Crítica: ‘La paradoja de Antares’

Sinopsis

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Alexandra, científica de guardia de un radiotelescopio, recibe una señal que podría responder a una de las preguntas más trascendentales de la humanidad. Solo tiene un par de horas para verificarla, pero un inesperado problema familiar le obligará a librar una dramática lucha interna en una carrera contra reloj por desvelar uno de los mayores misterios del universo.

Crítica

Afronta la siempre difícil y desagradecida tarea de aupar los valores científicos y poner las emociones a flor de piel

Desde Onirikal Studios nos llega una nueva propuesta de ciencia ficción independiente destinada a suscitar curiosidad y emociones en los espectadores que se acerquen a verla y que sigan la recomendación de certámenes como los Blogos de Oro o el Fantastic Gijón donde ‘La paradoja de Antares’ ha sido premiada.

El director de ‘La paradoja de Antares’ es Luis Tinoco, autor del corto ‘Caronte’, una película que si tenéis tiempo para verla deberíais aprovechar pues es una pasada, sobre todo visualmente. Aquí tira menos del poder de la imagen para desarrollar una historia imaginativa y emotiva. Este autor ha trabajado en efectos de películas como ‘Interstellar’ y eso en gran parte se nota pues en varios sentidos tiene puntos en común con esta obra. La película de Nolan parece presente en ‘La paradoja de Antares’ pero también títulos como ‘Contact’ o ‘Frequency’.

Todo transcurre en un solo set. Ese escenario recrea el centro de control, medición y observación de un telescopio. Está siendo usado por una investigadora del SETI, una organización consagrada a detectar cualquier tipo de vida en el espacio exterior. La noche avanza como tantas otras, con las dificultades de una tormenta y los quehaceres diarios de la protagonista, una científica entregada en cuerpo y alma a bucear en las ondas que llegan desde el espacio exterior. Es entonces cuando una señal rompe la monotonía y saltan las alarmas ya que es una especie de comunicación deliberadamente codificada, tipo mensaje de Arecibo. ‘La paradoja de Antares’ dedica mucho tiempo para mostrar el protocolo que se emplea para diferenciar cualquier señal terrestre de entre tantas que pueblan nuestras frecuencias y esbozar la situación personal de la protagonista, esto segundo muy importante para la historia. Aun así, esto no es impedimento para que se mantenga nuestro interés. Aunque estemos solo en una única sala esta está acompañada de instrumental que la protagonista va manipulando, de llamadas con unos y otros, de comprobaciones que incrementan la expectativa, de fallos de luz y un temporal que aumentan la tensión o de inconvenientes personales que aportan a la trama… Desde luego la película está lo suficientemente cargada como para que se nos ocurra aburrirnos.

El filme es un recorrido hacia el desquicie y la locura. Todo está puesto en el guión para llegar al planteamiento de una dura decisión. La protagonista interpretada por Andrea Trepat ha de resolver la dicotomía en que se ha convertido y decidir si esa noche será hija o científica. Y ese es uno de los grandes valores de ‘La paradoja de Antares’ pues pone sobre la mesa un tema de prioridades, unas personales y otras destinadas a alcanzar un bien mayor para toda la humanidad. Con ello por supuesto llegan reflexiones sobre nuestra soledad en el universo, como individuos y como especie.

Decía que el metraje dedica mucho tiempo a los procedimientos que sigue esta investigadora y eso me gusta. La película incluye mucha ciencia y la incorpora a su narración. Sin entrar en si está científicamente más o menos acertada creo que hay que señalar algo tan importante como es el valor de contrastar y verificar la información. El director ha hecho bien en abrir su largometraje con un video blog de ciencia (con José Luis Crespo Cepeda de Quantum Fracture) para ir retomándolo poco a poco. Además de servir como ancla divulgativa es una herramienta para recrear como puede funcionar la mente de un científico, lo cual es vital para entender la encrucijada que plantea esta paradoja.

Al fin y al cabo ‘La paradoja de Antares’ se pone en el lugar de todas esas personas que están de sobra cualificadas pero que se dedican a la ciencia de una manera precaria. Sobrevivir así es casi una paradoja pues entregas tu vida para el progreso de la sociedad y esta no te da reconocimiento o apoyo alguno, es más, con la pandemia y los negacionistas hemos visto que a veces es lo contrario. Es una situación desesperante, a veces desquiciante y eso lo condensa muy bien el filme en una sola habitación. En buena parte es un ejercicio de sacrificio que queda reflejado en un final que pone las emociones a flor de piel.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de junio de 2023. Título original: La paradoja de Antares. Duración: 87 min. País: España. Dirección: Luis Tinoco. Guion: Luis Tinoco. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Luis Tinoco. Reparto principal: Andrea Trepat, Aleida Torrent, Jaume de Sans, David Ramírez, José Luis Crespo Cepeda, Ferran Vilajosana, Dermot Arrigan, Christian Avilés, Helena Carrión, Luis de Sannta. Producción: Onirikal Studio. Distribución: #ConUnPack. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://www.onirikal.com/works_detail.php?f=1-44

