Nos juntamos con Holocausto Zinéfago para compartir lo mejor y peor de Sitges y Nocturna
El fantástico nos vuelve a unir para contar lo que más, y lo que menos, nos ha gustado de festivales como Sitges y Nocturna. Las ediciones de 2019 han venido muy cargadas de títulos tanto nacionales como internacionales y os damos las guías para reconocer qué próximos estrenos de género de terror, ciencia ficción, fantasía… os pueden interesar más para esta temporada. Además hablamos de nuestras anécdotas con los invitados más destacados y realizamos un sorteo de un DVD firmado por Alex Proyas.
Seguimos el camino de Aaron Paul para finalizar el festival
Aaron Paul ha demostrado hoy en Sitges ser todo un profesional. Tras un día viajando y enterarse al llegar a su hotel de la muerte de su compañero Robert Foster ha sido capaz no solo de asistir a todos los eventos de su programa si no de mostrarse divertido y abierto a todo tipo de preguntas o peticiones. Aún así tuvo palabras muy afectuosas para el recién fallecido actor.
Su película ‘El camino’ se estrenó justo el día antes y ha marcado el regreso a su archiconocido personaje de ‘Breaking Bad’, Jesse Pinkman. Sobre esto ha declarado que «Vince Guilligan no tiene que hacer nada para convencerme. Era algo que él tenía planeado. Hace dos año me lo sugirió y le dije que le seguiría basta el fondo de un abismo, me ha dado una carrera y le confiaría mi vida». A esto añadió que no tengo ni idea de cómo conseguimos mantener el proyecto en secreto dado que rodábamos en el exterior. Nos ayudo que hacía tiempo que se había acabado la serie. Mis conocidos me preguntaban que estaba grabando y yo decía, nada in proyecto indie, personal… Al final pudimos decir que la habíamos colado».
«Hay muchos personajes que me gustaría que apareciesen pero confiaba en Vince, el sabe lo que hace y no iba a meter a nadie con calzador o que no fuese necesario» dijo sobre el elenco que aparece en la película de Netflix. «Este es el fin para Jesse Pinkman, es un regalo para la audiencia. El propósito era clausurar su historia. El final de la serie es precioso, tengo una opinión obviamente sesgada pero lo pienso así» añadió.
«No tengo ni idea de que va a ser de mi carrera. Espero que me sigan llevando trabajos que me lleven a otros límites. Espero tener otra hija y viajar por todo el mundo» comentó tras este punto final para su personaje. Añadió después que «voy a hacer una serie para Apple con Octavia Spencer, es mi primer trabajo original. Estoy también en la tercera temporada de Westworld, fue un rodaje de locura».
Sobre la serie que co-protagonizó y que a tantos nos ha gustado desveló que «cuando leí el piloto pensaba que conocía al personaje. Pero después de muchos episodios vimos como se habían formado capas en él. Yo había comido y bebido al personaje, me forcé a crear un contexto, pero con la película hemos entrado en un capitulo que me ha ayudado a comprender el infierno que ha vivido». Además le preguntamos sobre cómo es trabajar con Bryan Cranston con quien lanzará una bebida (Dos hombres) próximamente: «Ese tipo fue mi mentor y le amaré hasta morir. Es la persona más inmadura al trabajar que conoceré en mi vida pero también de las más profesionales. Trabajar con él fue como estar en un continuo taller de interpretación».
Por sorpresa y a pesar de estar visiblemente afectado en su salud, se ha plantado Dario Argento en Sitges. El maestro del terror italiano ha estado acompañado de AntoniaLava para presentar un teaser y hablar de uno de sus próximos trabajos. «Hemos hecho un teaser que es un regalo a Sitges, a su público» dijo Lava. El vídeo que hemos visto dura 27 segundos y Dario Argento se partía de risa al verlo en la sala.
La serie que va a realizar junto a Lava es una co-producción italiano y española. «Voy a rodar en Barcelona, habrá un director español y técnicos de aquí, por eso me parecía buena idea venir a presentarlo al festival. Aunque mi idea sería que más que un español fuesen dos y que se encargasen de la parte final que es la más difícil» afirmó el mítico director italiano.
La pregunta era fácil que surgiese ¿qué es el Giallo para ti? «Es una especie de thriller, en el que no se sabe quién es el asesino. Es elegante, bello, con mucha atención especial a las mujeres. Colores bellos. Ha habido muchas interpretaciones de giallo en Estados Unidos pero es eso» respondió. Actualmente está surgiendo muchas películas que imitan el género italiano. «Estamos viviendo un renacer del giallo y por eso me persiguen para hacer una película. Pero yo quiero hacer algo que realmente me interese» dijo rotúndamente.
También se ha dado a conocer en esta jornada el palmarés de la 52ª edición, podéis consultarlo aquí. Seguidamente podéis leer las últimas películas que hemos visto des este Sitges 2019.
Un epílogo que cierra una serie que fue cerrada de manera elegante y con una especie de cliffhanger. ‘El camino’ es una perla para aquellos que aman ‘Breaking Bad’ o tienen frescos sus detalles ya que rescata varios elementos que vimos durante sus 5 temporadas.
Aaron Paul demuestra de nuevo lo buen actor que es y nos remonta con una joven nostalgia al personaje de Jesse Pinkman. La película de Vince Gilligan funciona a pesar de la pérdida de Heisenberg (Bryan Cranston) y se mantiene esa sensación de que Jesse no era el lumbreras de la asociación pero sí que como un perro acorralado sabe salir de sus embrollos. No es un título esencial para comprender la que se considera una de las mejores series de la historia pero si funciona como bálsamo para el intenso final que mantuvo en vilo a millones de personas.
Estas reglas son las que deben respetar las dos protagonistas de ‘Braid’ si quieren salir con vida de la casa donde su extraña amiga de la infancia vive y donde van a refugiarse al estar buscadas por la policía.
