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Crítica: ‘La astronauta’

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Sinopsis

Sam Walker (Kate Mara) regresa en extrañas circunstancias de su primera misión espacial. El general William Harris (Laurence Fishburne) la obliga a permanecer en cuarentena, bajo la estricta vigilancia de la NASA, en una casa aislada de alta seguridad. Pese a vivir en una aparente normalidad, Walker empieza a percibir sucesos inquietantes en los alrededores de la propiedad. Es entonces cuando comienza a temer que no haya vuelto sola a la Tierra.

Crítica

Un home invasion que quiere disfrazarse de otra cosa, pero la ambigüedad juega en su contra

La directora Jess Varley presenta con ‘La astronauta’ una película que se adentra principalmente en el género del home invasion: un espacio confinado, una amenaza latente desde el exterior, inquietantes ruidos nocturnos y una paranoia creciente. Sin embargo, el misterio inicial y el título (‘The Astronaut’) prometen y ofrecen más: una vertiente de ciencia ficción que cuestiona lo real frente a lo psicológico.

Kate Mara interpreta a Sam Walker, una astronauta que regresa de su primera misión espacial, rescatada en el mar tras una reentrada problemática. Mara lleva el peso emocional y el metraje de la película, siendo uno de esos filmes donde prácticamente dependemos de un solo actor protagonista. Su actuación transmite con cierta eficacia la fragilidad, la confusión, los hematomas y el tinnitus, elementos comprensibles tras un regreso accidentado. Sin embargo, se suman a ellos brotes de flashbacks y recuerdos en su mente que son demasiado reveladores. En ocasiones, Mara ilumina escenas de tensión, pero el guión no permite un desarrollo auténtico y se queda en lo trillado: nadie la cree, confunde alucinaciones con realidad… Se intenta mantener tanto recelo sobre el personaje y su pasado que aparecen elementos tan descaradamente discordantes, hay tanta omisión de su trasfondo que es relativamente fácil intuir el desenlace. La relación con su esposo, su hija, apenas asoman como líneas dramáticas que podrían explorar su interior, pero muchas quedan como telón de fondo. Es más, su padre es Laurence Fishburne, así es que como sospechareis algo raro hay.

Varley logra generar esa sensación de tensión creciente apoyándose sobre todo en medios técnicos como la edición de sonido. De igual modo, contribuye el ambiente ubicado en una lujosa casa donde guarda una anómala cuarentena. Todo eso está bien y a pesar de los flecos que quedan pendientes y el mal CGI, esta podría haber sido una película interesante si hubiese tenido un desenlace mejor. La ambigüedad de la película juega en su contra y revela cierta evidencia, creando una sensación de cierre abrupto y desconectado. Por no decir que habría sido más interesante explorar lo que se plantea en el final que haber desarrollado todo como algo tan trillado como un home invasion. La elección de ese género imposibilita casi automáticamente cualquier posibilidad de desarrollar una trama que hable de la identidad o el significado de familia (que son dos temáticas que parecen haber querido plantear).

Giros tardíos, cambios de tono y género, o una insólita manera de desaprovechar a los actores secundarios son los mayores defectos de ‘La astronauta’. Puede ser capaz de generarte intriga, pero si conoces títulos como ‘The Brother from Another Planet’, ‘Impostor’ o ‘The Forgotten’, sabrás lo que se avecina. Y aún si no eres fan del género, no podrás evitar acordarte de ‘E.T.’.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Título original: The astronaut. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Jess Varley. Guion: Jess Varley. Música: Jacques Brautbar. Fotografía: Dave Garbett. Reparto principal: Kate Mara, Laurence Fishburne, Gabriel Luna, Ivana Milicevic, Macy Gray. Producción: Fuller Media, The Wonder Company, Bee-Hive Productions, Fith Season, Wild Atlantic Pictures. Distribución: DeAPlaneta. Género: suspense, ciencia ficción. Web oficial: http://deaplaneta.com/es/the_astronaut

Crítica: ‘Strangers: capítulo 2’

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Sinopsis

Vuelven los Extraños, más brutales e implacables que nunca.

Cuando se enteran de que su última víctima, Maya (Madelaine Petsch), sigue viva, regresan para acabar lo que habían empezado. Sin ningún lugar al que huir, ni nadie en quien confiar, Maya debe sobrevivir a otro horrible capítulo de terror, mientras los tres enmascarados la persiguen, dispuestos a matar a cualquiera que se interponga en su camino.

Crítica

Un slasher con más clichés que kill count

Renny Harlin ejecuta su vaticinado regreso con ‘Strangers: capítulo 2’, la segunda entrega de la trilogía que el director finlandés ha rodado del tirón y que se apoya en la herencia de Bryan Bertino, creador de la perturbadora película de 2008 y guionista de su secuela de 2018. Este nuevo capítulo se inserta en ese mismo universo, manteniendo las icónicas máscaras y letales personajes, aunque con un enfoque que intenta expandir sus motivaciones y orígenes.

Si el primer capítulo de Harlin funcionaba como una precuela de las originales, aquí se nos propone una continuación directa que, aunque algo más ambiciosa, sigue arrastrando muchos de los defectos que lastran al proyecto desde su concepción. ‘Strangers: capítulo 2’ se presenta como una secuela menos olvidable, pero no necesariamente más sólida.

Harlin aprovecha la decisión de rodar la trilogía de una vez para mantener la coherencia de escenarios, atmósferas y reparto. Varios actores repiten presencia, lo cual resulta lógico, ya que abundan los flashes del pasado y las transiciones inmediatas entre lo sucedido entre el capítulo anterior y este. La sensación es similar a la que provoca la saga ‘Hatchet’, aunque os recomiendo mucho más la obra de Adam Green.

El film repite con descaro la misma fórmula: la llamada a la puerta, la eterna pregunta por “Tamara”, el móvil sin cobertura, la huida torpe por un montacargas y las decisiones absurdas de las víctimas que parecen diseñadas únicamente para prolongar su agonía. El guion parece construido a base de un catálogo de clichés que cualquier espectador mínimamente aficionado al terror reconocerá de inmediato.

Vamos del home invasion al slasher rutinario. Si la primera entrega de Harlin apostaba por un home invasion más contenido, en esta segunda parte se pasa de lleno al slasher en múltiples escenarios: un hospital inexplicablemente vacío, un bosque azotado por tormentas y la misma cabaña que ya vimos antes. El cambio de localización no aporta frescura, sino más bien una sensación de desgaste.

Harlin intenta dar cierto trasfondo a uno de los asesinos y al eterno enigma de Tamara, pero el resultado contradice la supuesta aleatoriedad de los crímenes. Y es que como en la primera parte al arrancar se nos ofrecen datos reales sobre las muertes en USA. En la primera nos hablaban de las muertes no naturales, que habían sido precedidas de violencia física y en esta, de cuán carentes de móvil son los asesinatos en el país de las oportunidades. Si el director quiere concienciar sobre lo enfermiza que es la violencia en Norteamérica, difícilmente lo logrará a través de un espectáculo que se regodea en la brutalidad.

‘Strangers: capítulo 2’ se delata desde ciertos planos de reacción: basta una mirada de los personajes para intuir quién está tras cada máscara. No hay misterio ni suspense, solo un simulacro de tensión que se deshace por la previsibilidad. Harlin parece más interesado en rodar set pieces vistosas que en aportar algo genuino al género. Lo único realmente novedoso es una escena que recuerda a ‘El renacido’ de Iñárritu, un guiño tan inesperado como fuera de lugar.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Título original: The Strangers: Chapter 2. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Renny Harlin. Guion: Alan R. Cohen, Alan Freedland, Amber Loutfi. Música: Justin Caine Burnett. Fotografía: José David Montero. Reparto principal: Madelaine Petsch, Froy Gutierrez, Janis Ahern, Pablo Sandstrom, Brooke Lena Johnson, JR Esposito, Pedro Leandro, Brian Law, Richard Brake. Producción: Fith Element Productions, Elipsis Capital, FIlmframe S.R.O., Lionsgate Entertainment, Mark Canton Productions, Sherborne Media, Stream Media, The Strangers Films, Vertigo Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: terror, slasher. Web oficial: https://thestrangers.movie/

Crítica: ‘Gen V’ T2

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Rumbo a ‘The Boys’ con más casquería y un adiós sincero a Perdomo

Superpoderes que salen mal, experimentos con personas y cabras, todo tipo de cosas entrando y saliendo por diferentes anos… ‘Gen V’ temporada 2 llega este 17 de septiembre a Prime Video para confirmar que el universo televisivo nacido de los cómics de Garth Ennis y Darick Robertson todavía tiene mucho que ofrecer. Tras el éxito de la primera entrega, este spin-off se lanza de lleno en una propuesta que lleva más allá los límites del género, combinando sátira, violencia explícita, humor escatológico y un trasfondo social que sigue incomodando al espectador. La serie, respaldada por la visión de Eric Kripke, Seth Rogen y Evan Goldberg, ‘Gen V’ no se guarda nada: quiere chocar, provocar, y al mismo tiempo, reflejar un mundo demasiado parecido al nuestro.

