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Crítica: ‘D’Artacán y los tres Mosqueperros’

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Sinopsis

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D’Artacán es un chico impetuoso e inocentón que va a París para hacer realidad el mayor de sus sueños: unirse al cuerpo de Mosqueperros de su Majestad.

Una aventura de capa y espada llena de amistad, honor, justicia, acción y, sobre todo, muchísima comedia: ¡Uno para todos y todos para uno!

Una versión actualizada del clásico de los 80 inspirada en la novela más famosa de Alejandro Dumas.

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Crítica

Esta nueva versión tiene las cualidades que le pedimos a unos buenos mosqueperros

Seguro que un personaje icónico de la infancia de muchos que me estáis leyendo es D’Artacán. Aquella época de series repletas de protagonistas antropomórficos como Willy Fog, Sherlock Holmes o la más tardía Basket Fever, supuso una marca en la historia de nuestra televisión que retorna para abogar por una filosofía diferente de entretenimiento, aquella que puja también poros argumentos educativos sin dejar de lado la aventura.

1625 es la época en la que se ambienta esta aventura de duelos de espada y conspiraciones palaciegas. Por supuesto toda la aventura está inspirada en la obra de Dumas, a quien se le hace homenaje poniendo nombre a un barco, manteniendo claro está el carácter infantil de la serie de los 80. Lo más probable es que a muchos este nuevo ‘D’Artacán y los tres Mosqueperros’ le recuerde a la película de Stephen Herek pues está más presente en el tiempo y tiene pasos parecidos. Ante todo esta sigue siendo la odisea de un pequeño valiente acompañado del más glotón, el tremendamente lírico y el más rudo de los mosqueperros yendo por París defendiendo su  honor, la justicia y desmontando las artimañas del cardenal Richelieu.

Relanzamiento de lo que todos sabemos que ya era algo inspirado en la novela más famosa de Alejandro Dumas. Por lo tanto, había doble reto, seguir siendo fiel al espíritu de la obra de 1844 y además respetar la itnerpretación de la serie de los 80. Corriendo los tiempos que corren seguramente se mire con más detalle el hecho de si es fiel a la serie que a la ilustre obra de la literatura, de ahí los valores de nuestra sociedad o cultura pop. También se comparará con la inmensidad de obras animadas que vemos hoy en día. Pero creo que esta versión de ‘D’artacán y los tres mosqueperros’ saldrá bien parada pues cumple en todos los aspectos.

Quizá el estilo animación sea su punto débil. Por un lado permite mantener el diseño original de los personajes pero por otro hace que la acción sea un poco menos fluida y vibrante. Probablemente donde oigamos más críticas al respecto sea desde la opinión del público juvenil que actualmente está acostumbrado a historias con secuencias frenéticas. De nuevo en ese aspecto volvemos a la producción de los 80 apostando por una versión que busca como puntos fuertes otros aspectos. Por otro lado, hay que decir que tiene diversos flashbacks y para llevarlos a cabo se realiza una doble vuelta al pasado, pues además de retroceder en la historia volvemos a la animación 2D, acercándose ahora sí al público más adulto tirando de nostalgia total. También debo decir que tenía grabado su sonido en la memoria y he echado de menos la voz de Eduardo Jover para D’Artacán, no obstante el filme está bien doblado.

Esta nueva versión tiene las cualidades que le pedimos a unos buenos mosqueperros. La animación es correcta, genial, tiene valores que aportar a los espectadores jóvenes, destacable, es una aventura divertida e inocentona, innegable, sirve como buena adaptación de Dumas (para público infantil), era obligatorio y no se dejan eso en el tintero. Aunque el humor sea de lo más tontorrón prefiero quedarme con que al público de menor edad se le enseñan conceptos como el honor, la clemencia, la lealtad, la dedicación… eso ya coloca a este ‘D’Artacán y los tres mosqueperros por encima de muchas películas o series que solo buscan vender merchandising o ser saturadamente efectistas.

En la película un personaje traiciona a D’Artacán por unas monedas de plata. Por suerte podemos decir a grito pelado que esta serie no traiciona a su original y además reserva guiños como a David el Gnomo que también forma parte de aquella época brillante de nuestra animación. Además suma una excelente banda sonora de reserva acordes para la canción original en formato orquesta y coro. No me ha gustado tanto el tema de Cristina Ramos y Serafín Zubiri. Dura apenas un minuto pero es tan Disney que se sale un poco de los esquemas de la película, pese a que se suma a otro de los guiños a escenas de la serie original. De igual manera he visto innecesario volver a grabar con otras voces el clásico opening, de nuevo puede que el problema sea mío y que tenga mitificado lo bien que sonaba.

Considero además muy Importante la aparición de producciones españolas como esta teniendo en cuenta que venimos de un año en el que solo tuvimos ‘La Gallina Turuleca’ entre las nominadas a Mejor Película de Animación en los Goya. Es vital para nuestra cantera de la animación que se fomente su producción, sus visionados y su valor competitivo. Además la película ‘D’Artacán y los tres Mosqueperros’ cuenta con el beneplácito del creador/productor original Claudio Biern Boyd, no pido más.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de agosto de 2021. Título original: D’Artacan y los tres Mosqueperros. Duración: 84 min. País: España. Dirección: Toni García. Guion: Douglas Langdale. Música: Manel Gil-Inglada. Producción: Apolo Films, Cosmos-Maya. Distribución: A Contracorriente Films. Género: animación, aventuras. Web oficial: https://dartacanlapelicula.com/

Crítica: ‘Jinetes de la justicia’

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Sinopsis

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El militar Markus debe regresar a casa con su hija adolescente, Mathilde, cuando su esposa muere en un trágico accidente de tren. Todo parece ser simplemente mala suerte, hasta que Otto, experto en matemáticas y también pasajero de tren siniestrado, aparece con sus dos excéntricos colegas, Lennart y Emmenthaler. Otto está convencido de que alguien está detrás de todo esto.

A medida que las pistas se acumulan, Markus tiene claro que todo podría haber sido un asesinato cuidadosamente orquestado, en el cual su esposa terminó siendo una víctima aleatoria.

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Crítica

Un grupo que se nutre de su casualidad y causalidad

Un fatídico suceso en un tren termina con la muerte de una mujer que acompañaba a su hija ya que se les había estropeado el coche y a esta le habían robado la bici. Uno de los supervivientes se alía con sus colegas y el viudo de esa mujer para esclarecer los hechos pues sospechan que no fue un accidente.

Pensaba que este era un filme cuya fuerza residiría en estallidos de violencia y comedia negra. Y la verdad es que ‘Jinetes de la justicia’ explota esos dos aspectos, pero si me ha dejado huella es por otra razón. Dos de los protagonistas son expertos matemáticos, obsesionados con la probabilidad. Con ellos se desarrolla un hilo que demuestra que a veces las cadenas de casualidades llevan a pensar más en la causalidad que en lo fortuito. Las matemáticas pueden ser una garantía de certeza, pero cuando hablamos de estadística e introducimos el impredecible factor humano dejan de ser tan infalibles. El filme de Anders Thomas Jensen demuestra eso al estilo corolario, cual postulación algebraica.

A parte de tratar muy bien todo el tema causa-efecto la película desarrolla un discurso sobre el sentimiento de grupo y el enfoque de la vida. El equipo de investigadores justicieros está compuesto por un militar despechado y unos excéntricos geniecillos que han de entenderse si quieren salir exitosos en su cometido y eso genera enfrentamientos y resoluciones la mar de peculiares, como decía antes, impredecibles. De un modo u otro todos se nutren psicológicamente de esta pintoresca relación que se establece entre ellos.

Mikkelsen encarna un personaje retraído y explosivo, un papel que tal vez no suponga un reto en su carrera pero que sin duda ha tenido que controlar para no perder la continuidad de su racord emocional. Y es que el resto del reparto protagonista de ‘Jinetes de la justicia’ tiene su drama pero se encarga de equilibrarlo todo con comedia y menos seriedad. La película tiene momentos que te descolocan, pero que uno acaba viendo que están inteligentemente buscados. Esos instantes nos los dan los momentos con Nikolaj Lie Kaas, quien vuelve a ganarme tras conquistarme con sus papeles en ‘Los casos del Departamento Q’.

Me atrevo a decir gracias a su apertura y cierre que ‘Jinetes de la justicia’ podría servir como un negro cuento navideño. Va más allá de vigilancia vecinal y su título viene de algo que seguro que no imagináis. Thomas Jensen nos rodea del habitual frío que congela las Navidades en el hemisferio norte, pero también aporta el calor hogareño y el sentimiento de familia que florece en esas fechas.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de agostode 2021. Título original: Retfærdighedens ryttere (Riders of justice). Duración: 114 min. País: Dinamarca. Dirección: Anders Thomas Jensen. Guion: Anders Thomas Jensen, Nikolaj Arcel. Música: Jeppe Kaas. Fotografía: Kasper Tuxen. Reparto principal: Mads Mikkelsen, Andrea Heick Gadeberg, Nikolaj Lie Kaas, Andrea Heick Gadeberg, Lars Brygmann, Nicolas Bro. Producción: Zentropa Entertainments, Film i Väst. Distribución: La Aventura. Género: comedia. Web oficial: https://www.ridersofjustice.com/

Crítica: ‘Cuestión de sangre’

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Sinopsis

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Bill Baker (Matt Damon) es un rudo operario de una plataforma petrolera estadounidense que viaja a Marsella para visitar a su hija, en prisión por un asesinato que afirma no haber cometido. Lejos de casa, las cosas no serán nada fáciles para un padre dispuesto a todo para demostrar la inocencia de su hija.

