Reseña: ‘Mickey7’

Argumento

Mickey Barnes es un Prescindible, encarnado en la séptima réplica de su cuerpo, que vive (y muere) rodeado de sus colegas colonizadores en Niflheim, un planeta helado y casi inhabitable. Hay quien lo considera inmortal. O tros lo ven como una monstruosidad sin alma. Durante los últimos nueve años ha realizado toda clase de tareas peligrosas y ha sido el conejillo de Indias de experimentos que ponen a prueba los límites de la resistencia humana.

Ha sacrificado su humanidad por un bien mayor. En el transcurso de una misión de reconocimiento, Mickey7 cae herido y es abandonado a una muerte segura. Sin embargo, una especie autóctona de Niflheim lo rescata. Cuando regresa a la base, Mickey7 se topa con su siguiente réplica, Mickey8. Ninguno de los dos está dispuesto a saltar a la recicladora, pero si alguien descubre que existen múltiples Mickeys ambos serán sacrificados? y Mickey9 nunca verá la luz. No obstante, su prematuro hermano gemelo no es el único secreto que esconde Mickey7.

Reseña

Una reflexión existencial con sabor a ciencia ficción

Sumamos a muestra biblioteca personal una distopía con algo de space opera, ’Mickey7’ de Edward Ashton. Una propuesta que combina la aventura espacial con una meditación filosófica sobre la identidad, la mortalidad y la conciencia. La novela se centra en Mickey Barnes, un “prescindible” en una misión de colonización interplanetaria, cuyo trabajo consiste en morir repetidamente y ser regenerado con sus recuerdos intactos. Es para muchos una simple herramienta sacrificable y recuperable y para otros un monstruo sin alma. Sin embargo, cuando el Mickey número siete sobrevive inesperadamente y se encuentra con su propia versión más reciente, la historia toma un giro intrigante que recuerda tanto al libro ‘El hombre duplicado’ de José Saramago como a la película ‘El sexto día’ protagonizada por Arnold Schwarzenegger.

El gran acierto de ‘Mickey7’ radica en su tono ligero pero perspicaz. Ashton escribe con un humor seco que aligera los temas filosóficos subyacentes. En este sentido, su narrativa se asemeja al trabajo de Andy Weir (‘The Martian’), donde la ciencia y la lógica estructuran el conflicto sin entorpecer la fluidez de la historia. La novela plantea preguntas fascinantes: ¿qué significa ser una persona si puedes ser reemplazado? ¿Dónde reside la identidad cuando los recuerdos pueden ser transferidos? ¿Hasta qué punto es ético el sacrificio humano incluso cuando este es voluntario? Estas cuestiones, aunque no nuevas en la ciencia ficción, son exploradas con frescura gracias a la voz sarcástica y autocrítica de su protagonista.

Sin embargo, ‘Mickey7’ no se aventura demasiado en lo filosófico ni en la construcción de un mundo profundamente desarrollado. Ashton se enfoca más en el ritmo narrativo y en la interacción de Mickey con su tripulación o la amenaza que representa el nuevo planeta, lo que mantiene la historia ágil pero sin la profundidad de otros referentes del género.

La inminente adaptación cinematográfica de Bong Joon-ho, ‘Mickey 17’, protagonizada por Robert Pattinson, genera expectativas altísimas. El cineasta surcoreano es conocido por su capacidad para combinar crítica social con entretenimiento (‘Parásitos’, ‘Snowpiercer’), y su enfoque podría añadir capas de significado a la historia de Ashton. A juzgar por la filmografía de Bong, es probable que la película amplifique la tensión existencial y la crítica al capitalismo inherente a la trama.

Si bien Ashton ofrece una exploración entretenida y accesible de la clonación y la identidad, Bong Joon-ho podría transformar la historia en una parábola más oscura y satírica sobre la explotación y la deshumanización en un sistema tecnocrático. Si el director logra expandir los temas de la novela sin perder su esencia, ‘Mickey 17’ podría convertirse en una de las adaptaciones más estimulantes de la ciencia ficción contemporánea.

Ficha del cómic

Autor: Edward Ashton. Editorial: Minotauro (St. Martin’s Press). Datos técnicos: 368 pags., tapa blanda, 23x15cm. Publicación: 2022 (2025 España). Precio: 18€.

Reseña: ‘Star Trek: Deuda de honor’

Argumento

[toggle]

El Capitán Kirk y la tripulación del U.S.S Enterprise luchan junto a sus enemigos Klingons y Romulanos contra una amenaza galáctica que ningún gobierno se atreve a admitir que exista…

Kirk, Spock, Uhura, McCoy, Scott, Sulu, Chekov y la mejor tripulación de la flota estelar se enfrentarán a un desconocido enemigo que ha destruido en diferentes épocas del tiempo las naves más poderosas de la Federación y de los imperios Klingon y Romulano.

[/toggle]

Reseña

Una clase intensiva y transcendental en el mundo de Star Trek

La editorial Drakul, bajo su sello Likantro, ha lanzado este mes de marzo un cómic indispensable para los fans de la ciencia ficción y en concreto de la franquicia ‘Star Trek’. Con esta nueva edición de ‘Star Trek: deuda de honor’ en tapa dura se recupera el clásico instantáneo de 1992 que en su día editó en España Planeta y teletransportó a muchos lectores al lado trekkie. Una golosina para amantes de las historias ambientadas en el cosmos del futuro y por supuesto para los seguidores de Kirk y Spock. Para aquellos profanos en la materia es una clase intensiva en el mundo de Gene Roddenberry, creador de esta saga, fallecido un año antes de la gestación de estas viñetas.

‘Star Trek’ siempre ha sido sinónimo de aventura, curiosidad, innovación… pero sobe todo de valores humanos como la concordia o la empatía. En ‘Star Trek: deuda de honor’ vivimos un rara avis que hace honor a esas cualidades. Humanos, Romulanos y Kilngons se embarcan en una alianza de conveniencia, protagonizada por el Kirk de William Shatner. Evidentemente con este volumen experimentaremos una vez más esa relación íntima entre cómic, televisión y cine que ha convertido a ‘Star Trek’ en algo eterno, pero sobre todo buceamos en el pasado de James Tiberius Kirk.

Nadie mejor que Chris Claremont para alcanzar el grado de intimidad y complejidad que pide este número. Sus trabajos son siempre introspectivos, armados en una densidad de texto que le roba protagonismo a las ilustraciones de las viñetas de tal manera que parece más una novela tradicional. Como fan de la saga no deja cabos sueltos y nos lleva a un viaje en el espacio y el tiempo por la vida y carrera de James T. Kirk. La historia arranca en Génesis tras la destrucción de la Enterprise en ‘Star Trek III’, mencionando a David Marcus, los klingon y el mítico Khan saliendo a la palestra. Pasamos por el Farragut y por muchos puntos de la historia que convierte a ‘Star Trek: deuda de honor’ en un homenaje retrospectivo que se inserta con coherencia en el canon.

Haciendo un inciso. Los fans de la franquicia apreciarán este volumen simplemente por la cantidad de guiños o huevos de pascua que posee. Sirve como apertura y cierre del cómic una clara alusión a ‘Star Trek IV’ y sus ballenas. Ese escenario es el heraldo de una serie de alusiones que casi nunca se perciben gratuitas y sirven de herramientas para desarrollar la historia. Reconoceréis detalles como el ajedrez 3D al que tanto jugaban en ‘The Big Bang Theory’ o los tiempos en los que el Katra de Spock estuvo en el Doctor McCoy.

Es evidente que tenemos entre manos al reparto de la serie original. Es por ello que era de vital importancia que el parecido facial estuviese logrado. Adam T. Hughes y Karl C. Story realizaron un trabajo encomiable para dar vida en las viñetas a los miembros de la Enterprise NCC-1701-A. Como mencionaba antes la trama nos lleva por distintos momentos en el tiempo y el trazo de ambos dibujantes sobrevive a esa barrera y gracias a ellos percibimos como real esta historia de ciencia ficción. Y no solo eso, sino que nos sumergen en ambientes futuristas y batallas a través del vacío del espacio que no requieren de los artificios digitales de hoy en día.

Por supuesto habrá puristas que recelarán del comportamiento y apariencia de algunos personajes, naves o razas, al fin y al cabo ‘Star Trek’ ha cambiado perceptiblemente a lo largo del tiempo, aunque es una saga que cuida mucho su material original por lo bien que está desarrollado. En este número no diréis en ningún momento, “esto nunca pasaría en una nave de la federación”, al contrario, os transportaréis de nuevo al universo de descubrimiento y aventura que hizo famosa a esta saga.

Ficha del cómic

Guion: Chris Claremont. Dibujo: Adam T. Hughes, Karl C. Story. Color: Tom J. McCraw. Portada: Jason Palmer. Editorial: Drakul Editorial. Datos técnicos: 96 págs., color, cartoné, 21 x 27,9 cm. Publicación: julio de 1992 (España, 1995 y marzo de 2024) Precio: 21,95€.

