Crítica: ‘Los indeseables’

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Haby vive con su familia en un deteriorado bloque de apartamentos. Tras la repentina muerte del alcalde de la ciudad, Pierre, un médico idealista, toma el mando. Está decidido a continuar a toda costa con el proyecto de rehabilitación del barrio, que consiste en demoler el edificio de Haby. Cuando la joven y su familia descubren el plan de Pierre, lucharán por todos los medios para impedirlo y conseguir detener la desmesurada ambición del nuevo alcalde.

Crítica

Con más corazón que fervor, Ladj Ly consigue analizar otra cara de los suburbios franceses

Nueva película de Ladj Ly. En 2017 rodó el corto ‘Los miserables’ que dio paso dos años más tarde a una laureada película. Ahora estrena ‘Los indeseables’, un filme que va en la misma línea, parece que el director de origen maliense ha iniciado una saga de películas sobre los extrarradios franceses en los que creció, hasta el punto de rodar en su propio barrio de origen. Si en ‘Los miserables’ evaluaba los problemas entre la policía y los grupos juveniles, ahora toca temas como la vivienda, la especulación, la ineptitud política o la traición.

El barrio ese el protagonista de este cine de Ly. Estas películas de suburbios, con personajes jóvenes, tachados de delincuentes y viviendo en la miseria, van de la mano de ‘El odio’, ‘La banda de las chicas’ o ‘Atenea’, producida y escrita por este mismo director. Recuerdan en gran parte al cine quinqui español de los ochenta, que llevaba intrínseco un marcado carácter de denuncia y reivindicación por las clases desfavorecidas. ‘Los indeseables’ puede hacer alusión a todos esos ciudadanos que son rechazados por su procedencia extranjera, su carácter delictivo o simplemente por pertenecer a etnias que no son nativas o tradicionales del país. Pero me da la impresión de que el adjetivo va dirigido también a aquellas personas, por lo general políticos y títeres de las constructoras inmobiliarias, que incrementan la brecha social enviando al abismo del olvido a eso que llamamos derechos humanos. De hecho el propio autor de esta película comentó que el filme utiliza como disparador el fallecimiento real de Claurd Dilain, un alcalde que parecía que iba a llevar cabo prometedores cambios en el suburbio que gobernaba.

Con estas películas Ly esgrime un mensaje e incluso planos similares a los de ‘Asedio’ de Miguel Ángel Vivas. Enfrentamientos con la policía, de esos que dan paso al ACAB, personajes al borde del precipicio y la rebelión, miembros del sistema que cuestionan su lugar en la sociedad… Si en algo se diferencia ‘Los indeseables’ es en tratar el compromiso político y explorar qué funcionarios están realmente al tanto de la realidad y en contacto con los ciudadanos. También acierta a retratar cómo las leyes y decretos provocan la delincuencia e incluso el enfrentamiento entre las clases bajas. A menudo vemos como los sin tierra son alojados en un país que les empuja con sus normas, prejuicios y corruptelas a ser unos desharrapados, esa es otra pulla que lanza ‘Los indeseables’. Desde luego es una película que deben ver aquellos que hablan con facilidad y desprecio de las “paguitas” o que están favoreciendo el auge de la ultraderecha en Europa. Con estos análisis omnipresentes en todo el metraje se puede decir que este título es mucho más comprometido y dramático, pero también menos vibrante y cautivador. Resalta cómo la inexperiencia, la corrupción y la injusticia pueden hacerse dueños de cualquiera de nosotros, pero su montaje, aunque está lleno de detalles exasperantes, no logra encender en nosotros la misma llama que ‘Los miserables’.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de junio de 2024. Título original: Bâtiment 5. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Ladj Ly. Guion: Ladj Ly, Giordano Gederlini. Música: Pink Noise. Fotografía: Julien Poupard. Reparto principal: Anta Diaw, Alexis Manenti, Aristote Luyindula, Steve Tientcheu, Aurélia Petit, Jeanne Balibar. Producción: Sarab Films, Lyly Films, France 2 Cinéma, Panache Productions, La Compagnie Cinématographique. Distribución: Caramel Films. Género: Web oficial: https://www.srabfilms.fr/batiment5

Crítica: ‘El clon de Tyrone’

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Unos sucesos escalofriantes llevan a un trío muy peculiar (Boyega, Foxx y Parris) a investigar una perversa conspiración gubernamental en esta aventura de misterio de estilo ‘pulp’.

Crítica

Una concatenación de WTFs que esconde mucho más de lo que muestran sus tontorrones personajes

Juel Taylor debuta con ‘El clon de Tyrone’. Uno de los muchos guionistas de la nueva entrega de ‘Space Jam’ ha creado una película a la que tampoco le faltan rarezas y locura pero para esta propuesta de Netflix se ha pasado a un tono mucho más adulto. Comedia, acción, suspense y ciencia ficción son algunos de los géneros a los que se puede acoger esta película que podríamos etiquetar como pulp del siglo XXI.

