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Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘The Equalizer 2’

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Sinopsis

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Robert McCall garantiza una justicia inquebrantable para los explotados y oprimidos, pero ¿cuánto de lejos llegará cuando se trate de alguien a quien ama?

Si tienes un problema y no sabes a quién acudir, Robert McCall es tu hombre. Él es The Equalizer. McCall asegura una justicia inquebrantable para los apaleados, explotados y oprimidos, pero cuando su peligroso pasado llama a la puerta, necesitará de todas sus habilidades para ajustar las cuentas. Esta vez deberá enfrentarse cara a cara con asesinos altamente entrenados que no pararán hasta acabar con él. Denzel Washington retoma uno de sus personajes más característicos en la primera secuela de su carrera.

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Crítica

Divertida y llena de acción, así es ‘The Equalizer 2’

En 2014 se estrenó la primera parte de esta cinta, donde conocimos a Robert McCall, un antiguo agente de la CIA, que abandonó su retiro para ayudar a gente de a pie que está indefensa.

Basada en la serie de televisión de los 80 ‘ El Justiciero’ creada por Richard Lindheim y Michael Sloan, ‘The Equalizer 2’ baja el ritmo y el nivel de la primera, pero tampoco decepciona. Sabemos lo que vamos a ver, a Denzel Washington pegando mamporros por doquier y utilizando su astucia e imaginación de la manera más insospechada posible.

Esta vez nuestro protagonista tendrá que vérselas con la traición, tendrá que revivir para poder ayudar a su gente e intentar que no le maten.

Dirigida de nuevo por Antoine Fuqua y con guión de Richard Wenk, esta vez se centran mucho más en el pasado del protagonista, haciendo quizás que perdamos la acción que teníamos en la primera parte. Pero tampoco quita que las luchas que veamos no sean buenas, todo lo contrario, si lo que os gusta es la acción esta cinta es lo que os va a dar. Eso sí, el final se les va un poco de las manos, una cosa es meter acción por todos lados, pero ya introducir un huracán me parece demasiado. Pero para gustos los colores.

Denzel Washington vuelve a ponerse en la piel de este chófer que solo quiere estar tranquilo, pero lo único que ve son injusticias por todos lados. Su personaje está obsesionado con el orden y además una de las curiosidades que tiene es que en las peleas en las que se mete utiliza cualquier cosa que esté de su mano para poder ganar. Espero que siga haciendo muchas películas más como esta, realmente se le da bien y en pantalla no decepciona.

En el reparto nos volvemos a encontrar con Bill Pullman y Melissa Leo, los únicos amigos del protagonista, además de tener como nuevos personajes a Pedro Pascal, al cual cada vez podemos ver más en Hollywood, Jonathan Scarge, Kazy Tauginas, Ashton Sanders u Orson Bean.

El CGI de la cinta es bastante bueno, las escenas de acción, están muy bien coreografiadas, me ha impactado sobretodo una realizada en un coche, muy divertida y hace que disfrutes un montón del cine de acción.

Poco más que decir, ‘The Equalizer 2’ nos devuelve a Denzel Washington en este curioso papel y nos hace vibrar de la emoción, si, como he dicho, inferior a su primera parte, pero eso no quita que sea una película que no nos debemos perder este verano en las salas.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de agosto de 2018. Título original: The Equalizer 2. Duración: 120 min. País: Estados Unidos. Dirección: Antoine Fuqua. Guión: Richard Wenk (Personaje de Richard Lindheim y Michael Sloan). Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Oliver Wood. Reparto principal: Denzel Washington, Ashton Sanders, Pedro Pascal, Bill Pullman, Melissa Leo, Jonathan Scarfe, Sakina Jaffrey, Lexie Roth, Donald Cerrone. Producción: Columbia Pictures, Fuqua Films, Escape Artists, Sony Pictures Entertainment. Distribución: Sony Pictures Spain. Género: Thriller, acción. Web oficial: http://www.equalizer.movie/site/

Crítica: ‘Buenos vecinos’

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Sinopsis

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Tras una supuesta infidelidad, Atli es expulsado de casa por su mujer, quien no le permite ver más a su hija. Se ve obligado a mudarse a casa de sus padres, que están envueltos en una pelea con sus vecinos debido a que su imponente y hermoso árbol da sombra en el patio de los mismos. Mientras Atli lucha por ver a su hija, la confrontación vecinal se intensifica hasta límites insospechados.

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Crítica

Gunnar Sigurðsson nos muestra con agudeza que no podemos llevarnos como perros y gatos

‘Buenos vecinos’ nos llega principalmente desde Islandia bajo la batuta de Hafsteinn Gunnar Sigurðsson. Que no os engañe el título de esta película, no vais a ver ningún manual de civismo ni vais a contemplar la buena convivencia que tanto se prodiga cuando se habla de los países nórdicos. De hecho el título original del largometraje es ‘Under the tree (bajo el árbol)’. Y esto se puede interpretar como indicativo no solo de lo que transcurre bajo el árbol de la casa de los protagonistas, si no de lo que le sucede al árbol familiar, de cuáles son las consecuencias de las acciones de los mayores en las ramas inferiores del árbol genealógico. Que sí, que el título empleado en España dota a la película de un carácter irónico, pero el título original también puede tener ese sentido metafórico, que quizá yo he encontrado de manera más rebuscada pero no carente de significado.

En ‘Buenos vecinos’ tenemos básicamente dos historias paralelas. La de un hijo en pleno proceso de desesperante separación y la de sus padres en creciente conflicto con unos vecinos por culpa del árbol de su jardín. Ambas historias comienzan de un modo bastante incómodo, con situaciones sentimentalmente violentas y conflictivas. Los artífices de esas circunstancias no se andan con ningún tapujo por lo que el guión nos da momentos tanto de drama crudo como de humor casi retorcido. Sus acciones tienen repercusiones en la vida de los que les rodean, sobre todo en sus descendientes, al menos así lo va señalando poco a poco el director a través de varias reflexiones. Es decir, lo que viene a decir el comportamiento de sus personajes es que el no ser empático o no dialogar puede ocasionar daños colaterales a tus seres queridos.

Mucho más cómica y entretenida es la parte de los padres que le da más sentido tanto al título original como al empleado en nuestro país. Hay que señalar que tampoco está exento de importancia el mensaje de la historia del personaje de Steinþór Hróar Steinþórsson, el cual ejerce de marido en pleno divorcio, padre a punto de entrar en cólera e hijo refugiado en casa de sus padres. Pero se imponen el sarcasmo y la locura que están bastante presentes en esta película, sobre todo personificados en el personaje de Edda Björgvinsdóttir.

No te das ni cuenta de cómo Hafsteinn Gunnar Sigurðsson te pasa del drama a la comedia y de ahí a una tragedia de lo más desconcertante e incluso hilarante para aquellos que gusten del género negro. Y es que el desenlace de la película está totalmente desbocado en dos escenas que pueden dejar trastocado a cualquiera, convirtiéndose en una cinta casi de género para culminar con una escena final totalmente sarcástica. Muy mordaz el estilo de este director al que reconozco que he descubierto en esta su tercera película y del que intentaré ver sus anteriores trabajos de algún modo.

Ambas historias se podrían haber solucionado con diálogos y comprensión por ambas partes, siendo buenos vecinos o cohabitantes. Sin embargo lo que demuestra este filme, que roza el estilo de Haneke, es que el ser humano a lo que tiende es a hacerse daño, a hacer la vida del otro imposible. Señoras y señores, esta película, no les va a parecer merecedora de un Oscar, pero desde luego les va a enseñar que la empatía y la escucha es muy importante para no acabar mal con los que duermen a su lado.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de agosto de 2018. Título original: Under the tree / Undir Trénu. Duración: 89 min. País: Islandia, Dinamarca, Polonia, Alemania. Dirección: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson. Guion: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson, Huldar Breiðfjörð. Música: Daníel Bjarnason. Fotografía: Monika Lenczewska. Reparto principal: Steinþór Hróar Steinþórsson, Edda Björgvinsdóttir, Sigurður Sigurjónsson, Lára Jóhanna Jónsdóttir, Þorsteinn Bachmann, Selma Björnsdóttir. Producción: Netop films, Profile Pictures, Madants, One Two films. Distribución: La Aventura. Género: drama, comedia. Web oficial: http://laaventuraaudiovisual.com/buenos-vecinos/

Crítica: ‘Mentes poderosas’

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Sinopsis

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Cuando unos adolescentes desarrollan misteriosamente unas poderosas habilidades, son declarados una amenaza por el gobierno y detenidos. Con dieciséis años, Ruby, una de las jóvenes más poderosas que jamás se han encontrado, escapa de su encierro y se une a un grupo de adolescentes fugitivos que buscan un refugio seguro. Pronto su nueva familia se da cuenta de que, en un mundo en el que los adultos en el poder les han traicionado, escapar no es suficiente, y deberán iniciar una resistencia usando sus poderes para volver a tener el control de su futuro.

