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Crítica: ‘Luther: cae la noche’

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En ‘Luther: Cae la noche’ —épica continuación de la premiada saga televisiva adaptada al cine— un brutal asesino en serie aterroriza Londres mientras John Luther (Idris Elba), un inspector brillante caído en desgracia, está entre rejas. Atormentado por no haber cogido al ciberpsicópata que se mofa de él, Luther decide fugarse de la cárcel para rematar su trabajo a cualquier precio. También protagonizan la película Cynthia Erivo, Andy Serkis y Dermot Crowley, que retoma el papel de Martin Schenk.

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Crítica

Luther, el Bond que Idris Elba nunca será

La serie ‘Luther’, protagonizada por Idris Elba, continúa pero en formato película. Me gustaría decir que en modo cinematográfico pero no podrá ser disfrutada en pantalla grande, sino directamente nos llega a través de Netflix. El creador del personaje, Neil Cross, continúa en el proyecto y escribe el guión que ha materializado Jamie Payne, quien ya dirigió episodios de la que debemos llamar minserie, pues aunque tiene cinco temporadas estas están compuestas por muy pocos episodios.

Esta serie de la BBC ha sido distribuida en diferentes plataformas a lo largo de todo el mundo y bien es cierto que si juntamos los episodios de cada temporada tenemos la duración de un par de largometrajes. A si es que este ha sido un salto natural pero no conclusivo, de hecho al final podríamos decir aquello de “¿Y ahora qué?” locución que siempre se ha dicho al acabar las temporadas. Podremos tener más aventuras de Luther pero de momento nos hemos de ceñir a esta última que si bien tendremos que ver aún en nuestras televisiones podemos decir que si tiene un carácter muy cinematográfico. Es un thriller policíaco que podría encajar perfectamente en corrientes como las de ‘Los casos del Departamento Q’. Sobre todo porque los acontecimientos de la serie tienen como consecuencia directa que Luther experimente su etapa más oscura y en solitario se tenga que enfrentar contra un enemigo que atenta contra la seguridad ciudadana y contra la figura del brillante detective.

‘Luther: cae la noche’ me refuerza una vez más como ferviente seguidor de Idris Elba y en mi opinión suma más enteros para que este actor se convierta en James Bond. La película dispone a un villano conocido desde el inicio y pese a romper esa sorpresa está repleta de acción y suspense. Al igual que el personaje de Fleming, tenemos a un héroe que se mueve en una fina línea tanto dentro como fuera de la ley, nos lleva a escenarios inhóspitos y tanto el sistema como toda una organización criminal intentan acabar con la carrera y la vida del protagonista. Elba representa perfectamente a ese tipo de héroes capaces de sacrificarse por unos valores e ideales dignos de un paladín, que es capaz de ser ese caballero oscuro que no tiene reparos en parecer un villano si con ello consigue hacer justicia.

La película, con todo lo británico que tiene en su ADN, también funciona como un trasunto de Sherlock Holmes (reconocido desde los orígenes de la serie por el guionista). Y sobre todo es porque nuestro talentoso detective se enfrenta a un criminal que se mueve completamente como Moriarty. Con las claves del siglo XXI, Andy Serkis es como una revisión del antagonista ideado por Arthur Conan Doyle. Es un asesino retorcido, maquiavélico, elaborado, casi artístico y ritualista… además de llevar un horrible pelucón. Tortura al héroe, juega con su impotencia y para ello emplea las tecnologías actuales. Mucho mejor este Serkis como malo de la historia que el que ha interpretado para la Marvel. Llegados a este punto y viendo en qué desemboca la historia también han venido a mi cabeza títulos como ‘Finale’, ‘La novia gitana’, ‘Hostel’…

En resumidas cuentas. Para los fans de la serie el personaje crece, evoluciona y continúa con su tortuosa carrera sin renunciar a sus cuestionables métodos. Para los que gusten del suspense y el género policíaco tienen aquí un juego del gato y el ratón entre un justiciero y un antagonista que puede incluso recordar a la relación Batman/Joker. Además se ha sumado a la ecuación una nueva detective interpretada por Cynthia Erivo, la inclusión de esta actriz siempre es bien.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2023. Título original: Luther: cae la noche. Duración: 129 min. País: Reino Unido. Dirección: Jamie Payne. Guion: Neil Cross. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Larry Smith. Reparto principal: Idris Elba, Cynthia Erivo, Andy Serkis, Dermot Crowley, Thomas Coombes, Hattie Morahan, Lauryn Ajufo, Vincent Regan. Producción: BBC Films, BBC Studios, Chernin Entertainment. Distribución: Netflix. Género: suspense, policíaco. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81280035

Crítica: ‘Detective Knight: última misión’

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La asignación del detective James Knight para trabajar durante el Día de la Independencia se convierte en una carrera contrarreloj para evitar que una ambulancia ponga en peligro los actos festivos de la ciudad. El delincuente, que juega a ser policía con un arma y un uniforme robados, tiene como objetivo un banco situado peligrosamente cerca de la casa de Knight.

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Crítica

Camuflando sin éxito las carencias de la producción y de los actores

La última entrega de la trilogía del detective Knight de Bruce Willis llega por sorpresa, casi de manera repentina, sin hacer justicia a este actor y a tan legendaria carrera. Es una pena que los penúltimos títulos que filmó Willis nos lleguen de este modo tan atropellado y casi sin hacer ruido. Noviembre, enero y marzo. Tres películas estrenadas en un lapso de cinco meses, esto tiene pocos precedentes.

Como dije en las críticas de las otras dos entregas. He aguantado el llegar hasta aquí por el mero hecho de ver en este cierre al hijo de Val Kilmer, Jack Kilmer, cuyo padre tuvo también una especie de despedida cinematográfica hace poco con ‘Top Gun: Maverick’. Porque ver a Bruce Willis decir las palabras justas, notar como se juega con el montaje para que no se noten las dificultades del habla, tirar siempre de plano contraplano, recorrer la película y notar que tiene escasos minutos de pantalla pese a ser el protagonista, que le han metido en último lugar en la ficha de IMDB de este filme… se me hace duro.

También se hace duro ver como esta estrella del blockbuster ha acabado haciendo películas menores, que si no fuesen por su nombre serían producto directo a televisión o al fondo de catálogo de cualquier plataforma de streaming. Son películas de acción con poco criterio cinematográfico a la hora de imprimir un ritmo o extraer buenas interpretaciones. La trilogía va justa de recursos por mucho que se perciba amor por el género policíaco y de tiroteos. Porque está bien que arranque directamente con un atraco en modo videojuego en primera persona e incluso que se citen frases de ‘Arma letal’, pero desmerece mucho el pobre vestuario del filme, los fogonazos digitales en cada disparo o que incluso la sangre esté mal hecha.

De manera parecida a otras sagas Edward Drake se ha montado cada película en una festividad yankee. La primera transcurría en Halloween, la segunda en Navidad y la tercera en el Día de la Independencia Norteamericana. Sobre todo en ‘Detective Knight: última misión’ intenta pintar USA como si fuese aún un western salvaje y peligroso. Un lugar donde solo algunos héroes se atreven a tomar medidas arriesgadas, de esas que están fuera de la ley de los ricos o los poderosos. Ese es el dilema que intenta esgrimir tanto para el héroe como para el villano. Pero Willis, quien ejerce de paladín de la justicia, no está para estos trotes y Kilmer, quien es una especie de monstruo de la sociedad a lo Joker, está aún tremendamente verde.

