Crítica: ‘La historia de las palabrotas’

El mejor P**o documental que vais a ver este año. ‘La historia de las palabrotas’

El pasado 5 de enero llegó a Netflix uno de las mejores series que vais a poder ver este año, ‘La historia de las palabrotas‘. Si, lo digo sin duda alguna y es que un documental presentado por Nicolas Cage en el que nos hablan de la historia de las palabrotas no puede disgustar a nadie.

Esta serie consta de seis episodios en los que se adentran en los orígenes de «j*oder’, ‘m**rda», «perra», «capullo», «co*o» y «maldito» en la lengua inglesa.

Cada episodio dura unos 21 minutos de duración, contados de una manera bastante dinámica y tenemos a varios expertos en la materia. Comediantes, personas que trabajan escribiendo en diccionarios o personas que se dedican al estudio de este tipo de palabras.

No solo nos enseñan que son palabras mal sonantes, sino que también se utilizan como palabras de júbilo, palabras para desahogarnos o incluso una herramienta contra el sistema.

Vemos la importancia de estas palabras en nuestro vocabulario. Su poder, según qué género son buenas o malas. Es decir, algunas de las referidas al género femenino son despectivas y mientras tanto en el género masculino todo lo contrario.

Es divertida la manera de interpretar las distintas palabrotas, cuando ser mal hablado no siempre es para insultar.

Otra de los temas que se tocan en este documental es la utilización de estas palabras en el cine. De su importancia a la hora de influir en la manera de clasificar una película por edad. Según el número de veces que se pronuncian en pantalla las catalogan para una edad u otra. Incluso averiguamos con cierta sorpresa qué actor dice más palabrotas.

Por supuesto Nicolas Cage está a la altura como presentador, este papel era para él y se le ve en su salsa gritando a los cuatro vientos los distintos tacos que van saliendo en los episodios.

Entre los invitados que vemos tenemos a Nikki Glaser, London Hughes, Elvis Mitchell, Melissa Mohr, Kary Stamper, DeRay Davis, Nick Offerman, Sarah Silverman, Benjamin Bergen, Joel Kim Booster, Jim Jeferies, Patti Harrison, Open Mike Eagle, Zainab Johnson, Mireille Miller-Young, Baron Vaughn, Isiah Whitlock Jr. o Alice Castile.

Dirigida por Christopher D’Elia y escrita por Bellamie Blackstone. ‘La historia de las palabrotas’ nos adentran en la historia de palabras de uso diario que no a todo el mundo le gustan. Espero con ganas que decidan a hacer más temporadas de este educativo documental.

Crítica: ‘Lupin’

Aventuras, acción y un ladrón de guante blanco que os encantará

Hemos visto los primeros episodios de Lupin’, la nueva serie de Netflix que nos presenta a Assane Diop, un joven que busca venganza y se inspirará en ‘Arsenio Lupin, caballero ladrón’ para conseguirla.

El 8 de enero de 2021 llega a todas las pantallas del mundo esta nueva serie original francesa. La cual contará con 10 episodios que se emitirán divididos. Es decir, constará de una primera parte de 5 episodios y otra segunda igual.

Creada por George Kay (‘Killing Eve’) y François Uzan (‘Family Business’), la serie está dirigida entre otros por Louis Leterrier ‘(Ahora me ves’) y sin duda han realizado un gran trabajo.

Tenía unas ganas tremendas de verla y me ha dejado con muchas ganas de más. Protagonizada por Omar Sy, la serie nos adentra en el París rico y también en sus suburbios. Conocemos el mundo de las subastas y por supuesto de los grandes ladrones. Assane Diop nos enseña como cambiar de traje puede abrirte todo tipo de puertas.

Lo famoso de las novelas de Lupin era que lograba siempre escaquearse ya que conocía un sin fin de materias. Aquí vemos que Diop desde la muerte de su padre se prepara para todo. Es experto en artes marciales, en sigilo y por supuesto es encantador.

La historia va veloz y nos muestra mucha información en poco tiempo, lo necesario para entender lo que estamos viendo y disfrutar de ello. Es ligera y los episodios se pasan volando pese a su larga duración. Esto es gracias a la dirección y al montaje de la misma.

Quizás de lo que pueda pecar es que se ven llegar un poco los giros, pero que queréis que os diga, me ha entretenido tanto que lo he pasado por alto y en este caso es algo que me da completamente igual.

Omar Sy está increíble, como siempre, también es cierto que me encanta este actor y quizás no sea lo suficientemente objetiva que debiera ser.

En el reparto encontramos a Vincent Londez (‘Into the Night‘), Sirine Boutella (‘Papicha, sueños de libertad‘), Nicole Garcia (‘Inspectora Marleau’) o Clotilde Hesme (‘The Shift’). Todos muy bien en sus distintos papeles.

Lo que me gusta mucho de ‘Lupin’ es que aunque el protagonista sea Assane, absolutamente todos los personajes tienen un papel muy importante en la historia. Incluidos los policías, que están como el perro y el gato intentando agarrar a este ladrón de guante blanco por toda la capital francesa.

París es otro de los protagonistas de la cinta. Sus calles, las grandes mansiones apartadas del centro, sus bellos monumentos y museos y por supuesto sus famosos suburbios donde la gente tiene que sobrevivir como bien puede.

Así que ya sabéis, no os la perdáis. Además me parece una buena manera de adentrarnos en las historia de Arsene Lupin y para la gente que no lo conozca comience a interesarse por este personaje.

Crítica de ‘Sweet home’

Un drama monstruoso y pandémico

Un joven adolescente se ve inmerso en una depresión cuando todo a su alrededor comienza a agitarse, cuando el mundo, o por lo menos su país (Corea del Sur) se ve asolado por una extraña pandemia que convierte a la gente en aberrantes criaturas. ¿La razón? Ya la iréis viendo, pero anticipo que es original. El protagonista de esta serie de terror disponible en Netflix es ese chico del que poco a poco vamos descubriendo cosas, pero realmente hay que afirmar que ‘Sweet home’ está protagonizada por muchos personajes.

Al igual que en otros mangas o animes esta serie de acción real añade una cantidad grande de protagonistas y los usa para desarrollar su acción. Tenemos por lo tanto una comunidad de desconocidos guiada por varios héroes. Un grupo variopinto y heterogéneo que como en historias tipo ‘Gantz’ ha de aprender nuevas habilidades sociales y de combate que les ayuden a sobrevivir a los monstruos que les acechan.

