Muchas respuestas son dadas en este misterioso suceso
Max se ha animado a la moda de los true crimes, y los que está escogiendo sin duda son la mar de interesantes. Este próximo 31 de mayo llega a Max ‘El hombre sin corazón’, un misterioso suceso que ocurrió en Suecia y que lleva dando muchos quebraderos de cabeza a una familia vizcaína.
‘El hombre sin corazón’ es la historia de Miguel Ángel Martínez Santamaría y de cómo su hermana, BlancaMartínez, intenta con gran determinación descubrir que le ocurrió realmente a su hermano.
En 2005 el cuerpo de MiguelÁngelMartínez apareció en un fiordo sueco. Sabían que era él por una fotocopia del DNI que portaba en uno de sus bolsillos, que, por cierto, estaba totalmente conservado pese a que pasó bastante tiempo bajo el agua. La familia no pudo reconocerlo pues tenía la cara desfigurada. Además, no solo eso, le faltaba el corazón.
JorgeValcarcel, dirige esta docuserie dividida en dos partes, en las que viajamos a Suecia, España e Inglaterra en compañía de FerranBarber, un periodista que intentará responder a todas las preguntas que tiene la familia y por las que Beatriz lleva luchando años.
¿Cómo murió? ¿Por qué la policía no investigó el caso como asesinato? ¿Dónde fue el último lugar en el que estuvo? ¿Quién lo encontró? ¿Por qué le falta el corazón? Y la más importante y la que más turba el sueño de la familia es ¿Realmente es su hermano?
Este docuserie es bastante interesante, está muy bien llevado y Ferran Barber hace un gran trabajo de investigación, aclarando bastantes cosas de las que ocurrieron. No todas, pero si algunas importantes. El silencio de la policía y de los forenses que estuvieron en el caso en Suecia, es bastante raro. Ya que intentaron que este caso fuese cerrado pronto y fue tratado como si de un suicidio fuese.
La desesperación de una familia que solo quiere poder enterrar a Miguel Ángel con la tranquilidad de saber que es él. Os lo recomiendo si os gustan los misterios sin resolver, pues en este aunque quedan preguntas sin respuestas, algunas se logran contestar y eso es un gran logro después de tantos años y con la poca ayuda que han tenido.
En un lapso de ocho años, MoviePass pasó de ser el servicio de suscripción de más rápido crecimiento desde Spotify a la bancarrota total, perdiendo más de 150 millones de dólares solo en 2017.
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Crítica
La historia de una compañía fastasmagóricamente disruptiva
Hace no mucho tiempo se planteó algo similar en España y hay alguna promoción aún en algunas cadenas de cine. Pero lo de MoviePass, el tener acceso a películas en el cine por solo una cuota mensual de 9,95 dólares, fue un precedente, tanto de éxito como de batacazo. Pero si además a eso le sumamos una mala gestión del negocio, la compra por parte de unos fiesteros gastones y objetivos empresariales voraces, tenemos una historia avocada al fracaso. Lo que pudo haber sido en 2011 una oportunidad de reencontrar al público masivo con las salas de cine acabó quemado como la Roma de Nerón.
El 30 de mayo Max estrena ‘Auge y caída de MoviePass’. Un documental sobre una historia corporativa que tiene también mucho de social por el impacto que tiene hoy en día el mundo del entretenimiento en nuestras vidas. ‘Auge y caída de MoviePass’ es un relato sobre la creación de una empresa, un servicio, una campaña… llamémoslo como queramos. Pero también supone un reflejo clarísimo de cómo ha cambiado el paradigma cinematográfico, de cómo la industria ha de reinventarse, no solo en sus modelos de consumo, también en la mentalidad de aquellos que mueven los hilos y ponen su dinero.
Puesta en marcha por la productora de Mark Wahlberg y dirigida por Muta’Ali Muhammad (‘Cassius X: Becoming Ali’), ‘Auge y caída de MoviePass’ es una película sobre una compañía que cuyo crecimiento fue frenético, consumista y por desgracia fastasmagóricamente disruptiva. MoviePass duró unos ocho años y desapareció en 2019 tras perder más de 150 millones de dólares solo en 2017. Usaron a Dennis Rodman para promocionarse en las redes a la desesperada, esa tenía que haber sido una buena señal de alarma para sus inversores. Problemas de derroche y ostentación, sospechas de fraude a los clientes, desencuentros con las cadenas de cine, fallos de coordinación y comunicación a la hora de reservar entradas, exceso de usuarios y expectativas, nula rentabilidad en cuanto un usuario iba a más de dos películas en un mes… La historia de MoviePass se podría haber visto venir. Para el espectador es una película curiosa para distribuidores y exhibidores es una advertencia de lo que no hay que hacer para ponerle el último clavo a los cines.
Fue todo una vendida de humo, para espectadores, para franquicias de cines, para accionistas… Crímenes de estafa, detenciones o no, con el tiempo todo ha quedado en una tarjeta roja que hoy en día muchos conservan como recuerdo de un momento esperanzador para los cinéfilos, como aquellos que aún guardan elementos de los desaparecidos Blockbuster. ¡Y ojo que amenaza volver! Pero no es mala noticia, tendréis que ver el documental para saber por qué.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de mayo de 2024. Título original: MoviePass, MovieCrash. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Muta’Ali Muhammad. Guion: Muta’Ali Muhammad. Música: Max Aruj. Fotografía: Axel Baumann, Leo Gallagher. Reparto principal: Mitch Lowe, Stacy Spikes, Hamet Watt, Chris Kelly, Nathan McAlone, Jason Guerrasio, Daniel Kaufman. Producción: Unrealistic Ideas, Assemble Media, Business Insider, Tower Way. Distribución: Max. Género: documental. Web oficial:https://www.hbo.com/movies/moviepass-moviecrash
La historia de aquella tarjeta que era demasiado buena para perdurar
El documental original de HBO ‘Auge y caída de Moviepass’, dirigido por el galardonado cineasta Muta’Ali (‘Yusuf Hawkins: Storm Over Brooklyn’, de HBO), se estrena el jueves 30 de mayo en streaming en Max.