¿Recordáis aquella película en la que Schwarzenegger interpretaba a un piloto que descubre que un clon le está robando su vida? Eso es lo que le pasa al personaje de John Boyega. Él es un maleante, el líder de la gente chunga de su barrio y todo su tinglado se viene a bajo y se ve cuestionado cuando descubre que no es el único “yo”. Para desentrañar qué sucede se alía con una prostituta (Teyonah Parris) y su chulo (Jamie Foxx). La película se convierte en una locura cada vez más rara y a pesar de toda la parafernalia y acción termina mostrando un mensaje bastante sutil sobre la lucha de razas y la marginación social sistémica.

Antes lo pulp causaba rechazo, por extraño, extravagante y por ser considerado algo de nicho o de culto. Probablemente la cantidad de películas de todo tipo que ha visto la audiencia actual le ha predispuesto a asimilar mejor este tipo de propuestas. Apostaría a que las historias de realismo sucio de Bukowski, no su controvertida personalidad, habrían encajado mejor hoy en día. ‘El clon de Tyrone’ dispone de elementos de los bajos fondos mezclados con una ciencia ficción bastante desconcertante mientras todo transcurre en un ambiente de los setenta a lo Jackie Brown que sin embargo se enmarca en nuestra actualizad y con todo y con esto nos tropezamos con blancos con pelo afro. Es de esas películas en las que el más loco de todos tiene la razón. Si eres propenso a creerte todo tipo de complots sobre el control de masas mejor no la veas porque vas a volverte más conspiranoico. Tampoco te conviene si eres racista pues como decía la película se reserva un mensaje potente contra la supremacía blanca.

A mitad del filme llega el gran giro de guión. Un descubrimiento que en otros casos sería preludio del clímax, pero no es así. El largometraje incorpora en su meridiano a personajes como el de Kiefer Sutherland y consigue mantenerse durante las dos horas. Sin llegar a ser una obra maestra logra estirar la gracieta y llevarla más allá de manera que es mucho más efectiva que las últimas películas de Spike Lee. El carácter cómico se mantiene durante casi todos sus estadios, incluida la escena que se ha insertado en los créditos en la que por fin se pronuncia el nombre de Tyrone. Básicamente ‘El clon de Tyrone’ es una concatenación de WTFs que esconde mucho más de lo que muestran sus tontorrones personajes, desde los subtextos y la sátira es capaz de llegar al cine social.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de julio de 2023. Título original: They Cloned Tyrone. Duración: 115 min. País: EE.UU. Dirección: Juel Taylor. Guion: Tony Rettenmaier, Juel Taylor. Música: Pierre-Charles Audet, Desmond Murray, Antonio Malachi Wilson. Fotografía: Ken Seng. Reparto principal: John Boyega, Teyonah Parris, David Alan Grier, J. Alphonse Nicholson, Tamberla Perry, Eric Robinson Jr., Kiefer Sutherland, Jamie Foxx. Producción: Federal Films, MACRO, Made With Love Media. Distribución: Netflix. Género: suspense, ciencia ficción, comedia. Web oficial: https://www.netflix.com/title/80996324/

Experimento y documental, ‘Fake famous’ abrirá muchos ojos

HBO España estrena esta película sobre los influencers

‘Fake Famous’ viene a presentarnos el mundo de los influencers a través de un experimento social. Un estreno de HBO España programado para el 3 de febrero.

Seguidores, likes, comentarios: estas son la moneda de cambio de la fama hoy. Pero, ¿pueden considerarse famosos los 140 millones de usuarios de Instagram que cuentan con más de 100.000 seguidores? Para responder a esta pregunta, el ex reportero del New York Times y Vanity Fair Nick Bilton y un equipo de expertos en redes sociales, agentes de casting y estilistas reclutan a tres chicos con estrella de Los Ángeles para participar en un experimento social diseñado para convertir a la gente común con pocos seguidores en sus perfiles en influencers «famosos». Pero mientras Nick nutre a Dominque, Chris y Wylie con sesiones de fotos falsas y seguidores falsos que en realidad son «bots», mantener la ilusión de ser celebridades digitales se convierte en algo impredecible. Quitando capas hasta revelar lo que realmente está sucediendo en el backstage de la «fama» de los influencers, ‘Fake Famous’ ilumina los pros y contras de nuestra obsesión por las redes sociales.