Lo dicho, si queréis ver como es el principio de la recta final de la carrera de Bruce Willis (falta por estrenarse en España ‘Assassin’ y ‘Paradise City’) o el inicio de la del retoño de Kilmer como verdadero protagonista, ved ‘Detective Knight: última misión’. Por lo demás, ofrece pocos alicientes para los fans del cine de acción y ni que decir tiene que su mensaje está más que trillado.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de marzo de 2023. Título original: Detective Knight: Independence. Duración: 91 min. País: EE.UU. Dirección: Edward Drake. Guion: Edward Drake, Corey Large. Música: Scott Currie. Fotografía: Laffrey Witbrod. Reparto principal: Bruce Willis, Lochlyn Munro, Willow Shields, Jack Kilmer, Jimmy Jean-Louis, Lorenzo Antonucci, Francis Cronin, Cesar Miramontes. Producción: BondIt, Buffalo 8 Productions, Lionsgate. Distribución: a Contracorriente Films. Género: acción. Web oficial: https://www.lionsgate.com/movies/detective-knight-independence

Crítica: ‘Creed III’

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Después de dominar el mundo del boxeo, Adonis Creed ha hecho grandes progresos tanto en su carrera como en su vida familiar. Cuando Damian (Jonathan Majors), un amigo de la infancia y antiguo prodigio del boxeo, reaparece después de cumplir una larga condena en prisión, se empeña en demostrar que merece una oportunidad en el ring. El enfrentamiento entre estos viejos amigos es algo más que una simple pelea. Para ajustar cuentas, Adonis debe arriesgar su futuro para enfrentarse a Damian, un boxeador que no tiene nada que perder. “Creed III” es la tercera entrega de esta franquicia de enorme éxito y el debut como director de Michael B. Jordan.

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Crítica

La entrega que definitivamente se emancipa de Rocky

Respaldada y justificada por su éxito en taquilla, sobre todo por la calidad y frescura de su primera parte, la saga de Adonis Creed continúa con ‘Creed III’. Y lo hace, por diversos motivos de la ficción y la producción, despegada del mito de Rocky ya que no está involucrado Sylvester Stallone, quien ya declaró en su día que se desvinculaba del proyecto al parecerle que seguía por unos derroteros que no le gustaban, demasiado oscuros para lo que él busca en sus protagonistas. Sin duda se incrementa su conflicto con el productor Irwin Winkler. La película no cuenta con la bendición de la mítica estrella pero dispone de nuevo del guiónista de las otras dos entregas, Ryan Coogler, quien es una vez más el productor ejecutivo. Contra ese escollo se ha sacado adelante la película, pues al fin y al cabo Stallone no tiene los derechos del personaje que creó en 1976 y tan inusual es la situación que supone el debut de Michael B. Jordan como director.

La saga sigue por primera vez adelante sin Stallone/Rocky pero ello ha tenido como daño colateral que tampoco repite ningún actor de las películas clásicas, salvo Edgar James Olmos que está aquí como un mero accesorio. Por lo que ‘Creed III’ se postula como la auténtica primera secuela independiente de ‘Rocky’, contando solo con los nuevos personajes. Eso significa que todo el foco, aparte de Jordan, lo acaparan Tessa Thompson y Phylicia Rashad. Y por supuesto Jonathan Majors, quien se incorpora como rival a batir.

Aún con todos los cambios y los vientos frescos que resoplan ‘Creed III’ sigue el mismo esquema que siguen casi todas las películas de la saga. El héroe parte de una situación cómoda, irrumpe un nuevo rival, sufre un duro revés, emprende un arduo camino de preparación y… bueno, tampoco voy a reventaros el final de este nuevo combate. Aunque el patrón sea el de siempre hay dos cosas que hacen que la película merezca la pena, teniendo en cuenta que hay que soportar las mismas escenas deportivas de siempre. Uno de los factores a valorar es la inconmensurable preparación física y entrenamiento que han tenido los actores para parecer verdaderos púgiles. Esto ha hecho que veamos a un Majors convertido en una mole que bufa como una bestia encabritada por el ring. La interpretación del actor anteriormente conocido por su trabajo en ‘Territorio Lovecraft’ es lo más destacable de ‘Creed III’. Lo otro es la escena de combate final, ya que obviamente hay un duelo en la que se juegan el todo por el todo. Se ha empleado un artificio visual que refleja muy bien cuan personal es el duelo entre los dos rivales, cuan poco importa todo lo de alrededor y ya de paso sirve de elipsis para ahorrarnos una concatenación de asaltos sobre la lona.

Y es que se han incorporado muchas más técnicas modernas de rodaje que en las anteriores entregas. La cámara lenta, la altísima definición de imagen y sobre todo una contundente edición de sonido nos dejan cristalinamente claro que esta es una versión alejada de la versión original. Permanece el amor al boxeo, al barrio o al entrenamiento “tradicional”, pero ya no estamos hablando de una historia de superación, sino de un frío espectáculo que ha de ser visto en pantalla grande con la mejor calidad de imagen y sonido.

Esa frivolidad actual que rodea al negocio del deporte y la historia que se han sacado de la manga para darle un nuevo rival a Adonis Creed enriquece la historia del personaje, de eso no hay duda, pero la aleja del espíritu con el que Stallone escribió el primer guión.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de marzo de 2023. Título original: Creed III. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Michael B. Jordan. Guion: Zach Baylin, Keenan Coogler. Música: Joseph Shirley. Fotografía: Kramer Morgenthau. Reparto principal: Michael B. Jordan, Tessa Thompson, Jonathan Majors, Phylicia Rashad, Florian Munteanu, Selenis Leyva, Spence Moore II, Tony Bellew, Michelle Davidson, Thaddeus J. Mixson. Producción: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Warner Bros., Chartoff-Winkler Productions, New Line Cinema, Proximity, Glickmania. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, deporte. Web oficial: https://www.warnerbros.co.uk/movies/creed-iii

Crítica: ‘El hijo’

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La ajetreada vida de Peter (Hugh Jackman) con su nueva pareja Beth (Vanessa Kirby) y su bebé, se desbarata cuando su exmujer, Kate (Laura Dern), aparece con su problemático y distante hijo adolescente, Nicholas, poniendo a la familia en una situación peligrosa, cambiando el curso de sus vidas para siempre.

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Crítica

Rompiendo el “de tal palo tal astilla”, no es como ‘El padre’

Basándose de nuevo en su propia obra de teatro Florian Zeller ha llevado a la gran pantalla ‘El hijo’ (no confundir con la terrorífica y fantástica película de David Yarovesky). Esta película que nos llega ahora a cines es la segunda parte espiritual de ‘El padre’ que se completará si también llevan a cines ‘La madre’, la cual está protagonizada en las tablas por Isabelle Huppert. Desconozco la recepción de esa representación en New York pero si quieren conseguir el mismo éxito en salas que ‘El padre’ van a tener que aplicarse más que con ‘El hijo’.

Esta especie de trilogía a modo de disertación sobre la familia o la paternidad gana enteros con el reparto de ‘El hijo’. Están involucrados en este largometraje Hugh Jackman, Laura Dern, Vanessa Kirby y Anthony Hopkins. Es un elenco capaz de eliminar cualquier óbice que nos impida ir al cine. Pero me pierde el filme cuando reposa en Zen McGrath (el hijo en la ficción de Dern y Jackman) pues no creo que esté a la altura de tan magno casting. Y para más decepción Hopkins tiene solo una escena, buena pero escueta, a modo de cameo para servir como segunda colaboración con Zeller. Eso sí, ninguna pega a las actuaciones de Jackman, Dern y Kirby.

‘El hijo’ nos habla del dolor de cabeza que da tener hijos, de recuperar el tiempo perdido, de encontrarse de golpe con un hijo adolescente e incluso de las responsabilidades que tenemos como hijos y cómo impactamos en la vida de nuestros padres. Pero sobre todo estudia a una familia dividida. Zeller desmenuza de manera dramática y dura una separación mal asimilada, en resumidas cuentas una situación depresiva. Se moja con un tema comprometido y para muchos tabú como es el suicidio o las enfermedades mentales, de ahí que esté dedicada a Gabriel, su hijo. Es por ello que la película está vista realmente desde la perspectiva de un padre que lucha contra la vergüenza y la negación a asimilar una situación. En ese sentido es un discurso útil para aproximarse a aquellos que se han topado con este tipo de complicaciones en su vida.