A partir de entrar en la casa nuestras protagonistas tienen que enfrentarse a diferentes juegos que inventa Daphne, llegando a ser torturadas y llevadas a la locura. Esta locura se termina convirtiendo en la gran protagonista de la cinta dando imágenes y situaciones bastante absurdas y muy llamativas. Eso sí, todas ellas llenas de sangre, muertes y con una gran puesta en escena.
Las tres protagonistas son MadelineBrewer (‘El cuento de la criada’), ImogenWaterhouse (‘Animales nocturnos’) y SarahHay (‘9-1-1’). La película se deja ver, quizás no sea de lo mejor que he visto en el Festival, pero sinceramente me la esperaba mucho peor.
Vuelve la Familia tan querida (sobre todo por los mayores) a las grandes salas, esta vez en formato película de animación.
Dirigida por GregTiernan y ConradVernon (‘La fiesta de las salchichas’) esta Familia Addams deja mucho que desear, al menos para los que tenemos en el recuerdo las dos cintas de los años 90. Han intentado mostrar en todas las imágenes escenas un tanto macabras, pero no logran dar ese toque siniestro a esta historia que está más pensada para un público demasiado infantil.
En su versión original escuchamos las voces de CharlizeTheron, que está maravillosa hasta doblando, OscarIsaac o Chloë Grace Moretz, sin duda el personaje peor interpretado. Y ya lo de la música de SnoopDogg es otra manera de vender la película que más bien pega para un ‘Hotel Transilvania’.
SABU nos ha demostrado a aquellos que no habíamos visto sus películas que es un portentoso director. Tras divertirnos con la rareza que es ‘Dancing Mary’ hemos podido comprobar con ‘JAM’ que sabe hacer diversos tipos de historias. En concreto esta consiste en una de esas difíciles narraciones que cruza los caminos de distintos personajes.
El filme está tremendamente bien montado y su guión no deja fleco alguno. Observamos el destino de tres jóvenes que tienen diferentes problemas pero múltiples nexos en común. ‘JAM’ nos muestra unos saltos de trama a lo ‘Pulp Fiction’ para después guiarnos por una venganza a martillazos como en ‘Old boy’ y seguir contándonos una historia a lo ‘Misery’, pero no se queda ahí.
Tres visiones diferentes de Japón con pellizcos de humor y golpes de acción. Una idea que da para más y que próximamente hemos podido saber que SABU continuará explotando. Lo deseamos y lo veremos.
Las sectas y los sueños entran en juego en este filme ruso dirigido por el debutante PavelSidorov. Pero lo que más se impone son los miedos y el trauma, sobre todo en el trasfondo de la protagonista que bien poco nos ayuda a sentir su situación dada su actuación falta de expresividad y espontaneidad.
Buena puesta en escena es la que nos regala ‘Quiet comes the down’ no obstante resulta demasiado esclarecedora, da excesivas pistas y se huele el pastel tremendamente pronto. Una pena pues la historia de partida es muy atractiva y original, es como un ‘Inception’ versión terror con una mitología propia tras ella.
La niña de ‘The ring’ (versión japonesa) continúa sus andanzas en el cine y tras varias entregas y un enfrentamiento contra Kayako (el fantasma de ‘El grito’) tiene porfin una película con su nombre. Un filme que ha dirigido el director de las primeras partes (Hideo Nakata)
Está muy lejos de lo que fue a finales de siglo esta niña melenuda y de lo que a principios conseguía su director con películas como ‘Dark water’. La película es tan poco coherente con las «normas» del fantasma que nos descoloca. A parte de tener fallos de guión las actuaciones son de muy bajo nivel . Llega a ser incoherente y a repetir los pasos de entregas anteriores eliminando así cualquier factor sorpresa o giro de guión que aporte algo de riqueza a esta saga.
Ni siquiera incorporando elementos tan modernos como la profesión de youtuber logra ser ingeniosa o novedosa. Aunque hay que admitir que la única secuencia salvable es la del vídeo viral que filma uno de los personajes.
Esta nueva película de supuesto terror adapta la última novela de la saga de Koji Suzuki. Esperemos que sea la última y dejen descansar a Sadako en paz.
La animación asiática al poder en un día en que hemos visto sexo con un frigorífico
Las películas animadas como ‘White Snake’ o ‘Human lost’ han sido de lo más destacado en un día en el que también hemos disfrutado de títulos como ‘Punto muerto’, ‘Yves’ o ‘Corporate animals’. Más decepcionante ha sido la inclusión en el programa de films como ‘Pelican blood’ o ‘I trapped the devil’.
Para nosotros este ha sido un día especial por haber podido conocer a los autores de películas de culto como ‘The endless (El infinito)’ o ‘Resolution’. Aaron Morhead y Justin Benson han estado junto con el productor David Lawson Jr. para presentar ‘Synchronic’. Una de estos dos talentosos y prometedores directores que han contado en esta ocasión con actores como Anthony Mackie y Jamie Dornan. Nos han contado como en esta ocasión han tenido más presupuesto en su nueva película y así poder contar con los actores citados como protagonistas. Además de que estaban muy interesados en hacer esta película por lo el tema de las drogas, lo curioso que podría ser que una droga hiciese viajar en el tiempo, además de utilizar a una persona de color, pues como se ve en el filme, la historia de América no es muy dada a tratarles bien. Han hablado también de sus otras cintas, que ya pudimos ver en Sitges en años anteriores, como ‘The Endnless’ y ‘Resolution’ y del largometraje que está ahora mismo en el festival, ‘AfterMidnight’ pues también son productores.
Este es el material que se ha proyectado hoy y que hemos visto. Para saber a cerca de otros títulos visitad nuestras entradas anteriores.