‘Sweet home’ dispone de un héroe al más puro estilo ‘Prototype’ y da mucho protagonismo a las mujeres de este edificio que se ve obligado a confinarse ante la amenaza externa. Incluso incluye un personaje que se gana el calificativo de cruel y calculador, al más puro estilo Light Yagami. Lo que quiero decir con todo esto es que todo aquel que le dé al play va a encontrar en ‘Sweet home’ un personaje con el que sentir apego, como nos ha pasado con series tipo ‘Lost’.

Hablemos de la trama. ‘Sweet home’ adapta un cómic distribuido de manera online, en lo que en Corea han llamado webtoon. Empieza recordando a ‘#Alive’ y poco a poco la acción y el terror se hacen con el protagonismo. La serie está la mar de entretenida siempre que introduce escenas con monstruos de todo tipo que parecen inspirados en los jefes del ‘Resident Evil’. Pero esa presencia va desapareciendo y da paso a momentos de relaciones entre personajes que se agradecen para enriquecer la serie pero que se apoderan en exceso del metraje.

Lee Eung-bok es el artífice de la serie y se nota que es experto en K-Drama, por todo lo que os acabo de contar y por cómo le gusta ver llorar a sus actores. No obstante ‘Sweet home’ es una serie que recomiendo sobre todo por su primera mitad que está repleta de acción y de proezas. Aunque abuse en exceso de un tema de Imagine Dragons (irónicamente la productora que ha realizado la serie se llama Studio Dragon) consigue momentos épicos y emotivos.

Y se puede disfrutar de la historia a pesar de que hay algunos saltos en los que han cambiado o aportado detalles que no nos explican. Sin duda lo mejor de ‘Sweet home’ son los diseños de las criaturas y la interpretación de alguno de sus actores, como Jin-wook Lee y Si-Young Lee. Es una producción que deja buen sabor de boca a pesar de disponer de un final abierto.

Crítica de ‘The Stand’

Terroríficamente pegada a la realidad

A partir del 3 de enero en Starzplay se estrenará ‘The Stand’. Una nueva adaptación de una novela de que cada domingo tendrá un nuevo episodio en la plataforma en línea perteneciente al canal Starz. El libro que se ha convertido en entretenimiento televisivo lleva el mismo título, aunque también ha sido traducido como ‘La danza de la muerte’.

No sé cuáles habrían sido mis impresiones de haber visto ‘The Stand’ hace un año, sin estar condicionado por la actual pandemia, el primer confinamiento, la psicosis social… Pero sí que es cierto que a esta serie “le ha venido bien” el estrenarse con un panorama bastante similar al apocalipsis que plantea. Consigue transmitir mejor su terror por semejanza a lo que estamos viviendo. Per hablemos de tiempos, ya que el estreno de esta serie puede parecer oportunista/alarmista pero la historia viene de mucho antes.

Resumiendo un poco podemos contar que el libro está en librerías desde 1978. En el 94 ya hubo una miniserie que salió tras un proyecto fallido con Romero. Mick Garris la hizo y estaba protagonizada por Gary Sinise, Jamey Sheridan, Molly Ringwald, Miguel Ferrer o Rob Lowe, entre otros. Tuvo muy buena acogida. En 2011 fue trasladada a las viñetas y ese mismo año se anunció película que no se materializó. Una nueva adaptación se comenzó a escribir en 2014 por Josh Boone (‘The new mutants’) pero tampoco se hizo, contaría con Christian Bale y Matthew McConaughey. Finalmente, con los derechos en la CBS y contando con Boone se hizo esta serie que comenzó su andadura en 2019 y terminó de rodarse en marzo de 2020.

¿Por qué se parece y por qué os pongo en precedentes? ‘The Stand’ trata de una epidemia consistente en una altamente contagiosa gripe. Un virus que en 5 meses asola todo diezmando la población y que deja a las personas expectorando mocos color ocre y con el cuello inflamado. Veréis como abunda la paranoia, como el virus pasaba desapercibido al principio y como un simple estornudo se convierte en un elemento terrorífico. Desde luego parece que se han sacado de la realidad algunas imágenes como las que muestran hileras de cadáveres en los pasillos de hospitales.

¿Se parece al libro? En líneas generales sí, pero hay cambios que los lectores van a acusar y además Stephen King y su hijo menor Owen King han elaborado un guión con un final diferente. En los primeros episodios (que son los que hemos podido ver) la historia acusa el saltar demasiado de un personaje a otro sin llegar a construir demasiado. Va a recordar a ‘The Walking Dead’ en muchos sentidos.

La trama, al igual que el libro, también se centra en ir conformando una lucha entre dos bandos mientras nos muestra el antes y el después de esta situación tan de cataclismo. Lucha que está encabezada por Whoopi Goldberg y Alexander Skarsgård que encarna al Hombre Oscuro (la primera aparición de aquel que también es llamado El hombre de negro de ‘La Torre Oscura’). Ellos aparecen de vez en cuando pero están más presentes los personajes de James Marsden (‘Sonic’), Odessa Young (‘Nación salvaje’), Owen Teague (‘IT’), Daniel Sunjata (‘Happy!’), Jovan Adepo (‘Watchmen’), Gordon Cormier (‘Lost in space’) Amber Heard (‘Aquaman’), Nat Wolff (‘Death Note’) e incluso la serie reserva papeles para Ezra Miller (‘Liga de la Justicia’) o J.K. Simmons (‘Spider-Man’).

Desde luego que con ‘The Stand’ crece el universo expandido de King o dicho de otro modo se vuelve a poner a disposición de los consumidores de audiovisual. La sensación que tengo con esta serie es que es un producto mejor que ‘La cúpula’ pero que no llega a abrazar con el suficiente acierto la obra de King, no tanto como ‘El visitante’ o ‘Castlerock’, por mencionar algunos éxitos recientes.

No obstante la serie consigue ser muy canónica e introducir los elementos clásicos de King. No nos falta el chico maltratado por otros jóvenes, las persecuciones en bici, las escenas en campos de maíz, la América de provincias, de agricultores y pequeñas villas… Por supuesto está repleta de momentos oníricos, con misticismo y telepatía. Con estos últimos nos siembran los misterios a resolver. No os van a faltar las referencias a otras novelas o adaptaciones.

Quiero creer que la serie se estrena ahora por que Starz ha de sacar provecho a una producción en la que ha invertido cierta cantidad de dinero, no por sacar renta del tema COVID-19. Hay que tomarse ‘The Stand’ como una serie fantástica, sin más. No se percibe en ella una intención agorera o predictiva como nos pudo pasar con ‘El colapso’.