La nueva temporada comienza con un repaso a los orígenes del Instituto Godolkin, la ficticia universidad para superhéroes que ya cuenta con su propia página oficial promocional. Este arranque marca el tono desde el principio: habrá desmadre, pero también un interés por profundizar en los cimientos de este lugar, convertido en una lanzadera para los héroes (y villanos) que terminan integrándose en el mundo de ‘The Boys’. La conexión con la primera temporada es directa, ya que tanto sus consecuencias como los secretos del centro educativo alimentan la trama. El espíritu recuerda inevitablemente a ‘The Faculty’, aquella película de estudiantes enfrentados a una conspiración sobrenatural, pero aquí el resultado es mucho más gore, político y ácido.

Uno de los elementos más delicados de esta temporada es la ausencia de Chance Perdomo, fallecido en la vida real entre temporadas. Lejos de ignorarlo, la serie decide afrontar su pérdida de manera frontal. Se muestran imágenes del actor, se le menciona con frecuencia, y algunos personajes encuentran en su ausencia la motivación de sus acciones. Este gesto convierte a la serie en un homenaje sincero y, al mismo tiempo, doloroso, reforzando el vínculo emocional con el público.

Aunque en la primera temporada de ‘Gen V’ contamos con el magnífico Clancy Brown, la mejor adición al reparto es, sin duda, Hamish Linklater como el nuevo decano del Instituto Godolkin. Tal y como lo hizo en ‘Misa de medianoche’, vuelve a brillar con largos discursos cargados de ambigüedad moral y un halo mesiánico que lo convierte en un personaje fascinante. Su figura retorcida y maquiavélica da un nuevo aire a la trama, funcionando como catalizador de los dilemas entre la juventud superpoderosa.

Mientras tanto, los protagonistas siguen moviéndose en un terreno que marca la diferencia con ‘The Boys’: todavía conservan cierta moral, aún no están corruptos del todo y no han llegado a asesinar a sangre fría como los ídolos que observan desde lejos. Esa inocencia relativa cargada de salvajismo juvenil le da la vida a la serie pero es inevitable sentir que ambas series han de confluir ya.

Por supuesto continúa siendo, no solo una burla del mundo de los superhéroes, también de la actualidad estadounidense. Vought sigue siendo un espejo oxidado y deforme del corporativismo, el patriotismo estadounidense permanece con su visión desquiciada, las redes sociales son campo sembrado de mentiras, Godolkin es una de tantas parodias exageradas de los campus de USA, se pone en tela de juicio todo lo woke… Hay más de una alusión paródica al MAGA de Trump, por ejemplo.

En definitiva, ‘Gen V’ temporada 2 mantiene intacta su irreverencia, multiplica las dosis de violencia y sátira, y al mismo tiempo se atreve a profundizar en los personajes y en su propio mundo. Un spin-off que no es accesorio, sino imprescindible para los seguidores de ‘The Boys’.

Crítica: ‘Guardianes de la noche: Kimetsu no Yaiba – La fortaleza infinita’

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Sinopsis

Tanjiro Kamado es un joven que se unió a una organización dedicada a cazar demonios, el Cuerpo de Matademonios, después de que su hermana menor, Nezuko, fuera transformada en uno.

Crítica

Constantemente vibrante y frenética. A la altura de la ambición con la que ha sido concebida

Si miramos cuáles son los tres títulos más taquilleros de la historia de Japón nos encontramos en orden ‘Kimetsu no yaiba – Mugen Train’, ‘El viaje de Chihiro’ y en tercer lugar ‘Guardianes de la noche: Kimetsu no Yaiba – La fortaleza infinita’. Que llegue a cines la tercera película más taquillera de todos los tiempos en el país nipón no es para hacerle un feo, hay que verla. El fandom de la serie y los mangas sin duda ha aupado estas cifras, pero no es el único factor que contribuye a lograr semejante proeza.

‘Guardianes de la noche: Kimetsu no Yaiba – La fortaleza infinita’ es la culminación de años de éxito global de una franquicia que no solo ha sabido conquistar a los amantes del shōnen, sino también a espectadores que se acercan por primera vez al anime. No es el primer largometraje basado en la obra de Koyoharu Gotōge, ya antes se estrenó ‘Mugen Train’, título imprescindible de ver entre temporadas para seguir la linealidad de la historia. Este detalle es importante: no hablamos de spin-offs ni añadidos prescindibles, sino de capítulos cinematográficos que continúan el relato principal, de películas evento que nos describen muy bien la situación actual de las salas de cine.

El director Haruo Sotozaki vuelve a ponerse al frente, como lo hizo en la serie y en las películas anteriores. Su experiencia no es casual: Sotozaki ha trabajado como animador en casi media cincuentena de títulos, incluyendo la película de ‘Cowboy Bebop’, así como en sagas icónicas como ‘Naruto’ y ‘Fullmetal Alchemist: Brotherhood’. Su mano experta se nota en la manera en que traduce el dinamismo de las viñetas al lenguaje cinematográfico, con una precisión y vertiginosidad que pocos estudios alcanzan. A su lado, el productor Hikaru Kondô y estudios como Aniplex o Ufotable reafirman su sello de calidad visual, que ya se ha convertido en una marca registrada de la saga.

Lo que hace de ‘La fortaleza infinita’ una experiencia distinta no es solo su fidelidad al manga, sino la ambición técnica y narrativa. La animación es una sinfonía de luces, colores y movimientos coreografiados con el mismo cuidado que una danza tradicional. Cada enfrentamiento, cada secuencia, transmite la sensación de estar en un clímax perpetuo, de que no hay respiro posible. Aun así, la película sabe equilibrar el frenesí con momentos de calma, introspección y emotividad que conectan directamente con el corazón del espectador. Y ya no hablamos solo de la acción o del diseño de personajes, el castillo aporta una dimensión que a muchos recordará escenas de ‘Doctor Strange en el multiverso de la locura’ elevado a más niveles.

El trasfondo narrativo cobra aquí una dimensión casi trágica. La historia de Tanjiro y sus compañeros se acerca a un desenlace inevitable, y eso se refleja en el tono de la cinta: más oscuro, más adulto, más consciente de las pérdidas que pueblan el camino de los protagonistas. Es, en efecto, el inicio de un final que se configura como una trilogía cinematográfica. Una estructura que no solo da espacio para expandir el universo, sino que asegura que cada arco reciba la atención que merece. Como única pega, quizá habría que recortar el exceso de flashbacks, que merman un poco el ritmo y pueden ser tediosos o poco ilustrativos para los no seguidores de la franquicia.

Un aspecto a destacar es que, aunque la película ya haya sido pirateada o esté disponible próximamente en plataformas de streaming como Crunchyroll, la experiencia en pantalla grande es insustituible. Ver ‘Guardianes de la noche: Kimetsu no Yaiba – La fortaleza infinita’ en un cine IMAX es sumergirse en un espectáculo audiovisual diseñado para ese formato. La escala de las batallas, la riqueza de los fondos y la explosión cromática cobran vida de una manera que ningún televisor, por grande que sea, puede replicar.

La cinta de Haruo Sotozaki es una demostración de por qué el anime contemporáneo ha dejado de ser un fenómeno de nicho para convertirse en un pilar cultural global. ‘Guardianes de la noche: Kimetsu no Yaiba – La fortaleza infinita’ no es solo un capítulo más de la saga, es un evento que marca un antes y un después. Y al salir de la sala, queda claro que lo mejor aún está por llegar, porque este es apenas el primer movimiento de una serie de películas que promete arrasar en taquilla y en emociones.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de septiembre de 2025. Título original: Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – Infinity Castle. Duración: 155 min. País: Japón. Dirección: Haruo Sotozaki, Hikaru Kondô. Guion: Koyoharu Gotouge, Hikaru Kondô. Música: Yuki Kajiura, Go Shiina. Reparto principal (doblaje original): Natsuki Hanae, Saori Hayami, Yoshimasa Hosoya, Mamoru Miyano, Yoshitsugu Matsuoka, Akari Kitô. Producción: Aniplex, Crunchyroll, Sheisha, Sony Pictures, Toho Pictures, Ufotable. Distribución: Crunchyroll. Género: aventura, fantástico. Web oficial: https://demonslayer-anime.com/infinitycastle/

Crítica: ‘Eddington’

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Sinopsis

En mayo de 2020, la disputa entre el sheriff (Joaquin Phoenix) de un pequeño pueblo y su alcalde (Pedro Pascal) prende un auténtico polvorín al enfrentar a los vecinos de Eddington, Nuevo México.

