Crítica: ‘Ego’

Sinopsis

[toggle]

Tinja es una joven gimnasta que intenta desesperadamente complacer a su madre. Esta es una mujer obsesionada con mostrar ante el mundo, a través de sus redes sociales, la imagen de una vida familiar perfecta. Una noche, Tinja encontrará un extraño huevo. En lugar de deshacerse de él, lo esconde y mantiene caliente, porque percibe vida dentro de él. Pero ni ella misma podría haber imaginado nunca lo que saldría del cascarón…

[/toggle]

Crítica

Luminosa y perturbadora, así es ‘Ego’

Vértigo Films nos trae esta cinta con monstruo y bastante predecible, pero que nos ha gustado mucho. ‘Ego’ fue una de las cintas que pudimos ver en el Festival de Sitges de 2022, en ella conocemos a Tinja, una joven adolescente que se encuentra un huevo en medio del bosque y comienza a cuidarlo, escondiéndolo de su desestructurada familia. Su madre una influencer que lo único que quiere es mostrar lo feliz que es su familia cuando todo es mentira. El padre que simplemente es feliz y ve todo bien pero tampoco dice la verdad. Y un hermano al que no soporta.

Como he dicho, el desenlace y la historia en general es bastante típica y se ve venir. Comienza muy bien, sin saber muy bien hacia donde va a ir, pero llega un momento que ya sabes como va proseguir la historia. Pero, es algo que no me ha importado lo más mínimo. Al final es una cinta que funciona muy bien. Tiene muy buen ritmo y la verdad que sea una película con monstruo ayuda bastante.

Una de las cosas que más me ha gustado de ‘Ego’ ha sido que este monstruo está realizado a base de animatrónica. Me gusta que aun se utilicen estos métodos, pues le da un toque más vivo y terrorífico a esta criatura. Eso sí, el diseño de esta criatura en concreto no me ha terminado de convencer. Da entre pena y asco. Seguramente es lo que intentaban representar, pero en mi caso realmente me ha causado un tanto de rechazo. Pero está muy bien hecho y como digo, seguramente es que esté así realizado a propósito. Hay escenas con el monstruo un tanto desagradables a la vista. La película no es gore ni mucho menos, pero si que es cierto que hay escenas un tanto asquerosas.

En el trabajo tanto de animatrónica como de CGI han trabajado artistas de todos los lugares que han participado en películas como ‘Rogue One: una historia de Star Wars’, ‘Jurassic World: Dominion’, o ‘Tom Raider’.

La iluminación de la película y el tema de la decoración con colores pasteles y todo muy luminoso es una de las cosas más curiosas de la cinta. Nos están mostrando a una familia “perfecta” y con esta iluminación es donde nos muestran que todo es maravilloso y bonito. Pero claro, detrás de esa luz, todo es mentira, hay una oscuridad que iremos viendo desatarse según avance toda la historia.

El reparto está bastante bien, la joven actriz Siiri Solalinna, trabaja muy bien para ser su primer papel y no lo tiene fácil, pues al final el personaje de Tija es bastante complejo.

La “dulce” madre está interpretada por Sophia Heikkilä y la verdad que interpreta a una mujer bastante irritante que quiere vivir a través de su hija los sueños que no pudo cumplir. Durante todo el visionado estás deseando que desaparezca de una vez.

En general ‘Ego’ es un buen entretenimiento. Tiene buenas actuaciones y una historia bastante perturbadora. Para ser la ópera prima de Hanna Bergholm, me parece una crítica perfecta de nuestra sociedad actual. Donde las redes sociales se convierten en un falso espejo de nuestra vida real. Además de dirigir también ha trabajado en el guion junto a Ilja Rautsi. Antes de terminar, os recomiendo no ver escenas de la película, pues os pueden revelar parte de la trama.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de diciembre de 2022. Título original: Pahanhauoja. Duración: 86 min. País: Finlandia. Dirección: Hanna Bergholm. Guión: Ilja Rautsi, Hanna Bergholm. Música: Stein Berge Svendsen. Fotografía: Jarkko T. Laine. Reparto principal: Siiri Solalinna, Sophia Heikklä, Jani Volanen, Reino Nordin, Oiva Ollila, Saija Lentonen. Producción: Silva Mysterium Oy, Film I Väst, Hobab. Distribución: Vertigo Films. Género: Terror. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/ego/

Crítica: ‘Unicorn wars’

Sinopsis

[toggle]

El ejército osito adoctrina a jóvenes reclutas para la guerra que libran contra los unicornios y amenaza la seguridad del pueblo osito. Los hermanos Azulín y Gordi, junto a un inexperto grupo de reclutas, serán enviados a una peligrosa misión para salvar el Bosque Mágico. ¿Estarán los ositos preparados para ello?

[/toggle]

Crítica

Hilarante zigzagueo entre lo mono y lo horripilante

Alberto Vázquez es un director que ganó el Goya a mejor película con una buena película y no fue no por falta de competidores o por hacer lo de siempre, como viene pasando últimamente. Lo hizo con ‘Psiconautas, los niños olvidados’, cinta que puede verse en la web de RTVE play. Esta película está a la altura, no obstante los que quedaron encandilados con esa obra pueden quedar decepcionados porque ahora nos encontramos ante algo más acorde para fans de ‘Happy Tree Friends’ o ‘Rick y Morty’, la verdad es que podría ser un producto de Adult Swim. “¡Honor, dolor y mimos!” gritan en el campamento corazón.

Este largometraje surge del corto ‘Sangre de unicornio’, disponible en el canal de Youtube de UniKo. Ese tono satánico-adorable se mantiene en esta agradecidamente grosera película. También se conservan esos momentos malrolleros, mucha mala baba e incluso un toque bíblico y de ‘La chaqueta metálica’ mezclada con ‘El Escuadrón Suicida’. La historia nos muestra un ancestral odio entre unicornios y ositos amorosos. Se supone que los osos son las criaturas más adelantadas de la creación y están inmersos en una guerra casi segregacionista con los unicornios del bosque mágico. Un conflicto que se libra encarnizadamente y sin cuartel.

Por supuesto hay que leer entrelíneas mientras vemos ‘Unicorn wars’. Es una historia sobre la fraternidad, en los códigos de Caín y Abel o de parábolas como la de “el hijo pródigo”. También abraza las consecuencias o el progreso de una civilización que se cimenta en las mentiras de la religión. Más cerca a nuestra actualidad está la identidad de un pueblo que se somete a las promesas del belicismo y los discursos de odio.

Los derroteros de la película son algo distintos a los del corto. Posee un final aún más simbólico, metafórico y pesimista. Lo que yo extraigo tras una proyección de comedia y matanza es que surgimos de un fango creado mezclando barro y sangre, del dolor y la barbarie.

El diseño también ha cambiado. Hay más color, quizá también más inversión económica. El estilo del corto ya era atractivo de por sí, eran dibujos casi únicamente en blanco y negro, muy bonitos, contrastando con lo horripilante de sus escenas y trama. En esta ocasión el nivel de detalle se ha aumentado, tenemos muchos más personajes e incluso se percibe más profundidad o relieve. Igualmente se consigue ese zigzagueo entre lo mono y lo horripilante que funciona estupendamente.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de octubre de 2022. Título original: Unicorn Wars. Duración: 92 min. País: España, Francia. Dirección: Alberto Vázquez. Guion: Alberto Vázquez. Música: Joseba Beristain. Producción: Uniko, Abano Produción, Autour de Minuit. Distribución: Barton Films. Género: animación, terror, fantasía, comedia. Web oficial: https://www.bartonfilms.com/unicorn-wars

Crítica: ‘Venus’

Sinopsis

[toggle]

Una bailarina roba una bolsa del club nocturno donde trabaja. Perseguida por una horda de matones, se esconde en el apartamento de su hermana. El problema es que el lugar donde ha decidido refugiarse parece albergar una amenaza más poderosa que los hombres que le quieren dar caza.