Sin duda ‘El hijo’ trata temas comprometidos de una manera valiosa pero no tiene la brillante narrativa de ‘El padre’. Salvo por un detalle en el tramo final el resto del metraje es un intenso drama al uso. Aporta a la congoja y el malestar la música de Hans Zimmer quien con solo nueve temas y sin repetirse consigue marcar el ritmo de toda la película. Pero no se consigue ni la tensión, ni la sorpresa, ni el asombro interpretativo de la obra debut que llevó a Zeller a ganar el Oscar por su guión adaptado y su protagonista.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de marzo de 2023. Título original: The son. Duración: 123 min. País: Reino Unido. Dirección: Florian Zeller. Guion: Christopher Hampton, Florian Zeller. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Ben Smithard. Reparto principal: Hugh Jackman, Zen McGrath, Laura Dern, Vanessa Kirby, Anthony Hopkins, William Hope, Akie Kotabe, Danielle Lewis, Nancy Baldwin. Producción: Embankment Films, Film4 Productions, See-Saw Films, Ciné@, Ingenious Media, Orange Studio. Distribución: Diamond Films. Género: drama, adaptación. Web oficial: https://www.sonyclassics.com/film/theson/

Crítica: ‘To Leslie’

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Basada en hechos reales, la película cuenta la historia de Leslie, una madre soltera del oeste de Texas, que hace seis años ganó la lotería pero rápidamente despilfarró el premio, gastándolo todo en fiestas y alcohol. Desahuciada, acude a su hijo en un intento de recuperar el rumbo de su vida.

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Crítica

Una historia depurativa

Todos nos hemos hecho esa pregunta que pone sobre la mesa la posibilidad de poder gastarnos el dinero de un premio de lotería. Leslie es una de esas afortunadas a las que le ha tocado un buen pellizco, pero por desgracia se lo funde en beber y desfasar. ‘To Leslie’ nos cuenta su historia seis años después. Ella no tuvo la suerte de encontrarse con el karma como le pasó a Earl Hickey a si es que su vida es mucho más dramática. Su hijo se distanció de ella, o más bien fue ella la que puso una barrera de por medio por su adicción. Esta es una historia de reconciliación y reencuentro que tiene base real, no solo por partir de la historia de alguien que ciertamente ha existido, sino por lo veraz que logra ser.

Michael Morris además de reflejar muy bien un pedazo de la américa profunda y clásica atina muy bien a recrear como en el personaje de Andrea Riseborough hay un arrepentimiento, un remordimiento que de vez en cuando asoma. Pero su alcoholismo es de esos que te convierten en cleptómano, en buscador de sorbos etílicos a cualquier precio. Es decir, es más fuerte la pulsión por beber que la vergüenza por que la vean borracha. Es de esos personajes o personas (recordemos que esto es real) que se convierten en mentirosos patológicos. Todo esto por supuesto afecta a la relación con el hijo. A si es que además de desintoxicarse la protagonista necesita una enorme catarsis o un ángel de la guarda que vele por ella. Todo ello lo vemos en ‘To Leslie’ en parte gracias a la coloración que han escogido en el etalonaje y a muchas escenas rodadas cámara en mano, es una película muy cercana, muy atada a la realidad.

Si la vida de Leslie es una piscina, su experiencia desintoxicándose es una depuradora, pero de esas de sal, de las que hacen que escuezan las heridas y trabajan poco a poco, dejando ligeramente llorosos los ojos. La película es emotiva y humana, hace que nos pongamos en el papel de otros. Leslie busca el consuelo en una botella y Riseborough nos ofrece un bálsamo con su interpretación. Nos demuestra que a veces el dinero no trae la felicidad, sino la desgracia y lo hace con naturalidad y autenticidad. Su manera de actuar es tan cercana a la realidad que uno se pregunta si no habrá pasado por los famosos 12 pasos para meterse en su personaje.

Es meritorio y si me gustaría que Andrea Riseborough ganase el Oscar a Mejor Interpretación Femenina para que de ese modo y de manera subversiva se convierta en un símbolo y síntoma más que demuestre que los Oscars se pagan a golpe de talonario y aún queda esperanza de ganarlos a base de talento. Pero también es cierto que tiene duras competidoras, que al margen de la campaña que han hecho sus productoras/distribuidoras, merecen el reconocimiento, como Cate Blanchett con su trabajo en ‘Tár’. Sea como sea espero que se consiga el objetivo final, que es el de acercar espectadores a las salas, atraídos por los reestrenos de aquellos filmes que resultan ganadores o que tienen auténtica calidad, como se ha hecho recientemente con ‘Todo al a vez en todas partes’.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de marzo de 2023. Título original: To Leslie. Duración: 119 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Morris. Guion: Ryan Binaco. Música: Linda Perry. Fotografía: Larkin Seiple. Reparto principal: Andrea Riseborough, Marc Maron, Stephen Root, Allison Janney, James Landry Hébert, Matt Lauria, Owen Teague, Andre Royo, Chris Coy, Derek Phillips, Mac Brandt. Producción: BCDF Pictures, Shaken Not Stirred, Baral Waley Productions, Bluewater Lane Productions, Clair de Lune Entertainment. Distribución: Sherlock Films. Género: drama. Web oficial: http://www.momentumpictures.net/to-leslie

Crítica: ‘Un fantasma anda suelto por casa’

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La familia de Kevin se convierte en una sensación mediática de la noche a la mañana por haber encontrado al fantasma Ernest en su nueva casa. Pero, cuando Kevin y Ernest investigan por su cuenta el misterioso pasado de este, se convierten en blanco de la CIA.

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Crítica

El ‘Casper’ de Netflix

Christopher Landon, el director de ‘Feliz día de tu muerte’ y ‘Este cuerpo me sienta de muerte’, se refirió al relato original de Geoff Manaugh como una especie de ‘E.T.’ pero si lo pensamos bien ‘Un fantasma anda suelto por casa’ recuerda mucho más a ‘Capser’. Landon sigue jugando con la muerte pero en esta ocasión el tono deja de ser sangriento y juvenil para tornarse en algo totalmente familiar.

En el siglo XXI uno de los mayores temores de una familia no es encontrarse con un espectro, es no tener un lugar donde echar raíces. Con ello comienza ‘Un fantasma anda suelto por casa’, con una familia que compra una casa inusitadamente barata. ¿Recordáis aquella casa de los crímenes que intentaba vender Marge Simpson? Pues al estilo. Desde el comienzo y con el título Landon nos deja ver que el solitario casoplón en la que transcurre la acción está encantado. Allí además de unos poltergeist se manifiestan los problemas de los Presley mientras intentan hacer borrón y cuenta nueva. Es en el arranque donde vemos más similitudes con ‘Casper’, de hecho, la primerísima escena recuerda a la de la película de Brad Silberling, los protagonistas sellan acuerdos con el meñique y el fantasma aquí también sirve como disparador de una historia sobre la redención y el reencuentro familiar. Pero el tipo de humor es ligeramente más negro y aún con todo atípico para Landon. Esta es la versión más light de un director que en su día ya nos impactó con ‘Disturbia’

A pesar de llamarse ‘Un fantasma anda suelto por casa’ la película tiene su mejor parte en el segmento en que se convierte en un road trip con guiños a ‘Matrix’, ‘Ghost’ y ‘Psicosis’. El montaje es ágil y ayuda a empatizar con los protagonistas el hecho de que la historia se traslade a códigos actuales en los que las redes sociales siempre juegan un papel, con la consecuente frivolidad y estupidez de internet. La película sirve como entretenimiento pero en determinados momentos y de manera puntual es utilizada como arma para reírse de retos tontos, de los cada vez más relevantes negacionistas y de los siempre desafortunados cuñados que saben de todo. Por otro lado Landon modifica algunas cosas de la historia original y hace un discurso sobre la “cárcel” que supone para algunos el vivir bajo los estereotipos o exigencias sociales, pero solo demuestra lo quejicas que somos con los problemas del primer mundo.

