Crítica: ‘Las pelotaris 1926’

Unas pioneras olvidadas como Las Raquetistas no se merecen el trato de telenovela

SkyShowtime estrena ‘Las pelotaris 1926’ el próximo 5 de julio. Esta serie de 8 episodios de aproximadamente una hora cada uno narra como tres pelotaris vascas y una mexicana intentan abrirse paso entre los prejuicios y obstáculos habituales para las mujeres en los “felices años 20”. Jugaron en los frontones vascos o en aquellos madrileños ubicados en las Calles Cedaceros o Doctor Cortezo, así como los que funcionaban rentablemente en LATAM. Esta serie que está basada en la historia real de unas pioneras que cayeron en el olvido ha sido creada por Marc Cistaré (‘Vis a Vis’, ‘El barco’, ‘La víctima número 8’).

Chelo, Idoia e Itzi son algunos de los nombres ficticios escogidos para representar a toda una generación de raquetistas. Dos actrices españolas (Claudia Salas y María de Nati) y una mexicana (Zuria Vega) interpretando a tres pelotaris en la época en la que las mujeres comenzaban a votar en USA pero no en los países hispanohablantes. La historia de estas deportistas llegó a influir a países de todo el mundo, donde recibían mayor reconocimiento y salario que en su propia tierra. Por eso cuenta también con la colombiana Viviana Serna) y el opening mezcla trompetas mariachis con el sonido de una txalaparta. Aquellos que se puedan indignar con orgullo por eso de que piensen que la pelota vasca solo se juega en España, que piensen también en algo como los toros, por lo que Colombia acaba de ser noticia hace poco.

Encontraron rampa de lanzamiento gracias a la idea de empresarios como Luciano Berriatua e Ildefonso Anabitarte, también presentes a través de personajes con nombres cambiados. Rompieron el techo de cristal cincuenta años antes de que ese término fuese acuñado. Consiguieron más cantidad de público y sueldo que aquellos hombres que se dedicaban a jugar pelota en aquella época, fueron las primeras deportistas en cotizar en la seguridad y dedicarse a ello de manera profesional. En lugar de destacar los hechos históricos ‘Las pelotaris 1926’ se centra más en mostrar evidentes taras de la época tales como maridos posesivos o empresarios que empleaban las artes de Weinstein. Ahí pierde el norte (nunca mejor dicho) ya que en vez de hacer una oda hacia este deporte que Euskadi exportó al mundo y a unas mujeres que hicieron brecha, se conforma con ser una telenovela. Embarazos, matrimonios de conveniencia, amoríos que vuelven del pasado… Vale que uno no esperaba algo similar a ‘Las 13 rosas’ o ‘Figuras ocultas’, pero si ves la serie pensando todos los tópicos del género acertarás los giros de la trama, y eso que solo nos han permitido ver el primer episodio. Me parece del todo inmerecido y casi irrespetuoso el rescatar de la memoria la figura de estas pioneras para darles este trato. La serie habría tenido mucho más valor si se hubiese centrado en remarcar los hitos de estas mujeres o en analizar la razón por la que no se las recuerda hoy en día de un modo más popular.

La serie llega producida por The Mediapro Studio, autores de ‘El internado’, ‘Romancero’, ‘Paraíso’, ‘Vamos Juan’, ‘The New Pope’, ‘Vis a Vis’… pero se parece más a ‘Las chicas del cable’ por eso de tener un reparto joven en medio de una serie de media tarde mezclada con vagos detalles históricos. El toque de telenovela iberoamericana supongo que viene infundido por la influencia de TelevisaUnivision, artífices de ‘Rebelde’, ‘Esmeralda’, ‘Rubí’… Sospecho que va a encontrar pocos fans en el mercado Español, sobre todo porque se olvida hasta de dotar de acento vasco a sus personajes.

Crítica: ‘Dispararon al pianista’

En qué plataforma ver Dispararon al pianista

Sinopsis

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En la década de los 60’s y 70’s, repleta de libertad creativa y donde se inició el movimiento musical latinoamericano de éxito planetario: la Bossa Nova, un periodista musical de Nueva York comienza una trepidante investigación detrás de la misteriosa desaparición del pianista brasileño, Tenorio Jr, habitual de Vinicius de Moraes, entre otros. Este thriller de animación al ritmo de jazz y bossa-nova supone un punto de inflexión justo antes de que el continente latinoamericano fuera envuelto por regímenes totalitarios.

Crítica

Nostálgica y dolorosa a la par que pedagógica

Fernando Trueba vuelve a aliarse con Javier Mariscal, el mismo que diseñó a Cobi, la mascota de las olimpiadas de Barcelona 92, para hacer otra película de animación, ‘Dispararon al pianista’. De nuevo el aroma a club de jazz underground y el misterio embadurnan un proyecto realizado con mucha clase y estilo.

El hilo de la película lo marca un periodista musical (con la voz de Jeff Goldblum) que acaba de rebote indagando sobre la sospechosa o misteriosa desaparición del pianista brasileño Francisco Tenório Júnior, un personaje nada ficticio que resultó relevante y muy querido en la escena del jazz y la samba del Brasil de los 70. De hecho, es considerado por muchos el “eslabón perdido de la modernidad artística” ya que la última vez que se supo de él tenía 34 años y un solo álbum. ‘Dispararon al pianista’ nos traslada a un mundo marcadamente latino y agradecidamente musical, de hecho no es escasa la presencia de músicos reseñables con lo que la película se alza como una masterclass. Pero también hay un carácter político en el filme pues todo lo sucedido en los últimos días de este músico acaeció en el marco de las dictaduras de Sudamérica, lo cual nos lleva a la Operación Cóndor.