Bilton, periodista de tecnología, parte de una pregunta fundamental: ¿Qué es la fama y la influencia en la era digital? En la actualidad, hay cientos de millones de personas en plataformas sociales que tienen tantos seguidores que se les considera un nuevo tipo de celebridad. ¿Pero son realmente famosos? Bilton y su equipo se propusieron explorar lo que realmente significa todo esto lanzando un experimento que comienza con un casting abierto en Los Ángeles, con el objetivo de transformar a tres personas en influencers famosos. El joven trío que selecciona, la aspirante a actriz Dominique, el diseñador de moda Chris y la asesora inmobiliaria Wylie, pasan a tener experiencias tremendamente diferentes a medida que sus falsos seguidores crecen por miles cada día. Cada una de sus historias pone el foco en el efímero mundo de la influencia online y la realidad de un estilo de vida basado en gran parte en la fantasía.

No se necesita mucho tiempo para que el experimento funcione. A medida que aumenta el número de seguidores del trío, y después de una serie de sesiones de fotos falsas, las marcas comienzan a acercarse, ansiosas por que se vean sus productos y servicios, y el proceso se retroalimenta repetidamente. Los nuevos influencers son contactados por empresas que les ofrecen productos gratuitos, y los más exitosos reciben auténticas fortunas por hacer publicidad en su plataforma. Aunque la premisa de la historia está levemente basada en datos y vidas falsas, las remuneraciones, incluso toda la premisa se basa levemente en escenarios falsos y vidas falsas, los incentivos financieros para cada pieza de este rompecabezas son perfectamente reales.

Junto a Bilton, para aportar información sobre el panorama actual de las redes sociales, encontramos a otros entrevistados, entre ellos el reportero de tecnología del New York Times Taylor Lorenz; Liz Eswein de la popular @newyorkcity; La reportera de tecnología de Bloomberg Sarah Frier; Justine Bateman, autora de «Fama: El secuestro de la realidad»; y otros.

HBO Documentary Films en asociación con Consolidated Documentaries presenta FAKE FAMOUS dirigido, escrita y producida por Nick Bilton; producido por Annabelle Dunne y Mary Recine; con la producción ejecutiva de Graydon Carter. Los productores ejecutivos de HBO son Nancy Abraham, Lisa Heller; y Sara Rodríguez, productora senior.

Crítica: ‘Antebellum’

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La exitosa autora Veronica Henley (Janelle Monáe) se encuentra atrapada en una terrorífica realidad cuyo misterio debe resolver antes de que sea demasiado tarde.

Crítica

Abandera y molesta con su causa y método

Una preciosa puesta de sol, un verde y espeso prado, sábanas blancas y limpias mecidas con el viento y… racismo. Este contraste es con el que arranca ‘Antebellum’ el primer largometraje de Gerard BushChristopher Renz. Y esta, que también es la primera película protagonizada en solitario por Janelle Monáe, mantiene esa disparidad durante casi todo el metraje. La muy apropiada fotografía de Pedro Luque (podéis ver un trabajo igual de potente en ‘Millennium. Lo que no te mata te hace más fuerte’) ayuda aquí a que tengamos muy buenos planos en los que se enfrentan bellas imágenes con momentos muy duros. Pero esta contraposición no es la única sorpresa que nos reserva ‘Antebellum’.

A la hora de película llega un giro (tranquilos que voy a ser menos revelador que el tráiler) que nos deja totalmente descolocados. Me ha pillado con la guardia baja y no he visto ninguna pista que desvele lo que iba a pasar, si es que la había. Posteriormente la trama progresa en algo que realmente ya hemos visto en otras cintas, algunas de renombre, pero en este caso se embadurna todo con un discurso en contra del racismo y el machismo. Con esta película cabe decir que a pesar de estar muy bien rodada e interpretada, a los productores de ‘Déjame salir’ y ‘Nosotros’ el tema se les ha ido algo más al extremo, seguramente por haberse distanciado de los momentos con comedia y de los toques del género fantástico.

La película maneja mucha tensión usando incluso cañonazos de fondo como banda sonora. Como poco te deja con mal cuerpo y desde luego si uno no la ve con una mente sumergida en una ficción, de manera abierta o incluso prevenida se puede interpretar como una llamada al alzamiento. Si nos ceñimos a su título significa “antes de la guerra”. Desde luego que hay que apoyar lo que demanda pero las maneras en que lo reclama son bastante provocadoras, no por como habla del pasado sino por el presente tan límite que imagina. Calma y paños calientes. No hay que olvidar que esta es una película que además centra su principal giro en una idea propia de la serie B más imaginativa.

Lo que hace ‘Antebellum’ sobre todo es reivindicar, intentando al menos ser original aunque centre su principal sorpresa en algo ya ideado por otros antes. A veces es necesario será así de pendenciero con una obra de arte, pero la casualidad ha hecho que lo que está sucediendo en Estados Unidos tenga mucho que ver. Es por eso que este estreno más que echar leña al fuego podría suponer arrojar un barril de pólvora en una hoguera que ya arde con mucha intensidad. Desde luego a muchos conservadores de aquí y de allí les va a molestar. Algo similar sucedió con ‘Queen & Slim‘ y la cosa no fue a mayores.