‘Pelican blood’
Una domadora de caballos ha de enfrentarse a la crianza de una criatura indómita. Y no me refiero a uno de sus cuadrúpedos que tiene que preparar para policías anti-disturbios, si no a una nueva hija. Acostumbrada a trabajar con animales irracionales y salvajes se ve en el reto de tener que contener a una niña que no encuentra barreras entre lo bueno y lo malo, que no entiende de normas y que la pone al límite.
Es un buen drama, con unos paralelismos bien definidos e inteligentemente introducidos. Pero si alguien encuentra algo fantástico en esta película es que tiene un gran problema o mucho miedo a convivir con niños pequeños. Solo en los últimos compases entra la vía de la superstición y deja una ligera sombra de duda. Lo único que vemos es que la criatura (que se llama Raya) no sabe dónde está la raya entre lo que debe o no hacer, está como asilvestrada y su comportamiento afecta a la armonía de su hogar, a las relaciones y trabajo de su madre. ¿Es ahí donde han visto terror los programadores del festival?
Las nuevas tecnologías son las grandes protagonistas de esta película, en especial un frigorífico que no solo enfría, sino que sirve de agenda, te pide la comida que necesites y además te ayuda en tu vida personal.
Jerem un rapero de poca monta decide acoger una de estas neveras como experimento y para poder comer gratis durante unos días. Yves le ayuda en todo lo que puede hasta que ambos se enamoran de la misma mujer.
Una comedia bastante delirante amor y sexo con electrodomésticos son los temas hacia donde va la cinta. Además nos dan una de las mejores galas de Eurovisión que podáis ver en una pantalla. Además por supuesto de una historia de amor extraña y futurista.
Una vez más los japoneses son capaces de crear una obra de ciencia ficción con nuevos códigos. Su comprensión de la tecnología y concepto del alma o cuerpo humano ha dado a luz una humanidad longeva, regenerativa y monitorizada. Un mundo en el que un muerto puede ser resucitado de manera remota.
La película tiene mucha acción y una excelente animación que puede recordar a las últimas versiones de ‘Ghost in the shell’ casual o referencialmente una organización del filme se llama G.H.O.S.T. Con su calidad visual en la que se emplea mucho ordenador nos adentran en una ciudad de metal y personas controladas muy futurista y con toque distópico.
Este no es un filme 100% basado en la informática o los nano implantes, no hay riesgo de perderse con sus tecnicismos porque está muy bien explicada. Un regalo para los amantes de las historias futuristas y la exploración de la esencia humana.
Divertida y delirante, así es ‘Corporate animals’, donde vemos a un equipo de trabajo obligado a salir durante unos días para hacer espeleología y aprender a trabajar en equipo uniendo lazos.
Algo muy típico en Estados Unidos, son este tipo de excursiones para lograr crear amistad entre todos los trabajadores, lo que no sabían estos pobres currantes es que quedarían encerrados en una cueva y que todo esto no haría más que sacar lo peor de cada uno.
De lo mejor que he visto en el Festival, no es una joya, pero como he dicho es muy divertida y ver a DemiMoore como una estricta y desquiciada jefa ha sido bastante gratificante.
¿Cuánto dura el ser humano en sacar su lado oscuro? ¿En intentar ser mejor que otros? Competitividad, amistad, viejas rencillas, todo ello lo veremos aquí y os aseguro que os lo pasareis genial .
Recién estrenada en Argentina y con una lograda ambientación en blanco y negro que nos remonta a clásicos del cine negro conocemos la historia de un autor que sufre en sus carnes lo que él mismo ha escrito. «Elegí un mal día para dejar de tomar» dice el protagonista interpretado por Osmar Núñez (‘Arde Madrid’, ‘Relatos salvajes’) recordándome ‘Aterriza como puedas’. Y así va el principal personaje de este filme, luchando para no estrellarse.
Planos lúcidos y frases elocuentes en un relato digno de Agatha Christie. Realidad y ficción se mezclan en un duelo a contrarreloj entre escritores, policía y el miedo a la crítica. Con los toques que tiene nos recuerda a Alan Poe y podemos decir que la frase «el miedo puede abrir las puertas de la imaginación» describe correctamente un filme que nos hace jugar como en el black stories.
Desde China nos llega una historia de amor y aventuras muy apta para casi todas las edades que nos narra una contienda entre viejas y nuevas corrientes, entre cazadores de serpientes, taoistas y demonios. Rodeando un romance imposible tenemos mucha acción, pero un poco de indecisión a la hora de determinar el público objetivo.
‘Bai she: yuan qi (White Snake)’ es una película con una animación digna de la calidad de una serie televisiva, donde muchas veces se ve que hay menos margen de tiempo y presupuesto para pulir detalles. Pero dicho lo cual no es para quitarle méritos ya que tiene su interés artístico. Porque si que es cierto que el diseño tiene mucho encanto y sobre todo al principio del filme vemos imágenes con ángulos y composiciones excelentes.
Esa animación nos incita a pensar que es una película de tintes infantiles, incluso hay un momento musical y un personaje canino parlante bastante pueril, que por cierto a veces está bastante maltratado. Pero en el transcurso de la película vemos algo de violencia sin sangre y un preludio al sexo a si es que el nivel de edad se puede decir que se eleva.
El encanto de los cuentos orientales nos abraza bastante en este filme que tiene momentos bastante imaginativos y desemboca en las ya clásicas contiendas místico-kaiju. Una cinta de animación bastante potable y exportable que no me extrañaría que estuviese disponible alguna vez en España.
El director SABU y el actor RyoIshibashi han presentado en Sitges Festival ‘Dancing Mary’ una historia muy típica de fantasmas, donde un grupo de obreros intentan derrumbar un edificio encantado. El jefe de obra y una médium deben encontrar al amado de Mary para lograr que sus almas descansen en paz.