Reseña: ‘Désida. Acto I’

Argumento

[toggle]

A un día de la manifestación, un activista anónimo recibe la Demo de un juego del que nunca ha oído hablar. A un día de la manifestación, una bailarina caída en desgracia acepta capturar sus movimientos para un juego del que nunca ha oído hablar. Si alguno de ellos pensaba que al día siguiente cambiarían las cosas, nunca imaginó de qué forma. El «juego» se llama Désida.

[/toggle]

Reseña

Un primer acto muy actual que sorprende por sus tramas que se van entremezclando cada vez más

Hace poco nos contactó Bardeo, el autor de este cómic, para ver si nos interesaba leer su obra y hacer una reseña. Dado que nuestro tiempo lo acaparan el cine y las series hace más de un año que no publicamos una reseña de cómic, lo cual, es una buena razón para romper esa mala racha. Y la propuesta procede del ámbito independiente, de alguien que se lo ha trabajado tanto que ha conseguido autopublicarse a color y en tapa dura, razón de más para dedicarle un tiempo. Ya con el cómic en la mano descubrimos que la historia trata de un joven que recibe la propuesta de probar la beta indie de un nuevo juego (Désida) para posteriormente poner un análisis en su blog. No puede ser más meta la situación, cojo ‘Désida’ con ganas para descubrir gratamente que el círculo se va a cerrar aún más.

La historia sigue en paralelo a Uli, el personaje que prueba el juego (con viñetas en blanco y negro) y a Keriot, el avatar que maneja (cuyos dibujos van a color). Además a una bailarina que tiene pinta que estará más presente en un futuro. Todo se mueve en un ambiente agitado, tanto la realidad pre-electoral del protagonista como el mundo post-apocalíptico en el que se sumerge con sus gafas de realidad virtual. El tono político del cómic es más que evidente y están muy presentes los paralelismos entre la pandemia del COVID-19 con una distopía cibernética, los populismos, el 15M, el bipartidismo, la desinformación y la posverdad. El joven gamer es un activista cuyo blog clandestino se llama Proverbios 22:7: “El rico se enseñorea de los pobres; y el que toma prestado es siervo del que presta” reza ese texto que nos evidencia aún más de que esto va de lucha de clases. Para más inri quien protagoniza el videojuego me recuerda al Johnny Silverhand de ‘Cyberpunk 2077’, con sus canciones agitadoras y su uso de la tecnología para causar disturbios. Todo esto va de unos pocos plantándole cara y buscando las flaquezas a todo un imperio, como Conan, para cuya película también hay un guiño.

Dado que el vestuario de algunos personajes tiene la apariencia de los trajes de los tiempos de Franco, la portada podría parecer que alude al NO-DO, sobre todo por esa tipografía casi Times New Roman, o también a la fuente Vitor, recuperada en tiempos del dictador. Pero si vais por las calles de Madrid os daréis cuenta que imita a los letreros de las calles, aquellos que están hechos de azulejo. Estamos en Mágeryt pero todo alude a un Madrid de ciencia ficción y muy reconocible. El dibujo es básico en algunos aspectos, pero en lo que se refiere a arquitectura reconocemos perfectamente la ciudad y se cuidan mucho las perspectivas. Es como si estuviésemos viendo algo sacado de las primeras etapas de Salvador Larroca, el cual por cierto se formó como arquitecto técnico, se dedicaba a la cartografía digital y ahí está como uno de nuestros pioneros en el mercado del cómic norteamericano. ‘Désida’ tiene aroma de magazine ochentero, de viñeta revistera o con influencias del underground europeo. Y esto no quiere decir que sea desdeñable, pues tiene su trabajo y páginas muy meritorias como una que evoluciona como una espiral de Fibonacci mientras se representa un tumulto.

El círculo de la casualidad y los paralelismos entre vida real, cómic y videojuego se cierran cuando llegamos a las últimas páginas de este volumen. Todo apunta a que se va a entremezclar videojuego y realidad como si esto fuese ‘El juego de Ender’ o ‘Ready Player One’. Habrá que descubrirlo en el segundo acto, que espero que llegue a publicarse pronto.

Ficha del cómic

Guion: Bardeo. Dibujo: Bardeo. Editorial: autopublicado. Datos técnicos: 124 págs., color y blanco y negro, cartoné, 29,7 x 21 cm. Publicación: 2021. Precio: 18,95 (papel), 3,99€ (ebook).

Reseña: ‘Paper Girls’

Argumento

[toggle]

Unas horas después de la noche de Halloween de 1988, cuatro repartidoras de periódicos de doce años descubren la historia más importante de todos los tiempos.

La vida en la periferia y el suspense sobrenatural se dan cita en esta exitosa serie sobre la nostalgia, el primer trabajo y los últimos coletazos de la infancia.

[/toggle]

Reseña

El cómic que podría dar origen al próximo ‘Stranger Things’

En ‘Paper Girls’ acompañamos a unas repartidoras de periódicos de doce años que están distribuyendo el diario local por su barrio la mañana después de Halloween, mientras algunos rezagados disfrazados están aún volviendo a casa o haciendo trastadas. Pero eso no es lo único atemorizante o extraño que se encuentran ese día de 1988 mientras pedalean sobre sus BMX, una jornada que cambiará su futuro… y su pasado.

El barrio de Stony Stream es el centro de esta historia. Un vecindario de clase media estadounidense cuyo significado literal es “arrollo pedregoso”. Precisamente así es la trama del cómic, un flujo, una línea del tiempo inamovible con obstáculos para las protagonistas en la que la dinámica de la corriente determinista se impone. Este cómic indie de Image Comics (editado en España por Planeta Cómic) pertenece a la familia de la ciencia ficción, del tipo contemporáneo, desconcertante y llena de componentes que enrevesan la historia sin hacerla compleja o incomprensible. Aunque hay que decir, sin que con ello estropee ninguna sorpresa, que pasan por él mechas, cavernícolas, armas futurísticas, catedrales voladoras, dinosaurios… Un poco más y se convierte en una ida de olla como la que tuvo Oku Hiroya a la hora de cerrar ‘Gantz’.

El tener a unas protagonistas tan jóvenes es un arma de doble filo de cuyo revés más desfavorecedor hablaré más abajo. No se puede negar que ‘Paper Girls’ es una obra moderna. Los treinta números conclusivos que comenzaron a publicarse en 2015 desarrollan un discurso generacional, LGTBI y sobre todo feminista. Esta es una historia fantástica con mucha rebeldía contra los adultos, no se puede negar tampoco que hay algo de Peter Pan en todo esto. Pero los distintos personajes femeninos, de distintas edades y características nos muestran que la intención del guión es esgrimir argumentos de empoderamiento femenino. Ya desde el comienzo vemos que las cuatro niñas de estas viñetas se abren paso siendo las primeras repartidoras de su ciudad, las primeras monaguillas, las primeras en fumar prematuramente…

Brian K. Vaughan, Cliff Chiang y Matt Wilson son los artífices de esta serie de cómics, que no novela gráfica. Vaughan es bien conocido por tener otro cómic también bastante apocalíptico y bastante feminista, ‘Y, el último hombre’, de cuya adaptación prefiero no hablar. Por supuesto es muy famosa su colección ‘Saga’ o ‘The Runaways’, donde también hay mucho protagonismo de mujeres adolescentes. Al final va a ser un referente en ambas vertientes ya que maneja muy bien las distintas personalidades de sus personajes. A parte de eso el cómic es visualmente original, impactante, cautivador. Es capaz de ser preciosista y grotesco a la vez.

El titular de esta crítica se refiere no solo a lo juvenil del reparto y la propuesta tan fantasiosa que se pone sobre la mesa con ‘Paper Girls’. Transcurre a finales de los ochenta y partiendo de ahí consigue ser nostálgico para varias generaciones. Todas las entregas se abren con una cita, “La nostalgia es muerte”, es la que abre el segundo número. Hay multitud de guiños visuales y referencias a la cultura pop pero la trama no depende de ello para cautivarnos, se moderan bastante al respecto.

Otra virtud que os dejará buen sabor de boca es que cuadran bien todo este galimatías temporal, cosa que satisface siempre a los fans de las historias de viajes en el tiempo. Vais a ver que hay un poco de ‘Dark’, un poco de ‘Regreso al futuro’, de ‘Project Almanac’… Todo ello debido a que es indudablemente una obra juvenil y con enredos o paradojas. No es de extrañar que esta serie tenga tres premios Eisner, uno a su escritura y dos al color.

Si hay que ponerle una pega a ‘Paper Girls’ es la que tienen tantas historias de la infancia que pretenden exponer grandes argumentos. Se acaba ubicando en personajes de muy tierna edad discursos, palabras e ideas demasiado complejas o profundas, lo cual lo hace menos creíble. Películas como ‘Los Goonies’ manejaban mejor la edad de sus protagonistas. No obstante lo que nos quieren mostrar aquí son niñas avanzadas a los suyos, con un grado de madurez por encima de los de su edad y una mentalidad más progresista que la de su época. Están destinadas a romper barreras y literalmente lo hacen gracias a los eventos de ciencia ficción que les suceden.