Crítica

Ni sobrenatural, ni psicológico, ni folk horror: Ari Aster nos aterroriza con la realidad

‘Eddington’ es la cuarta película de Ari Aster como director de largometrajes, y aunque se estrene en 2025 podría haber sido, en realidad, su debut. El guion llevaba años en un cajón, esperando el momento adecuado, y aunque el espectador pueda pensar que se trata de una obra inspirada directamente en la pandemia del COVID-19, lo cierto es que Aster ya había concebido esta historia mucho antes de que el mundo se sumiera en la histeria global. Por fortuna, su carrera comenzó con ‘Hereditary’, que para muchos (y entre ellos un servidor) sigue siendo su mejor película hasta la fecha.

En Eddington, Aster abandona el terror puro al que nos tenía acostumbrados para adentrarse en un terreno híbrido entre el western contemporáneo, la sátira política y el drama social. Hay suspense, violencia latente y un tono desconcertante que oscila entre la ironía y el absurdo. La cinta no se presenta como un thriller convencional, sino como un retrato febril de la desorientación colectiva. Y aunque da miedo, no es un miedo sobrenatural, sino el terror que provoca el propio comportamiento humano en tiempos de crisis.

La trama se sitúa en un pequeño pueblo fronterizo de Nuevo México durante mayo de 2020. Allí conviven teorías conspirativas al estilo QAnon, negacionismos sanitarios, histeria social y extremismos “hiper-woke”. El pueblo se convierte en un microcosmos de la polarización de Estados Unidos, donde se exponen todas las contradicciones de un país que criminaliza a los inmigrantes cuando, paradójicamente, fueron los colonizadores europeos quienes llegaron a esas tierras expulsando por la fuerza a sus habitantes originarios. Ese trasfondo político sobre la inmigración, tratado desde la ironía y el dramatismo, es uno de los pilares del relato.

El film, sin embargo, no busca tomar partido. Aster no señala a unos como héroes y a otros como villanos. Lo que hace es mostrar la absurda fractura ideológica que lleva a la sociedad a enfrentarse consigo misma, a convertirse en caricatura de sus propios extremismos. Lo consigue con un humor corrosivo, a veces grotesco, que desarma al espectador.

En lo visual y lo narrativo, Eddington bebe del western. Hay sheriff, sombreros cowboy y un final que recuerda a la épica de O.K. Corral. Pero este es un neo western distópico, en el que la frontera ya no es solo geográfica, sino también cultural, ideológica y digital. La metáfora del enfrentamiento final funciona como síntesis de la tensión acumulada en un país al borde del colapso interno.

Uno de los elementos más sugerentes es la presencia en segundo de un centro de datos llamado SolidGoldMagikarp. El nombre, referencia directa al Pokémon que se ataca a sí mismo por error, simboliza la naturaleza autodestructiva de la tecnocracia moderna. Da igual qué ideología prevalezca en el terreno político o social: al final es la tecnología, las corporaciones y la acumulación de datos quienes rigen el destino de las comunidades. Este toque satírico y al mismo tiempo inquietante es, quizás, uno de los mayores aciertos del guion.

Curiosamente, Eddington se siente más cercana a otras producciones recientes de A24 como ‘Civil War’ que a la propia filmografía previa de Aster. No es una película de terror, aunque el retrato de la sociedad norteamericana en estado febril y paranoico pueda provocar escalofríos. Es un título político y social, incómodo, caótico, que se atreve a dinamitar las etiquetas de género y a desafiar las expectativas del espectador. Aster no quiere ofrecer respuestas ni moralejas, sino una radiografía febril de un tiempo en el que la histeria y la fragmentación eran, y siguen siendo, parte de lo cotidiano.

Con Eddington, Ari Aster amplía su rango autoral y confirma que no está dispuesto a repetirse. Puede que algunos espectadores extrañen el terror estilizado de ‘Midsommar’ o el desgarro psicológico de ‘Beau is Afraid’, pero en esta ocasión el horror se llama realidad. Y pocas cosas son más terroríficas que reconocernos en ese espejo.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de septiembre de 2025. Título original: Eddington. Duración: 145 min. País: EE.UU. Dirección: Ari Aster. Guion: Ari Aster. Música: The Haxan Cloak, Daniel Pemberton. Fotografía: Darius Khondji. Reparto principal: Joaquin Phoenix, Pedro Pascal, Emma Stone, Austin Butler. Producción: A24, Square Peg, 828 Productions, Access Entertainment, IPR.VC. Distribución: Universal Pictures. Género: western, drama, comedia. Web oficial: https://a24films.com/films/eddington

Crítica: ‘Lo que aprendí de mi pingüino’

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Sinopsis

La historia real de un profesor de inglés desilusionado que acepta trabajar en una escuela en la Argentina de 1976, esperando un camino fácil. En su lugar, descubre una nación compleja y dividida y una clase de jóvenes a los que considera prácticamente imposibles de enseñar. Sin embargo, cuando rescata a un pequeño pingüino de una playa contaminada por petróleo, su vida da un vuelco. El ave se convierte no solo en un valioso amigo, sino también en el maestro de las lecciones más importantes de su vida, la de sus alumnos y la de todos los que tienen la suerte de conocerlo.

Crítica

Divertida y emotiva drama con buenos tintes de comedia

Me llamó mucho la atención el título de la película, y más sabiendo que estaba basada en un hecho real. ‘Lo que aprendí de mi pingüino’ nos regala una historia emotiva y que no solo nos cuenta la historia de un profesor y su pingüino, si no mucho más, ya que nos adentramos en la Argentina de 1976, cuando los militares se hicieron con el país.

Tiempos convulsos para un profesor que acaba de llegar a un lugar nuevo y donde tiene a unos alumnos bastante enfrentados por culpa de los pensamientos de sus padres. Gracias a todo lo que va a aprendiendo con Juan Salvador, este pingüino al que salva de morir, Tom Michell, se convierte en otra persona. Poco a poco, gana paciencia y le reviven sus ganas de enseñar y mostrar a estos jóvenes que hay muchas maneras diferentes de pensar y no tener siempre enfrentamientos. Además, Juan Salvador, también le enseñará lo que significa la lealtad. Ya que este pingüino no se separará de él jamás.

Peter Cattaneo, nos vuelve a demostrar una vez más lo bien que maneja el drama y la comedia unidos. ‘Lo que aprendí de mi pingüino’ es un ejemplo de que ambos géneros pueden convivir hasta el final.

En el reparto encontramos a Steve Coogan, Jonathan Pryce, Björn Gustafsson, Bruno Blas, Brendan McNamee, entre muchos otros. Vivian El Jaber nos da una actuación preciosa. Su personaje, junto con el de Alfonsina Carrocio, son las que llevan la realidad que vemos fuera al colegio. Sin duda son de lo más bonito y dramático de la película.

La película está rodada en inglés y español, vemos a todos los personajes utilizando los distintos idiomas. Así que es de estas películas que si recomiendo ver en su versión original. Siempre prefiero hacerlo, pero cuando hay diferencia de idioma mucho más, ya que cuando la película está doblada no se aprecia el verdadero trabajo del actor.

‘Lo que aprendí de mi pingüino’, no es totalmente fiel al libro, pero si que lo adapta bien, cogiendo las ideas esenciales. Y realmente es lo que importa y por supuesto, conocer a Juan Salvador. Al final de la película vemos imágenes reales de este pingüino que revolucionó al Colegio St. George.  Y han recreado alguna de las pocas imágenes que se conservan y la verdad que es bien bonito ver el cariño que recibía este animal.