Crítica de ‘Two weeks to live’ protagonizada por Maisie Williams

Una comedia tontorrona muy a la inglesa

El próximo 23 de diciembre tenemos un reencuentro en HBO España con Maisie Williams. No, no estamos hablando de una maratón de ‘Juego de Tronos’ ni de una secuela del personaje de Arya, aunque ambas cosas serían bien recibidas. Hablamos de la nueva serie ‘Two weeks to live’ realizada por el director Al Campbell (‘Code 404’) a partir de las ideas y guiones de Gaby Hull (‘Benidorm’) con la colaboración de Phoebe Eclair-Powell (‘Hollyoaks’).

‘Two weeks to live’ es una serie corta, de seis episodios con una duración tradicional, 24 minutos. Williams interpreta a Kim Noakes una joven un tanto peculiar que va viajando descubriendo la realidad. Ha vivido toda su vida recluida, apartada del mundo y sobreprotegida por una madre que la alejó de todo tras presenciar la muerte de su padre a una tierna edad. Pero esta exploradora en pleno siglo XXI no es una mosquita muerta que esté inofensiva. Ha estado desprovista de una vida social pero no es tonta y está entrenada en técnicas de supervivencia. Suena gracioso ¿verdad? Lo es.

Cual Íñigo Montoya o Dae-su Oh la joven se embarca en una escalada de violencia para vengar la muerte de su padre. Ella es como una versión inglesa y sin mayas de Hit-girl la niña que interpretó Chloë Grace Moretz en ‘Kick-Ass’. La historia se llena de amigos, policías, delincuentes y relaciones de lo más raras.

Este es un ejercicio algo parecido al que lleva haciendo un buen tiempo Daniel Radcliffe. Una actriz encorsetada en el mismo personaje desde que era muy pequeña intenta romper esa imagen. Y en este caso resulta más fácil y difícil a la vez, pues aunque el actor de ‘Harry Potter’ tenía que desvincularse de una imagen más fantasiosa e infantil, Maisie Williams tiene que dejar de ser la niña cambiapieles que siempre fue dura de roer. Fácil porque el tono es marcadamente cómico, las armas ya no son espadas y la acción es más directa. Difícil porque en resumidas cuentas sigue estando metida en una historia de muerte y venganza donde además ella es también una chica fuera de la norma que resulta implacable. Y aún más difícil porque se incluyen algunas cosas en común con ‘Juego de Tronos’ (tiene una lista/diario, vio morir a su padre y se copia un movimiento muy famoso).

Obviamente hay que tener en cuenta que Maisie Williams ha hecho más cosas desde que ‘Juego de Tronos’ enfiló su final. Lo más destacado ha sido su trabajo en ‘Los Nuevos Mutantes’ pero dentro de poco la veréis también en ‘The Owners’, una película ya proyectada en Sitges que esperemos llegue a cines españoles. Con todo esto quiero decir que la actriz sigue encaminando su carrera por la vía de lo fantástico, terrorífico o violento. Participando además sobre todo en producciones del Reino Unido. En el caso de ‘Two Weeks to live’ se nota ese sabor británico. Por el acento, los personajes, el ambiente, los chistes y por un reparto compuesto también por Sian Clifford, Mawaan Rizwan, Sean Pertwee, Thalissa Teixeira y Jason Flemyng, entre otros.

Williams también sigue en cierto sentido los pasos de Radcliffe al hacer una comedia con bastante patetismo y sangre, como lo fue ‘Guns akimbo’. Humor con mucha acción. Y Maisie Williams lo hace muy bien. Su personaje es torpe y a la vez letal. Resulta ruda y en cierto sentido encantadora. La actriz dejó de ser una niña hace tiempo y en este papel se muestra muy diestra con las escenas de lucha y también con un tipo de comedia que sospecho que va bastante con su personalidad.

No puedo cerrar sin hablar de la que hay que considerar también protagonista de esta serie. Sian Cliffor, actriz de ‘Fleabag’, interpreta a la autoritaria y también letal madre de Kim (Williams). A cada cual más loca. Si uno va progresando en la serie es gracias a estas dos actrices y a la relación de sus personajes. Aportan un toque perturbado que aunque no es un chorro de aire fresco se agradece.

Crítica de ‘Your honor’, protagonizada por Bryan Cranston y Hunter Doohan

Una historia de culpa y afecto que se enreda peligrosamente

Un padre de muy buena reputación y carácter se ve obligado a corromper sus propios principios para garantizar el futuro y seguridad de su familia, en concreto de su hijo. Ese padre está interpretado por Bryan Cranston y no, esto no es ‘Breaking bad’, aunque lo roza.

‘Your honor’ es la historia de un juez (your honor viene a equivaler a señoría) cuyo hijo comete un terrible error que le pone en busca y captura, pero no solo de la ley, sino también de otra gente. Es una agónica lucha por ocultar lo sucedido. Son 10 capítulos donde cada vez son más mentiras las que hay que tapar y donde cada vez son más las personas implicadas. Un enredo del que es difícil de salir.

La serie creada por Peter Moffat (‘Silk’, ‘The village’) podría haber tenido otro protagonista pues es inevitable acordarse de ‘Breaking Bad’. Pero la calidad interpretativa de Cranston es difícil de rechazar y el trabajo del actor es diferente a otros anteriores. Bien es cierto que los papeles más memorables de Cranston giran en torno a padres sufridores a los que consigue que queramos por muy sinvergüenzas o estúpidos que puedan llegar a ser. Ahí está la huella que ha dejado con ‘Malcolm’ y ‘Breaking Bad’. En este caso es una eminencia empeñada en guardar las formas y salvaguardar a su hijo, metiéndose en un registro más contenido y reflejando muy bien el apuro que siente. Es la ley contra la ley.

Precisamente el hijo interpretado por Hunter Doohan, al que recordaréis de ‘Truth be told’ con Octavia Spencer y Aaron Paul, es otro talento a tener en cuenta. Está muy bien escogido pues es capaz de llevar a cabo la escenificación de un shock ante la atrocidad con la que se ha topado y después llevarla a un flirteo de lo más introspectivo. He puesto a posta la referencia de ‘Truth be told’ no por Aaron Paul si no porque la trama de este joven se centra en si ha de desenmascararse o no, de lidiar con una mentira y una culpa. Ahí es donde hayamos uno de los mayores componentes de suspense de ‘Your honor’.

No me gustaría pasar por alto la mención de Michael Stuhlbarg que también tiene importancia en esta historia y aunque su relevancia se desvela en el primer episodio no os la quiero destripar. Este actor cada día me convence más y sigo pensando que debería ser quien hiciese un biopic de Robin Williams.