Con todo y con esto queda claro por qué su adaptación a serie por parte de Amazon Prime Video está llamada a convertirse en el nuevo fenómeno tipo ‘Stranger Things’, si lo hacen bien, claro está. El 29 de julio lo sabremos.

Ficha del cómic

Guion: Brian K. Vaughan. Dibujo: Cliff Chiang. Color: Matt Wilson. Editorial: Image Comics (Planeta Cómic). Datos técnicos: 456 págs., color y blanco y negro, 18,3 x 27,6 cm. Publicación: octubre de 2015. Precio: varía según formato.

Reseña: ‘BRZRKR’

Argumento

[toggle]

El hombre conocido únicamente como B. es mitad mortal y mitad dios, maldito y obligado a llevar una vida de violencia… incluso a costa de su cordura.

Pero después de vagar por el mundo durante siglos, puede que B. haya encontrado por fin un refugio: trabajando para el gobierno de Estados Unidos, librando las batallas demasiado violentas y peligrosas para cualquier otra persona. A cambio, a B. le darán lo único que desea: la verdad sobre su interminable existencia teñida de sangre… y la clave para acabar con ella.

[/toggle]

Reseña

El título ‘BRZRKR’ se antoja impronunciable, pero la historia se come a bocados

Supongo que eliminar las vocales es un intento de diferenciación para con el manga de Kentaro Miura. El nombre de esta serie de Boom! Comics que ha empezado a publicar Planeta Cómic en España alude a los Berserkers, los vikingos que cual Alexander Skarsgård en ‘El hombre del norte’ se lanzaban al combate casi en trance y casi desnudos. Y así nos adentramos en esta aventura de acción que ha creado Keanu Reeves, sumergiéndonos, olvidando lo que hay al rededor, contemplando una violencia primaria y arraigada en nosotros desde tiempos inmemoriales.

Esta serie está desarrollada por el actor junto con Matt Kindt, a quien conoceréis de obras como ‘Ether’, la trilogía dibujada por el español David Rubín. Con la acción, brutalidad y ambientación que tiene ‘BRZRKR’ podría haberle venido bien la mano de Rubín, pero es el estilo cambiante de Ron Garney (‘Daredevil’) el que ilustra los pasos del protagonista acompañado del color de Bill Crabtree (‘Invencible’). Aunque es fácil que las salvajadas copen la atención del lector los dibujos de Garney se adaptan a una historia que se nota que no quiere ser gratuitamente violenta. Es por eso que hay espacio para el texto, aunque esta idea reclama aún más para terminar de demostrar que es realmente original.

La trama de esta serie compuesta por doce grapas sigue los pasos ensangrentados de B, un soldado que trabaja en la sombra para el gobierno estadounidense, a lo Hellboy. Un hombre que no puede morir pero que necesita sentir que puede perder la vida. Es la punta de lanza en peligrosas misiones y el objeto de los más avanzados experimentos, los cuales sirven a los intereses de USA y se supone que servirán a los propios intereses del inmortal.

El personaje principal de ‘BRZRKR’ lleva la cara del actor. Lograron mayor parecido Giovanni Valletta y Matt Gaudio en los cómics de ‘John Wick’, pero también hay que tener en cuenta que este es un personaje que el actor no ha interpretado, sino escrito, por lo tanto no ha de tener su rostro. Además en esta ocasión se diferencia ligeramente de otros de sus héroes de acción pues tiene poderes a lo Logan y los usa para reventar, literalmente, a sus enemigos. ‘BRZRKR’ es un cómic salvaje que nos recuerda a las páginas más sangrientas de Lobezno o a los dilemas de los inmortales de ‘La vieja guardia’ de Rucka.

Aunque el cómic tiene también pastillas rojas y azules y tanta acción como las películas de ‘Matrix’, las páginas buscan dibujar a un personaje alejado del estigma de “el elegido”. El lastre que lleva este personaje no es el de tener que salvar el mundo, sino el de haberlo sobrevivido durante miles de años. Eso hace que nos encontremos ante un protagonista más castigado, que se ve a sí mismo como una herramienta que puede servir para un mortal quid pro quo. Ese sometimiento al que el propio protagonista accede es lo más curioso de esta historia.

Con el número uno nos sorprenden con una historia muy violenta y un buen texto de Reeves (sin duda muy guiado por Kindt), pero de momento poco más fuera de lo ya leído en cómics similares. Hay expectativa en que en las próximas entregas haya algo más innovador a nivel argumental. Eso si, la edición de esta grapa incluye póster a dos caras e formato A3 (de Lee Bermejo y Dan Mora), unas palabras de David Hernando (Director Editorial de Planeta Cómic) sobre los 40 años de la editorial, sección de portadas originales y un fragmento de una entrevista a Keanu Reeves, Ron Garney y Matt Kindt. Estos extras engrosan el número de páginas y hacen que la grapa merezca un poco más su precio. Por lo menos servirán para enganchar a los cómics a los que se hayan acercado a ‘BRZRKR’ solo por ver el nombre de Keanu Reeves. No me cabe duda de que ese atractivo es la causa de que este sea el cómic más vendido en lo que va de década.

Ficha del cómic

Guion: Keanu Reeves, Matt Kindt. Dibujo: Ron Garney. Color: Bill Crabtree. Rotulación: Clem Robins. Portada: Rafael Grampá. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 64 págs., color, grapa, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: 27 de abril de 2022. Precio: 4,5€.

Reseña: ‘The nice house on the lake’

Argumento

[toggle]

Todos los invitados a la casa conocen a Walter. O, al menos, lo conocen un poco. Tras el año más difícil de sus vidas, nadie iba a rechazar una invitación para disfrutar de una hermosa mansión en el bosque, con vistas a un enorme y precioso lago. ¿Aguantar las manías de Walter a cambio de las mejores vacaciones de sus vidas? ¿Quién va a negarse a algo así? Es el momento de reconectar con los amigos. Es el momento de descubrir una nueva manera de entender el cómic de terror moderno.

[/toggle]

Reseña

Un arca de Noé con simbolismo a lo Chillida capaz de producir literalmente chillidos

‘The nice house on the lake’ es una serie limitada de 12 números que empezó a poder leerse en España en noviembre de 2021. Es editada por ECC Comics ya que este es un cómic de DC cómics y nos está llegando en formato grapa. Una colección que en abril lanza su sexta entrega (el 22 de este mes la quinta) y que retornará a nuestras tiendas de cómics tras el verano para acabar con su segunda mitad en los meses consecutivos.

La serie cuenta con el guión del estadounidense ganador del Eisner James Tynion IV, un habitual del Batman actual y autor de ‘The Woods’ el cómic que adaptó el canal SYFY. En el dibujo está el talento de Álvaro Martínez Bueno. Y aunque el cómic esté muchas veces dominado por tonos oscuros e incluso masas de negros ojo al color de Jordie Bellaire, la misma que dotó de tonalidades alegres las páginas del ‘Vision’ de King, Walta y Walsh.

‘The nice house on the lake’ es una miniserie que mezcla terror y ciencia ficción con un estilo moderno, entre ‘Lost’ y ‘Archivo 81’, por poner ejemplos cercanos. ¿Porque moderno? Se incluyen temores y existencialismos actuales y elementos modernos como las redes sociales. Es obvio que el lector podrá empatizar con más facilidad con este cómic dado que se ambienta en nuestra época. Pero su trama podría estar ubicada en cualquier edad de nuestra civilización ya que este podría ser un relato lovecraftiano, una novela de Stephen King o una Historia para no dormir de Ibáñez Serrador.

¿Pero de qué va? Si habéis visto hace poco ‘Silent night’ o ‘Await further instructions’ os puede sonar la inquietante trama. Desde 2020 es fácil para todos el poder decir que es una de las épocas más complicadas de nuestras vidas y por lo tanto también es fácil que a poco que se pueda aceptemos un buen plan vacacional. ¿Pero y si esa oportunidad de ocio tiene un precio? En el caso de ‘The nice house on the lake’ consiste en soportar a Walter. Un tipo que te mete ficha preguntándote cómo crees que se irá el mundo al garete. Un apocalipsis que nos sugieren que ya ha sucedido en páginas intercaladas y desde el principio. Como también nos asaltan de vez en cuando capturas de pantallas de mails o de redes sociales. ‘The nice house on the lake’ nos narra cómo ha llegado la humanidad a ese punto de colapso a través de la relación de los protagonistas con Walter y una casa en el lago. Si os quejasteis del confinamiento por el COVID-19 esperad a leer esto. Y la verdad que no se si calificar este cómic como un Arca de Noé moderno o como una visión del rapto. También funciona como una versión del ‘Cabin in woods’ de Drew Goddard.