Sin duda, es una película muy conmovedora. En la que conocemos un cachito de la historia de Argentina, de como se vivía en esos tiempos oscuros y un homenaje a esas Madres de Plaza de Mayo que aun a día de hoy siguen pidiendo explicaciones para poder conocer el paradero de sus familiares.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de septiembre de 2025. Título original: The Penguin Lessons. Duración: 104 min. País: Reino Unido. Dirección: Peter Cattaneo. Guion: Jeff Pope. Música: Federico Jusid. Fotografía: Xavi Giménez AEC. Reparto principal: Steve Coogan, Vivian Jaber, Björn Gustafsson, Aimar Miranda, Nicanor Fernandez, Alfonsina Carrocio, David Herrero, Jonathan Pryce, Miguel Alejandro Serrano, Hugo Fuertes, Gera Maleh, Micaela Breque, Florencia Nocetti, Romina Cocca.  Producción: 42, Nostromo Pictures. Distribución: Nostromo Pictures. Género: Drama. Web oficial: https://nostromopictures.com/movies/released/the-penguin-lessons

Crítica: ‘El talento’

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Sinopsis

Basada en la novela de Arthur Schnitzler ‘La señorita Else’, publicada en 1924, ‘El talento’ cuenta la historia de Elsa (Ester Expósito), una prometedora estudiante de violonchelo que disfruta de la exclusiva fiesta de cumpleaños de su amiga Idoia (Mirela Balić) organizada por el padre de ésta (Pedro Casablanc). Durante este escaparate de la alta sociedad, Elsa recibe una inesperada llamada de su madre que la obligará a tener que elegir entre el futuro de su familia y su dignidad.

Crítica

Suspense clásico, retratos contemporáneos y Ester Expósito con una madurez interpretativa palpable

‘El talento’, la nueva película de Polo Menárguez, llega a las salas como una apuesta ambiciosa dentro del cine español contemporáneo. Se trata de una adaptación libre de una novela de 1924 de Arthur Schnitzler, un escritor vienés famoso por diseccionar las pulsiones humanas y los entresijos morales de la sociedad burguesa. Menárguez y su equipo han querido traer esa esencia al presente, transformando los bailes de salón en coreografías de TikTok, las ensoñaciones etílicas en desfases con drogas, y los coqueteos aristocráticos en tramas donde el lujo digital convive con la decadencia emocional. Sin embargo, pese a estos cambios, el filme conserva un sustrato clásico: la carta misteriosa que inicia la trama, la invitación a una fiesta prohibida, los secretos familiares y los juegos de máscaras.

El arranque de la película es impecable. Durante buena parte del metraje se mantiene un suspense genuino, con una tensión que recuerda a narraciones de esas que siembran misterio entre la jet set del momento. El espectador se siente atrapado en un espacio donde cada gesto puede esconder una traición y cada palabra susurra un secreto. No obstante, ese halo se diluye progresivamente. Cuando los enredos de faldas y los apuntes contemporáneos toman el control, el misterio pierde fuerza, convirtiéndose en un eco de lo que pudo ser un thriller más compacto. Aun así, la tensión de la protagonista (siempre entre la espada y la pared) logra sostener al espectador hasta el desenlace.

Uno de los grandes aciertos de ‘El talento’ es su reparto. Ester Expósito ofrece una gran interpretación. Es cierto que su trayectoria pública ha estado marcada por su imagen sensual en títulos como ‘Élite’ o en redes sociales, pero basta revisar películas como ‘Cuando los ángeles duermen’, ‘Venus’, ‘Tu hijo’, ‘Veneno’ o ‘El llanto’ para descubrir una actriz a la que muchos vemos con registros sólidos y comprometida con personajes que orbitan en torno al machismo, la cosificación o el acoso. En esta ocasión, Expósito se enfrenta a un rol exigente que la impulsa hacia una madurez interpretativa palpable. Para más inri, si la audiencia de esta actriz es por lo general joven, también servirá este filme para acercarles un poco a la música clásica, que evidentemente hoy en día dista de estar de moda. Frente a ella, Pedro Casablanc despliega su habitual solvencia, componiendo un antagonista a la altura de las circunstancias. El duelo actoral entre ambos enriquece notablemente la película.

La producción y parte del guion llevan la firma de Fernando León de Aranoa. Su huella es visible en la mirada hacia los contrastes de clase: los privilegiados adinerados frente al sector servicios y la clase trabajadora que habitualmente sufre vejaciones o desprecios. En ocasiones, esta representación cae en tópicos que restan sorpresa, pero refuerzan un contexto reconocible. La estructura narrativa, casi hitchcockiana, se ve lastrada por un final más atrevido pero menos elegante, condicionado por los códigos actuales del cine. Polo Menárguez abre la película con una escena que adelanta el destino final, una apuesta arriesgada que, sin embargo, logra mantener el interés al rellenar con solvencia el trayecto hacia ese punto culminante.

‘El talento’ se presenta como un relato sobre vulnerabilidad, orgullo y decencia, pero también sobre las huellas que dejan nuestras decisiones. Es una película que invita a reflexionar sobre el precio de lo que hacemos, si el fin justifica los medios, aunque su mensaje se vea parcialmente diluido por escenas accesorias y personajes poco relevantes. A pesar de ello, se trata de una obra que confirma la evolución artística de Ester Expósito y la capacidad de Menárguez para arriesgar con un material clásico y traerlo, con mayor o menor fortuna, a nuestro presente.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de septiembre de 2025. Título original: El talento. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Polo Menárguez. Guion: Fernando León de Aranoa, Polo Menárguez. Música: Carla F. Benedicto. Fotografía: Jose Martín Rosete. Reparto principal: Ester Expósito, Pedro Casablanc, Mirela Balić, Juan Pablo Fuentes, Rocío Muñoz-Cobo, Clara Sans, Marta Aledo. Producción: 3Cat, Coficiné, Comunidad de Madrid, Crea SGR, Movistar Plus+, The MediaPro Studio, Reposado Producciones, RTVE. Distribución: Tripictures. Género: suspense. Web oficial: https://tripictures.com/peliculas/el-talento/

Crítica: ’13 días, 13 noches’

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En qué plataforma ver 13 días, 13 noches

Sinopsis

Kabul, agosto de 2021. Mientras las tropas estadounidenses se preparan para abandonar el país, los talibanes asaltan la capital y toman el poder. En medio del caos, el comandante Bida intenta garantizar la seguridad de aquellos que se encuentran en el único refugio que queda en la ciudad, la embajada francesa. Con cientos de vidas en juego, Bida negocia con los talibanes con el fin de organizar un convoy hacia el aeropuerto. Comienza entonces una carrera contrarreloj para huir del infierno de Kabul antes de que sea demasiado tarde.

Crítica

Convierte un episodio real en puro suspense rescatándolo de la memoria reciente

‘13 días, 13 noches’ es una de esas películas que llegan para recordarnos lo que muchos prefieren olvidar. Dirigida por Martin Bourboulon, cineasta que ya sorprendió con la reciente y sobresaliente adaptación de ‘Los Tres Mosqueteros’, el filme nos transporta a un Kabul de 2021 marcado por el caos y el abandono tras la retirada de las tropas de Estados Unidos. Nos espera una película fidedigna en muchos sentidos de la palabra.

La cinta está protagonizada por Roschdy Zem, actor con una trayectoria sólida que hemos visto en títulos como ‘La fría luz del día’ o ‘El profesor de esgrima’. Aquí interpreta a Mohamed Bida, comandante en la embajada francesa durante aquellos angustiosos días en los que cientos de personas buscaban una salida del país. Junto a él brilla la talentosa Lyna Khoudri, a quien muchos seguimos desde su excelente trabajo en ‘Papicha’. Su presencia en pantalla aporta frescura y una enorme capacidad de transmitir vulnerabilidad y fuerza a la vez. El reparto se completa con Sidse Babett Knudsen, actriz reconocida por el gran público gracias a producciones como ‘Westworld’, ‘Inferno’ o ‘Club Zero’, que aquí ofrece una interpretación firme y carismática, consolidándose como un pilar más para el caleidoscopio de la narración.

El guion, basado en el libro del mismo Mohamed Bida, no se limita a reproducir una memoria militar, sino que construye un relato que busca concienciar, conmemorar y recordar. La historia se adentra en un episodio reciente y doloroso: la retirada norteamericana de Afganistán, considerada una de sus salidas más deshonrosas, que trajo consigo el regreso de la barbarie y un retroceso especialmente brutal para las mujeres del país.

Aunque el marco es histórico y real, Bourboulon consigue envolver la narración en una estructura de suspense, lo que convierte a ‘13 días, 13 noches’ en un thriller tenso y angustiante con ligeras dosis de acción en su tramo final. El espectador siente de cerca la desesperación de quienes intentaban huir, los miedos a infiltrados afganos entre los refugiados, las amenazas constantes de atentados del DAESH, la escasez de recursos, los conflictos de intereses y el dilema moral de cada decisión tomada. Este enfoque convierte la película en algo más que un simple recuento de hechos: se convierte en una experiencia donde la incertidumbre y la presión son palpables.