La emisión de los 10 episodios comenzará el 21 de diciembre en Movistar+. La plataforma nos ha dejado ver casi la mitad de la primera temporada y debemos reconocer que engancha. Es una historia fatídica, con mucho de injusticia, pero también con una gran petición de comprensión hacia el espectador y sus protagonistas. El infortunio y la desgracia van de la mano en esta narración que se va tornando más y más angustiosa.

La serie tiene buenos giros, buen reparto secundario y buen trasfondo. No es impredecible pues hay cosas que puedes imaginar, pero hace que te importe más el cómo o el cuándo que el qué. Podríamos decir que su capacidad de generar expectación está más que probada, no solo por las impresiones que os acabo de poner si no porque supone un remake de otras dos series, una de ellas de gran éxito en su país: ‘Kvodo’ (Israel, 2017) y ‘Your honor’ (India, 2020). No hemos podido ver aún el final de esta nueva versión pero si todo transcurre como en la original la cosa irá para al menos dos temporadas.

Crítica: ‘El Cid’

‘El Cid’ llega pisando fuerte y nos deja con ganas de más

Prime Video nos trae a unos de los héroes más famosos de nuestras tierras. El Cid Campeador llega a la pequeña pantalla para dejarnos grandes batallas y una serie con muy buena manufactura. Hemos tenido la oportunidad de ver los cinco episodios de la primera temporada y no os podemos decir otra cosa que no sea que la disfrutéis.

Conocemos a un joven Ruy que está en la corte de León como paje real, poco a poco va ganándose la confianza del príncipe Sancho y del Rey, avanzando en su carrera para conseguir ser caballero. Su manera de luchar, sus ideales firmes de salvar al rey y ser fiel a él, logran que muchos le admiren.

La serie ha sido creada por Luis Arranz y José Velasco. Ambos han contado con un equipo de directores que sin duda han logrado llevarnos a nuestra edad media. Impregnada de tres culturas que convivieron, lucharon y se respetaron.

Se deja ver en muchas ocasiones esa pequeña y absurda rivalidad por ver que religión era superior. Y también vemos muy bien reflejadas las diferencias entre ellas.

En el tema técnico nada falla, tenemos una banda sonora que funciona muy bien. Una fotografía muy trabajada, sobre todo en el campo de batalla. Se agradece que se hayan esmerado en mostrarnos la crudeza de la guerra y el buen hacer de los actores.

Otro de los puntos fuertes es la ambientación en general, los decorados, las recreaciones y el vestuario son fantásticos. Es cierto que material de investigación no falta y lo han utilizado de maravilla.

‘El Cid’ no sería lo mismo sin Jaime Lorente, el joven actor nos ha demostrado que puede hacer de caradura y delincuente en algunas series como ‘Élite’ o ‘La Casa de Papel‘. Pero aquí se ha salido de esos papeles y nos ha mostrado el gran trabajo que ha hecho para meterse en la piel de Rodrigo de Vivar. La manera de coger la espada, el porte y todas las coreografías que ha debido de aprender para luchar perfectamente, dejan ver un esfuerzo por hacer todo perfecto.

Pero no solo está él, por supuesto, ‘El Cid’ tiene detrás a muchos actores de renombre y jóvenes promesas que no os van a defraudar. Tenemos nombres como Carlos Bardem, Juan Echanove, Ginés García Millán, José Luis García Pérez, Alicia Sanz, Elia Galera, Lucía Guerrero, Emilio Buale, Zohar Liba, Sarah Perles, Álvaro Rico, Pablo Álvarez, Francisco Ortiz y Jaime Olías entre otros.

En esta primera temporada veréis de todo, intrigas palaciegas, romances y por supuesto grandes contiendas. Pero también veremos el día a día en aquella época, la pobreza de unos, la riqueza de otros. Las grandes cenas en palacio e incluso escucharemos juglares y veremos a bufones. En una producción donde ha habido más de 11.000 figurantes. Y que se ha rodado en provincias como Soria, Burgos, Teruel y la Comunidad de Madrid, nos podemos esperar grandes cosas.

Esta primera temporada de cinco episodios deja con ganas de mas, tiene un final que nos deja con la boca abierta. Espero que os guste, el 18 de diciembre llega a Amazon Prime Video un buen producto nacional.

Crítica: ‘El desorden que dejas’

 ‘El desorden que dejas’, cómo una obsesión te puede llevar a la oscuridad

El 11 de diciembre de 2020 llega a Netflix ‘El desorden que dejas’ donde Inma Cuesta y Bárbara Lennie son las grandes protagonistas  de este thriller ambientado en Galicia.

Conocemos a Raquel, una joven profesora que marcha al pueblo de su marido en busca de una nueva vida. Allí, con unas ganas tremendas de dar clase y regalarles todo el amor por la literatura a sus alumnos, estos se lo ponen la mar de difícil desde que pisa el aula.

Podría parecer algo cercano a ‘Mentes peligrosas’ pero no, se aleja mucho de ese tipo de trama y nos adentra en un misterio que poco a poco Raquel tendrá que ir averiguando. Una obsesión que le llevará por caminos demasiado oscuros y de lo que le va a ser muy difícil salir.

Creada por Carlos Montero (‘Elite’) en la serie tenemos drogas, sexo y al igual que en Elite, jugaban con los secretos de todos los personajes que van a apareciendo en la serie. Con esto nos logran adentrar en la historia y hacer que sintamos lo mismo que Raquel.

De ocho episodios, la serie es auto conclusiva y nos deja bastante conformes con el final. Me ha parecido muy bien llevada. con un ritmo pausado pero sin dejar de contarnos cosas.

Inma Cuesta logra un trabajado acento gallego. Y por supuesto una actuación de primera. Su inestabilidad, su tristeza y la rabia las vemos en todo momento plasmadas en su cara, no hace falta que hable, su expresión lo dice todo.

Y qué decir de Bárbara Lennie, creo que en todo lo que he visto a esta actriz me ha gustado y aquí no defrauda. Viruca es un personaje muy misterioso, lleno de secretos que por supuesto no conoceremos hasta el final. Es el personaje que marca tremendamente a Raquel y logra que el mundo de esta se ponga patas arriba por su culpa.

Tamar Novas es el encargado de dar vida al marido de Raquel. Él nos marca y nos enseña el porqué Raquel ha llegado a estar como está.

En el reparto también encontramos a Arón Piper (‘Elite’). Su papel difiere bastante al que le vimos en la serie. Es un chico bastante rebelde y problemático al que coges bastante manía desde el principio.