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Crítica

Romance y fantasía adolescente con poderes y poco gancho.

Tras haber estado inmiscuida en la animación de la primera parte de ‘Kung Fu Panda’ y sido la directora de la segunda o formado parte de proyectos como la serie animada de Spawn ahora Jennifer Yuh Nelson se ha embarcado en su primer proyecto con actores reales. ‘Mentes poderosas (The Darkest Minds)’ surge de la adaptación de la novela de Alexandra Bracken y narra la huída de una joven llamada Ruby en unos Estados Unidos en los que ha fallecido el 98% de los niños y el 2% de los supervivientes tiene poderes. Pero esos poderes son considerados una enfermedad y aquellos que la poseen son capturados y clasificados por colores y capacidades en campamentos que parecen casi campos de concentración.

Al ser estas habilidades tratadas como una enfermedad estamos ante una versión de súperhumanos del tipo ‘X-Men’ o ‘Héroes’. De hecho al igual que en la película  ‘X-Men orígenes: Lobezno’, que también era de Fox, sucedían algunas cosas que vemos calcadas en esta película, como el final del personaje interpretado por Gwendoline Christie, la famosa Brienne de ‘Juego de Tronos’ o el Capitán Phasma de ‘Star Wars’ que se convierte aquí en toda una implacable caza recompensas. O se intuye también un guiño a la famosa escena del campo de concentración en el que Magneto está recluido de pequeño. Y no son solo estas casualidades las que nos dan un sabor a cómic o serie. El colorido del diseño de producción, nombres de entidades como «La Liga» o la aventura tan juvenil que vamos viendo nos dan la sensación de que en un formato más fraccionado esta historia se habría consumido mejor. De hecho hay partes, como la del campamento inicial o el viaje en furgoneta que me da la impresión que se desarrollan de una manera más extensa en la novela y en la película se han plasmado de un modo más atropellado.

La película cuenta con rostros conocidos como Bradley Whitford (‘Déjame salir’), Wade Williams (‘Prison break’), Gwendoline Christie (‘Juego de Tronos’), Mark O’Brien (‘La llegada’)… e incluso la protagonista, Amandla Stenberg, que ya trabajó en ‘Los juegos del hambre’. Porque si hay una tónica que se repite en ‘Mentes poderosas’ es la de las sagas de adolescentes. El sabor a películas como ‘El corredor del laberinto’ o ‘Divergente’ está muy presente, mejorando o viéndose superada en diferentes aspectos a esos títulos. Al igual que esas recientes películas ‘Mentes poderosas’ no está mal ejecutada técnicamente pero si tiene algunos fallos argumentales y clichés machacados que se ponen de manifiesto desde su inicio.

Pero más que su narrativa, que atiende a la demanda de las modas actuales, lo que lastra la película es el poco gancho de sus protagonistas. Jóvenes actores que no tienen una fuerte personalidad ni una gran presencia ante la cámara y cuyos roles hemos visto representados muchas veces en otras películas. Se salva como siempre el secundario cómico que es sobre el que se descargan las frases más «ingeniosas». No lo tienen nada fácil tampoco estos intérpretes que además se enfrentan al reto de contar una historia que no es solo de ciencia ficción o fantasía si no que también es romántica y se ve frenada bastante por sus escenas amorosas y ya de por sí tiene poca acción.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de agosto de 2018. Título original: The darkest minds. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Jennifer Yuh. Guion: Chad Hodge. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Kramer Morgenthau. Reparto principal: Amandla Stenberg, Harris Dickinson, Mandy Moore, Gwendoline Christie, Bradley Whitford, Wade Williams, Mark O’Brien. Producción: 21 Laps Entertainment. Distribución: 20th Century Fox. Género: adaptación, ciencia ficción, romance. Web oficial: https://www.mentespoderosas.es/

Crítica: ‘El rehén’

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Sinopsis

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Un antiguo diplomático norteamericano (Jon Hamm) se ve envuelto en una operación de espionaje en el Líbano que le hará enfrentarse a un pasado traumático. Deberá rescatar a un viejo amigo, agente de la CIA, secuestrado por unos terroristas. En el camino se enfrentará a una trama llena de engaños y traiciones y con implicaciones de alto nivel político.

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Crítica

Un thriller político donde cada minuto vale oro

Dirigida por Brad Anderson (‘El Maquinista’) y con guión de Tony Gilroy (‘Saga Bourne’) nos llega esta semana ‘El Rehén’, un thriller que no va a dar mucho que hablar, pero que si es merecido su visionado.

Realmente es una cinta que no nos cuenta nada nuevo, una guerra, un rehén y las típicas conspiraciones de distintos países intentando cada uno conseguir beneficios de toda esta situación. Pero aunque la historia sea tan sencilla reconozco que la película me ha tenido enganchada desde el principio.

Cuenta con un ritmo muy llevadero, poco a poco vamos conociendo a todos los personajes con los que vamos a lidiar durante 109 min. El pasado de Mason Skiles, el protagonista de la película, es un punto clave para conocer por donde van a ir los tiros en este thriller donde la política, los espías y las negociaciones con terroristas harán que disfrutemos de una buena sesión de cine al más puro estilo de las novelas de John Le Carré.

Jon Hamm (‘Mad Men’) es el encargado de dar voz y cuerpo a un hombre destrozado que es de nuevo requerido en su antiguo trabajo, Mason Skiles. La desesperación y tristeza de su mirada hacen posible que nos creamos realmente esta historia.

Rosamund Pike (‘Perdida’) es su compañera en esta aventura en la que se ha visto metido, tampoco es que haga un papel enorme, pero sí que es cierto que se agradece ver un personaje como el de Rosamund que tiene todo bajo control en esta historia llena de incertidumbres.

En el reparto también encontramos a Dean Norris (‘Breaking Bad’), irreconocible por su apariencia pero estupendo como siempre, Mark Pellegrino, Colin Stinton, Nick Holder, Kate Fleetwood, Leia Behti, Hichame Ouraqa, Khalid Benchagra o Yoav Sadian, entre otros.

La historia no está basada en hechos reales, pero te introducen tan bien en el contexto de la Guerra Civil de Beirut, que bien podría ser una historia real. Además también utilizan el caso de la masacre de Munich, para darle más consistencia a todo lo que nos están contando, tanto que dudas si realmente si es algo que ocurrió en la realidad. Es algo muy loable y que me ha gustado mucho, pues han creado una historia muy veraz.

En general como he dicho nada más comenzar, ‘El Rehén’ no va a dar mucho que hablar, pero sí que es una muy buena opción para meternos en la sala de cine y disfrutar de un buen thriller.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de agosto 2018. Título original: Beirut. Duración: 109 min. País: Estados Unidos. Dirección: Brad Anderson. Guión: Tony Gilroy. Música: John Debney. Fotografía: Björn Charpentier. Reparto principal: Jon Hamm, Rosamund Pike, Mark Pellegrino, Dean Norris, Shea Whigham, Jonny Coyne, Larry Pine, Jay Potter, Alon Abourboul. Producción: Radar pictures, Bleecker Street MEdia. Distribución: DeAPlaneta. Género: Thriller. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/el_rehen

Crítica: ‘Solo’

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Sinopsis

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Fuerteventura. Septiembre de 2014. En busca de la ola perfecta, el joven surfista Álvaro Vizcaino se precipita por un acantilado en la zona más inaccesible de la isla.  Lo que iba a ser una increíble jornada deportiva  se transforma en 48 horas de agonía extrema.

Con el cuerpo malherido y la cadera rota, deberá vencer a una naturaleza implacable y hacer frente a sus propios miedos para intentar sobrevivir .

Basada en hechos reales.

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Crítica

A pesar de su ritmo ‘Solo’ va más allá de la literalidad de su título proponiendo una autorreflexión.

‘Solo’ es una película que empieza con una potente puesta en escena, haciendo uso de un plano aéreo que nos cautiva con la belleza de Fuerteventura y nos pone en situación en tan solo unos segundos.