La historia es interesante y está bien narrada. Pero evidentemente llama mucho la atención su animación. Está hecha como por capas con todos los personajes como vectorizados y parcos en detalles. Estéticamente nos consigue llevar al Brasil de los setenta o a nuestros años recientes ya que en los planos generales sí que se recrean. Pero el movimiento es lo que le juega una mala pasada. Faltan frames, no hay fluidez y todo va a trabones. La sensación es de una animación torpe pero cabe señalar que se le da más importancia a los parecidos y al detalle de cada fotograma. Creo que este proyecto se ha hecho con consciencia de cómo se iban a mover los personajes de Mariscal, entre los que se mueve algún que otro perro con forma de Cobi. Con todo y con esto es como estar viendo un cómic en movimiento, de hecho, quizá sea más disfrutable el tomo con sus fotogramas plasmados en viñetas.

La película aporta mucha información sobre esta curiosa aunque trágica historia. Está repleta de detalles reales como las últimas palabras de Tenorio, «Voy a salir a comer un sándwich y a comprar un remedio. Ya vuelvo». Con ello quiero decir que ‘Dispararon al pianista’ funciona mejor como documental que como novela negra. Es nostálgica y dolorosa a la par que pedagógica. Cuenta con nombres como Vinicius de Moraes, João Gilberto o Caetano Veloso a si es que es un regalo para los melómanos en el sentido que he remarcado en la anterior frase.

‘Dispararon al pianosta’ te puede gustar si te gustó ‘Chico y Rita’ o ‘Black is Beltza’. Desde la animación bucea por la historia del otro lado del charco buscando perspectivas nuevas y descubriendo aquellas crónicas más olvidadas.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de octubre de 2023. Título original: Dispararon al pianista. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Fernando Trueba y Javier Mariscal. Guion: Fernando Trueba y Javier Mariscal. Música: Joao Gilberto, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Vinicius de Moraes, Paulo Moura. Reparto principal: Jeff Goldblum. Producción: Fernando Trueba Producciones Cinematográficas, Constellation Productions, Gao Shan Pictures, Les Films d’lci Méditerranée, Prima Linea Productions, Submarine. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial: https://bteampictures.es/they-shot-the-piano-player/

Tráiler de la segunda y última temporada de ‘Hunters’

13 de enero en Prime Video

Prime Video ha publicado el tráiler oficial de la segunda y última temporada de ‘Hunters’ que se estrenará en exclusiva en su plataforma de streaming el próximo 13 de enero. Después de que un accidente desbarate sus hazañas por Europa, los “Hunters” deben volver a unirse para dar caza al nazi más infame de la historia, Adolf Hitler, que se esconde en Sudamérica. Mientras tanto, una mirada al pasado revela a Meyer Offerman (Al Pacino) enfrentándose a una amenaza muy peligrosa que podría desvelar su secreto y exponer su verdadera identidad con repercusiones inimaginables para nuestros Hunters.

Al Pacino regresa para la épica temporada final de Hunters junto a Jennifer Jason Leigh y el reparto regular Logan Lerman, Jerrika Hinton, Lena Olin, Josh Radnor, Tiffany Boone, Carol Kane, Louis Ozawa, Kate Mulvany y Greg Austin. En el papel de Hitler tenemos a Udo Kier.

Para celebrar la despedida de la serie, ‘Hunters’ también lanzó el pasado 13 de diciembre un podcast oficial de seis episodios, ‘Chutzpah: Hunters Presents True Stories of Resistance’ y ayer se ha estrenado la segunda entrega de tres episodios. El nuevo podcast contará extraordinarias historias reales de heroísmo, resistencia y sacrificio durante el Holocausto. El podcast, producido por Prime Video, Monkeypaw Productions y Story Mill Media, cuenta con la producción ejecutiva de Jordan Peele y será presentado por el creador de la serie David Weil.

Hunters está producida por Amazon Studios, Monkeypaw Productions y Halcyon Studios. La serie está creada y producida por David Weil, quien también ejerce de showrunner y productor ejecutivo  junto con Jordan Peele y Win Rosenfeld de Monkeypaw Productions, Phil Abraham, David J. Rosen, Jerry Kupfer y Alfonso Gomez-Rejon. David Ellender y Matt Loze, de Halcyon Studios, son también productores ejecutivos.est

Tráiler ‘Indiana Jones and the Dial of Destiny’

Indiana Jones vuelve a darnos grandes aventuras

El 30 de junio es la fecha prevista para el estreno de la quinta película de Indiana Jones y ya tenemos el primer tráiler de la cinta dirigida por James Mangold (‘Logan’).
El tráiler ha sido presentado en la feria brasileña CCXP, en el panel de Disney. De momento las primeras imágenes de ‘Indiana Jones and the Dial of Destiny’ nos muestran mucha acción y una visión general de lo que vamos a poder ver.

De momento a la espera de más información, os dejamos el tráiler en su versión doblada y el primer cartel de la película.

 

En el tráiler ya vemos, por supuesto, a nuestro héroe interpretado por Harrison Ford, al que acompañan actores como el gran Mads Mikkelsen, Phoebe Waller-Bridge, Boyd Holbrook, Antonio Banderas, Toby Jones o John Rhys-Davies, que vuelve a dar vida a Sallah.

Tendremos que esperar para poder ver más imágenes y por supuesto para poder ver la película hasta junio de 2023.

 

El 4 de diciembre se celebra la Carrera Wonder Woman

Por una sociedad donde prevalezcan la igualdad de género y la justicia

El próximo domingo 4 de diciembre, el lazo de la verdad de Wonder Woman se desplegará por las calles de Madrid durante la edición inaugural de la Carrera Wonder Woman, organizada por Atresmedia en colaboración con Warner Bros. Discovery Global Consumer Producto y el Ayuntamiento de Madrid. Con salida y llegada en el Paseo de Reina Cristina, miles de mujeres, inspiradas en la heroína más prestigiosa del Universo DC, recorrerán un circuito de 6 kilómetros alrededor del Parque del Retiro y el eje Paseo del Prado- Recoletos. La Carrera Wonder Woman de Madrid ayudará a visibilizar la lucha por una sociedad donde prevalezcan la igualdad de género y la justicia.