Sus dos amigos y compañeros de sufrimientos son Roque Ruiz e Isabel Garrido, siendo el primer trabajo para ambos.

Los episodios están bien dirigidos, los encargados de este trabajo han sido, el propio Carlos Montero, Roger Gual y Silvia Quer.

El ambiente de la serie, oscuro, lluvioso, nos lleva a este pueblo donde todo el mundo se conoce y están encerrados en sí mismos. Esto también es bastante importante en la trama, pues Raquel, es la nueva, la de la ciudad y la marca demasiado a la hora de adaptarse a su nueva vida. Por mucha bienvenida que la den, realmente la juzgan todo el rato.

La fotografía ayuda mucho a crear toda esta ambientación y es gracias a sus dos directores de fotografía. Isaac Vila (‘Graffiti‘) y David Valldepérez (‘El vecino’).

Comentar que al menos en el primer episodio no os perdáis el opening de la serie. Con unas imágenes muy bonitas con retratos de las actrices como si fuesen acuarelas. Y una canción que escucharéis durante toda la serie.

‘El desorden que dejas’ merece mucho la pena y nos deja un buen sabor de boca. Así que ya sabéis, el 11 de diciembre llega a nuestras pantallas. Ocho episodios que se pasan volando.

Crítica: ‘The flight attendant’ la nueva serie de Kaley Cuoco

‘The flight attendant’. Divertido thriller que llega volando fuerte

El 26 de noviembre llega ‘The flight attendant’ con el estreno de sus tres primeros episodios en HBO. A partir de aquí podremos ver de dos en dos episodios el 4 y el 11 de diciembre para culminar el 18 de diciembre con el estreno del último capítulo de la nueva serie protagonizada por Kaley Cuoco.

Con un openning muy colorido y que recuerda bastante a ‘Atrápame si puedes’ la serie nos presenta a Cassie Bowden, una azafata de vuelo bastante vividora, que cuando no trabaja se dedica a beber, festejar y tener un final feliz casi todas las noches. Hasta que una mañana despierta con el cadáver de Alex, un joven al que conoció en un vuelo, a su lado y todo su mundo se vuelve una locura.

Hemos tenido la oportunidad de ver los cuatro primeros episodios y os puedo decir que además de que tiene una buena historia muy bien llevada, es un thriller lleno de humor y misterio.

La serie está creada por Steve Yockey y basada en la novela de Chris Bohjalian cuyos derechos son de la actriz protagonista de esta serie Kaley Cuoco.

Me parece que está perfecta en esta serie. Sí que es cierto que quizás no se separe demasiado de Penny, el papel por el que se dio a conocer. Pero aun así lo hace perfecto y logra divertirnos a la par que angustiarnos con sus extrañas y malas decisiones.

Michiel Huisman, es el encargado de dar vida, o no, a Alex, el cadáver con el que se despierta Cassei. Me encanta la química que tienen ambos y las escenas en las que salen juntos son de lo mejor de la serie.

Otro de los personajes a destacar es el de Annie, interpretado por Zosia Mamet, la mejor amiga de Cassei y su abogada. Lucha por hacer un buen papel de amiga a la par que de abogada. Complicada situación la que le ha tocado, sobre todo con la cantidad de errores que comete Cassei.

En el reparto encontramos caras bastante conocidas como Rosie Perez Michelle Gomez, Marle Dandridge, Nolan Gerard Funk, T. R. Knight o Colin Woodell entre muchos otros.

La dirección de la serie es algo que me ha gustado mucho. El uso de las pantallas partidas para poder ver diferentes situaciones que están ocurriendo en el mismo momentos, es un recurso muy utilizado en la serie. Le da dinamismo a la par que nos hace un resumen en unos segundos para poder centrarse luego en cosas más importantes.

Las imágenes llenas de grandes contrastes de color se compaginan magistralmente con una banda sonora que nos adentra en una cinta de misterios y secretos.

Un viaje a intentar desenmarañar la mente de una azafata borracha para poder averiguar junto a ella que pasó aquella noche.

Crítica de ‘30 monedas’, la serie de Álex de la Iglesia

HBO paga nuestra suscripción con 30 monedas muy valiosas

Más de 10 años después de ‘Plutón B.R.B. Nero’ Álex de la Iglesia vuelve a al mundo de las series. Y en mi opinión ha tardado demasiado. Soy de los que disfrutan a Álex de la Iglesia, incluso en sus alocados finales. Y con ‘30 monedas’ he disfrutado en todos los episodios, cada uno de ellos con un apogeo que gozar. Pero más allá de sus clímax me he regodeado en el universo que desarrolla y el discurso del bien y el mal que esgrime. Podríamos estar hablando del ‘Supernatural’ o ‘Expediente X’ más rural y español que se haya creado. Cada episodio podría servir además para llevar a cabo un relato corto o un pequeño cómic de terror, ahí lanzo la idea transmedia a HBO España.

Es sabido que como a muchos de nosotros a De la Iglesia le gustan las partidas de rol y me creería si junto a Jorge Guerricaechevarría se han marcado un Margaret Weis y Tracy Hickman trasladando una partida de Los Mitos de Cthulhu a la televisión. La mecánica es contar una historia troncal pero ramificada en distintos módulos. En mi opinión esto es en lo que ‘Territorio Lovecraft’ no ha sabido convertirse.

Lo que vais a ver con ‘30 monedas’ a partir del 29 de noviembre es una historia paranormal, de esas que ensalzan los objetos de poder inspirados en la parafernalia católica. Para describirla puedo recurrir a otras historias que me han ido viniendo a la cabeza mientras la veía. Hay algo de ‘En el nombre de la rosa’ con sus pesquisas eclesiásticas, algo de ‘El fin de los días’ o de ‘Pactar con el diablo’ con esos diálogos con demonios rodeados de acción, un poco de ‘Blasphemous’ y de ‘Roman Ritual’ con su puesta en escena’, algo también de Carpenter con sus amorfas criaturas y quiero pensar que mucho de ‘Dark Souls’ o de ‘Doom’ con el enfrentamiento tan sangriento y a ciegas contra criaturas del averno. Desde luego que su simbolismo y parafernalia a muchos os va a recordar a ‘Constantine’.

Los monstruos y sus diseños son un valor muy a tener en cuenta. Os van a rememorar a las aberraciones más extrañas surgidas del terror japonés, de la retorcida mente de Stephen King o de un tipo tan acostumbrado a dibujar diablos como Todd McFarlane. Aplaudo el trabajo en los VFX de estudios como Marte VFX o Deluxe Spain.