Cada grapa tiene portadas diferentes, como es habitual. Esas portadas muestran unas ilustraciones que parecen fotografías nocturnas. Inquietantes instantáneas hechas por un fotógrafo amateur con un móvil que impacta en sus objetivos quemándoles con el flash LED y dejándolo en los bordes un marco sombreado que nos da esa sensación de que la oscuridad nos envuelve. Este es un cómic misterioso y tenebroso a pesar de que sucede en un lugar de ensueño. Y para más misterio se muestran unos extraños símbolos en la parte superior que se van coloreando secuencialmente en cada entrega. Es obvio y no se esconde que hay que asociar cada icono a uno de los protagonistas, pero lo intrigante realmente es la simbología que rodea a esta casa, tipo Chillida y capaz de producir literalmente chillidos. Si queremos añadir más leña al fuego podemos fijarnos en que esas marcas llegan hasta diez, no sabemos qué aparecerá en el once y el doce. Lo que sí que sabemos es que son eso, marcas, que Walter ha puesto a las personas a las que ha decidido estudiar y citar en la casa. Como es de imaginar cada grapa se centra en un protagonista diferente. Y cada libro (que es como han decidido llamar a cada grapa) tiene una introducción con un futuro apocalíptico que nos va poniendo en situación para después volver a los primeros días en la casa. Un spoiler que se permite James Tynion IV, manteniendo en secreto el verdadero destino de los protagonistas o la naturaleza de Walrer, claro está.

Terror contemporáneo. Con preocupaciones de nuestra era adornadas con estanterías llenas de cómics de ‘Batman’, ‘Sandman’ y botes de ‘South Park’. ‘The nice house on the lake’ se incluye en el grupo de obras marcadas con el sello Black Label de DC. Una distinción que llevan otras obras de terror como ‘American Vampire’ y ‘Hill House Comics’ pero también títulos superheróicos como ‘Batman: Años uno’, ‘Sandman’ o ‘Rorschach’. Es una colección que engancha pues siembra muchos misterios a través de una gran narrativa.

Ficha del cómic

Guion: James Tynion IV. Dibujo: Álvaro Martínez Bueno. Color: Jordie Bellaire. Portadas: Álvaro Martínez Bueno. Editorial: DC Comics (ECC Cómics). Datos técnicos: 32 págs., color, grapa, 17 x 26 cm. Publicación: noviembre de 2021, España. Precio: 2,95 €/grapa.

Reseña: ‘¡García!’

Argumento

[toggle]

la crisis económica e institucional ha hecho que la sociedad de este país se vuelva más volátil que nunca. En medio de los escándalos de corrupción que los asuelan, los dos grandes partidos –conservadores y socialistas– se han aliado en una coalición de Gobierno con la intención de impedir que el partido renovador de izquierda gane las inminentes elecciones generales. Es entonces cuando salta la chispa en el barril de pólvora: la candidata del Gobierno ha sido secuestrada, y nadie sabe quién es el responsable ni dónde se encuentra. Mientras la tensión aumenta y el pánico se adueña de todos, un durmiente abre los ojos en una cámara secreta bajo el Valle de los Caídos, la monumental tumba franquista a las afueras de Madrid. Se trata de García, un superhombre que se hizo célebre durante los primeros años de la dictadura y desapareció sin dejar rastro hace más de 50 años. Ahora García ha vuelto a la vida en el momento más complicado de la democracia, y deberá enfrentarse a una España muy diferente de la que dejó atrás en 1961. Pero el destino del país podría estar en manos de este hombre sin tiempo.

[/toggle]

Reseña

Una carga contra aquello que emponzoña nuestra democracia

Era consciente de la figura y obra de Santiago García, ¿¡qué aficionado al cómic no se ha acercado a ‘Las meninas’?! Pero reconozco que nunca me había dado por plantarme delante de ‘¡García!’ y la proximidad de la adaptación a serie para HBO Max me ha animado a ello. De hecho seguro que muchos han hecho lo mismo cuando se estrenó otra serie basada en la obra de este guionista, ‘El vecino’. Y pienso, ¿están consiguiendo las producciones audiovisuales, tanto internacionales como locales, que el público general se acerque con más interés al cómic? No tengo datos pero, ojalá que sí.

Esta historia es de rabiosa actualidad y puede que por eso cueste menos hacer que se incremente su número de lectores. Son tres tomos los que componen este thriller político con mucha carga satírica. Los dos primeros conforman la historia del protagonista y el tercero se puede considerar un extra que puede que nos traiga hasta una cuarta entrega. Publicada en 2015 la trama realmente parece analizar e incluso augurar los tiempos de ahora, pero enlazando con el pasado. Pronostica la situación actual en la que la izquierda y derecha tradicional se sienten amenazadas, cuanto menos incómodas, por la irrupción de nuevos partidos que rozan el sorpaso nacional. Santiago García una vez más se muestra ágil y rápido al plasmar inquietudes actuales sobre el papel. Pero también logra retratar a los individuos de nuestro pasado, aún presentes con su idiosincrasia casi intacta.

Cual Capitán América García regresa del pasado, vuelve tras ser un héroe en los años sesenta, pero… es un héroe que se encuentra con un inesperado futuro pues… trabajaba por los intereses de la dictadura, al contrario que El Capi. Enterrado en secreto al pie del mismísimo Valle de los Caídos es despertado de su letargo y su única ayuda o conexión con el presente es una joven periodista.

A través de un personaje que ensalzaba los ideales del caudillo se hace crítica de dos cosas. Obviamente se ridiculiza el futuro que pretendía ese régimen autoritario y por otro algo también muy actual, que Madrid no es España ni España es solo Madrid. Son unas obras que casi haciendo una reducción al absurdo cargan contra aquello que emponzoña nuestra democracia. Y lo hacen remarcando que malos y buenos los hay en ambos bandos, que por encima de los ideales están las personas.

No es un thriller meramente político, está cargado de muchísima acción. ¡García! es una novela de espías y organizaciones secretas con momentos explosivos y puños cruzando sus viñetas. El final del segundo tomo, por ejemplo, es un cierre que lleva aún más allá la parafernalia ya planteada en películas como ‘Balada triste de trompeta’.

Al principio el dibujo choca, defrauda, pero pronto uno descubre que imita los cómics de la época de nuestros padres o abuelos. La historia se ilustra con trazos elegantes, que ya los querría para sí 007. Me ha recordado bastante a ‘Agente secreto X-9’ pero menos cargado de texto, dejando más espacio para realizar un retrato más de la capital Española y sus rincones. Tanto guión como dibujos esbozan a unos personajes bien definidos, que desde la ficción definen nuestra sociedad actual.

Ficha del cómic

Guion: Santiago García. Dibujo: Luis Bustos. Editorial: Astiberri. Datos técnicos: 192+200+216 págs., blanco y negro, cartoné, 16 x 21 cm. Publicación: 2015. Precio: 15€ (por tomo).

Reseña: ‘Castillo de arena’

Argumento

[toggle]

Trece personajes descubren un cadáver en una playa donde la realidad va deformándose y han de enfrentarse a un destino que se les escapa como arena entre los dedos; ésa es la premisa sobre la que se asienta Castillo de arena, que supuso en 2010 un nuevo salto adelante en la trayectoria de Frederik Peeters como creador.

[/toggle]

Reseña

La vida pasa rápido, los protagonistas envejecen rápido y el cómic se lee rápido

Como hacemos casi siempre os hablamos de un cómic que guarda relación con la actualidad, en este caso con la cinematográfica. ‘Castillo de arena’ es un cómic editado en España por Astiberri cuya trama ha sido inspiración para la nueva película de M. Night Shyamalan.

Sus autores son el cineasta parisino Pierre Oscar Lévy (guión) y el suizo Frederik Peeters (dibujo). Ambos ya hicieron ‘Píldoras azules’, un cómic muy universal y con algo de humor cuya portada tiene cierto parecido a la de ‘Castillo de arena’. Tanto ese como este trabajo que hoy nos atañe (que publicaron en 2010) están realizados totalmente en blanco y negro, nada de escala de grises.

Lo cierto es que la trama es rara e inquietante, muy propia para una historia de Shyamalan. Que al entrar en una playa el ciclo vital se acelere y los personajes envejezcan más rápido es totalmente desconcertante y difícil de explicar. Al ritmo en el que envejecen en el cine lo veo más difícil de hacer, se puede pero hay que ayudarse de imágenes generadas por ordenador o llevar un estricto racord de maquillaje. Pienso que el tema de la velocidad de envejecimiento va a cambiar en la película, igualmente no creo que eso modifique la trama. En el cómic este suceso pone en alerta a los protagonistas y les descoloca al más puro estilo ‘Lost’.

Estas viñetas son una reflexión rápida sobre el paso del tiempo. Al crecer algunos descubren la menopausia, el deseo sexual, la senectud y por supuesto el miedo a la muerte, en esta ocasión una inminente y que solo es una cuestión tan inevitable como el tiempo. El guión de Pierre Oscar Lévy indaga bien en las inquietudes de distintas generaciones.