El filme pone el foco tanto en las emociones de sus protagonistas como en la magnitud de un acontecimiento que cambió la geopolítica mundial. ‘13 días, 13 noches’ se suma a producciones recientes como la última temporada de ‘La Unidad’ o el documental ‘Hollywoodgate’, en ese esfuerzo de rescatar un episodio histórico que no debería borrarse de la memoria y con el que aún tiene occidente una asignatura pendiente. El resultado es un filme sólido, que combina rigor con tensión cinematográfica, y que nos recuerda la fragilidad de la diplomacia y la crudeza de las decisiones políticas. En definitiva, es una película necesaria, valiente y profundamente humana, que invita a reflexionar sobre cómo el abandono de un país puede marcar el destino de millones de vidas.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de septiembre de 2025. Título original: 13 jours, 13 nuits. Duración: 120 min. País: Francia. Dirección: Martin Bourboulon. Guion: Martin Bourboulon, Alexandre Smia. Música: Guillaume Roussel. Fotografía: Nicolas Boldu. Reparto principal: Roschdy Zem, Lyna Khoudri, Sidse Babett Knudsen. Producción: Chapter 2, Logical Content Ventures, Pathé, M6 Films, Umedia, Canal+, Cinémage 19, Disney+, uFund. Distribución: DeAPlaneta. Género: suspense, hechos reales. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/13_dias_13_noches

Crítica: ‘Tribute’

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Sinopsis

Cuarenta años después del nacimiento del primer videojuego español la tecnología ha avanzado a una velocidad insospechada. Los juegos de ahora no se parecen nada a los de antes. Tampoco sus creadores, distribuidores, cronistas y, por supuesto, los jugadores. Todos hemos cambiado tanto que nos resulta desconcertante echar la vista atrás. Tribute es la historia, autobiográfica, subjetiva, desordenada y emocional del videojuego en España. O esa ha sido la excusa para charlar con algunas de las voces más valiosas del medio.

Crítica

Vigalondo juega en modo historia: documental con alma de 8 bits

‘Tribute’ de Nacho Vigalondo es un trabajo para Prime Video patrocinado por Domino’s Pizza. Es una película que se sumerge en el universo de los videojuegos con un enfoque nostálgico y personal. Vigalondo, conocido por su estilo único y ecléctico, se presenta como un boomer que navega por un mundo donde los videojuegos han alcanzado un estatus cultural significativo, con museos dedicados a ellos y profesionales que viven de su pasión.

La película recuerda al libro ‘Luces, cámara… enter play’ de Pako Mulero, ofreciendo un recorrido histórico que invita a la reflexión sobre las mecánicas de juego y la experiencia de vivir aventuras virtuales. A través de este viaje, ‘Tribute’ rinde homenaje a una amplia gama de juegos y compañías que marcaron la época dorada del software en España, mencionando títulos como ‘Destroyer’ y empresas icónicas como Dinamic, Topo Soft, Ópera Soft y Erbe Software. En este último campo se hace un homenaje especial, destacando la entrevista a Pablo Ruiz, fundador de Dinamic, responsable de juegos emblemáticos como ‘Capitán Sevilla’, ‘Olé Toro’ y/o ‘PC Fútbol’.

Una de las anécdotas más sorprendentes es la revelación de que Paco Pastor, el famoso cantante de Fórmula V, fue el creador de Erbe y posteriormente se unió a SEGA. También se cuenta con, Enrique Urbizu, director de películas como ‘No habrá paz para los malvados’, quien incursionó en el mundo de los videojuegos con títulos cinemáticos como ‘Los justicieros’.

La película no se limita a la nostalgia; también aborda temas contemporáneos, explorando el mundo del streaming donde jugar o reaccionar a juegos en línea es algo más complejo de lo que parece. A través de conversaciones con streamers, ‘Tribute’ ofrece una visión realista de un negocio que, a pesar de su popularidad, se enfrenta aún a ciertas dificultades y riesgos.

Aunque ‘Tribute’ es una obra breve, logra capturar la esencia de lo que los videojuegos han significado para muchas personas. El análisis de la popularidad y estigmatización del mundo del gaming es interesante, y el estilo de Vigalondo, que prioriza lo personal sobre los decorados y artificios, resuena con aquellos que crecieron en un contexto más provinciano. La película despierta una sensación de nostalgia en quienes vivieron la espera por la carga de un casete, la búsqueda de guías con trucos o mapas y las horas pasadas en el cibercafé del barrio.

Cabe destacar que incluso hay una escena post-créditos que añade otro toque humorístico a la experiencia, completando así un homenaje que, aunque limitado en alcance, es profundamente personal.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de septiembre de 2025. Título original: Tribute. Duración: 40 min. País: España. Dirección: Nacho Vigalondo. Guion: Nacho Vigalondo, Rubén Ajau. Fotografía: Curro Ferrerira. Reparto principal: Nacho Vigalondo, Pablo Ruiz, Paco Pastor, Sonia Herranz, John Tones, Enrique Urbizu, Conrad Roset, IlloJuan, Skain, Baity Bait, Araneae. Producción: Sayaka Producciones, Domino’s. Distribución: Prime Video. Género: documental. Web oficial: https://www.instagram.com/sayakaproducciones

Crítica: ‘Sin oxígeno’

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En qué plataforma ver Sin oxígeno

Sinopsis

‘Sin oxígeno’ es un thriller de acción cargado de adrenalina que narra la increíble historia real de Chris Lemons (Finn Cole), un buzo profesional que, tras un extraño accidente, queda atrapado en el fondo del Mar del Norte.

Con tan solo 10 minutos de oxígeno de emergencia y a más de media hora de cualquier esperanza de rescate, esta es la lucha imposible de un hombre por sobrevivir a 90 metros de profundidad. Mientras tanto, en la superficie, sus compañeros Duncan (Woody Harrelson) y Dave (Simu Liu) lucharán contra una feroz tormenta y harán todo lo posible por rescatarlo con vida.

Crítica

Una prueba de que el cuerpo humano aún puede desafiar los límites de la ciencia y la técnica

Antes de empezar, no, esto no va de millonarios jugando a ser exploradores. ‘Sin oxígeno’ no tiene nada que ver con la trágica implosión del submarino Titan en 2023, donde un grupo de aventureros adinerados terminó atrapado en su propia temeridad. Al contrario, lo que nos propone el director Alex Parkinson es el retrato sobrio de un accidente real protagonizado por profesionales altamente cualificados que, lejos del espectáculo, enfrentan una situación extrema con preparación, sangre fría y cooperación. Así es como viven día a día profesionales que se juegan el tipo para mantener los cables y tuberías que atraviesan los mares para darnos las comodidades que disfrutamos.

Basada en hechos reales, ‘Sin oxígeno’ es un thriller contenido que reconstruye una experiencia extrema de supervivencia en el fondo del Mar del Norte. Dirigida por Alex Parkinson, quien ya exploró este caso en el documental homónimo en su versión original ‘Last breathe’ (2019), la película traslada al terreno de la ficción la historia del buzo británico Chris Lemons, interpretado por Finn Cole.

La trama es sencilla: un accidente deja al protagonista atrapado a 90 metros de profundidad, con apenas unos minutos de oxígeno de emergencia. Mientras tanto, en la superficie, sus compañeros Duncan (Woody Harrelson) y Dave (Simu Liu) junto con la tripulación de su barco intentan organizar un rescate a contrarreloj en plena tormenta. Esta estructura lineal y sin giros innecesarios permite que el peso recaiga sobre la tensión atmosférica y las decisiones prácticas que enfrenta cada personaje. Si bien la ciencia y la técnica nos ha hecho traspasar límites inimaginables, ‘Sin oxígeno’ constata que nuestro cuerpo aún tiene sorpresas aún más sorprendentes.

A diferencia de otras producciones de este tipo, ‘Sin oxígeno’ no busca el espectáculo. Su tono es sobrio, casi documental en algunos momentos, lo cual encaja con el carácter realista de la historia. La película se apoya en una ambientación efectiva y un uso inteligente de los recursos disponibles y limitados dado su escenario, especialmente en las escenas subacuáticas, rodadas en Malta. El resultado transmite claustrofobia y aislamiento sin necesidad de recurrir a un montaje frenético ni a una banda sonora invasiva.

El reparto cumple con solidez. Finn Cole aporta humanidad al personaje central, mostrando su vulnerabilidad sin caer en el dramatismo barato. Woody Harrelson, como es habitual, ofrece una interpretación carismática pero sin robar protagonismo a sus compañeros, y Simu Liu se integra bien en un rol más discreto que el resto pero no carente de peso en la trama. Ninguno acapara el foco, lo cual refuerza el tono coral y realista del relato. En cuanto a esto último también se percibe la intención de mostrar que tanto en un experimento científico como en un rescate, no suele haber protagonistas únicos, más bien trabajo en equipo.