En un lapso de ocho años, MoviePass pasó de ser el servicio de suscripción de más rápido crecimiento desde Spotify a la bancarrota total, perdiendo más de 150 millones de dólares solo en 2017. ‘Auge y caída de Moviepass’ narra los inicios de la compañía como un innovador modelo de venta de entradas de cine amado por los cinéfilos, explorando la misión visionaria de sus emprendedores cofundadores, sus impresionantes éxitos iniciales y su precipitada caída causada por la mala gestión y la avaricia corporativa.
MoviePass era el sueño de los amantes del cine, ya que ofrecía acceso a entradas de cine a un precio de suscripción mensual con descuento. En 2017, con una oferta promocional “demasiado buena para ser verdad” de 9,95 dólares al mes, las suscripciones se dispararon, las acciones de la empresa se dispararon y los inversores se apresuraron a entrar en la empresa. Sin embargo, los cofundadores, que habían construido este fenómeno de la cultura pop desde cero, fueron apartados y obligados a observar desde la barrera cómo los nuevos ejecutivos se hacían con el control. Una combinación de gastos extravagantes y fraudulentos con fastuosas fiestas en el Festival de Cine de Sundance, Coachella y el Festival de Cannes, y un modelo de negocio fundamentalmente insostenible, llevaron a la empresa a cerrar abruptamente en 2019.
Con entrevistas exclusivas a los cofundadores de la empresa, al ex director general Mitch Lowe, a antiguos empleados, inversores, suscriptores, analistas del sector y a los periodistas de Business Insider que informaron originalmente sobre el auge y la caída de la empresa, ‘Auge y caída de Moviepass’ desvela la rocambolesca historia de los audaces innovadores que intentaron alterar el paradigma de las salas de cine y de los actores clave que, al propagar una falsa versión y tratar de volar demasiado alto, crearon una carrera desenfrenada que acabó con la pérdida de cientos de millones de dólares y la pronta desaparición de la ahora tristemente célebre empresa.
Entre los participantes del documental podemos encontrar a Stacy Spikes; Hamet Watt; Chris Kelly, miembro del consejo de administración de MoviePass; Mitch Lowe, antiguo consejero delegado de MoviePass; Nathan McAlone y Jason Guerrasio, periodistas de Business Insider; Daniel Kaufman, antiguo director de la Comisión Federal de Comercio; analistas financieros; inversores minoristas; y antiguos empleados y abonados de MoviePass.
HBO Documentary Films presenta ‘Auge y caída de Moviepass’, una producción de Unrealistic Ideas y Assemble Media en asociación con Nightbrain Pictures y Tower Way. Dirigida por Muta’Ali; producida por Mark Wahlberg, Stephen Levinson, Archie Gips, Jack Heller, Scott Veltri, Jevon Frank y David Wendell; producción ejecutiva de Muta’Ali, Jason Guerrasio y Joel Stonington; coproductores ejecutivos de Jennifer Leamy y Javier Quintana; para HBO: las productoras ejecutivas son Nancy Abraham y Lisa Heller; la productora supervisora es Anna Klein.
Estamos en la España de mediados de los 80. Un grupo de amigos capitaneados por Xavi Font (Jaime Lorente), acaban de llegar a Ibiza persiguiendo su sueño de dedicarse a la moda. Allí les descubre el productor José Luís Gil (Alberto Ammann), un magnate de la industria musical que busca nuevos talentos para lanzar un grupo. Sin tener ni idea de cantar, el grupo inicia una carrera que les lleva de vivir como hippies en Ibiza, a llenar estadios en Latinoamérica y revolucionar de paso las discotecas de medio mundo. Crearon un nuevo estilo, fueron perseguidos por fans y ganaron millones… Aunque para ello tuvieron que sacrificar su libertad.
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Crítica
Alberto Ammann sigue los pasos de su personaje y se convierte en el alma de la película
A niveles megapopulares el caso de Milly Vanilli es superior e incluso posterior al que el que trata esta película. Pero Locomía también tuvo su repercusión internacional y su injundia por playback ya que en sus canciones más populares no cantaban sus integrantes, sino su manager. Esto es algo que tratamos en su día con el estreno del documental ‘Locomía’ en Movistar Plus+ y ‘Disco, Ibiza, Locomía’, la película de Kike Malíllo, no ha querido olvidarse de esa anécdota.
Ni de esa ni de otras muchas. Nos encontramos ante una película basada en hechos reales pero en la que nos confirman y reconocen desde el principio que se han exagerado las situaciones. Es un acto descarado que nos prepara para una película con mucho atrevimiento y que va a la cara. ‘Disco, Ibiza, Locomía’ es un largometraje a veces casi caricaturesco y sobreactuado en algunas interpretaciones pero que funciona estupendamente bien como comedia en la que tenemos hasta momentos sitcom. Diríamos que encadena su trama a base de fun facts pues hay momentos de desmadre y apariciones de actores que imitan a Freddie Mercury (cuyos zapatos del videoclip de ‘I’m Going Slightly Mad’ eran un regalo de Xavi Font), Tina Turner y Julio Iglesias. Pero lo cierto es que lo que pasó entre los integrantes de esta gran familia es muy serio. Quizá es por eso que Marta Libertad y Kike Maíllo han escogido el careo ante notario al que tuvieron que acudir todos para hilar la película.
