de Ashdown, hogar de Christopher Robin, dejando un sangriento rastro de muerte y caos a su paso.

Crítica

Mucho más visceral y divertida que su primera parte

El universo siniestro de Disney regresa con la secuela ‘Winnie the Pooh: Blood and Honey 2’, mejor que su predecesora, a la cual han dejado como si fuese una película dentro de la película contando lo que le sucedió al joven Christopher Robin.

Continuamos con la historia después de la gran matanza que hubo en el busque. Christopher ha quedado como un asesino, pues nadie cree su historia, en la que sus “amigos del bosque” hayan decidido vengarse de su abandono. Pero Winnie existe y esta vez viene con dos amigos mas, Búho y Tigger. Dos personajes más sanguinarios y con muchas ganas de liarla.

La película me ha gustado bastante. Es mucho más visceral y tenebrosa que la primera parte. Además, ya solo la apariencia de estos animales de cuento es bastante más siniestra que en su anterior versión, que es cierto parecía más una máscara de carnaval.

Tenemos también muertes más macabras y no dudan en hacer sufrir al joven Christopher Robin de cualquier manera, atacando a sus familiares y amigos. Mientras el sigue siendo señalado como mentiroso por parte de todo el pueblo.

La película está dirigida por Rhys Frake-Waterfield, director de la primera entrega y que también se va a encargar de dirigir ‘Pinocchio Unstrung’. Debió de coger feedback de su anterior obra y se nota que ha rectificado mucho o ,también puede ser, que le hayan dado más libertad a la hora de crear la película. Y como digo, ha logrado una película bastante entretenida.

Uno de los puntos fuertes de esta secuela, son Buho y Tigger que son personajes bastante crueles. Es una pena que por temas de derechos de autor, no se pueda utilizar del todo la imagen de Tigger, pues hubiese dado bastante juego, pero aun así, es de lo mejor de la cinta.

Así que por lo que sabemos el año que viene ya llegan alguna de estas cintas, lo que no sabemos si veremos cameos. Pero este nuevo universo siniestro de personajes de cuento tiene muy buena pinta.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de noviembre de 2024.  Título original: Winnie the Pooh: Blood and Honey 2. Duración: 100 min. País: Reino Unido. Dirección: Rhys Frake-Waterfield. Guion: Rhys Frake-Waterfield, Matt Leslie.  Música: Andrew Scott Bell. Fotografía: Vince Knight. Reparto principal: Scott Chambers, Ryan Oliva, Tallulah Evans, Simon Callow, Eddy MacKenzie, Lewis Santer, Alec Newman, Peter DeSouza-Feighoney, Marcus Massey, Thea Evans, Nicola Wright.  Producción: ITN Distribution, Premiere Entertainment Group, Jagged Edge Pruductions. Distribución: Syfy. Género: Terror. Web oficial: https://www.umbrellaent.com.au/movie/winnie-the-pooh-blood-and-honey-2-2/

Crítica: ‘Wicked’

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Sinopsis

Tras dos décadas como uno de los musicales más aclamados y longevos en escena, WICKED llega en noviembre a la gran pantalla para convertirse en un esperadísimo y espectacular evento cinematográfico que definirá una era.

Crítica

Su magia hizo desaparecer mi escepticismo

Cuando uno escucha que Hollywood ha decidido adaptar el exitoso musical ‘Wicked’, derivado a su vez de las novelas de Gregory Maguire y con raíces profundas y más que evidentes en ‘El mago de Oz’, lo normal es sentir cierto recelo. ¿Otro remake? ¿Otra adaptación? ¿Otra excusa para explotar una franquicia clásica estirando el chicle? Pero he aquí la sorpresa: ‘Wicked’, dirigida por Jon M. Chu con un toque inesperadamente magistral, logra no solo justificar su existencia sino brillar como una de las adaptaciones más sólidas de los últimos años. La verdad es que mi incredulidad estaba injustificada pues, aunque no soy precisamente público del género, este director ha demostrado en más de una ocasión ser capaz de hacer muy buenas obras musicales.

‘Wicked’ tiene una tarea costosa que se antoja propia de Sísifo: ser compatible con ‘El mago de Oz’, un clásico absoluto del cine, además de con la audiencia actual. La película, lejos de traicionar el espíritu del filme original, lo recontextualiza, como ya hizo el musical del que parte, de una manera que hace del visionado una experiencia rica en varios sentidos. Aunque hay que reconocer que quedan detalles pendientes para la segunda entrega.

Para ello, intentar llevar a cabo tan laboriosa entrega, a modo de precuela, conocemos a Elphaba/Cynthia Erivo (la futura Bruja Malvada del Oeste) y a Glinda/Ariana Grande (la Bruja Buena del Sur), en sus años de juventud, en su época de instituto. Cuando leí por primera vez su sinopsis me hizo remontarme inmediatamente a aquella adaptación de ‘Dragon Ball’ que planteaba a Goku como un alumno de instituto en plan nerd. Pero por suerte ‘Wicked’ se aleja de ese despropósito, aunque aún me cuesta asimilar a actores pintarrajeados de verde croma. Más que al live action del famoso anime, esta propuesta se parece a otra famosa franquicia. Es como si Harry Potter se hubiese encontrado con Willy Wonka, desarrollando una vez más el discurso de los poderosos que pasan desapercibidos o son marginados por el mero hecho de ser diferentes.

La relación entre las dos protagonistas es el corazón del filme. El espectador más talludo disfrutará de las conexiones con la película de 1939 y la forja de una villana arquetípica que se ha mantenido viva casi cien años después. Los más jóvenes tienen una narrativa de amistad y aventuras que les sacará de tanto cine superheróico. Vuelve ese discurso, explorado una y tantas veces, sobre que los villanos no nacen, se hacen, pero la película tiene algo más complejo que ofrecernos.