Dentro de esta historia típica me ha gustado mucho los recursos que ha utilizado el director, como por ejemplo interrogar a los fantasmas para lograr llegar al final de la búsqueda, los diferentes médiums que intentan ayudar a la causa y como la imagen cambia a blanco y negro cuando pasan al mundo de los espíritus.
Una película muy bien dirigida, muy bonita visualmente pero donde flojea bastante la historia.
Toho suma una apuesta más por la animación con este título de Tatsuyuki Nagai (‘El himno del corazón’). Anime de corte clásico que nos cuenta como una joven idolatra al novio de su hermana y decide seguir sus pasos. El chico se marcha a la gran ciudad y años después su versión joven reaparece en el local donde ensayaban, encontrándose con una muchacha que está lista para tocar el bajo con él e incluso enamorarse.
Una historia que transcurre en el Japón rural y que habla sobre la búsqueda de identidad, la persecución de los sueños y todo aquello que se puede perder al dejar atrás tu ciudad y gente. Aunque suene muy dramático se hace bastante amena.
Un joven se topa con un tipo que dice ser la muerte. Éste le lleva por la ciudad a vivir experiencias que no están en sus costumbres. Es entonces cuando el protagonista vive más intensamente incluso disfruta de la vida. Todo transcurre en una sola noche en la que deambulamos por una ciudad alemana muy oscura.
La película de Xaver Böhm tiene una especie de obsesión por las flores y las luces de neón, no sé si será algo propiamente típico del director (no he visto más trabajos suyos) o es únicamente algo que ha empleado para ambientar introduciéndonos en una noche de temores y sustancias alucinógenas. Me parece muy correcto el uso que hace de los diálogos y los acontecimientos para sembrar la duda en el espectador. ¿Es realmente la muerte o un tipo pasado de rosca?
Matt es convencido por su mujer para visitar su casa de la infancia donde sigue viviendo su hermano. Llevan tiempo sin saber de él y quieren pasar las navidades juntos. Lo que no se esperan es encontrarse a su hermano en un estado un tanto paranoico y diciéndoles que tiene un demonio encerrado en su sótano.
El filme está rodado un juego de luces y colores estupendo, una casa bastante claustrofóbica y un sótano del que no sabes exactamente qué va a salir. Lo tiene todo para ser una buena película, pero es demasiado previsible y según avanza ves venir el siguiente paso sin emoción ninguna.
Roland Emmerich regresa con un bombardeo de acción
La batalla de ‘Midway’ fue, al igual que muchas otras, un punto clave en la II Guerra Mundial. Roland Emmerich (‘Independence Day’, ‘El patriota’) ha querido plasmar la heroicidad de aquellos que fueron partícipes de este enfrentamiento aéreo en una película cargada de explosiones y adrenalina.
La espectacularidad de las películas de Emmerich a atraído un reparto formado por Ed Skrein (‘Juego de Tronos’), Woody Harrelson (‘Han Solo’), Patrick Wilson (‘La Monja’), Luke Evans (‘El Hobbit’), Aaron Eckhart (‘Sully’), Nick Jonas (‘Uglydolls: Extraordinariamente feos’), Mandy Moore (‘This is us’), Dennis Quaid (‘El día de mañana’) y Darren Criss (‘American crime story: El asesinato de Gianni Versace’).
El próximo 5 de diciembre 8 de noviembre podremos ver ‘Midway’ en cines y muchos descubrir nuevos detalles de esta batalla del pacífico.
La grabación de una película de serie B de muertos vivientes es interrumpida por un auténtico apocalipsis zombi.
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Crítica
‘One cut of the dead’ levanta ovaciones dada su capacidad de transmitir pasión por hacer cine
El año pasado ‘One cut of the dead’ pasó por diversos festivales españoles como Sitges o la Muestra SYFY y puedo dar constancia de que las impresiones que aquí comento no son solo mías, son bastante generales. ‘One cut of the dead’ levanta ovaciones dada su capacidad de transmitir pasión por hacer cine. Da gusto ver cómo lo pasan los personajes y como gozan los actores promocionando su película. Este es un ejercicio no solo de disfrute cinematográfico sino también de trabajo en equipo en armonía y el mejor de los ambientes.
Para hablar de esta película lo primero que hay que comentar es que se compone de dos planos secuencia. El primero que parece una película de terror convencional y el segundo que llega con un buen giro de guión que cambia totalmente las cosas. Estad pendientes a todos los detalles porque el equipo de Shinichirô Ueda os los va a desgranar de un modo casi inédito. El filme esta tan bien rodado, con tal compenetración y sentido de la continuidad que lo considero un gran zasca a esos grandes cineastas que como Iñarritu son reconocidos por engañifas como ‘Birdman’.
Volvería a ver varias veces este filme pero no por haberme perdido cosas, ya que está perfectamente desmenuzada y explicada, si no por disfrutar de su originalidad y a su vez de su simplicidad. Aunque hay que decir que para coordinar las escenas que vemos hace falta un buen trabajo logístico.
Podría decirse que ‘One cut of the dead’ es un filme terroríficamente cómico y una demostración de metacine tremendamente lograda. Vais a ver corriendo a zombies y a equipos de rodaje por igual. Está repleta de maquillaje de pura serie B, sangre casera y humor splashthic. Me parece una manera francamente astuta de rendir culto al género de zombies mientras que a su vez lo ridiculiza. Para ser un tipo de películas que tenemos más que trillado y tamizado me fue una maravillosa sorpresa descubrir este filme. De las películas que uno agradece ver y que son una entrada bien gastada.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de septiembre de 2019. Título original: Kamera o tomeru na! Duración: 96 min. País: Japón. Dirección: Shinichirô Ueda. Guion: Shinichirô Ueda. Música: Shôma Ichihashi, Kentarô Kodama, Nobuhiro Suzuki. Fotografía: Takeshi Sone. Reparto principal: Takayuki Hamatsu, Yuzuki Akiyama, Harumi Shuhama, Ayana Gôda, Miki Yoshida, Kazuaki Nagaya, Hiroshi Ichihara, Takuya Fujimura, Yôko Takahashi, Satoshi Iwagô, Tomokazu Yamaguchi, Manabu Hosoi, Yoshiko Takehara. Producción: ENBU Seminar, Panpokopina. Distribución: La Aventura Audiovisual. Género: comedia, terror. Web oficial:https://kametome.net/index.html
No queda nada para la edición de septiembre de Japan Weekend y además de conocer a sus invitados comenzamos a descubrir esos detalles que hacen que nos llevemos recuerdos del evento. Uno de ellos será la oportunidad de fotografiarnos con un objeto icónico de una serie mítica del manga y el anime japonés como son las motos de Bulma y Lunch.