[/toggle]

Crítica

Venus, la que trae la luz del día. Macarra y muy divertida

Este 2 de diciembre llega a nuestras salas ‘Venus’. Una cinta que dio mucho que hablar en la 55º edición del Festival Internacional de cine Fantástico de Cataluña porque no gustó a todo el mundo.

Estamos ante el segundo proyecto de The Fear Collection, el sello cinematográfico español especializado en el género de terror y suspense, creado por Sony Pictures International Productions y Pokeepsie Films en asociación con Prime Video.

La película nos presenta a Lucía, una bailarina de discoteca que comete el grave error de robar a sus jefes. No se le ocurre peor idea de adentrarse en la casa de su hermana y su sobrina para huir.

La cinta está basada vagamente en el relato de H.P. Lovecraft, ‘Los sueños en la casa de la bruja’ y vamos viendo como según avanza la trama, las cosas se le complican cada vez más a nuestra protagonista. De hecho el edificio Venus donde termina escondiéndose, tampoco es un lugar seguro y menos cuando la hermana de Lucía decide marcharse y abandonar a su hija.

La película es bastante macarra, en el sentido que no se toma en serio a si misma. Pero, al menos en mi opinión, no es algo malo. Lo único que quizás he echado más de menos a sido algo más de sangre en la pantalla, que se les fuese un poco más de las manos toda la acción. Se dejan llevar por la locura, pero quizás un poco tarde.

Jaume Balagueró nos da planos y giros de cámara que recuerdan a ‘[REC]’, se nota que están bien estudiados para que sepamos donde está el verdadero mal, en ese edificio viejo en el que apenas viven dos o tres familias.

En el tema de las actuaciones, son bastante correctas, si que es cierto, que en algún momento son algo exageradas, pero se nota que es a petición del director.

Ester Expósito es la protagonista indiscutible de la cinta, con ella sufrimos sus heridas y el terror que llega a pasar durante la película. Se nota bastante que se lo ha pasado muy bien rodando la película. Junto a ella vemos a Ángela Cremonte, Fernando Valdivieso o Federico Aguado.

El tramo final de la película es una locura tras otra. Con monstruos, mafiosos, y sin duda una escena final que no se ni como explicarla, mejor verla. Está claro que al igual que ‘Veneciafrenia’, ‘Venus’ no ha gustado a todos, pero es una experiencia bastante loca.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de diciembre de 2022. Título original: Venus. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Jaume Balagueró. Guión: Fernando Navarro y Jaume Balagueró. Música: Vanessa Grande. Fotografía: Pablo Rosso. Reparto principal: Ester Expósito, Ángela Cremonte, Magüi Mira, Fernando Valdivieso, Federico Aguado. Producción: Pokeepsie Films, The Fear Collection. Distribución: Sony Pictures. Género: Terror. Web oficial: https://pokeepsiefilms.com/the-fear-collection/

Crítica: ‘Cerdita’

Sinopsis

[toggle]

Para Sara, el verano solo significa tener que soportar las continuas burlas de las otras chicas de su pequeño pueblo. Pero todo terminará cuando un desconocido llegue al pueblo y secuestre a sus acosadoras. Sara sabe más de lo que dice y tendrá que decidir entre hablar y rescatarlas, o no decir nada para proteger al extraño hombre que la ha salvado.

[/toggle]

Crítica

Este slasher rural nos mantiene en el #TeamPiggy

Uno de los cortos más comentados y exitosos de los últimos años es ‘Cerdita’. En 2018 Carlota Pereda sorprendió con una corta historia sobre el acoso y el karma y ahora ha tenido la oportunidad de desarrollarla. Y no la ha desaprovechado. Sorogoyen hace poco hizo lo mismo con ‘Madre’, su famoso y premiado corto. Generó un largometraje usando el corto como punto de partida y a partir de ahí desplegó una historia que fue decayendo poco a poco hasta ser del todo predecible y casi irrelevante. Pereda ha hecho algo similar pero manteniendo el objetivo de su historia original y alargándola de manera que quizá no merezca también el Goya pero que desde luego se hace entretenida y poseedora de un valioso mensaje.

El filme arranca con escenas nuevas, presentado a otros personajes, ampliando el escenario y sirviendo de prólogo para lo visto en el cortometraje. El espectador que no haya visto germen de esta película lo tiene ya incluido en el primer acto del filme. Tras eso comienza una película que podríamos llamar slasher rural. Se combinan los elementos del cine de asesinos en serie con las características de la España vaciada, la España de las desapariciones de muchachas y la que da pie a sucesos como el de Puertohurraco. La histeria familiar y las habladurías de un pequeño pueblo del oeste español sirven de buena distracción para que los villanos de esta historia hagan de las suyas.

Porque podemos distinguir varias entidades malvadas en ‘Cerdita’. Una de ellas es la evidente presencia de un tipo amenazador. Y la otra, la más valorable, la figura del acoso, a menudo ignorada por la ceguera de los padres, por los miedos sociales o los silencios cómplices. Llamarlo bullying si queréis usar un eufemismo anglosajón, yo prefiero decir acoso pues me suena tan alarmante e inapelable como las escenas de violencia física y psicológica que sufre la protagonista de la película.

El cortometraje ya nos planteaba en unos pocos minutos muchísimas cuestiones. Ahora se usa otra expresión inglesa para referirse a la justicia violenta o fortuita, “instant karma”, aquella expresión que acuñó Lennon. Con el merecido que le va cayendo a cada uno de los personajes nos cuestionarnos si somos buenas personas o si realmente debería pasar lo que vemos. Puede parecer que es la parte más cruda o agresiva del filme, pero si lo pensamos bien lo más inmaduro y agresivo sucede al principio de la película. La obra termina con una explosión de sangre pero nos hace volver sobre nuestras reflexiones y no se siente como algo tan gratuito como nos puede suceder con las películas de Voorhees, Myers y compañía.

Ya éramos del #TeamPiggy y lo seguimos siendo tras la expansión de su historia, sobre todo tras comprobar que el humor negro también acompaña a este verano extremeño. La zona de Gredos, en concreto la de Villanueva de la Vera sirve de escenario para una historia que por desgracia tiene bastante de real y que está bien narrada, sin lagrimeo y brindándonos algunos puntos de fuga. Pereda retrata en ‘Cerdita’ a una parte casi olvidada de España, compuesta por alcahuetas que pernoctan en sus puertas, negocios familiares, arquitectura de mampostería y madera y por supuesto vocablos como el “chacho”. Desde luego tanto el corto como su ampliación ocuparán un buen lugar en el spanish horror.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de octubre de 2022. Título original: Cerdita. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Carlota Pereda. Guion: Carlota Pereda. Música: Oliver Arson. Fotografía: Rita Noriega. Reparto principal: Laura Galán, Richard Holmes, Carmen Machi, Irene Ferreiro, Camille Aguilar, Claudia Salas, Pilar Castro, José Pastor, Fernando Delgado-Hierro, Julián Valcárcel. Producción: Morena Films, Backup Media, Cerdita, Comunidad de Madrid, Indéfilms, ICAA, La Banque Postale, Movistar Plus+, Triodos Bank, RTVE. Distribución: Filmax. Género: suspense, terror, drama. Web oficial: https://morenafilms.com/en/portfolio/cerdita/

Crítica: ‘Fall’

Sinopsis

[toggle]

Para Becky y Hunter, la vida trata de superar tus miedos y empujar tus límites. Sin embargo, después de subir hasta la cima de una torre de comunicaciones abandonada, se encuentran atrapadas y sin forma de bajar. A 600 metros del suelo y totalmente alejadas de la civilización, las chicas pondrán a prueba sus habilidades de escaladoras expertas y lucharán desesperadamente por sobrevivir aunque lo tengan todo en contra. ¿Lo conseguirán?