En lo visual, la película mantiene una estética gris, acorde al escenario industrial y tormentoso en que se desarrolla. El fondo marino se presenta como un entorno hostil y abrumador, no tanto por su apariencia sino por lo implacable de sus condiciones. Las decisiones de dirección de Parkinson refuerzan ese enfoque, priorizando lo funcional por encima de lo estilizado.

Irónicamente habiendo hecho el director ya un documental para Netflix sobre el tema, comete alguna que otra incorrección científica: con los gases, con los tiempos… No obstante queda claro que ‘Sin oxígeno’ es una película ligera que pretende constatar hechos y no reinventar el género ni subrayar una épica innecesaria. Es una obra contenida, que confía en la fuerza de la historia que cuenta y en la verosimilitud de sus personajes. Puede que no impacte, pero sí deja una impresión sobria y reflexiva, alejándose del drama grandilocuente al que este tipo de historias suelen tender. No recomendable para claustrofóbicos y puede interesar a quienes valoran el cine de supervivencia basado en hechos reales, con un enfoque más cercano al realismo que a la acción.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de agosto de 2025. Título original: Last Breath. Duración: 93 min. País: Reino Unido. Dirección: Alex Parkinson. Guion: Alex Parkinson, Mitchell LaFortune, David Brooks. Música: Paul Leonard-Morgan. Fotografía: Nick Matthews. Reparto principal: Woody Harrelson, Finn Cole, Simu Liu, Cliff Curtis, Mark Bonnar, MyAnna Buring. Producción: Focus Features, Dark Castle Entertainment, Longshot Film Studios, Thing 44, Floating Harbour, FilmNation Entertainment, Aperture Media Parthners. Distribución: Vértice Cine. Género: drama, suspense. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/last-breath

Crítica: ‘Agárralo como puedas’

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En qué plataforma ver Agárralo como puedas

Sinopsis

Sólo un hombre tiene las habilidades necesarias… ¡para dirigir la Brigada Policial y salvar el mundo! El teniente Frank Drebin Jr. (Liam Neeson) sigue los pasos de su padre en ‘Agárralo como puedas’, dirigida por Akiva Schaffer (Saturday Night Live, Popstar: Never Stop Never Stopping) y del productor Seth MacFarlane (Ted, Padre de familia).

Crítica

Hilarante. Por fin vuelve la correcta incorrección política

Había dudas, muchas, sobre si era buena idea resucitar una de las sagas más queridas de la comedia absurda ‘The Naked Gun’. ‘Agárralo como puedas’ (en su título español), nacida en los ochenta de la mano de los ZAZ (Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker), tenía como bandera la incorrección política, el chiste visual milimétrico, el humor físico y la ridiculización del cine policíaco. Décadas después, parecía impensable que alguien se atreviera a devolver a la gran pantalla esa fórmula tan difícil de recrear. Y, sin embargo, Seth MacFarlane, creador de ‘Padre de familia’ y experto en empujar los límites del humor negro y sobrado, ha encontrado la manera de actualizarla sin perder su esencia.

Para muchos Liam Neeson será la gran sorpresa, sin duda, verle en un papel cómico era el gran reclamo. Durante años, el actor irlandés había coqueteado con la idea de hacer comedia. Quedó como anécdota televisiva aquella escena de ‘Life’s Too Short’ en la que se reía de sí mismo y del sida en un sketch ya mítico. Ahora, por fin, se lanza de lleno y lo hace con un personaje a la altura: el hijo de Frank Drebin, aquel policía torpe e irrepetible encarnado por el inolvidable Leslie Nielsen. Neeson demuestra aquí que su vis cómica estaba agazapada en la retaguardia tras años de acción y thrillers. Su físico imponente y su seriedad natural juegan a favor del gag: cuanto más rígido está, más divertido resulta el despropósito que le rodea. De hecho, sales de la sala con la convicción de que te lo has pasado bien por ver a un duro del cine de acción haciendo bufonadas más que por las payasadas en sí mismas.

¿Un guion plagado de gags? Eso es lo que nos ofrecían las películas de los ZAZ. Aunque este nuevo filme no es un torrente de chistes si supera con creces a la mayoría de comedias actuales hasta el punto de llegar a ser hilarante. Y lo que es más importante, es honesto consigo mismo. Como ocurría con Ibáñez en sus cómics, los gags estaban en todas partes e iban desde lo tontorrón hasta lo ingenioso: en el diálogo, en los objetos del fondo, en un simple plano de reacción. Este nuevo ‘Agárralo como puedas’ no llega a esos niveles de locura, pero si exige la complicidad de un espectador rendido a cualquier tipo de mofa, sino ya me diréis a cuento de qué se ha contado de nuevo con una aparición de ‘Weird Al’ Yankovic. Y Seth MacFarlane añade su toque: diálogos afilados, humor autorreferencial y un plus de incorrección política que recuerda que la comedia también puede (y debe) incomodar. Ahí queda la secuencia que finaliza con O. J. Simpson.

Había también un factor nostalgia y se cumple con algunas de las gracias, incluyendo los títulos de crédito. Una breve aparición de Priscilla Presley y el ya visto homenaje en el tráiler rinde tributo a los actores protagonistas que tantas risas nos dieron. Pero este no es un filme que viva solo de las rentas y como hicieron también con la saga ‘Scary Movie’ se intenta captar al público más joven. Igualmente se encargan incluso de verbalizar en las primeras escenas cuál es la declaración de intenciones del filme: rendir culto al original sin perder de vista lo actual. Seth MacFarlane y el director Akiva Schaffer entienden que la clave del éxito está en respetar el estilo visual y narrativo original, es decir, cine policíaco con voz en off y agentes chapados a la antigua rodeados de parodia constante. Pero había que adaptarse a la audiencia que se comunica a través de memes, anglicismos y el absurdo en formato digital. De algún modo, la película funciona como una celebración del chiste universal, capaz de unir generaciones.

Seamos honestos, ‘Agárralo como puedas’ (‘Dónde está el policía’ en otros países hispanohablantes) no es para todos los públicos, nunca lo ha sido. Servidor ha visto las películas originales hasta sabérselas de memoria, ponérselas a sus amigos y cuestionar su amistad con estos dado que no todos se divertían con ellas. Son filmes para quienes toleran todo tipo de humor y a ello ahora hay que sumarle en cinismo y el sarcasmo de MacFarlane. Para los que crecieron con Frank Drebin y para quienes aún creen que la comedia debe tener un punto salvaje, esta secuela espiritual es un regreso triunfal. Para los que aún no saben reconocer que forman parte de la generación de cristal, haced “next”.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de agosto de 2025. Título original: The Naked Gun. Duración: 85 min. País: EE.UU. Dirección: Akiva Schaffer. Guion: Dan Gregor, Doug Mand, Akiva Schaffer. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Brandon Trost. Reparto principal: Liam Neeson, Pamela Anderson, Paul Walter Hauser, Danny Huston, CCH Pounder, Kevin Durand, Liza Koshy, Eddie Yu.  Producción: Paramount Pictures, Domain Entertainment, Fuzzy Door Productions, Quebec Film And Television Tax Credit. Distribución: Paramount Pictures. Género: comedia. Web oficial: https://www.instagram.com/nakedgunmovie/

Crítica: ‘El regreso de Ulises’

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Sinopsis

Tras 20 años de ausencia, Ulises aparece en las costas de Ítaca, demacrado e irreconocible. El rey ha regresado, pero muchas cosas han cambiado desde que partió a la guerra de Troya. Su amada Penélope es acosada por numerosos y ambiciosos pretendientes, mientras su hijo, Telémaco, se enfrenta a la muerte a mano de los que ven en él un obstáculo. Ulises se verá ahora obligado a enfrentarse a su pasado para recuperar su familia y su reino.

Crítica

Mirada melancólica y realista a la parte menos tratada del mito

La Odisea de Homero siempre ha sido una de las piedras angulares del arte narrativo occidental. Inspiración constante para la literatura, el cine y la televisión, ha servido como patrón para representar el viaje del héroe, plagado de pruebas, monstruos y dioses caprichosos. Sin embargo, Umberto Pasolini ha decidido mirar más allá del relato clásico y explorar un terreno mucho menos transitado: el retorno. ¿Qué ocurre después de que el héroe pisa de nuevo su tierra? ¿Qué queda tras veinte años de guerras, engaños, ausencias y cicatrices invisibles?