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Crítica

De esas películas que esconden más de lo que parece pese a su duración y sobriedad

Había visto a Matt Damon ejerciendo de padre en aquel chasco que fue ‘Suburbicon’. Pero hasta ahora no le había visto tan implicado con todo aquello que representa entregarse a una hija incondicionalmente, asumiendo un rol que ya le iba tocando, no solo por su edad, si no por abrir el abanico de papeles que ha interpretado.

‘Cuestión de sangre’ cuenta como un padre de Oklahoma debe viajar a Francia para poder ver a su hija ya que esta lleva años en una prisión de Marsella. Es un hombre que nunca ha tomado buenas decisiones y vive, como suele decirse, tirando. Durante la visita descubre que esa hija ha encontrado un hilo del que tirar para ser libre, pero es tan fino que no va a poder soportar su peso mientras sale del pozo. Esta es la historia de un hombre que no quiere perder la esperanza y sobretodo que no quiere que la pierda su hija, de ahí que actúe con el raciocinio cegado.

Si esta fuese una cinta con Liam Neeson tendríamos claro cómo se va a desarrollar. Pero la película de Tom McCarthy (que ha sido escrita a ocho manos) va por otros derroteros. Aunque podamos intuir qué pasos va a seguir el padre desesperado que interpreta Matt Damon el filme si consigue sonsacarnos alguna sorpresilla.

‘Cuestión de sangre’ es una película que muestra cómo pese a existir una relación conflictiva entre padre e hija la sangre pesa más. Además hace uso de uno de esos cruces de culturas que tan buen resultado suelen dar en pantalla. El americano católico y patriota conviviendo con marselleses acostumbrados a otros códigos de conducta. En ese choque social lo que más esgrime el filme es un arma antirracista. Pero con tanto metraje propuesto McCarthy debería haber empleado más tiempo a esas cuestiones que plantea y menos a lo trivial. Y es que la película esconde más que un sobrio drama familiar. Es capaz de hacer que puntualmente el espectador se cuestione sus prejuicios, pero al no poner el foco en ello esto solo sucede de manera pasajera, dejándonos el sabor de haber visto un drama más de los sábados por la tarde que un título de autor.

El filme rescata un detalle del principio al estilo para darnos su principal giro, pero este llega muy tarde. Su duración no me ha parecido justificada, algo que se me ha hecho evidente cuando ha conseguido ponerse interesante a falta de cuarenta minutos, cuando ha transcurrido más de hora y media. Se convierte ahí el filme en algo más que una historia paterno filial en la que decimos eso de “de tal palo tal astilla”, pasa a enarbolar argumentos de una historia de cambio de vida.

‘Cuestión de sangre’ es sobria, parca en giros y se cuenta sin artificios, tanto visuales como narrativos. Pero si uno se queda con algunas escenas o pequeñas reflexiones podrá decir que no ha perdido sus más de dos horas de metraje. Puedo destacar además dos momentos muy breves. Uno de ellos consiste en una escena entre policías, cenando. Muy sutil y rápida para mostrarnos como se puede sonsacar información y bucear entre prejuicios. La otra más graciosa. Me guardo una frase que dice el personaje de Camille Cottin cuando ve como Matt Damon convierte en una sopa de kétchup la comida de su hija (muy bien interpretada por Lilou Siauvaud): “cuando veo lo que coméis entiendo porque rezáis antes”.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de agosto de 2021. Título original: Stillwater. Duración: 140 min. País: EE.UU. Dirección: Tom McCarthy. Guion: Thomas Bidegain, Noé Debré, Marcus Hinchey, Tom McCarthy. Música: Mychael Danna. Fotografía: Masanobu Takayanagi. Reparto principal: Matt Damon, Abigail Breslin, Camille Cottin. Producción: 3dot productions, Amblin Partners, Anonymous Content, DreamWorks, Participant Media, Slow Pony. Distribución: eOne Films. Género: thriller. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/stillwater/

Crítica: ‘Charlatán’

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Desde muy joven, a Jan Mikolášek le fascinaron las plantas y sus propiedades medicinales. Pronto, se convirtió en uno de los mayores “sanadores» de su tiempo. En la época de la guerra y su posterior crisis, dedicó su vida a tratar sin distinción a ricos y pobres, a los nazis durante la ocupación y a los comunistas después de la guerra. Su popularidad acabó por irritar a las autoridades políticas.

Acusado de charlatán, Mikolášek tuvo que demostrar la validez de su ciencia durante su juicio.

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Crítica

‘Charlatán’ acaba siendo víctima de su propio título, vaticina más de lo que es

La historia de Jan Mikolášek es la historia de un jardinero que pasó a ser herbolario con fines sanatorios. Pero dadas las reticencias de la época y el régimen instaurado en la República Checa del siglo XX se convirtió en una historia de persecución, acusaciones y prejuicios. Está en tela de juicio el tratamiento que le dan en Rusia a los homosexuales y ‘Charlatán’ en buena parte se convierte en una película protesta, que critica a países como la Rusia actual, no sé si también de la República Checa actual.

Mikolášek nació en el imperio austrohúngaro, luchó en la I Guerra Mundial y murió en Checoslovaquia no sin antes sufrir la ocupación Nazi. No siendo ajeno a la situación política dedicó su vida indistintamente a curar a la gente a través de sus conocimientos botánicos, por lo menos así nos lo vende ‘Charlatán’. La dudosa eficiencia de las plantas le grajeó enemigos, sobre todo a raíz de que sus plantas se usaban para curar, pero sus diagnósticos surgían a partir de un análisis visual de la orina de sus pacientes.

La película parecía que iba a tratar sobre todo del juicio y encarcelamiento que sufrió Mikolášek pero en lugar de ello se convierte en un biopic que abarca su juventud, su transformación de jardinero a botánico y de ahí a un herbolario con una kilométrica cola en la puerta de su gran casa. Y además de eso es una historia de amor homosexual. Ciertamente nos hartamos de ver al protagonista viendo frascos de orina a trasluz y la película habría sido más interesante si se hubiese puesto más punzante con el tema de la represión a los gays o si hubiese tenido una vertiente más científica que defender en el juicio, que por otro lado solo sucede en los últimos compases del filme.

La cinta retrata al protagonista en varias épocas de su vida. Si veis parecido entre su versión joven y la adulta es porque padre e hijo interpretan al mismo personaje. Ivan Trojan y Josef Trojan hacen un gran trabajo y parece que se han compenetrado en comidas familiares para ejecutar actuaciones similares. Ambos encarnan a alguien que terminó siendo respetado pese a su regio carácter, ambos representan a una persona que es la encarnación del juramento hipocrático: curando a los demás con total desinterés hasta por su persona misma.

La película de Agnieszka Holland (‘The Wire’, ‘The Killing’) arranca con un último suspiro pero se alarga mucho más. ‘Charlatán’ acaba siendo víctima de su propio título, vaticina ser mucho algo superior pero se deja cosas en la superficie al no usar su tiempo para profundizar en ellas.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de agosto de 2021. Título original: Šarlatán. Duración: 118 min. País: República Checa. Dirección: Agnieszka Holland. Guion: Marek Epstein. Música: Antoni Lazarkiewicz. Fotografía: Martín Strba. Reparto principal: Ivan Trojan, Josef Trojan, Juraj Loj, Jaroslava Pokorná. Producción: Marlene Film Production, Madants, Film and Music Entertainment. Distribución: Vercine Distribución. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://marlenefilmproduction.com/en/projects/charlatan

Crítica: ‘Escape Room 2: Mueres por salir’

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Sinopsis

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‘Escape Room 2: Mueres por salir’ es la secuela del exitoso thriller psicológico que aterrorizó a espectadores alrededor del mundo. En esta entrega, seis personas se encuentran encerradas de manera inesperada en una nueva serie de escape rooms, revelando paulatinamente aquello que tienen en común para sobrevivir… y descubriendo que todos ya habían jugado el juego con anterioridad.

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Crítica

Igual de poco original, pero con mejores salas de escape

El 13 de agosto llega ‘Escape Room: Mueres por salir’ a nuestras salas de cine. Volvemos al juego de la mano de los creadores de la anterior cinta, director y actores vuelven a la carga a darnos más tensión dentro de una habitación.

Zoey obsesionada por todo lo que les hicieron quiere destapar y lograr meter en la cárcel a sus captores. Ben, está en deuda con ella y decide a su pesar ayudarla en todo lo que está planeando.

Tras ver diversas pistas, Zoey decide que su destino es Nueva York y que allí podrá tende una trampa a Minos, la empresa que realizó todo el juego. Pero por desgracia los que caerán en la trampa serán ellos, si no, no tendríamos nueva película que para ver este verano.

La primera película ya era poco original en cuanto a temática. Al final, hemos visto muchas películas similares de este estilo (aquí os hablamos de algunas de ellas). Pero si que es cierto, que la genialidad que tiene son las distintas habitaciones que vamos encontrando a lo largo de la cinta. Cada una distinta y turbia.