El escepticismo respecto a las adaptaciones musicales es justificado, muchas veces pierden la magia de las tablas en el proceso. Como decía antes la película tenía que mantener una difícil comunión. Cuando hablamos de llegar al público neófito en esta historia y a los fans del material de Broadway se plantea un reto similar. Tras ver ‘Wicked’ queda patente que está desarrollada para un público general, pero también se percibe que los números cantados y bailados tienen un origen en escenarios. Aún con todo y con eso la película está embadurnada de efectos digitales que si bien la hacen espectacular le pueden restar encanto. A mi en concreto me gusta como las nuevas tecnologías están bien aprovechadas para darle otra dimensión a la Tierra de OZ.

No suelo entrar en polémicas, pero hay veces que me alegra ver como a la generación de cristal le vuelve la llorera como un boomerang. Se ha hablado mucho del carácter woke del filme. En otras producciones podría ponerme de uno u otro lado. Pero en esta creo que no tiene sentido la polémica. Claro, es que todos hemos visto y sabemos cómo es una bruja en realidad y estamos en posición de criticar el aspecto de la que interpreta Cynthia Erivo. Modo sarcástico ON. El filme tiene una trama muy conveniente, tanto como para responder automáticamente tanto a detractores como a cínicos.

De los musicales siempre me ha costado mucho encajar sus habituales flashmobs y su por lo general, carácter extremadamente happy. Aunque sigo diciendo que casi tres horas son excesivas reconozco que el filme tiene momentos auténticamente emocionantes que perduran tras los títulos de crédito. Me quedo con los momentos en los que Ariana Grande ha de ser chistosa, consiguiéndolo como si fuese un auténtico dibujo animado con el objetivo de ser hiperactiva, cursi y cargante.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Título original: Wicked: part one. Duración: 160 min. País: EE.UU. Dirección: Jon M. Chu. Guion: Winnie Holzman, Stephen Schwartz. Música: Stephen Schwartz. Fotografía: Alice Brooks. Reparto principal: Ariana Grande, Cynthia Erivo, Jonathan Bailey, Jeff Goldblum, Michelle Yeoh. Producción: Universal Pictures, Marc Platt Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: drama. Web oficial: https://www.instagram.com/wickedmovie

Crítica: ‘No hables con extraños’

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En qué plataforma ver No hables con extraños

Sinopsis

Cuando una familia estadounidense va invitada a pasar un fin de semana en la idílica finca campestre de una encantadora familia británica que conocieron en unas vacaciones, lo que comienza como una escapada de ensueño pronto se convierte en una retorcida pesadilla psicológica.

Crítica

Un McAvoy colosal encabeza un remake que mejora al original

Tenemos entre manos un remake que causó sensación en los mayores premios cinematográficos de su país y que entre los fans del terror y el suspense ha abierto muchos debates. La película ‘Speak no evil’ de Christian y Mads Tafdrup fue objeto de muchos foros de debate tras su proyección en el festival de Sitges pero por desgracia no llegó a cines de España. No tuvo recorrido por nuestros cines pero solo dos años después tenemos versión norteamericana bajo el nombre de ‘No hables con extraños’. Nos invitan a aceptar esta incómoda experiencia en carteleras con un remake armado por la productora de Jason Blum y dirigido por James Watkins.

La interpretación yanqui de ‘No hables con extraños’ logra lo que parecía difícil: tomar una película original con un suspense casi perfecto y elevarla aún más. Si bien la versión original ya ofrecía una trama tensa, incómoda y que te secuestraba, con interpretaciones memorables que mantenían al espectador al borde del asiento, esta nueva versión destaca por hacer mejoras significativas en el guion. Todo sucede dentro de una horrible realidad más verosímil y además con un segmento de home invasion que aporta más emoción al final.

Uno de los principales aciertos del remake es la forma en que se desarrolla la historia. El guion, aunque conserva la esencia del original, introduce giros más sorprendentes y refina de manera más creíble algunos puntos débiles de la trama anterior. Las motivaciones (y desmotivaciones) de los personajes están más elaboradas, lo que otorga una mayor profundidad emocional a la narrativa y una toma de decisiones más coherente. Además, los diálogos son más dinámicos, añadiendo capas de tensión y misterio que enriquecen la experiencia general.

El gran pilar de esta versión es, sin duda, James McAvoy, el cual se embarcó en este proyecto sin haber visto la fuente danesa de la que parte. Su interpretación es simplemente descomunal. Todos descubrimos su capacidad para mostrar distintas caras con el mismo personaje cuando se estrenó ‘Múltiple’. McAvoy sabe transmitir una mezcla perfecta de vulnerabilidad, ira y obsesión, manteniendo al espectador fascinado en cada escena. Su capacidad para cambiar de registro emocional en cuestión de segundos aporta un nivel de intensidad que pocos actores podrían alcanzar. Donde la película original contaba con buenas actuaciones, McAvoy las supera con creces, convirtiendo su personaje en el corazón de esta historia oscura.