Estamos seguros de que muchos cuando vais por la calle y veis esas motos recubiertas por un cristal os acordáis de cuando erais niños y veíais a Bulma corriendo a toda mecha en su moto. Pues ahora podréis montaros en una reproducción de ese vehículo gracias al trabajo de la empresa española Bel&Bel, que previamente también habían creado la moto de Lunch.
Esta moto es eléctrica y 100% operativa. Única en el mundo y echa a escala de cómo serían Bulma y Son Goku. La moto contiene mappings con tres velocidades y un marcador igual al del Anime con el radar de las bolas de dragón integrado. ¡Etiquetarnos en vuestras fotos cuando las subáis a las redes, queremos vernos en ella!
Mitsuru Sasaki es un cocinero que puede hacer maravillosas comidas sin siquiera pensarlo. Pero es tan perfeccionista que pierde su reputada restaurante y se ve obligado a cocinar por encargo. Un día, recibe una solicitud especial para cocinar un mítico banquete espectacular del siglo pasado. El problema es que necesita descubrir la receta del famoso chef Yamagata que estuvo en la Manchuria ocupada por China en la década de 1930.
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Crítica
Una deliciosa historia de amistad y confianza
Después de ver ‘El cocinero de los últimos deseos’ solo os recomiendo tener un restaurante de comida japonesa cerca, os aseguro que saldréis con mucha hambre.
Esta tierna película del director Yôjirô Takita, ganador del Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa por ‘Despedidas’, nos cuenta la historia del cocinero Mitsuru Sasaki, cuyo trabajo es realizar comidas por encargo para clientes muy especiales. En su último encargo no solo tendrá que cocinar, sino que además se adentrará en una bonita historia en la búsqueda de las recetas del famoso chef Yamagata.
No puedo hacer otra cosa que recomendar la película, aunque tenga momentos de drama, la cinta te deja con una sonrisa en la boca. Vamos conociendo la historia de una familia vista desde la perspectiva de sus propios protagonistas y por supuesto de la cocina, mientras que Mitsuru debe desentrañar el puzle en el que le han metido.
La cinta está muy bien rodada y narrada, sus dos horas de duración pasan rapidísimo mientras vemos distintos platos de deliciosa comida y conocemos a todos los personajes entrañables de la película.
Basado en la novela de Keiichi Tanaka, ‘El cocinero de los últimos deseos’ no solo trata de comida, dentro de todos los temas que podemos ver están la amistad, confianza y sobre todo la familia. Además que vamos también a temas raciales, ya que la película viaja desde el 2002 al año 1933 donde la Segunda Guerra Mundial está latente y las diferencias entre japoneses y chinos están a flor de piel.
En el reparto encontramos a KazanuriNinomiya (‘Gantz’, ‘CartasdesdeIwoJima’), HidetoshiNishijima (‘Elvientoselevanta’), GoAyano (‘Ikari’) y AoiMiyazaki (‘Ikari’). Cada uno con su historia, pero todos tienen algo en común y es su empeño por lograr que el nombre de Yamagata no se olvide.
En cuanto al nivel técnico no hay mucho que señalar, es una cinta muy sencilla sin grandes planos ni detalles, donde la historia es lo que realmente cuenta.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de agosto. Título original: The last recipe: Kirin no shita no kioku. Duración: 126 min. País: Japón. Dirección: Yôjirô Takita Guión: Tamio Hayashi, basado en la novela de Keiichi Tanaka. Fotografía: Yoshinori Oshima. Reparto principal: Kazunari Ninomiya, Hidetoshi Nishijima, Aoi Miyazaki, Gô Ayano, Daigo Nishihata, Yoshi Oida, Togo Igawa. Producción: Pipeline. Distribución: Sherlock Films y A Contracorriente Films. Género: Drama. Web oficial:http://www.sherlockfilms.com/pelicula/543/el-cocinero-de-los-ultimos-deseos/
‘Saint Seiya: Los Caballeros del Zodiaco’ es una nueva versión de Netflix para niños muy mayores
Antes de nada tengo que preguntaros si sabéis qué es un Chibi. Son esos dibujos o juguetes japoneses que retratan personajes de forma pequeña, casi siempre con una enorme cabeza y una estética sencilla. ‘Saint Seiya: Los Caballeros del Zodiaco’ ha reducido a lo elemental tanto a sus personajes que casi acaban siendo así. Son inconfundiblemente muñecos en movimiento. Si dotáis de vida a esas figuras que vende Bandai, que ya no son ni de metal, podéis tener exactamente esta serie porque la nueva producción de Netflix son coleccionables moviéndose. Los Caballeros del Zodíaco en su nueva producción han perdido rudeza, les han infantilizado demasiado y todo ello para poder ofrecer una estética 3D. El diseño de producción es muy bonito, las armaduras están bien trabajadas, los escenarios tienen una apariencia bastante preciosista, la disposición es muy de videojuego pero en cuanto vemos cómo se mueven los personajes todo pierde gracia. Hay muy poca fluidez en las facciones de las caras y las texturas son pobres, es muy de plasticorro.