[/toggle]

Crítica

En vez de bajarnos nos suben, pero el patrón es el mismo

Este no es nuestro primer encuentro con los productores de ‘Fall’. En vez de llevarnos muchos metros hacia abajo como hicieron en las dos anteriores películas que estrenaron (‘A 47 metros’, ‘A 47 metros 2’) ahora nos eleva a las alturas. Nos suben junto a dos jóvenes (Grace Caroline Currey y Virginia Gardner) a una torre de televisión, una columna de hierro que asciende a 610 metros de altura. Ciertamente esta es una descabellada idea, pero no olvidemos aquella moda que nació en Rusia llamada skywalking.

Estamos ante una secuela espiritual, como si fuese ‘A 47 metros 3’, pero como siempre pasa con las secuelas, intentando ir más allá. En las películas de Johannes Roberts teníamos al menos un elemento por el que movernos, ahora nos rodea prácticamente el vacío en este filme de Scott Mann. Primero nos llevan muy hacia abajo, ahora muy hacia arriba, si no tienen otras ideas van listos por que se les van a quedar escasas las tres dimensiones.

‘Fall’ parte de una escena tipo ‘Máximo riesgo (Cliffhanger)’ para desarrollar una historia de superación personal y de límites, los del miedo y los del postuero. El mérito o el éxito de estas películas reside en conseguir sacar más elementos que animen o hagan progresar la historia o ingeniárselas para que se sucedan los giros. ‘A 47 metros 2’ ya pecaba de repetirse y de resultar excesivamente forzada. En este caso hay que reconocer que consiguen incorporar suficientes componentes a la trama como para ganar continuidad y no perder interés.

Los paisajes que acompañan a estas escaladoras o aventureras están rodados de modo impactante. Por supuesto hay croma para recrear el escenario en el que sucede casi toda la película, pero está muy bien acabado. Si consigues meterte al 100% en la película seguro que sientes el vértigo o el mareo de las protagonistas. Si no has visto mucho cine de terror o aventuras en los últimos años quizá tengas la suerte de que te pille de primeras.

Jeffrey Dean Morgan (‘The walking dead’, ‘Watchmen’) figura en el reparto del filme como padre de una de las protagonistas. Se incorpora una cara famosa, como se hizo en las otras películas con Matthew Modine o las hijas de Stallone y Bassinger. ¡Es la misma mecánica! Son películas cortadas por un mismo patrón y ni siquiera se cortan en dar un espacio de tiempo entre ellas. Es lo que se puede llamar, hacer cine como churros.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de octubre de 2022. Título original: Fall. Duración: 107 min. País: EE.UU. Dirección: Scott Mann. Guion: Jonathan Frank, Scott Mann. Música: Tim Despic. Fotografía: Miguel De Olaso. Reparto principal: Grace Caroline Currey, Virginia Gardner, Mason Gooding, Jeffrey Dean Morgan. Producción: Tea Shop Productions, Capstone Studios. Distribución: DeAPlaneta. Género: fantástico, suspense, aventura. Web oficial: https://www.lionsgate.com/movies/fall

Crítica: ‘Los renglones torcidos de Dios’

Sinopsis

[toggle]

Alice, investigadora privada, investiga en un hospital psiquiátrico simulando una paranoia para recabar pruebas del caso en el que trabaja: la muerte de un interno en circunstancias poco claras. Sin embargo, la realidad a la que se enfrentará en su encierro superará sus expectativas y pondrá en duda su propia cordura. Un mundo desconocido y apasionante se mostrará ante sus ojos. El curso que tomarán los acontecimientos la hará pasar de detective a sospechosa en un juego de pistas maestro, en el que nada es lo que parece.

[/toggle]

Crítica

Demasiados giros para llegar al final

El día 6 de octubre llega a nuestras salas ‘Los renglones torcidos de Dios’ una película esperada por muchos, sobre todo por los lectores de la novela de Torcuato Luca de Tena.

Dirigida por Oriol Paulo, nos presenta a Alice Gould, una investigadora privada que logra entrar en un hospital psiquiátrico simulando una una paranoia para lograr resolver un crimen. Pero un gran giro de acontecimientos hará dudar de su cordura y de si realmente está diciendo la verdad o no.

Admito que la película comienza muy bien, mostrándonos el viaje de Alice al recinto y también con una gran conversación entre el médico y ella. Pero poco a poco la película comienza a hacerse bastante tediosa. La dirección de actores me parece bastante mala. Los actores secundarios son altamente planos, cosa que perjudica mucho a la narración de la historia.

Pero no solo en eso falla en la cinta, si no que muchas veces se empeñan en hacer películas excesivamente largas cuando no es necesario. Llega un momento que hay tantos giros de guion que parece que ‘Los renglones torcidos de Dios’ no va a terminar nunca. Y eso es algo que al final logra que termines cansado de la historia que te están contando.

Creo que es algo que le ocurre a Oriol Paulo siempre, en general le cuesta terminar sus películas introduciendo infinidad de giros que no son necesarios. Si es cierto que la novela tiene giros bastante grandes, pero no tantos y como he dicho, no son para nada necesarios.

Bárbara Lennie, es la encargada de interpretar a Alice y creo que es el único personaje que funciona en toda la película. La verdad es que está bastante bien en el rol de la detective internada. Le aporta esa inteligencia tan personal que tiene el personaje en la novela.

Para completar el reparto se ha fichado a Eduard Fernández, Javier Beltrán, Loreto Mauleón, Pablo Derqui, Francisco Javier Pastor, Samuel Soler, Adelfa Calvo o Federico Aguado entre otros muchos.

Tenemos un montón de personajes secundarios más. En ellos vemos a esos renglones torcidos de Dios, gente con diferentes enfermedades mentales a los que, en vez de intentar curar, simplemente medican y hacen que estén más calmados. Pero igual, al final, quitando algunos que introducen en la trama, no pintan mucho más que para hacer ruido en algunas escenas. Y realmente se podrían haber aprovechado mucho más si hubiesen interactuado más frecuentemente con la protagonista.

De verdad que me hubiese encantado que ‘Los renglones torcidos de Dios’ me hubiese gustado. La novela me atrapó y poco tenían que hacer para estrenar una gran película. Pero como os he comentado antes, la manía de alargar las películas con escenas que no son necesarias, hace que al final te canses de los que estás viendo. Como siempre, las críticas son opiniones y esta es la mía, id a verla y realmente me encantaría saber vuestra opinión acerca de ella.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de octubre 2022. Título original: Los renglones torcidos de Dios. Duración: 154 min. País: España. Dirección: Oriol Paulo. Guión: Guillem Clua, Oriol Paulo, Lara Sendim. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Bernat Bosch. Reparto principal: Barbara Lennie, Eduard Fernández, Loreto Mauleón, Javier Beltrán, Pablo Derqui, Federico Aguado, Adelfa Calvo, Francisco Javier Pastor. Producción: Nostromo Pictures, Atresmedia Cine, Filmayer Producción. Distribución: Warner Bros. Género: Thriller. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/los-renglones-torcidos-de-dios

Crítica: ‘En los márgenes’

Sinopsis

[toggle]

‘En los márgenes’ es una película sobre la familia, el amor y la solidaridad. La cuenta atrás de tres personajes con tres historias entrelazadas que tratan de mantenerse a flote y sobrevivir a 24 horas claves que pueden cambiar para siempre el curso de sus vidas. El film explora el efecto que una situación de estrés económico tiene sobre las relaciones personales y cómo el afecto y la solidaridad pueden ser un motor para saliradelante. Un emocionante viaje a contrarreloj en los márgenes de una gran ciudad.