Dejando al margen la épica y la fantasía clásica, Pasolini ha tenido para ‘El regreso del héroe’ la idea de imaginar y rellenar un hueco, lo cual, también es una apuesta arriesgada. Habitualmente vemos cómo Odiseo/Ulises se enfrenta a las sirenas, escapa de Circe o ve como sus compañeros son devorados por los gigantes. El potencial y originalidad de este filme reside en mostrar a Ulises como un héroe arrepentido, martirizado, traumatizado, arrepentido y avergonzado. ‘El regreso de Ulises’ es un drama intimista que despoja al mito de su grandilocuencia para retratar a un hombre roto que intenta reconstruir, sin manual ni redención asegurada, los vínculos que dejó atrás. Ralph Fiennes encarna a este Ulises desencantado, marcado por el trauma, la culpa y la vergüenza de su prolongada ausencia. Su interpretación es sobria, poderosa y contenida, y sostiene gran parte del peso emocional de la película. A su lado, Juliette Binoche, como Penélope, aporta una dignidad herida y silenciosa, pero efectiva. Así mismo representa estupendamente esa lealtad suicida que tan bien relató Homero en su obra.

Donde el filme pierde fuelle es en su reparto secundario. Charlie Plummer, en el papel de Telémaco, no logra transmitir el conflicto interno de un hijo dividido entre el mito del padre que nunca conoció y el hombre de carne y hueso que tiene delante. Su interpretación resulta rígida y a menudo superficial, lo que desequilibra emocionalmente algunas escenas clave del relato.

Visualmente, la película apuesta por una estética que coquetea con el realismo arqueológico. Algunas secuencias, de hecho, se sienten más como fragmentos de documentales diseñados para museos que como parte de una narrativa cinematográfica. Esto, sin embargo, no es necesariamente un defecto. La ambientación es notablemente austera, sobria, y da vida a una Grecia arcaica más primitiva y terrenal, muy alejada del esplendor visual del péplum clásico. El vestuario, las construcciones y hasta los utensilios del día a día están representados con una fidelidad que se alía con el carácter terrenal que ha querido imprimirse en el protagonista.

Pasolini se aleja deliberadamente de la épica sobrenatural. No hay dioses en escena, ni milagros, ni signos divinos. Atenea, la guía celestial del Ulises homérico, ha sido eliminada del relato. A cambio, se introducen cambios que reescriben el mito con mayor crudeza emocional: el personaje que decide destino de Antínoo, la traición de Melantio y la reacción de Telémaco al conocer a su padre revelan un enfoque más humano, casi doméstico, del relato heroico.

‘El regreso de Ulises’ es más que una reinterpretación, una mirada melancólica y realista a la parte menos tratada del mito. Su mayor virtud es también su mayor riesgo: la desmitificación del héroe. Un Ulises derrotado por la vida, más que por la guerra. Una historia de reencuentros imposibles, de identidades desdibujadas y heridas invisibles que el tiempo no cura.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de agosto de 2205. Título original: The Return. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: Umberto Pasolini. Guion: Edward Bond, John Collee, Uberto Pasolini. Música: Rachel Portman. Fotografía: Marius Panduru. Reparto principal: Ralph Fiennes, Juliette Binoche, Marwan Kenzari, Angela Molina, Claudia Santamaría, Charlie Plummer. Producción: Heretic, Ithaca Films, Kabo Films, Marvelous Productions, Picomedia, Rai Cinema, Redware Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: aventuras, adaptación. Web oficial: https://es.unifrance.org/pelicula/59403/the-return

Crítica: ‘The people’s Joker’

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Sinopsis

En Gotham City, donde la comedia ha sido prohibida, una aspirante a payasa sin gracia llamada «Joker the Harlequin» lucha por encontrar su identidad de género mientras intenta formar parte del único programa humorístico que queda en la ciudad. Pero su camino la llevará a enfrentarse a un oscuro y trastornado vigilante encapotado que mantiene el control sobre Gotham.

Crítica

La película que desafió a Warner y salió airosa (al menos en lo legal)

Antes de entrar en la anatomía misma de ‘The People’s Joker’, es imprescindible hablar del derecho a la parodia. La parodia, consagrada por la doctrina legal en numerosas jurisdicciones, protege la sátira, la crítica, la exageración humorística. Es precisamente este derecho el que autoriza a Vera Drew a jugar con personajes icónicos de DC Comics, a invertir arquetipos y a remecer expectativas. Si algo queda claro, es que, sin ese paraguas legal, el filme no existiría (o se habría enfrentado a demandas inabarcables). Así que, queda establecida esa premisa esencial: la parodia es legítima y necesaria.

Nada más aparecer este filme independiente en el Festival de Toronto, Warner Bros. envió una carta pidiendo explicaciones e instando a esperar a revisar si se infringía algún detalle relacionado con propiedad intelectual. El festival medió y la película se proyectó pero su directora la retiró del resto de festivales a los que aplicaba por miedo a no poder hacer frente a una demanda con un gigante como Warner. Aún así, la película ha sobrevivido y llega ahora a Filmin tras haberse podido ver en otros marcos fuera de España. A día de hoy no ha habido denuncia contra la película por parte de los propietarios de personajes como Batman, Joker, Harley Quinn y compañía.

‘The People’s Joker’ abre con dedicatorias: a Joel Schumacher, a quien Drew dedica esta obra por su despertar trans durante el visionado de su película ‘Batman Forever’, durante la cual sentía más afinidad con Nicole Kidman que con Val Kilmer. Y el filme también está dirigido a la madre de la directora y protagonista, la cual, aparece retratada con ironía. Figura como madre conservadora y cerrada se convierte en imagen cómica y cristal de contraste, muy al estilo de la madre de Sheldon Cooper. El doble sentido funciona: por un lado, homenaje, por otro, denuncia de lo retrógrado, como si Drew jugara al equilibrista entre reverencia y humor ácido.

Desde el primer fotograma, la película se define como trans y queer. No hay preludios: se declara identitaria, política y personal. Mezcla una realidad autobiográfica con elementos de ficción del universo DC, en un tono de “chifladura sentimental” que recuerda a algunos episodios de ‘Doom Patrol’: delirantes, emotivos, coloristas y totalmente fuera de lo convencional. Todo esto se debe a que el filme pretende ser un zasca. Surge del intento de responder a Todd Phillips (director de ‘Joker’), el cual comentó que la cultura woke limitaba actualmente a la comedia. Ese pulso cultural es valiente y necesario, pero al enfocarse tanto en lo autobiográfico, Vera Drew descuida la narrativa cómica, pierde perspectiva de su cometido principal. El desnudo frente a cámara es valiente, sí, pero el objetivo, la vuelta de tortilla que anuncia desde su germen… no termina de cuajar. Existen ejemplos recientes y exitosos: ‘Tomboy’ (Céline Sciamma) y ‘Feel Good’ (Mae Martin), que sí logran ese equilibrio entre lo íntimo, lo queer y lo universal. Aquí, en cambio, muchas buenas ideas quedarán en esbozo.

Algunas ideas paródicas funcionan: chispazos visuales, referencias meta, insinuaciones audaces. Incluso, en tono friki, diría que a Drew le vendría bien pasar por el universo Cálico Electrónico para asimilar timing y gags. Pero el gancho falla: los chistes no rematan, muchas ocurrencias mueren al instante. Y ahí reside la tragedia: la apuesta era fuerte, merecida, valiente… pero el resultado es plano. Sorprende hasta cierto punto que Warner no haya interpuesto demandas: la película no hace gracia, prácticamente refuerza el argumento de Phillips. Una auténtica pena. Además Drew no usa imágenes originales, no por lo menos un tiempo suficiente como para tener que pagar derechos.

Entre los momentos más bizarros, la película extrae riffs y citas de ‘El regreso del caballero oscuro’ o el ‘Escuadrón Suicida’ de David Ayer. El Robin de Frank Miller se transforma, en un giro delirante, en el Joker de Jared Leto: un galimatías mental que podría ser fascinante… si tuviera coherencia. Pero termina siendo una breve chispa de locura sin desarrollo. Se queda en la anécdota. El estilo es una mezcla de técnicas, animación e imagen montada que coquetea con el horterismo kitsch, rayando lo extremadamente amateur. Se siente como un collage de bancos de imágenes superpuestas (recuerdos de ‘The Amazing Bulk’ han aparecido en mi mente), con estética mal pulida que distrae más que aporta. Podría ser un recurso expresivo, pero chirría. Tampoco es de extrañar pues de presupuesto han contado con apenas 100.000 dólares, de los cuales 19.000 se consiguieron por crowdfunding durante la pandemia, algo bastante poco significativo.