Janelle Monáe hace igual que en ‘Figuras Ocultas’, reivindicar los derechos de su raza y aunque algo más levemente, los de la mujer. Con un estilo muy diferente encuentra la herramienta. Está claro que es una actriz que sabe aguantar la mirada a la cámara pero casi siempre, este es un caso mayúsculo, opta por llevar su interpretación a lo impulsivo e indomable.

El filme está bien rodado, como decía la fotografía es bastante clásica pero a la vez la cámara tiene movimientos de hoy en día. Consigue que constantemente se establezcan paralelismos entre pasado y presente. Visualmente se centra mucho en meter pequeños mensajes que apoyen el alegato de la película. Por ejemplo, constantemente tenemos elementos en segundo plano o un trasunto que refuerza aún más todo lo que pasa en la historia. Clara muestra de ello es la ironía o jugarreta que relaciona a la protagonista con Thomas Jefferson en determinado momento del largometraje. Aunque también hay que decir que Bush y Renz no se han andado con sutilezas. Sobre todo son las frases del principio y del final las que resultan realmente definitorias y lapidarias. Aún así no sabréis que significa realmente Antebellum hasta que no estéis próximos al final del metraje.

Lo que sí que no alcanzo a entender es por qué se vende como una cinta de terror. Aunque si podemos decir que rememora una época en la que las personas afroamericanas vivían aterrorizadas, este filme se ajusta más a lo distópico, lo dramático y el suspense.

‘Antebellum’ coge las clásicas películas que narran la esclavitud en los años sesenta del siglo XIX y las mezcla con alguna idea más propia de Shyamalan. A veces es un poco tramposa para conseguir engañarnos acerca de qué es lo que estamos viendo pero consigue su finalidad, que no es otra que la de abanderar y molestar.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre de 2020. Título original: Antebellum. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Gerard Bush, Christopher Renz. Guion: Gerard Bush, Christopher Renz. Música: Roman GianArthur Irvin, Nate ‘Rocket’ Wonder. Fotografía: Pedro Luque. Reparto principal: Janelle Monáe, Eric Lange, Jena Malone, Gabourey Sidibe, Jack Huston, Kiersey Clemons. Producción: Lionsgate, QC Entertainment. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror. Web oficial: https://antebellum.movie/

Crítica de la serie ‘Snowpiercer. Rompenieves’

Asesinato en el Snowpiercer exprés

El cómic de ‘Snowpiercer’ vuelve a ser objeto de una adaptación (podéis leer nuestra reseña aquí). Tras la versión cinematográfica de Bong Joon Ho (‘Parásitos’) el día 25 de mayo Netflix publicará su serie, de la cual nos ha permitido ver ya tres episodios. Se irán publicando semanalmente, algo que no es habitual en Netflix, pero vivimos una época poco común. Quizá la razón es que esta serie en USA la controla TNT.

También es poco frecuente el plantel que vive la humanidad en ‘Snowpiercer’. La idea de Jacques Lob, Jean-Marc Rochette y Benjamin Legrand permanece intacta en esta serie que ha producido el equipo de la película: Bong Joon Ho (Parásitos), Miky Lee, Tae-sung Jeong, Park Chan-wook, Lee Tae-hun y Dooho Choi. La poca población humana que queda sobre la faz de la Tierra está confinada en un tren de mil y un vagones. Se ha añadido una pequeña variación. La razón es como siempre que el mundo está congelado, pero esta vez se debe a un error humano al intentar corregir el cambio climático.

Graeme Manson (‘Orphan Black’) es quien ha orquestado esta serie que en sus primeros episodios está dirigida por James Hawes (‘Black Mirror’) y Sam Miller (‘Luther). Y si querían ser fieles a los cómics la serie se tenía que parecer a la película. Así es en algunas escenas de su inicio, el cual fue modificado tras un piloto fallido. Pero también hay cambios, algunos muy interesantes, que hacen que la serie tenga un aliciente y unas soluciones por las que merezca la pena ser vista. De hecho podría funcionar como algún episodio previo a lo sucedido en las otras versiones que hemos visto, aunque realmente esta es una variable distinta de la premisa.

Todo empieza un poco al estilo ‘Altered Carbon’. Los ricos de arriba (en este caso de la parte delantera del Snowpiercer) rescatan a un hombre (interpretado por Daveed Diggs) de la miseria para que resuelva un extraño crimen. Siendo más sangrienta que la película e incluso que el propio cómic la situación se convierte en una especie de ‘Asesinato en el Orient Express’ pero post-apocalíptico. Cual Poirot tenemos al protagonista, esta vez llamado Layton, investigando por el tren mientras se mueve entre prejuicios, secretos, rencillas, odio y las propias sorpresas que le da el descubrir lo que hay en los vagones que ha tenido durante más de siete años al otro lado de la puerta. Vagones que por cierto algunas veces tienen interiores sobredimensionados. Si esta trama hubiese servido como herramienta para elevar el mensaje de la idea original estaría aplaudiéndola, pero me temo que solo funciona para poder justificar el formato de serie.