Funciona muy bien Anthony Mackie como padre obcecado por la búsqueda del éxito y reflejo de toda una generación. Me ha encantado ver de nuevo a Tig Notaro empuñando un arma futurista o a Jennifer Coolidge en un nuevo y excéntrico papel. Pero reconozcamos que el protagonista realmente es Jahi Di’Allo Winston, el cual soporta bien el peso que ha recaído en sus hombros. Él y un David Harbour peinado con cortinilla a lo Iñaki Anasagasti. Su imagen como simpático aunque deprimido fantasma holográfico al estilo ‘Agárrame esos fantasmas’ me parece de lo más entrañable. Quizá ese sea el mejor adjetivo para ‘Un fantasma anda suelto por casa’ pues creo que en un futuro los jóvenes y adolescentes que reversionen este filme lo recordarán así.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de febrero de 2023. Título original: We have a ghost. Duración: 126 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Landon. Guion: Christopher Landon. Fotografía: Marc Spicer. Reparto principal: David Harbour, Jahi Di’Allo Winston, Anthony Mackie, Jennifer Coolidge, Tig Notaro, Tom Bower, Faith Ford, Steve Coulter, Erica Ash, Niles Fitch, Sherri Eakin, April McCullough, Scott A. Martin, Ned Yousef, Natalie Okamoto, Jo-Ann Robinson, LaTaryion Perry. Producción: Legendary Entertainment, Temple Hill Entertainment. Distribución: Netflix. Género: comedia, aventura. Web oficial: https://www.netflix.com/title/80230619/

Entrevista a Paul Urkijo por ‘Irati’

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“Me gustaría que esta película empujase a otros a hacer películas fantásticas y mitológicas”

Este viernes 24 de febrero de 2023 llega a cines de la mano de Filmax el segundo largometraje de Paul Urkijo Alijo. Lleva el nombre de un bosque nvarro, ‘Irati’, el cual ostenta el título del mayor bosque de hayas y abetos de Europa. La película es una narración sobre un mundo fantástico pagano y otro real que se enfrenta. Un alegato sobre la conservación de la naturaleza y las viejas mitologías que el director vitoriano ha rodado magníficamente exprimiendo mucho sus recursos, su talento y el poder de un imaginario que de no haber sido rodado quizá habrían caído en el olvido.

La película está protagonizada por Edurne Azkarate, Eneko Sagardoy, Itziar Ituño, Nagore Aranburu… entre otros. Cuenta además para su diseño de vestuario con Nerea Torrijos, la ganadora del Goya por ‘Akelarre’.

Pudimos hablar con Paul Urkijo a su paso por Madrid para presentar ‘Irati’ y nos contó cuales son sus inquietudes o inspiraciones a la hora de hacer este filme. Si buscáis algo diferente y de calidad acercaos a verla en pantalla grande.

Sinopsis oficial:

Siglo VIII. El cristianismo se extiende por Europa mientras las creencias paganas desaparecen. Ante el avance del ejército de Carlomagno al atravesar los Pirineos, el líder del valle pide ayuda a una diosa ancestral​. Mediante un pacto de sangre, derrota al enemigo dando su vida a cambio, pero antes, hace prometer a su hijo Eneko que protegerá y liderará a su pueblo en la nueva era.

Años más tarde, Eneko afronta esa promesa con una misión: recuperar el cuerpo de su padre enterrado de forma pagana junto al tesoro de Carlomagno. Pese a su fe cristiana, necesitará la ayuda de Irati, una enigmática pagana de la zona. Los dos jóvenes se adentrarán en un extraño e inhóspito bosque donde “todo lo que tiene nombre existe”.

Crítica: ‘Terrifier 2’

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Un año después de la ahora infame masacre del condado de Miles, el asesino en serie Art the Clown regresa para causar estragos en una familia en duelo. En esta ocasión los que se enfrentan a Art son un joven llamado Jonathan que tiene una obsesión particular con él y su hermana mayor Sienna, una artista con una afición por el cosplay.

Heredera de la creatividad de su difunto padre, de su propensión al desequilibrio mental y de su vínculo extraño y sobrenatural con Art, Sienna está transformando minuciosamente el diseño de un personaje de espada y brujería que su padre dibujó para ella en un disfraz para Halloween. Las líneas entre la pesadilla y la realidad se entrecruzan cuando una aparición demoníaca guía a Art hasta los hermanos y el espantoso número de cadáveres va en aumento. Para sobrevivir, Sienna tendrá que convertirse en esa heroína por completo y enfrentarse a su antagonista en un mundo de sueños, fantasía y leyenda.

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Crítica

Una buena broma pero excesivamente estirada

Sin duda el apellido de Damien Leone puede favorecer a este joven director en los buscadores de internet pues mucha gente se ha preguntado si tiene algo que ver son Sergio Leone. No hay parentesco alguno y con quien si se está relacionando ya este exitoso y retorcido cineasta es con Sam Raimi pues el furor despertado por ‘Terrifier’ ha hecho que el artífice de ‘Evil dead’ o ‘Spider-Man’ quiera iniciar un proyecto con él.

El poco tiempo que ha estado en taquilla esta película que ahora llega a cines españoles la ha convertido en rentabilísimo éxito. Poco presupuesto y muchísima recaudación para ‘Terrifier 2’ que ha atraído a muchos curiosos sorprendidos por la primera parte. Pero espera, ¿no conoces aún a Art el payaso?

‘Terrifier’ nos cuenta cómo en la noche de Halloween un perturbado se viste de payaso blanquinegro para ir matando salvajemente y sin razón aparente a aquellos que se adentran en la solitaria noche. ¿Novedoso? Para nada, pero aun así engancha. Es una película de corte y cortes slasher donde predominan los momentos inquietantes y sobre todo el gore extremo. Todo esto nació a partir de un cortometraje, e incluso hay una tercera entrega previa a estas llamada ‘La víspera de Halloween’, a si es que ‘Terrifier 2’ continúa por la misma senda.

El Art the clown no da miedo, si acaso inquieta y es creepy. Lo que caracteriza a ‘Terrifier 2’ es que se ríe o regodea dentro de un género poco popular. Crea un freak más en la era de en la que los true crime están cada vez más de moda, sobre todo si estos tienen elementos perturbadores. Esta es una de esas películas que llaman a la morbosidad del espectador y al disfrute maquiavélico, lo cual a muchos nos gusta, pero en su justa medida. Como en todo slasher el villano sobrevive de manera sobrenatural y que tiene una pulsión asesina antinatural. No le busquéis mucho sentido a este filme, está concebido para disfrutar de la ultraviolencia.

Cumple todos los patrones de las películas de asesinos. El criminal tiene un aspecto repelente (con un maquillaje similar al de ‘La monja’ de Corin Hardy), es mudo, salen chicas mostrando las pechugas, hay jóvenes que son pillados desprevenidos mientras tienen sexo, la protagonista cumple el tropo de la final girl… Los amantes del género aprecian más que otro tipo de espectadores esta película por lo rarita, asquerosa y desagradable que consigue llegar a ser. En gran medida ello es debido a los trabajadísimos prostéticos que nos brindan una explícita violencia gráfica.