Tráiler de ‘El incidente alienígena del pequeño Alan’

En cines a partir del 12 de mayo

La película de Amalie Naesby Fick está basada en el popular libro infantil ‘Lille Allan’ de la autora y dramaturga Line Knutzon y el actor cómico Peter Frödin. Está ambientada en los años 80, plagada de referencias a la cultura pop a través de una selección musical, donde los sintetizadores suenan con energía, y de una construcción visual vibrante y colorida.

“‘El incidente alienígena del pequeño Alan’ es una historia sobre cómo superar los cambios drásticos y sobre la importancia de las amistades diferentes que aparecen en el momento adecuado, cuando nos han arrancado nuestras raíces, cuando echamos de menos nuestra madre y cuando nuestro mundo parece que se desmorona. Esta es una historia sobre el valor de expresar los sentimientos, porque la sinceridad siempre permite avanzar y llegar más lejos” Amalie Naesby Fick.

Sinopsis oficial:

Cuando los padres del Pequeño Alan se divorcian, debe cambiar de piso e irse a vivir a otra ciudad. Tiene muchas ganas de hacer nuevas amistades y eso le llevará a hacer de antena para su vecino, un señor que está fascinado por los ovnis. Britney es una alienígena que puede leer la mente. Tiene que hacer un aterrizaje forzoso y el Pequeño Alan y su vecino intentan ayudarla a volver a casa. Se hacen muy amigos, pero no son los únicos que quieren conocer mejor a Britney. Un coleccionista muy particular va detrás de ella porque quiere una respuesta a la gran pregunta de la historia: ¿hay vida en el espacio? ¿Se pueden disecar los alienígenas?

Arranca la iniciativa “Martes de cine indie”

Estrenos adelantados, comenzando con ‘Capitán Carver’

Una selección de las películas más independientes y arriesgadas adelantarán su estreno a los martes en un afán de que encuentren a su público y huir de la saturación de los estrenos en viernes.

La iniciativa «Martes de cine indie» nace de las distribuidoras Reverso Films y #ConUnPack, con el apoyo inicial de los exhibidores Cines Renoir, ABC Park y Cines Boliche, con la idea de que se sumen más distribuidoras y cines en las próximas semanas. La iniciativa arranca con el estreno de la película ‘Capitán Carver’ el martes 24 de enero.

Entre los principales objetivos de “Martes de cine indie” están:

  1. Adelantar a los martes el estreno comercial en cines de una selección de las películas indies más arriesgadas tanto ficción como documental. De esta forma fijamos un nuevo día de la semana en el calendario, para que prensa y público accedan y presten atención a un tipo de cine distinto, diverso y diferente. Películas españolas e internacionales que, dada la habitual de saturación de estrenos los viernes, pueden así encontrar su lugar y una mejor oportunidad para encontrar su público.
  2. La creación nuevos públicos para un cine “independiente” arriesgado y de calidad. Posicionar estrenos y pases-evento en un día de poca demanda en la mayoría de las salas, ofreciendo un producto de calidad y arropado de una promoción especial, ya que en la mayoría de casos se plantea que sean pases presentados, por el equipo de la película o por miembros de la prensa cinematográfica especializada.

Desde la distribuidora Reverso Films su CEO, Sylvie Leray manifiesta: – Convencida que hay espacio suficiente para una pluralidad de propuestas cinematográficas, me pareció sensato e ilusionante impulsar la iniciativa “Martes de cine indie” para dar más visibilidad y espacio dedicado a las películas independientes. De hecho, la nueva realidad de las prácticas culturales nos obliga a ofrecer iniciativas innovadoras en contacto directo con el público, como encuentros con equipos creativos de películas, horarios ampliados, presencia ampliada en cartelera, estrenos escalonados, oferta diversificada, más allá de las películas comerciales”.