Sin lugar a dudas se conserva el mensaje de diferencia entre estratos sociales y la vaga resistencia de los ricos a adaptarse a un nuevo orden mundial. En este rompehielos motorizado hay muchos más pobres que ricos y sin embargo los privilegiados tocan a más trozo del pastel. Los de primera clase viven en su mundo particular y los de tercera aunque inferiores están en todas partes gracias a que viven, sirven y trabajan en todas partes del tren. Dudoso equilibrio piramidal en un mundo lineal que hoy en día vemos en muchos países, empresas o sociedades, como por ejemplo España, donde unos cuantos viven en su propia burbuja y llegan a tal punto de ignorancia que se olvidan del bien común. La lucha de clases sigue siendo uno de los argumentos principales y las cuestiones revolucionarias siguen estando muy presentes en esta historia que transcurre a mil revoluciones. No me refiero a una sensación de frenesí en la serie, si no al avance implacable del tren. Porque el ritmo, aunque no es pausado, tampoco se puede decir que nos haga segregar adrenalina. No arriesga en ninguno de esos aspectos, ni es una aventura comprometida ni se moja a la hora de abordar un estilo más rápido y directo que podría estar acotado a un público más reducido.

‘Snowpiercer’  lastra las carencias de un actor algo falto de carisma que interpreta a un personaje que se tiene sobrestimado y que además ha de liderar a los parias de la humanidad. También le quita encanto la mala gestión de los momentos musicales. Sin embargo hay brotes verdes en la heladora corteza terrestre. Está mucho mejor Jennifer Connely, no solo por su actuación si no por ese halo de misterio de su personaje y por el giro tan sugerente que tiene. Su secreto es mucho más atractivo que el que pueden revelar todos los demás pasajeros del tren.

Obviamente no hace falta haberse visto ni la película ni haber leído el cómic para captar todo lo que nos cuenta. Uno puede entretenerse con ‘Snowpiercer’ sembrándose la expectativa por cómo va a acabar este o aquel personaje, pero tampoco hay que ponérsela muy alta pues no hay giros excesivamente inteligentes. A mí, tras cinco episodios e indagar algo en la serie lo que más me ha seducido no es que ya tenga una segunda temporada planificada, sino que en ella estará Sean Bean.

Reseña: ‘Snowpiercer’

Argumento

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Un tren en movimiento perpetuo recorre sin descanso un planeta Tierra inhabitado y devastado por la nieve. Sus pasajeros, únicos supervivientes de la raza humana, subsisten divididos por vagones en una recreación despiadada de la sociedad estamental.

Reseña

Una fría pesadilla a toda máquina

‘Le Transperceneige’ es el título original de ‘Snowpiercer (rompenieves)’. Cómic francés realizado por Jacques Lob y Jean-Marc Rochette, posteriormente continuado en el guión por Benjamin Legrand a causa del fallecimiento de Jacques Lob. Una obra que no es de extrañar que cautivase a Bong Joon Ho (si, el de ‘Okja’, ‘The host’ y ‘Parásitos’) dada la gran carga de crítica social que posee. Todos sabemos que al director coreano le encanta emplear argumentos de demanda sobre las diferencias existentes en el mundo. Bong Joon Ho popularizó este cómic en 2013 con su adaptación al cine que contaba con Chris Evans, Ed Harris, John Hurt, Tilda Swinton, Jamie Bell, Octavia Spencer o Kanh-ho Song, entre otros. Ahora, seguro que conservando su mensaje, estará aún más presente en las librerías pues Netflix lanza una serie creada por Graeme Manson (‘Cube’, ‘Orphan Black’) y que os enlazaremos aquí.

Este cómic editado en España por Norma nos ofrece una aventura abordo de un tren. Quizá es otro de los componentes que atrajo a Joon Ho, parece que en Corea del Sur hay cierto atractivo por las historias sobre raíles, ahí tenemos ‘Train to Busan’. En este caso no hay zombies, hay nieve y vagones por un tubo. Un cataclismo nuclear ha dejado el globo terráqueo congelado. ¿Dónde reconstruir la humanidad en caso de no tener un lugar donde cobijarla? Ni el espacio ni el subsuelo fueron las elecciones de sus autores. Un tren a toda mecha y acondicionado para protegerse del frío es el hábitat en el que se ambienta la historia de ‘Snowpiercer’. Ahí es donde seguimos los pasos de unos protagonistas que cuando abren verdaderamente los ojos quieren pasar de la cola a la cabeza.