‘Terrifier 2’ intenta llegar a nosotros enlazando con hechos reales, como el de aquellos perturbados que se disfrazaron de Dahmer en Milwaukee o expandiendo el lore incluyendo a un nuevo y tenebroso personaje. Pero la calidad actoral brilla por su ausencia y parece que han contratado a cualquiera simplemente para aumentar el kill count de la saga. No obstante, se nota que hay más inversión de dinero. Esta secuela goza de más escenarios, más muertes, más duración… Y aún así mantiene la misma coloración e iluminación que además de ser muy particulares brindan un toque de realismo más cercano, podríamos haberla grabado nosotros con nuestro móvil. La pena es que este incremento de inversión haya hecho que esté más alargada, con escenas o bien innecesarias o bien torpemente prolongadas. Para más inri no llega la explicación que buscamos, el esclarecimiento del origen o la identidad de Art. Nos cabrea aún más que incluso acaba con más interrogantes.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de febrero de 2023. Título original: Terrifier 2. Duración: 138 min. País: EE.UU. Dirección: Damien Leone. Guion: Damien Leone. Música: Paul Wiley. Fotografía: George Steuber. Reparto principal: Felissa Rose, David Howard Thornton, Jason Lively, Samantha Scaffidi, Tamara Glynn, Lauren LaVera, Johnathan Davis, Owen Myre, Charlie McElveen, Casey Hartnett, Elliott Fullam, Amelie McLain, Kailey Hyman, Gilbrando Acevedo, Sarah Voigt, Cory DuVal, Jackie Adragna. Producción: Dark Age Cinema, Fuzz on the Lens Productions. Distribución: SelectaVisión. Género: terror, serie B. Web oficial: https://www.facebook.com/Terrifier2Movie/

Crítica: ‘Project Wolf Hunting’

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Un grupo de peligrosos delincuentes coreanos tiene que ser trasladado en un buque de carga de Manila a Busan. Los acompañan a bordo el capitán de la policía coreana y otros 22 detectives experimentados. Pronto, la prisión flotante abandona el puerto y comienza su camino hacia Corea. Los prisioneros están fuertemente custodiados y todo está tranquilo a bordo hasta que los criminales inician un motín.

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Crítica

Gore y acción encerrados en un barco

Sitges nos trajo muchas buenas sorpresas este año y una de ellas fue ‘Project Wolf hunting’ una cinta de acción en medio del mar, donde un grupo de peligrosos delincuentes tienen que ser trasladados en barco hacia Busan. Todo parece ir bien, hasta que hay un botín en medio del mar. Pero el peligro real no son estos delincuentes, sino algo que anda escondiendo el doctor que hay en el barco.

La película comienza rápido y sin ningún miramiento. Algo que me gusta y que realmente es bastante raro en el cine oriental que suelen darle demasiadas vueltas a todo. Además, la duración de la película también me ha llamado la atención pues dura menos de dos horas, también extraño en este tipo de cine.

Un entretenimiento que no deja descansar al espectador hasta el final y que sin duda hará las delicias de los fans de las cintas de acción. Pero también a los que nos gustan los monstruos y el gore. Pues ‘Project Wolf hunting’ no se corta ni un cacho al mostrarnos escenas bastante fuertes en medio del mar. Un viaje lleno de sangre, pues según el director, Hongsun Kim, se utilizaron 2,5 toneladas de sangre durante la producción de la cinta. Pero no solo eso, durante el trascurso de la historia podremos contar unos 57 cadáveres.

Si, es una película de estas que, si os gusta ver muertes por todos lados y a cada cual más bruta, os va a encantar. Si no, os recomiendo que mejor ver otra cosa.

El maquillaje de la película está muy bien realizado, las prótesis están realmente bien hechas.  Pero no solo el maquillaje, las coreografías de la cinta, están muy bien trabajadas, dando un espectáculo de acción tremendo, como si de un anime se tratara. No hay límites y la verdad que se agradece mucho.

‘Project Wolf hunting’ nos da lo que nos promete y nada más, pero es divertida, interesante y es capaz de hacerte estar pendiente hasta el final de toda la historia. Una película con la que podríamos compararla en la actualidad sería la fallida ‘REC 4’ y es que si ésta hubiese tenido esta acción y no darle tanta importancia a una historia ya machacada hubiese sido mejor.

Así que, si queréis mandanga de la buena esta es vuestra película. Ya que este año no hay Muestra SYFY, al menos que nos podamos divertir igualmente en las salas de cine.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de febrero ed 2023. Título original: Project Wolf Hunting. Duración: 122 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kim Hong-sun. Guion: Kim Hong-sun. Fotografía: Ju-Hwan Yun. Reparto principal: Seo In-guk, Sung Dong-il, Choi Gwi-hwa, Jung So-min, Jang Dong-yoon, Jeong-hwan Park, Moon-Sung Jung, Jang Young-Nam. Producción: Cheum Film, Contents G. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror, acción. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/project-wolf-hunting

Crítica: ‘El triángulo de la tristeza’

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Sinopsis

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Una pareja de modelos es invitada a un crucero de lujo. Cuando el yate se hunde acaban en una isla desierta con un grupo de multimillonarios y una señora de la limpieza. En la lucha por la supervivencia, las antiguas jerarquías se trastocan ya que la limpiadora es la única que sabe pescar.

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Crítica

Una estimulante revisión y actualización de ‘El señor de las moscas’

Lo primero que nos viene a la cabeza al ver de qué trata ‘El triángulo de la tristeza’ es ‘El señor de las moscas’. Vale, no trata de unos niños en una isla pero si que muestra a unas personas en cierto sentido inmaduras y cuyo estatus social se ve trastocado. En la última propuesta de Ruben Östlund un barco plagado de snobs, elitistas y superficiales ricachones se hunde y sus pasajeros van a dar a una isla desierta. Unos modelos, los tripulantes y unos ricachones petimetres luchan por sobrevivir, pero no se trata solo de buscar alimento o construir una cabaña.

Entre nuestros instintos primarios ya no se encuentra solo la necesidad de comer, refugiarnos o reproducirnos. También está el imperativo impulso de subir en el escalafón social o por lo menos aparentar superioridad (física, moral o económica). Eso es lo que pone en relevancia Ruben Östlund, un director que ha demostrado ser capaz de agitar nuestra mente y nuestra conciencia, lo cual es siempre estimulante. Si tuviese que preparar un ciclo con películas recientes y críticas con nuestra sociedad metería esta obra junto a títulos como ‘El hoyo’ o ‘Parásitos’. Me gustaría que todo aquel que vea ‘El triángulo de la tristeza’, sea adinerado o no, cambie su manera de actuar siempre que haga uso del sector servicios, lo que se ha llamado siempre el “cara al público”. Por que no todo en esta vida es dinero y no es lo mismo solicitar un servicio que tener un siervo.

Siempre tenemos la idea preconcebida de que los y las modelos son personas tienen las neuronas justitas para mostrar sus exuberantes cuerpos. Creo que hace años que ese cliché se rompió pero Östlund acierta en poner el foco en ello, por si acaso hay aún personas con ese sesgo aún presente. No me extraña que triunfase en Cannes pues ahí buscan siempre películas con cierto compromiso. El guión consigue ser descarnado y muestra cuan voraces pueden ser las ansias de poder del ser humano. Aunque también es cierto que ‘El triángulo de la tristeza’ podría haber sido un poco más incisiva, más profunda.

Satírica, punk, mordaz, atrevida, descarada… son adjetivos que le vienen muy bien a ‘El triángulo de la tristeza’. Saca su título de una expresión superficial usada en moda (no se si es inventada o no) para desarrollar un discurso sobre la igualdad, en muchas de sus vertientes. En pleno siglo XXI predomina y está afianzado una especie de apartheid que impone que aquellos dedicados a la limpieza, mantenimiento o venta son una clase social inferior. Lo que es triste es que tengan que venir películas como esta para demostrar que no siempre el cliente tiene la razón, que hay muchos que viven en su burbuja de ensueño sin ser realmente conscientes de cuál es la realidad.