Como película cimentada en historia real funciona al mostrar únicamente los puntos clave de la que fue la primera banda dance de España. Atina además con las personalidades fuertes y la lucha de egos, que es realmente donde reside la fuerza de estos sucesos. Bien es cierto que tanto Xavi Font (interpretado por Jaime Lorente) como José Luis Gil (a quien encarna AlbertoAmmann) son dos personajes que merecen un spin-off para ellos solos y la película hace bien en destacarles. Y al margen de individualidades lo de Locomía es un jaleo de nombres, riñas y despedidas que ha hecho que por esa marca pasen hasta 15 integrantes. La película se centra en ocho o nueve de ellos agrupados en dos formaciones diferentes, pero nadie negará que los dos que he citado son los protagonistas destacados.
Quería pararme en especial en uno de ellos. Tras haber visto gracias al documental cómo se comportan, cuáles son sus posiciones actuales, qué tipo de contienda marraja sostuvieron y quién tenía más aires de grandeza he de destacar a Alberto Ammann. Esta película se estrena poco tiempo después de haber terminado la temporada de premios a si es que académicos, guardad esta interpretación muy bien en la memoria para las nominaciones al Goya 2025. El actor argentino calca a su personaje, copiando perfectamente sus maneras de hablar y de moverse, que son muy peculiares.
No soy de salseos pero prefiero el documental porque ya era una comedia en sí mismo. A parte de erguirse como buena chanza a la historia de este grupo ‘Disco, Ibiza, Locomía’ nos habla de una transición tardía en España que aún hoy en día está en proceso. No me refiero solo al tema de la homosexualidad que por contrato les hicieron ocultar para vender más al mercado femenino. También a ese carácter que nos hace criticar a los que visten o se comportan de una manera diferente. “Ojalá algún día nadie tenga que tener en cuenta este tipo de cosas” se dice casi literalmente al final del filme.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Título original: Disco, Ibiza, Locomía. Duración: 104 min. País: España. Dirección: Kike Maíllo. Guion: Marta Libertad, Kike Maíllo. Música: Camilla Uboldi. Fotografía: Marc Miró. Reparto principal: Jaime Lorente, Alberto Ammann, Alejandro Speitzer, Ivan Pellicer, Pol Granch, Javier Morgade, Albert Baró, Gonzalo Ramírez, Eva Llorach, Blanca Suárez. Producción: Producción356, Atresmedia, Crea SGR, Film Factory Entertainment, ICAA, La Chica de la Curva, Nadie es Perfecto, Netflix, Rumba Ibiza, SDB Films, Triodos Bank. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, hechos reales. Web oficial:https://www.deaplaneta.com/es/locomia
¿Cómo llegó Johan Cruyff al FC Barcelona? Esto es lo que nos contará ‘El fichaje’
El 22 de mayo llega a Prime Video la docuserie ‘El fichaje’ en España y Portugal. El documental revela la historia de cómo aterrizó el neerlandés Johan Cruyff en el FC Barcelona en los años 70.
La docuserie de dos episodios de 40 minutos de duración es una idea original del periodista Lluís Canut y una producción de 3Cat con la colaboración de Justin Webster Production. ‘El fichaje’ se unirá a la gran selección de contenido deportivo disponible en Prime Video, incluyendo las docuseries Originales ‘El corazón de Sergio Ramos’, ‘La leyenda de Sergio Ramos’, ‘Six Dreams’ y ‘All or Nothing’; o los estrenos exclusivos ‘Alexia: Labor Omnia Vincit’, ‘FC Barcelona: Una nueva era’, ‘Fernando’, ‘Marc Márquez: ALL IN’, ‘Sainz. Vivir para competir’, ‘Paul Gasol. Lo importante es el viaje’, ‘Rafa Nadal Academy’ y ‘Otra forma de entender la vida’, entre otros.
Sinopsis.
Detrás del fichaje que lo cambió todo hay una historia de intriga política, investigaciones internacionales, chantajes y un duro enfrentamiento entre clubes. Un documental que revela cómo finalmente el FC Barcelona pudo fichar a uno de los mejores jugadores de fútbol de la historia, contado por sus protagonistas y por todas las personas que formaron parte de esta historia hasta ahora desconocida.
Un sacerdote militante del partido comunista en plena transición
El director, guionista y productor, Juan Luis de No, presenta en el documental ‘Un hombre sin miedo’ la peripecia del padre Llanos, un hombre sin miedo a nada ni a nadie, que durante los años de la transición trabajó en la sombra tendiendo puentes entre las llamadas “dos Españas”. El padre Llanos contribuyó al entendimiento entre diferentes pensamientos en una época convulsa. Sin duda, un referente indispensable para entender el cambio que hubo en España en la segunda mitad del siglo XX.
Son muchas las personas que han querido participar en este documental y han contado su historia de aquellos años de barro y lucha en el Pozo del Tío Raimundo y su relación con el padre Llanos, algunos de ellos son: Pedro Miguel Lamet, Nicolás Sartorius, Cristina Almeida, Francisca Sauquillo, J. María Álvarez del Manzano (exalcalde de Madrid), José Luis Martín Palacín, Dolores Ruiz-Ibárruri (Nieta de “Pasionaria”), o Miguel Ángel Pascual (expresidente de la Asociación de Vecinos del Pozo).