Desde el pasado 19 de julio se pueden ver en Netflix los seis episodios que forman parte de la primera etapa de esta nueva serie. Un remake de la obra basada en el manga de Masami Kurumada que cuenta de nuevo con la realización de Toei Animation. Una nueva historia en la que los Caballeros deben proteger como siempre a Athenea y a la armadura de Sagitario, pero la narración se ha trastocado. Por supuesto que se esperaban algunos cambios con respecto a la serie original, pero quizá no tantos. Los personajes principales son los mismos pero sus trasfondos son algo diferentes y sus personalidades están cambiadas. Seiya el gran protagonista ha sido convertido en una especie de macarra respondón que dista bastante del buenazo que lideraba a los caballeros de bronce en la serie de los 80. Estoy algo más de acuerdo con la feminización de Shun de Andrómeda, un personaje que está mejor manejado que el resto.
‘Saint Seiya: Los Caballeros del Zodiaco’ está bastante indefinida. En el sentido en el que parece que es una serie infantil con un ritmo atropellado, una estética candorosa sin gota de sangre y con una mecánica que no gasta complicaciones. Pero por el contrario los personajes dicen obscenidades que no son para un menor. Y de nuevo por el contrario sus argumentos si son bastante pueriles, enlazando algo más con el espíritu original de la serie, ensalzando por encima de todo el valor, el sacrificio y la amistad.
‘Los Caballeros del Zodíaco’ era una serie que tenía un ritmo bastante lento eso hay que reconocerlo. En los tiempos que corren las series no corren, vuelan. Ahora Netflix ha hecho una serie corta y sus episodios duran entorno a 20 minutos. Así es que la acción se ha hecho mucho más rápida y el drama y la construcción de los personajes no solo se ha deteriorado sino que apenas existe. Se apoyan en algunos flashbacks para narrarnos el origen de cada uno de los caballeros de bronce y con eso nos tenemos que dar por satisfechos, vais a ver lo rápido que se ventilan algunos combates míticos o algunas tramas preferidas por los fans.
Por suerte Netflix tiene la opción de saltarse el opening porque también es una de las aportaciones a olvidar. No es así el doblaje en español que conserva algunas voces originales (Pegaso es Juan José López Lespe) e incluye otras famosas como la de Ramón Langa.
Esta nueva edición de ‘Saint Seiya: Los Caballeros del Zodiaco’ se aleja bastante del canon antiguo para no acabar de acoplarse del todo a las corrientes actuales. No termino de verle un público objetivo ni de cogerle el pulso. Recomendable solo como curiosidad si queréis ver qué han hecho con vuestra serie preferida o si nunca habéis visto hablar a una tapa de alcantarilla.
El Festival de los Piratas nos prepara una batalla campal
SelectaVisión ha anunciado hoy que la próxima película inspirada en los mangas y anime de ‘One Piece’ llegará a los cines de España en otoño. En concreto ‘One Piece Estampida’ llegará el 18 de octubre 15 de noviembre. Es entonces cuando podamos ver la batalla que se producirá entre piratas, marines, los Siete Señores de la Guerra y el Ejército Revolucionario y todo ello por el Festival de los Piratas.
Este es un título que ha sido dirigido por Takashi Otsuka quien previamente ha dirigido episodios de ‘Los ases del vóley’ o tanto la serie como la película de Purikyua. Aunque en su trabajo como animador ha tocado nombres más conocidos como la película de ‘Fullmetal Alchemist’ o la serie ‘La visión de Escaflowne’. Todo un experto en anime clásico y moderno que puede que nos brinde una aventura digna de Luffy y compañía.
Director, guionista y animador de obras como ‘The Ancient Magus Bride’
La próxima edición, la que hará que se cumpla el décimo aniversario, de Japan Weekend Madrid, se sigue armando de invitados. En esta ocasión es Norihiro Naganuma quien ha sido anunciado por la organización. El director de animes como ‘The Ancient Magus Bride’ o ‘Yowamushi Pedal’ ha estado también involucrado en varios departamentos de proyectos como ‘La chica que saltaba a través del tiempo’, ‘El monstruo de al lado’ o ‘Welcome to the NHK’. También ha trabajado en un episodio de ‘Ataque a los Titanes’ o de ‘Death Note’ a si es que no dudéis en acercaros a él a preguntaros sobre todo esto.
Los días 21 y 22 de septiembre también estarán Akio Watanabe (director de ‘Monogatari’), Range Murata, THREE1989, la cantante K-Pop Hyemin, RJ Palmer (diseñador de animación de las criaturas de ‘Pokémon: Detective Pikachu‘), Gabriel Picolo (conocido por Icarus and the Sun y sus fanarts de Teen Titans) y Salva Espín (dibujante de obras como Deadpool). Sin olvidarnos de la primera visita a España de la mascota Chiitan.
Pasamos del frío hielo al Japón de la Segunda Guerra Mundial
Resulta emocionante la perspectiva de la segunda temporada de ‘The Terror’ pues parece nos devolverá al terror japonés que tanto éxito tuvo en la primera década del siglo XXI. AMC estrenará próximamente una nueva historia ambientada en los campamentos de la Segunda Guerra Mundial. Un espíritu persigue a los protagonistas, unos estadounidenses de origen nipón que viajan desde California hasta las islas del pacífico por culpa de la guerra.
El actor DerekMio (‘Greek’) es el protagonista de esta nueva etapa en la que veremos a otros actores como KikiSukezane (‘Héroes’), LeeShorten (‘The man on the high castle’), AlexShimizu (‘The Blacklist’), CristinaRodlo (‘Miss Bala’), YukiMorita (‘Colony’), JamesSaito (‘Tortugas Ninja’), NaokoMori (‘Everest’), EijiInoue (‘Click’), TeachGrant (‘Van Helsing’), WilliamdeVry (‘Nikita’) o HiraAmbrosino (‘House’).