En ‘Escape Room: Mueres por salir’ ocurre exactamente lo mismo, sí que hay un pequeño giro al acercarse el final, pero nada del otro mundo. Sí que es cierto que es mucho más apresurada con todo. Vamos pasando de habitación en habitación sin un pequeño descanso, haciendo que todo sea demasiado rápido. Está bien, porque le da ritmo a una historia que ya nos han contado, pero a la vez estresa bastante. Cosa que logra que la película sea muy amena y que además no aburra.

Las actuaciones son creíbles,  sencillas, tampoco se les pide mucho más que sufrir con las distintas trampas. Caras nuevas en el reparto y por supuesto caras conocidas a través de los protagonistas y diversos flashbacks. Taylor Russell, Logan Miler, Indya Moore, Holland Roden, Thoman Cocquerel, Carlito Olivero… entre muchos otros son parte del reparto de esta nueva entrega.

Como he dicho, las salas también protagonistas y en esta segunda parte se lo han currado mucho más. Tenemos bobinas de Tesla, lluvia ácida o una bonita playa. En estas habitaciones nuestros protagonistas volverán a intentar sobrevivir y a darle al coco para no morir.

Así que ya tenéis una nueva excusa para asistir al cine y pasar una tarde-noche de tensión en las distintas habitaciones que les ofrecen a nuestros protagonistas de ‘Escape room: Mueres por salir‘. Un cinta sin complicaciones y que si os gustó la primera  parte no os va a defraudar.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de julio de 2021. Título original: Escape Room: Tournament of Champions. Duración: 88 min. País: EE.UU. Dirección: Adam Robitel. Guion: Maria Melnik, Daniel Tuch, Will Honley. Música: John Carey, Brian Tyler. Fotografía: Marc Spicer. Reparto principal: Taylor Russell, Logan Miller, Indya Moore, Holland Roden, Thomas Cocquerel, Carlito Olivero, Deborah Ann Woll. Producción: Columbia Pictures, Original Film, Shaken Not Stirred, Moonlighting Films. Distribución: Sony Pictures. Género: suspense, terror. Web oficial: https://www.sonypictures.com/movies/escaperoomtournamentofchampions

Crítica: ‘El Escuadrón Suicida’

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Sinopsis

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Bienvenidos al infierno, también conocido con el nombre de Belle Reve, es la prisión con la mayor tasa de mortalidad de USA. Allí están encerrados los peores Supervillanos que harán cualquier cosa para escapar, incluso unirse a la supersecreta y turbia Task Force X. ¿La misión de hoy?: actuar o morir. Y para conseguirlo hay que reunir a un grupo de supervillanos entre los que están Bloodsport, Peacemaker, Capitán Boomerang, Ratcatcher 2, Savant, Rey Tiburón, Blackguard, Javelin y la psicópata favorita de todos, Harley Quinn. Después, hay que dotarlos de todas las armas posibles y soltarlos (literalmente) en la remota isla de Corto Maltés, infestada de enemigos. Allí, el Escuadrón se abre paso por una jungla repleta de adversarios militantes y fuerzas guerrilleras. En su misión de búsqueda y destrucción, el único sensato es el Coronel Rick Flag pero tienen a los tecnólogos gubernamentales de Amanda Waller rastreando cada uno de sus movimientos. Y como siempre, un movimiento en falso y están muertos (ya sea a manos de sus enemigos, un compañero de equipo o la propia Waller). Si alguien quiere hacerse rico, deberá apostar contra ellos: contra todos ellos.

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Crítica

La película sin piedad que necesitaba esta franquicia

A la segunda ha ido la vencida. Esta es la película con mala leche, gore e imprevisibilidad que requiere un título como ‘El Escuadrón Suicida’. Tiene un sentido de la acción y una falta de compasión propia de los cómics originales que no logró la anterior y además consigue desmarcarse de otras adaptaciones comiqueras. Arranca con una escabechina y aunque el tono va mutando James Gunn sabe cómo mantenernos enganchados.

Obviamente con lo que todo el mundo va a comprar ‘El Escuadrón Suicida’ va a ser con ‘Deadpool’ por su nivel de gore y por su narrativa que avanza y retrocede en el tiempo. Esa similitud es innegable, pero a mí me recuerda más a ‘Doom Patrol’ por el carácter perdedor e inútil que tienen los protagonistas con sus curiosos superpoderes. Una chica que controla ratas, un hombre que tira lunares a la gente, una payasa lunática, un hombre que puede separar sus extremidades… Y una comadreja humanoide que nadie sabe para qué va a servir.

El carácter coral que tiene la película es uno de sus mayores atractivos. Nunca sabes en qué momento va a intervenir alguno de los antihéroes y lo más divertido es que nunca sabes cuál de ellos va a morir. Esa es la esencia de los cómics que en su día creó John Ostrander (el cual hace un cameo en la película) y que se suma a algunos trasfondos dramáticos que se unen a la historia. En concreto la faceta villana de Bloodsport (Idris Elba), el carácter emo de Polka-Dot Man (David Dastmalchian), la pesadumbrez de Ratcatcher 2 (Daniela Melchior) y lo mucho que llegas a odiar a Amanda Waller (Viola Davis) son los aspectos dramáticos que más se exploran en la película y que por otro lado también hacen que tengamos esos pequeños momentos de bajón.

Pero ‘The Suicide Squad’ no para prácticamente nada. James Gun corrige los fallos que tuvo David Ayer dando tanto protagonismo a Will Smith y con ello además aligerando el ratio de edad de la película. Aunque esta es una cinta con muchísimos momentos musicales no es un videoclip alargado como lo fue la anterior entrega y está constantemente salpicada de sangre. Para explicar esto debemos retroceder al pasado y recordar que James Gunn empezó trabajando con Kaufman y la Troma, su primer guión es el de ‘Tromaville’. Para quien no conozca esa productora era un estudio que sacó películas violentas y soeces como ‘El Vengador Tóxico’. De hecho Lloy Kaufman hizo un cameo en ‘Guardianes de la galaxia’ y hace otro aquí en un bar de alterne, muy apropiado. En ‘El Escuadrón Suicida’ se nota que este es el estilo de cine que realmente le gusta a James Gunn y que en películas como ‘Guardianes de la galaxia’ se vio un poco acotado por el cómic que adaptaba y la factoría para la que trabajaba. Recordemos también que Gunn se acomodó en su día haciendo películas muy burras como ‘Amanecer de los muertos’ e incluso ’13 fantasmas’, aunque no esté acreditado en esta última.

No obstante se sigue notando que es el mismo director de ‘Guardianes de la galaxia’ y con el tiburón que dobla Sylvester Stallone se marca un ‘Groot’. Pero el director retrocede un poco a sus orígenes usando más efectos tradicionales que CGI y haciendo una comedia al estilo ‘Super’ (su película con Rainn Wilson, Eliot Page, Liv Tyler) que en su tercer acto cede protagonismo a la acción. Una acción llena de músculo, locura y mucha ciencia ficción. El Escuadrón Suicida o Fuerza Especial X se enfrenta a villanos humanos y de otra índole además de tener encontronazos entre sí. Es genial la manera de ver una pelea reflejada en un casco o la secuencia de asesinatos en modo furtivo que protagonizan Bloodsport (Idris Elba) y Pacificador (John Cena). Y además esta es la ocasión en que Margot Robbie más se me ha parecido a la Harley Quinn de los cómics que me gustan, manteniendo el psicotrópico estilo de las anteriores entregas. Realmente podemos sacar algo memorable de cada uno de los personajes y esa es buena señal, seguro que dará pie a muchos cosplays grupales.

‘El Escuadrón Suicida’ me ha perdido un poco con tanta música y con los momentos en los que precisamente sale Taika Waititi y eso que me gusta mucho el autor de ‘Lo que hacemos en las sombras’. Pero son pequeños momentos que no ensombrecen un filme que nos divierte con sus idas de olla, como la de la madre de Polka-Dot Man o la secuencia romántica. También sus cameos, además de los ya mencionados por ahí veréis a Pom Klementieff (Mantis en ‘Guardianes de la galaxia’) o a Juan Diego Botto en un papel más extenso. Y el argentino no es lo único iberoamericano del filme ya que tiene muchos personajes que hablan en castellano y por ahí aparece varias veces en escudo del Barcelona.