Capitalistas, comunistas, ricos, pobres, vividores, pluriempleados… todos acabamos yendo al baño a cagar, todos nos mareamos ante la tempestad… Las imágenes que han preparado Östlund y Wenzel nos recuerdan que por mucha opulencia que haya, todos terminamos necesitando lo mismo. El mensaje es alto y claro, ahora queda ver cuan abiertos están los oídos de las conciencias de los espectadores, a ver quién tiene menos neuronas o quien es más superficial, si los modelos o ellos.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de febrero de 2023. Título original: Triangle of Sadness. Duración: 149 min. País: Suecia. Dirección: Ruben Östlund. Guion: Ruben Östlund. Fotografía: Fredrik Wenzel. Reparto principal: Harris Dickinson, Charlbi Dean, Zlatko Buric, Dolly De Leon, Woody Harrelson, Vicki Berlin, Henrik Dorsin, Sunnyi Melles, Jean-Christophe Folly. Producción: Imperative Entertainment, Film i Väst, BBC Film, 30West, Plattform Produktion. Essential Filmproduktion GmbH, Coproduction Office, Sveriges Television (SVT), Arte France Cinéma, TRT, ZDF/Arte. Distribución: Avalon, Elástica. Género: Web oficial: https://neonrated.com/films/triangle-of-sadness

Crítica: ‘Los reyes del mundo’

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Sinopsis

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La película cuenta una historia sobre la desobediencia, la amistad y la dignidad que existe en la resistencia. Rá, Culebro, Sere, Winny y Nano. Cinco chicos de la calle de Medellín. Cinco reyes sin reino, sin ley, sin familia, emprenden un viaje en búsqueda de la tierra prometida. Un cuento subversivo a través de un clan salvaje y entrañable, que transita entre realidad y delirio. Un viaje hacia la nada, dónde pasa todo.

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Crítica

Anárquica. Son reyes de lo suyo y lo suyo es nada

En el Festival de San Sebastián han triunfado películas como ‘Magical girl’, ‘Los lunes al sol’ o incluso ‘The disaster artist’. A si es que si sueles estar alineado con el jurado o el público del evento donostiarra esta película te puede interesar. ‘Los reyes del mundo’ se llevó la Concha de Oro y además fue reconocida también con el Feroz Zinemaldia. La película de Laura Mora llega como un nuevo ejemplo de que en América del Sur, más en concreto en Colombia, se sigue llevando el cine social y casi de trinchera, pero demostrando a su vez que esto no está reñido con la calidad o el disfrute recreativo.

‘Los reyes del mundo’ es una cinta llena de una juventud superviviente, liberada y rebelde. Como indica el primer plano de la película, los protagonistas son caballos salvajes sin montura ni estribos en medio de una mugrienta ciudad de asfalto. Y de ese equino animal envidian su libertad, pureza e independencia. Ellos son una extensión de la urbe tan desalmada en la que se han criado, donde como en una selva impera la ley del más fuerte. La película arranca en. Medellín pero si este fuese cine español de los setenta u ochenta estaríamos hablando de cine quinqui. Es un combativo road trip de amistad y hermandad en el que desde el minuto cero nos marcan el tono y las pautas. Es una obra de salvajes en la carretera que si fuese norteamericana estaría rodada al son del Born to be wild. Resulta anárquica y nómada, transcurriendo sin orden hacia una meta que todos perseguimos, encontrar un lugar en el mundo. Son reyes de lo suyo y lo suyo es nada.

Los cinco jóvenes protagonistas son actores amateur. Pero están bien dirigidos y se les ha sacado fuera de su rutina, no como sucede con el ejemplo reciente de ‘Alcarràs’. No sé si viven en la misma situación de exclusión social pero desde luego hacen muy bien de parias y además de mostrar correctamente cómo sobreviven como si fuesen una manada de jóvenes lobeznos, nos hacen pensar si la calle les ha hecho así o si la calle es como es por personas como ellos. Porque, aunque buscan su lugar en un mundo que les margina no dejan de ser una fuerza destructiva de la naturaleza. Son producto de una tierra marcada por las guerrillas y como tal ese tema está subyacente y ejerce realmente de disparador de todo lo que sucede.

Si tú te sientes desorientado o desprotegido a la hora de solicitar una ayuda para subvencionar una bicicleta eléctrica o hacer la declaración de la renta imagina unos jóvenes huérfanos analfabetos en medio de un sistema decadente, corrupto y deficiente, deshumanizado, como casi todos. ‘Los reyes del mundo’ consigue hacer eficiente la metáfora del duro road trip con la difícil vida de unas personas que adoran vivir pero tienen un sentimiento de odio recíproco hacia el mundo. Todo ello además está narrado con una buscada fotografía llena de neones y chatarra que nos lleva a un siglo XXI que parece estancado desde hace más de cien años.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de marzo de 2023. Título original: Los reyes del mundo. Duración: 103 min. País: Colombia. Dirección: Laura Mora Ortega. Guion: Maria Camila Arias, Laura Mora Ortega. Música: Leonardo Heiblum, Alexis Ruiz. Fotografía: David Gallego. Reparto principal: Carlos Andrés Castañeda, Davison Florez, Brahian Acevedo, Cristian Campaña, Cristian David Duque. Producción: Caracol Televisión, Ciudad Lunar Producciones, Dago García Producciones, Exile Content Studio, Iris Productions, Mer Films, Talipot Studio, Selva Cine, Tu Vas Voir Productions. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, road trip. Web oficial: https://www.youtube.com/@CiudadLunarProducciones

Crítica: ‘Los Fabelman’

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Sinopsis

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En ‘Los Fabelman’, un retrato profundamente personal sobre la infancia de un muchacho estadounidense en el siglo XX, Steven Spielberg nos brinda el recuerdo cinematográfico de las fuerzas y la familia que dieron forma a su propia vida y su carrera. A través de una historia universal de madurez sobre un joven solitario que persiguió sus sueños, la película explora el amor, la ambición artística, los sacrificios y los momentos de descubrimiento que nos permiten vislumbrar la verdad sobre nosotros mismos y nuestros padres con claridad y compasión.

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Crítica

De su propio Cinema Paradiso a un caduco drama familiar

Steven Spielberg ha querido hacer con ’Los Fabelman’ una obra biográfica, pero de tapadillo nos cuela una obra que no solo trata a cerca de él, sino de toda su familia y ya si eso de rebote sobre los primeros pasos de su carrera. Muchos cineastas acaban haciendo algo similar, ejemplo reciente el de Almodovar con ‘Dolor y Gloria’, aunque reconozcamos que el director español es casi siempre autobiográfico. Ciertamente este nuevo filme llega premiado y está entre los candidatos al Oscar, pero aunque pese mucho el nombre del rey Midas de Hollywood, no le veo tanto mérito.

Si es patente que en sus inicios ‘Los Fabelman’ rememora a otras películas que rezuman amor por el cine como ‘Cinema Paradiso’. El filme trata sobre la etapa más joven y consciente del director, abarcando de sus 7 a los 18 años. En el primer segmento descubrimos sus primeras influencias vitales y artísticas, su amor por rodar. Pero posteriormente el largometraje cede protagonismo a un drama familiar que se antoja maquillado y que por otro lado no es ni de lejos lo que buscará la mayoría de espectadores.

Tan legendaria es la marca de este cineasta que como mínimo su filmografía puede servir para estar bien documentado. En ‘Los Fabelman’ hay guiños (casi todos excesivamente sutiles) a obras como ‘Salvar al soldado Ryan’, ‘E.T.’, ‘Indiana Jones’, ‘Jurassic Park’… De hecho en el primer título de crédito la luna de ‘E.T.’ Aparece orbitando al terráqueo logo de la Universal. Y en esta nueva película la cámara se mueve igual de bien que en todas esas obras maestras. Pero este no es un desfile de guiños y referencias como ‘Ready Player One’. Se imponen de lejos los recuerdos personales e íntimos a los que el elenco ha podido acceder para que sean recreados con la máxima fidelidad. Sobretodo destaca la relación con su madre, interpretada por Michelle Williams. Con esta actriz observamos la mayor carencia de la obra. No es la mencionada cuestión que me hace decir que la película no se centra en lo cinematográfico, es el hecho de que está extremadamente sobreactuada. Y no es la única pues también vemos esto en los matones de la escuela, por ejemplo. ‘Los Fabelman’ tiene códigos antiguos y me duele decir esto, pero Spielberg no los ha sabido actualizar.