Hasta aquí todo bien hasta que empiezan los típicos flashback donde podemos conocer un poco más de nuestro protagonista principal y las personas que forman parte de su vida. Pronto encontramos una relación de amistad y sobre todo otra amorosa que serán las protagonistas de las secuencias que no forman parte de los hechos que acaecieron, los de la “aventura” de este surfista que se vio solo en una situación al borde de la muerte. Es en esa mezcla de momentos solo y recuerdos o evocaciones al pasado o a otras situaciones las que empiezan a lastrar esta historia. Es subjetivo, pero debo decir que el ritmo se diluye entre cada transito, y además para no volver a recuperarlo.

Esta es una película de la que ya hemos visto varias versiones en el cine. Una persona que tiene un accidente en plena naturaleza y se queda completamente sola a su suerte y obligada a poner a prueba su capacidad de lucha por sobrevivir. Me viene a la memoria el ejemplo de ‘127 horas’. Con esto quiero referirme que para mantener el ritmo hay que hacer que no decaiga la historia, y usar bien los tiempos para que el engranaje sea el correcto. Aquí creo que no se consigue.

Una explicación a esto es la falta de un guión un poco más elaborado que ayude a ello, quizá la falta de química entre los actores o la propia dirección de los mismos. Quizás un poco de todo. El caso es que no mantiene esa tensión necesaria que requieren este tipo de historias, algo que considero clave para que la película sea buena.

A remarcar la fotografía, aprovechando el magnífico paraje donde está rodada, el buen hacer de la banda sonora y algunos planos con mucho sentido. Como ya me he referido antes las interpretaciones carecen de la “quimica” suficiente para que el conjunto remonte.

No quiero dejar de recordar que soy muy fan de que me cuenten historias basadas en hechos reales, y conocer esta me ha enseñado una vez más algunas partes de la pasta de la que está hecho el ser humano: una mezcla de amor, instinto de supervivencia y autorreflexión constante. Aquí el título de ‘Solo’ pretende ser algo más que la interpretación literal de lo que pasa en el filme, pretende ir más allá, al interior de uno mismo y provocarnos  que nos hagamos preguntas sobre la soledad y la muerte. Eso lo aplaudo.

Lo más bueno: A nivel técnico, fotografía, banda sonora… y la ya mencionada reflexión que plantea.

Lo menos bueno: El guión y el no conseguir mantener la tensión al espectador.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de agosto de 2018. Título original: Solo. Duración: 92 min. País: España. Dirección: Hugo Stuven. Guion: Santiago Lallana, Hugo Stuven. Música: Sergio Jiménez Lacima. Fotografía: Ángel Iguacel. Reparto principal: Alain Hernández, Aura Garrido, Ben Temple, Leticia Etala. Producción: Miramar Media Entertaiment, Playa Jarugo AIE. Distribución: Filmax. Género: drama, hechos reales, aventuras. Web oficial: solo.filmax.com

Crítica: ‘Los Increíbles 2’

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Sinopsis

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En «Los Increíbles 2» de Disney•Pixar regresa la familia de superhéroes pero esta vez la protagonista es Helen (voz de Holly Hunter). Bob (voz de Craig T. Nelson) se queda en casa con Violeta (voz de Sarah Vowell) y Dash (voz de Huck Milner) y se ve obligado a convertirse en un héroe de la vida «normal». Es una transición difícil para todos, y lo será más aun cuando la familia se dé cuenta de los súper poderes del bebé Jack-Jack. Además, aparece un nuevo villano que trama una conspiración brillante y peligrosa. La familia y Frozono (voz de Samuel L. Jackson) deben encontrar la forma de volver a trabajar juntos, algo bastante complicado a pesar de que todos son Increíbles.

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Crítica

Reíd y disfrutad con ‘Los Increíbles 2’

Hace ya 14 años se estrenó la que sería una de las cintas más serias de Pixar, no es un drama ni mucho menos, pero si que quizás le faltase algo del humor al que nos estaban acostumbrando. Admito que cuando la vi en el cine salí bastante desencantada, es más no la había vuelto a ver hasta hace muy poco. Al revisarla puedo decir que aunque en los temas técnicos no ha envejecido nada bien, su historia engancha y divierte.

Dicho todo esto como una pequeña introducción, esta familia de superhéroes que no solo tiene que acabar con los malvados, sino que además deben tener una vida familiar «normal», vuelve de una manera apoteósica. Quizá la historia puede ser previsible, quizás haya muchas cosas que os puedan recordar a la primera, pero da igual, las risas que os vais a echar con estos superhéroes van a ser tantas que os vais a olvidar de las pequeñas fallas.

Brad Bird vuelve a encargarse del guión y de la dirección, el director de ‘Misión Imposible: Protocolo Fantasma’ nos trae una cinta muy fresca para estos calores que estamos teniendo este año en España. Decir que es una verdadera pena que se haya estrenado tan tarde por culpa del Mundial de Futbol, los niños merecían ver esta película mucho antes que el 3 de agosto. Pero bueno, quizás así la cojan con muchas más ganas.

El tema feminista entra en la película de una manera muy directa, donde una Elastigirl, cansada de tanta tarea del hogar, es llamada para que comience una gran campaña para que los superhéroes vuelvan a ser bien vistos después de todo lo ocurrido en la primera cinta. Así que vemos las dos caras, una mujer que se siente realizada al poder volver a su trabajo como heroína y a un padre con superpoderes que se ve colapsado y un poco envidioso de la fama de su mujer, eso sí, se le va olvidando todo según pasa la trama, pues a su hijo Jack Jack, le van apareciendo los poderes poco a poco y no tiene momento de aburrimiento.

Los personajes están bien diferenciados y a la vez se complementan bien, los hijos que han descubierto que lo de ser héroes les gusta mucho, no entienden como les pueden obligar a no mostrar sus habilidades. Se les da mucho más protagonismo en esta cinta, la frustración y el nerviosismo por ayudar se ve claramente en ellos.

Luego tenemos como siempre a una perfecta Edna, esa pequeña modista que no hace más que criticar a sus clientes. Además conoceremos a dos hermanos que están dispuestos a ayudar a la familia con su increíble marketing. Una clara referencia a la actualidad donde sin publicidad no eres nada.

Como he dicho anteriormente, la primera parte de ‘Los Increíbles’  ha envejecido bastante mal a nivel técnico, las texturas y movimientos de los personajes son bastante rudos, pero claro, han pasado ya 14 años y puedo decir que el cambio es notable y que sin duda os asombrarán mucho la nueva animación.

La música vuelve a ser de Michael Giacchino, además del tema principal podremos escuchar nuevas canciones llenas de acción y diversión.

Antes de terminar comentaros que antes de la proyección de la cinta tendréis el visionado, como nos acostumbra Disney-Pixar, de un corto llamado ‘Bao’, no lleguéis tarde porque os va a encantar.

Poco más que añadir a esta crítica, que llevéis a vuestros hijos, que la disfrutéis y que si os piden de nuevo ir al cine, hacedles caso, merece mucho la pena.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de agosto de 2018. Título original: ‘The Incredibles 2’ Duración: 118 min. País: Estados Unidos. Dirección: Brad Bird. Guión: Brad Bird. Música: Michel Giacchino. Reparto principal: Voces de Craig T. Nelson, Holly Hunter, Sarah Vowell, Huck Milner, Catherine Keener, Samuel L. Jackson, Bob Odenkirk, Brad Bird. Producción: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures. Distribución: Walt Disney Pictures. Género: Animación.

Crítica: ‘Misión: Imposible – Fallout’

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En ocasiones, hasta las mejores intenciones pueden volverse contra nosotros. En ‘Misión: Imposible – Fallout’ nos encontramos a Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo en el FMI (Alec Baldwin, Simon Pegg, Ving Rhames), junto con algunos aliados conocidos (Rebecca Ferguson, Michelle Monaghan) en una carrera contrarreloj después de una misión fallida. Henry Cavill, Angela Bassett y Vanessa Kirby también se unen al dinámico reparto, mientras que el director Christopher McQuarrie vuelve a ponerse al timón.

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Crítica

Cruise fascina con su entrega pero Cavill y Ferguson dejan extasiados

El Ethan Hunt de Tom Cruise ya ha alcanzado seis películas, hemos llegado a la Misión Imposible 6, MI6 si lo reducimos, como el servicio secreto para el que trabaja James Bond. Bromas aparte, Cruise aparece dando un extra y con ganas de aportar aún más. Acción desbordante y mucho humor se vive en las más de dos horas de esta nueva ‘Misión Imposible’ que está cargadísima de proezas inimaginables que se pasan en un suspiro. Persecuciones, peleas, tiroteos, saltos al vacío… Pocas cosas le faltan a esta película que ha sido dirigida de nuevo por Christopher McQuarrie y escrita también por él.