Según comenta el director Juan Luis de No, “Hoy resulta muy excitante y valiente salirse del plan establecido, ser altruista y ayudar a los demás, pero si nos situamos en la época en la que discurre esta historia descubriremos que entonces tenía muchísimo más valor, pues había que enfrentarse a una dictadura, con todo lo que ello conlleva. Entonces, ser generoso, altruista y combativo era realmente peligroso. Es importante no olvidar esto. El significado de la palabra “valentía” varía mucho dependiendo del contexto y recordar lo que suponía ser valiente en la dictadura franquista nos debería ayudar hoy a orientarnos”.
Harto de la inoperancia del régimen franquista, del que forma parte, un jesuita escritor y de carácter aventurero se retira a un barrio de chabolas donde es evangelizado por sus habitantes, convirtiéndose en militante del Partido Comunista y en luchador incansable por la democracia.
‘Lina’ repasará con expertos y artistas 60 años de historia
Movistar Plus+ ha anunciado el próximo estreno de ‘Lina’, la serie documental que rinde homenaje a la icónica Lina Morgan, una producción original Movistar Plus+ en colaboración con 100 Balas (THE MEDIAPRO STUDIO). El anuncio, que llega en el día en que se conmemora el nacimiento de la actriz, es un homenaje a la artista, pero también a la mujer adelantada a su tiempo que luchó por encontrar su sitio como intérprete y como empresaria.
De Lina Morgan decían que era recogidita, redondita, que tenía cara de pan y no medía más de un metro sesenta. Ningún algoritmo actual le habría concedido la más mínima posibilidad de convertirse en uno de los rostros más reconocidos y queridos del país. Sin embargo, ella sola lo logró. Lina Morgan apostó por el humor y con su don especial para la comedia llenó teatros, protagonizó películas y se convirtió en la estrella de las series de televisión de máxima audiencia.
De tonta del bote, nada. También fue pionera: de las primeras empresarias del mundo del espectáculo de nuestro país. Con una carrera ya forjada en la interpretación, formó su propia compañía y compró el Teatro La Latina de Madrid, donde el cartel de ‘No hay localidades’ colgaba casi de forma permanente. Todo el país la conocía. Todo el país quería a Lina. Quienes no tuvieron la suerte de disfrutarla, descubrirán una figura única.
Dirigida por Israel del Santo (‘El Palmar de Troya’, ‘Lola’), ‘Lina’ consta de tres episodios que repasarán de una manera muy especial la trayectoria de uno de los personajes más divertidos y complejos del mundo del espectáculo en España. Pero ‘Lina’ es mucho más que un relato autobiográfico. Es un homenaje a una artista singular, que cambió la forma de entender el humor y logró batir récord de espectadores y de audiencia. Todo ello narrado con el apoyo de un extenso material de archivo, y de entrevistas con expertos, biógrafos, admiradores y compañeros de viaje que ayudarán a poner en valor su gran legado, como Manolo Zarzo, José Sacristán, Bárbara Rey, Lolita, Anabel Alonso o María León, entre muchos otros.
Además, ‘Lina’ ofrecerá un guiño cómplice a los espectadores de la mano de intérpretes y grandes rostros de la comedia y de la comunicación actuales, que rinden su particular tributo a Lina Morgan recreando algunos de sus números más conocidos. Artistas de la talla de Silvia Abril, Pablo Chiapella, José Mota, Pepa Rus, Manuela Velasco, Samantha Hudson, Lorena Castell o un grande de la transformación como Joaquín Reyes, reinterpretarán con su estilo escenas de algunos de los personajes más icónicos a los que dio vida Lina Morgan en cine, teatro y televisión para recordarla y acercar su genialidad a una nueva generación que no pudo disfrutar de ella.
El himno de un planeta, ‘Macarena’ llega a Movistar Plus+
Treinta años después de su lanzamiento, el mundo entero sigue bailando ‘Macarena’ ¿Qué es lo que tiene esta canción que nos vuelve locos y nos hace salir a la pista de baile en cuanto empieza a sonar? ¿Cuál es el secreto de su éxito?
Antonio Romero y Rafael Ruiz, Los del Río, lo cuentan como solo ellos pueden hacerlo en esta serie documental de dos episodios dirigida por Alejandro Marzoa.
‘Macarena’ narra el nacimiento, auge y la intrahistoria de este fenómeno que supera el ámbito musical y se ha convertido en el himno de un planeta.
Detrás de un gran éxito siempre hay alguna sombra y a su alrededor también existen rumores, leyendas, manipulaciones y mentiras.
Con Los del Río, Antonio Romero y Rafael Ruiz como protagonistas de la serie documental y la participación de músicos, cantantes, productores, periodistas y coreógrafos de todo el mundo, esta producción reconstruye la historia de este éxito viral e intenta descifrar los secretos de cómo se construye un hit y que hay detrás de la canción española más popular del mundo.
Como dicen Los del Río, el tema que unió a “Miguel Jackson, Niu Orlin, San Juan Pablo II y Clinton” por fin tiene su propia serie documental con humor, sorpresas, casualidades y personajes inesperados.
Os dejamos el tráiler a continuación de ‘Macarena’ que llega a Movistar Plus+ el próximo 18 de marzo.