[/toggle]

Crítica

La primera película dirigida por Juan Diego Botto es un pulgar hacia arriba

Juan Diego Botto, el actor argentino afincado en Madrid, ha elegido el cine social para estrenarse en el rol de director y guionista y consigue, muy efectivamente, contar una historia sobre las miserias de España, en concreto de Madrid. Zonas obreras y con frecuentes situaciones de vulnerabilidad como Plaza elíptica, Orcasitas… son aquellas que dan cobijo a los protagonistas de ‘En los márgenes’.

Junto a su pareja, la periodista Olga Rodríguez, contando con la producción de Penélope Cruz, han elaborado un filme sobre la pérdida, la miseria o la dedicación. Nos narran la historia de un abogado (Luis Tosar) volcado en una plataforma que atiende a ciudadanos indefensos ante las injusticias del sistema, la de un hombre de mediana edad (Font García) sin trabajo y con un cuadro de depresión, la de una madre (Adelfa Calvo) acongojada y pendiente de una llamada que nunca recibe, la de una mujer (Penélope Cruz) que desconsolada va a perder su vivienda… ‘En los márgenes’ es una historia que salta de un drama a otro, como se dice habitualmente, un cruce de vidas, pero no son vidas cruzadas, sino entremezcladas.

El protagonista principal, o hilo conductor, es el personaje de Tosar, acompañado de un Christian Checa que le da muy bien la réplica. Ya nos gustaría encontrarnos con personas como él en nuestra vida cuando pasamos auténticas dificultades. Es de esos ángeles de la guarda que se dejan su vida en pro de la de los demás. La dirección de Botto nos hace vivir acertadamente algo similar a un “training day” o “día de furia”. A matacaballos vamos recorriendo calles poco conocidas de la capital mientras se suceden los desatinos y la tensión va in crescendo. La urgencia de los protagonistas se convierte en toda una llamada para el espectador.

El entretenimiento está en la narrativa, el interés en lo que se cuenta. Más allá aún del tema de los desahucios, que parece que a algunos políticos les importa menos que el de los okupas, está el hecho de cómo miramos a otro lado. Nos creemos el centro del mundo pero nuestra vida, como decía antes, está entremezclada con la de personas que sufren miserias. Penurias como el perder una casa o un ser querido. Y todo esto por la burocracia, la corrupción, las triquiñuelas de los bancos o la incapacidad de las administraciones. Creemos que nuestra vida es prioritaria y no miramos a los márgenes, nos hacemos los locos y preferimos mirar nuestras apps, nuestras quinielas o nuestras series.

Mi sensación es que ‘En los márgenes’ nos intenta hacer ver dos cosas. Una, que sigue habiendo buena gente en el mundo que se implica de verdad en los problemas de aquellos que les piden auxilio. Dos, que hace falta torcer nuestro cuello para ver qué sucede a nuestro lado. Nos deja claro también que uno solo no puede arreglar las desgracias del mundo, pero también que la unión hace la fuerza. Si hay que poner una pega quizá sea que a mi gusto el final se desvía demasiado hacia un par de dramas de pareja y no tanto a cerrar la historia de los desalojos. No obstante, nos deja tan en vilo como deben vivir muchas familias y los cartelones de cierre nos devuelven al foco del filme mostrando unas cifras esperpénticas.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de octubre de 2022. Título original: En los márgenes. Duración: 105 min. País: España. Dirección: Juan Diego Botto. Guion: Juan Diego Botto, Olga Rodríguez. Música: Eduardo Cruz. Fotografía: Arnau Valls Colomer. Reparto principal: Penélope Cruz, Luis Tosar, Adelfa Calvo, Christian Checa, Aixa Villagrán, Font García, Nur Levi, Javier Perdiguero, Fabrice Boutique, Irene Bueno Royo, Juan Diego Botto. Producción: Amazon Prime Video, Ayuntamiento de Madrid, BE TV, Crea SGR, Compaigne Cinématographique, Head Gear Films, ICAA, Morana Films, On the fridge, Panache Productions, Proximus, TeleMadrid, VOO, Vértice 360. Distribución: Vértice Cine. Género: drama, suspense. Web oficial: https://morenafilms.com/portfolio/en-los-margenes/?portfolioCats=79

Crítica: ‘El vasco’

Sinopsis

[toggle]

Mikel, tras una ruptura amorosa y en el paro, está harto de su vida en el País Vasco. Necesita cambiar de aires, por lo que acepta la invitación de un pariente lejano, con el que sólo ha tenido contacto por redes sociales, para ir a Argentina a trabajar en la empresa que este está montando.  Sin embargo, no tardará en darse cuenta de que su familiar no tiene nada que ofrecerle. Para su sorpresa, el pueblo está habitado principalmente por descendientes vascos que no han pisado la tierra de sus antepasados, pero viven sus tradiciones con pasión y de manera idealizada. Ni diez mil kilómetros lo han alejado de su casa.

[/toggle]

Crítica

Una comedia ligera ideal para empezar el otoño

Mikel (Joseba Usabiaga) es un joven que está en crisis, en paro y recién abandonado por su novia. En un instante de ‘El vasco’ suena el “Euritan dantzan” de Gatibu, bailando en la lluvia clama esa canción, cuando Mikel lo último que quiere es bailar. Despechado, de vuelta de todo y desencantado con Euskadi se va a Argentina con un familiar que reside allí desde que una parte de su familia emigrase, como tantos otros que tuvieron que irse tras la Guerra Civil. La sorpresa y gracia de este filme bautizado con el gentilicio de Mikel, ‘El vasco’, es que se topa en el país sudamericano con una colonia de vascos que tienen una visión muy particular de Euskadi, pues jamás lo han pisado. Es por ello que la presencia de Mikel les asombra y se convierte en una especie de ídolo o modelo al cual seguir, un vasco vasco.

Al leer la sinopsis de esta coproducción hispano-argentina lo primero que se nos puede venir a la cabeza es ‘Ocho apellidos vascos’. Efectivamente el humor basado en los regionalismos está omnipresente, aunque se desmontan infinidad de tópicos. No olvidemos que el protagonista huye renegando de su tierra y su pasado, esperando hacer tabula rasa. La situación es surrealista y enervante para este joven y ahí está parte de la gracia. También nos reímos a raíz del contraste de carácter pues tenemos a un chico bastante cerrado y sosainas rodeado de dicharacheros lugareños que esperan oír su euskera. La vis cómica de los protagonistas podría ser mejor pero realmente nos sacan más de una carcajada.

Además de Usabiaga en la película actúan intérpretes como la mexicano-argentina Inés Efron o el argentino Eduardo Blanco. El mayor sabor a Euskadi lo aporta Itziar Aizpuru quien vuelve a estar tan entrañable como en la trilogía del Baztán. Decía que ‘El vasco’ rompe más de un estereotipo pero lo que si se cumple, y sufre el joven bermeano, es lo liantes y parlanchines que son los argentinos. Se encuentra atrapado en un Euskadi de baratillo cuando lo que busca es olvidarse de su tierra, lograr eso entre unas embaucadores voces es imposible. Ellos se encargan de darle dolores de cabeza al pobre protagonista pero también de aportarnos un drama que consiste en el intento de alinearse a una identidad y sobre todo de mantener viva la memoria. El filme está equilibrado, nos da carcajada y nos intenta tocar la fibra. Se constituye al final como una comedia ligera que acompaña ahora que vuelven los tonos otoñales a teñir nuestras calles.