La traslación al cine basada en los personajes de la serie de Bruce Geller continúa bajo la batuta de McQuarrie  bajo la atenta mirada de J. J. Abrams. Y es que parece que desde que el propietario de Bad Robot se comprometió con la franquicia esta metió la directa y desde que se involucró Christopher McQuarrie la cosa se aceleró de una manera logarítmica. Si la anterior película, ‘Nación secreta’, ya fue una sorpresa en todos los sentidos, ‘Misión: Imposible – Fallout’ no se queda atrás. En la mayoría de los aspectos la saga se supera. Tan solo peca en que en esta ocasión lo que tenemos ante nosotros no es una historia elaborada, de hecho es de lo más simple y aunque como siempre no puede ir más directa al grano se convierte en una trama la mar de sometida al espectáculo. Es muy fácil encontrar películas de agentes en la sombra mucho más intricadas que esta, eso desde luego, pero la virtud de este filme es introducirnos en una concatenación de persecuciones y contiendas. Tiene una cascada de secuencias de acción que parece no tener fin.

En esa serie de hazañas que vamos viendo rodadas con más de un plano impecable contemplamos como realmente Tom Cruise se ha desvivido por la veracidad de lo que sucede delante de la cámara. Me quito el sombrero por la dedicación de Tom Cruise no solo hacia esta saga sino hacia ‘Misión: Imposible – Fallout’ en particular. Sabemos que se ha jugado el tipo (de hecho se ve en pantalla), se ha entregado a fondo para que parezca que por su personaje no han pasado los años y tendrá algunas escenas con dobles pero en su mayoría se palpa claramente que es él quien ejecuta los movimientos. Y ni los efectos visuales ni los trucajes de ordenador pueden maquillar eso. Cuando alguien siente tanto amor por un personaje se nota y se agradece ¡bravo!

Ya queda demostrado que los deportes de riesgo deben ser pecata minuta para Ethan Hunt. Pero algo muy importante que vemos en ‘Fallout’ es que no solo Cruise es el que nos monta el show. Esta cinta tiene todo lo que un largometraje de agentes secretos debe tener. Escenas peligrosas, affaires, mentiras arriesgadas, juego de traiciones, momentos de tensión… Sobre todo cierra tramas estableciendo un nuevo punto final con un villano que apenas abre la boca. Sean Harris demuestra ser un enemigo a la altura de la saga pero aún así no es a quien me refiero, no es la estrella de la película. Obviando el claro protagonismo de Tom Cruise, destacan Henry Cavill y Rebecca Ferguson. El primero con el mostacho que tanto dio que hablar en el momento de ver ‘Liga de la Justicia’. La segunda continuando con su impertérrito personaje de esta saga. Soy muy defensor del Superman de Cavill pero tras haberle visto en esta película me alegro de que haya conservado ese bigote que ha evitado fallos de rácord en ‘Fallout’. Ambos actores nos dan unas escenas de lo más vibrantes y están inmiscuidos en los momentos más destacados del filme: la lucha a tres en el baño, la amplísima y turística persecución por París, el impresionante salto en paracaídas, las peleas cuerpo a cuerpo…

Este filme podría considerarse como un cierre de saga pero lo cierto es que continúa con una serie de películas que siguen entrelazándose entre sí. Largometrajes que continúan respetando el espíritu de seguir haciendo el más difícil todavía consiguiendo que el espectador pase por el aro, ya sea con la vistosidad de sus imágenes, con el carisma entrañable de sus personajes o con el mero hecho de abarcarnos con su música, que en esta entrega por cierto Joe Kraemer lo borda incluso hasta cuando recicla el famoso tema de la serie. Sin duda ‘Fallout’ es una entrada bien rentabilizada, tanto para el que busca emociones fuertes como para el que gusta del cine de espías, que si bien no se podrá comer mucho el coco al menos verá algunos guiños a otros títulos de esta licencia o de otros éxitos del género.

Ya viene siendo una sospecha habitual que cuando trabajan juntos McQuarrie y Cruise funcionan muy bien, pero es importante que les dejen hacer con libertad creativa lo que aman y lo que se les da mejor, ya se llame ‘Jack Reacher’, ‘Misión: Imposible’ o ‘Al filo del mañana’. El problema es cuando vemos que se salen de su ámbito ordinario. Queda claro que con este equipo reunido por Abrams se han conseguido mejores películas que las surgidas en los noventa y podemos considerarla una de las franquicias más efectivas y sinceras de la actualidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de julio. Título original: Mission: Imposible – Fallout. Duración: 147 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher McQuarrie. Guion: Christopher McQuarrie. Música: Joe Kraemer. Fotografía: Rob Hardy. Reparto principal: Tom Cruise, Rebecca Ferguson, Henry Cavill, Simon Pegg, Vanessa Kirby, Michelle Monaghan, Alec Baldwin, Angela Bassett, Sian Brooke, Ving Rhames. Producción: Paramount Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción. Web oficial: https://www.missionimpossible.com/

Crítica: ‘Siberia’

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Sinopsis

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Lucas (Keanu Reeves) se dedica al tráfico de diamantes y viaja a San Petersburgo para vender una rara variedad de diamantes azules de dudosa procedencia. Cuando el trato se va a pique, Lucas pone rumbo a Siberia para encontrar a su socio y recuperar los diamantes. Allí conoce a Katya (Ularu), propietaria de una pequeña cafetería, con quien empieza una relación. Según va aumentando la pasión entre Lucas y Katya, también van complicándose las ramificaciones del traicionero mundo de los diamantes. En medio de ese cóctel explosivo, Lucas intenta escapar de un mundo en el que parece estar atrapado.

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Crítica

‘Siberia’ nos deja helados.

Hoy os hablamos de ‘Siberia’ la nueva cinta de Keanu Reeves, dirigida por Matthew Ross (‘Frank & Lola’), el cual nos trae una película fría y que no convence al espectador.

Lucas (Keanu Reeves) es un traficante de diamantes con el que vamos hasta Rusia y allí, además de complicársele el negocio, se enamora de Katya. Hasta aquí todo bien, un thriller sin más, entretenido para el verano, pero no, la historia se pierde según avanza el metraje y lo único que hace es entrar en un eterno bucle del que no sabe cómo salir para llegar a un final desesperado.

El guión está escrito por Scott B. Smith, a partir de una historia de Stephen Hamel, productor de la película y socio de Keanu Reeves en la empresa Company Films, es de una muy baja calidad, donde lo único bueno que encontramos es el humor de los rusos, lleno de barbaridades, violento y sarcástico, pero que al menos ameniza los 104 minutos que dura la película.

Una de las virtudes de esta cinta es lo bien que han escogido los exteriores, la creación de la atmósfera y todo el vestuario, te adentran en Rusia, sus frías calles y su gente. Esto también lo logra la música, que aunque no me ha convencido, sí que es cierto que se identifica perfectamente con el país cuando la escuchas. Esta banda sonora está compuesta por Saunder Jurriaans y Danny Bensi, los cuales trabajan siempre juntos y nos han dado obras como las de ‘La autopsia de Jane Doe‘ o ‘Enemy’ entre otras muchas.

En el reparto, además de ver a Keanu Reeves, que está bastante flojo, tenemos a Ana Ularu, a la cual ya vimos en ‘Inferno’ y en la última película de Jaume Balagueró ‘Musa’. Su papel es sencillo y sin complicaciones, pasa la mayor parte del metraje desnuda y sirve como protagonista femenina del film, donde los hombres son los que mandan en una cultura machista y que no hace miramientos al sexo opuesto. Pasha D. Lychnikoff, Boris Gulyarin o Rafael Petardi son otros de los actores que podemos ver y que realmente hacen todo lo que pueden con un guión tan flojo como el que se les ha dado.