Como decía Gunn regresa al tono de ‘Super’ o de ‘PG Porn’ pero incorporando la ciencia ficción que el presupuesto y los cómics originales le han permitido. ‘El Escuadrón Suicida’ nos devuelve al James Gunn sin pelos en la lengua justo a tiempo de aportarle al filme el estilo kamikaze que necesita. Además podemos decir eso de suicida en varios sentidos. El Escuadrón Suicida se lanza a sus misiones sin esperanza de éxito y como en los cómics eso pasa, esta es una carnicería. Y también es un salto al vacío ya que este filme no se corta un pelo y es sangriento, deslenguado y alocado. Quizá el hacer una película tipo R (es la primera así para IMAX) ya parezca arriesgado después de películas como ‘Kick-Ass’, ‘El hijo’ o ‘Deadpool’, pero con lo que está costando remar contra la dictadura de lo políticamente correcto…

Si queréis más os gustará la escena postcréditos porque ya nos prepara para la serie que está en fase de pre-producción. Y antes de ver esta nueva adaptación deceíta de Warner os recomiendo hacer como aquellos que monitorizan las misiones kamikaze de ‘El Escuadrón Suicida’ y montar una porra de la muerte (dead pool en inglés) para ver quién acierta más muertes. A más de uno os pagarán una cena seguro.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de agosto de 2021. Título original: The Suicide Squad. Duración: 135 min. País: EE.UU. Dirección: James Gunn. Guion: James Gunn. Música:  John Murphy. Fotografía: Henry Braham. Reparto principal: Margot Robbie, Idris Elba, John Cena, Joel Kinnaman, Jai Courtney, Peter Capaldi, David Dastmalchian, Daniela Melchior, Michael Rooker, Alice Braga, Pete Davidson, Joaquín Cosio, Juan Diego Botto, Storm Reid, Nathan Fillion, Steve Agee, Sean Gunn, Mayling Ng, Flula Borg, Jennifer Holland, Tinashe Kajese, Sylvester Stallone, Viola Davis. Producción: Atlas Entertainment, DC Comics, DC Entertainment, The Safran Company, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: acción, ciencia ficción, adaptación. Web oficial: https://www.thesuicidesquad.net/ 

Crítica: ‘El efecto Marcus (Los casos del Departamento Q)’

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Sinopsis

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Cuando Marcus, un chico gitano de 14 años, es detenido en el control fronterizo danés por estar en posesión del pasaporte de un funcionario desaparecido, el inspector de policía Carl Mørck y su equipo del Departamento Q reciben el encargo de encontrar la conexión que une ambos hechos. El caso contiene varios elementos sospechosos: El funcionario fue acusado de pederastia poco antes de desaparecer y su caso se cerró con una rapidez inusitada. Pero un silencioso y traumatizado Marcus se niega a dar detalles de todo lo que sabe y no tarda en huir de quienes pretenden matarlo por toda la información que conoce.

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Crítica

Una secuela que funciona más bien como reinicio

Parece que tanto el cine coreano como el danés están de moda o por lo menos llegando con fuerza. En lo que se refiere al país nórdico últimamente hemos visto como triunfaba en los Oscars ‘Otra ronda’, cómo nos enervaba ‘Shorta. El peso de la ley’, nos interesaba ‘El buen traidor’ o nos impactaba ‘Plan de salida’. La película que nos atañe hoy es un reencuentro pues supone la quinta entrega de las adaptaciones de ‘Los casos del Departamento Q’ y se llama en esta ocasión ‘El efecto Marcus’.

En esta ocasión sin pasar por cines y directamente a múltiples plataformas digitales nos llegan los detectives que muy exitosamente han soportado el salto de las novelas de Jussi Adler-Olsen  al formato largometraje. Pero este no es un reencuentro como nos habría gustado ya que hay muchos cambios (en cuanto a equipo) y eso se ha notado notablemente.

Ha cambiado tanto el director, como los guionistas, como la pareja que interpreta a los detectives principales del Departamento Q. No sé si han querido dar un giro a estas películas que yo creo que ya se pueden llamar franquicia o si las agendas de los implicados les ha impedido seguir con las pesquisas de esta unidad que se ve involucrada en los casos más oscuros y truculentos de Dinamarca. Uno de los actores que interpretaba al protagonista, Nikolaj Lie Kaas, aparece en ‘Jinetes de la justicia’, de la cual espero hablaros pronto.

El director es el mismo que el de ‘Land of mine. Bajo la arena’. Martin Zandvliet además se ha traído buena parte de su equipo habitual para esta película que pierde el tono sucio manteniendo la oscuridad. En ella un niño (Marcus) aparece con documentación de alguien que ha desaparecido cuatro años atrás y el caso acaba en manos de los responsables de los casos olvidados, el Departamento Q. Por supuesto la desaparición estuvo acompañada de asuntos feos y la historia cada vez se va enturbiando más y más. De un descubrimiento pequeño se tira del hilo y el problema se va haciendo más grande de lo que parece que pueden manejar los detectives. En ese sentido se nota al menos que el material procede de el mismo novelista.

No hace falta que hayas visto las cuatro películas anteriores para coger el hilo de esta, de hecho, es un filme que parece querer funcionar de manera independiente como cualquier otra película detectivesca o de neo noir. Si eres tan seguidor como un servidor de la saga percibirás que Ulrich Thomsen y Zaki Youssef como compañeros no tienen la misma química y no mantienen el racord emocional que habían alcanzados Nikolaj Lie Kaas y Fares Fares tras cuatro entregas. De hecho el personaje de Youssef es muy poco relevante en esta entrega. ‘El efecto Marcus (Los casos del Departamento Q)’ más que como una secuela hace las veces de reinicio en el que la historia ya está lanzada y no necesitamos que nos cuenten los origines, en ese sentido el filme es correcto y no hay quien pueda perderse detalles de la trama o de los tejemanejes de los protagonistas.

La pena es que ‘El efecto Marcus (Los casos del Departamento Q)’ es una película más de investigaciones donde nos vaticinan quiénes están en el ajo. Antes podíamos incluirlas en esas cintas donde la ética de la propia autoridad estaba emborronada y teníamos sorpresa al final, además de algo de humor sarcástico. Aunque haciendo justicia al filme por lo menos se mantiene que ambos policías siguen siendo de esos compañeros fieles que no obstante se cuestionan constantemente.

Hay un total de ocho entregas en papel sobre el Departamento Q y su autor tiene setenta años. Si los actores de esta nueva versión continúan con la traslación de la saga quizá alcancen el nivel de complicidad y comprensión de personajes que tenían los otros dos actores protagonistas. Ojalá sea así pues me gustaba mucho la tónica que seguía esta saga.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de agosto de 2021. Título original: Marco effekten. Duración: 125 min. País: Dinnamarca. Dirección: Martin Zandvliet. Guion: Anders August, Thomas Porsager. Música: Sune Martin. Fotografía: Aske Alexander Foss. Reparto principal: Ulrich Thomsen, Zaki Youssef, Sofie Torp, Anders Matthesen, Luboš Oláh, Henrik Noél, Lisa Carlehed, Zdenek Godla, Thomas W. Gabrielsson, Mads Reuther, Lousie Gammelgaard, Caspar Phillipson. Producción: Nordisk Film Production, Nadcon Film. Distribución: Vértigo Films. Género: thriller. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/el-efecto-marcus/

Crítica: ‘Mogul Mowgli’

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Sinopsis

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Zed es un joven rapero inglés de origen pakistaní a punto de dar el salto definitivo en su carrera: su estilo es audaz y sus letras punzantes, vindicando sus raíces sin renunciar a su proyección contemporánea. Cuando está a punto de iniciar su primera gira mundial, donde mostrará su dominio del escenario con tanta rabia como flow, decide visitar a su familia tras dos años sin verles. Allí, la fatiga y una extraña dolencia harán que su sueño peligre.

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Crítica

Un ‘Sound of metal’ con sabor pakistaní

Filmin nos ha permitido ver ‘Mogul Mowgli’, un título que ha incluido en su programación del Atlàntida Mallorca Film Fest y que por eso podemos decir que será estrenada el 31 de julio.

Si Filmin, Riz Ahmed y Bassam Tariq te suena a chino o a gafapasta quizá te pueda atraer este filme por su temática rapera y por descubrir cómo trabaja el director que Marvel supuestamente ha fichado para su nueva versión de ‘Blade’, que interpretará Mahershala Ali (‘Green Book’). Ciertamente me he fijado en cómo el director controla a su protagonista. Si busca esta introspección en el personaje de Blade podríamos decir que de nuevo Blade supondrá un cambio necesario para Marvel como ya lo fue en 1998. Pero desde luego la elección de planos y ritmos no es apropiada para una película de esas características.

Bassam Tariq busca el pasmo visual, el olvidarnos de las caras para fijarnos en los gestos y fragmentos. Con muchos planos detalle se centra en el simbolismo de las febriles escenas que dominan ‘Mogul Mowgli’. Este filme es una vuelta a las raíces hasta en el sentido sensorial, donde nos invitan a retomar el contacto con las texturas y ambientes de nuestro pasado.

Y por mucho que te fijes en cómo está dirigida acabarás centrándote en la interpretación de Ahmed. El actor, que se marcó un peliculón con ‘Sound of metal’, vuelve protagonizando y también escribiendo el guión, además de componiendo los temas que canta ya que además de actor es rapero. Es la película más autobiográfica que he visto de este intérprete e incluso diría que ha introducido en ella retales de vídeos caseros de su infancia además de pormenores de sus orígenes pakistaníes.

Ciertamente podemos decir que el actor se repite. En ‘Mogul Mowgli’ vuelve a interpretar a un músico que ve frustrada y detenida su carrera a causa de un problema de salud. Pasa de tocar la batería a rapear, de no poder oír a no parar de hablar. La diferencia con ‘Sound of metal’ es que esta es una historia mucho más étnica. Aunque igualmente es una cura de humildad, de esas que obligan a reordenar prioridades y sacar fuerzas de flaqueza, en ‘Mogul Mowgli’ se impone un componente social, histórico y cultural muy fuerte. Quién sabe, si hace una tercera del mismo corteo a lo mejor dentro de unos años estaremos hablando de una trilogía de culto que podríamos bautizar como la “trilogía del músico malogrado”.