Aún así, si visteis en festivales ‘Speak no evil’, sentiréis lo mismo con el protagonista que en su día interpretó Morten Burian y ahora está encarnado por Scoot McNairy. Muerde el anzuelo de la misma manera, sintiendo envidia por una vida mucho más despreocupada y salvaje que la que lleva Su manera de proceder es tan excesivamente complaciente, dócil o sumisa que parece que ha experimentado la desmoralización de un preso de un campo de concentración en tan solo un solo fin de semana. Por su parte Mackenzie Davis está más verosímil, encarnando esas reacciones agresivas, violentas y a la defensiva que ya asumimos como naturales en los estadounidenses, así como su hipocresía y desconexión con nuestra propia naturaleza. Quizá el mostrar esta otra faceta, menos flemática y más combativa que la de los países del norte de Europa, es la razón de ser de este filme.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de septiembre de 2024. Título original: Speak no evil. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: James Watkins. Guion: James Watkins, Christian Tafdrup, Mads Tafdrup. Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans. Fotografía: Tim Maurice-Jones. Reparto principal: James McAvoy, Mackenzie Davis, Scoot McNairy, Alix Wester Leffer, Kris Hitchen, Aisling Franciosi. Producción: Blumhouse, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: suspense, terror. Web oficial: https://www.universalpictures.es/micro/no-hables-con-extra%C3%B1os

Nuevo tráiler de ‘Wicked’

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La segunda parte llegará a finales de 2025.

Intentando superar o por lo menos igualar el listón del renombrado musical y esquivando todo tipo de críticas antes incluso de su estreno, la película ‘Wicked’ llegará a carteleras de todo el mundo a partir del 22 de noviembre. Pero habrá que esperar para ver su conclusión ya que estará dividida en dos partes y la llegada del filme final tendrá lugar a finales de 2025.

Universal Pictures, su productora y distribuidora, nos envía un nuevo tráiler que por supuesto está protagonizado por Cynthia Erivo como Elphaba y Ariana Grande interpretando a Glinda.

Esta nueva versión de ‘Wicked’ intentará ser fiel al best seller de Gregory Maguire. Probablemente el trabajo de Winnie Holzman y de Stephen Schwartz juntos garanticen un buen resultado para los amantes de los musicales de Broadway.

Para quienes no conozcan esta famosa historia decir que estamos hablando de un spin-off de ‘El Mago de Oz’. ‘Wicked’ cuenta la historia de sus dos brujas mostrando a una como una joven incomprendida y a la otra como la típica popular cuyos privilegios no han dejado ver cuál es su verdadera vocación. Esta es una historia arquetípica de universitarias con tintes de magia y por supuesto música.

Crítica: ‘MaXXXine’

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Sinopsis

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Hollywood, años 80 del siglo pasado. Maxine Minx, estrella del cine para adultos y aspirante a actriz, tiene por fin su gran oportunidad. Pero mientras un misterioso asesino acecha a sus compañeras, un rastro de sangre amenaza con revelar el siniestro pasado de Maxine.

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Crítica

Culmina un homenajea al género que ha estado plagado de elegancia y feroz intensidad

El filme que hoy nos ocupa pertenece a una saga que por lo menos en España ha sido bastante maltratada, por sus distribuidoras y por el público ajeno al género. ‘MaXXXine’, de Ti West, constituye el cierre de una trilogía que comenzó con ‘X’ y continuó con ‘Pearl’. Ambas se pueden disfrutar de manera independiente y en cualquier orden, pero en el caso de este tercer título conviene ponerse en precedentes. El talento de Ti West y su capacidad para crear secuelas espirituales han hecho que este estreno sea todo un evento muy esperado para los seguidores de este director, yo entre ellos, reconozco. Esta trilogía ha sido destacada por su enfoque en el horror psicológico y su homenaje a diversas eras del cine de terror. Para entender ‘MaXXXine’, es esencial conocer el viaje que nos lleva hasta aquí, es decir, saber destilar los elementos de varios géneros. Para disfrutarla en todos sus niveles sería recomendable haber visto sus predecesoras, solo así se puede apreciar la evolución tanto de la narrativa, como de la protagonosta, como del estilo visual y temático de West.

Ti West nos ha hecho saltar por diferentes épocas materializando un auténtico viaje generacional. Cada película, aunque conectada temáticamente, presenta una estética y un enfoque narrativo distintos, permitiendo a los espectadores experimentar una evolución en la forma y el contenido que es rara vez vista en series de películas de terror. De los setenta retrocedimos a la época del Technicolor y ahora le toca a los transgresores años ochenta. Si con ‘X’ incluyó el grano y la estética del cine de explotación y con ‘Pearl’ nos saturó de color cincuentero, con ‘MaXXXine cada imagen y sonido trata de capturar la vibrante pero superficial atmósfera de la cultura pop de los 80, sobre todo del Grindhouse. La fotografía y la banda sonora reflejan este cambio, con colores neón y una sensación general de exceso y decadencia que caracterizan la década. Por lo tanto además del trabajo del director hay que adular por igual a quienes se han encargado de fotografía y música, Eliot Rockett y Eliot Rockett respectivamente. Y no me quiero olvidar de los prostéticos, aquellos que nos hacen creer que estamos viendo tripas, cerebros y sangre, pues son realmente impactantes.

Los leitmotivs de esta trilogía son varios. El crimen salvaje, la búsqueda de la fama, la pornografía, la locura, la hipocresía del público de cine adulto y el miedo a la vejez predominan a lo largo de la trilogía. En común también hay algunos planos calcados que evidentemente cambian su escenografía. A parte de tocar el caso real de Richard Ramirez, una de las principales diferencias entre ‘MaXXXine’ y las dos primeras películas es su enfoque en la industria del entretenimiento y su carácter de historia negra y detectivesca. En lugar de un entorno rural o aislado nos trasladamos a la gran ciudad, cambiando el escenario y aumentando notablemente el número de personajes. Mientras ‘X’ y ‘Pearl’ exploran el horror que emerge de la represión y el aislamiento, ‘MaXXXine’ aborda el lado oscuro de la búsqueda de la fama y el éxito en un mundo despiadado y competitivo. Ti West utiliza esta ambientación para profundizar en temas de identidad, ambición y el costo personal de perseguir los sueños en una ciudad que puede consumir a sus habitantes. Esto último nos aporta como novedad un reparto que pone la guinda al pastel (ver ficha al pie de esta crítica).