Por su parte Hugo Serra, uno de los socios fundadores de #ConUnPack junto a J.J. Montero, continúa – Llevábamos todo el año 2022 madurando esta posibilidad de adelantar a los martes algunos de los estrenos, por la saturación de estrenos que se producen los viernes durante todo el año. Las experiencias previas en Madrid con ‘Finlandia’ de Horacio Alcalá, que estuvo 10 semanas seguidas en Renoir Princesa y de ‘El que Sabem’ de Jordi Núñez, con 3 martes seguidos en ese mismo cine, con muy buenos resultados, fue lo que nos movió a ponerlo en marcha” (…)  “Creemos que esta iniciativa puede permitir que los exhibidores, tanto los que programan cine de autor o en VOSE con regularidad, como los que apenas lo hacen, se atrevan a programarlo”.

¿Por qué los martes?

Porque está demostrado históricamente que es un día con unas recaudaciones bajas. Porque es un buen día para pases-evento y está justo lo suficientemente separado de los viernes para encontrar esta diferenciación.

Programación con antelación y ciclos

Uno de los puntos claves es tener, gracias a la iniciativa, una programación con la suficiente antelación, como si ocurre con otro tipo de contenido alternativo como las óperas o películas de arte. De esta forma, tanto exhibidor como distribuidor y productores y equipo pueden organizar y promocionar los estrenos con la suficiente antelación.  Los estrenos se integrarán en ciclos, combinando estrenos absolutos en España con reestrenos.

En el primer ciclo estarán ‘Capitán Carver’, ‘Mikado’, ‘Ricochet, el placer de la venganza’ o ‘Sound of Berberia’. A los estrenos absolutos se sumarán reestrenos como ‘Most Beautiful Island’, de Ana Asensio o ‘Utama’, de Alejandro Loayza Grisi (nominada a los premios Forqué y Goya a la mejor película iberoamericana).

A su vez, la iniciativa “Martes de Cine Indie” contempla varias modalidades flexibles de programación, bien solo los propios martes como pases únicos, entrar en programación más días o bien dando cabida a preestrenos especiales los martes de películas que van a entrar en viernes. En las próximas semanas se tiene previsto sumar nuevos cines y cadenas de exhibición.

‘El otro Tom’ llegará a cines en septiembre

Una película sobre el TDAH y las dificultades de la emigración

El 9 de septiembre llegará a España, exclusivamente en cines, el drama ‘El otro Tom’, una película dirigida por Rodrigo Plá y Laura Santullo (‘La Zona’), que fue la Ganadora del Colón de Oro en la pasada edición del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva.

El film pasó por las secciones oficiales de Venecia, Toronto y Palm Springs y ha sido galardonado en varios festivales de primer nivel como el Premio a la Mejor Actriz (Julia Chávez) en Tokio y Mejor Director en Varsovia y Morelia. En las nominaciones a los Premios Ariel de Cine Mexicano, la película ha obtenido 5 nominaciones, incluyendo Mejor Película.

‘El otro Tom’ será co-distribuida por CON UN PACK y SYLDAVIA FILMS.

Casi el 7% (6,8%) de los niños españoles padece de trastorno por déficit de atención e hiperactividad (TDAH), aunque solamente el 3% están diagnosticados y el 1% recibe tratamiento. ‘El otro Tom’ trata, con excelente sensibilidad, las consecuencias personales, familiares, educativas y médicas de los enfermos del TDAH. Un accidente con la medicación prescrita a Tom, por el que tienen que acudir a urgencias, es el punto de inflexión para que su madre (Elena) se ponga en alerta ante los riesgos de la medicación.

El tratamiento excesivamente medicalizado de los enfermos del TDAH, especialmente en EE.UU., es cuestionado en la película. La falta de ética profesional y los intereses de las grandes farmacéuticas han provocado una excesiva hiperfarmacologización, que es objeto de discusión a lo largo del film, especialmente por la madre, frente a los profesionales educativos, sanitarios y de los servicios sociales, que amenazan con quitarle la guarda y custodia a Elena, madre soltera emigrante.

‘El otro Tom’ le da voz a todos los enfermos y familias que padecen el TDAH y fomenta el debate sobre la forma de tratarlo. Y también refleja la precariedad económica y la incomprensión del entorno, remarcando el lado poco amable de la emigración mexicana en EE.UU.

Sinopsis oficial:

Elena es madre soltera y depende de los servicios sociales. Su hijo Tom, tiene dificultades de comportamiento y es estigmatizado en la escuela como “un niño problemático”. Tom es diagnosticado con TDAH (Trastorno por Déficit de Atención e Hiperactividad) pero su madre iniciará una cruzada contra la medicación psiquiátrica que le han recetado a Tom. Su negativa a seguir dándole fármacos provocará que los servicios sociales amenacen con retirarle la custodia.