Creo que si se hubiesen centrado en la trama de los diamantes y poco más, hubiese sido un thriller bueno para el verano, pero intentan complicarse con la historia de amor, para terminar siendo una cinta donde el sexo se convierte en el verdadero protagonista de todo y nada más. Poco más que decir de esta cinta, que se estrena el 20 de julio en las salas de cine.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de julio 2018. Título original: Siberia. Duración: 104 min. País: Estados Unidos. Dirección: Matthew Ross. Guión: Scott B. Smith. Música: Danny Bensi y Saunder Jurriaans. Fotografía: Eric Zoretz. Reparto principal: Keanu Reeves, Ana Ularu, Veronia Ferres, Pasha D. Lychnikoff, Dmitry Chepovetsky, Derek James Trapp, Pascal Petardi, Vlad Stokanic.  Producción: Company Films, Saban Films, Mars Town, Elevated Films, Unbound Films, The Fyzz Facility, Buffalo Gal Pictures. Distribución: DeAPlaneta. Género: Thriller, romance. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/siberia

 Crítica: ‘Persecución al límite’

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Sinopsis

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Casey (Nicholas Hoult), un joven mochilero estadounidense que se encuentra en Alemania, se ha enamorado de Juliette (Felicity Jones). Cuando a ella le diagnostican una enfermedad mortal, Casey elabora un plan para robarle a Hagen (Anthony Hopkins), un peligroso criminal, y poder pagar el tratamiento médico que salvaría la vida de Juliette.

El plan de Casey, sin embargo, no sale como él espera. Tendrá que emprender una huida en coche por toda Alemania para salvar su vida y llegar a Juliette antes de que los hombres de Hagen la encuentren primero.

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Crítica

Sus artífices no vieron el límite y se chocaron

Con el amor por bandera se genera una historia de coches, drogas, dinero, matones y mandamases entre Nicholas Hoult y Felicity Jones. Un filme que nos promete ser excitante pero que ni de lejos es tan adrenalítico como la versión de ‘Mad Max’ en la que participó Nicholas Hoult hace pocos años. Busca dejar un sabor carismático, de autor, arrancando desde un punto que retomaremos a partir de la mitad de la película y con narraciones en off o frases que pretenden ser resultonas. Podría haber sido una sencilla película de acción pero algún fallo de guión garrafal y su carácter caricaturesco para actores tan consagrados o por otro lado para actores tan prometedores lo echan todo por tierra.

Esta es una película muy inferior, de relleno o compromiso para todos los actores que aparecen en su cartel. Por el contrario habrá sido un regalo para su director Eran Creevy quien si bien había dirigido antes a James McAvoy, Mark Strong o Daniel Kaluuya en esta película reúne a su mejor elenco hasta la fecha. Convierte a veteranos como Kingsley y Hopkins en gangsta o mafiosos de esos que hacen que las palabras estereotipo y parodia pierdan hasta su significado de lo que se repiten.

Los efectos visuales están un poco maquillados con cortes en el montaje y movimientos de cámara, lo cual puede parecer que juega a favor del ritmo de la secuencia pero también nos corta un poco la acción y nos resta información a la escena. Se nota que el director Eran Creevy intenta desbancarse de la espectacularidad del cine de acción norteamericano, buscando algo más la veracidad de las historias europeas. Pero en ese intento lo que consigue es una película de acción con protagonistas terrenales frente a villanos caricaturescos y cargados de clisés, como he señalado antes. Y pese a ello hay algún momento en el que el director se quiere lucir buscando momentos bellos, dentro del romance que viven ambos protagonistas.

El título original de la película es ‘Collide’, colisión y de eso no le falta al filme pues hay multitud de choques en las escenas con coches. Varios de ellos los sufre el protagonista interpretado por Hoult que milagrosamente sale prácticamente sin un rasguño y apenas mareado, para ser un largometraje que busca algo de realismo. Pero el otro título que se manejaba para el filme era ‘Autobahn (autopista)’ que es donde transcurre buena parte de la película. En esas autopistas alemanas con tramos libres de límites de velocidad donde no nos debe extrañar que no aparezcan policías debido a que haya unos cuantos descerebrados corriendo a toda mecha pero si debería llamarnos la tención que no haya nadie intentando detener a aquellos que están liándose a tiros. Aunque en este caso el director Eran Creevy si procura colocar a las autoridades en su sitio, por muy torpes que parezcan o a destiempo que lleguen.

Momentos románticos que provocan casi el vómito, persecución que no empieza hasta casi la mitad de la película, estrellas veteranas venidas a menos, guión cogido con pinzas… Lo peor de todo es que esta película se podría haber salvado con muy pocos arreglos, pero parece que con tanta velocidad nadie vio dónde estaba de verdad el límite.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de julio de 2018. Título original: Collide. Duración: 99 min. País: Reino Unido. Dirección: Eran Creevy. Guion: Eran Creevy, F. Scott Frazier. Música: Ilan Eshkeri. Fotografía: Ed Wild. Reparto principal: Nicholas Hoult, Felicity Jones, Ben Kingsley, Anthony Hopkins, Clemens Schick, Chico Kenzari, Aleksandar Jovanovic, Joachim Król. Producción: 42, Automatik Entertainment, Silver Pictures, MG Entertainment, DMG Entertainment, Hands-on Producers. Distribución: eOne Films. Género: acción, romance.

Crítica: ‘Happy end’

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Sinopsis

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A nuestro alrededor, el mundo, y nosotros en medio, ciegos. Una instantánea de la vida de una familia burguesa europea.

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Crítica

Haneke contra los acomodados

La familia Laurent os da la bienvenida a su casoplón. El clan aburguesado que ha ideado Michael Haneke recibe a sus visitantes con los brazos abiertos, pero no tanto a sus familiares más cercanos. Michael Haneke se ha hecho esperar cinco años desde su última película, uno por cada miembro de los Laurent. Esta familia posee unos individuos que en su afán de guardar las formas se relaciona más y mejor con personas fuera de su entorno cotidiano que con aquellos de su misma sangre. Pero dentro de ‘Happy end’ esta no es la crítica más voraz que lanza el cineasta contra la sociedad acomodada europea y para ello prepara diversas historias que le sirven de vituperio.

En buena parte de su inicio la película es cotidianamente aburrida. Muestra las desventuras y apuros ordinarios de personas normales y corrientes, teniendo en cuenta el alto nivel de vida de los Laurent. Solo descoloca el uso de tomas al estilo metraje encontrado o stories y ciertos comentarios que van a pareciendo. Hasta bien avanzado el filme no aparece el clásico Haneke, aquel que se dedica a desconcertarnos y a turbarnos. Con cada personaje procura crear un caso cada vez más retorcido con el cual burlarse de la clase media alta o de la humanidad actual por extensión. Lanza sus improperios camuflados en las taras de sus individuos y al final uno acaba hasta riéndose con las ideas tan macabras que pueden salir de la cabeza de este artista.

Trabajar  ambiguamente con la ironía y casi con la afrenta siempre ha sido algo que se le ha dado bien a este austriaco que además ha procurado trabajar con actores y actrices de otras de sus películas para que lo de siempre le salga bien. Jean-Louis Trintignant e Isabelle Huppert son dos de ellos que además vuelven a reunirse. En el caso de Trintignant su participación es esencial e inquietante, pero en el caso de Huppert su trabajo es algo menos relevante. Dejan más poso los papeles de Mathieu Kassovitz o de la joven Fantine Harduin. Me sobra por ejemplo toda la parte de Franz Rogowski, quien si bien nos ha demostrado lo buen actor que es en películas tan recientes como ‘En tránsito’ no tiene aquí una oportunidad tan buena. El guion peca de que varias de las temáticas giren en torno a lo mismo aunque por lo general podemos distinguir tres o cuatro asuntos. Las narraciones están entremezcladas, pero Haneke es tan buen director que pese a ello es capaz de contárnoslas sin que nos perdamos, clarificando poco a poco cada cuestión planteada.