Influenciada o no la serie va a recordaros buenos y horripilantes momentos vividos en la pantalla. No le falta acción y sobre todo ha permitido que De la Iglesia y Guerricaechevarría desarrollen a sus personajes como nunca y sin traicionar su estilo. Es muy interesante todo el trasfondo que va surgiendo y como los protagonistas intentan digerir la situación. De ahí la correlación Mulder y Scully o Guillermo de Baskerville y Adso en la que lógica y fe se entremezclan.

En todo ese juego de creyentes y escépticos ha jugado un papel muy importante el hecho de que ‘30 monedas’ tenga un casting la mar de acertado. Quizá por su imponente aspecto físico llama más la atención Eduard Fernández como sacerdote de armas tomar. Con Álex de la Iglesia siempre vemos sacerdotes distintos y escenas en tejados. Megan Montaner, Miguel Ángel Silvestre, Macarena Gómez, Pepón Nieto, Javier Bódalo, Jaime Ordóñez, Paco Tous, Carmen Machi… Todos ellos forman parte de un colectivo rústico muy conseguido. Y ya no es que se reflejen bien los intríngulis de un pueblo del siglo XXI, es que es muy divertido verles a todos en papeles que nunca han hecho y sin que a ninguno les falte acción o terror. Y teniendo además todos muy dominado el tema de los idiomas.

Lo bueno es que además la serie traspasa fronteras y para ello están los roles de Manolo Solo, Cosmio Fusco y Francisco Reyes. Con agrado descubriréis que HBO no ha escatimado en medios para esta producción. El mismo opening ya lo augura, es exquisitamente siniestro. La fotografía de Pablo Roso nos da imágenes de alto contraste y un fondo a veces con luces que queman la imagen. La serie huye de lo colorido y convierte a Pedraza, un pueblo de lechazo, cabras y campanario, en un lugar ominoso. Y también pasa por lugares como el Círculo de bellas artes, el Instituto Cervantes, la biblioteca de Patrimonio e incluso creo haber reconocido la de la Universidad de Salamanca poniéndolos a merced de su narrativa.

A si es que os animo a preparar vuestras monedas para comprar estos nuevos cromos de monstruos o para hacer un “instert coin” y jugar a este thriller de acción que tampoco pierde de vista el humor negro de su director. Predisponeos para más y más, que también puedo poneros en conocimiento de que la serie está pensada para tres temporadas, como se desveló en Sitges.

Crítica de la serie ‘Motherland: Fort Salem’

Un aquelarre militar con hormonas brujeriles

Las brujas usadas como armas para la guerra, como soldados de vanguardia. ¿La idea no suena mal verdad? Por lo menos es diferente. ‘Motherland: Fort Salem’ es una realidad alternativa en la que las mujeres son las que dominan el arte de la guerra. Pero más allá de esa marcada diferencia está el detalle de que tiempo atrás las brujas llegaron a un acuerdo con el resto de comunes mortales, un tratado de paz en Salem que fue el germen de un ejército con poderes mágicos.

El 20 de noviembre se estrena en Amazon Prime Video esta serie de diez episodios que ya tiene planificada una segunda temporada. Una historia que sobre el papel pinta bien pero que rápido pierde su magia y originalidad.

Las protagonistas son una chica rubia, una morena y una pelirroja (Taylor Hickson, Ashley Nicole Williams, Jessica Sutton). Parece el principio de un chiste malo pero así de típica es la mecánica de la serie y eso que empieza prometiendo con una escena en plan ‘El incidente’. Se basa en personajes arquetípicos, desarrolla los clásicos romances y transita por los manidos pasos de las historias de instituto, academia en este caso. No son pocas, sino más bien predominantes, las escenas de entrenamiento a lo Harry Potter, estando mejor gestionadas en la saga cinematográfica inspirada en la saga de J.K. Rowling.

Lo malo de la serie no es su tono adolescente, para nada. Lo malo es que te puedes ver venir lo que va sucediendo, por mucho que estemos en un presente tremendamente cambiado. Eso y el casting, que peca de ser bastante regulero. Ni que decir tiene que alguna escena es ridícula y casi machista (lo entenderéis cuando veáis a las brujas gritando histéricas ante la aparición de unos brujos que se quitan la camiseta para jugar a Lacrosee).

Brujas y tornados, no hablo de ‘El Mago de Oz’. Esta serie de Eliot Laurence (‘Claws’) es una especie de aquelarre militar con un toque bastante belicista. Goza de espectacularidad en un par de escenas y sus efectos visuales no son nada malos. Pero toda esa vistosidad está a merced de una trama que cada vez es más ‘Jóvenes y brujas’ cuando pretende ser algo más parecido a ‘The Magicians’ o ‘Sabrina’. Extrañamente te mantiene siempre a la espera de algo fastuoso, pero nunca llega, no por lo menos en los tres primeros capítulos que hemos podido ver previo estreno. Quizá su potencial se desarrolle en sus etapas finales o ya en la segunda temporada.

No es que la serie esté documentada o no, es que introduce todos aquellos elementos que hemos ido viendo en películas o series entorno a las brujas. En ‘Motherland: Fort Salem’ no os van a faltar pentáculos, conjuros o maldiciones. Incluso las protagonistas tienen nombres de la historia brujeril norteamericana. Por ejemplo una de ellas se llama Abigail como una de las primeras juzgadas en Salem.

Quizá me ha decepcionado porque me esperaba una especie de ‘The Boys’ pero con magia. Pero es que la serie ni siquiera tiene el valor de acercarse a la distopía o a retorcer el modo de vida americano y su patriotismo exacerbado. Si lo que quería hacer Laurence es un retrato de las jóvenes de hoy en día debería haber aprendido más de películas como ‘Nación salvaje’.

‘Los favoritos de Midas’, Tosar en series también se luce

Cuando decir la verdad y tener conciencia te pone en el punto de mira

‘Los favoritos de Midas’ es de esas series que ensalzan la labor de los buenos guionistas. En concreto del director y creador Mateo Gil y de Miguel Barros (‘Gigantes’). Es una serie que capta nuestro interés desde el mismísimo tráiler que supone una de las primeras secuencias que vemos. Es una buenísima producción que siembra misterio y suspense. Tiene un enigma por resolver y tiene también la virtud de pasmarnos sin necesidad de su resolución. No os voy a decir lo resuelta o no que queda la serie pero si os puedo garantizar que como esgrime buenos argumentos e incluso protestas no va a ser lo que más vais a valorar.