Cuando viajamos al extranjero nos damos cuenta, o valoramos mejor, lo que tenemos en casa, en especial nuestra gastronomía. Esa es en parte la idea de ‘El vasco’, contar la historia de alguien que desde la negatividad odia su tierra y desde lo lejos la medioañora. Jabi Elortegi también rompe ese estereotipo y aunque hace algo de manual también nos muestra una manera de enamorarse desde la distancia.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de octubre de 2022. Título original: El vasco. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Jabi Elortegi. Guion: Arantxa Cuesta, Xabi Zabaleta. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Jon Sangroniz. Reparto principal: Joseba Usabiaga, Itziar Aizpuru, Eduardo Blanco, Inés Efrón, Laura Oliva, Analía Juan, Hernan Sevilla. Producción: Pausoka Entertainment, Prisma Cine, Oeste Films, Film Andes S.A, ETB, INCAA. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, drama. Web oficial: https://www.pausoka.eus/es/proyectos/el-vasco/

Crítica: ‘La chica salvaje’

Sinopsis

[toggle]

De la novela más vendida surge un misterio cautivador. ‘La Chica Salvaje’ cuenta la historia de Kya, una niña abandonada que se crio hasta la edad adulta en los peligrosos pantanos de Carolina del Norte. Durante años, los rumores de la «Chica del pantano» rondaron Barkley Cove, aislando a la astuta y resistente Kya de su comunidad. Atraída por dos jóvenes de la ciudad, Kya se abre a un mundo nuevo y sorprendente; pero cuando uno de ellos es encontrado muerto, la comunidad inmediatamente la señala como la principal sospechosa. A medida que se desarrolla el caso, el veredicto sobre lo que realmente sucedió se vuelve cada vez más confuso y amenaza con revelar los muchos secretos que yacen en el pantano.

[/toggle]

Crítica

Le sobra biografía y le falta juzgado

Una joven pierde de distintas maneras a todos los miembros de su familia. Como viven aislados en una pequeña casa en medio de una marisma permanece allí aprendiendo a ser autónoma y libre de cualquier tipo de convención social y lejos del radar de jurisdicción alguna. Pero su vida se cruza de nuevo con el mundo urbano cuando un joven muere en su área y es señalada como asesina.

Esta niña ha crecido al margen de la civilización y su educación dista mucho de la de los niños de ‘Captain fantastic’. Lejos de ser una especie de ‘Tarzan’ o de ‘Mowgli’ lo que particulariza a la chica salvaje de este relato es que vive como una ermitaña. Separada de la ciudad, pero acudiendo a ella para lo justo y necesario. Por lo tanto cualquier encuentro con ella supone una oportunidad de descubrimiento o un trabajo de conocimiento, pues es una desconocida para todos. La película adapta una novela de Delia Owens (la cual hace un cameo) y no sé si es igual que el filme, pero tanto para los personajes como para los espectadores supone un camino biográfico por la vida de esta chica.

Por lo tanto, de lo que también está lejos ‘La chica salvaje’ es de ser un thriller de investigación. Es una película que narra una vida entera, una vida en la que ha predominado el miedo o los sesgos. A raíz del asesinato parece que lo que más impera es la desconfianza de unos pueblerinos hacia alguien que vive aislado del mundo. Pero el resultado, tomemos nota de esto siempre, es que se juzgan a sí mismos al señalar a alguien basándose en prejuicios.

Como decía, esta no es una película policíaca. De hecho apenas es también judicial. Tenemos escenas en el juzgado intercaladas, mientras la protagonista, estupendamente bien interpretad por Daisy Edgar-Jones, va contando su vida. A priori está escrita así para establecer un (larguísimo) contexto al alegato de inocencia de la joven. Dos horas para lo que tiene que contar me parece excesivo, incluso habiendo apreciado las preciosas imágenes de los pantanos de Louisiana, que es donde se ha rodado el filme.

Hay misterio pero pocas sospechas o dudas razonables para el espectador, no es de esos filmes que hacen pensar o establecer teorías durante la marcha. ‘La chica salvaje’ parece más pensada para tocar nuestra sensibilidad. Puede resumirse como un amor a tres bandas en el que hay tres intervinientes: la joven, los chicos del pueblo y la ciénaga. Es una extensa y poco intensa historia de amor, miedo y supervivencia al margen.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de septiembre de 2022. Título original: Where the Crawdads Sing. Duración: 126 min. País: EE.UU. Dirección: Olivia Newman. Guion: Lucy Alibar. Música: Mychael Danna. Fotografía: Polly Morgan. Reparto principal: Daisy Edgar-Jones, Taylor John Smith, Harris Dickinson, Michale Hyatt, Sterling Macer Jr., David Strathairn. Producción: 3000 Pictures, Hello Sunshine. Distribución: Sony Pictures. Género: drama, misterio. Web oficial: https://www.sonypictures.com/movies/wherethecrawdadssing

Crítica: ‘The Innocents’

Sinopsis

[toggle]

Durante las vacaciones de verano, la familia de Ida, de 9 años, se instala en un barrio de los suburbios de Oslo. Con su hermana, la niña trata de ajustarse a su nuevo entorno y se hace amiga de otros dos niños. Lejos de los adultos, los cuatro amigos descubren que poseen poderes sorprendentes, que incluyen inocentemente en sus juegos. Mientras exploran sus nuevos talentos en un bosque y un parque cercanos, su entretenimiento comienza a adquirir poco a poco tintes inquietantes y empiezan a ocurrir sucesos extraños.

[/toggle]

Crítica

Una interesante y cruda cinta donde unos niños descubren sus poderes

Un año después de poder verla en el Festival de Sitges, donde fue galardonada con el Premio Mención Especial del Jurado, ‘The Innocents’ llega por fin a nuestras salas de cine.

Ya en Cannes de 2021 tuvo un éxito rotundo y la verdad que no se el porqué de tanto retraso en su estreno, pero sí que se, que muchos vais a disfrutar de esta película.

¿Qué hacen los niños cuando los adultos no están? Realmente podríamos resumir así esta cinta. Donde cuatro niños con ciertas habilidades quedan por las tardes a jugar, mientras los adultos están ausentes.

Vemos una historia muy profunda a través de los ojos de unos niños, vemos toda su inocencia, pero también contemplamos como esa inocencia se termina de manera drástica. Temas de como la amistad y el odio. De cómo un niño maltratado termina yendo por caminos que no debería al no tener una figura adulta que le de amor.

Cuando vi la película recuerdo que pensé mucho en el personaje de ‘Akira’, Tetsuo, un chaval perdido que logra una habilidad que, aunque piensa que puede controlar, se le termina yendo de las manos. No es igual, pero si que tiene cierta similitud con este personaje y con la manera de comportarse con los demás.

Eskil Vogt, director de la cinta, logra un gran trabajo dirigiendo al reparto infantil, estos niños están increíbles. Ves tantos sentimientos en sus miradas y gestos que es imposible pensar que estén actuando.

‘The Innocents’ es pausada, pero es una película muy amena, te cuenta todo despacio para que no pierdas detalle y comprender todo lo que estás viendo. Comprender a esas criaturas que están aprendiendo a crecer.

La cinta tiene una fotografía muy bonita, oscura y muy realista. Los primeros planos a los niños son preciosos, aunque los veas llorar o llenos de rabia. Un gran trabajo de Sturla Brandth Grovlen que capta toda la esencia de los protagonistas, además de seguir sus movimientos, algo que hace que te adentres en esos juegos de niños y seas uno más. Esto lo logra con escenas mundanas en el día a día de un niño, pero que como he dicho, ayudan mucho entrar en la película de lleno.