Todo lo que queda de nuestra especie confinada en un tren de 1001 vagones. Organizados por clases sociales y funciones en todo este tinglado en el que se ven obligados a adorar a la locomotora. Un mecanismo sagrado que les mantiene en perpetuo movimiento y a merced de un apartheid sobre ruedas. La desigualdad se muestra por niveles según los protagonistas van progresando hacia la cabeza del tren. Descubren fascismo y xenofobia en el que un extranjero puede ser la persona que viene de unos vagones más allá. Por supuesto la novela gráfica tiene más espacio para explorar la utilidad de cada compartimento. Así destaca aún más la injusticia de los privilegios o la necesidad que tienen los de delante de que los de atrás cumplan con su parte encomendada.

El tren es una clara metáfora del rumbo sin frenos de una humanidad avocada a destruirse a sí misma. Una raza carente de empatía y equidad. Si por la época en que se concibió el cómic ya se veía este tipo de desigualdades ahora que la brecha entre clase rica y pobre está aún más acentuada, no me quiero imaginar como de duro habría sido este cómic. Desde luego funciona como espejo en pleno 2020. Quizá es la plasmación en papel de la revuelta  que los mismos autores añoraban. Al igual que el ‘Gran Hotel Abismo’ de Prior y Rubin esta es una crítica a la sociedad desde una futura distopía. Busca despertar conciencias y el nervio de los lectores que sean capaces de establecer los claros paralelismos.

Sorpresa, estupor, esperanza (y desesperanza) mezclados con acción son los ingredientes de esta obra. Una acción inhumana, carente casi en su totalidad de sentimientos por parte de quien oprime. Inhumanidad rabiosa por parte de quien lucha. Esto es ciencia ficción post-apocalíptica con mucho mensaje.

No soy muy partidario de los cómics en escala de grises. Pero admito que Rochette supo sacar partido a una historia permanentemente acotada entre vagones de tren rodeados de una inmensidad de nieve o hielo. Cerrazón y angustia son dos palabras que le vienen bien tanto a la historia como a sus viñetas. Además su estilo le da un toque de oscuridad que se acopla al tono de la historia. El dibujo refleja los atuendos y miedos de una época cargada de temores al holocausto nuclear  y las consecuencias de la guerra fría.

Si la canción de Undrop predicaba la existencia de un tren que nos iba a llevar más arriba y lejos, ‘Snowpiercer’ es diagonalmente opuesto, muy pesimista al respecto. Si la serie sigue sus pasos, como en gran parte hizo la película, tendremos un buen drama de ciencia ficción.

Ficha del cómic

Guion: Jacques Lob, Benjamin Legrand. Dibujo: Jean-Marc Rochette. Editorial: Norma. Datos técnicos: 280 págs., cartoné, blanco y negro, 19 x 26 cm. Publicación: 1982. Precio:  32€.

Crítica: ‘Parásitos’

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Toda la familia de Ki-taek está en el paro y se interesa mucho por el tren de vida de la riquísima familia Park. Un día, su hijo logra que le recomienden para dar clases particulares de inglés en casa de los Park. Es el comienzo de un engranaje incontrolable, del cual nadie saldrá realmente indemne.

Crítica

Una singularidad que hay que aplaudir y laurear por su uso de la comedia negra

No hace falta que seáis expertos en cine coreano para comprender que el director Bong Joon-Ho, autor de películas como ‘Okja’ o ‘The host’ es un fuera de serie que destaca entre sus compatriotas y entre los directores de su generación a lo largo de todo el globo terráqueo. No es de extrañar que con ‘Parásitos’ diese la sorpresa en la pasada edición del festival de Cannes llevándose la Palma de Oro pues el último título del director surcoreano es portentoso, espero poder leerlo entre los nominados al Oscar. ‘Parásitos’ es una singularidad de esas que hacen reír a la par que reflexionar, que hay que aplaudir y laurear por su uso de la comedia negra.

Bong Joon-Ho se aleja esta vez del género fantástico para narrarnos las peripecias de una familia que sueña con aspirar a más. Aunque soñar es un término demasiado amable para un filme que a veces roza lo repugnante. Los Ki-taek más bien traman, maquinan con una vida mejor, pero no cualquier vida, quieren la que llevan otros y para eso elaboran un plan patético y un tanto escalofriante. Aunque sus personajes son tristes, descarados e incluso abyectos uno no puede dejar de sentir cariño por ellos, al fin y al cabo solo intentan sobrevivir y sufren injusticias. Sus argucias despiertan una malévola simpatía. En ese sentido ‘Parásitos’ puede recordaros a títulos recientes como la serie ‘Vergüenza’. Varios adjetivos que encajan muy bien con los Ki-taek son gorrones o chanchulleros, pero también supervivientes.