Historias de Tokio es un film sobre una de las ciudades más reconocidas mundialmente por su creatividad. La película cuenta las historias de los artistas y personas que han hecho Tokyo famosa por su impulso ilimitado por lo nuevo e innovador, haciendo de esta ciudad una de las más vibrantes e interesantes del planeta.
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Crítica
Nos hace sentir parte o admiración de una cultura centenaria en constante evolución
El Ashmolean Museum sirve como hilo conductor para ‘Historias de Tokio’. Más en concreto en la exposición de 2021 llamada Tokio: Arte y Fotografía. A través de esa exitosa muestra el documental recorre 400 años de historia artística, cubriendo todo tipo de ámbitos. Para conformar una idea completa de porqué Tokio es lo que es hoy en día hay que conocer grabados antiguos, xilografías, el manga, la fotografía, la decoración o el audiovisual contemporáneo. Esta película complementa dicha exposición y sirve de decálogo decálogo para todo aquel que diga que le gusta el arte japonés.
Exhibition on Screen es una productora que tiene como meta llevar el arte a todo el mundo, transportar a los espectadores a museos, exposiciones o muestras que no les son accesibles. Con ‘Historias de Tokio’ cumplen la doble función de mostrarnos cuán completa fue esa exposición celebrada en Oxford y a la vez crearnos una enorme necesidad de ir a Japón y absorber todos y cada uno de los matices que ha ido adquiriendo a lo largo de su historia. Todos hemos dicho siempre eso de “Japón combina muy bien tecnología y tradición” y es en su arte donde más se suele ver reflejado. Las calles de neon aún respiran el espíritu de los shogunatos, la arquitectura aún rezuma la poesía de antaño, el manga salta a la calle a través de la moda y viceversa… Desde los templos más antiguos hasta los edificios más cableados del mundo, este reportaje no se deja ningún rincón. Evidentemente este repaso sirve como clase de historia.
El documental salta por dos ubicaciones diferentes dividido por bloques temáticos. En su mayoría está rodado en la capital nipona pero retorna de vez en cuando a la exposición con diferentes planos y entrevistas para usarla como hilo conductor. Nos hablan las comisarias de dicha exposición Clare Pollard y LenaFritsch además del director del Ashmolean, Alexander Sturgis y por supuestos dichos artistas cuya obra ha sido allí expuesta. A partir de obras nuevas, tesoros de archivo e imágenes de obras clásicas se nos ofrece una amplísima visión. El documental se siente tan vibrante y cambiante como casi todos percibimos que es Tokio. El caos armonioso de la ciudad encuentra su orden a través de la exposición y el análisis de esta película.
A la exposición le costó llegar a mucho público debido a la pandemia, de hecho su celebración coincidió con la celebración retrasada de los Juegos Olímpicos de Tokio. A través de este documental tendrá su justa visualización. Además que durante este mes de febrero también se cumplen dos efemérides: el 11 de febrero fue el día de la Fundación Nacional de Japón y el 23 de febrero será el Día del Emperador. ‘Historias de Tokio’ llega en el momento oportuno para hacernos sentir parte o admiración de una cultura centenaria en constante evolución.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de febrero de 2024. Título original: Exhibition on Screen: Tokyo Stories. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: David Bickerstaff. Guion: David Bickerstaff, Phil Grabsky. Música: Asa Bennet. Fotografía: David Bickerstaff, Hugh Hood. Reparto principal: David Bickerstaff, Clare Pollard, Lena Fritsch, Alexander Sturgis, Moriyama Daido, Keiichi Tanaami, Mika Ninagawa, Enrico Isamu Oyama, Yuko Mohri. Producción: Seven Art Productions, Exhibition on Screen. Distribución: A Contracorriente films. Género: documental. Web oficial:https://acfeventos.com/historias-de-tokio/
Película documental narrada por Natalia de Molina y Carolina Yuste
El próximo 1 de marzo, Netflix estrena la película documental ‘No Estás Sola: La lucha contra La Manada’, una sobrecogedora deconstrucción del caso que generó el primer #MeToo español. Con el punto de partida de la agresión sexual que sufre una joven en los Sanfermines del 2016 por parte de cinco hombres que se autodenominan “La Manada”, el largometraje transcurre de la mano de las palabras de las víctimas supervivientes -con Natalia de Molina y Carolina Yuste como narradoras- y de personas cercanas a los hechos que comparten sus testimonios por primera vez.
Dirigida por Almudena Carracedo y Robert Bahar, los cineastas de ‘El silencio de otros’ -ganador de un Goya, dos Emmys, un Peabody y preseleccionado para los Oscars en 2019-, esta película documental ha sido producida en secreto durante más de tres años y medio. El largometraje va entretejiendo tres hechos, el caso de Pamplona, la agresión sucedida en Pozoblanco -cometida por cuatro de los mismos acusados- y el asesinato de Nagore Laffage en 2008, hasta llegar al primer #MeToo español, cuando en 2018 un millón de mujeres y jóvenes apelan al poder de la sororidad, toman las calles al grito de “Yo sí te creo” y extienden el hashtag #Cuéntalo en redes sociales. A través de esta historia, No Estás Sola: La lucha contra La Manada expone, gradualmente, las costuras del machismo en la justicia, los medios y la sociedad, arrojando luz sobre la violencia sexual que viven a diario muchas mujeres y la responsabilidad individual y colectiva hacia este problema universal.