Otro de los grandes aciertos es su sonido, que se llevó el premio a Mejor Sonido en 2021 en los Premios de Cine Europeo. Pues nos mete en tensión todo el rato y logra que no nos durmamos.

Como podéis ver, ‘The Innocents’ me gustó mucho, pienso que tiene mucho trasfondo y merece mucho la pena el visionado. Una película que cuenta una buena historia y que además visualmente es bonita.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de septiembre de 2022. Título original: The Innocents. Duración: 117 min. País: Noruega, Suecia, Dinamarca y Reino Unido. Dirección: Eskil Vogt. Guión: Eskil Vogt. Música: Pessi Levanto. Fotografía: Sturla Brandth Grovlen. Reparto principal: Rakel Lenora Flottum, Sam Ashraf, Alva Brynsmo Ramstad, Kadra Yusuf, Mina Yasmin Brenseth Asheim, Ellen Dorrit Petersen. Producción: BUFO, Logical Pictures, Mer Film, Snow Globe Productions, Zentropa International Sweden. Distribución: Vértigo Films. Género: Terror, fantástico. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/the-innocents/

Crítica: ‘No te preocupes, querida’

Sinopsis

[toggle]

Alice (Pugh) y Jack (Styles) tienen la suerte de vivir en la comunidad idealizada de Victoria, la ciudad experimental de la compañía que alberga a los hombres que trabajan para el proyecto de alto secreto Victoria y también a sus familias. La vida es perfecta y la compañía satisface todas las necesidades de los residentes.  Pero empiezan a aparecer grietas en su idílica vida, sacando a la luz destellos de algo mucho más siniestro que acecha debajo de la atractiva fachada. Y es entonces cuando Alice no puede evitar preguntarse qué están haciendo exactamente en Victoria y por qué. ¿Qué precio tendrá que pagar Alice para sacar a la luz lo que está pasando en este paraíso?

[/toggle]

Crítica

Mucho mejor su discurso que su narrativa

Una aislada urbanización en unos idílicos años cincuenta es el escenario elegido para la historia de ‘No te preocupes, querida’. Un lugar y un ambiente que recuerda al ‘Suburbicon’ de George Clooney y que funciona similar al tinglado de Hank Scorpio, me pregunto si Olivia Wilde también ha querido parodiar de respagilón a Richard Branson.

Para nada. En lo que se centra ‘No te preocupes, querida’ es en la presión que ejerce la sociedad o la tradición falocentrista en la vida de las mujeres. Rutinas preestablecidas, cánones de belleza, sueños sesgados… el lavado de cerebro que sufren personas mujeres desde su más tierna edad hasta que se casan con el “capitán del instituto” o el “jefe de departamento” es lo que está omnipresente durante todo el filme. Sobre todo el discurso anti-machista que carga contra la priorización de los deseos o el control y sometimiento por parte del hombre. Lo hace de un modo que recuerda a ‘Las mujeres perfectas’, pero con drama y suspense, de hecho la película funciona como una revisión actualizada del texto de la novela de Ira Levin.

El planteamiento de Wilde es el de una hipótesis extrema y enfermiza, algo francamente plausible. “Un momento Doc ¿Qué nos ocurre en el futuro? ¿Nos volvemos gilipollas o algo parecido?” decía Marty McFly. Ciertamente parece pintar que estamos ante una realidad en la que o vivimos agilipollados o no hemos aprendido. Lo que parece querer decirnos la directora es que algunos ya son este tipo de personas pero no tienen medios para serlo aún más. Vais a ver comparada esta película con ‘Black Mirror’, pero hay un símil cinematográfico con una tetralogía mucho más acertado, sería un spoiler citarla.

Olivia Wilde señaló a ‘Origen’ y ‘El show de Truman’ como influencias para ‘No te preocupes, querida’. Relación con Nolan hay pues tanto Florence Pugh como Harry Styles tienen parte protagónica en filmes de Christopher Nolan (Pugh en ‘Oppenheimer’ y Styles en ‘Dunkerque’). Mucho me temo que tanta referencia hace que aunque el discurso del filme esté bien, sea válido o actual, la narrativa no nos coja por sorpresa, ni mucho menos el giro de guión que sucede a media hora del final.

Son dos horas en las que el poder del filme radica en el misterio o suspense y en destellos fugaces de buenas actuaciones. Wilde se ha esforzado en algo que suele ser efectivo, intentar plantear una problemática muy trillada pero desde un enfoque muy diferente. Eso hace que en buena parte de este filme podamos hablar de algo muy interesante, pero en su extensa duración tenemos un abuso de recursos. Nos sobran tantos flases de imágenes que llegan a ser casi subliminales y sonidos o música experimentales, por ejemplo. Hay veces que el terror roza los estilos de Ari Aster o Jordan Peele.

Una vez más, no esperaba menos en alguien tan activista como Olivia Wilde, se esgrime un arma potente destinada a romper estigmas, como el de las mujeres amas de casa que son vistas incluso como cáscaras de huevo vacías de cualquier tipo de contenido. También esa imagen errada del marido que se ve a si mismo como un mártir por ser el que día a día sale a trabajar para traer un sueldo a casa. Son lacras sociales que aún quedan por curar, se agradece el afán puesto para la película, pero falta una pizca más de originalidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de septiembre de 2022. Título original: Don’t Worry Darling. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Olivia Wilde. Guion: Katie Silberman, Carey Van Dyke, Shane Van Dyke. Música: John Powell. Fotografía: Matthew Libatique. Reparto principal: Florence Pugh, Harry Styles, Olivia Wilde, Gemma Chan, Chris Pine, KiKi Layne, Nick Kroll, Douglas Smith, Kate Berlant, Asif Ali, Dita Von Teese, Timothy Simons, Sydney Chandler. Producción: New Line Cinema, Vertigo Entertainment, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, suspense. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/dont-worry-darling

Crítica: ‘La vida padre’

Sinopsis

[toggle]

Mikel, un joven y ambicioso chef, recibe la visita inesperada de su padre, desaparecido hace treinta años. En un momento crítico para el futuro de su restaurante, Mikel deberá hacerse cargo del alocado e imprevisible Juan, un verdadero huracán de vitalidad que pondrá a prueba todas sus ideas sobre la cocina y la vida.

[/toggle]

Crítica

Hora y media graciosa y sentimental con Karra Elejalde y Enric Auquer

Una película que se atreve a alinear a Javier Clemente, a clavar las voces de los reyes de España (el actual y el emérito) y a fichar a parte del reparto de ‘Vaya Semanita’ no puede ser aburrida. Joaquín Mazón ha elaborado ‘La vida padre’ junto a Olatz Arroyo y Joaquín Oristrell. Los autores de ‘Allí abajo’, ‘Cuerpo de élite’ o ‘La tribu’ estrenan en cines esta comedia que tiene menos momentos humorísticos que los títulos citados, pero que aún así consigue ser bastante amena.

‘La vida padre’ es hora y media con Karra Elejalde y Enric Auquer tan graciosa como sentimental. La historia trata de una joven figura de la cocina (Auquer) que persigue su tercera estrella michelín. Pero se topa con su pasado, con su padre (Elejalde), al que creía muerto y al que arruinó hace más de treinta años con una de sus trastadas. Los sentidos de la responsabilidad y la ambición se entremezclan y el hijo se hace cargo de un padre que otrora era el mejor cocinero de Bilbao y ahora tiene la mente perdida entre recuerdos y litros de alcohol.