‘Backstage’, una comedia sobre el mundo del audiovisual

Una serie de Gastón Haag

Tras su exitoso paso por varios festivales nacionales e internacionales, #ConUnPack ha estrenado en Amazon Prime Video la comedia internacional de producción vasca ‘Backstage’. Dirigida por Gastón Haag, es una producción de MediaAttack y Arcanoide, en coproducción con Flixxo (Argentina). Su primera temporada cuenta con 5 episodios. Es una producción asociada de #ConUnPack, que también se encarga de su distribución y ventas internacionales.

‘Backstage’ tiene como grandes referencias el cine de serie B, las películas de Wes Anderson y las series ‘Extras’, ‘The Office’ y ‘Paquita Salas’. Un falso documental, lleno de comedia, con un grupo de actores excepcionales, que cuenta la historia de Ivana y su carrera por cumplir su sueño de dirigir su primera serie.

Gastón Haag, su director, manifiesta sobre la serie –“’Backstage’, es una serie en la que nos gusta reflejar un poco lo que es el mundo del audiovisual, tratando de acercar a la gente desde el humor, porque es un lugar en el cual muchas veces se dice “si haces la serie del detrás de cámaras, seguro es mejor que la que filmas ahora mismo”.

Sobre el origen del proyecto –“Fui juntando un montón de anécdotas para acercar a través de la comedia al público, lo que es hacer cine independiente. Hay mucho amor en hacer proyectos así, y es bueno poder reflejar eso también, como la pasión por contar una historia hace que cada rodaje sea una aventura llena de obstáculos, por momentos absurdos para el director y su equipo”.

Los actores en ‘Backstage’ fueron seleccionados buscando que tuvieran “comedia en las venas”, y que no solo den en la tecla interpretando el guión, sino también sumando ideas e incluso en algunas ocasiones improvisando.

Gastón Haag sobre el reparto -“La sorpresa más grande la tuve con Zorion Eguileor (actor de ‘El Hoyo’) en la cual empezamos antes de la serie a tener una amistad por llamadas de zoom para que entendiera la naturaleza del proyecto y de su personaje que casi hace humor sin palabras. Es bueno tener un actor así, que pasamos de verlo en algo tan serio como ‘El Hoyo’ y acá te hace reír solo con su presencia”.

“Desde #ConUnPack estamos muy contentos de participar, no solo como distribuidores sino también como productores asociados en ‘Backstage’. Nuestra primera serie de ficción tras nuestra primera experiencia en el show-cooking ‘Tapas, by Daniel del Toro’. Estamos seguros la serie encontrará su público en Amazon Prime y será todo un éxito” ha manifestado Hugo Serra socio fundador junto con JJ Montero de #ConUnPack

El reparto de ‘Backstage’ está compuesto por Yune Vilanova, Izazkun Zubillaga, Gemma Martinez, Ibon Belandia, Gastón Haag y Zorion Eguileor. El guión es de Gastón Haag y Lander Múgica.

‘Backstage’ es una producción de MediaAttack y Arcanoide (España) en coproducción con Flixxo (Argentina), con la producción asociada, distribución y ventas internacionales de #ConUnPack.

‘Backstage’ fue premiado como mejor comedia en el Festival de Series de Minnesotta (EE.UU.) y fue seleccionado en festivales como CINEMAJOVE, Bilbao Seriesland, Carballo Interplay, Apulia Web Fest (Italia), London Web Fest (Inglaterra), Die Seriale – Digital Series in Geissen (Alemania), Seriencam (Alemania), Miami Web Fest (EE.UU.), Marseille Web Fest (Francia) y Realist Web Fest (Rusia).

El 29 de enero podréis ver el cortometraje ‘Julia’

Protagonizado por Daniela Santiago (‘Veneno’)

La distribuidora #ConUnPack lanzará en plataformas digitales como Filmin, FlixOlé y Amazon Prime Video ‘Julia’. Esto será a partir del próximo viernes 29 de enero en en España, Estados Unidos y Reino Unido entre otros países anglosajones. ‘Julia’ es un cortometraje escrito y dirigido por el actor y director Miguel Ángel Olivares, producido por Gadol Producciones.

‘Julia’ cuenta con el protagonismo de la actriz Daniela Santiago, protagonista de la serie ‘Veneno’. Ella interpreta a Julia. La vida, a veces, se resume en imágenes, y Julia, mujer transexual, recuerda frente al espejo en ellas, el duro camino que ha sufrido hasta llegar a ser la mujer que es ahora.

Olivares, que ya cuenta con varios premios, uno de ellos el premio coraje UPTA Junta de Andalucía, dirige una historia inspirada en hechos reales y centrada en la temática trans, sobre un camino, recorrido en silencio por la protagonista, para ser quien es.