Haneke es un director que contraría, de eso no hay duda. Es capaz de transportarnos de una comida en un lujoso comedor a la incómoda familiaridad de orinar con la puerta abierta. ¿Por qué separado  se escribe todo junto y todo junto se escribe separado? Haneke a veces es tan insondable y a la vez tan sencillo como esto.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de julio. Título original: Happy End. Duración: 107 min. País: Austria, Francia. Dirección: Michael Haneke. Guion: Michael Haneke. Fotografía: Christian Berger. Reparto principal: Isabelle Huppert, Jean-Louis Trintignant, Mathieu Kassovitz, Fantine Rogowski, Laura Verlinden, Aurelia Petit, Toby Jones, Hassam Ghancy, Nabiha Akkari, Philippe du Janerand, Dominique Besnehard. Producción: Les Films du Losange, X Filme Creative Pool, Wega-Film, arte France Cinéma, France 3 Cinéma, Westdeutscher Rundfunk (WDR), Bayerischer Rundfunk (BR), Arte France, Le Studio Canal+, Ciné+, Centre National du Cinéma, France télévisions, ORF Film, Fernseh-Abkommen, Filmförderungsanstalt, Eurimages. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=422

Crítica: ‘Hotel Transilvania 3: unas vacaciones monstruosas’

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Sinopsis

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Toda la familia de monstruos se embarca en un crucero de lujo para que por fin Drac pueda tomarse un descanso de proveer de vacaciones al resto en el hotel. Es una navegación tranquila para la pandilla de Drac, ya que los monstruos se entregan a toda la diversión a bordo que ofrece el crucero, desde el voleibol de monstruos y las excursiones exóticas, a ponerse al día con sus bronceados de luna. Pero las vacaciones de ensueño se convierten en una pesadilla cuando Mavis se da cuenta de que Drac se ha enamorado de la misteriosa capitana de la nave, Ericka, quien esconde un peligroso secreto que podría destruir a todos los monstruos…

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Crítica

Los residentes el hotel no pierden su frescura a la hora de refrescarnos

Recibimos en pleno verano la tercera parte de ‘Hotel Transilvania’, la saga animada de Sony Pictures Animation que tal vez le haya salido más eficiente a esta factoría en todos los sentidos. Pero en una tercera entrega ya toca transformar conceptos o introducir personajes, renovarse o morir, y de la muerte sabe mucho Drácula, el rey de los vampiros.

Precisamente Drácula acapara la mayoría del protagonismo en esta ocasión definitivamente y cae presa no de la muerte, si no de otras cosas: del estrés y del amor. A lo primero le ponen remedio unas impuestas vacaciones en un hotel flotante que es lo que le da título a esta tercera entrega. A lo segundo se le da salida de otro modo que descubriréis si vais a ver a la pandilla simpáticos engendros y no muertos. En las anteriores películas se jugaba con el miedo de los monstruos a ser descubiertos en su hotel por los humanos o a dejar de ser temidos por estos. Seguir quemando la interacción entre monstruos y humanos sería hervir demasiado la fórmula. Me parece correcto que se saque por completo a todos los personajes de su entorno y se haga mofa con ellos y con cada actividad de la época de estío. Además se hace uso de algunos elementos clásicos del terror y del misterio, sin profundizar en ellos, pero si de manera que a los pequeños ya les sonarán sus nombres cuando echen mano de las verdaderas obras clásicas u oigan hablar de las auténticas leyendas. Tendrán en su mente grabados ciertos nombres de igual modo que a nosotros nos han ido sonando otras icónicas historias tras ver títulos como ‘Buenas noches señor monstruo’ o ‘The monster squad’.

Pero no solo se familiarizan los pequeños con las leyendas urbanas, las criaturas del terror clásico o de la literatura. Con ‘Hotel Transilvania 3: unas vacaciones monstruosas’ pueden descubrir lo que es desde el steampunk hasta las rave, por mucho que estas últimas entren en un final que me ha dejado bastante disconforme. Y por supuesto  tienen su mensaje, aunque no demasiado potente en esta ocasión. Lo importante es que ven multitud de payasadas macabras que pueden hacer gracia también a los adultos que entren a la sala equipados con un chip ingenuo o con ganas de ver a las criaturas más terroríficas desde un punto de vista tontorrón.

En la versión original es Adam Sandler quien sigue poniendo voz a Drácula. Comparar voces tan chistosas como la suya o la de Mel Brooks o Steve Buscemi es bastante arriesgado. Pero los registros que aportan Dani Martínez, Santiago Segura o Mario Vaquerizo son más que competentes, en el caso de Vaquerizo lo he dicho en anteriores ocasiones y no me da reparo repetirme por mucho hater que haya. Me pega la voz del personaje para Macarena García pero ya sea por costumbre o por que se le daba mejor he echado en falta a Clara Lago.

En el plano técnico si se percibe alguna bajada de calidad. No solo en la recreación de los fluidos o pelos, si no al darnos cuenta en los muchos fondos que vemos vacíos o desenfocados y las muchas localizaciones estáticas que se han empleado.

En líneas generales, como comentaba al principio, me parece una buena salida la que se ha escogido para airear a la saga, para ventilar el hotel y que no comience a oler a rancio o a manoseado. Lo dicho, el tramo final y la resolución del filme lo más reprochable para el director y guionista Genndy Tartakovsky que cierra así su monstruosa trilogía, cogiéndose un tiempo de asueto con sus criaturas. Pero oye, cuando lo veáis ya me diréis si no hay paralelismos con la realidad, si no tenemos ciertos bellacos que se han ido de rositas con un simple «lo siento mucho» y aquí no ha pasado nada.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de julio de 2018. Título original: Hotel Transylvania 3: Summer Vacation. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Genndy Tartakovsky. Guion: Michael McCullers, Genndy Tartakovsky. Música: Mark Mothersbaugh, Tiësto. Reparto principal (doblaje español): Santiago Segura, Arturo Fernández, Dani Martínez, Mario Vaquerizo, Alaska, Macarena García, Cristina Castaño. Producción: Columbia Pictures, Sony Pictures Animation. Distribución: Sony Pictures. Género: animación, secuela, comedia. Web oficial: www.hotelt3.com

Crítica: ‘No quiero perderte nunca’

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Sinopsis

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A raíz de la pérdida de su madre, Paula tratará de encontrar y expulsar de su casa, y sobre todo de su cabeza, a sus propios fantasmas. En ese viaje interior ella se perderá en el mundo de la confusión y oscuridad en el que acabó su madre. Dirigida por Alejo Levis y protagonizada por María Ribera, Carla Torres, Aida Oset  y Montse Ribas. Un drama sensorial sobre nuestros propios fantasmas.

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Crítica

Fantasmas del pasado que nos arrastran a la locura.

Alejo Levis nos trae una cinta donde la cordura se pierde para dar paso a una locura incesante que logra introducirnos en la mente de Paula, una muchacha que busca a su madre, y demostrarnos como nuestros propios fantasmas pueden destruirnos.

He de decir, que ‘No quiero perderte nunca’ quizás no sea una cinta para todos los públicos, pero sí que merece la pena el visionado, pues aunque en un principio no sea la película que vais buscando, os dejará huella sin duda.

Tiene como protagonistas a tres mujeres, Paula (María Rivera) y su pareja Malena (Carla Torres) que se van a vivir a la antigua casa de la primera y la madre de ésta, pero otra de las grandes protagonistas es esa casa, llena de fantasmas, de recuerdos que pesan y no dejan avanzar.

Alejo Levis hace un gran trabajo de rodaje, es impresionante, no es una película de terror pero sí que hay secuencias en la que logra crear una tensión digna de una cinta de género, el encierro de Paula en su propia mente, él como la casa se convierte en gran laberinto del que la protagonista no puede escapar.

María Ribera da la cara en esta película y nos muestra a una actriz dura y que logra en un momento mostrarnos todas sus caras, drama, comedia, locura.

Sí que es cierto, que lo que quizás menos me ha gustado de ‘No quiero perderte nunca’ es su teatralización, parece una obra de teatro y creo que para una película que te da tanto sensitivamente, hace que pierdas un poco esas sensaciones al ver conversaciones un poco forzadas o tan exageradas.

La fotografía es muy bonita, sencilla, llena de pequeños detalles, logra confundirte, hace que estés atento a objetos que no sirven para nada, pero que toman su sentido según avanza la historia. Los colores son muy apagados y con ello también nos da la visión de la gran depresión que tiene Paula. Gina Ferrer, que ha trabajado en ‘Matar al padre’ es la encargada de regalarnos estas imágenes.

Otro de los puntos a destacar es la música, llena de blues y sintetizadores que hace que haya escenas en las que te explote la cabeza, pero que realmente es lo que pretenden, hacernos enloquecer y que no sepamos que es verdad o lo que no es.

‘No quiero perderte nunca‘ es un ejercicio magnífico donde su director logra hacernos sentir, ya sea miedo, estrés, tensión, pena, e infinidad de sentimientos. Una obra que como he dicho al principio, no es para todo los públicos, pero que transmite tantas cosas que aunque sea extraña, una vez terminado el visionado da mucho que hablar.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de julio de 2018. Título original: No quiero perderte nunca. Duración: 78 min. País: España. Dirección: Alejo Levis. Guión: Alejo Levis. Música: Jordi Joan García. Fotografía: Gina Ferrer. Reparto principal: María Ribera, Carla Torres, Aida Oset, Montse Ribas. Producción: Life and Pictures. Distribución: Begin Again Films. Género: Drama.