Y el dibujo de Frederik Peeters parece sencillo al no tener color ni excesivos elementos decorativos. Pero si uno se va fijando los detalles son cruciales. Unas arrugas en los brazos, unas patas de gallo, una pelusilla en el surco nasolabial, una mandíbula más marcada… Viñeta a viñeta ‘Castillo de arena’ hace envejecer a sus personajes sin que nos demos cuenta, lo cual es un meticuloso trabajo, tan detallado como el hacer caer finos granos de un compartimento a otro en un reloj de arena.

Además del componente fantástico el cómic expone el tema del racismo, azuzado por la paranoia que envuelve a los protagonistas al verse en tan insólita tesitura. Pero sin duda la idea es cavilar de un modo muy rápido sobre la fugacidad de nuestra vida y las cosas de las que nos arrepentiremos de no haber hecho.

He dicho que es difícil de explicar lo que les pasa a los protagonistas y de hecho el cómic se pone a juguetear con ideas a mitad del volumen, con soluciones que hemos visto en multitud de historias, incluida la ya citada ‘Perdidos’. Esta obra no arroja un final claro a lo que sucede, es más bien metafórica y reflexiva, valiosamente reflexiva. Pensando en la traslación a película puede servir a modo de storyboard y calcar el final, pero ya postulo que no va a ser del agrado del público general.

He relacionado este cómic con Shyamalan o con J.J. Abrams pero hay alguien más a quién aludir. El personaje de Oliver, el enfermero, me parece un guiño a Stephen King, ya no solo por el parecido de su cara, también por el 74 de su camiseta, que permutado podría ser un guiño a su año de nacimiento, 47. Son tres referentes de los que no tienen nada que envidiar Lévy y Peeters pues este es un relato igual de atractivo, intrigante y meditabundo como las obras de esos artistas.

Ficha del cómic

Guion: Pierre Oscar Lévy. Dibujo: Frederik Peeters. Editorial: Astiberri. Datos técnicos: 104 págs., blanco y negro, cartoné, 22 x 29 cm. Publicación: 2010. Precio: 18€.

Reseña: ‘Rick y Morty VS Dungeons & Dragons’

Argumento

[toggle]

Cuando Morty ve a una chica mona jugar a Dungeons & Dragons en el instituto, le pide a Rick que le enseñe a jugar y descubre así que su abuelo es un jugador veterano. Antes de darse cuenta, toda la familia está metida en una campaña que pasa de simulaciones virtuales del D&D a universos alternativos que se rigen por el reglamento del juego… y resulta que Rick no es el único que sabe apañárselas con un d20.

[/toggle]

Reseña

Dos míticos imaginarios al precio de uno

Nostalgia, reconozco que el recuerdo de noches y noches de partidas de rol es lo que me ha atraído. Me encanta ‘Rick y Morty’ pero los días enteros que he pasado jugando a ‘Dungeos & Dragons’ no hay quien los supere en cuanto a fantasía y diversión. Sesiones en las que vuela la imaginación de un modo sano y puede pasar cualquier cosa. Y la verdad es que definiendo así la afición del rol también nos aproximamos a la impredecible serie de Adult Swim.

No cabe duda de que ‘Rick y Morty VS Dungeons & Dragons’ es un tributo nostálgico, desde la portada ya se imita la famosa y antigua primera edición del manual de reglas. Pero también es incorrecto decir eso de nostalgia porque D&D no forma parte del pasado, no del mío que aún juego esporádicamente y hay millares de jugadores en activo.

En este crossover Morty quiere iniciarse en el mundo del rol. Y es básicamente para ligar a la desesperada, como siempre. Su mente calenturienta entiende que aquellos que juegan rol “pillan cacho”, algo que va muy acorde a la estupidez del personaje y en contra del tópico a cerca de los jugadores de rol, prevalece el tono paródico de siempre. Se pone manos a la obra para iniciarse en el juego de fichas y dados, a si es que si no habéis jugado nunca el cómic puede hacer las veces de un divertido manual de inicio. Obviamente todo se hace a la manera de Rick que le ayuda con sus disparatadas ideas y con su sabiduría de experimentado roleplayer.

Este cómic puede haber pasado más desapercibido de lo que se merece por la fecha en la que se lanzó, cerca del inicio del confinamiento en España. Norma Editorial distribuye esta serie de cuatro números recopilada en un tomo desde el primer trimestre de 2020, aunque el año antes se había publicado en USA a través de IDW.

Justin Roiland y Dan Harmon crearon ‘Rick y Morty’ y si la seguís sabréis que los guiños a elementos frikis y a la cultura pop no faltan nunca en los episodios. La historia es disparatada, como siempre y los detalles que se han introducido van más allá del clásico D20 (dado de 20 caras). Como imaginaréis los personajes del juego se sumergen en cuerpo y alma en el universo creado por Gary Gygax y Dave Arneson, pero no solo se mezclan entre fichas, dados y compendios de monstruos, también está presente la famosa serie animada de Marvel Comics y TSR, Inc. lanzada en el 83.

En este encargo los masters de la historia (los amos del calabozo) son el mismísimo Patrick Rothfuss (‘El nombre del viento’), el famoso guionista de cómics Jim Zub (‘Skullkickers’) y Troy Little dibujante nominado al Eisner por ‘Angora Napkin’ y ‘Harvest of Revenge’, sin menospreciar un sencillo trabajo de color realizado por Leonardo Ito (‘Las aventuras de Batman y las Tortugas Ninja’). Manteniendo la estética de la serie nos llevan a Faerun, esa región de los Reinos Olvidados donde se ubica la Puerta de Baldur o el Valle del Viento Helado. ‘Rick y Morty VS Dungeons & Dragons’ es una obra genial para los amantes de la historia de ‘D&D’ y también para los seguidores de ‘Rick y Morty’, aunque hay que admitir que no es la historia más enrevesada o intrincada que haya visto sobre esta pareja de abuelo y nieto que viajan por mundos y dimensiones.

Por supuesto no falta el humor negro, el lenguaje grosero y los momentos gore. El cómic podría tener incluso más mala baba y hacer sangre de las tres adaptaciones a acción real lanzadas, las películas que salieron para cine, televisión y videoclub. Al igual que a la cuarta edición del juego se las ha dejado en un rincón a la sombra.

‘Rick y Morty VS Dungeons & Dragons’ es un cómic ideado por IDW y al que Wizards of the Coast accedió a materializar, no habría podido ser de otra manera ya que ellos son los propietarios editoriales de ‘Dungeons & Dragons’. Además de diferentes portadas oficiales versionadas veréis criaturas como el azotamentes, los kobold, el dracoliche o el contemplador, mi preferido. Al final del libro tenéis muchas páginas con ilustraciones realizadas por diferentes artistas e incluso una entrevista a Patrick Rothfuss, Jim Zub y Troy Little. Pero el detalle más trabajado es la ficha de cada uno de los protagonistas, sus hojas de personaje y además una con los campos en blanco que podéis fotocopiar para generar las vuestras propias.

Son cuatro grapas condensadas en un tomo de carácter conclusivo, aunque no me molestaría que hubiese otra entrega, ambas franquicias tienen multitud de posibilidades y admiten todo tipo de reescrituras. Toca familiarizarse con las siglas CA (coeficiente de armadura) o CD (clase de dificultad), pero sobre todo toca evadirse de nuestra realidad por un tiempo.

Ficha del cómic

Guion: Patrick Rothfuss, Jim Zub. Dibujo: Troy Little. Color: Leonardo Ito. Tinta: Robbie Robbins. Portada: Troy Little. Editorial: Norma Editorial (IDW en USA). Datos técnicos: 136 págs., color, rústica, 17 x 26 cm. Publicación: mayo de 2020 (septiembre 2019 en USA). Precio: 19€.

Reseña: ‘Exhalación’

Argumento

[toggle]

No importa cuál sea el tema que trate Ted Chiang en sus narraciones, siempre demuestra una formidable habilidad para indagar en los enigmas de la condición humana y abordar los conflictos éticos que la relación con la tecnología plantea en nuestra existencia. Lejos del enfoque distópico hoy predominante en las narraciones futuristas, las historias de Chiang muestran una perspectiva abiertamente positiva y vitalista, delineando preguntas filosóficas de un enorme calado humano.

[/toggle]

Reseña

Tiene todo el mordiente que ha perdido ‘Black Mirror’

Los galardones literarios no suelen ser tendencia en las redes sociales y si le pides al ciudadano de a pie que te diga el nombre de alguno de ellos seguramente, si tenemos suerte, nombrarán el Premio Planeta o el Cervantes que suelen ser más populares. Y si ya nos vamos a lo concreto y hablamos de los Hugo, Locus o los Nebula el desconocimiento se hace más evidente. En esos tres “certámenes” Ted Chiang ha ganado unas cuantas veces y son los más importantes en cuanto a ciencia ficción, fantástico o fantasía se refiere. Los relatos de ‘Exhalación’ ostentan algunos de esos reconocimientos.