Este mensaje universal de empoderamiento tiene el poder de traspasar fronteras e inspirar a las mujeres de toda España gracias a su modalidad virtual. La Carrera Wonder Woman de Madrid permitirá participar online a todas las mujeres que quieran sumarse a este movimiento, con el objetivo de promover un mensaje de respeto e igualdad, desde cualquier punto del país y en cualquier momento durante el fin de semana del 3 y 4 de diciembre.

Las inscripciones ya están abiertas en www.carrerawonderwoman.com, donde, por solo 12 €, puedes conseguir tu dorsal y una camiseta icónica con el mundialmente conocido logotipo de Wonder Woman, un símbolo que representa los valores una Superheroína, con más de 80 años de historia, comprometida con la lucha por la verdad, el bien y la justicia.

Esta carrera ya ha visto la luz desde hace varios años en diferentes puntos del planeta entre los que destacan Brasil, Méjico, Perú, Estados Unidos, Hong Kong e Inglaterra, entre otros.

Primer adelanto de ‘Santo’

Protagonizada por Raúl Arévalo y Bruno Gagliasso

Netflix ha anunciado el estreno de ‘Santo’ para el próximo 16 de septiembre, la primera ficción española rodada entre España y Brasil, producida por Nostromo Pictures para Netflix.

Creada por Carlos López (‘Hache’, ‘El príncipe’, ‘La embajada’) y dirigida por Vicente Amorim (‘A Divisão’, ‘Romance Policial: Espinosa’, ‘Copa Hotel’), ‘Santo’ es una trepidante serie de crimen, acción e intriga que en ocasiones se asemeja al terror. Cuenta la historia de Santo, el narcotraficante más buscado del mundo cuyo rostro nunca ha sido revelado. Los dos policías que van tras él, Cardona (Bruno Gagliasso) y Millán (Raúl Arévalo), son inicialmente opuestos, pero tendrán que aprender a colaborar y entenderse para resolver el caso y seguir vivos.

Protagonizada por Raúl Arévalo (‘Antidisturbios’, ‘Tarde para la ira’, ‘Black Beach’) y Bruno Gagliasso (‘O Sétimo Guardião’, ‘Sol naciente’, ‘Mujeres ambiciosas’). Victoria Guerra (‘Auga seca’, ‘3 mulheres’), Greta Fernández (‘Elisa y Marcela’, ‘La hija de un ladrón’), Luiz Felipe Lucas (‘Carceleros’, ‘Confissões Médicas’) y María Vázquez (‘Quien a hierro mata’, ‘María y los demás’) completan este reparto.

Crítica de ‘Operación Marea Negra’

Una historia que espero que no se quede sumergida en el océano de estrenos

Cuatro episodios, ni más ni menos. A veces con una miniserie es suficiente para contar una historia que incluso se podría resumir en una película. Con cuatro entregas de casi una hora cada una nos cuentan la historia de ‘Operación Marea Negra’. Una serie que surge de un caso real y Prime Video estrenará el 25 de febrero.

Lo de ‘Operación Marea Negra’ nos toca muy de cerca, tanto geográficamente como temporalmente. En Galicia en 2019 se materializó lo que hasta entonces era más leyenda que realidad. Se tuvo constancia del primer narcosubmarino en las costas de Europa. Una embarcación que confirmó que los cárteles usaban una arriesgadísima ruta de tráfico de drogas. Casi toda la historia de esta serie transcurre en uno de esos llamados “Big Foot” pero también en Galicia que de nuevo (‘Quien a hierro mata’, ‘Fariña’, ‘Matalobos’) es delatada como una de las grandes puertas de la droga en Europa.

La serie se centra en un personaje, el que interpreta Álex González emulando a Agustín Álvarez (la persona real). De la lona al mar, boxeador y pescador, dos profesiones para partirse el lomo y bastante ingratas. Pero su tiempo está empleado también en ser guardia de seguridad en la lonja de su pueblo y aun así está sin blanca. Encima se encuentra en una edad tardía para ser profesional del boxeo, se le acaba el tiempo, es carne de cañón para convertirse en un Heisenberg o un Byrde. La diferencia es que a Nando (Álex González) le viene de familia pues quien está metido en la droga es su prima (Nerea Barros) y su tío (Miquel Insua).

La serie cobrará relevancia si más allá de la trivialización o comercialización del tema consigue concienciación. El caso del Che (así se llamaba el narcosubmarino) está bien documentado en lo que se refiere a la actuación policial y la cooperación entre miembros de diferentes países, de hecho cuenta con la colaboración de la Guardia Civil de Pontevedra. Pero donde adquiere más interés es en la etapa del viaje donde la acción se centra en los tres protagonistas. En forma de thriller la odisea se convierte en el viaje de Colón y los Pinzón a la inversa, de América a España en condiciones cada vez más precarias y hostiles.

Justo esta semana Movistar Plus+ ha estrenado ‘Narcogallegos’, un documental que analiza el narcotráfico en las costas gallegas. Parece que hay inquietud por el tema o que sale rentable en pantalla. En concreto la serie de Prime Video surge del libro homónimo escrito por el periodista Javier Romero. A partir de testimonios de policías, testigos o jueces cuenta los hechos llevados a cabo por Agustín Álvarez, Pedro Roberto Manzaba y Luís Tomás Manzaba. Y más allá del daño que hace la droga en esta “aventura” se pone en relevancia el daño colateral que se genera cuando alguien se implica en tan abyecto negocio. Se trata la duda y consecuencias ser una mula, un mandado que ha elegido lado cuando lo que está en la balanza es el dejar una vida en la que al menos se tiene decencia y humildad.