La trilogía en su conjunto muestra la versatilidad de West como director y su habilidad para explorar diferentes subgéneros del terror con una sensibilidad única. Además supone una vuelta de tuerca a un género que casi siempre es tachado de superficial y gratuito. ‘MaXXXine’ se destaca no solo por cerrar la historia de manera más o menos satisfactoria, sino por hacerlo con un estilo propio que ofrece una mirada crítica a la cultura de los 80 y a los costos personales de la ambición desmedida. De ahí que abra con una frase de Bette Davis que reflexiona sobre el concepto y el tratamiento que le da la sociedad a las estrellas.

Evidentemente la otra constante, indispensable y a subrayar en color fluorescente, es Mia Goth. En ‘MaXXXine’ brilla al llevar más allá su exploración del personaje que comenzó en ‘X’ y ‘Pearl’. Se percibe una continuidad en cuanto al estudio de personajes desquiciados por los motivos que enumeraba antes como leitmotiv. Su interpretación en esta tercera entrega ejecuta una evolución palpable de Maxine Minx, profundizando en su complejidad emocional y resiliencia al límite. Goth demuestra una versatilidad impresionante, manteniendo la continuidad de sus personajes previos mientras aporta nuevas dimensiones. Aunque a muchos les parecerá algo excesivamente intenso, su capacidad para transmitir vulnerabilidad y fortaleza a la vez es un testimonio de su talento, consolidándola como una actriz destacada en el género de terror contemporáneo.

Había una pregunta en el aire que debía responderse tras ver ‘MaXXXine’. ¿Qué pretendía Ti West con esta trilogía? Cabría esperar una reflexión mayor y podría decirse que es un homenaje al cine, sobre todo un tributo a la evolución del cine de terror y una exploración profunda de los miedos y deseos humanos. Más allá de la evidencia de ‘Psicosis’ está el detalle de la colilla en la estrella de Theda Bara. Así mismo es una forma descarada de vanagloriarse de un talento, de esos que es siempre capaz de explotar A24. Ti West entrelaza horror y arte en una sinfonía cinematográfica. Quizá no vuelva a alcanzar nunca estos niveles, pero sin duda con este trío de películas, más allá de poder consolidar a este director como una estrella del género, se ofrece una experiencia cinematográfica rica y multifacética que dejará una marca indeleble en el cine de terror contemporáneo.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de agosto de 2024. Título original: MaXXXine. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Ti West. Guion: Ti West. Música: Tyler Bates. Fotografía: Eliot Rockett. Reparto principal: Mia Goth, Elizabeth Debicki, Halsey, Lily Collins, Kevin Bacon, Giancarlo Esposito, Moses Summey. Producción: A24, Motel Mojave, Access Entertainment, New Zeland Film Commision. Distribución: Universal Films. Género: terror, suspense. Web oficial: https://a24films.com/films/maxxxine

Crítica: ‘Action’

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Un tributo al oficio de los actores de acción a través de 87North

Hace poco se estrenó ‘El especialista’ en cines. Aquello fue todo un tributo a los actores de acción pero a su vez la mayor reivindicación para que este gremio tenga por fin el reconocimiento que se merece. Pero esto solo es la guinda del pastel del momento tan reivindicativo que vive el mundo de los dobles de acción. Gracias a que artistas como David Leitch y Chad Stahelski decidieron ponerse del lado de los que gritan «action» y no de los que materializan la acción dando el salto a la dirección, se está culminando una época en la que puede que por fin estos actores que se juegan el tipo para darnos el máximo espectáculo tengan los honores que merecen.

El 12 de agosto en Movistar Plus+ se estrena ‘Action’. Una serie documental dirigida por Chelsea Allen y Bridger Nielson que en seis episodios intenta rendir tributo a los actores que siempre vemos en pantalla pero, que cumplen el doble papel de interpretar a un personaje y el hacerse pasar por el actor famoso que también lo interpreta. Para ello nos narra la historia de los creadores y empleados de 87North, los cuales, están en la vanguardia del género de acción.

David Leitch, quien en su día fue especialista en Matrix o doble de acción de Brad Pitt en ‘El club de la lucha’ o ‘Troya’, junto a Kelly McCormick, productora de ‘Deadpool 2’ o ‘Fast & Furious: Hobbs & Shaw’, fundaron 87North. Este estudio se encarga de proveer las mejores escenas de persecución, choques, peleas y saltos el cine, siendo los primeros en mostrar previsualizaciones de coreografías a los productores. Arrancaron con ‘Nadie’ y a partir de ahí todo han sido éxitos como ‘Kate’, ‘Bullet Train’ o ‘El especialista’.

Salvo en contadísimas ocasiones como las de Jackie Chan, Tom Cruise o Keanu Reeves, tras las estrellas de acción siempre hay un héroe que se juega el tipo de verdad. Ellos son los auténticos héroes que salvan las producciones que llegan a nuestras pantallas y consiguen hacer lo casi imposible sin que nadie salga herido, al menos gravemente. Estos profesionales que tienen en su ADN una buena dosis de locura se sacrifican, no solo al llevar a cabo sus escenas, sino también al aparecer en una maraña de nombres en los créditos. En ‘Action’ hablan Keanu Reeves, Tommy Wirkola, Jonathan “Jojo” Eusebio, Mitra Suri, Phong Giang, Chris O’Hara, David Harbour, Keir Beck, Logan Holladay, Can Aydin, Justin Eaton, Winston Duke, Ben Jenkin, Troy Brown… Quisiera que apareciesen todos mezclados, como deberían aparecer en los títulos de crédito.