Trunks ha vuelto una vez más del futuro. En su mundo, un hombre idéntico a Goku, Goku Black, se dispone a exterminar a la humanidad. ¿¡Qué será de Goku y Vegeta, que se dirigen al futuro!? Mientras tanto, Zamasu, candidato a Kaiôshin del décimo universo, se fija en Goku…
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Reseña
Puro ‘Dragon Ball Z’
Por fin llegamos a un punto en el que los fans de ‘Dragon Ball’ de toda la vida, los que ansiamos combates épicos que nos corten la respiración, estamos en nuestra salsa. Ha tardado, pero la espera ha merecido la pena. Después de una vuelta a los orígenes cómicos del manga, la expansión de su universo y el desarrollo del suspense en esta última saga llegamos a las YOYAS cósmicas.
A partir de este número, ya nada será igual. Y para que os hagáis una idea, sin tener que fastidiaros a base de spoilers, será parecido al combate contra Vegeta y Nappa cuando llegaron a la tierra. Un combate que encadenó con la saga de Freezer sin dejar coger aliento a los lectores.
Pues esto es lo que nos espera en ‘Dragon Ball Super’
En esta ocasión os hablaré del número 14 de ‘Dragon Ball Super’ (el 225 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
En la ilustración de portada podéis ver al villano de este arco argumental desplegando su máximo potencial. Al ser una portada a todo color impacta mucho más que dentro del manga, que es en blanco y negro.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ y aunque tengamos internet al alcance de la mano, la verdad que ayuda mucho esta guía.
GUION
Un regalo para los fans de toda la vida con un desarrollo clásico del combate, incluyendo una técnica que no veíamos desde los tiempos de Célula. Así que más de uno va a soltar una lagrimita de nostalgia.
Pero también hay novedades. La narrativa de este número no se centra solo en el combate decisivo contra el villano, sino que además podemos disfrutar de un montaje en paralelo con otro momento importante para esta saga.
El giro final del número es excelente, con una viñeta que nos va a dejar alucinados y desconcertados a partes iguales.
DIBUJO
En este número Toyotaro apuesta por el clasicismo y pareciera que ha sido el propio Toriyama el que ha dibujado los combates. También podemos disfrutar de transformaciones con uniformes de combate que no habíamos visto todavía y del que había mucho fan art.
Para el fan muy exigente, sí que se le puede poner una pega. Hasta ahora Toyotaro había sido muy obsesivo con los detalles (como el director Zack Snyder con la adaptación de ‘Watchmen’) pero en este número se ha tomado una cierta licencia con un look de un personaje relacionado con una transformación determinada.
Si nos pusiéramos a debatirlo, entraríamos en spoilers y además sospecho que es una manía propia de un servidor, porque incluso podría estar justificado para diferenciar al personaje, pero supongo que la explicación puede ser más fácil: habrá sido un despiste del dibujante.
Hay que reconocer que Toyotaro nos tenía muy mimados con un nivel tan alto que los fans más acérrimos solo podíamos callarnos y quitarnos el sombrero. A veces es más fiel al estilo Toriyama que el propio Toriyama, que le gusta cambiar su estilo de dibujo cada cierto tiempo. Pero para muchos fans los diseños de ‘Dragon Ball’ alcanzaron su cenit en las sagas de Célula y Bu.
Y Toyotaro lo sabe. Porque Toyotaro también es un fan.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
El anime alcanzó en este número uno de sus clímax visuales, con uno de los mejores capítulos en cuanto a combates y calidad gráfica: el capítulo 57. A partir de este capítulo la serie no hizo más que subir y subir hasta la conclusión de la primera temporada.
En este aspecto el manga también mejoró porque era la primera vez que nuestros protagonistas se veían en un serio aprieto ya que hasta entonces el manga había optado por volver a los orígenes cómicos.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 40 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: noviembre de 2018. Precio: 2,95€.
Trunks ha vuelto una vez más del futuro. En su mundo, un hombre idéntico a Goku, Goku Black, se dispone a exterminar a la humanidad. ¿¡Qué será de Goku y Vegeta, que se dirigen al futuro!? Mientras tanto, Zamasu, candidato a Kaiôshin del décimo universo, se fija en Goku…
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Reseña
Acercándonos al clímax
‘Dragon Ball Super’ podría haberse llamado ‘la casa por el tejado’, ya que primero vimos la película, luego la serie y luego el manga. Totalmente al revés de lo que suele ser habitual. Obviamente fue todo por una cuestión de mercado, tanteando al público a cada paso, intentando evitar el mismo fracaso que ‘Dragon Ball GT’. Pero curiosamente, esto ha repercutido muy positivamente en el manga.
Con el siguiente esquema y reparto de tareas, las películas se encargan de la acción a mansalva, la serie es la que soporta la presión mediática de los fans y el manga se ha podido desarrollar con mucha coherencia y tranquilidad.
Después del ritmo endiabladamente rápido de los 3 primeros arcos argumentales, y el desarrollo del suspense en esta presente saga, estamos llegando al clímax preferido de los fans de ‘Dragon Ball’: yoyas nivel dios.
Un preludio en el que prevalece el humor «made in Toriyama», se atan cabos sueltos de esta saga y nos deja con la miel en los labios para el combate definitivo de ‘Dragon Ball Super’ que leeremos en el siguiente número.
En esta ocasión os hablaré del número 13 de ‘Dragon Ball Super’ (el 224 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
En la ilustración de portada podéis ver uno de los momentos más desconcertantes de la historia de ‘Dragon Ball Super’ con Son Goku saludando de manera amistosa a uno de los personajes más poderosos e importantes de ‘Dragon Ball’, al cual se le tiene que tratar con mucho cuidado. Y Son Goku no es conocido precisamente por su sutileza.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ para no perderos en el tsunami de lanzamientos de nuestro manga favorito.