“Julia transmite básicamente la trayectoria de una persona trans, desde que de niño ya sabe que es una niña, hasta todo lo que tiene que luchar por conseguir su propia identidad, y al final lo consigue y se transforma en una hermosa mujer (…) Este proyecto es el segundo que hago dando visibilidad al colectivo trans. Un colectivo castigado y que poco se sabía de él. Gracias a estos proyectos y a directores que apuestan por ellos, la gente está más cerca de comprender lo que antes no entendían” nos cuenta Daniela.

“Hablé con Daniela por teléfono y me emocionaron mucho sus palabras, y su agradecimiento por acordarme de ellas, las mujeres trans. A partir de ahí, y aprovechando el aislamiento del confinamiento, me fui empapando de historias, libros, y personas trans que necesitaban ser escuchadas” dice Olivares.

Apoyado por el Ayuntamiento de Iznajar (Córdoba) ha contado en la producción con Carlos Masaal, en la voz y música Cristian Coto, ganador del talent show “Se llama Copla”, y cuenta con el apoyo de la ONG Apoyo Positivo para la distribución y colaboración social y educativa.

Crítica: ‘Birdsong’

Sinopsis

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Tokio. Asuka, una joven de la limpieza que trabaja en el turno de noche, está dispuesta a pagar un alto precio para lograr su sueño de convertirse en una estrella de la música. Se las arregla para actuar en un programa de talentos de televisión, pero todos sus sacrificios fracasan cuando es acusada de asesinato y se ve obligada a revelar todos los detalles del oscuro camino que ha seguido hasta entonces

Crítica

Las discográficas son verdaderos depredadores o al menos eso nos cuenta ‘Birdsong’

Gracias al Festival de Rizoma hemos podido ver ‘Birdsong’. Una horrible metáfora de lo terrible que es el mundo de las discográficas, al menos desde el punto de vista de Handrik Willemyns.

Una de las primeras frases que podemos ver al comenzar la cinta es que la industria musical es un animal. Y sí, sin duda nos demuestra perfectamente esta comparación mientras vemos la cinta.

Handrik Willemyns, además de dirigir y escribir la historia, también ha participado en la música, muy importante en la cinta y en el departamento de arte. La música electrónica y clásica se mezclan para darnos melodías bastante psicodélicas. Y lograr así mostrarnos sin palabras los sentimientos de Asuka, una muchacha que paga un alto precio para logra llegar a ser una estrella de la música y lograr entrar en un talent show.

Dinero «fácil»  por pasar una noche con alguien, se convierte en la peor pesadilla de Asuka. Vemos escenas duras a través de viñetas de mangas, no dejan de ser terribles, pero supongo que lo han realizado así para intentar suavizar toda la crudeza. Vemos como Asuka pasa por infinidad de desventuras nocturnas y como se quieren aprovechar de ella hasta el final.

La película tiene una manera curiosa de mostrarnos a estos animales que son las discográficas y de cómo pueden destruir la vida de una persona que solo quiere brillar encima de un escenario.

Los plagios y los abusos son el tema principal de esta historia en la que se intenta descubrir quién asesinó a un conocido músico.

La verdad que la película está muy bien llevada, aunque su director no sea japonés, es una película bastante oriental, el ritmo es lento y si no estáis acostumbrados puede parecer un poco pesada, pero la verdad que merece mucho la pena su visionado. Tiene unas imágenes bastante curiosas y juega con muchos estilos, la animación y el CGI están bastante trabajados y contribuyen a darle un aspecto de cuento siniestro a la vida de Asuka.

El reparto está bastante correcto, sin exageraciones, algo que quizás venga dado de que la película no sea japonesa, porque otra cosa no, hay que reconocer que suelen ser bastante expresivos en sus películas y en esta todo es muy contenido.

La fotografía es bastante sencilla, casi toda la trama ocurre de noche y vemos pocos detalles, si que tenemos luces en los edificios o algún que otro extraño escenario. Una de las cosas que me ha llamado la atención es el tratamiento de la imagen, parece que estuviésemos una cinta de los años 70. Los colores, los planos, no sé si está hecho a propósito o no, pero me ha gustado.

‘Birdsong’ me ha dejado un buen sabor de boca. Una película que merece el visionado y sin duda os dará que pensar. ¿Vosotros qué haríais por vuestros sueños?

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de marzo de 2021. Título original: Birdsong. Duración: 90 min. País: Bélgica y Japón. Dirección: Handrik Willemyns. Guión: Handrik Willemyns. Música: Timothy Bruzon, Hendrik Willemyns. Fotografía: Michael Dwyer. Reparto principal: Kazuhiko Kanayama, Natsuko Kobayashi, Akaji Maro. Producción: Manuetto Films. Distribución: Con un Pack Género: Drama.