‘Operación Marea Negra’ está realizada por Daniel Calparsoro (‘El silencio de la ciudad blanca’ o ‘El aviso’) junto a Oskar Santos (‘Los favoritos de Midas’, ‘Hierro’, ‘Zipi y Zape y el club de la canica’) y el portugués Joao Maia (‘Casos da vida’, ‘One-way ticket’). Es cierto que Calparsoro no me entusiasma, sobre todo porque nunca consigue sorprenderme con sus giros. Pero la serie cuenta con esos otros directores y con guionistas como Patxi Amezcua (‘Bruc: El desafío’, ‘La sombra de la ley’, ‘Séptimo’) o Natxo López (‘Perdida, Caronte’, ‘Vivir sin permiso’) y la cosa mejora.

Pero además otro factor que hace que me haya congratulado con la serie es el trabajo de Álex González. Está estupendo en el papel de alguien algo pasado de rosca, de un boxeador casi sonado y que actúa cual perro acorralado. Es de las mejores interpretaciones que le he visto sobre todo teniendo en cuenta que ha tenido que trabajar su acento y potenciar su físico (aunque cara de boxeador tiene), pero sin dejar de lado la parte de tormento que tiene su personaje.

En el plano técnico la serie también está muy conseguida. Desde el maquillaje y peluquería que hacen que creamos que González es el machaca más chungo de nuestro gimnasio hasta el diseño de producción que nos sumerge literalmente en la cápsula del submarino casero. Desde luego los escenarios naturales ayudan mucho. Solo le pondría como pega el sonido de las armas o los puñetazos, algunos helicópteros hechos con CGI, la música de Carlos Jean y la interpretación de Lúcia Moniz.

Crítica: ‘Tres veranos’

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Cada diciembre, entre Navidad y Año Nuevo, Edgar y Marta organizan una celebración familiar en su lujosa casa de verano junto a la playa. En 2015 todo parece estar bien, a pesar de algunas llamadas telefónicas tensas. En 2016 la fiesta anual se cancela de repente. En 2017, sus vidas están patas arriba. ¿Qué pasa con esas personas invisibles que viven en la órbita de los ricos y poderosos cuando estas vidas colapsan? A través de la mirada de una empleada y un padre anciano olvidado, ambos víctimas de la pesadilla neoliberal, vemos un retrato del Brasil contemporáneo, justo antes de la tragedia de 2018. Las señales estaban todas allí, pero no sabíamos como leerlas.

Crítica

Una mirada amable a un desastre por culpa de la corrupción

Tres veranos’ llega este 6 de agosto para traernos la Navidad en plena ola de calor. Nos vamos a Brasil, a la casa de una familia rica donde los protagonistas son aquellos seres invisibles que se encargan de todo. Esos trabajadores que lo dan todo por su patrón y la familia que les dan de comer.

En estos tres veranos, vamos viendo como esta familia rica va cayendo poco a poco y como estos trabajadores tienen que salir adelante ellos solos en una casa embargada.

Abandonados a su suerte y gracias a que tienen a la gran Madá, el ama de llaves de la casa, estas personas salen adelante entre risas, llantos y situaciones dispares.

Me ha encantado ver este drama social desde una perspectiva tan amable. Sandra Kogut logra que veamos esta terrible situación desde un punto de vista distinto, una mirada bastante optimista para lo que están viviendo. Al final, la vida está para vivirla, sobrevivirla y seguir en ella lo mejor que se pueda. Ese optimismo nos lo da Madá, con su fuerza y que pese a todo lo que pierde en nada de tiempo, es capaz que la gente que está a su alrededor no se rinda, que no caigan en tristezas e intenten a disfrutar lo máximo posible.

La película está muy bien narrada, dividida en tres partes, en los tres veranos que vivimos con nuestros protagonistas. Esto hace que sea todo muy ordenado, que veamos bien que pequeños detalles del primer verano sean los desencadenantes del desenlace final.

Y  no solo la narración entra en juego aquí, sino también las imágenes. Según pasamos de años vamos viendo como ciertos elementos desaparecen y como esa gran mansión veraniega se va degradando. Además también nos muestra un poco de la locura que es el tiempo en esta época en Brasil, que también lo utiliza para mostrarnos la caída de esta familia. Y es que de la luz del sol con un calor inmenso pasamos a las grandes tormentas de verano que se dan en aquellas épocas.

Regina Casé y Rogério Fróes, están increíbles y hacen que esta película tenga la fuerza que tiene. La energía que Regina le da a Madá es contagiosa. En el caso de Rogério Fróes, que interpreta a Lira, un padre abandonado, nos demuestra que al final el dinero no lo es todo y en su caso necesitaba una familia.

Sandra Kogut nos enseña que dentro de toda la miseria social que se vive en Brasil, la gente intenta salir hacia delante de cualquier manera y vivir. Su mirada, como digo, amable, divertida de toda la tragedia que viven las distintas familias por la diferencia social, nos ayuda a ver lo injusto que es todo esto.