Crítica: ‘Mary Shelley’

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Sinopsis

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Mary Shelley desvela la historia de la joven Mary Wollstonecraft Godwin (Elle Fanning) y su ardiente y tempestuosa relación con el poeta romántico Percy Bysshe Shelley (Douglas Booth). Ambos sienten un flechazo inmediato al conocerse y ante la oposición de la familia de Mary a su noviazgo, la pareja decide huir, acompañados por la hermanastra de ella, Claire (Bel Powley).

Los altibajos en su relación se agudizan durante su estancia en la casa de Lord Byron (Tom Sturridge) en Ginebra y es allí donde Mary concibe la idea de Frankenstein, cuando, como juego, se propone a todos los invitados escribir una historia de fantasmas.

Pero la sociedad de ese momento concede un nulo valor a las mujeres escritoras y con tan solo 18 años, Mary se verá obligada a desafiar estos prejuicios  para proteger su trabajo y forjar su propia identidad.

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Crítica

Cuando la inspiración es consecuencia de causas y efectos

Al igual que su monstruo de Frankenstein, Mary Wollstonecraft Godwin (Elle Fanning), posteriormente conocida como Mary Shelley, nació con la necesidad de forjarse una identidad a marchas forzadas en un mundo que le rechazaba como novelista e incluso como lectora de terror. La autora debía hacer valer su peso como escritora y mujer creadora de ficción. A su vez, la directora Haifaa Al-Mansour fue la primera mujer en Arabia Saudí en dirigir una película con su opera prima ‘La bicicleta verde’ (2012). Por lo tanto esta es una película que habla sobre la incomprensión, sobre la detección de los verdaderos monstruos y sobre el maltrato del mundo falocentrista. La película abarca tres planos diferentes, uno ficticio y metafórico (el de la criatura hecha a retales de cadáveres), otro basado en hechos reales y otro que transita por nuestra actualidad. Esta trilogía de historias comparte el mismo eje temático que con los años por desgracia sigue siendo causa de lucha social.

Pero tampoco es que ‘Mary Shelley’ sea una película que se haya rodado con fines propagandísticos. Cuesta percibir realmente si se ha querido narrar el germen de ‘Frankenstein’, una biografía con una historia de amor, una pugna de una mujer en un mundo de hombres o un compendio de todo ello. La verdad es que le falta algo de sustancia al filme. Sí que es cierto que el feminismo está muy presente ya que se hace hincapié en la figura de su madre la feminista Mary Wollstonecraft, mostrando por ejemplo que lee y escribe recostada en su tumba. Y por supuesto su carácter reclama una posición de independencia y reconocimiento constantemente. Pero la narración expone esos otros puntos a los que prestarles atención durante sus dos horas de duración, diluyendo bastante el tono y haciendo predominar el amorío y la vida de infortunios ante todo.

En la película vemos a dos de ‘Juego de Tronos’ que irónicamente a pesar de volver a compartir título aún así no son capaces de coincidir en un set de rodaje. Maisie Williams como Isabel Baxter y Stephen Dillane como el político y escritor William Godwin, padre de la protagonista. Al segundo le oímos decir «el que ama la lectura, tiene todo a su alcance». El filme persigue un ideal tan idílico de la época como ese. Palabras que le vienen que ni pintadas a la vida de Mary Shelley ya que su relación con el poeta Percy Shelley (Douglas Booth) le hizo llevar una vida de lo más anárquica. Los ideales románticos y el amor libre se intentan imponer ante las exigencias y prejuicios sociales. En ese descontrol la película se sumerge y pierde varias veces su ritmo y el dominio de su duración. Toca temas muy importantes que se pueden extrapolar a nuestros días, aunque podría haber resumido varios de sus tramos.

Estamos enmarcados en una época de poemas, creencias en el espiritismo, supersticiones… Actores como Douglas Booth ya se están doctorando en el siglo XIX tras películas como ‘Loving Vincent’, ‘Orgullo, prejuicio y zombies’ o ‘The Limehouse Golem’. Unos años en los que avances tecnológicos como el galvanismo encendieron las neuronas de algunos visionarios y dieron vida a obras tan alegóricas e icónicas como la que James Whale llevó al cine en 1931. Tanto entonces como ahora la ambientación es excelente. La elección de las texturas, luces y colores me parecen un acierto de lo más exquisito. La fotografía de David Ungaro y la música de Amelia Warner nos sumergen en un mundo de abandono, dejadez y represalias. Las mismas sensaciones que va sintiendo tanto el monstruo de Frankenstein, como las que siente Mary Shelley por su amado y editores, como las que ha sentido la directora Haifaa Al-Mansour en su país.

Con todo esto la película me ha gustado pues pensaba que pecaría de ser demasiado gótica o romanticona. Además sigo viendo que Elle Fanning es una actriz que me agrada en papeles que marcan la diferencia, como fue la sorpresa de la excéntrica ‘How to talk to girls at parties’ y eso que aún tengo pendiente ‘The Neon Demon’. Es capaz de sobrellevar la evolución de su personaje, pese a que se ve enmarcada en etapas muy dispares en un corto espacio de tiempo. Con una duración filmica más corta y algo más de definición en sus pretensiones la película habría sido más redonda, pero su mensaje llega sin necesidad de ser simbólica, algo que demuestra que por suerte en estos 200 años algo hemos avanzado.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de julio de 2018. Título original: Mary Shelley. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Haifaa Al-Mansour. Guion: Emma Jensen. Música: Amelia Warner. Fotografía: David Ungaro. Reparto principal: Elle Fanning, Douglas Booth, Bel Powley, Tom Sturridge, Ben Hardy, Maisie Williams, Joanne Foggatt, Stephen Dillane. Producción: Gidden Media,  HanWay Films, Parallel Films, Head Gear Films, Juliette Films, Metrol Technology, Sobini Films. Distribución: Filmax. Género: drama, romance. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/mary-shelley.91

Crítica: ‘El mejor verano de mi vida’

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Sinopsis

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Curro es un fantasioso vendedor de robots de cocina que sueña con un trabajo en el mundo financiero. En plena crisis de pareja y con fuertes deudas hace una promesa que no puede cumplir: si su hijo Nico de 9 años saca todo sobresaliente, le llevará a unas vacaciones inolvidables. El niño lo consigue y padre e hijo emprenden un viaje que les llevará a conocer gente y a vivir situaciones que jamás hubiesen imaginado y que cambiarán sus vidas.

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Crítica

Leo Harlem empuja con su chispa para que la película permanezca en marcha.

Hay actores o personajes que empiezan como secundarios pero cuyo éxito e impacto en el público hacen que de repente se conviertan en las estrellas de su show. Igual que Bart Simpson se ganó su protagonismo en ‘Los Simpson’ gracias a su carisma o Javier Cámara hizo lo propio en ‘7 vidas’ Leo Harlem acapara la atención de los focos allá por donde va. Tras haber eclipsado a todos en televisión con sus sketches y monólogos y haber estado presente en ‘Villaviciosa de al lado’, ‘Gym Tony’ o ‘Torrente 5’ con más o menos relevancia ahora Leo Harlem tiene por fin un papel de protagonista absoluto en ‘El mejor verano de mi vida’.

La película de Dani de la Orden le convierte en Curro. Un manchego licenciado en empresariales y optimismo que a base de vivir de sus sueños o aspiraciones se endeuda hasta las cejas y se halla al borde de perder a su mujer e hijo. Para colmo si no consigue muchas ventas en su frustrante trabajo será despedido. Para levantar el ánimo de su hijo e incentivarle en sus estudios le promete unas vacaciones de ensueño. El problema llega cuando se ve en el compromiso de cumplir dicha promesa desde la situación de estar sin blanca. Como en la anterior película del director, ‘El pregón’, hace uso de la comedia, aunque busca hacernos reír a partir de un tipo de humor diferente.

Leonardo González Feliz, Leo Harlem, actúa aquí interpretando a Curro. Un currante, que se haya en un trabajo que es tan voraz como la jungla del pasado Harlem pero que siempre está feliz y transmite buen rollo. No conozco a Leo Harlem en persona y no sé si está haciendo de si mismo en la película. Pero desde luego su humor si está muy presente y es el gran atractivo del filme. El punto fuerte de la película son los chistes rápidos y campechanos del humorista, siguiendo la estela de sus monólogos. Su estilo sanote y nada ofensivo está en la línea del buen gusto de esta película que tengo entendido que es remake de una cinta italiana titulada ‘Sole a catinelle’. Su excelente secuencia inicial dotada de un gag tras otro nos introduce en una dinámica muy graciosa que tarda mucho en decaer.