Mateo Gil ya ha escrito otras obras muy buenas como ‘Ágora’, ‘Abre los ojos’, ‘El método’ o ‘Mar adentro’. Pero en este caso la historia es un tanto diferente a las anteriormente expuestas. Si acaso sigue los pasos de ‘El método’ en cuanto a tensión y suspense pero tiene una carga social mucho más evidente. ‘Los favoritos de Midas’ lanza un dardo contra los poderosos pero también contra la sociedad que transgrede y vive de manera laxa. Es constante el goteo de referencias a tropelías que vivimos hoy en día.

El próximo 13 de noviembre en Netflix podréis ver la historia del Señor Genovés. Un empresario que acaba de heredar un imperio mediático y que es extorsionado por un grupo desconocido que se hace llamar ‘Los favoritos de Midas’. Si no paga estos criminales matarán a alguien aleatorio, cargando el coste emocional en la conciencia del protagonista muy bien interpretado por Luis Tosar.

Esta es una historia de investigación, tanto policiaca como periodística. Y en esas otras aristas encuentra su soporte ‘Los favoritos de Midas’. Por un lado tenemos a una poderosísima Marta Belmonte encarnando la imagen de la periodista veraz y comprometida. Y por otro las pesquisas de Willy Toledo haciendo de policía perro viejo y hastiado en un buen retorno a la televisión.

Los guardaespaldas interpretativos de este trío protagonista tampoco son moco de pavo. Encontraréis en la serie a Marta Milans, Bea Segura, Carlos Blanco, Adolfo Fernández, Vito Sanz e incluso a David Pareja o Marta Flich.

La educación y la corrección en los procesos burocráticos, informativos o detectivescos adorna muchísimo la serie. Hasta tenemos que reconocer la excelente educación, sinceridad y tacto de Los favoritos de Midas enfrentándose con pompa a un magnate con ética social y compromiso. Todo eso crea la sensación de encontrarnos ante un guión bastante inteligente y elaborado. Nos habla del peso o maldición que conlleva el poder y la responsabilidad, de las tensiones y presiones que ello genera. Pero también es muy consciente y realista a la hora de retratar el comportamiento de los estamentos o de los ciudadanos. La ética del poder y de la justicia ciudadana están siempre presentes.

Esta es una buena partida de ajedrez, con sus reyes y reinas, con sus movimientos y peones, con sus enroques y sacrificios. Seguro que os hacéis vuestras teorías sobre la identidad de Los favoritos de Midas pero estoy casi seguro que no acertaréis de manera temprana. Son seis episodios donde lo que más importa es el miedo, la responsabilidad, la integridad, las sospechas, la paranoia… pero sobre todo quiero pensar que la presión a punto de estallar o de derrumbar es lo que más se acentúa. Y en ese aspecto tanto guión, como actuación de Tosar funcionan como la seda.

‘Sangre de Zeus’, de vuelta a la épica griega pero bañada en sangre

Una razón más para seguir de cerca a Powerhouse Animation Studios

La serie de animación ‘Sangre de Zeus’, que fue estrenada el pasado 27 de octubre en Netflix, cuenta la historia de Herón, un joven que ha vivido siempre marginado como un bastardo junto a su madre y que de repente descubre que es hijo del mismísimo Zeus.

Solo con la sinopsis nos damos cuenta de que esta es una historia que se amolda a una estructura clásica, nunca mejor dicho. En multitud de leyendas o fábulas en torno a Zeus está presente la figura de un hijo abandonado, de un semi-dios dejado a la suerte de las parcas. Ahí está sin ir más lejos la leyenda de Hércules, al que se hace alusión más de una vez a lo largo de los 8 capítulos que componen esta serie. También a historias archiconocias como las de Jasón y los argonautas, cuyo vellocino de oro está también dibujado.

Quizá el referente más cercano, ambicioso y sonado que tenemos en cuanto a esta temática es ‘Furia de titanes’ y su también infructuosa secuela ‘Ira de titanes’. Y ‘Sangre de Zeus’ supera con creces esas dos producciones. A pesar de que sigue unos pasos bastante parecidos la serie creada por Charley ParlapanidesVlas Parlapanides si consigue aportar, ir más allá y entretener sin que sea riéndonos de ella. Incluso se permite hacer un guiño a Bubo. Sin duda es un re-alzamiento o una redención para estos dos guionistas que en su día elaboraron ‘Immortals’ sin llegar a besar el Olimpo o ‘Death Note’ teniendo un fracaso sonoado.

‘Sangre de Zeus’ consigue de una manera bastante factible un tono épico y fantástico. Juega imaginativamente con la mitología griega, tanto para la trama como para el estilo visual. Tiene un diseño de personajes muy acertado. Durante los créditos además tenemos contenido extra en forma de storyboards y muestras del proceso de animación, evitad el botón de “siguiente episodio”. Dan en la diana dibujando a los esperpénticos e impasibles gigantes, a los dioses pomposos con sus togas… Consigue ser iconoclasta en imagen y en tono y aún así aportar algo nuevo.

Lo que se incorpora a la serie son las escenas mucho más sangrientas de lo habitual en este tipo de historias (si dejamos ‘300’ al margen), manteniendo así sus encarnizadas intenciones propuestas con ‘Immortals’. Tanto con lo que explicaba en el párrafo anterior como con este último aspecto reconocemos una marca. Y es la de Powerhouse animation. Aquellos que están preparando la nueva versión de ‘Masters del Universo’ antes regresan con esta propuesta llena de demonios, dioses, traiciones, tragedias, duelos fraticidas… Y digo regresan porque son aquellos que nos tienen embelesados tras la magnífica ‘Castlevania’.

No se cuánta familia tendrán los dos creadores pero al final de los créditos hay un “gracias especialmente a…” un numeroso grupo de personas con el apellido Parlapanides. Yo les agradezco a ellos el trabajo realizado, me lo he pasado muy bien y sumo otras gracias al doblaje en castellano realizado por SDI Media que coge el testigo del original realizado por Salami Studios. Ya tengo razones suficientes para declararme fan de Powerhouse.

Crítica: ‘Nasdrovia’

Leonor Watling se sumerge en una crisis de los 40 con la mafia rusa. Fantástica ‘Nasdrovia’

Este año sin duda es el año de las series españolas, que grandes trabajos estamos viendo y aun quedan dos meses por delante con grandes estrenos. Hoy os hablo de una de las comedias más divertidas que he visto. ‘Nasdrovia’ un thriller con gran humor que logrará sacar la sonrisa a más de uno y ver la crisis de los 40 de manera diferente.