En la faja que acompaña a esta cuarta edición de ‘Exhalación’ podemos leer: “Y tú que creías que no te gustaba la ciencia ficción”. Y es que este es un libro perfectamente recomendable para aquellos que no se han acercado a la ciencia ficción en formato libro o que no se han topado con relatos sesudos. En mi caso particular me considero muy aficionado a este género cuyos pioneros fueron Julio Verne o H.G. Wells. Disfruto con relatos que nos llevan al espacio o al futuro y van acompañados de acción como suelen ser los más convencionales. Pero cuando más lo gozo es cuando me topo con historias que me hacen cavilar, que me abren a nuevas corrientes de pensamiento o que reinventan. Casi todas las que nos plantea aquí Ted Chiang hacen eso, sobre todo las primeras.

Cuando hablamos de la conjunción de antología y ciencia ficción lo primero que se nos viene a la cabeza hoy en día suele ser ‘Black Mirror’. La serie de Charlie Brooker nos ha volado la cabeza en más de una ocasión y ha generado horas y horas de charlas de discusión que casi siempre han ido acompañadas de alabanzas y miedo. Esa gran serie poco a poco ha ido perdiendo su mordacidad y su visión de futuro, se ha diluido su poder de fascinar a través de las tecnologías. Ese mordiente es lo que si tiene hoy en día Ted Chiang, el cual sería un fichaje revitalizante para esa serie. Prueba de ello es el magnífico resultado de ‘La llegada’, que se basó en ‘La historia de tu vida’, otro relato corto del autor neoyorkino. Además mucha de sus historias muestran halos de esperanza, pudiendo acabar perfectamente en moralejas taciturnas.

Lo que aquí os vais a encontrar es una serie de nueve relatos inconexos cuya complejidad no ha de asustaros. La prosa de Chiang es sencilla y utiliza recursos suficientes para facilitar la comprensión por parte del lector. Mezcla conceptos antropológicos o filosóficos con dispositivos totalmente fantasiosos. Incluso a pesar de estar muy presente lo digital hay muchos relatos que dejan un sabor bíblico. Os va a llevar por tramas en las que entra en juego la termodinámica, el libre albedrío, las paradojas temporales o el amor por seres artificiales.

No vais a descubrir en ‘Exhalación’ artilugios proféticos, no, ese no es el estilo del autor. Chiang se dedica más bien a analizar o a indagar en las posibilidades de la ciencia, tanto en la mente humana como en la sociedad. Suena muy filosófico o metafísico y es así. En cada relato de ‘Exhalación’ se establecen dilemas que o bien creemos que están por venir o bien deberíamos tener ya sobre la mesa.

Me gusta que al final Chiang dedique unas páginas para arrojar contexto a cada una de las historias, de este modo a parte de nuestra propia interpretación podemos tener la razón de ser de cada uno de ellos. Relatos que nos llevan por muchísimos escenarios, desde lugares del antiguo oriente hasta mundos virtuales o universos totalmente imaginados.

Fue publicado en España en septiembre de 2020 y en octubre ya iba por la cuarta edición. Esta que tengo en mis manos está puesta a la venta de la mano de la editorial Sexto Piso, la cual, os permite leer las primeras páginas de este libro en este enlace. Si esa introducción y mis palabras no os sirven para acercaros él es que el mundo está a punto de dar su última exhalación.

Ficha del libro

Autor: Ted Chiang. Portada: Ximo Abadía. Traducción: Rubén Martín Giráldez. Editorial: Sexto Piso. Datos técnicos: 348 págs., rústica, 15 x 23 cm. Publicación: septiembre de 2020 (mayo de 2019 EE.UU.). Precio: 22.50€.

Reseña: ‘Invencible’

Argumento

[toggle]

Mark Grayson es como cualquier chico de su edad.

Estudia en un instituto americano, tiene un trabajo basura después de clase y le gustan mucho las chicas, aunque las entiende poco. Le gusta salir con sus amigos y dormir hasta las tantas los sábados (al menos hasta que empiezan los dibujos animados que le gustan). La única diferencia entre Mark y el resto de chicos es que su padre es el superhéroe más poderoso del planeta y, para colmo, parece que él ha heredado sus poderes.

[/toggle]

Reseña

Remembranza a los clásicos héroes invencibles pero con ruptura de moldes

No solo de ‘The walking dead’ vive Robert Kirkman. El autor de la saga de cómics más famosa sobre muertos vivientes además de otras series marvelianas ha concebido otros superhéroes, como Mark Grayson. Bajo Image Comics, el sello creado por Jim Lee, McFarlane y compañía, ha estado publicando también desde 2003 la serie ‘Invencible (Invincible)’.

Aunque no hayáis leído nunca ‘Invencible’ esto os va a sonar. Aquí las personas que tienen superpoderes se toman el hecho de ser superhéroes como un trabajo, comentan en la sobremesa qué países han salvado, tienen costurero propio y se dan situaciones en las que “superpadres” quieren legar el negocio familiar. ¿No os suena eso un poco a ‘Los increíbles’? Pues este cómic surgió justo un año antes y casualmente los héroes de Disney/Pixar lucen en su pecho una “i” como la de Image Comics, la editorial del cómic. También “casualmente” el título original de la película iba a ser “Los invencibles”. No voy a entrar en teorías conspiranoicas que sugieran que Disney cogió este cómic y se lo llevo al terreno familiar sin pagar licencia alguna porque los parecidos se quedan en lo que acabo de contar, el resto es totalmente distinto, además una película de animación se tarda años en hacer.

‘Invencible’ es una obra a la que ha ido dando forma Kirkman contando con los dibujantes Cory Walker y Ryan Ottley. Y la verdad es que el dibujo es extremadamente colorido y animado, lo podéis ver en las portadas. Pues la trama no tiene tanto color. Aunque no es un dramón y no tenemos muchos momentos sangrientos como nos acostumbra a dar en su saga de muertos vivientes, esta obra de Kirkman es una historia adolescente que poco a poco se va tornando más seria u oscura. Kirkman se lo toma con calma para ir desarrollando todo un nuevo abanico de héroes, villanos y normas. No os fieis del tono simpático de la trama que esconde cosas y eso es lo que me ha parecido más divertido y cautivador.

Mark Grayson, el protagonista, comparte apellido con el héroe de DC Comics, Nightwing y al igual que él también imparte justicia violenta. De hecho empieza haciendo estallar a un hombre por los aires. Incluso el traje de ambos tiene muchas similitudes. Invencible también está concebido para alinearse con el lector más joven, que busca romper las normas clásicas de los superhéroes.

En una era digital como la nuestra se agradece que un cómic huya de los recursos hiperrealistas que pueden lograrse gracias a programas de diseño y dibujo. Entre eso y la composición de escenas tanto Cory Walker y Ryan Ottley consiguen un dinamismo que nos hace remontarnos a Kirby o a Stanton. Obviamente cada artista usa sus colores y aplica sus trazos pero ‘Invencible’ tiene un estilo totalmente identificable.

Desde el comienzo vemos que el cómic va a tener comedia. Arrancamos con un guiño a la serie ‘Cosas de casa’, no solo por el título, también porque el instituto se llama Reginald VelJohnson y aparece dibujado Steve Urkel, aunque aquí se llama Steve White (el actor se llama Jaleel White). Las viñetas tienen un humor casi igual de tontorrón y algunos gags que pueden durar entregas enteras. Tanto los chistes como algunos eventos que van sucediendo se van resolviendo muchas páginas más adelante, sin que al guionista se le quede nada por cerrar.

‘Invencible’ no es un cómic complejo ni portentoso. Es una historia desenfadada que ciertamente podría haber abarcado cuestiones más interesantes. De hecho justo ahora que leo este cómic y veo alternativamente la serie ‘Superman y Lois’ descubro puntos en común: el padre todopoderoso, el joven descubriendo sus nuevas habilidades, el adolescente compaginando su vida de instituto, la madre que es una humana normal y corriente… Por otro lado aunque a veces parece que nos va a mantener en la monotonía de los argumentos típicos de los personajes con capa, consigue aportar giros novedosos.

A parte de la citada serie cómica hay otros huevos de pascua. También vemos algún guiño a Superman Hijo Rojo, con cuyo autor comparte nombre el protagonista, a Los Cuatro Fantásticos o a ‘Regreso al Futuro’. Entre cosas sutiles como esas y algunos personajes que recuerdan descaradamente a Batman, Detective Marciano, Green Lantern, El Buitre, Rino, Rorschach, Picard o Wonder Woman Robert Kirkman nos deja claro que este es un cómic que pretende romper pero que también está hecho para homenajear a los superhéroes clásicos, como quisieron hacer con ‘Los increíbles’, ejem…

Amazon Prime Video estrenará en breve la serie de animación surgida de estas páginas. Si el guión pasa rápido los primeros números y llega pronto al primer giro sangriento de las viñetas puede convertirse en una serie de animación para adultos muy interesante, no en la línea de ‘The Boys’ pero si llamando igualmente la atención.