#ConUnPack lanza el multicine virtual Playpack / Sala Cero

Un espacio virtual para el cine independiente

#ConUnPack se ha lanzado a poner en marcha una nueva propuesta para ver cine en nuestros dispositivos. Se une a las corrientes que surgen en la actualidad e inicia PlayPack / Sala Cero. Un multicine virtual donde estrenará películas en modalidad Premium, tanto títulos cuyos derechos sean adquiridos por #ConUnPack, como de otras distribuidoras.

Con esta iniciativa no pretende competir con otros servicios de streaming ni con los cines físicos. Se quiere utilizar como un complemento a las ofertas actuales. Propondrán una serie de estrenos de manera limitada y solo funcionará como modalidad transaccional. En algunas ocasiones se lanzarán títulos (nacionales o internacionales) en primicia por tiempo limitado. Y también se ofrecerán reestrenos, con títulos de prestigio que están disponibles en TVOD.

El objetivo, nos comunica #ConUnPack, es ejercer de sala virtual adicional a las existentes en los cines y así ampliar la cartelera de estrenos semanales, con aquellas películas de marcado carácter independiente que, a veces, no llegan a programarse por falta de espacio.

Hugo Serra, socio fundador de #ConUnPack sobre la creación de Playpack / Sala Cero: “Estamos muy contentos de haber apostado por esta iniciativa, que demuestra nuestra proactividad en la industria y la búsqueda de nuevas fórmulas de explotación y visibilidad para las películas más independientes”.

La iniciativa está por tanto abierta a la participación de salas del circuito independiente, que tendrán la posibilidad de promocionar y ofertar en sus páginas web los estrenos de Playpack / Sala Cero, percibiendo así un porcentaje justo del precio cada entrada virtual vendida.

J.J. Montero añade “Playpack es una herramienta muy versátil. Ofreceremos la posibilidad para hacer desde pases online con todas las garantías para los productores, dirigidas al circuito cultural o incluso como plataforma para eventos audiovisuales”.

Los contenidos de la plataforma, que se ofrecen en VOSE y doblados (si existe esa versión), se podrán disfrutar en una primera etapa en navegadores web y móvil y se podrá conectar a TVs y proyectores mediante Chromecast (usando el navegador Google Chrome) y AirPlay (con dispositivos Apple), con calidad 1080p.

Las primeras películas Premium que se podrán ver en PlayPack / Sala Cero son los premiados documentales musicales ‘Manolo Sanlúcar, el legado’, de Juanma Suárez (5 de junio) y ‘Once Were Brothers: Robbie Robertson & The Band’, de Daniel Roher (12 de junio).

También estarán disponibles, a modo de reestreno, dos de las películas internacionales más exitosas de ConUnPack: ‘Most Beautiful Island’, de Ana Asensio y ‘The Song Of Sway Lake’, de Ari Gold y la película ‘Skin’ de Guy Nattiv, de la distribuidora Twelve Oaks Pictures.

La URL de acceso a PlayPack / Sala Cero es: www.playpack.es/es/ y las redes sociales de la iniciativa son: Twitter, Facebook e Instagram.

‘Once Were Brothers. Robbie Robertson and The Band’ estará disponible en digital

A partir del próximo 12 de junio

#ConUnPack nos ha transmitido que ‘Once Were Brothers. Robbie Robertson and The Band’ será lanzada en plataformas digitales el próximo 12 de junio. Solo estará disponible en VOSE y se perfila como una autentica delicia para los amantes de la música rock y documento imprescindible para entender al auge y la caída de una de las bandas míticas de los años setenta, The Band.

‘Once Were Brothers’ se centra en el testimonio de Robertson, uno de los dos miembros originales sobrevivientes de la banda canadiense (junto con el teclista-saxofonista Garth Hudson), y narra con humor, detalles y muchas confesiones la formación, las influencias, el ascenso y la caída del grupo.

Es un documental que cuenta con la producción ejecutiva de Martin Scorsese, Brian Grazer y Ron Howard. Está dirigida por el canadiense Daniel Roher, fue presentada mundialmente en el pasado Festival Internacional de cine de Toronto. Cuenta con los testimonios de un gran número de músicos como Bruce Springsteen, Eric Clapton, Peter Gabriel, Van Morrison y el propio Martin Scorsese.