Le siguen la estela a Harlem con muy buenos puntos los niños del filme, Alejandro Serrano y Stephanie Gil. Sobre todo está más presente y con momentos de gran naturalidad Alejandro Serrano, cuya voz nos narra la película. Ya estoy deseando verle en ‘Superlópez’ interpretando al héroe de Jan durante su infancia. También son un valor añadido los cameos o los pequeños papeles de actores como Berto Romero, Silvia Abril, Salva Reina… Aparecen muchos compañeros de ‘La que se avecina’ y de otras películas de Dani de la Orden. En especial me gustaría destacar el rol de Gracia Olayo que nos da unos instantes muy entrañables.

Lástima que este largometraje decaiga tanto a partir de la incorporación de los personajes de Maggie Civantos y Stephanie Gil, no por ellas si no por lo aún más inverosímil y enrevesada que se vuelve la historia y sus entornos. Sobre todo cuando vemos que a medida que se acerca su final la cosa se va convirtiendo en algo aún más casual e inverosímil. Ese es el problema de esta película, la crónica que nos narra, que es muy pobre y poco trabajada, demasiado circunscrita en los mismos personajes.

Dentro de la casi road movie acompañada de la desbocada lengua de Harlem hay una historia sobre la paternidad, la ambición, el optimismo, la vuelta a lo rural, lo tradicional y lo perjudicial de todo aquello que hacemos simplemente por postureo. Vamos, que Dani de la Orden nos quiere devolver a lo sencillo. Pero más que la historia o el mensaje de ‘El mejor verano de mi vida’ me han llegado sus gracias. Con un protagonista así se puede agradar a casi cualquier público, independientemente de lo que quieras contar, aunque habría sido redondo haber tenido una historia una pizca más cuidada. Si no fuese porque la chispa de Leo Harlem mantiene el motor de la película encendido al igual que lo haría en un motor de combustión el largometraje se habría apagado muy pronto.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2018. Título original: El mejor verano de mi vida. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Daniel de la Orden. Guion: Daniel Castro, Marta Suárez, Olatz Arroyo. Música: Zacarías M. de la Riva. Fotografía: Valentín Álvarez. Reparto principal: Leo Harlem, Alejandro Serrano, Toni Acosta, Maggie Civantos, Isabel Ordaz, Stephanie Gil, Jordi Sánchez, Gracia Olayo, Arturo Valls, Salva Reina, Antonio Dechent, Silvia Abril, Ricardo Castella, Berto Romero, Juana Cordero, Nathalie Seseña, Mariam Hernández. Producción: Álamo, Atresmedia Cine. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, remake.

Crítica: ‘Ocean’s 8’

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Sinopsis

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Cinco años, ocho meses, 12 días… y contando. Ese es el tiempo que lleva Debbie Ocean (Sandra Bullock) planeando el mayor robo de su vida. Y sabe muy bien lo que necesita: un equipo de las mejores en su campo, empezando por su compinche Lou Miller (Cate Blanchett). Juntas, reclutan a un equipo de especialistas: la joyera Amita (Kaling); la timadora callejera Constanza (Awkwafina); la perista Tammy (Paulson); la hacker Nine Ball (Rihanna); y la diseñadora de moda Rose (Bonham Carter). El objetivo es la bonita suma de 150 millones de dólares en diamantes, unos diamantes que colgarán del cuello de la actriz mundialmente famosa Daphne Kluger (Hathaway), que será el centro de todas las miradas en el evento benéfico del año, la Gala del Met. El plan es prácticamente infalible pero todo deberá ser perfecto si el equipo va a entrar y salir con el botín. Y todo a la vista.

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Crítica

Cuidado si conoces a algún Ocean que te puede desplumar o enganchar a sus correrías

Los Ocean vuelven a la carga pero esta vez no de la mano de George Clooney, si no de Sandra Bullock que de varias maneras coge el testigo. Ahora sabemos que la estirpe de los Ocean lleva en la sangre el placer por robar y también que son capaces de arrastrar a otros a sus elaborados planes. ¿Qué nos ofrece la secuela tras tres películas de ‘Ocean’s’ a parte de todo un elenco nuevo compuesto por mujeres? Se planifica un robo distinto e imposible y se incorporan personajes nuevos que refrescan la saga que partió de un filme de 1960 también repleto de estrellas. La conexión entre los personajes está menos fundamentada y la relación entre las actrices despierta menos simpatía al tener peor dinámica entre ellas. Pero esta secuela, hay que tener presente que esto es una continuación directa, tiene la capacidad de entretenernos y posee varios atractivos.

La película la mantienen momentos puntuales de unas u otras protagonistas o todo el trabajo de Anne Hathaway. De todas las intérpretes es la que mejor encarna su rol y más creíble resulta. Rihana sigue sin encontrar la senda de la interpretación pero esta película le hará bien a la carrera de otras actrices, como es el caso de Mindy Kaling que a pesar de proceder de algo tan bueno como ‘The Office’ ha tenido el patinazo de ‘Un pliegue en el tiempo’. Y para ayudar a ganar interés además del elenco principal se ha mantenido la costumbre de la trilogía anterior. Se hace todo un desfile, a veces casi literal, de famosos y famosas que le dan a la película ese juego de huevos de pascua que tanto gusta. Tiene detalles del estilo como que en una toma en la que aparece una pared de nichos los nombres de los fallecidos son miembros vivos del equipo, como los responsables de los efectos visuales Frederick Lissau o Julie Long. También aparece la fallecida madre de Sandra Bullock, la soprano Helga M. Meyer. Además, como sospechábamos, tenemos algún cameo de las anteriores entregas.

En su aparición James Corden levanta bastante tanto el ritmo como la gracia de un filme que si bien es muy simpaticón no es una comedia pura y dura. Pero esa es la línea que marcó Steven Soderbergh en sus películas y como productor de esta habrá velado por que se conserve. En esta ocasión ya no dirige su trilogía pues ha sido capitaneada por Gary Ross. Un director muy solvente y eficiente que antes ya obtuvo buenos resultados con películas como ‘Seabiscuit’, ‘Los hombres libres de Jones’ o ‘Los Juegos del Hambre’. Se ha hecho cargo de la dirección y la escritura de ‘Ocean’s 8’ junto a Olivia Milch manteniendo el estilo original aunque con menos gancho. Incluso se repite algo el esquema de ‘Ocean’s eleven’ comenzando con la vista de una presidiaria, incluyendo un despecho amoroso y destacando a dos personajes del resto como cabecillas (Sandra Bullock y Cate Blanchet).

El plan de robo lo he visto menos elaborado que en otras entregas, por lo menos más falto de sofisticación y en su ejecución con algunos fallos. Pero se conserva la elegancia y la limpieza de la saga, así como el descaro y picaresca de los guiones. Es más, no tiene ninguna prisa para presentar y recolectar a todo el reparto y nos lo va presentando con calma. Eso se agradece pues ya hemos visto demasiadas películas que se tropiezan en su furor por poner a todos los personajes sobre la mesa.

Aparte de que tenga que soportar comparaciones con las originales y antigua esta continuación me da la impresión de que de haber sido la primera en estrenarse no habría tenido tanto éxito. En parte juega en su contra su título pues constantemente vemos a siete ladronas en el equipo y al final este número se amplía, a mi parecer a más de ocho y podemos imaginar quién falta. Pese a ello consigue ser una película de robos ágil, con los egos bien gestionados y con algunos atisbos de originalidad que le darán ideas al ladrón más pillo.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de julio. Título original: Ocean’s Eight. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Gary Ross. Guion: Olivia Milch, Gary Ross. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Eigil Byld. Reparto principal: Sandra Bullock, Cate Blanchet, Anne Hathaway, Mindy Kaling, Sara Paulson, Awkwafina, Rihana, Helena Boham Carter, Richard Armitage, Elliot Gould, James Corden, Dakota Faning, Shaobo Qin, Olivia Munn, Kim Kardashian, Katie Holmes.  Producción: Warner Bros. Pictures, Village Roadshow Pictures, Smoke House Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: comedia, acción. Web oficial: http://www.warnerbros.es/oceans-8