“Nos propusimos hacer una película que pudiera, de algún modo, contar esta historia desde una perspectiva que no se había conocido hasta ahora a pesar de ser la versión avalada por todos los fallos judiciales: la de las víctimas supervivientes. A través de sus palabras -extraídas de declaraciones judiciales, entrevistas y cartas-, y gracias a un acceso inédito a personas cercanas a los hechos, hemos podido narrar esta historia con rigor, sensibilidad y respeto”, explica Almudena Carracedo, codirectora del documental.
Robert Bahar, codirector del documental, añade que “La película está construida partiendo de más de sesenta horas de entrevistas cuidadosamente rodadas, cincuenta horas de material visual original rodado, y casi mil horas de material de archivo, incorporado con sensibilidad fílmica. Para ello, ha sido fundamental el asesoramiento de expertas y expertos en violencia de género así como la experiencia en procesos jurídicos y tratamiento mediático de los participantes del documental”.
La película documental traslada el rigor de una extensa investigación desde un enfoque artístico y cinematográfico. La música compuesta para el largometraje es un elemento creativo importante y complejo. Es la segunda vez que Almudena Carracedo y Robert Bahar cuentan con Leo Heiblum y Jacobo Lieberman -también compositores de la banda sonora de su película anterior, “El Silencio de Otros”-, y ganadores de cuatro Arieles en México.
Coincidiendo en el mismo mes con dos efemérides de importancia capital para el país nipón, la Fundación Nacional de Japón y el Día del emperador, llegará a España ‘Historias de Tokyo’. Es un documental producido por Exhibition on Screen y dirigido por el director inglés DavidBickerstaff (‘Vermeer: La mayor exposición de la historia’, ‘El fascinante mundo del Bosco’, ‘Goya: Un espectáculo de carne y hueso’
‘Historias de Tokyo’ nos lleva a la capital del país asiático mirándola como una de las grandes ciudades dentro del panorama artístico mundial. La película está vertebrada por la exposición del Ashmolean en Oxford. De este modo la película es capaz de recorrer 400 años de arte. Nos hará viajar desde las delicadas xilografías de Hokusai y de Hiroshige, hasta los carteles Pop Art, la fotografía contemporánea, el manga, el cine y las nuevas obras de arte urbanas.
Dicha exposición fue un éxito absoluto y fue capaz de congregar a público joven y diverso al museo. De este modo también se plasma como la ciudad está en constante cambio y renovación a pesar de todos los acontecimientos destructivos que ha experimentado.
La creatividad de Tokio está fuera de duda y por ello ‘Historias de Tokyo’ se puede decir que está repleta de arte. En su metraje contará historias de artistas y diferentes personas que han aupado a la capital del país del sol naciente hasta lo más alto de la innovación y el arte.
Arranque a base de flagrantes versiones del kung-fu que popularizó Bruce Lee
Inaugurada la edición número 13 de CutreCon. Una edición que está dedicada a los vampiros, muy presentes en la programación, pero que curiosamente ha arrancado con el mismo tema de la cuarta edición, el cine de kung-fu, sobre todo con mucho Bruce Lee.
Se repite una iniciativa iniciada el año pasado. Ya que es el tercer año que CutreCon cuenta con la Universidad Complutense (Facultad de Ciencias de la Información) como una de sus sedes, se ha contado con la participación de los alumnos. Se les han proporcionado tres guiones relacionados con el leitmotiv de esta 13 edición (los vampiros) y con ellos han rodado diferentes spots. La selección no ha sido nada fácil como hemos podido ver en la maratón que nos ha mostrado todos los trabajos. Finalmente el ganador se podrá ver durante todo el festival como spot oficial, además de llevarse un lote de merchandising de la UCM.
El Frikódromo nació hace poco y no podía tardar en incluirse a las locuras de CutreCon. Seguro que te ha pasado alguna vez que te has puesto a ver vídeos humorísticos o de freaks en Youtube, TikTok y similares y cuando has mirado el reloj se te ha ido más de una hora. El Frikódromo es una maratón de vídeos que se han hecho virales en internet por razones obvias. La ventaja es que se proyecta en compañía de mucha gente y evitando encontrarte entre medias vídeos que no son de tu interés o la cada vez más larga publicidad. No hay algoritmo que mejore esto.
Por último hemos sido testigos de la presencia de invitados como Guillermo de la Peña. Este ilustrador ha sido siempre el cartelista del festival y por fin ha podido tener un encuentro con los espectadores.
Quien si es una cara más conocida para el público de CutreCon es Antonio Mayans que este año ha acudido a recoger el premio que lleva el nombre del director con el que ha trabajado tanto, Jess Franco. A continuación podéis ver la recogida de dicha distinción y unos breves comentarios de la películas que hemos visto.
El rato más enriquecedor del día ha sido el coloquio con los artífices de ‘Empusa’. Podéis ver la charla íntegra en el siguiente vídeo.
‘Enter the clones of Bruce’
Magnífico documental sobre la figura de Bruce Lee. Descubre muchos detalles de su carrera sobre todo en sus inicios pues cuenta con artistas que rodaron con él cuando aún no era famoso. Aunque siendo certeros habría que decir que trata sobre las figuras de Bruce Lee. Tras la muerte del maestro de las artes marciales el séptimo arte se vio huérfano. Sus películas estaban causando furor cuando falleció y debido a ello aparecieron imitadores por doquier. No es que hubiese hecho escuela, que también, sino que muchos imitadores, con más o menos injundia, intentaron sustituir la figura de quien popularizó el Kung-fú.