Pintada así la historia la película suena a dramón de esos de cortarse las venas. Ciertamente ‘La vida padre’ tiene momentos lacrimógenos, tiernos y sensibles, sobre todo en su secuencia inicial. Aflora el sentimentalismo, el apego a la familia, los remordimientos o la nostalgia. Sensaciones que surgen siempre que está presente un legado o tradición familiar. Pero pese a ello es una historia generacional en la que pesa más el humor que la aflicción de los protagonistas.

El drama se intercala quizá más a menudo de lo que debería o de lo que yo esperaba, todo sea dicho. No obstante, te tronchas en los muchos momentos cómicos de ‘La vida padre’. Pasado y presente. Elejalde y Auquer. Aunque tratándose de dos actores tan infalibles deberíamos hablar solo de presente. La película juega con el síndrome de Wernicke-Korsakoff, por lo que puede plantar en escena a una persona ida de la olla y momentos la mar de etílicos sin romper ninguna corrección política, o casi ninguna. Lo que mejor funciona es Karra Elejalde haciendo una vez más vasco de la vieja escuela y la frescura de Auquer que demuestra ser capaz de comerse cualquier registro que le pongan en el plato.

A parte de tener una buena recreación del Bilbo de los noventa y el de ahora o de suponer una terapia de choque con el pasado, ‘La vida padre’ intenta ser al final un filme sobre el reencuentro con uno mismo, sobre el eludir la responsabilidad o las consecuencias del paso del tiempo. También, para regocijo de comensales como un servidor, es una burla o ridiculización de la cocina moderna o minimalista. Aquí se juega al Patapum pa’lante.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de septiembre. Título original: La vida padre. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Joaquín Mazón. Guion: Joaquín Mazón. Música: Vicente Ortiz Gimeno. Fotografía: Ángel Iguacel. Reparto principal: Karra Elejalde, Enric Auquer, Megan Montaner, Lander Otaola, Maribel Salas, Gorka Aguinagalde, Yanet Sierra, Óscar Reyes, Manuel Burque. Producción: Mod Producciones, Kowalski Films. Distribución: Paramount Pictures. Género: comedia, drama. Web oficial: https://www.modproducciones.es/la-vida-padre

Crítica: ‘Jaula’

Sinopsis

[toggle]

Paula (Elena Anaya) y su marido (Pablo Molinero) regresan en coche de una cena. Repentinamente, se topan con una niña (Eva Tennear) deambulando sola por la carretera. Dos semanas más tarde, tras conocer que nadie la reclama, deciden acogerla en su casa temporalmente y así también dar un giro a su vida de pareja. No será fácil, ya que la niña vive obsesionada con la fantasía de un monstruo que la castigará si sale de un cuadrado de tiza pintado en el suelo. Tras el fuerte vínculo que crean ambas, Paula iniciará un viaje por caminos oscuros para intentar descubrir el enigma del pasado de la niña.

[/toggle]

Crítica

Te cautiva con su suspense y con sus últimos abrumadores quince minutos

La película ‘Jaula’ es el primer largometraje de Ignacio Tatay. Dirigida y escrita por el autor viene producida por Álex de la Iglesia y Carolina Bang, dos de los mayores valedores del cine de terror en España. Pues bien, ‘Jaula’ no es ni lo que los tráilers ni lo que sus avalistas pueden prometer.

Terror es lo que esperaba y suspense es lo que me he encontrado. Una ruptura de falsa expectativa o sorpresa a la que me he adaptado fácilmente pues ‘Jaula’ es un drama con mucha intriga que te cautiva constantemente. Bien es cierto que la elección de determinados actores conocidos para el casting de secundarios te hace sospechar, pero la relación que llevan los personajes de Elena Anaya y Pablo Molinero resulta creíble y te sumas a sus inquietudes, se logra mucha complicidad con el espectador.

Básicamente lo que cuenta ‘Jaula’ es como un matrimonio circula de noche con su coche en un momento de clara tensión sentimental. Todo se interrumpe pues casi como la aparecida en la curva una niña aparece en medio de la carretera. Esa niña empatiza en el mismo hospital con ellos y los médicos recomiendan intentar aprovechar ese vínculo reciente para intentar descubrir quién es la criatura o como mínimo por qué le da pánico salirse del rectángulo que ha dibujado con tiza en el suelo.

Originalmente este filme se iba a llamar ‘La casa de tiza’ por motivos obvios de la trama. Podría caer en el tópico de decir, “la casa es otro protagonista”, pero mentiría. La que realmente es el protagonista de este filme es la mente femenina. Como thriller psicológico funciona muy bien pues tanto el personaje de Anaya como el de la debutante Eva Tennear y el de otras integrantes nos muestran cómo puede estar trastocada una persona por unas u otras razones. Los condicionantes vienen casi siempre del exterior y eso es lo que nos quiere decir el título, que hay mujeres que viven encorsetadas o subyugadas. Por desgracia ‘Jaula’ es de tremenda actualidad, lo vemos en las noticias a menudo.

‘Jaula’ es un drama de pareja que acaba derivando en algo a lo que no me puedo referir ni siquiera estableciendo paralelismos con la crónica negra española u otra película porque os arruinaría la experiencia. Y es que aunque ‘Jaula’ sea un drama con misterios por resolver, al final, durante sus últimos quince minutos se levanta el velo y se producen varios giros la mar de retorcidos. Bien es cierto que el desenlace se convierte en algo sobre-explicativo pero nos hace ver cuán oculta puede estar la verdad ante nuestros ojos.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de septiembre de 2022. Título original: Jaula. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Ignacio Tatay. Guion: Ignacio Tatay. Música: Snorri Hallgrímsson. Reparto principal: Elena Anaya, Pablo Molinero, Eva Tennear, Carlos Santos, Eva Llorach, Eloy Azorín, Esther Acebo, Tara Marie Linke, Rachel Lascar. Producción: Pokeepsie Films (Banijay Iberia). Distribución: Sony Pictures. Género: terror. Web oficial: https://www.sonypictures.es/peliculas/jaula

Crítica: ‘Tres mil años esperándote’

Sinopsis

[toggle]

La Dra. en literatura Alithea Binnie (Tilda Swinton) parece estar feliz con su vida aunque se enfrenta al mundo con cierto escepticismo. De repente, se encuentra con un genio (Idris Elba) que ofrece concederle tres deseos a cambio de su libertad.

En un principio, Alithea se niega a aceptar la oferta ya que sabe que todos los cuentos sobre conceder deseos acaban mal. El genio defiende su posición contándole diversas historias fantásticas de su pasado. Finalmente, ella se deja persuadir y pedirá un deseo que les sorprenderá a ambos.

[/toggle]

Crítica

El poder terapéutico de la imaginación y las historias nos llena de optimismo

George Miller es el artífice de ‘Mad Max’, ‘Happy Feet’, ‘Babe el cerdito valiente’, una parte de la película de ‘Twilight Zone’… No pretendo rellenar esta crítica de ‘Tres mil años esperándote’ desde su principio enumerando o citando su currículo, sino remarcar que está claro que el director australiano es de hacer películas nada convencionales. Pero sobre todo con él vuela siempre la imaginación y nos quedamos con la sensación de vivir cuentos con toques de tragedia e ingenuidad, siempre con un halo de luz al final. ‘Tres mil años esperándote’ es la undécima película de ficción que dirige y se alza como su propuesta más romántica, mágica, colorida y fantasiosa, si no sueles estar en sintonía con sus filmes más parabólicos o luminosos, dudo mucho que captes el significado o intención de este.