Para terminar, comentar que consiguió el Premio de la Crítica en el pasado Festival de Málaga. Así que ya sabéis, una oportunidad para pasar una tarde fresquita de verano en las salas de cine y que os aseguro no os va a defraudar.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de enero de 2021. Título original: Três Verões. Duración: 94 min. País: Brasil y Francia. Dirección: Sandra Kogut. Guión: Sandra Kogut e Iana Cossoy Paro. Música: Berna Ceppas. Fotografía: Ivo Lopes Araújo. Reparto principal: Regina Casé, Rogério Fróes, Otávio Mûller, Gisele Fróes, Carla Ribas, Daniela Rangel, Jessica Ellen, Vilma Melo, Edmilson Barros, Paulo Verlings. Producción: Distribución: Elamedia. Género: Comedia, drama. Web oficial: https://www.elamedia.com/Catalog/TRES-VERANOS

Raúl Arévalo y Bruno Gagliasso protagonizan la primera serie de Netflix hispano brasileña

‘Santo’, serie creada por Carlos López

Netflix ha anunciado hoy su nueva serie original española: Santo’, su primer proyecto original realizado entre España y Brasil, con localizaciones destacadas como Madrid y Salvador de Bahía. La serie, creada por Carlos López (‘Hache’, ‘El príncipe’), estará protagonizada por Raúl Arévalo (‘Antidisturbios’, ‘Tarde para la ira’) y Bruno Gagliasso (‘O Sétimo Guardião’, ‘Sol naciente’). El rodaje de Santo comenzará en abril.

A Carlos López, creador de la serie, le acompañan los guionistas Miguel Ángel Fernández (‘Tiempos de guerra’, ‘Desaparecidos’) y Gustavo Lipsztein (‘Travesía mortal’, ‘Losing my Marbles’). La serie estará producida por Nostromo Pictures para Netflix y dirigida por Gonzalo López-Gallego (‘Néboa’, ‘La zona’) y Vicente Amorim (‘A Divisão’, ‘Romance Policial: Espinosa’).

Santo es una serie policiaca trepidante, un thriller de acción e intriga que en ocasiones se acerca al terror. Narra la historia de Santo, un narcotraficante cuyo rostro jamás se ha desvelado. Dos policías que van tras él, Cardona (Bruno Gagliasso) y Millán (Raúl Arévalo), radicalmente opuestos, tendrán que aprender a colaborar para resolver el caso y mantener sus vidas a salvo.

“Santo es como un terremoto con dos epicentros simultáneos, uno en Brasil y otro en España: la historia de dos policías en dos continentes diferentes que unen sus caminos para perseguir a un enemigo que nadie sabe cómo es porque nunca se ha dejado ver. Es todo un desafío pero podremos verla tal como está imaginada porque contamos con un equipo de altísimo nivel y un reparto privilegiado. Trabajar con Raúl y con Bruno garantiza, además, que este viaje nos dejará huella», cuenta Carlos López, creador de la serie.

Asimismo, Verónica Fernández, directora de contenidos de Netflix España afirma «Santo es una serie que va a sorprender por la originalidad de su planteamiento y por tener un pulso narrativo trepidante. Haber unido a talento español con talento brasileño ha provocado una explosión de creatividad. Es un thriller que pone la piel de gallina».

Crítica: ‘Urubú’

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Tomás, un fotógrafo y ornitólogo venido a menos, intenta relanzar su carrera viajando a un remoto lugar de la selva amazónica para fotografiar al urubú albino, un extraño pájaro del que no hay registro en libertad. Hasta allí arrastra a su familia: Eva su mujer, con una relación rota, que trata de recuperar al hombre del que se enamoró. Y su hija Andrea, una autómata adolescente absorbida por las nuevas tecnologías.

Fotografiar al urubú pasa a ser secundario cuando Andrea desaparece. Su búsqueda conduce a Tomás y Eva a un territorio secreto y misterioso. Entrar en ese mundo tendrá graves consecuencias Un entorno paradisiaco se convierte en el escenario del terror.

Un peligro que acecha y que les fuerza a luchar para no perder aquello que más quieren.

Crítica

‘Urubú’, un homenaje a un grande de parte de su hijo

El año pasado tuvimos la oportunidad de ver ‘Urubú’ en el Festival de Nocturna Madrid. Allí, el director y el equipo nos presentaron esta cinta en la que Alejandro Ibáñez Nauta nos trae un claro homenaje al cine de su padre, Narciso Ibáñez Serrador.

El director nos lleva en su barco, pues también es uno de los personajes de la película, hacia el interior del Amazonas brasileño. Todo por Tomás, un fotógrafo y ornitólogo en horas bajas que está obsesionado con poder fotografiar un urubú albino. Tomás arrastra hasta allí a su mujer e hija, una familia bastante rota que cree que este viaje les hará bien.

En la selva nos encontramos un sin fin de peligros y muchos de ellos desconcertantes que harán que todos los planes que tenían pensados se desmoronen.

En el tema técnico la película no tiene ningún fallo, tiene una magnífica fotografía de Daniel Úbeda y Diego Barrero que logra que alguna mala resolución del guión se arregle e introduzca el suspense que necesita la escena.

Está muy bien rodada, admiro mucho como logra crear estrés y eso lo logran muy bien con los giros de cámaras y los continuos movimientos. Las persecuciones y huidas me parecen de lo mejor.

Pese a ser una cinta de 90 minutos, hay partes en las que se puede hacer bastante larga, pero logra un final como he dicho, bastante trepidante gracias a la acción y por supuesto al paisaje.

Quizás en lo que más falla es a nivel actoral. En el reparto encontramos a Clarice Alves, que le falta una buena dirección, se nota el cariño hacia su personaje, pero con eso no basta y hay en situaciones de la cinta que parece un poco sobreactuada. Y Jullie D’Arrigo, nos ofrece un papel bastante tedioso, eso no es culpa suya por supuesto, es que Andrea debe ser así, un autómata enganchada a las tecnologías y que le da igual los preciosos lugares a la que sus padres la llevan, es una niña y al igual que a Clarice, le falta una ayuda a la hora de llevar su papel, no es malo, pero te saca de la historia.