Tirando de parecido físico e ingenio a la hora de escoger nombre artístico diferentes luchadores y actores rodaron películas en la línea de ‘Operación dragón’ o ‘El furor del dragón’. Suena clamoroso pero sus intentos quedaron en comedias fallidas e historias anecdóticas. Así nos lo deja ver el director David Gregory, documentalista de terror y serie B que también figura como productor de ‘Birdemic’ o ‘Color out of space’. Él nos descubre a suplantadores como Bruce Chen, Bruce Lai, Bruce Lau, Bruce Lei, Bruce Liang, Bruce Ly y un largo etcétera. Risas aseguradas pero también un rato muy divulgativo en torno a la bruceploitation.
Secuela de la mítica película rodada con muy poca vergüenza. Se pretende hacer creer al espectador que el protagonista es el mismísimo Bruce Lee, ya fallecido por entonces. Título de la bruceploitation que usa un imitador que tiene el mismo corte de pelo e intenta copiar los movimientos del maestro del Kung-fu, pero evidentemente no hay color. Lo más clamoroso es que casi siempre el protagonista está de espaldas, de lejos o en una frenética pelea y de vez en cuando se injertan imágenes reales de planos de Operación Dragón, sobre todo planos descartados. Con toda esta injundia ni siquiera fueron capaces de mantener el rácord, cambiando hasta a actores enteros de un plano a otro.
Escenas con playbacks bochornosos, flashbacks innecesarios, peleas en las que los dobles no saben donde pegar, muñecos volando por los aires, un tipo disfrazado de león… Y de remate escenas del funeral de Bruce Lee.
Película dirigida y protagonizada en buena parte por Paul Naschy. Fue su último trabajo como director y prácticamente el último como actor. Tras una carrera consagrada al cine fantástico durante la que superó los más de 100 rodajes llegó a este título repleto de experiencias y talentos. Por desgracia la mala suerte se cebó con este proyecto e hizo que prácticamente todo saliese malogrado y con carácter de comedia involuntaria.
A pesar de ser un título que vio la luz en 2010 se rige por códigos de la época dorada del fantaterror. Eso supone que el argumento, el giuón e incluso el sentido del humor parezcan de otra época. Se percibe como algo bastante obsoleto. Pero por otro lado es arte sin grilletes, abierto y sin tapujos. Puede ser mala en muchos sentidos, pero lo que más te puede matar es la falta de continuidad y rácord, esto se debe a rerodajes y malas elecciones a la hora de colocar las cámaras.
John Liu, el director de ‘New York Ninja’, la misma que estuvo hace dos años en CutreCon, vuelve al festival. Bueno, él no pues tras salir de la cárcel está llevando una vida apartada en la selva. Producción española que diría que es sorprendentemente mala pero ya conocemos a este director que tiene más de una película inacabada. De hecho este filme está hecho mezclando trozos de cinco películas.
Militares en un campamento de Zambia, control mental a lo MK Ultra, mujeres corriendo en bragas por diversos escenarios y un doblaje en el que estaba incluso Constantino Romero. La trama sigue a un instructor contratado para entrenar a soldados estadounidenses en países como Zambia o Francia, cuando es evidente por los carteles y productos que aparecen que estamos en España. Pero al tener cinco largometrajes mezclados la trama es de lo más confusa e inconexa.
Lo mejor de la sesión ha sido el espectador que se ha dormido y que no se ha despertado a pesar de la lata que tenía en la cabeza y los gritos del público. Porque el giro final ha sido una burrada del calibre de meter un accidente de avión real con imágenes explícitas de cadáveres.
Cada año os brindamos un listado más largo de películas para veros y para recordar que 2023 ha sido buen año para el cine. El pasado 2022 recopilamos unas setenta películas y nos hemos superado, nos ha costado eliminar a algunas de esta selección.
Todos los años advertimos a la hora de compartir nuestro top anual, no nos gusta ni dar puntuaciones ni ordenar de mejor a peor. Esta es solo una lista de largometrajes que nos han gustado en 2023 y han dejado poso con el tiempo en nuestros recuerdos cinéfilos. Igualmente avisar como siempre que notaréis la ausencia de algunos títulos, ello puede ser debido o bien a que no nos han gustado lo suficiente como para destacarlos o bien porque pertenecen a una o dos distribuidoras que a día de hoy no nos envían material, ya sabéis, tu me rascas la espalda y yo rasco la tuya. Esperamos que os guste la añada de 2023 y coincidamos en un alto porcentaje.
El largometraje documental de 60 minutos titulado ‘Eres tú: de Mocedades a El Consorcio’ tendrá su estreno mundial el 1 de enero de 2024. Ese día se podrá ver en ETB 2 y también será emitido próximamente por TVE.
Dirigido por LoreaPérez de Albéniz, esta producción de Zesatenjuenaz para ETB y TVE retrata la historia del considerado como el grupo musical vasco más icónico de los últimos 50 años. Famosos en todo el mundo tras quedar segundos en Eurovisión con la canción Eres tú, los componentes de Mocedades primero, y El Consorcio después —Iñaki Uranga, Amaia Uranga y Estibaliz Uranga, Carlos Zubiaga y José Ipiña—, cuentan su historia desgranando detalles y anécdotas personales que han permanecido inéditos durante medio siglo. Cinco décadas que dan para mucho: alegrías, desavenencias, bienvenidas, despedidas, creación de nuevos grupos… De esta forma, el film nos muestra a los componentes del grupo como nunca los hemos visto hasta ahora.