Ficha del cómic

Guion: Robert Kirkman. Dibujo: Cory Walker, Ryan Ottley. Color: Bill Crabtree. Editorial: Image (Aleta ediciones). Datos técnicos: 52 págs. (primera entrega), color, rústica, 17 x 26 cm. Publicación: 2003. Precio: 4,50€ (primera entrega).

Reseña: ‘La Visión’

Argumento

[toggle]

La Visión quiere ser humano. ¿Y qué hay más humano que la familia? Ahora, la tiene. Una mujer y dos hijos. Se parecen a él, tienen sus poderes y la necesidad de confundirse con los demás. ¿Qué puede ir mal?

[/toggle]

Reseña

Un cómic muy logrado sobre una malograda visión

‘La Visión’ es una colección que ganó un Eisnser en 2017 a Mejor Serie Limitada y que ese mismo año se llevó el premio a Mejor Obra Extranjera en el Salón del Cómic de Barcelona. Pero eso por desgracia le dará igual a los lectores que ahora seguramente valorarán más este cómic y se acercarán a él por la posible relación con la serie ‘WandaVision’ (‘Bruja Escarlata y Visión’ aquí en España por motivos de marcas. Si bien el matrimonio que vemos en uno y otro lado es diferente, la historia o los temas a tratar podrían estar basados en este guión de Tom King. Puede ser perfectamente uno de los cómics de referencia, aunque hay muchos otros, si uno quiere tener material en su haber antes del estreno de la serie de Disney+).

Y por supuesto hacemos también esta reseña orientada a dar más a conocer los cómics de Vision, uno de los personajes de Los Vengadores que poco a poco ha ido calando más y más. Y este cómic es buena herramienta para acercarse al personaje. Ya que por un lado peca de rellenar muchas páginas con repasos de la historia del personaje en ediciones anteriores. Pero por otro esas retrospectivas son francamente útiles.

Tal y como estoy en el momento en el que publico esto nos trasladan a otoño, a una acogedora casa. Se ubica cerca de Washington ya que Vision ha sido asignado como el hombre de los Avengers en la Casa Blanca. Allí va a intentar trabajar y sacar a delante a una familia.

Vision tiene la meta de conseguir un futuro en familia, como si de un humano normal y corriente se tratase. Es decir, va más allá de engendrar o adoptar hijos, tener memoria compartida en familia o de tener que hacer uso del control parental acudiendo a las reuniones con el director del instituto. Esto va de que el hijo de Ultron quiere tener descendencia y al ser un ente artificial se los ha fabricado. Irónicamente lo que muestra este cómic es que la visión de este superhéroe no alcanza a ver que vive una ilusión.

Sus vecinos dudan de su humanidad y por lo tanto de la necesidad de mantener ritos o costumbres como el amable gesto de presentarse con una ofrenda de comida. Mientras ellos, a pesar de ser máquinas, tienen preocupaciones mundanas como el hecho de pagar facturas. Pero sobre todo les preocupa encajar en la sociedad, usar todo el conocimiento que pueden adquirir de las redes para ser empáticos, creativos, carismáticos… Ahí está uno de los puntos más interesantes del cómic.

Los Vision tienen la casa de un coleccionista, pero con objetos especiales, recopilados tras las misiones llevadas a cabo por el padre. Y este personaje lleno de razocinio, como bien acierta a recrear King, no se puede separar de esa vida llena de peligros y falsos vítores. Eso es lo que hace que ocurran ciertos eventos y que tengamos un gran componente de suspense. Hay un poco de ‘Mentiras arriesgadas’ en todo esto y además atrapa ver como todo se va complicando sin remedio. Todo sucede en un vecindario hasta que llega el cliffhanger del número seis que secuestra nuestra atención y expande los límites de los acontecimientos.

Esta nueva vuelta de tuerca para el personaje pedía también un nuevo dibujo. Lo que hizo el español Gabriel H. Walta al hacer este cómic es aportarnos contrastes. Tanto los tonos como los trazos con suaves, amables como dice Vision en las viñetas. Con esto hace que nos metamos en un ambiente hogareño y cotidiano pero en el que también tenemos escenas bastante fuertes.

¿Os recomiendo este cómic? Por supuesto, aunque de Tom King me gustó más su ‘Escuadrón –Suicida’ o aunque sea por mera curiosidad por este personaje o por ver cuán retorcida puede llegar a ser la eficiencia de una máquina. Eso si, no leas estas páginas si eres de los que sufren cuando sufre un animal hasta en la ficción.

Se puede comprar en un solo tomo que contiene seis entregas de la colección o en otro que contiene la segunda versión y que llega a las doce grapas.

Ficha del cómic

Guion: Tom King. Dibujo: Gabriel H. Walta, Michael Walsh. Color: Jordi Bellaire. Portadas: Mike Del Mundo, Marco D’Alfonso. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos: 144 págs., tomo con solapas, color, 17 x 26 cm. Publicación: junio de 2016. Precio: 12,83€.

Reseña: ‘Green Lantern / El planeta de los simios’

Argumento

[toggle]

Existe un anillo. Un Anillo Universal que alberga la fuerza del Espectro Emocional de todos los Lanterns. Al tratarse de un arma demasiado poderosa para un solo ser, los Guardianes no tuvieron alternativa: borraron cualquier referencia al objeto del Libro de Oa y lo sepultaron en otro universo, en las profundidades de la Zona Prohibida… en el Planeta de los Simios. Pero Cornelius ha desenterrado el anillo, y ha amenazado así con propiciar la destrucción para su mundo y para el de los propios Guardianes. Ahora, Hal Jordan y los Green Lanterns tendrán que encontrar a Sinestro, decidido a apropiarse del anillo, y detenerle de una vez por todas.

[/toggle]

Reseña

Simos y Lanterns las caras se parten

La idea de ‘Green Lantern / El planeta de los simios’ se me antoja arriesgada. Siempre que se realiza una mezcla de franquicias se busca o bien ser original o bien atraer a los fans de una y otra ficción. En este caso, por lo menos en España, creo que ni ‘Green Lantern’ ni ‘El planeta de los simios’ tienen el tirón suficiente como para convertir la obra de Thomson y Jordan en un éxito superventas. Como algunas de las secuelas o números de estas dos propuestas este crossover está llamado a convertirse en una curiosidad de culto.

Cada vez tengo más ganas de ver una nueva entrega cinéfila de Green Lantern o la inclusión del personaje en alguna cinta de los superhéroes de DC Comics y mientras tanto disfruto de estos pastiches que tienen bastantes regalos para los cinéfilos. Y aunque parezca una mezcla muy estrafalaria no hay que olvidar que ‘El planeta de los simios’ no deja de ser una odisea espacial. Disfruto en este caso por la expectativa, vistosidad y chifladura de la idea. Pero ciertamente el argumento y resolución son bastante básicos.

Esta fue una colección de seis números que ahora podemos comprar recopilada entre dos tapas duras. Entre capítulo y capítulo se incluyen las portadas originales realizadas por Felipe Massafera, Ethan Van Sciver y Dan Mora así como otras realizadas por Elsa Charretier y Gabriel Hardman. Quizá las más curiosas y trabajadas son las que al final del tomo imitan los carteles del cine incorporando elementos de DC Comics y viceversa. Quien sabe, tal y como está de loco el mundo del merchandising a lo mejor llegamos a ver a la venta los blisters que también aparecen ilustrados.

Los matices contemplados en la parte de los simios funcionan como continuación de las películas de 1968 y 1970. De hecho el protagonista es Cornelius, uno de los simios con los que se las tenía que ver Charlton Heston. Se ha entendido y respetado bien el carácter soberbio y totalitario del Zaius, por ejemplo. La parte de los Green Latern tampoco se sale de lo habitual, incluso hasta el punto de conservar el clásico villano, Sinestro.

El crossover se produce un poco pillado por los pelos, con Sinestro haciendo de las suyas con un conocimiento que quien sabe de dónde ha sacado. Pero está dentro de lo plausible en una historia de ciencia ficción. Esta es una historia del Green Lantern Hal Jordan y se las apañan para lanzarle al futuro, teniendo momentos que homenajean las películas de Franklin J. Schaffner y Ted Post: los gritos ante la estatua de la libertad, los mutantes adoradores de una bomba, los humanos atados con correa… No me he percatado de ningún guiño a la película de Tim Burton o a la nueva saga.

Quizá lo más interesante de este cruce de franquicias sea la inclusión del villano Gorila Grodd, que lo cierto es que me pilló desprevenido aún pareciendo obvio que jugarían algo con él.

Algo que también acusa bastante el cómic es el encadenamiento entre viñetas. Falta continuidad entre algunas ilustraciones que cortan la acción de manera repentina sin conexión alguna o sin saber exactamente qué ha pasado. También es cierto que merece la pena pararse un buen rato a disfrutar algunas de sus viñetas a dos páginas. No es difícil ni raro obtener momentos vistosos en una historia de Green Lantern. Igual que tampoco resulta complicado extraer un alegato sobre la necedad del ser humano cuando lo fundamentamos en lo sucedido en El planeta de los simios.