Por el contrario tenemos a Carlos Urrutia, un actor que tiene muchas tablas en teatro y en televisión y eso se nota. su personaje quizás es el mejor representado en esta cinta. La desesperación de un hombre acabado y con ganas de seguir adelante se dejan ver en todos sus gestos. Reconocerle también el trabajo físico para esta cinta, pues como he dicho antes, de lo mejor de ‘Urubú’ son sus búsquedas y persecuciones en el interior de la selva y el personaje de Carlos Urrutia, Tomás, las sufre en sus carnes.

Para terminar decir que aunque se note una cinta un tanto amateur, no deja de remitirnos a muchas películas, tiene bastantes detalles del cine de Narciso Ibáñez Serrador y sin duda quien mejor que su hijo para hacerle un homenaje tan bonito. Está claro que aunque con sus fallos, ‘Urubú’ es un buen comienzo y Alejandro Ibáñez ha sabido con quien moverse para lograr un trabajo aceptable.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de septiembre 2020. Título original: Urubú. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Alejandro Ibáñez Nauta. Guión: Alejandro Ibáñez Nauta, Carlos Bianchi, Alejandra Heredia. Música: Arturo Díez Boscovich. Fotografía: Daniel Úbeda, Diego Barrero. Reparto principal: Carlos Urrutia, Clarice Alves, José Carabias, Alejandro Ibáñez, Jullie D’Arrigo. Producción: Prointel Producciones. Distribución: Begin Again. Género: Thriller. Web oficial: http://beginagainfilms.es/urubu/

Vitrine Filmes se estrena en España con dos películas en San Sebastián

‘En la oscuridad’ y ‘Visión Nocturna’

Os hablamos hoy de una compañía que da el salto a la distribución y producción cinematográfica en España con dos películas que además van a ser vistas en el Festival de San Sebastián. Os hablamos de Vitrine Filmes que tendrá en Sección Oficial a competición ‘En la oscuridad (In The Dusk)’, el décimo largometraje del lituano Sharunas Bartas y que además contará con un segundo largometraje a competición, el documental chileno ‘Visión Nocturna’, de Carolina Moscoso, programado en Horizontes Latinos. Ambos directores asistirán presencialmente a esta 68 edición del Festival según nos informan desde Vitrine Filmes.

Con ‘En la oscuridad’ nos transportan a la Lituania de 1948. Allí Ounté es un joven de 19 años que se une al grupo de partisanos de la resistencia ante la ocupación soviética. Sharunas Bartas (1964, Lituania) debutó en 1990 con su mediometraje ‘En memoria de un día que pasó’ en el Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam, donde se hizo con el Premio del Público. Desde entonces, sus películas han viajado por los certámenes de Berlín, Vienna, Torino y Venecia. Su película de 2015 ‘Paz en nuestros sueños’ se estrenó en la Quinzaine des Réalisateurs de Cannes.

En el caso de ‘Visión Nocturna’ veremos un crudo documental. Ocho años después de haber sufrido una violación en una playa cercana a Santiago, una joven cineasta crea un caleidoscopio con decenas de video-diarios, en el que aparecen las heridas del abuso, los re-victimizantes procesos judiciales y la amistad que la acompaña. De este viaje se desprende la pregunta: ¿Qué es en realidad una violación y cuándo termina?

Carolina Moscoso estudió Cine y TV en la Universidad de Chile y concluyó sus estudios con el Máster en Documental de Creación de la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona. Ha trabajado como directora y montadora en varios proyectos de videoclip, animación, visuales y teatro. Visión Nocturna, ganadora del Gran Premio de la Competición Internacional del Festival Internacional de Cine de Marsella (FID Marseille), y musicalizado por la reconocida cantante Camila Moreno, es su ópera prima.

Crítica: ‘Bacurau’

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En un futuro muy cercano, el pueblo de Bacurau, una aldea en el interior de Pernambuco, llora la muerte de su anciana matriarca Carmelita. Pocos días después, sus habitantes se dan cuenta de que el pueblo desaparece misteriosamente del mapa y que comienzan a producirse una serie de asesinatos inexplicables. ¿Cómo defenderse de un enemigo desconocido e implacable?

Crítica

Una buena idea con sobrante de metraje

En Cannes se llevó el Premio del Jurado y en Sitges a Dirección, el de la Crítica y el del Jurado Joven. Si fuese por un servidor no se llevaría ninguno de esos premios ya que no me parece una película meritoria de laureles. En ‘Bacurau’ hay una buena idea a tratar pero que aparece y se evapora según en qué tramo del filme nos encontremos. Desde una aldea brasileña se procura realizar una historia futurista aunque rural que emite una crítica social. Si nos narran este cuento en modo resumido podemos extraer muy buenas conclusiones y valientes intenciones. Pero la manera en que está expuesta la historia es extenuante.

No hay que tener profundos conocimientos de la actualidad brasileña para percibir la denuncia enmascarada con metáfora que plantea ‘Bacurau’. A modo de western moderno se nos propone analizar el caciquismo, el aislamiento y el olvido que acaba con las esperanzas del pueblo llano. Matices muy de película del oeste, de esas en las que una pequeña villa se las tiene que ver con un poder engañoso y opresor.

Pero ‘Bacurau’ tiene además un toque fantástico, que tarda mucho en llegar, pero ahí está. El problema de que los elementos disonantes y chocantes con la vida campestre tarden en llegar se produce porque el filme de Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles tiene mucho relleno. Esto alarga la cinta excesivamente y nos deja en muchas ocasiones faltos de ritmo y de información verdaderamente interesante, a pesar de que tiene alguna escena de acción. Los compases en los que la película tiene más que ver con Udo Kier y toda su trama son los más entretenidos, aunque precisamente ahí es cuando se alejan de esa apreciación de la actualidad política.