Roher reconoce que ‘Once Were Brothers’ presenta una sola visión de la historia compleja de una banda en la que sus 5 miembros participaban en las decisiones y elaboración de canciones de forma equitativa, sin un líder definido. -«La película se subtitula Robbie Robertson and The Band, porque es la historia de Robbie», dice. «Cada uno tiene una percepción diferente de lo que pasó, y esta es la suya”. El documental se inspira en el libro de memorias de Robertson, ‘Testimony’ (Penguin/Random House, 2017), elaborado por él mismo durante 5 años y convertido en best-seller gracias al New York Times.

El film muestra a los componentes de The Band en sus inicios (bajo el nombre de The Hawks) con el cantante de rockabilly Ronnie Hawkins, su temporada tocando como teloneros de Bob Dylan (en las que eran constantemente abucheados por ello), la atmósfera de libertad en la gran casa rosa donde colaboraron cerca de Woodstock, NY, muchas de sus grandes actuaciones y la inmersión en las drogas y el alcohol, que marcaron a éste y otros muchos grupos de la época.

De alguna manera, ‘Once Were Brothers’ puede ser visto como un complemento perfecto a “The Last Waltz” (El último Vals, 1978), el aclamado documental dirigido por Scorsese, considerado uno de los mejores directos jamás filmados y convertidos en película. Rodado en 1976 en el Winterland Ballroom de San Francisco, combina imágenes de ese concierto y entrevistas para hacer una crónica de la última vez que los cinco miembros originales subieron juntos al escenario como The Band

 

Teaser tráiler de ‘You go to my head’

En octubre veremos en España la primera película de Dimitri de Clercq

#ConUnPack Distribución estrenará en cines el próximo 31 de octubre 14 de febrero de 2020 la enigmática ópera prima del cineasta belga Dimitri de Clercq tras su éxito en festivales de todo el mundo y antes de su estreno en Estados Unidos. ‘You go to my head’ es la opera prima del cineasta tras una extensa labor como productor de largometrajes. Antes de la llegada de esa fecha la distribuidora española nos ha facilitado su tease tráiler.

 

La cinta cuenta la historia de Dafne (Delfine Bafort), una bella mujer que pierde la memoria tras un accidente de coche en el desierto y en el que su acompañante muere. Jake (Svetozar Cvetković), un solitario arquitecto, la encuentra inconsciente y perdida entre las dunas y la traslada a su casa, haciéndole creer que es su marido.

Con claras influencias del cine de Kubrick o Hitchcock, de Clercq consigue transportar al espectador a una experiencia eminentemente visual y sensorial que pilota sobre el extraordinario magnetismo de la pareja protagonista Delfine Bafort y Svetozar Cvetković unos acotes que logran traspasar la pantalla ayudas por una inmensa fotografía y una música atmosférica. Los espectadores de España descubrirán a un cineasta europeo con ganas de hacernos viajar por sensaciones en un film lleno de simbolismos y sensualidad.

Sinopsis oficial:

Tras sufrir un inesperado accidente de coche en el desierto, Dafne sufre de amnesia post-traumática. Jake, la primera persona que encuentra cuando recupera la conciencia le dice que es su marido.

Crítica: ‘Most beautiful island’

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Most Beautiful Island es una potente historia de redención a la vez que un retrato actual del sueño americano y la lucha por la supervivencia en Nueva York.

Crítica

La isla más bonita encierra algo que tarda demasiado en emerger.

El sueño americano, ese ideal que mueve a tantos a inmigrar a los Estados Unidos en busca de oportunidades, de riqueza, de una mejor vida en general. Ese mito nos lo desmonta, como tantas otras películas pero a su manera, ‘Most beautiful island’. Ana Asensio nos presenta un relato inspirado en una etapa de su propia vida. En él una española está en una situación económica límite, afectada en lo que a su salud se refiere, habitando el país como inmigrante ilegal, con lo que eso conlleva, que no tiene ni siquiera un número de la seguridad social para atender sus necesidades sanitarias. ‘Most beautiful island’ comienza y así se mantiene durante más de la mitad de su proyección como una historia ambientada en la crisis, retratando el estado actual de aquellos que luchan por salir a flote y conseguir el ansiado sueño americano y sobre todo se mueve entre aquellos que intentan sobrevivir en la ciudad que nunca duerme.

Demasiado se enreda Ana Asensio para mostrar su experiencia con el sueño americano cuando eso ya está harto mascado y lo francamente interesante o atractivo era contar el suceso que vivió. Ese lance que tuvo, esa desventura, es lo que le da una razón de ser al filme, lo que os va a hacer empezar a sentir incómodos e intrigados, pero como digo, sucede con la película muy avanzada, en torno a los cincuenta minutos. No os voy a contar ni en qué consiste la vertiente de suspense y casi terror psicológico de su tramo final pues es lo realmente atractivo de la película. De ahí que se insista tanto en mantener en secreto todo y que hasta la web del filme se llame nocuenteselfinal.com. Esa parte de thriller está mucho mejor elaborada que el resto. No es que no consigas empatizar con la protagonista en las etapas previas de la película, pero cuando de verdad temes por ella es en esta última fase.