Aunque el sabor sea hindú o pakistaní el filme es extrapolable a otras culturas. Nos invita a todos a no desarraigarnos, pero igualmente a poner en tela de juicio aquello que nos han intentado inculcar desde jóvenes. Cabría decir que los momentos más rabiosos de Riz Ahmed son los más eficientes al respecto, pero para mí funcionan mejor esos pequeños instantes en los que su personaje se da cuenta de qué le está o estaba influenciando. Se puede decir que interpreta a un cantante rabioso, pero no por su furia en el escenario, más bien por ver que otros cantando sobre groserías o cosas similares a lo que conocemos como “perreo”, tienen más éxito que él que canta sobre problemas de una etnia y una tierra con la que ya apenas tiene contacto. Y cabría decir también que más que rabioso su personaje es alguien resistente, y no en el buen sentido, sino resistente a ser resiliente con la situación que tiene. Porque, sobre todo en estos tiempos, se entiende resiliencia como resignarse y adaptarse, y más bien es aprovechar un contratiempo para extraer una oportunidad de mejora.

Hay dos aspectos que me han gustado particularmente de ‘Mogul Mowgli’. La película de Ahmed y Tariq tiene un ligero toque de terror con esa figura con adornos florales en la cara y un poco de manía perseguidora. Es un martirio para el personaje y algo inquietante para el espectador. Por último, el “Toba tek Singh” que además de dar pie a un momento catártico al final de la película viene a traernos de nuevo el tema de las raíces del actor y protagonista. Más en concreto nos traslada hasta los conflictos y nexos entre India y Pakistán de un modo bastante elegante y nada sensacionalista.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de julio de 20201. Título original: Mogul Mowgli. Duración: 89 min. País: Reino Unido. Dirección: Bassam Tariq. Guion: Riz Ahmed, Bassam Tariq. Música: Paul Corley. Fotografía: Annika Summerson. Reparto principal: Riz Ahmed, Anjana Vasan, Aiysha Hart, Nabhaan Rizwan, Alyy Khan, Sudha Bhuchar, Kiran Sonia Sawar, Hussain Manawer, Dolly Jagdeo, Mitesh Soni, Ahmed Jamal, Jeff Mirza. Producción: Pulse Films, BBC Films, Cinereach, Left Handed Films, RYOT Films, Vice Studios. Distribución: Filmin. Género: drama. Web oficial: https://www.filmin.es/pelicula/mogul-mowgli

Análisis del Blu-ray de ‘Monster Hunter’

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Conozcamos el proceso de traslación del juego a la gran pantalla

Ya ha salido a la venta ‘Monster Hunter’. No nos referimos a una nueva entrega del videojuego sino a la versión en formato físico de la película que convirtió en acción real el director Paul W.S. Anderson y de la que os hablamos aquí. Una producción que ha tenido diferentes acogidas entre los fans a pesar de contar con el beneplácito de sus creadores (como podemos ver en uno de los extras que más adelante os detallamos).

Tony Jaa interpretó a uno de los personajes clásicos de la franquicia en una historia que protagonizó junto a Milla Jovovich. Una trama que mezcló nuestro mundo con el del videojuego que tenía una primera parte digna de una película de terror. Y una segunda que pese a perder su impacto inicial estaba repleta de personajes y monstruos.

Más allá de su similitud con el videojuego ‘Monster Hunter’ resultó una película de aventuras entretenida en la que se producía un curioso diálogo a golpetazos entre sus dos protagonistas. El final del filme prometía segunda parte. De momento no sabemos fecha para la secuela pero si que hay intenciones y cosas preparadas para ella. De momento podemos ver de nuevo este live action y disfrutar de sus extras.

La edición que nos ha dado Arvi Licensing para este análisis está en formato Blu-ray. Pero se pueden comprar otras ediciones con distinta carátula en DVD y 4K UHD + Blu-ray. Además también se ha puesto a la venta una edición limitada en caja metálica 4K UHD + Blu-ray con una espectacular ilustración.

En cuanto a menús la barra de carga es la famosa espada que porta Tony Jaa. La música compuesta por Paul Haslinger acompaña a las secciones por las que podemos navegar, al igual que podemos ver una foto con Jovovich y Jaa ataviados como Artemis y Hunter. Todos los textos están en inglés, no obstante no es difícil llegar a los extras o saltar a la escena deseada.

La película en este formato puede verse en inglés, castellano francés DTS-HD Master Audio 5.1. También tiene servicio de audiodescripción en inglés 5.1 Dolby Audio. En cuanto a los subtítulos están disponibles inglés para sordos, inglés, castellano, francés, danés, holandés, finés, noruego, estonio, letón, lituano, sueco y árabe. El audio de los extras está todo en inglés con subtítulos en inglés, castellano, francés y holandés.

Extras (22 min. aprox.)

The Monster Hunters – Reparto y personajes (7:51 min.)

Comienza hablando sobre los personajes del videojuego que han aparecido en la película. Nos explican que la parte de nuestro mundo se ha introducido para poder explicar e introducir a los no jugadores en el mundo de ‘Monster Hunter’. De ahí pasamos a un repaso a todos los personajes, incluido el Almirante de Ron Perlman.

Un arsenal monstruoso – Las armas de la película (5:02 min.)

Las armas del juego tienen características y combos que te ayudan a derrotar a tan enormes criaturas. En la película no se hacen los combos pero cada personaje acaba haciéndose con un arma distinta. Aquí vemos como han sido reproducidas tomando como referencias imágenes de los videojuegos de Capcom.

Para los gamers – Del juego a la pantalla (6:40 min.)

Una parte vital era que se reprodujese bien a las criaturas del juego. Eso es de hecho lo mejor de este live action y aquí veréis como están calcados estos monstruos a los que nos encontramos cuando tenemos el mando en las manos.

Escenas eliminadas (3:19 min.)

Dos escenas descartadas del filme. Dos nuevos chistes contados por los militares mientras van en sus vehículos de combate. Sendos chistes sobre vaqueros que entran en una cantina, ambos culinarios y ambos un tanto asquerosillos.

Crítica: ‘Arcadeología’

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Sinopsis

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Arcadeología sigue los pasos de la asociación valenciana Arcade Vintage, pionera en el campo de la restauración de arcades, y responsable, durante los meses de rodaje de este documental, de la creación del primer Museo del Videojuego en España (Ibi, Alicante).

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Crítica

No apta para gamers envidiosos

Antes de los niños rata y los gameplays lo que se llevaba era el rey de la pista, la moneda de cinco duros, el modo de agarrar las palancas… La sala de juegos donde se reunían los jugadores no era un servidor de un desarrollador, era el salón recreativo del barrio. Los recreativos era un lugar donde se creaba un vínculo y se vivía el videojuego en compañía de un modo mucho más cercano que el que ofrece Twitch o cualquier otra plataforma de streaming. Y hablo en pasado porque es un culto al videojuego que por desgracia ya no existe de manera generalizada y que se ha convertido en una verdadera ciencia arqueológica.

Permitidme si en esta crítica me entusiasmo un poco con los términos pero el mundo de los videojuegos y las recreativas han sido una de mis pasiones desde que cogí el joystick de mi primera consola (una Atari) y desde que entré en aquellos recreativos en los que me enganché al ‘Sunset Riders’. ‘Arcadeología’ es un documental que da envidia al descubrir asociaciones como Arcade Vintage (Museo del Videojuego), Arcade.Cat (Barcelona), Arpa (Zaragoza) o Arcade Planet (Sevilla), las cuales han sido fundadas para asegurar la protección y preservación de los videojuegos, antes de que sus memorias se deterioren y se pierdan.

En febrero de 2020 visitamos la Game On y os lo contamos en nuestros stories de Instagram y también ese año os hablamos del documental ‘High Score’ que nos devolvía a los inicios de este hobbie que tanto dinero mueve hoy en día. ‘Arcadeología’ nos devuelve a nuestros primeros contactos y sensaciones con una palanca, un botón, una pantalla de tubo y la ranura para insertar moneda. Pero va más allá pues estas asociaciones están haciendo verdaderas proezas en cuanto a atesorar y revivir se refiere. ‘Arcadeología’ muestra el proceso de recuperación, reconstrucción o conservación de aquellas máquinas que nos hacían pasar horas delante de una pantalla sin necesidad de DLCs o actualizaciones. Trabajos que a veces llevan años.

El documental sigue a las asociaciones o miembros del mundillo mientras que nos va contando cómo se ha gestado el primer Museo del Videojuego en España, emplazado en una ciudad que siempre ha sido punta de lanza en eso de los juguetes como es Ibi (Alicante), más en concreto en el antiguo edificio de la marca Rico. Un museo así tenía que existir en nuestro país para evitar que se pierdan estos tesoros, que no solo tienen en el extranjero, que tenemos solo aquí pues vais a descubrir qué y cómo se desarrollaban arcades en nuestro territorio.

Que los videojuegos ya forman parte importante de nuestra cultura es innegable. Y toda corriente cultural o histórica ha de tener un museo. ‘Arcadeología’ es un documental que debe abrir los ojos a muchos, impulsar los movimientos que han de llegar hasta las instituciones. La digitalización e emulación de los videojuegos antiguos no puede ser lo único que hagamos para preservar este legado, es vital que las nuevas generaciones conozcan de dónde vienen sus Switch y sus juegos en formato apps. La película no solo habla de la gestación del museo, también de aquellos que se dedican a la retroingeniería, a la creación de juegos con estilo vintage, a la recuperación de material en papel publicado en la época… auténticas obras de arte moderno.