En ‘Action’ se habla de ‘Matrix’, ‘El especialista’, ‘Atómica’, ‘John Wick’, ‘Noche de Paz’, ‘Bullet Train’… Sobre todo de películas de la Universal Pictures, no solo porque sea quien produce esta docuserie, sino porque realmente Leitch y McCormick formaron 87North Productions como una sociedad con esta major. Les seguimos principalmente por los rodajes de ‘Noche de paz’ y ‘El especialista’. De este modo nos cuentan cuál es la historia y el modus operandi de 87North. ‘Action’ narra la vida, orígenes, sacrificios y aspiraciones de aquellos que trabajan en este negocio. Les seguimos en todo el proceso que conlleva una película, mientras se lamentan por la distancia con su familia y vemos escenas que por lo general acaban destinadas a los extras de los Blu-rays. Cómo se ensaya todo, de qué manera se rellena lo que describe el guión, en qué formato se capta en imágenes, qué medidas de seguridad se emplean… Todos esos detalles aparecen para los más curiosos o quienes se estén pensando entrar en esta profesión.

Por desgracia ‘Action’ no es el repaso histórico que cabría esperar. No se habla mucho del humor físico, el western, las películas de la Canon o la lucha libre que fueron las bases del trabajo de estos especialistas. En lugar de ello Universal nos enseña las entrañas de dos de sus películas, dos que tienen evidentemente mucho que ver con seguir haciendo efectos prácticos y acrobacias con el mínimo retoque informático. Saldrán de esta y las otras corporaciones del entretenimiento más películas plagadas de arreglos llevados a cabo con IA, seguirán estos actores intentando convivir con los efectos generados por ordenador, las agendas 2030 les recortarán sus efectos prácticos… Pero el público apreciará su trabajo, a veces sin saberlo.

Crítica: ‘Twisters’

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Sinopsis

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Edgar-Jones interpreta a Kate Cooper, una ex cazadora de tormentas perseguida por un devastador encuentro con un tornado durante sus años universitarios que ahora estudia los patrones de tormentas en pantallas en la ciudad de Nueva York. Su amigo Javi la lleva de regreso a las llanuras para probar un nuevo e innovador sistema de seguimiento. Allí, se cruza con Tyler Owens (Powell), la encantadora e imprudente superestrella de las redes sociales que disfruta publicando sus aventuras persiguiendo tormentas con su estridente equipo, cuanto más peligroso, mejor.

A medida que la temporada de tormentas se intensifica, se desatan fenómenos terroríficos nunca vistos, y Kate, Tyler y sus equipos competidores se encuentran directamente en el camino de múltiples sistemas de tormentas que convergen sobre Oklahoma en lo que será una lucha por sobrevivir.

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Crítica

Una vuelta al espíritu trepidante y divertido del 96

1996 fue uno de los mejores años cinematográficos de la era moderna. No es solo una apreciación personal, la taquilla y el número de clásicos instantáneos que se estrenaron ese año hablan por sí solos. Pudimos ver en pantalla grande ‘Independence Day’, ‘Scream’, ‘Abierto hasta el amanecer’, ‘Misión: imposible’, ‘Fargo’, ‘Trainspotting’, ‘La Roca’… una larga lista de títulos que prácticamente no bajan su medida del siete, algo muy difícil de encontrar hoy en día. Atreverse a hacer secuelas o remakes de estos blockbusters se antoja por lo tanto como un ejercicio arriesgado. Warner Bros. rescata de esa época ‘Twister’, un título que siempre nos ha gustado a los amantes del género de catástrofes. Aunque no tiene grandes estrellas el resultado de ‘Twisters’ es mucho mejor que el de otra película extraída de nuestra nostalgia, ‘Space Jam’.

Estrenar ‘Twisters’ significa también atreverse a ponerse a la altura de Jan de Bont. El director de otra trepidante película como ‘Speed’, encargado de la fotografía de películas como ‘Instinto básico’ o ‘La caza del octubre rojo’, tiene en su galería momentos míticos del cine. Nadie podrá negar que la caída de Hans Gruber del Nakatomi Plaza es un momento inmortal. En ‘Twister’ suplió magistralmente las carencias de los efectos digitales de la época, creando una obra que ha envejecido estupendamente. Esta nueva versión de Lee Isaac Chung cuenta con mayor potencial tecnológico (en varios sentidos) pero lo más importante es que consigue rememorar el espíritu de De Bont siendo trepidante y divertida.

Muchos no saben que el germen de estas películas es un guión de Michael Crichton (‘Jurassic Park’, ‘Congo’, ‘Esfera’). Si analizáis esos títulos comprobaréis que mezcla géneros como la aventura y el terror con elementos gigantescos o catastróficos para el ser humano. Probablemente esos elementos habrían estado magnificados en la segunda parte, nunca sabremos como habría sido la secuela en 3D que estaba preparando Bill Paxton, pero al menos con esta nueva película regresamos a la tónica de por entonces, una que con las nuevas técnicas de CGI y sonido nos sumerge en un torbellino de emociones, tenía que hacer el chiste antes o después.

Glen Powell ya tuvo la presión de aparecer en otra película que trababa de revivir, y revivió, un clásico como ‘Top Gun’ y ahora le toca intentar lo mismo con ‘Twisters’. El reto es más difícil, el fandom es más reducido y no cuenta con una gallina de los huevos de oro como Tom Cruise. Él es de los más mayores y tendría solo unos ocho años cuando se estrenó ‘Twister’. La labor de imbuir el alma del filme recae por lo tanto en el director y en la capacidad de todo el equipo de imitar lo rodado por aquel entonces. He de decir que reto superado, me he divertido de una manera ininterrumpida. ‘Twisters’ ya no puede impresionarme por toda la inmensa cantidad de films que he visto en mi vida, pero confío en que podrá causar el mismo efecto que viví yo en el 96 en los nuevos espectadores.