Literalmente llega un momento en que la película se convierte en una lucha de clases. Pero el filme de Bong Joon-Ho es en su mayoría una sátira que juega con el karma y la justicia poética. Resalta las diferencias entre distintos estratos sociales de un modo magistral a través de la mirada de unos protagonistas que nos muestran el derroche o la suerte de diferentes maneras. En esta ocasión el director coreano ha llegado a emplear una retorcida malicia digna del propio Lars von Trier.

Y la fotografía parece sacada de portadas de una colección manga. Estampas de lugares asiáticos urbanos que invitan a escudriñar el país en su sentido más hogareño y mundano. Hay un par de secuencias en las que la función vídeo de los smartphone entra en juego y son gloriosas.

Se nota que el guión está bien sopesado, esta no es una película que nos cuente un mero lance. Todo sucede de manera meticulosa e hilarantemente por etapas. Hasta que en uno de sus cambios de acto la cosa se desmadra. Se incorpora a la cinta la tensión, el desconcierto, la intriga, varios giros chiflados. ‘Parásitos’ es un thriller social de miserias y miserables, donde hay que identificar bien a los perdedores y a los impostores.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de octubre. Título original: Gisaengchung (Parasite). Duración: 131 min. País: Corea del Sur. Dirección: Bong Joon-Ho. Guion: Bong Joon-Ho, Han Jin Won. Música: Jaeil Jung. Fotografía: Kyung-pyo Hong. Reparto principal: Kang-ho Song, Sun-kyun Lee, Yeo-jeong Jo, Woo-sik Choi, Hye-jin Jang, So-dam Park. Producción: Barunson E&A, CJ E&M Film Financing & Investing Entertainment & Comics, TMS Comics. Distribución: La Aventura Audiovisual. Género: comedia negra, suspense. Web oficial: http://laaventuraaudiovisual.com/parasitos/

Descubre el Atlàntida Film Fest en su octava edición

Festival online y físico que se celebra en Filmin y Palma.

La octava edición de Atlàntida Film Fest, el mayor festival europeo de cine online, se inaugurará el próximo 25 de junio y durante un mes presentará a los usuarios de la plataforma Filmin una programación de alrededor de 80 títulos comercialmente inéditos en España. Como ha ocurrido en las últimas dos ediciones, la realidad de Europa será el eje vertebrador de un certamen que nuevamente se trasladará a Palma, del 25 de junio al 1 de julio, para ofrecer proyecciones gratuitas, charlas y conciertos en el castillo de Bellver, Es Baluard, Ses Voltes, el Museo de Mallorca y Cine Ciutat.

Aunque más adelante se dará a conocer el grueso de programación, Filmin ha avanzado dos de los títulos que podran verse en AFF 2018. «Holyday», debut de la sueca Isabella Eklöf, será sin duda una de las películas clave del festival. Definida como la película más controvertida de la última edición del Festival de Sundance, nos presenta un triángulo amoroso en un mundo de gánsteres, una historia de supervivencia en la que la victoria no consiste en escapar de un mundo corrupto sino en aprender a jugar según sus reglas. El film ha levantado una gran polvareda al incluir una de las escenas de violación más impactante, estremecedora y polémica de los últimos años. Por su parte, «McKellen: Playing the Part», de Joe Stephenson, es un documental sobre la vida y la exitosa carrera de Sir Ian McKellen vista a través de sus propios ojos. La biografía se alterna con los problemas sociales que han preocupado a McKellen durante décadas, particularmente su abierta defensa de los derechos LGTB. Los dos títulos son estrenos absolutos en España.

El cartel de la octava edición de Atlàntida Film Fest es obra de la mallorquina Ana Cabello, quien toma el relevo de Albert Pinya y Miquel Barceló, responsables de los carteles en ediciones anteriores. Formada en la Universidad de Barcelona y en la Academia Willem de Kooning de Rotterdam, las ilustraciones de Cabello pueden verse en publicaciones como SModa (El Pais) o la revista literaria Blanco Móvil (México). Recientemente inauguró su primera exposición individual, «No one asked you to save me», en la Galeria 6a de Palma.

Atlàntida Film Fest cuenta con el apoyo del Institut de la Llengua i la Cultura de les Illes Balears Illenc, Ajuntament de Palma, Balears Film Comission, Fundación Mallorca Turisme, Mallorca Film Commission, Consell de Mallorca, Creative Europe del Programa Media, ICAA Ministerio de Cultura, ICEC Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya y el Centre Balears Europa.

 

Crítica: ‘La Madre’

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Miguel es un crío de 14 años perseguido por los Servicios Sociales. Su madre, sin trabajo y con una vida personal inestable, es incapaz de ocuparse de él. Por eso le obliga a buscar refugio en casa de Bogdan, un rumano ex amante de ella que vive en una localidad cercana. Todo se precipita cuando la madre desaparece súbitamente.