GUION
Un giro inesperado antes de llegar al clímax de la serie, aderezado con mucho mucho humor. Toriyama nos descubre rincones desconocidos del universo ‘Dragon Ball’ que en un futuro no muy lejano serán testigos de grandes eventos.
Se aclaran a pasos agigantados los motivos, modus operandi e identidad del villano de esta saga y por fin, llegamos al escenario clave de esta presente saga donde nuestros saiyans se jugarán el todo por el todo.
DIBUJO
Toyorato a nivel gráfico se supera con respecto al número anterior. Sobre todo, en la creación de mundos nuevos, se puede apreciar en los detalles arquitectónicos (ya sean palacios de otra dimensión o entornos urbanos) y del uso de las sombras en los momentos más dramáticos.
En este número también podréis disfrutar del estilo clásico de Toriyama al que se recurre sobre todo en los momentos más cómicos.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Damos menos vueltas que en el anime, hay que reconocerlo, aunque el anime nos recompensó con semanas de sanas discusiones con los amigos, comiéndonos el coco con cientos de teorías sobre el villano o el desarrollo de los acontecimientos de esta saga. Nada que envidiar al chasquido de Thanos.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 40 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: octubre de 2018. Precio: 2,95€.
Dos deidades con personalidades diferentes conviviendo
Sinceramente, sabía de la película animada, la cual distribuye SelectaVisión, basada en el manga de Hikaru Nakamura. Pero no conocía la serie de acción real que emite el canal Piccoma TV. Esta ha llegado a su segunda temporada y en ella podemos ver a Ken’ichiMatsuyama y Shôta Sometani, actores que os sonarán si seguís live action japoneses, en concreto ‘Death Note’ o ‘Parasyte’ respectivamente.
No hace falta ser un lince para saber cuál es el argumento de esta serie. Matsuyama ejerce de Jesucristo y Sometani de Buda. Ambos se encuentran de vacaciones en la Tierra y comparten piso durante su estancia. Dos seres sobrenaturales que comparten los quehaceres del ser humano, muy al estilo de lo que hemos visto hace poco en ‘Lo que hacemos en las sombras’.
Trunks ha vuelto una vez más del futuro. En su mundo, un hombre idéntico a Goku, Goku Black, se dispone a exterminar a la humanidad. ¿¡Qué será de Goku y Vegeta, que se dirigen al futuro!? Mientras tanto, Zamasu, candidato a Kaiôshin del décimo universo, se fija en Goku…
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Reseña
Lo que marca la diferencia
¿Realmente por qué gusta tanto ‘Dragon Ball’? ¿por los combates? ¿los niveles de poder? Eso lo podemos encontrar en infinidad de mangas japoneses. Realmente lo que marca la diferencia con respecto al resto de mangas es por sus personajes, te acabas identificando con ellos y les coges cariño. Incluso a sus villanos, que con el tiempo siempre acaban reformándose.
En esta ocasión os hablaré del número 12 de ‘Dragon Ball Super’ (el 223 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
En la ilustración de portada podéis ver a una imagen relajada al más puro estilo Toriyama con Son Goku, Trunks, Vegeta, Bulma y el resto de la familia dragonbolera en un tranquilo día de playa. Aunque no sea una ilustración de batalla ni salgan niveles de poder saiyan, eso no significa que se haya descuidado la calidad.
Es una ilustración que os recordará a las portadas de los tomos recopilatorios, en las cuales el maestro Toriyama se esforzaba mucho en los detalles, los dinosaurios, los coches y otros artilugios mecánicos que aparecían.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ que para el fan funciona como un radar del dragón para encontrar todas las bolas mágicas.
GUION
Estamos ante un número importante para comprender no solamente esta saga, si no muchas cosas que estaban pendientes de aclarar en ‘Dragon Ball’. Como funciona este universo, cuáles son sus reglas físicas, son fundamentales para comprender tanto el pasado como el futuro de esta historia. Además, se da un paso importante en la revelación de la identidad del villano, describiendo su evolución psicológica y como ha llegado a ser una amenaza tan grave. Es el primer villano serio de ‘Dragon Ball Super’, mucho más siniestro y con una lógica muy retorcida. Me recuerda al viejo dicho: «el camino al infierno está empedrado de buenas intenciones».
Si repasamos los tres grandes villanos de ‘Dragon Ball Z’, Freezer tan solo era el villano de manual, Célula perdió su motivación al alcanzar la perfección y dejándose llevar por las malas influencias de su sangre Saiyan, tan solo quería combatir para alcanzar el máximo de sus capacidades. Y el monstruo Bu era un niño revoltoso del caos. Por eso hay que quitarse el sombrero con este nuevo villano que nos ha presentado Toriyama.
Después de la parte seria, nos metemos de lleno en la comedia, con grandes homenajes a los videojuegos protagonizados por la familia de ‘Dragon Ball’ (no os decimos nada, preferimos que lo descubráis vosotros) con momentos hogareños y muy muy cómicos.
Y, por último, un gran giro final.
Toriyama ya no deja ningún cabo suelto, y si el lector baja la guardia, le pillará desprevenido…
DIBUJO
Toyorato va adaptándose según las circunstancias, dibujando unas secuencias muy dinámicas en las viñetas- homenaje a los videojuegos. En los momentos serios demuestra su dominio de las luces y sombras para sacarle el máximo partido.
Hay que reconocer que el dibujante Toyorato ha alcanzado un equilibrio entre el fan que quiere homenajear y el creador que se quiere superar y mostrarnos algo nuevo, evolucionando a nivel gráfico.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
En comparación el anime es más lioso porque se extienden todo lo que pueden los giros de guion, la investigación de los sospechosos, el uso del suspense…el manga es más concreto y en este número tenemos una pista importante de la identidad del villano.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 40 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: octubre de 2018. Precio: 2,95€.
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