Menciono a Powell pero la protagonista es realmente Daisy Edgar-Jones. Su papel es muy similar al de Helen Hunt. Ambas tienen un origen en una tierra asiduamente visitada por tornados y ambas pierden a alguien a cuenta de ello. La diferencia está en cómo gestionan ese trauma. Lejos de ser una kamikaze que se lanza casi a ciegas hacia los tornados el personaje de Edgar-Jones los respeta y teme. La actriz coge así el testigo sin necesidad de calcar al personaje pero manteniendo su vertiente científico-romántica.

Desde luego que la nostalgia está presente, a poco que hayas visto la película original verás que hay un halo de reverencia. El poster evoca al de la película original, se ha rodado con cámaras similares y volvemos a tener los dispositivos Dorothy. Pero tengo que avisaros que no hay cameos sorpresa. Eso sí, tenemos muchos guiños y para aquellos que como yo siempre miren el lado científico de la historia os adelanto que hay homenaje para los cazatornados del equipo real de TWISTEX, algunos de los cuales fallecieron en 2013 estudiando un tornado categoría F3 en la escala de Fujita. Y ahí es donde tenemos que comprender que esta película no es un calco, en mi opinión intentar copiar al pie de la letra el largometraje de De Bont habría sido un error. Es una actualización que respeta a la original manteniendo elementos a modo de lo que ahora se llama “recuela” pero saliéndose por otros derroteros. De entrada los pijos esponsorizados son “los bueno” y los salvajes rudimentarios “los malos”. También juegan a favor de ello los avances de la tecnología, los cuales, permiten estudiar estos destructivos fenómenos de otra manera y ‘Twisters’ se hace eco de ello empleándolos para modificar la trama y darle un nuevo giro fantasioso.

Como en muchas secuelas o re-interpretaciones, que es lo que realmente es ‘Twisters’, se confunde lo más grande, lo más catastrófico, con mayor espectáculo. A veces más es menos y este nuevo filme solo peca de ello en un par de ocasiones. Merece la pena verla pues consigue ser emocionante aunque no tiene el mismo nivel de secundarios. El pago por el visionado lo vale pues sus protagonistas están en estado de gracia. Aunque sea hay que acercarse al cine por ver como actúa rodeado de tornados el nuevo Superman, David Corenswet, sin tener a Kevin Costner muriendo de manera lastimosa.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de julio de 2024. Título original: Twisters. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Lee Isaac Chung. Guion: Mark L. Smith. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Daniel Mindel. Reparto principal: Daisy Edgar-Jones, Glen Powell, Anthony Ramos, David Corenswet, Brandon Perea, Sasha Lane, Daryl McCormack, Kiernan Shipka, Nik Dodani, Maura Tierney. Producción: Warner Bros. Pictures, Universal Pictures, Amblin Entertainment, The Kennedy/Marshall Company, Lightnin’ Production Rentals. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventuras. Web oficial: https://www.instagram.com/twistersmovie/

Crítica: ‘Bikeriders. La ley del asfalto’

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Sinopsis

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‘Bikeriders. La ley del asfalto’ retrata una época de rebelión y de cambio en la cultura y en la gente de Estados Unidos. Tras un encuentro casual en un bar, Kathy (Jodie Comer), una mujer con carácter, se siente profundamente atraída por Benny (Austin Butler), el miembro más reciente de “The Vandals” (Los Vándalos), un club de moteros del Medio Oeste liderado por el enigmático Johnny (Tom Hardy).

Al igual que el país, el club empieza a cambiar, y pasa de ser un lugar de reunión para los forasteros locales a convertirse en un punto de encuentro para un violento submundo, obligando a Benny a escoger entre Kathy y la lealtad que siente por sus compañeros.

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Crítica

Gran vuelta al romanticismo de los últimos en vivir en libertad sobre las junglas de asfalto

Inspirada en un libro de Danny Lyon aparece en nuestras carteleras ‘Bikeriders’ con un repartazo compuesto por Jodie Comer, Austin Butler, Tom Hardy, Michael Shannon, Norman Reedus y Boyd Holdbrook, entre otros. Toda un tropa de nombres conocidos y talentosos, muy bien caracterizados, con más de una nominación al Oscar, para contarnos la historia de una banda de moteros mucho menos conocidos que los Ángeles del Infierno.

Esta es una producción que en su día poseía Fox y que Disney ha liberado tras continuos retrasos en su estreno, entre ellos el provocado por la huelga de actores y guionistas. La coproductora New Regency Productions transfirió los derechos a Universal Pictures y por eso la podemos ver en cines. La misma dupla de compañías que nos trajo la excelente ‘El hombre del norte’, veremos si el resultado en taquilla mejora el batacazo o si tanto retraso no hace que el pirateo o el verano le jueguen una mala pasada.

La banda bautizada como The Vandals, que actualmente es la rival de los ya citados Ángeles del Infierno es objeto de este relato. La película está narrada en retrospectiva a través del testimonio del personaje de Jodie Comer, la cual lleva a cabo un gran trabajo de voz. Palabras que son recogidas por un fotógrafo y escritor interpretado por Mike Faist, en la piel del novelista que os he nombrado en las primeras líneas. A través de esa perspectiva periodística y sobre todo personal, capaz de ofrecer el choque y la mutación de dos mundos, nos ofrecen el desarrollo y caída de algo que casi ya no existe. ‘Bikeriders’ es el retrato de los últimos herederos del far west, de aquello que queda del espíritu de los cowboys.