Vivir una experiencia enriquecedora es lo que nos venden las grandes empresas hoy en día. Alguien que nunca ha pisado un salón repleto de máquinas arcades no se imagina la experiencia de ruido, emoción, reto y socialización que allí se vivía. Esta película es capaz de transmitir eso además de mostrar cuánto esfuerzo hay detrás de ella y cuánta pasión por los videojuegos corre por las venas de sus entrevistados, todos ellos miembros de asociaciones, medios de comunicación, equipos de desarrollo…

Cuanto más se difunda esta película más máquinas se podrán salvar de terminar siendo usadas como un gallinero, literalmente cuentan haberse encontrado con casos así. Así podremos volver a jugar a máquinas inéditas o a tesoros como ‘Tron’.

En cuanto a lo técnico del filme se basa únicamente en reproducir entrevistas y a mostrar almacenes en los que un servidor se perdería. Además añade imágenes de los juegos o de sus tripas. Fotográficamente es admirable cuán bonita, retro y futurística a la vez, puede ser la visión de los cables, relés y placas de circuito impreso en la parte no visible de la máquina iluminados por las luces que se filtran a través de los paneles.

Como decía, este documental da pelusa. Envidia por tener el valor, los medios y el tiempo para dedicarse a los videojuegos, la historia de las arcades de esta manera, y lo digo como jugador de toda la vida y como ingeniero electrónico de formación. Os recomiendo pasar por su página donde ya de antemano tenéis información detallada de máquinas de su catálogo. ¿Compartimos afición? ¿Con qué juego te enganchaste a las arcade? ¿Cuál conservarías para la eternidad? En mi caso tengo que hablar de ‘Golden Axe’ y recreativas como aquellas que con cuatro mandos nos permitían jugar en grupo a ‘Gauntlet legends’ o ‘Las Tortugas Ninja’.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de julio de 2021. Título original: Arcadeología. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Mario-Paul Martínez. Guión: Mario-Paul Martínez. Música: Vyacheslav Kripak. Fotografía: Vicente Javier Pérez Valero. Reparto principal: Mario-Paul Martínez, José María Litarte, Octavio Martínez, Luis Alberto Gimeno, Eduardo Augusto Arancibia, Jorge López / Arcadio, José María Peinado, Joaquín Litarte, Alberto Rodríguez, Iñaki Diego Armesto, Diego Vicente Cano, David Martínez, Lara Isabel Rodríguez, Salvador Espín, Eduardo Cruz, María Jesús Morillo, Miguel Ángel Horna, Toni Piedrabuena, Víctor Tobar, Antonio Runa, Locomalito, Gryzor87, Juan Peralta, Ferrán Montesinos, Xavier Arrebola. Producción: Cinestesia, Á Mèdia, Massiva. Distribución: Cinestesia. Género: documental. Web oficial: https://www.arcadeologia.es/

Hemos vuelto a sentir el poder con ‘Masters del Universo: Revelación’

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Regreso a Eternia con el colorido y energía de la imaginación de un niño

Reconozco que tenía muchas ganas de ver esta serie por lo mucho que me gustaban los Masters del Universo de pequeño y por lo infalible que está demostrando ser el estudio de animación Powerhuose Animation. Y esto no condiciona que escriba estas líneas con mayor entusiasmo, al contrario, lo hago con una perspectiva muy crítica ya que ante todo lo que temía es que no se respetase el espíritu original, incluso por encima de la historia leída en los cómics o vista en su serie de los ochenta.

Los Masters del Universo fueron los primeros juguetes que coleccioné y de los que aún conservo una modesta colección de unas 25 figuras y artefactos. Reconozco que son todo un símbolo de testosterona y que conservo buen recuerdo por la inmensa cantidad de horas que los usé para jugar, de ahí que los mantenga aunque alguno tenga algún daño (abstenerse de preguntar compradores). Mattel hizo un trabajazo de marketing con una serie y unos cómics que venían con cada personaje contando su historia. Esos cómics fueron el germen de una afición por las viñetas que muchos agradecemos. La idea es que gocemos todos los niños de entonces de este regreso con ‘Masters del Universo: Revelación’ y que esta serie con una animación más moderna sirva para enganchar a los jóvenes de este siglo XXI.

Podría haber muchas mentes creativas aptas para este regreso de MOTU (Masters of the Universe) pero no me cabe duda de que alguien con conocimientos de fan y coleccionista como Kevin Smith es la persona ideal. A ello le sumamos Powerhuose Animation, el estudio que nos sorprendió con ‘Castlevania’ y luego reforzó su imagen con ‘Blood of Zeus’ o ‘Seis manos’ y nos ha dado como resultado una serie sublime, respetuosa con el original y atractiva  para todas las edades.

‘Masters del Universo’ siempre ha sido una serie sobre la amistad y el valor, en la que un personaje cobarde encontraba a través de su espada el coraje para enfrentarse al mal absoluto. No tenemos ese momento del final en el que He-Man hacía recapitulación y nos explicaba la moraleja pero ‘Masters del Universo: Revelación’ mantiene esos valores que enfrentaban la honestidad y la valentía a la ambición de poder. Se mantiene ese juego de alter egos entre He-Man y Adam que tanto recuerda a Superman y Clark e igual que se hizo con el Hombre de Acero en alguna ocasión se va más allá. Los personajes que eran cobardicas lo siguen siendo, el patetismo de Skeletor sigue yendo de la mano de sus ansias de destrucción… Se mantienen esos puntos tan característicos, incluidos los clásicos vehículos como Attack Trak o emplazamientos como es el indispensable Castillo de Grayskull.

Hablemos objetivamente de al serie, aparcando nuestro pasado e idilio con estos personajes, lo cual es difícil pues la serie arranca con ilustraciones al más puro estilo de los 80. Lo publicado consiste en 5 episodios de 25 minutos cada uno. Su ritmo es bueno y tiene momentos la mar de épicos. Profundiza y expande el universo ya conocido. Tiene una gran riqueza de personajes y el tono es en su mayoría infantil, aunque hay eventos que suben un poco la edad. Da la impresión de que reserva giros para sus últimos episodios, de momento lo más drástico que ha sucedido son algunas muertes y un cambio de dinámica inesperado.

Visualmente el diseño de personajes es muy fiel al original. Los protagonistas han sido amoldados al estilo Powerhouse manteniendo la estética de los juguetes y podemos reconocer al He-Man Puño de Trueno o al Skeletor Battle Armour que tanto se vendieron. La magia y los escenarios lucen espectaculares. Esta serie se mete desde el principio en los secretos de Eterna y lo hace con el colorido y energía de la imaginación de un niño.

También reconocemos a los personajes femeninos, un aspecto muy importante en estos tiempos en los que se busca hacer justicia con ese género. Recordemos que He-Man son personajes hipermusculados, una imagen atribuida tradicionalmente al género masculino. Recordemos también que son personajes de Mattel, quienes con sus Barbies han marcado como señoritas a generaciones enteras. Es verdad que los ‘Masters del Universo’ siempre han dado importancia a la Hechicera, a Teela y a Evil-Lyn, pero siempre han estado relegadas a un segundo plano. Netflix ya dio sus primeros pasos para corregir esto con la serie de She-Ra y ahora en esta serie y la trama secuela que introduce un evento nunca visto consiguen potenciar a esos personajes.

Yo me he visto ‘Masters del Universo: Revelación’ en versión original y reconozco que lo he hecho por el doblaje de Mark Hamill como Skeletor. Otro exitazo del actor que ya tiene mucha experiencia doblando a villanos como Joker, Chucky o El cienfítico de ‘Cristal Oscuro’. Sin entrar en polémicas de actores famosos doblando personajes debo admitir que el resto del casting me pega con aquellos a quienes ponen voz. Chris Wood es He-Man, Liam Cunningham (Davos de ‘Juego de Tronos’) es Ma-At-Arms, Sarah Michelle Gellar es Teela, Lena Headey es Evil-Lyn, Justin Long es Roboto, Jason Mewes es Skintor… todos muy correctos, la verdad es que se podría haber hecho un live action con este casting. Por curiosidad he visto un episodio en castellano y el doblaje es igual de bueno.

Había ganas de este reencuentro, más que necesario es beneficioso. Netflix escuchó la repercusión y el acierto que fueron documentales como ‘El poder de Grayskull’ o ‘The toys that made us’ y ha sacado una serie que además de tirar de nostalgia se rejuvenece de mejor manera que la fracasada versión de los noventa titulada ‘Las Nuevas Aventuras de He-Man’. Siempre ha habido un componente fantástico y de ciencia ficción en esta franquicia y Kevin Smith ha elaborado un guión que coge esos dos componentes y los enfrenta, magia contra ciencia, apañándoselas para introducir una inmensa cantidad de personajes que nos devuelven a nuestros muñecos preferidos con sorpresas como Scare Glow (doblado por Tony Todd) o Moss Man (Alan Oppenheimer).

‘Masters del Universo: Revelación’ justifica desde el primer episodio su nombre completa con Revelación, más adelante da aún más sentido a ese título y además nos dejan con cliffhanger. Es una faena pues de momento son solo 5 episodios pero no os preocupéis que habrá otros 5 y según la ficha de la serie en IMDB tendremos segunda temporada.

Crítica: ‘Space Jam: nuevas leyendas’

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Sinopsis

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LeBron y su hijo Dom quedan atrapados en el espacio digital de una fuerza todopoderosa y malvada llamada A.I. Para poder volver a casa, LeBron tendrá que con la ayuda de Bugs, Lola Bunny y toda la pandilla de los muy indisciplinados Looney Tunes. Juntos tendrán que derrotar a los campeones digitalizados de A.I. y deberán hacerlo en la cancha de baloncesto. Se trata de una lista espectacular de estrellas de del baloncesto como nunca se ha visto. Son los Tunes contra los Goons enfrentados al desafío más importante de sus vidas que servirá para transformar el vínculo de LeBron con su hijo y arrojará luz sobre el poder de ser uno mismo. Los intrépidos Tunes se saltan todos los convencionalismos, ponen en marcha sus singulares talentos y consiguen sorprender al «Rey» James jugando el partido a su manera.