Fondos de matte painting, miniaturas, animación 2D y 3D, secuencias de stop-motion, collages digitales y hasta números musicales con marionetas interdimensionales. ‘The People’s Joker’ es un experimento personal y político: una provocación queer, un arrebato autobiográfico, una chifladura visual. Es legítima por derecho a la parodia, y valiente por desnudarse ante la cámara. Pero en su ímpetu autorreferencial, falla como comedia. Filmin suele ser buena apuesta para obtener combinaciones transgresoras, valiosas, independientes y diferenciadas. Por desgracia este es un punto negro en su catálogo que si acaso cumple los dos últimos adjetivos y quizá se convierta en placer culpable para alguien.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de agosto de 2025. Título original: The people’s Joker. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Vera Drew. Guion: Bri LeRose, Vera Drew. Música: Justin Krol, Quinn Scharber, Danni Rowan. Fotografía: Nate Cornett. Reparto principal: Vera Drew, Lynn Downey, Kane Distler, Nathan Faustyn, David Liebe Hart, Phil Braun, Griffin Kramer, Christian Calloway, Trevor Drinkwater, Ruin Carroll, Tim Heidecker, Bob Odenkirk. Producción: Open Road Films. Distribución: Filmin. Género: comedia. Web oficial: https://www.filmin.es/pelicula/the-peoples-joker

Crítica: ‘Nadie 2’

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Sinopsis

A veces, no hay nada más peligroso para un padre de familia que unas vacaciones.

Crítica

Entre el héroe reacio y la parodia involuntaria

Si la primera entrega de ‘Nadie’ (Nobody, 2021), dirigida por Ilya Naishuller, fue una refrescante sorpresa dentro del género de acción (una especie de primo lejano y más amargo de John Wick), ‘Nadie 2’ llega con la promesa de ser una bomba de relojería. Con la dirección ahora a cargo del indonesio Timo Tjahjanto, responsable de segmentos impactantes en las antologías ‘V/H/S’ y del feroz filme de culto ‘The Night Comes for Us’, esta secuela no solo debería subir la apuesta en cuanto a violencia y ritmo, sino que tiene ese deber no escrito de ampliar el universo que se inició hace cuatro años y mantener alto el nivel de su productora 87 North. ¿Lo hace? Siendo un filme divertido se queda con asignaturas pendientes para después del verano.

Desde sus primeros compases, la película promete devolvernos a las sensaciones del primer filme. Volvemos a encontrarnos con Hutch Mansell (Bob Odenkirk), ese “hombre cualquiera” con pasado letal que intenta rehacer su vida mientras la violencia llama a su puerta. El concepto del héroe reacio sigue siendo la columna vertebral de la historia, pero esta vez el guion se acerca más al tono familiar y cómico de una serie como ‘Fubar’ que al pulso preciso, estiloso y seco de su predecesora.

Uno de los mayores problemas de ‘Nadie 2’ es la pérdida casi inmediata del sello coreográfico que caracterizó a la primera entrega. Donde antes había un manejo físico y visual elegante, que aún así estaba en sintonía con lo mundano del protagonista, ahora hay un descenso rápido a la típica sucesión de tiroteos donde los enemigos parecen sacados del cuerpo de stormtroopers: disparan mucho, fallan siempre. La dirección de Tjahjanto, aunque por momentos conserva cierto pulso, se ve limitada o diluida por un enfoque más genérico que lo que nos tiene acostumbrados. Se echa de menos su estilo sangriento, caótico pero preciso, que aquí apenas asoma.

La película tampoco teme abrazar lo ridículo, lo que no sería un defecto si lo hiciera con inteligencia o autoconsciencia. Pero aquí el humor parece impuesto, rozando el gag innecesario, con situaciones que buscan la risa fácil más que la sátira o el desahogo. Ese sentido del ridículo está presente, pero no con el filo que lo haría memorable. Aún así hay carcajadas inevitables fruto del carácter negro del filme, no todo son intenciones caídas en saco roto.

A nivel narrativo, el componente familiar vuelve a ocupar un espacio central, lo que podría haber sumado en profundidad emocional, pero acaba restando contundencia al relato. Se aleja así de la introspección crepuscular que tenía la primera entrega y se aproxima más a un producto amable, digerible y olvidable. Tan cine de fórmula como una producción barata de Netflix.

En cuanto al reparto, la inclusión de Sharon Stone como villana es una de las decisiones más cuestionables. Su personaje resulta excesivo, mal escrito y sin amenaza real, recordando más al antagonista caricaturesco interpretado por Toby Kebbell en ‘Bloodshot’ que a una némesis en la línea del estilo de la saga. Cuánto daño han hecho los bailes de Tik Tok…

‘Nadie 2’ se aleja peligrosamente de lo que hizo especial a la original. Iba con la esperanza de ver una ramificación digna de los autores de ‘John Wick’ en la que incluso podría encajar el personaje de Keanu Reeves. Ahora ya preferiría que no sea así. No es tanto una película de acción salvaje como una mezcla diluida entre lo que Tjahjanto podría haber ofrecido y lo que cualquier cinta protagonizada por Liam Neeson ha hecho ya hasta la saciedad. Pierde estilo, pierde filo y, sobre todo, pierde oportunidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2025. Título original: Nobody 2. Duración: 89 min. País: EE.UU. Dirección: Timo Tjahjanto. Guion: Umair Aleem, Derek Kolstad, Bob Odenkirk, Aaron Rabin. Música: Dominic Lewis. Fotografía: Callan Green. Reparto principal: Bob Odenkirk, Connie Nielsen, John Ortiz, RZA, Colin Hanks, Christopher Lloyd, Sharon Stone. Producción: 87North, Eighty Two Films, OPE Partners, Odenkirk Procissiero Entertainment, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: acción, comedia. Web oficial: https://www.instagram.com/nobodymovie/

Crítica: ‘Materialistas’

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Una joven y ambiciosa celestina de Nueva York se debate entre la pareja perfecta y su imperfecto ex.

Crítica

Desmonta la lógica de las relaciones eficientes y puede desmontar a más de uno

Madame Web se encuentra en una boda con Mr. Fantástico y la Antorcha Humana. Esto que parece el principio de un chiste que haría que tú, que buscas un cine con distintas costuras que el comiquero, digas “next” en una cita, es lo que precisamente trata de evitar el personaje de Dakota Johnson. Ella es una persona que se dedica a hacer de celestina, un Tinder personal para que lo entiendan los más jóvenes. Su cometido es hacer que acabes en la cita correcta, con la persona que potencialmente pueda ser tu cónyuge y no con alguien que te cause rechazo instantáneo. Lo irónico: ella misma no encuentra pareja. Y eso no es casualidad.

‘Materialistas’, dirigida por Celine Song y producida por A24, podría haber sido una nueva ‘Hitch’ o un intento más de actualizar ‘El diario de Bridget Jones’. Pero no. En vez de caer en las fórmulas edulcoradas del género, Song nos ofrece una mirada más sofisticada, crítica y emocional. Si en ‘Vidas pasadas’ analizaba los hilos invisibles del destino y el amor a través del tiempo, aquí disecciona el presente con bisturí emocional y parece que también preocupado.

La protagonista, interpretada con acierto por Dakota Johnson, se mueve entre citas, expectativas y algoritmos, funcionando como un espejo roto en el que muchos pueden verse reflejados. La película expone, con mucha más inteligencia de la que su tono ligero deja entrever, cómo hemos llegado a cosificar hasta el amor, tasando el físico, el éxito o la compatibilidad como si fueran valores bursátiles o datos de esos que alimentan los algoritmos de las redes.

Johnson brilla en su papel más irónico y maduro hasta la fecha. Le acompañan con buen pulso Chris Evans y Pedro Pascal, que lejos de ser simples intereses amorosos, construyen dos tipos de masculinidad con los que la protagonista se confronta y evoluciona. Los diálogos están afinadísimos, y no hay línea de guion que no revele capas de los personajes o del sistema emocional que habitan. Entre los tres retratan a una sociedad actual que cosifica y cuantifica todo, hasta tal punto de que parece que hemos evolucionado poco o incluso involucionado.

Lo mejor de ‘Materialistas’ es que, bajo su envoltorio de comedia romántica, late una historia profundamente meditada y meditabunda, que no solo anima a la sinceridad entre personas, sino a la verdad con uno mismo. Celine Song ha encontrado en su historia el hueco para analizar la condición humana actual. Nos interpela sobre el origen de nuestra autoestima: ¿Somos valiosos por cómo nos perciben o por lo que somos cuando nadie nos ve? Sin duda es un filme que te hace cuestionarte cosas. No da respuestas fáciles, pero sí provoca las preguntas correctas. Y eso, en una película romántica, es oro puro.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2025. Título original: Materialists. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Celine Song. Guion: Celine Song. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Shabier Kirchner. Reparto principal: Dakota Johnson, Pedro Pascal, Chris Evans. Producción: A24, 2AM, Killer Films, Access Entertainment, IPR.VC. Distribución: Sony Pictures. Género: romántico. Web oficial: https://a24films.com/films/materialists