Es evidente decir que ‘Bikeriders’ sigue la estela de películas de los cincuenta y sesenta como ‘Easy Rider’ o ‘¡Salvaje!’. De hecho ambos títulos aparecen en la película. Llevándonos a la antesala de los setenta ofrece una perspectiva diferente. Con esto no quiero que penséis que este es otro ‘Hijos de la anarquía’. Es una historia de orígenes de un club convertido en banda, pero mayormente cuenta como un personaje de la Norteamérica acomodada busca emociones fuertes. En el que dichas emociones terminan volviéndose en contra de sus protagonistas. Y ante todo es la descripción de la inmersión de alguien un mundo que de sobra sabe que no es el suyo. En términos del siglo XXI, es la definición de una relación tóxica, refiriéndome tanto a la que mantienen los personajes de Comer y Butler como la de aquellos que ingresan en la banda.

Los delincuentes no nacen delincuentes eso es algo que todos sabemos y que muchas películas han señalado a lo largo de la historia del cine. ‘Bikeriders’ significa libertad truncada, sueños emponzoñados, idealismos desfigurados. Si el guión hubiese tenido esos detalles siempre en su brújula habría sido una película memorable, a la altura del pedazo de elenco que ha reunido, otra que Disney se habría arrepentido de no distribuir. Nos sorprende incluso con algo de comedia para los personajes más descerebrados pero divaga demasiado con su historia romántica. En resumidas cuentas es un relato amoroso y eso que no vemos absolutamente ni una escena de cama, ni siquiera recuerdo un beso en primer plano, y eso que casi hay más primeros planos que motos. Tampoco es algo que notemos en exceso pues toda la atención se centra en las interpretaciones de un reparto en el que destaca Butler como un James Dean del siglo XXI.

El romanticismo está presente en la relación de dos de los protagonistas y en el espíritu indómito de los moteros. Hacernos volver a esas vidas sobre ruedas sin caer en excesivos tópicos y siendo capaz de ofrecer otro ángulo es el mayor logro del director Jeff Nichols. A todos nos gusta e incluso da envidia la libertad salvaje con la que se ha reflejado siempre a los moteros, pero nunca lo habíamos visto desde un lado tan diferente, casi pareciendo el testimonio de alguien que se ha salido de una secta. Considero por eso que es un buen retorno a este tipo de historias que nunca han tenido su propio subgénero. Desde luego para mi es la mejor película de su carrera, probablemente la más difícil dado el número de estrellas que ha tenido que dirigir a la vez.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2024. Título original: The Bikeriders. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: Jeff Nichols. Guion: Jeff Nichols. Música: David Wingo. Fotografía: Adam Stone. Reparto principal: Jodie Comer, Austin Butler, Tom Hardy, Michael Shannon, Norman Reedus, Boyd Holdbrook. Producción: Focus Features, Regency Enterprises, New Regency Productions, Tri-Satate Pictures, 20th Century Studios. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, adaptación. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/the-bikeriders

Tráiler de la nueva versión de ‘Nosferatu’

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En cines el 25 de diciembre

Tenemos nueva película vampírica, tenemos nueva versión de Nosferatu. Y la mejor noticia, tenemos nueva película de Robert Eggers, el autor de películas como ‘La bruja’, ‘El faro’ o ‘El hombre del norte’. El famoso director, conocidísimo por el tratamiento de su personajes y su característica atención a la fotografía, reinterpreta el mítico personaje, popularizado en su día por Friedrich Wilhelm Murnau.

Hace unos 24 años se estrenó ‘La sombra del vampiro’ de E. Elias Merhige. Un título que abrazaba el rodaje del clásico ‘Nosferatu’ y nos mostraba como el método secuestraba al protagonista. Un protagonista interpretado por Willem Dafoe. Ahora el actor que muchos quieren ver en la piel del Joker vuelve a verse las caras con este mito del terror, pero no tendrá los colmillos largos sino la mente del Professor Albin Eberhart Von Franz. En el tráiler que ha publicado Universal Pictures podemos ver también (o intuir) a Bill Skarsgård, Lily-Rose Depp y Aaron Taylor-Johnson, entre otros.

Sinopsis oficial:

‘Nosferatu’ es un cuento gótico en torno a la obsesión entre una atormentada joven y el aterrador vampiro enamorado de ella que deja un espantoso rastro a su paso.

Vídeo tras las cámaras de ‘Wicked’

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Las dos protagonistas y el director hablan de cómo accedieron a la película

Esta nueva pieza en vídeo sobre ‘Wicked’ que nos manda Universal Pictures ha recibido el título de “Un proyecto apasionante”. Esa es la sensación que transmiten Cynthia Erivo y Ariana Grande, quienes interpretan a Elphaba y Glinda respectivamente.

En este vídeo hablan de cual es la influencia de ‘Wicked’ en su vida y en cómo pasaron a formar parte de esta adaptación cinematográfica. También habla Jon M. Chu (‘Crazy Rich Asians’, ‘En un barrio de Nueva York’) quien ha dirigido esta película y nos cuenta cuáles son sus intenciones.

‘Wicked’ se estrena en España el 29 de noviembre, exclusivamente en cines.

Sinopsis oficial:

Tras dos décadas como uno de los musicales más aclamados y longevos en escena, ‘Wicked’ llega en noviembre a la gran pantalla para convertirse en un esperadísimo y espectacular evento cinematográfico que definirá una era.

Crítica: ‘El especialista’

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Sinopsis

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Es un doble de acción, y al igual que todos en la comunidad de especialistas, sale volando, le disparan, se estrella, se tira desde ventanas y cae desde las alturas más extremas, todo para nuestro entretenimiento. Y ahora, tras un accidente que casi acaba con su carrera, este héroe de clase trabajadora debe seguir la pista de una estrella de cine desaparecida, resolver una conspiración y tratar de recuperar el amor de su vida mientras sigue haciendo su trabajo. ¿Qué podría salir bien?