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Crítica

Un reencuentro con los Looneys divertido y fanfarrón

Nuevas leyendas es el tagline para ‘Space Jam 2’. Y aunque los clásicos Looney Tunes están omnipresentes es cierto que las nuevas corrientes dominan el filme. Las nuevas maneras de entretenerse, las nuevas profesiones, las nuevas técnicas de animación, las nuevas franquicias…

Por supuesto el título también está destinado a engrandecer la figura de LeBron James y ya desde los créditos, como se hacía con Michael Jordan en la primera, nos muestran su carrera y gran parte de sus logros. Si comparamos lo que ha hecho en esta película con lo que hizo Jordan en la de aquel cinematográficamente maravilloso 1996, hay que decir que está por debajo. Ya no es solo la sensación de haber vivido esa película siendo un niño o de recordar a Jordan como uno de los mejores deportistas de la historia sino observando objetivamente el trabajo que ha hecho en esta película. El propio LeBron James en una reunión que sucede durante la película lo dice, “los deportistas no están hechos para la interpretación”, algo con lo que discrepo pues tenemos casos de sonado éxito como el de Arnold Schwarzenegger, Vinnie Jones o la carrera que se está labrando Carlos Librado Nene aquí en España. Esos actores han conseguido llegar lejos en mayor o menor medida y lo que hace aquí la estrella de la NBA se asemeja más a lo que hicieron en su día David Beckham, Helguera, Roberto Carlos, Casillas y compañía en ‘¡Goool 2!’, también algo por el estilo a lo que hizo Shaquille O’Neal en ‘Steel’. Me da la sensación de que el filme es consciente de eso y esa es la razón por la que prácticamente la mitad de la película vemos a LeBron James en versión animada y dicho sea de paso el doblaje al castellano seguramente le ha hecho bien haciendo parecer que su interpretación es mejor.

En cuanto al doblaje, que es algo que seguramente muchos quieran saber ya que ha habido polémica en las redes sociales, no es malo. En concreto en cuanto a las frases grabadas por Lola Índigo (Zendaya en la original) para el personaje de Lola Bunny son pocas y nada complejas, me lo había imaginado peor. El resto de personajes, aunque con algunas voces de los Looneys un tanto cambiadas, debe ser que el doblador ha cambiado con el tiempo, me parecen bastante correctas y fieles a lo original.

La trama se las apaña para mezclar a los actores reales con los dibujos. Estos últimos, además del estupendo villano interpretado por Don Cheadle, son los que hacen divertida a ‘Space Jam: nuevas leyendas’. Sobre todo cuando estos se desbocan y hacen sus trastadas y locuras. Hay una secuencia rapidísima y muy hilarante que se forma a base de crossovers que para mí es lo mejor de la película, cuando encuentra el ritmo y la tónica que piden estos tiempos. Cuando la película se posa en sus actores reales adormila los tiempos como un jugador que busca conservar el resultado e ir a lo seguro. Lo mismo que le pasaba a este director, Malcolm D. Lee, en ‘Scary Movie 5’. Eso sucede en los momentos de tema familiar en los que además me ha dado rabia ver a una actriz como Sonequa Martin-Green, que ha roto moldes con su Michael Burnham en ‘Star Trek: Discovery’, convertida en la clásica ama de casa preocupada y pepito grillo.

En líneas generales me lo he pasado bien. Siempre es bueno recuperar el contacto con los Looney Tunes, nunca pasan de moda, les animen en 2D o en 3D. Y es porque siempre han sido fieles a su estilo, lo cual es la temática del filme, dejar a los demás ser como quieran ser. Y esto lo hacen manteniendo tal cual eran a personajes como Speedy Gonzales, toma nota Disney, aunque no haya vuelto Pepe le Pew.

También hay que reconocer que este no deja de ser un pavoneo de franquicias en el que Warner muestra sus licencias y las de sus subsidiarias. Por eso tenemos guiños o chistes con ‘Mad Max’, ‘Matrix’, ‘Juego de Tronos’, ‘Harry Potter’ o todos los superhéroes de DC Comics o dibujos animados de Hanna-Barbera. Todos esos momentos están bien introducidos y justificados pues ‘Space Jam: Nuevas Leyendas’ nos lleva directamente a los servidores de Warner Bros. El único aspecto que desmerece la calidad de la película es que durante el partido los protagonistas se ven rodeados de un ejército de personajes de todo tipo de historias y estos están caracterizados por decenas de extras con disfraces más propios de una fiesta de Halloween que de una superproducción, podían haber convocado a cosplayers y seguro que habría quedado mucho mejor.

Da la impresión de que la película suple sus carencias y se justifica a partir de intentar que el espectador se distraiga encontrando personajes como los Gremlins, el Joker, La Máscara, Pennywise… todos bastante locos. Fue el mismo gancho de ‘Ready Player One’ o ‘Ralp rompe Internet’. Aunque tiene muchos más cameos para adultos que para niños ‘Space Jam: nuevas leyendas’ es una película muy apta para público infantil que se esfuerza en tener valores y ser muy divertida. Para los adultos, aunque se reserva alguna que otra sorpresa, pega demasiados bajones y se queda lejos de la de Joe Pytka.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de julio de 2021. Título original: Space Jam: A New Legacy. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Malcolm D. Lee. Guion: Sev Ohanian, Ryan Coogler. Música: Kris Bowers. Fotografía: Salvatore Totino. Reparto principal: LeBron James, Don Cheadle, Khris Davis, Sonequa Martin-Green, Cedric Joe, Jeff Bergman, Eric Bauza, Zendaya. Producción: Warner Bros., Aero Mock-Ups, Proximity, SpringHill Entertainment. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventuras, comedia. Web oficial: https://www.spacejamanewlegacy.net/ 

Crítica: ‘El Cover’

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Sinopsis

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Dani (Àlex Monner) ha heredado de su familia el amor por la música, una habitación llena de discos y el miedo al fracaso. Prefiere trabajar de camarero antes que malvivir de su sueño, como sus padres. Este año, como cada verano, Benidorm se llena de artistas que vienen a cantar en sus bares, hoteles y salas de fiesta. Allí Dani conoce a Sandra (Marina Salas), quien cambiará su forma de entender la vida.

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Crítica

Divertida, emotiva y sin duda un homenaje a los artistas de guerrilla

Secun de la Rosa nos regala un precioso homenaje a Benidorm y a sus músicos en su ópera prima, ‘El Cover‘. Solo puedo decir que salí del pase de prensa muy emocionada. No es una película que vaya de existencialista, pero sí que logra transmitir todo lo que sus personajes están sintiendo. Logra conmover y remover en nuestro interior sentimientos gracias a la música y a estos artistas que le dan todo el cariño de su ser a una profesión poco agradecida.

En ‘El Cover‘ conocemos a estos «artistas de guerrilla» que se dedican a imitar a sus cantantes favoritos, ya sea la vestimenta y por supuesto haciendo versiones de sus canciones, en los famosos locales de Benidorm. Dani, un chaval que lleva toda la vida huyendo de esta vida, prefiere vivir de camarero. Este año, conoce a Sandra y a su amiga Amy, ambas lograrán cambiar su forma de entender la vida.

Sin duda, el punto fuerte de la película son sus actores. Un reparto que lo da todo, canta, actúa y además se atreven en distintos idiomas.

Àlex Moner, que ya nos sorprendió en ‘La línea invisible‘, es el protagonista de esta cinta. Dani es un chico con sueños reprimidos pero con unas ganas de vivir y disfrutar enormes. Marina Salas, nos da uno de los papeles más bonitos de la película. Sandra, una chica con una ilusión y un amor hacia su profesión que logra contagiar a cualquiera que pase por su lado.

Pero sin duda la que más me ha impresionado, con su pequeño pero enorme papel ha sido Carolina Yuste, una Amy Winehouse alucinante. Su físico, su voz y el lograr copiar sus gestos, es algo que me ha dejado con la boca abierta.

En el resto del reparto encontramos a María Hervás, Lander Otaola, Juan Diego, Susi Sánchez o Carmen Machi. Todos ellos con papeles pequeños pero tremendamente importantes.

A parte de la música y el homenaje a estos artistas, la otra gran homenajeada es la ciudad de Benidorm, sus noches, llenas de neones, colores y gente de fiesta y sus días, más pausados, llenos de cafés y recuerdos de la buena noche.

‘El Cover’ es una película muy bonita, con mucha vida y sin duda una película que está realizada para ser disfrutada. Este 23 de julio llega a nuestras salas y solo puedo deciros que no os la perdáis, que cantéis y que os emocionéis con esta pequeña historia que os sorprenderá gratamente.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de julio de 2021. Título original: El cover. Duración: 83 min. País: España. Dirección: Secun de la Rosa. Guion: Secun de la Rosa. Música: Nacho Mañó, Joana Estevao, Antonio Orozco. Fotografía: Santiago Racaj, Johnny Yebra. Reparto principal: Àlex Monner, Marina Salas, Carolina Yuste, María Hervás, Lander Otaola, Juan Diego, Susi Sánchez, Carmen Machi. Producción: Nadie es perfecto, GTS Entertainment, Amazon Prime Video. Distribución: eOne Films. Género: musical, drama. Web oficial: https://nadieesperfecto.com/peliculas/

Crítica: ‘Wrong turn, sendero al infierno’

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Sinopsis

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Al desviarse de su ruta de senderismo, Jen y sus amigos se adentran en las tierras de una comunidad oculta dispuesta a todo para proteger su estilo de vida.