Un relato en el que también participan músicos y profesionales que han trabajado con ellos; familiares y amigos; seguidores españoles y latinoamericanos; y artistas como Leire Martínez, Víctor Manuel, Rosa León, las presentadoras Anne Igartiburu y Mayra Gómez Kemp, el periodista Jon Aramendi, los productores Oscar Gómez y Emilio Santamaría, o Allende y Maria Blanco, hijas de Sergio y Estíbaliz.
Las declaraciones de los protagonistas de esta historia se completan con imágenes de archivo procedentes de los fondos de RTVE y ETB y de los archivos personales de los miembros del grupo. Así, el montaje incluye actuaciones musicales y también escenas de su ámbito familiar. El documental se ha grabado principalmente en Bilbao, ciudad natal de los protagonistas, tanto en las calles del Casco Viejo como en la sala de conciertos Jazzon Aretoa.
‘Eres tú: de Mocedades a El Consorcio’ está dirigido por Lorea Pérez de Albéniz con guion de Laura Guillén. Juantxu Beloki es el director de Fotografía. Xanti Salvador se ocupa del sonido. Hannot Mindegia se encarga del montaje, y Larraitz Zuazo de la postproducción. Goiuri Aldekoa-Otalora es la directora de Producción. El film cuenta con la participación de RTVE y EiTB, y el apoyo del Ayuntamiento de Bilbao.
‘No me llame Ternera’ presenta una entrevista exclusiva con una de las figuras clave de ETA: Josu Urrutikoetxea, más conocido como Josu Ternera. El documental, presentado por Jordi Évole, analiza la trayectoria de la banda terrorista y aborda algunos de sus momentos más significativos hasta su disolución en 2018. Esta conversación permite a una víctima resolver incógnitas del atentado que sufrió hace casi 50 años.
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Crítica
Un incómodo careo para ambas partes
‘No me llame Ternera’ es una entrevista documental que parte de una dolorosa sorpresa. El reportaje inicia con una conversación con un antiguo policía y víctima del terrorismo, Francisco Ruíz Sánchez, al cual se le descubre con asombro detalles del día en que fue tiroteado, hace casi 50 años. El resto de la entrevista es un cara a cara a base de plano contraplano que, como es habitual en los trabajos de Jordi Évole, no tiene pelos en la lengua y toca más que nunca un tema conflictivo, una herida que aún hoy en día está abierta. Y lo hace haciendo un repaso cronológico y empleando por supuesto imágenes de archivo.
‘No me llame ternera’ es un careo incomodo para ambas partes. Muestra de ello es el mismo título que parte de la constante negación por parte de Josu Urrutikoetxea alias Ternera a ser referido por un apodo que, según relata él, no fue escogido y como tal nunca lo ha utilizado. A pesar de lo intimidatorio que pueden resultarse mutuamente uno exhibe sus planteamientos sin tapujos ni medias tintas y el otro midiendo mucho sus palabras, con un discurso que ha ido evolucionando e interiorizando con los años, propio de alguien que se ha equivocado prolongadamente en el tiempo de una manera calamitosa y aun así intenta reacondicionar su discurso para mantener su causa. Esta película nos muestra al terrorista evitando cuidadosamente decir ciertas cosas o emplear ciertos términos para ofrecer su versión, por supuesto, esquivando el hecho de mencionar a algunas personas. Para él los atentados eran acciones, por ejemplo. Por el contrario Évole formula las preguntas y las adecúa también en función del relato que ofrece el entrevistado para, sin ningún miedo, ponerle contra las cuerdas.
Es una entrevista con muchísimo valor histórico que a muchos puede indignar, pues puede parecer que está dando voz a un miembro de la extinta E.T.A. Pero en mi opinión Ternera se ha exhibido demasiado y se ha retratado como muchos realmente pensábamos que era. En sus intentos por zigzaguear por las distintas etapas de la historia que Évole va enumerando, el abertzale queda expuesto y desenmascarado. Se intenta mover por una zona gris en la que solo en escasísimas ocasiones tiene justificación. Le pilla en más de un renuncio, como cuando se habla de clasificar las víctimas o la comparativa con los yihadistas.
‘No me llame Ternera’ se mueve por tres caras de la misma cosa: la víctima, el entrevistador y el miembro de la banda. Tres visiones muy distintas y encontradas solo en ciertos puntos del relato que sirven también para mostrar que en España todos los participantes de la historia se han encontrado de un modo o de otro. Ahora que se habla tanto de amnistía, aquellos que estén flojos de memoria, verán todo aquello que hizo sobre todo el gobierno de Aznar y también todos los errores y aciertos que cometieron las distintas legislaturas del PSOE. No respalda para nada la trayectoria de Josu Tenera pero si se atisba una intención hacia el entendimiento, la conciliación y el diálogo. Es por eso que ‘No me llame Ternera’ se percibe como algo atrevido y controvertido. Aún más de lo que han sido obras como ‘Fe de etarras’, ‘La línea invisible’, ‘Maixabel’ o ‘Patria’. Ver el conflicto desde estas perspectivas quizá nos ayude a superarlo y a pasar página evolucionando como sociedad en paz y democracia.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de diciembre de 2023. Título original: No me llame Ternera. Duración: 101 min. País: España. Dirección: Jordi Évole, Màrius Sánchez. Guion: entrevista documental. Fotografía: Paco Amante. Reparto principal: Jordi Évole, Josu Urritikoetxea alias Ternera, Francisco Ruíz Sánchez. Producción: Producciones del Barrio. Distribución: Netflix. Género: documental. Web oficial:ver en Netflix.
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