Basada en la novela de Sergio Sarria El hombre que odiaba a Paulo Coelho, la serie nos presenta a Edurne y Julián un ex matrimonio que son socios y abogados de políticos y empresarios corruptos. Ambos están pasando la terrible crisis de los 40, cada uno a su manera. Edurne quiere nuevas experiencias, mientras que Julián lo lleva como si realmente no le estuviese afectando, pero toma tranquilizantes a todas horas para intentar llevar una vida normal

En sus vidas aparece Franky un maravilloso cocinero especializado en comida rusa que les vende la maravillosa idea de abrir un restaurante ruso. Acceden y con esto descubren que su cocinero si que es bueno, ya que ‘Nasdrovia’ su restaurante se convierte en el lugar favorito de la mafia rusa.

La serie de seis episodios de unos 30 minutos aproximadamente cada uno, está creada por Miguel Esteban, Luismi Pérez y Sergio Sarria. Y dirigida por Marc Vigil y Miguel Esteban.

Como clara protagonista tenemos a Leonor Watling. Que fantástica está, nos cuenta con frescura e ironía todo lo que le ocurre nada más cumplir 40 años y decidir abrir un restaurante. Una mujer fuerte y segura que mete la pata cada dos por tres llegando a crear situaciones verdaderamente peligrosas. Además la manera de romper la cuarta pared con lo primero que se le pasa por la cabeza a esta mujer descontrolada, es de lo más divertido.

A su lado está Hugo Silva, Julián, un hombre paranoico y con bastantes ataques de ansiedad. Aunque es su ex mujer, la sigue queriendo y se deja embaucar por ella para llevar esta locura de plan y de nueva vida.

Y por supuesto, tenemos a Franky, que bueno es Luis Bermejo en todo lo que hace. Descarado y sin escrúpulos, así es este personaje que todo el rato les intenta aconsejar, pero al final tiene que tirar del carro con sus benefactores.

Nada sería lo mismo en esta serie sin el cuarteto de rusos que tienen asustados a nuestros protagonistas. Kevin Brand (Yuri), Yan Tual (Vasili), Michael John Treanor (Sergei) y por encima de todos Anton Yakovlev (Boris). Que maravilloso reparto y que estupendos todos. Mafiosos que hablan de series, de sus vidas amorosas, el lado humano detrás de los asesinatos y la violencia.

‘Nasdrovia’ logra un equilibrio perfecto entre la comedia y el thriller. Consigue ser realista a la par de cómica y podemos ver con humor situaciones bastante complicadas. Incluso cuando nuestros protagonistas son amenazados de muerte y estemos en tensión por ello, logran soltarnos la carcajada.

La música de Dario González Valderrama nos lleva a la cultura rusa logrando junto a la decoración del restaurante ubicarnos muy bien. La fotografía es muy luminosa, con colores vivos y llamativos, todo ello de la mano de Jon D. Domínguez (‘El Hoyo‘).

Para finalizar, comentar para los lectores del libro que no es exactamente igual. No lo he leído, pero sí que he podido saber que han cambiado los roles y escuchamos la historia a través de Edurne y no de Julián. Así que ya sabéis, el 6 de noviembre no os perdáis esta cita y disfrutad mucho de esta serie tan divertida de la que ojalá hubiese una segunda temporada.

‘Moonbase 8’, descontrol en un simulador de entorno

Agradeciendo a un Reilly menos gamberro y más satírico

La nueva propuesta de Movistar+ de la que os vamos a hablar y recomendar, en lo que se refiere a incorporaciones internacionales, tras ‘El pájaro carpintero’, es ‘Moonbase 8’. Otra serie más sobre la carrera espacial que estamos viviendo. No me voy a repetir sobre si hay una campaña audiovisual para darle bombo a las misiones espaciales, pero ahí va, otra más. Estreno el 9 de noviembre.

En este caso la historia viene en clave de comedia y está protagonizada por John C. Reilly, Fred Armisen y Tim Heidecker. Además, Reilly hace de productor junto a Heidecker con Abso Lutely Prod., entre otros. Podríamos pensar que al ser Reilly el actor más conocido haría las veces de protagonista y si bien tiene el papel más incongruente, todos tienen momentos y características cómicas.

Lo que sí que suele pasar con sus comedias, salvo en contadas y agradecidas ocasiones como ‘El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie)’, es que al estar Reilly el humor sea del tipo incómodo y absurdo. Y así es. Lo ridículo y patético está muy presente en esta serie de seis episodios que se ríe una vez más del estilo americano con algo de sátira. He de decir que también agradezco que Reilly se ha presentado más contenido pues suele regodearse mucho en lo grosero y en esta ocasión ha tenido mejor gusto.

En esta serie un grupo de astronautas de la NASA aspira a cualificarse para viajar a la Luna. Para ello han de pasar por el crucial entrenamiento en un simulador lunar. Allí deben, no solo demostrar sus habilidades individuales, sino también su capacidad de trabajo en equipo.

Obviamente son futuros viajeros del espacio a los que cuesta ver a bordo de una lanzadera. Su perfil es tal que cuesta creer que hayan llegado ni siquiera a entrar en la NASA. Ahí está la gracia. Son personajes totalmente caricaturescos e incluso inútiles, salvo cuando interesa a la trama. No están en forma, no usan el lenguaje adecuado, no están concentrados en su misión… Sus valores aunque patrióticos a veces rozan lo infantil y nos hacen reír.

‘Moonbase 8’ es de esas series que están repletas de malas ideas, de ocurrencias descabelladas. Aquí ocurre prácticamente lo inesperado. No difiere mucho de ‘Space Force’, salvo por el hecho de que tiene una cadencia más graciosa y su final es ligeramente menos inconcluso. Tampoco ha podido evitar las similitudes o alusiones reales, parece ser que Elon Musk se cuela en todo este tipo de producciones. Obviamente, a diferencia de lo que quiere hacer Tom Cruise, sobra decir que estos astronautas ni salen del simulador, sería la hecatombe.

El compromiso y alineación de los protagonistas con esta serie es total. John C. Reilly también produce pero sus dos compañeros (Armisen y Heidecker) se han encargado de escribir los guiones junto a Jonathan Krisel, quien además ejerce de director de las seis entregas.

Detrás de este proyecto también está la productora A24, la cual, nos tiene más acostumbrados a sus películas que a sus series. Están detrás de ‘El Faro’, ‘Diamantes en bruto’, ‘Under the silver lake’… Es posible que estemos hablando de una de las mejores propuestas televisivas que nos ha llegado de su factoría.