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Crítica

Con ‘El especialista’ David Leitch hace un homenaje soberbio al oficio de doble de acción

Ryan Gosling y Emily Blunt protagonizaron uno de los momentos más hilarantes de la gala de los Oscars 2024. Se enfrentaron a base de dardos relacionados con el Barbenheimer aprovechando que el primero interpretó a Ken y la segunda a Kitty Oppenheimer. Lo que buena parte del público no sabía es que ambos son los protagonistas de ‘El especialista’ y lo que vimos en la ceremonia fue un adelanto de la película de David Leith pues consiste en una comedia romántica, en un tira y afloja rodeado de acción, de mucha acción.

Al igual que el director de ‘John Wick’, David Leitch fue doble de acción y dio el salto a la dirección con éxitos de taquilla tales como ‘Bullet Train’, ‘Deadpool 2’, ‘Atómica’ o ‘Fast & Furious: Hobbs & Shaw’. En sus películas se percibe una auténtica apología del doble de acción usando muchísimas coreografías y efectos prácticos donde su equipo se juega el tipo, como él ha hecho durante su carrera. Pero con ‘El especialista’ va más allá y hace un homenaje soberbio al oficio de doble de acción. Esta podría haber sido una película tipo ‘Los Mercenarios’ donde actores de acción como Schwarzenegger, Tom Cruise, Keanu Reeves, Stallone, Jason Statham y Dwayne Johnson tuviesen sus momentos de gloria, presupuesto no le falta. Pero Leitch, muy consciente de quién debía ser el centro de atención y quien se merece el homenaje, pone el foco en aquellos que se llevan los moratones y se rompen huesos para que podamos ver en el cine escenas espectaculares y realistas. No obstante tiene alguna sorpresa de carácter superstar.

Para elaborar este tributo ha contado con el guionista Drew Pearce, el cual, ha hecho una versión personal de la serie televisiva y homónima de los 80 desarrollada por Glen A. Larson. Esta es una historia que como tantas otras nos muestran con pasión una parte importante del negocio o arte de hacer cine, de hecho en este artículo tenéis una nutrida lista con filmes similares. Pero además de rodearnos de explosiones reales, de coches destrozados, de narices rotas y actores haciendo peligrosos saltos y croquetas… es importante darse cuenta del tipo de comedia que se ha llevado a cabo. El protagonista ha de usar sus dotes actorales con las cuales se juego el tipo para convertirse en todo un detective privado, lo cual, da paso a situaciones desternillantes.

‘El especialista’ no es solo su acción y eso lo convierte en un título redondo. Es una comedia que tiene mucho de romántica, de burlesca y de paródica que puede ser incomprendida o parecer trivial, como le pasó en su día a ‘El último gran héroe’. Arriesga en algunos sentidos tal y como lo hacen aquellos que saltan de un edificio a otro o se meten en coches destinados a dar vueltas de campana. ‘El especialista’ es muy Pulp por como mezcla la aventura, con la intriga, con diálogos que van al grano e instantes propios del surrealismo. Viendo en ella a un Ryan Gosling tan divertido es imposible no acordarse de ‘Dos buenos tipos’ y el estilo de Shane Black. Enredos, momentos de detective de poca monta, salidas de tono, detalles que nos dejan desconcertados, personajes torpes y auténticos saltos de fe argumentales. Esta película es capaz de divertirnos en todas sus fases sin bajar el ritmo y sin olvidar su foco. Al fin y al cabo es todo un clamor por tener un apartado para los dobles de acción en las ceremonias de entregas de premios.

Y como carta de amor al entretenimiento de acción tiene guiños muy evidentes a títulos en los ha trabajado el director, como ‘Fast & Furious’ y otros con los que no guarda relación directa. ‘El fugitivo’, ‘Corrupción en Miami’, ‘El último Mohicano’, ‘Rocky’, la saga Bourne, ‘Gladiator’, ‘Tomb Raider’… la lista es tan larga que hasta un perro lleva el nombre de Van Damme y durante un salto suena un famoso efecto de sonido usado en ‘El hombre de los seis millones de dólares’ o en ‘Masters del Universo’. Quizá uno de los más evidentes reside en la caricatura que se hace con Aaron Taylor-Johnson, el cual está, a medio camino del Ben Stiller de ‘Tropic Thunder’ y cualquier villano ridículo y desesperado. ¿De lo mejor? El momento en el que se hace humor con una clara mezcla entre ‘Mad Max’ y ‘Dune’, la secuencia comiquera de la discoteca, el unicornio, los instantes de intensas miradas románticas que recuerdan a ‘Top gun’ o similares y el cómo Emily Blunt convierte repetitivamente a Ryan Gosling en una antorcha humana como si estuviese en el bucle de ‘Al filo del mañana’. Como veis deja muchos instantes para la memoria.

Tampoco puede pasar por alto el peligro que entraña la irrupción de las inteligencias artificiales o el cómo se rinde cortesía al heavy metal y a las space operas. Me encantaría ver Metal Storm, la película que ruedan durante ‘El especialista’. No me cabe duda de que ambas películas merecen toda la expectación de la Sala H de la Comic Con.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de abril de 2024. Título original: The Fall Guy. Duración: 126 min. País: EE.UU. Dirección: David Leitch. Guion: Drew Pearce. Música: Dominic Lewis. Fotografía: Jonathan Sela. Reparto principal: Ryan Gosling, Emily Blunt, Winston Duke, Aaron Taylor-Johnson, Hannah Waddingham, Stephanie Hsu. Producción: 87North, Entertainment 360, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: acción, comedia, romántico. Web oficial: https://www.instagram.com/thefallguymovie/