Sam Fabelman graba películas que realmente Spielberg creo en su adolescencia y durante esos momentos nos dejan imágenes para el recuerdo, como esa en la que usa sus manos como pantalla de proyección. También nos lanza mensajes sobre la impostura del cine, el valor de hacer lo que uno sueña o la humildad. Pero por otro lado con este trabajo nos deja claro que ya está lo suficientemente pagado de si mismo y tiene renombre y capital de sobra como para hacer lo que le venga en gana. Ha hecho un juego de palabras pasando del «spiel» al «fable» dos sinónimos de representación, fábula o historia. A los que acudan al cine a verla les conviene saber que no es una lección de cine. Nos rompe las expectativas y ya de paso se pinta como alguien que no ha roto nunca un plato.

Para mi lo mejor es la última secuencia. Con el último movimiento de cámara si hay un atisbo de genialidad. Me consta que les costó semanas que David Lynch aceptase llevar a cabo esta interpretación. Con ella nos llega una anécdota de esas que nos gusta leer en los libros autobiográficos, de las que se hacen fáciles de recordar porque son verdaderamente carismáticas. El resto es la misma chicha que mascamos día a día los comunes mortales.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de febrero de 2023. Título original: The Fabelmans. Duración: 151 min. País: EE.UU. Dirección: Steven Spielberg. Guion: Tony Kushner, Steven Spielberg. Música: John Williams. Fotografía: Janusz Kaminski. Reparto principal: Michelle Williams, Paul Dano, Gabriel LaBelle, Seth Rogen, Julia Butters, Judd Hirsch, Jeannie Berlin, Oakes Fegley, Mateo Zoryon Francis-DeFord, Robin Bartlett, Gabriel Bateman, Nicolas Cantu. Producción: Amblin Entertainment, Amblin Partners, Reliance Entertainment, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: drama. Web oficial: https://www.instagram.com/thefabelmans/

Crítica: ‘El piloto’

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Sinopsis

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En la noche de fin de año, el piloto experto Brodie Torrance (Gerard Butler) realiza un arriesgado aterrizaje cuando su avión, repleto de pasajeros, es alcanzado por un rayo. Perdidos en medio de una isla devastada por la guerra, Torrance se dará cuenta que sobrevivir al vuelo sólo ha sido el principio de una trepidante aventura llena de peligros. El piloto deberá usar todo su ingenio para llevar a los pasajeros a sus destinos sanos y salvos.

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Crítica

Cómodo en su encasillamiento, Butler consigue una respetable película de acción

Es cierto que Gerard Butler está bastante obcecado en hacer el mismo tipo de cine una y otra vez. Eso o que no le caen propuestas más jugosas o variadas sobre la mesa. En los últimos años está asentado como un héroe de acción de carácter maduro y podemos decir que es un justo heredero de Bruce Willis y compañía. En los últimos años ha protagonizado ‘Greenland’, la “saga Objetivo”, ‘Juego de ladrones’, ‘Juego de asesinos’, ‘Geostorm’, ‘Desaparecida sin rastro’… Todos esos títulos además de compartir que sus carteles lucen al actor en primer plano, con sus actores secundarios y una explosión detrás, podéis verlo en este hilo, parten de la misma productora, G-Base, la cual es la compañía que el actor creó con Alan Siegel.

Dicho esto, podemos saber claramente el perfil de película que tenemos con ‘El piloto’. Y viendo cuáles son sus primeros pasos, cómo nos plantean la situación también. La historia de esta película nos cuenta como un comandante de una aerolínea low cost embarca en un avión en plena nochevieja para hacer un vuelo por el índico mientras promete a su hija que llegará a tiempo para empezar el año con ella. Padre viudo, con tripulación nueva que además de llevar a bordo un preso y volar con el mínimo de gasolina para reducir gastos tiene previsto atravesar una tormenta. Todo pintaba fetén, modo ironía ON. Lo que podría ser un drama tipo ‘Sully’ se convierte en una película de acción por un giro o dos que no os voy a desvelar, pero os adelanto que la cosa se complica mucho más.

La premisa suena descabellada y efectivamente repite tropecientos clichés del cine de acción. Pero no resulta tan exagerada como películas anteriores de Butler. Ello es debido a que intenta ser menos espectacular y si lo pensamos la acción no acapara tanto el metraje. Hay muchas más escenas de discusiones entre tripulantes y pasajeros sumadas a movimientos burocráticos para gestionar el rescate. Además el héroe que encarna el actor escocés (hace bien alarde de nacionalidad en la película) es mucho más terrenal que los últimos agentes especiales o asesinos que ha interpretado. Por desgracia pierde el carácter bromista muy pronto y eso le quita carisma. Aunque protagoniza la cinta comparte mucha pantalla con Mike Colter (el cancelado Luke Cage de Netflix). La relación que tienen sus personajes puede asimilarse a la de maleantes y policías de ‘Con Air’, ‘The contract’ o ‘Asalto al distrito 13’. Ambos tienen que colaborar en una situación crítica, pese a que uno sea un delincuente y el otro un hombre de principios.

La verdad es que contando con Marco Beltrami y Marcus Trumpp para la banda sonora todo podría haber lucido mucho mejor. En lo que se refiere acción de bajo o medio presupuesto me quedo con mejores propuestas, como ‘One shot’ o ‘La memoria de un asesino’. Pero creo que Jean-François Richet le ha sacado partido a Butler del mismo modo que hizo con Mel Gibson en ‘Blood father’. Me ha entretenido de una manera respetable esta película que Butler como productor ha querido llamar ‘Plane’ y en España han decidido cambiar a ‘El piloto’.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de febrero de 2023. Título original: Plane. Duración: 107 min. País: EE.UU. Dirección: Jean-François Richet. Guion: Matt Cook, Charles Cumming, J.P. Davis. Música: Marco Beltrami, Marcus Trumpp. Fotografía: Brendan Galvin. Reparto principal: Gerard Butler, Mike Colter, Yoson An, Daniella Pineda, Tony Goldwyn, Paul Ben-Victor, Joey Slotnick, Tara Westwood. Producción: Di Bonaventura Pictures, G-BASE, Lionsgate, MadRiver Pictures. Distribución: DeAPlaneta. Género: acción. Web oficial: https://www.plane.movie/

Crítica: ‘Alégrame el día’

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En qué plataforma ver Alégrame el día

No nos ha alegrado el día pero nos gustaría que hubiese más

Netflix, manteniendo su clara estrategia para el fomento de las producciones de animación y en concreto en formato anime, estrenó hace unos días una nueva serie. ‘Alégrame el día’ es una historia de ciencia ficción que con ocho episodios de media hora es capaz de engancharnos a todo un nuevo universo. Es una narración repleta de acción y sentimentalismo con ideas muy originales y también con claras referencias.

‘Alégrame el día’ lleva ese título, pienso yo, porque trata a cerca de personas que llevan vidas miserables y encima todo se va de madre convirtiéndose en una pesadilla. Es un clamor por un héroe, un amigo, una pareja que te haga la vida mejor o por lo menos que edulcore la situación. Nos cuenta la aventura de la humanidad en un gélido planeta. Allí una corporación de carácter gubernamental manda a prisioneros para extraer un valioso mineral. Pero la excavación, de proporciones desmesuradas, despierta algo en el interior del planeta que convierte todo en una huida desesperada.

La historia está repleta de parias y prisioneros. El protagonista es un chico en prácticas como soldado o funcionario de prisiones. Se topa de bruces con el gran problema que da origen a esta serie y mientras intenta sobrevivir y rescatar a sus seres queridos vamos descubriendo nuevos secretos del misterio que estaba escondido bajo tierra. Gracias a la acción y la originalidad de lo que nos cuenta la serie está entretenida.