Es una buena idea que si hubiese sido más intrincada y mejor narrada habría sido algo más que anecdótica.

Ficha del cómic

Argumento: Robie Thomson. Guion: Justin Jordan. Dibujo: Barnaby Bagenda. Color: Alex Guimarães. Portada: Felipe Massafera. Editorial: ECC. Datos técnicos: 160 págs., cartoné, color, 14 x 22 cm. Publicación: noviembre de 2019. Precio: 18,95€.

Reseña: ‘Ether 3. La desaparición de violeta campana’

Argumento

[toggle]

Mientras el malvado Ubel está arrasando todas las instituciones mágicas del Ether, acaparando el poder absoluto, Violeta Campana ha desaparecido en misteriosas y violentas circunstancias. Parece que solo el aventurero Boone Dias puede encontrarla, saltando de una escena de crimen mágica a otra, pero un sarcófago de combate, unos insidiosos piratas y un bosque habitado por un extraño organismo amenazan con interponerse en su camino.

[/toggle]

Reseña

Perderse por el onirismo de Ether es un placer lleno de risas e ingenio

Ya está en España el último número de ‘Ether’, el cierre. Y poco más puedo añadir tras haber reseñado sus dos primeras partes. Podéis leer nuestra reseña del número uno haciendo clic aquí, igual que la del segundo en este otro enlace. Este tercer volumen por suerte sigue la tónica de los anteirores, a si es que solo puedo deciros una cosa con rotundidad, caeros muertos en vuestro sofá y a disfrutad de ‘Ether 3’.

Por que como ya sabréis para entrar en este mundo propuesto por Matt Kindt y materializado por David Rubín uno tiene que morir. Y dejarse seducir por estos locos de lo imaginativo, por esta mezcla de encantamientos y razón, es apartarse de esta cruda realidad que vivimos para meterse en otra. Un mundo que vive tiempos críticos y que amenaza con perder el contacto con nosotros si alguien no hace algo. Y ya os aseguro que os daría pena que Ether desapareciese.

Volvemos a las pesquisas de Boone Dias para resolver crímenes y a sus métodos de razonamiento para salir de situaciones peligrosas. Empieza devastado tras el final de la segunda parte pero encuentra de nuevo motivos para poner en marcha su talento. Esta especie de investigador cuya arma es el raciocinio, un trasunto de Sherlock Holmes, más próximo al que interpretó Robert Downey Jr. que a cualquier otro, se mueve por el Ether y experimenta a la vez con él mientras el tiempo en la tierra pasa mucho más rápidamente. En esa diferencia espacio temporal se agravan los dramas familiares del protagonista, que sacrifica su vida íntima para asegurar el futuro de Ether. En esta ocasión son los errores del pasado los que fustigan a Boone pero sin duda ‘Ether 3’ tiene un toque más cómico que los anteriores.

Y todo se resuelve como siempre con esa unión entre lo fantástico y lo científico, esta historia no podía ser más enloquecedoras para mí, un amante de la ciencia ficción o la fantasía que además es ingeniero de formación. Ya he dicho otras veces que en todo esto hay algo de ‘Goomer’, ‘Rick y Morty’, ‘La historia interminable’… Y ‘Ehter 3’ vuelve a apabullarnos con oníricos paisajes y creativos personajes. También amplia la historia y mitología de un lugar donde se puede mezclar lo biológico, lo mágico y lo mecánico. Podríamos tener una enciclopedia entera hablando de los cachivaches y seres que pueblan esta realidad paralela, con imágenes y todo tipo de explicaciones que como viene siendo habitual nos sacarían una sonrisilla. Incluso en su geografía da para colar un Pac Man, una última cena caníbal o un Guernica marino que pondría los pelos de punta a la mismísima tripulación de Ulises. Hay que tener la imaginación de Kindt para generar toda esta historia, que si bien se acaba amoldando a algo típico está llena de detalles muy chiflados. Y por supuesto hacía falta un talento propio de El Bosco para hacer tan pobladas y diversas ilustraciones. Rubín lo tiene.

Al final de ‘Ether 3’ tenemos una serie de láminas de Paul Azaceta, Gabriel Hernández Walta, Jill Thompson, Dan Brereton, Farel Dalrymple más bocetos explicativos del propio Rubín que son un gran bonus que se suma a los que contenían los anteriores volúmenes, conformando así una colección muy completa, cerrada y satisfactoria para el lector. ‘Ether’ ya estuvo nominado en los Eisner, espero (conste que al decir esto dejo al margen mi entusiasmo e intento aplicar la mayor objetividad) que suceda lo mismo ahora que la colección está cerrada.

Ficha del cómic

Guion: Matt Kindt. Dibujo: David Rubín. Separaciones de color: Kike J. Díaz. Portada: David Rubín. Editorial: Astiberri Datos técnicos: 152 pág., cartoné, color, 17×26 cm. Publicación: agosto de 2020. Precio: 17€.

Reseña: ‘Dragon Ball Super’ nº 26 / nº 237 Serie Roja

Argumento

[toggle]

Mientras los dos Zen’ô deciden qué hacer con el exceso de universos que existen, Goku se presenta en su palacio para recordarles que hace tiempo les propuso la organización de un torneo de lucha. Así, los 12 dioses de la destrucción son convocados, se les informa ¡y empieza un battle royale entre ellos!

[/toggle]

Reseña

Next level

Es muy de agradecer que Akira Toriyama haya ampliado el universo ‘Dragon Ball’ hasta un punto que no podamos con concebir sus límites (un poco como nos pasa en el universo real en el que vivimos). Son Goku ya no es el más fuerte, ni siquiera está en las primeras posiciones. Y no han tenido que convertirlo en un niño como en ‘Dragon Ball GT’.

‘Dragon Ball’ corría el riesgo de quemarse de la misma manera que ‘Caballeros del Zodiaco’ (‘Saint Seiya’ en su versión original) daba igual que tuviera un reparto coral con personajes interesantes. Al final todo el peso recaía en el protagonista.  ‘Naruto’ consiguió evadir ese espinoso problema solo para meterse en un fango narrativo con decenas de personajes sin una focalización definida.

En realidad, lo que vemos en este número y en el anime es algo que sabíamos desde el minuto 1 de ‘Dragon Ball Super’. Desde el primer combate que vimos. La primera vez que vimos este combate no fue en el manga ni en el anime si no fue en la película ‘La batalla de los dioses’. Al final de dicha película el rival de Son Goku le revelaba un secreto que nos rompió los esquemas a todos los fans de la serie.

La mejor decisión del creador de ‘Dragon Ball Super’ ha sido desarrollar poco a poco este concepto sin prisa, pero sin pausa. Y ahora el manga se ha desmarcado del anime de manera complementaria. Hay cosas del anime que no aparecen en el manga y viceversa, pero con el mismo mimo por los detalles.

¿Qué nos deparará este nuevo nivel? Ahora os lo desvelaremos sin spoilers.

En esta ocasión os hablaré del número 26 de ‘Dragon Ball Super’ (el 237 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.

En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’. Al final del manga podremos ver la portada del siguiente y curiosamente es una ilustración de este número.

GUION

A nivel argumental esta entrega está dividida en dos partes. Terminamos el novedoso combate exclusivo del manga en el que podremos seguir disfrutando de nuevas técnicas con personajes nunca vistos hasta ahora. Un combate en el que Son Goku no tiene nada que ver, es un mero espectador y alucina en colores tanto como el lector.

La segunda parte de este manga es un combate de Son Goku contra otro personaje nuevo muy al estilo Toriyama, con un físico que engaña a la hora de combatir. Como es un combate de exhibición podemos disfrutar de todas las transformaciones de Son Goku.

Y la última página nos deja con el corazón en un puño cuando un personaje le revela a Son Goku (y al lector) que aún queda un nivel nuevo por descubrir que cambiará para siempre el universo ‘Dragon Ball’

DIBUJO

Como en todas las entregas Toyotarô, el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’, alterna modernidad y tradición. El primer combate está dibujado de una manera formal (no podríamos distinguirlo de Akira Toriyama) y curiosamente el segundo combate, el que está protagonizado por Son Goku, está dibujado de una manera novedosa, sobre todo al mostrar las transformaciones Super Saiyan de Son Goku. Que como Toyotarô es un fan, no pierde la oportunidad de mostrar el Super Saiyan Nivel 3 cada vez que puede. Porque con los nuevos niveles de poder divinos, se había quedado un poco en tierra de nadie.

DIFERENCIAS CON EL ANIME

Hay diferencias entre los acontecimientos relatados, que provocan que el anime y manga sean exclusivos y complementarios como si fueran dos universos paralelos. Esperemos algún día que hagan un anime cómic de este arco argumental porque merece la pena.

Ficha del cómic

Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 48 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm.  Publicación:  noviembre de 2019. Precio: 2,95€.