Claro que Asensio interpreta bien su personaje, es lógico puesto que revive y protagoniza una impactante historia inspirada en algo que ella misma vivió. En sus ojos ves reflejados los fantasmas de la ruina y en su cara el semblante del miedo al fracaso y a la miseria. Pero el resto del reparto no resulta tan convincente y se ve tan sumergido en la historia.

Si su relato está magnificado es por la situación actual y por la conocida aversión del presidente Trump hacia los inmigrantes. Por lo tanto no puede llegar en mejor época para dar en el clavo. A Ana Asensio para esta ópera prima le ha bastado con poner la guinda, con mantenernos en vilo y haber encontrado la oportunidad de usar una vivencia suya. Para muchos este filme es fascinante para mí solo es algo más que anecdótico. Veremos con qué nos intenta sorprender en futuras ocasiones.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de enero de 2018. Título original: Most beautiful Island. Duración: 80 min. País: EE.UU. Dirección: Ana Asensio. Guión: Ana Asensio. Música: Jeffery Alan Jones. Fotografía: Noah Greenberg. Reparto principal: Ana Asensio, Natasha Romanova, Nicholas Tucci, Larry Fessenden. Producción: Glass Eye Pix. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: thriller, drama. Web oficial: http://nocuenteselfinal.com/

Crítica: ‘Smoking Club (129 normas)’

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Óscar, cerca de los cuarenta, tras una “crisis vital”, deja su trabajo de funcionario y a su novia para montar un club de fumadores de cannabis junto a un amigo de la universidad, Danny.
Para Óscar, su “Smoking Club” es “un espacio de libertad”, aunque para ello deba imponer 129 normas que aseguren el buen funcionamiento del local.

Crítica

Soliloquios insustanciales de un fumeta.

Con una sensación de que lo que se quiere transmitir es el buen rollo llega ‘Smoking Club (129 normas)’. Una película independiente, cargada de ideas liberadas y neutrales dominadas, eso se supone, por 129 normas. Y digo se supone por que las normas están ahí, se traen a colación de algunos sucesos durante la película pero en realidad no influyen en el devenir de la historia. A mi parecer sirven solo como tagline y como relleno narrativo.

El filme trata de dos socios que montan un bar donde se puede fumar marihuana. Trabajan dentro de la alegalidad y admiten en el club personas de todo tipo. De este modo se juntan en ese local, única localización del filme, un grupo heterogéneo y variopinto de personas que promete con su confluencia un resultado humorístico. Y humor hay, pero muy poco eficiente. Con el reparto coral y la diversidad de personajes se podría haber conseguido una interacción más verosímil, singular y chocarrera. Sin embargo se tramita todo con historias aisladas, algunas extremadamente forzadas y casuales entre ellas, resueltas además de un modo un tanto ingenuo.

Sin embargo lo que más abunda es la filosofía barata que nos suelta el personaje de Rodrigo Poisón en sus monólogos. Lo que dice es muy propio de un porrero y realmente está bien recreado, tanto en texto como en interpretación, pues cuando alguien se encuentra colocado con marihuana suelta retahílas pseudoprofundas muy semejantes. Muy del estilo a lo que se hacía en ‘Año Mariano’ pero sin esa gracia y con otro tipo de intención. Está claro que lo que se ha intentado es «molar», buscando además el toque de Guy Ritchie o el modelo de ‘Trainspotting’. Pero no ha salido del todo bien pues le falta carisma, ritmo y gancho.

Un ambiente enrollado, cargado hasta arriba de product placement, alguna que otra buena interpretación y una buena idea original no suplen la falta de interés en el desarrollo de la historia y el uso de sus propias herramientas.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de abril de 2017. Título original: Smoking Club (129 normas). Duración: 80 min. País: España. Dirección: Alberto Utrera. Guión: Carlos Soria, Sergio Granda, Albeto Utrera. Fotografía: Miguel Ángel García. Reparto principal: Rodrigo Poisón, Jimmy Castro, Natalia Mateo, Silvia Vacas, Álvaro Lafora, Edu Díaz, Marta Balón, Margarita Lascoiti, Úrsula Gutiérrez, Clara Alvarado, Ángela Chica. Producción: MoA Studio. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: comedia. Web oficial: http://www.smokingclub.org/

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