El filme comienza como un aburrido documental de sociedad. Al principio parece que el proyeccionista se ha equivocado de película. Más tarde, mucho más tarde, sí que se pone algo más interesante y comienzan los giros que nos sumergen en una ficción. Todo con actores muy amateur mezclados con dos míticos nombres como el de Udo Kier y Sônia Braga. Si hacemos una serie de largas elipsis mentales y nos quedamos solo con determinados momentos el filme merece pena, pero es mucho lo que hay que recortar para ir extrayendo cosas buenas.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de mayo. Título original: Bacurau. Duración: 131 min. País: Brasil. Dirección: Kleber Mendonça Filho, Juliano Dornelles. Guion: Kleber Mendonça Filho, Juliano Dornelles. Música: Mateus Alves, Tomaz Alves Souza. Fotografía: Pedro Sotero. Reparto principal: Sonia Braga, Udo Kier, Bárbara Colen, Silvero Pereira, Wilson Rabelo, Carlos Francisco, Karine Teles, Antonio Saboia, Ruben Santos, Luciana Souza, Lia de Itamaracá. Producción: CinemaScopio, SBS, Globo Filmes, Simio Filmes, Arte France Cinema, Telecine, Canal Brasil. Distribución: La Aventura Audiovisual. Género: thriller, drama, ciencia ficción. Web oficial: https://globofilmes.globo.com/es/filme/bacurau/

Crítica: ‘Hotel Cambridge’

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‘Hotel Cambridge’ cuenta la historia de unos refugiados que han llegado recientemente a Brasil y que, junto con un grupo de trabajadores de escasos recursos, ocupan un viejo edificio abandonado en el centro de São Paulo.

Los dramas cotidianos, las situaciones cómicas y los diferentes puntos de vista sobre el mundo se mezclan con la amenaza de un desalojo inminente.

 

Crítica

Veraz retrato de la realidad okupa fuera de los clichés rancios.

Curiosamente me fijo que voy visitar el ‘Hotel Cambridge’ y justo enfrente tengo el Ayuntamiento de Madrid, el Palacio de Comunicaciones, donde aún cuelga la pancarta que reza «refugees welcome». Y es curioso porque al entrar uno la ve de una manera y al salir la vislumbra de otra, no piensa que lleve tanto tiempo ahí puesta. Tampoco es que esta sea una película trascendental o metafísica, pero si puede recordar o mostrar ciertos aspectos que podíamos no conocer o tener olvidados del tema de los refugiados y los sintecho. Aunque veáis en ella o en esta crítica términos como okupa o activista no va de perroflautas y antisistemas con afán de destruir así porque sí. Da voz a una parte del movimiento okupa, sobre todo a la de los desplazados, a la de los refugiados e inmigrantes. Pronto descubriréis que los habitantes del este edificio no son antisistema ya que realmente forman un sistema, organizado y estructurado, que tan solo son luchadores que pretenden corregir una serie de injusticias de la manera más desesperada, pacífica, y casi extrema posible. Ojo, no procura mostrar mártires. Sus personajes tienen claroscuros, no son santos.

La película de Eliane Caffé nos muestra un lugar habitado por gente procedente de multitud de lugares del mundo, a los cuales utiliza también para lanzar una buena diatriba. Todos ellos empujan a una por el derecho fundamental de tener una vivienda digna y además, sin querer, demuestran que se puede vivir en relativa paz, aunque sea a pequeña escala. Y todo esto sin pertenecer a las mismas culturas o sin tan siquiera hablar el mismo idioma. En muchas ocasiones tienen que avocar a la lengua de los sentimientos o de los derechos humanos para expresarse y eso es lo que quieren hacer entender al resto del mundo. Es por ello que el largometraje está rodado buscando la máxima veracidad posible. Muestra testimonios que están sacados de la más severa realidad, que podemos buscar en titulares de periódicos, en trending topic… Ofrece también las reacciones de la sociedad para con ellos en diversos momentos. El guión de Caffé puede ser muy tragicómico y agridulce, alcanzando momentos muy irónicos y sarcásticos, e incluso poéticos. Además secciona la película por capas y pisos, como una cuenta atrás inexorable hacía un final inevitable: así como se van acercando los créditos finales sabemos que llegará el desahucio, pero también advertimos que habrá un próximamente por que esta es una historia que emana continuidad.

La película mezcla de manera inusual y llamativa el documental y la ficción. No merece la pena que yo os diseccione aquí lo real de lo rodado. Se puede discernir entre lo uno y lo otro de sobra, pero sobre el papel todo podría pertenecer a fragmentos de la memoria o a sucesos transcurridos ahora. El caso es que la filmación parece documental casi en su totalidad, solo la calidad de algunos actores nos devuelve a la butaca. Con películas como esta olvidaos de ser tan exquisitos con lo técnico y limitaos a visionar, reflexionar y comentar.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de septiembre de 2017. Título original: Era o Hotel Cambridge. Duración: 93 min. País: Brasil. Dirección: Eliane Caffé. Guión: Eliane Caffé, Luiz Alberto de Abreu, Inês Figueiró. Música: Vapor 324. Fotografía: Bruno Risas. Reparto principal: Carmen Silva, José Dumont, Isam Ahmad Issa, Suley Franco, Lucía Pulido, Ibtessam Umran. Producción: Aurora Filmes, Tu Vas Voir. Distribución: Wanda Visión. Género: drama, documenta, hechos reales. Web oficial: https://www.wanda.es/site/sinopsis/hotel_cambridge

Crítica: Pelé, el nacimiento de una leyenda

Sinopsis

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Rodada íntegramente en Brasil, cuenta la emocionante e inspiradora historia de cómo un muchacho que vive en las Favelas es capaz de superar las dificultades de su precaria forma de vida hasta convertirse en el sueño y la esperanza de todo un país, al dirigir al equipo brasileño a su primera Copa del Mundo en 1958. Escrita y dirigida por los hermanos Michael y Jeff Zimbalist, ha contado con la participación del propio Pelé, que no ha dudado en mostrar al mundo los más profundos recuerdos de su infancia y de un Brasil lleno de problemas raciales y de miseria, en el que su trabajo, espíritu de superación y esa forma tan especial de jugar (la ginga) unió a aquel grupo de jugadores y a todo el país de una forma inquebrantable.