El terror de un lugar remoto y aislado y el suspense que destroza los nervios se dan encuentro cuando Jen (Charlotte Vega), su novio Darius y un grupo de amigos parten para hacer senderismo en el Sendero de los Apalaches. A pesar de las advertencias de los lugareños de que no se aventuren fuera del sendero establecido, los excursionistas acaban desviándose del rumbo.

Sin darse cuenta, se adentran en las tierras habitadas por la Fundación, una comunidad oculta de habitantes de las montañas dispuestos a emplear toda clase de métodos letales para proteger su forma de vida. Tras encontrarse repentinamente bajo asedio, Jen, Darius y sus amigos parecen encaminarse inevitablemente hacia el punto de no retorno, a menos que el padre de Jen consiga llegar hasta ellos a tiempo…

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Crítica

Lo suficientemente tortuosa y maquiavélica como para calmar la sed de un amante del terror

Tras una larga saga iniciada en Estados Unidos, con la conocida en sus inicios como ‘Km. 666. Desvío al infierno’, la historia se reinicia, pero esta vez se ha hecho con capital alemán. Esta ya no es una historia de caníbales pero si mantiene su toque sanguinolento y un grupo de villanos que al más puro estilo ‘Las colinas tienen ojos’ o ‘La matanza de Texas’ van acabando con aquellos que les da la gana.

Mike P. Nelson es el director de esta nueva etapa de la franquicia. Un director que ya debutó con otra película de corte parecido como ‘Summer School’ y continuó por la misma senda con ‘The domestics’. En su versión de ‘Wrong turn’, que cuenta con Alan B. McElroy, guionista de otras películas de la saga o de films de Michael Myers, nos ofrece un nuevo survival horror. ‘Wrong turn, sendero al infierno’ es de esas películas que cada vez son más retorcidas y malsanas.

Habiendo enmarcado este filme dentro de la serie B cabe destacar que a los actores se les pide poco más que saber correr, gritar y pelear correctamente, no se necesitan profesionales del método precisamente para estas películas. ‘Wrong turn, sendero al infierno’ es de esas cintas en las que podemos apostar quién será el primero en morir, la típica de jóvenes aislados en una zona incomunicada. Y aunque aprecio el trabajo que hace la española Charlotte Vega por encima del resto del reparto en estas películas siento que quien más reconocimiento merece es el equipo de efectos especiales. Ellos son los que nos hacen disfrutar, sobre todo cuando consiguen ser muy explícitos con las macabras muertes. Habiendo dicho esto sobra decir que esta no es una película para espectadores que se mareen con la sangre o sufran viendo vídeos de lesiones.

La peculiaridad de este filme son las características de los villanos. ‘Wrong turn, sendero al infierno’ plantea una cuestión: son más salvajes los enemigos que acechan a los protagonistas o es la sociedad que les rodea, una que permite que en la Virgina del siglo XXI aún se pueda ser marcadamente racista u homófobo. Las películas de terror siempre han sido un buen canal para denunciar problemas en nuestra sociedad y esta aunque lo hace de una manera obvia no ha sido menos.

Toda la historia transcurre en un conocido camino frecuentado para senderistas, el que recorre los Apalaches. Hace poco os hablábamos del documental ‘El gran camino’ que nos descubría sendas que acababan siendo experiencias transformadoras, más allá de los retos físicos que suponen. En el caso de esta película de terror los protagonistas también buscan y experimentan algo que les cambia la vida, pero claro está, no es lo que esperaban. En mi caso esperaba que ver este filme me aportase salvajadas, nada que supusiese un punto de inflexión en mi vida. Y así ha sido, ‘Wrong turn, sendero al infierno’ es lo suficientemente tortuosa y maquiavélica como para calmar la sed de un amante del terror como yo.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de julio de 2021. Título original: Wrong Turn. Duración: 109 min. País: Alemania, EE.UU., Reino Unido. Dirección: Mike P. Nelson. Guion: Alan B. McElroy. Música: Stephen Lukach. Fotografía: Nick Junkersfield. Reparto principal: Charlotte Vega, Emma Dumont, Dylan McTee, Adrian Favela, David Hutchison, Vardaan Arora, Cory Scott Allen, Rhyan Elizabeth Hanavan, Brian James Fitzpatrick. Producción: Constantin Film. Distribución: SelectaVisión. Género: terror. Web oficial: https://www.constantin-film.de/kino/wrong-turn-5/

Crítica: ‘Dos’

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Sinopsis

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David y Sara se despiertan pegados por el abdomen, desnudos. Están en un lugar misterioso. No recuerdan cómo han llegado hasta esa habitación. David sugiere la posibilidad de que hayan sido drogados y secuestrados. Ambos deben confiar en el otro para desvelar el misterio, pero Sara sospecha de David.

Mientras intentan atar cabos, descubren que estar pegados dificulta en extremo hasta las actividades más mundanas, además de hacer que aflore una inevitable atracción mutua a pesar de las circunstancias. Ambos se ven obligados a compartir con un desconocido sus secretos más íntimos y vergonzosos para poder descifrar el misterio.

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Crítica

Esto sí que es compartir protagonismo

Dos personas se despiertan juntas en una cama, desnudas, en una habitación que no conocen y sin conocerse el uno al otro. Se intentan levantar y descubren que están unidos, cosidos. La idea resulta un tanto repulsiva y encima la asquerosa sutura se muestra, muy gráficamente además. No os preocupéis que esta no es una película del estilo del ‘The Human Centipede’, aunque muestra sin corte alguno, ni para ir al baño, todo lo que les va tocando hacer. Si acaso, si se parece a alguna otra película, es a ‘Saw’.

Al igual que en una de las trampas de Jigsaw los protagonistas han sido llevados contra su voluntad a una sala cerrada donde con solo algunas pistas deben adivinar qué les sucede y por qué están ahí. Habiendo aparecido unidos se ven obligados a entenderse y a analizar la situación y su entorno cuando lo que más les preocupa es su propio cuerpo, todo un reto. Entre los detalles del cuarto y las cosas que van descubriendo el uno del otro surgen las susceptibilidades, siendo la más persistente la teoría malsana y cansina de mostrar al hombre como un violador.

Esta es una película de Mar Targarona, la cual, suele indagar en los miedos y miserias humanas. Ya lo hizo con producciones como ‘El orfanato’, ‘Secuestro’ o ‘El cuerpo’ e incluso dirigiendo también ‘El fotógrafo de Mauthausen’. A esta trayectoria de películas dramáticas y también con tintes de terror hemos de sumar que Mike Hostench firma el guión junto a otras dos personas. Conocemos a Hostench por su trabajo como subdirector del Festival de Sitges, a si es que conociendo este dato ya os podemos adelantar que la película tiene un carácter fantástico indudable. Fantástico pero sabiendo lo demente que está nuestra sociedad es una idea que bien podría suceder. Me viene a la mente la noticia de aquel austriaco que encerró a su hija en casa durante 24 años, la violó y tuvo hasta siete hijos con ella. Si esta película os parece surrealista acercaos a las páginas de sucesos.

Obviamente quienes merecen elogios por ‘Dos’ son los protagonistas interpretados por Pablo Derqui y Marina Gatell. Esto sí que es compartir protagonismo. Aguantan todo el filme actuando pegados. Y si bien es cierto que a veces ella peca de exagerada y él de no tener racor emocional ambos ejecutan un siniestro baile que merece aplausos. Si una escena de sexo se os antoja comprometedora imaginad pasar los setenta minutos de fimle pegado a otro cuerpo desnudo. Muy profesionales, sobre todo si tenemos en cuenta que habrá habido repetición de tomas y con ello más tiempo de trabajo pegados.

El tiempo es otra virtud de este filme. Es una película corta, de unos setenta minutos. Se perciben algunas tomas un poco alargadas para llegar a ser largometraje y tal vez se podría haber incluido algún elemento que enriqueciese aún más la acción. Pero el filme opta por lo poético y lo cabalístico, sobre todo en su escena final y consigue sacar en poco espacio algo de poesía.

Los grabados de Goya de la serie de Los Caprichos y los pasajes de la Biblia nos dan unas pistas cruciales para saber que alguno de ellos esconde u ha olvidado algo. No obstante muy lumbreras hay que ser para atar cabos y romper la sorpresa final. La película mantiene el suspense y un pulso literal entre dos personajes que desde luego dejarán cicatriz.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de julio de 2021. Título original: Dos. Duración: 70 min. País: España. Dirección: Mar Targarona. Guion: Cuca Canals, Christian Molina, Mike Hostench. Música: Diego Navarro. Fotografía: Rafa Lluch. Reparto principal: Pablo Derqui, Marina Gatell, Esteban Galilea, Anna Chincho Serrano, Kandido Uranga. Producción: Rodar y Rodar Cine y Televisión, Stick Together A.I.E. Distribución: Filmax. Género: thriller. Web oficial: http://www.filmax.com/distribucion/dos.227