Además este mortal ambiente viene acompañado de un diseño de máquinas y de criaturas muy original. A parte de los seres que se han despertado y que amenazan a la humanidad vemos muchos robots, drones y exoesqueletos. Toda esta tecnología es muy típica en las historias japonesas y viene siendo un sello para su creador Yasuo Ohtagaki quien está ante su primera obra dirigida y en cuyo currículo figura ‘Altered Carbon: Reenfundados’.

Pero lo que más llama la atención son dos cosas. Por un lado la animación, que es casi igual que la de la versión animada de ‘Altered Carbon’ que acabo de mencionar. Es moderna, parece casi norteamericana, en cierto sentido eficiente, pero encontrará sus detractores ya que puede resultar algo fría. Es un tipo de animación 3D que nos puede recordar al ‘Spiderverso’ o a las animaciones de algunas máquinas arcade. Por otro lado las nuevas criaturas. Unos tardígrados flotantes similares a los que vimos en ‘Star Trek: Discovery’. Si no conocéis a estas pequeñas criaturas, aquí del tamaño de un coche, sabed que son resistentes a casi todo, por lo que imaginad lo que es enfrentarse a uno gigante y que se mueve en manadas.

Dado que trata de un “planeta prisión” puede rememorar a ‘Predators’. Pero la aventura y la mecánica que luce es más propia de ‘Alien’, ‘Starship Troopers’ o cualquier historia de zombies. Los personajes intentan descubrir cómo matar a las oleadas de hordas que lentamente les van masacrando mientras se mueven por naves o instalaciones corporativas, todo muy típico de esas franquicias estadounidenses. Pero aunque las referencias sean así de claras la serie se percibe muy japonesa. Se nota sobre todo en los gestos, el vocabulario, la manera de ser de los personajes… Todos tienen carácter honorable y heroico o son villanos que deforman aquello que representa el protagonista. Y por otro lado también se nota que tiene momentos ñoños de amor y redención, donde la historia se adormece.

La primera temporada de ‘Alégrame el día’ es conclusiva pero también hay que decir que no se cierra como algo definitivo. Podría (ojalá) apuntar a más entregas, a saga, a narrativa transmedia o a expansión en cualquier tipo de formato.

Crítica: ‘Llaman a la puerta’

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Sinopsis

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Durante unas vacaciones en una cabaña alejada de todo, una chica y sus padres se convierten en rehenes de cuatro desconocidos armados que obligan a la familia a tomar una decisión imposible para evitar el apocalipsis. Con acceso limitado al mundo exterior, la familia deberá decidir qué creer antes de que todo esté perdido.

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Crítica

Un Shyamalan sin grandes giros pero fiel a su estilo y rompiendo moldes

Night Shyamalan regresa al cine tras atraparnos con la serie ‘Servant’ y lo hace con una película que podríamos decir que está escrita a ocho manos. ‘Llaman a la puerta’ surge de un relato de Paul Tremblay, que ha adaptado el mismo director pero contando también con la aportación de Steve Desmond y Michael Sherman (cortometraje ‘Monsters’). El largometraje me ha gustado mucho, y lo sitúo entre los títulos de Shyamalan que hacen afición, pero me parecen muchas manos para poca complejidad o sorpresa.

Si te gusta Shyamalan por los personajes que construye y la tensión que es capaz de generar, esta película te va a gustar mucho. Si, por el contrario, te acercas a ‘Llaman a la puerta’, buscando los sorprendentes giros del director, te va a decepcionar. Pero la película es muy suya porque consigue ser tan enigmático como siempre. Es una obra que se sitúa dentro del subgénero “home invasion”, ese que trata acerca de intrusos que rompen la cotidianidad de una familia, colándose en su casa y violentando todo. Rompe ese esquema agresivo y pese a no tener grandes giros de guión, entretiene. Y lo hace por el carácter perturbador y desconcertante de sus invasores. Dadas las intenciones que declaran tener su comportamiento es decidido pero a priori benefactor y sus palabras, pese a ser funestas u ominosas van acompañadas de un vocabulario amable. No sabes si sin unos locos o si finalmente tendrás que darles la razón, ese es el juego.

El título de la novela original (‘The cabin at the end of the world’) ya augura de qué va la trama. El intríngulis de esta historia está en el suspense que tenemos al aguardar a ver si todo esto es un problema psicológico de los personajes, si es un tema religioso o si hay algo de verdad en todo esto. Advierto a los lectores del libro original que el final está cambiado. Y con esto no quiere decir que esté peor concluida, para eso están los gustos de cada uno o la coincidencia con la teoría que te hayas ido montando durante la historia. Además la escena final es muy bonita, gestiona muy bien las emociones de los personajes. Pero sí que es verdad que yo me esperaba que nos diese algo más de contexto, aunque tampoco quería un final tan alargado como el de ‘Old (Tiempo)’. Me encuentro en una curiosa dicotomía con ‘Llaman a la puerta’, pero se impone en mí la sensación de haber estado todo el tiempo intrigado y de haber disfrutado unas buenas interpretaciones por parte de absolutamente todo el reparto. Entre sorprendido y congratulado me he quedado con la interpretación de Dave Bautista que carga con el peso de la película, compartiéndolo con Jonathan Groff y Ben Aldridge.

Me ha gustado comprobar también que el director sigue fiel a su marca. Por ejemplo, mantiene ese esquema narrativo a base de flashbacks que nos van construyendo a los personajes y en parte aportando a la historia. Por supuesto, le envidio por poder hacer esto, introduce un nuevo cameo. Y también aporta pequeñísimas gotas de humor, de ese que parece que introduce inducido por una especie de remordimiento por ser capaz de imbuirnos tanta inquietud y misterio (no solo por freírnos pollo, ya descubriréis a qué me refiero). A esa agonía que sentimos también contribuye el siempre presente sonido de la madera crujiendo. En el plano de la mera imagen podemos decir que rueda igual de bien que siempre, pero en ‘Llaman a la puerta’ ha puesto un especial cuidado en las instantáneas que nos ofrece. En concreto muestra multitud de planos cerrados y una clara obsesión con la regla de los tercios que nos transmite la sensación de estar en un lugar cerrado, muy pegados a los personajes. Quizá esa fijación con una norma tan básica de la fotografía venga también de la mano del hecho de haber rodado la película en 35 mm. También es cierto que el director de foto ha sido uno distinto al habitual del director, Jarin Blaschke, quien ha mostrado mucha maestría en las películas de Robert Eggers.

Zona spoiler. Yo he visto la película como si fuese una precuela del cómic ‘The Nice House Of The Lake’ o como si fuese explotar la misma idea de ‘El sacrificio de un ciervo sagrado’. Y enmarcada en un contexto así me funciona. E incluso puedo decir con agrado que me ha recordado a ‘Matar a Dios’. Hablando con los compañeros de prensa tras ver la película ha habido quien la ha situado dentro del mismo universo de ‘El bosque’ y la verdad es que puede cuadrar, pero yo no he visto que Shyamalan haya tenido la intención de crear una película que funcione como secuela o precuela. Quien sabe, quizás nos sorprenda con otro cierre como aquella magnífica confluencia de películas que fue ‘Glass’.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de febrero de 2023. Título original: Knock at the Cabin. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: M. Night Shyamalan. Guion: M. Night Shyamalan, Steve Desmond, Michael Sherman, Paul Tremblay. Música: Herdís Stefánsdóttir. Fotografía: Jarin Blaschke, Lowell A. Meyer. Reparto principal: Dave Bautista, Jonathan Groff, Rupert Grint, Ben Aldridge, Nikki Amuka-Bird, Abby Quinn, William Ragsdale, Kristen Cui, Satomi Hofmann. Producción: Universal Pictures, Blinding Edge Pictures, FilmNation Entertainment, Perfect World Pictures, Wishmore. Distribución: Universal Pictures. Género: suspense, drama, adaptación. Web oficial: https://www.universalpictures.com/movies/knock-at-the-cabin