Crítica

Intentar sacar brillo a una estrella puede quemar.

Edson Arantes do Nascimento, O Rei, La Perla Negra o como más se le conoce, Pelé, fue un deportista y es una personalidad del mundo del fútbol que ha recibido a lo largo de su vida mucho reconocimiento internacional. Pero no siempre tuvo las cosas fáciles ni vivió una buena vida. “Pelé, el nacimiento de una leyenda” pretende mostrar los años de la infancia y juventud del astro brasileño que no solo inspiró a todo un país en su época, sino que también ha dado esperanza a muchos niños de las favelas brasileñas.

El talento o los logros de Pelé son indiscutibles, pero la película peca de sobrarse en el enaltecimiento de su figura desde el mismísimo título. El rodaje de los hermanos Zimbalist (“30 for 30”) se parece, en demasiadas ocasiones, a un episodio de “Capitán Tsubasa” o se sobra empleando una espectacularidad semejante a la de los famosos anuncios de Nike. Tanto es así que prácticamente ningunea a otros jugadores de la quinta de Pelé como Vavá o Garrincha. Ni que decir tiene que los jugadores rivales, los de las selecciones de Suecia o Francia, parecen mancos. Se olvida por ejemplo de que el francés Just Fontaine marcó más del doble de goles que Pelé en el mundial del 58. Se endiosa tanto su juego que llega a parecer poco creíble, aunque esté basado en hechos reales.

Pero la película no solo sirve para mostrar los inicios de Pelé. Es un medio para revindicar la ginga o lo que se conoció más adelante como el jogo bonito. El Rey fue un embajador y maestro de este estilo de fútbol que a tantos maravilla y su historia está ligada a él. Un problema del film es que se recurre tanto a la ginga que a veces parece que se refieran a ella como si fuese la Fuerza, “usa la Fuerza ginga”.

También se puede considerar el film como un vehículo para hacer ver al público que Brasil no siempre ha sido el amo de este deporte (aunque sea cargándole todo el mérito a Pelé). Que tal y como ocurre ahora, los padres forman un papel fundamental en las carreras de las estrellas brasileñas. El padre de Pelé, Dondinho, le instó a jugar al fútbol y tiene uno de los records que él no pudo batir, marcar cinco goles con la cabeza en un solo partido. Además, nos muestra cómo el fútbol influye en todo un país, en la moral y vida de las personas, una triste realidad.

Cabe destacar el papel de Seu Jorge (“Life Aquatic”) como Dondinho, muy afectivo y paternal. Vincent D’Onofrio (“Daredevil”) se desprende solo de parte del malhumorado Fisk que le ha dado tanta fama para ponerse a ritmo de samba en la piel del entrenador Vicente Feola. El mexicano Diego Boneta vuelve a ganar puntos conmigo tras haberle visto también en “Summer Camp”.

Según los directores Pelé ha contribuido con sus recuerdos, pero no se ha inmiscuido en el guión. Sin embargo, figura como productor ejecutivo, habrá que tomarse esta película como un «homenaje que él mismo se ha dado», haciendo un cameo en ella por cierto. De un modo original, el cartel de «Pelé: el nacimiento de una leyenda» no tiene laureles por los premios que ha ganado el film, si no por los que ha ganado el jugador, para muchos son un motivo más que suficiente como para dedicarle una película. No hay duda de que esta cinta ensalza a Pelé. Algunos pueden pensar que ya tenemos multitud de material videográfico con sus partidos como para necesitar ver su juego recreado. Pero sí puede resultar interesante descubrir sus orígenes desde niño y ver que hay algunas cosas que desde hace mucho tiempo no cambian.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de diciembre de 2016. Título original: Pele birth of a legend. Duración: 107 min. País: EE.UU., Brasil. Director: Michael Zimbalist, Jeff Zimbalist. Guión: Michael Zimbalist, Jeff Zimbalist. Música: A.R. Rahman. Fotografía: Matthew Libatique. Reparto principal: Leonardo Lima Carvalho, Kevin de Paula, Vincent D’Onofrio, Rodrigo Santoro, Seu Jorge, Diego Boneta. Producción: Imagine Entertainment, Seine Pictures, Exclusive Media Group. Distribución: F&P Media. Género: Deportes, Familiar. Web oficial: http://www.flinsypiniculas.com/ficha.php?id=199

“El profesor de violín” nos llega desde Brasil

Sérgio Machado (“Quincas Berro d’Água”) firma “El profesor de violín” que viene producida por los mismos responsables de “Una segunda madre”, “Tabú” o “El lobo detrás de la puerta”. Está protagonizada por Lázaro Ramos (“Lado a lado”), Kraique De Jesus y Elzio Vieira.

En esta película, un violinista de gran talento llamado Laertes (Lázaro Ramos) da clases de música a unos adolescentes de Heliópolis, un barrio de una zona deprimida de São Paulo. Esto lo hace tras ser rechazado en la prestigiosa Orquesta Sinfónica del Estado.

Está inspirada en la historia real de la orquesta creada por el maestro brasileño Silvio Bacarelli en los años 90. Esta formación consiguió estimular la inclusión social y cultural de los jóvenes en la favela más grande de São Paulo, más conocida como Heliópolis.

La película llegará el 12 de agosto de la mano de Caramel Films.

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