Critica

Una historia muy real, que muchos chavales sufren.

Un chaval, un menor se tiene que ganar la vida para que no le aparten del lado de su madre.

Esta es la premisa, sencilla, si, pero muy dura, cuando ves que Miguel, hace todo lo posible para no pasar hambre, para tapar que su madre no le trae de comer y no se preocupa del bienestar del chaval, da mucha pena.

Realmente salí de esta película pensando eso, que era una historia muy triste y lo peor de todo que son muchos los casos, que como Miguel, están desatendidos y ellos mismos se llegan a plantear si es mejor una vida así o acabar en un centro para menores, porque realmente la película trata de esto.  Miguel tiene que llegar a sopesar realmente si le conviene seguir viviendo como hasta ahora o abandonar la vida con su madre e intentar tener una suya propia.

Técnicamente la película no es una gran maravilla, es sencilla, sin grandes planos, con una trama demasiado lenta, si, te cuenta todo lo que quiere contarte, pero es demasiado lenta. El papel de Nieve de Medina me ha gustado bastante, un personaje con mucha alegría, que le intenta dar una oportunidad al chaval, pero durante el poco tiempo que le conoce, se da cuenta de que el chaval tiene demasiados problemas como para poder cambiar.

Miguel en sus andanzas huyendo de los servicios sociales, se encuentra de bruces con la realidad, trabajar duro para sacar dinero y de cómo viejos conocidos le cuentan como es su madre y como él va a terminar igual si no decide cambiar su futuro.

Una historia social donde el abandono está muy presente, pero ya no es que la madre abandone a su hijo, o deje de preocuparse si va a comer o no, la película también habla del abandono de ella misma, pues el personaje de Laia Marull se abandona totalmente, llega a su casa a la mañana, se tumba en la cama y se olvida totalmente de todo. Quizá también la película lleve ese ritmo tan pausado, para darnos una visión de las pocas ganas de vivir de esa mujer, de como ha decidido abandonarse a ella y todo lo que hay a su alrededor.

Ficha técnica

Estreno en España: 28 de noviembre de 2016 Título original: La Madre. Duración: 89 min. País: España. Director: Alberto Morais. Guión:  Alberto Morais, Verónica García, Ignacio Gutiérrez-Solana. Música: Xema Fuertes. Fotografía: Diego Dussuel. Reparto principal: Laia Marull, Nieve de Medina, María Abiñana, Sergio Caballero, Javier Mendo. Producción: Coproducción España-Rumanía; Olivo Films / Fundatia Teatru Contemporan / Alfama Films / IVAC / ICAA. Distribución: Syldavia Cinema Género: drama. Web oficial:  http://www.lamadrepelicula.com/

 

Tribus de la Inquisición, lo nuevo de Mabel Lozano.

Mabel Lozano nos trae de nuevo realidad, esta vez nos lleva a descubrir como la justicia se toma las calles en este corto documental que no dejará indiferente a nadie. Tribus de la Inquisición.

Seis hombres arden como antorcha medieval en la plaza del pueblo de Ivirgarzama, la capital productora de hoja de coca y centro de producción del narcotráfico en Bolivia. Cientos de vecinos endemoniados los golpearon con palos y los agarraron a patadas antes de bañarlos con gasolina y prenderles la cerilla, acusándolos de haber robado un camión de los años 80 del siglo pasado.

Bolivia ostenta el macabro ranking de linchamientos a manos de civiles. Es un estado donde todavía la justicia y la seguridad ciudadana se asumen por cuenta propia y a golpe de manada. Un fiscal arriesga su vida para evitar más muertes y tres policías vestidos de civil prenden velas a dos calaveras como única esperanza para que la tribu del siglo XXI no aplique su inquisición.

Tribus de la Inquisición denuncia las violaciones de los derechos humanos elementales en el desarrollo de acciones de justicia paralela en la zona del Trópico Cochabambino (Bolivia) y la impunidad de los graves crímenes cometidos.

En el documental, Mabel Lozano, nos muestra en toda su crudeza, la naturaleza cruel y desproporcionada de los linchamientos y asesinatos de ciudadanos y ciudadanas bolivianas que son alentados y auspiciados por quienes utilizan la justicia comunitaria como mero pretexto para imponer su ley y autoridad.

Ganador del V Concurso de Proyectos de Cortometraje sobre Derechos Humanos organizado por el grupo local de Albacete de Amnistía Internacional en colaboración de ABYCINE, donde el próximo 22 de octubre se estrenará simultáneamente con el FENAVID (Bolivia). Así mismo el 28 de octubre llegará a SEMINCI, Festival Internacional de Cine de Valladolid.

 

Trailer Tribus de la Inquisición from mabel lozano on Vimeo.

 

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