Teñir la vida de fantasía como si se tratase de un cuento de hadas siempre ha funcionado en el cine. En esta ocasión la metáfora se sirve en la línea de los relatos de ‘Las mil y una noches’ o la ‘Biblia’. En forma de fábulas antiquísimas Miller, un hombre capaz de sacar de su retiro dos veces a un director de fotografía como John Seale, nos narra una preciosa historia de deseos y amor, que visualmente es cautivadora y grotesca a la vez. El cine se convierte así de nuevo en esa magia de vivir en menos de dos horas toda una vida que en esta ocasión recorre varios siglos. Todo un viaje mágico para remarcar el poder o significado de las historias en nuestras culturas. Miller vuelve a su cara más optimista y casi hace un canto a la historia que escribimos como especie, pero sobre todo a nuestra capacidad de amar. Pero hay más interpretaciones pues en la soledad de su protagonista nos remonta a aquello con lo que “la nada” amenazaba el mundo de ‘La historia interminable’, “solo existimos si somos reales para los demás” dice Idris Elba en su papel de djinn. Y yendo aún más allá, está el poder terapéutico de la imaginación que nos hace capaces de sentirnos acompañados y en un mundo mejor.

Casi todo el metraje de ‘Tres mil años esperándote’ transcurre en una habitación, lugar habitual para escuchar cuentos. En este caso la de un hotel de Estambul, en concreto la 333. Juguetea así Miller con su historia y con los clásicos tres deseos que puede conceder el clásico genio de la lámpara. Un genio imponente y tiernamente interpretado por Idris Elba. Tres mil años de encierro ha sufrido este ser de fuego que ansía escuchar historias. Por suerte va a parar a manos de una narratóloga (he tenido que buscar si existía esa profesión). Quién mejor para saciar y comprender su necesidad de alimentarse de relatos y vivencias. Tilda Swinton está ideal, clava este personaje tan raro, estirado, intelectual y analítico.

Es obvio que lo que vive la estudiosa de ‘Tres mil años esperándote’ es algo totalmente increíble. Pero si algo nos ha enseñado el 2020 es que casi todo puede pasar. De hecho el director no oculta las mascarillas que han estado presentes en estos dos últimos años, más propios de una distopía pre-apocalíptica que de un mundo preparado para enfrentarse civilizadamente a una emergencia global. Si esta cinta hubiese tenido un componente de ciencia ficción podríamos imaginar que está sacada de un texto de Ted Chiang. Aunque también es cierto que el ruido de nuestro mundo aparece en el filme como heraldo del fin de todo lo mitológico o místico, podría ser una de sus ideas. Hay a quien le parecerá una majadería esta película por no ver su romanticismo o su simbología. Como decía al principio, si no sabes a lo que te vas a exponer cuando empieza una película de Miller, mejor no entres.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre de 2022. Título original: Three Thousand Years of Longing. Duración: 108 min. País: Australia. Dirección: George Miller. Guion: George Miller. Música: Junkie XL. Fotografía: John Seale. Reparto principal: Idris Elba, Tilda Swinton, Pia Thunderbolt, Berk Ozturk, Anthony Moisset, Alyla Browne. Producción: Kennedy Miller Mitchell, Metro-Goldwyn-Mayer, FilmNation Entertainment, CAA Media Fiance, Elevate Production Fiance. Distribución: DeAPlaneta. Género: fantástico, drama. Web oficial: https://www.filmnation.com/library/three-thousand-years-of-longing

Crítica: ‘El test’

Sinopsis

[toggle]

¿Qué escogerías, cien mil euros ahora o un millón dentro de diez años?

La premisa parece sencilla. Héctor y Paula, un matrimonio con serios problemas económicos serán puestos a prueba por Toni, su amigo rico de la universidad; pero primero deben ponerse de acuerdo sobre su elección. Héctor quiere 100.000€ para intentar renovar su bar poco rentable y convertirlo en negocio de éxito, pero Paula prefiere esperar diez años al gran premio. Lo que empieza como un mero juego y una suposición, pronto irá revelando las verdaderas personalidades y los pensamientos más profundos de los protagonistas. Esto les hará poner un precio a sus principios e incluso a tomar decisiones que pueden cambiar sus vidas.

[/toggle]

Crítica

Dani de la Orden sale airoso con una nueva versión. Suma y sigue para mantenerse en el top de la comedia española

Comienza con una especie de jazz. A eso se asimila la banda sonora con la que el compositor Fernando Velázquez (trilogía del Baztán) decide iniciar ‘El test’. Una película donde al igual que en ese estilo musical los personajes improvisan y se guían por instintos o impulsos. Las pulsiones y las necesidades se ponen a prueba en esta adaptación de la obra teatro que han llegado a protagonizar Luis Merlo, Antonio Molero, Marta Belenguer y Marina San José.

En esta ocasión son Alberto San Juan, Miren Ibarguren, Blanca Suárez y Carlos Santos los principales protagonistas, a los cuales se han sumado un par más de rostros conocidos como los de Antonio Resines y Luna Fulgencio. La idea es sencilla y no se ha ampliado en esta traslación al cine: un ricachón (o especulador) pone en un brete a una pareja de amigos que van a cenar a su casa: coger cien mil euros en el momento o esperar a recibir un millón dentro de diez años.

La idea puede sonar a la proposición indecente que en su día le hizo Robert Redford a la pareja formada por Woody Harrelson y Demi Moore. Y la verdad es que en algún momento se acerca a eso y se pone sobre la mesa la dignidad y el respeto a las personas, el hecho de si todos tenemos un precio. Este filme de Dani de la Orden juega igualmente con el espectador y es capaz de generar exactamente el mismo debate que se experimenta en la película. La gracia quizá esté más en los corrillos posteriores que en la película misma. Con un espléndido Carlos Santos, un San Juan haciendo un papel similar al de Ernesto Alterio en ‘Perfectos desconocidos’, una Miren Ibarguren eco-friendly solidaria y una comedidísima Blanca Suárez se dispone un reparto que abre unas posibilidades graciosísimas. Pero cabría esperar más desmadre. Y se intenta, pero los muchos enredos y bucles llegan a un punto en que se hacen no previsibles, pero si trillados.

Dani de la Orden sale airoso con una nueva versión y suma y sigue para mantenerse en el top de la comedia española. Esta vez no ha elaborado un remake, sino como ya he comentado, ha rodado una traslación del teatro al cine, algo que también había hecho ya con su ‘Litus’. Escrita por Jordi Vallejo el autor de la obra vista sobre las tablas alcanza cotas de surrealismo y dispone una buena montaña rusa de emociones. ‘El test’ tiene menos hilaridad y se desmadra a menor nivel que ‘Mamá o papá’, ‘Hasta que la boda nos separe’ o ‘Loco por ella’, en parte porque los gags son menos descabellados y en parte por varias sacudidas dramáticas que nos tiene preparadas. El mensaje nos habla del autocontrol, la hipocresía o la dignidad, también puede que indirectamente de la especulación y la venta de humo. Aunque esta sea una propuesta humorística hay materia de la que sacar jugo.

Eso sí, pese a que me he divertido y no me esperaba sus giros trágicos he de poner una pega. No sé si la obra de teatro tiene el mismo final, pero del de la película puedo decir que roza la incoherencia con los personajes y sus principios, con lo ético o lo decente. Sin que se haya rodado algo escandaloso, quiero que se me entienda bien, el estado en el que acaban algunos personajes no tiene cabida en la mente de alguien que quiera vivir con la cabeza alta o manteniendo un mínimo de orgullo propio. Va más allá del perdón u el olvido lo que nos dan a entender en el epílogo.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre de 2022. Título original: El test. Duración: 105 min. País: España. Dirección: Dani de la Orden. Guion: Jordi Vallejo. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Pau Muñoz. Reparto principal: Alberto San Juan, Miren Ibarguren, Blanca Suárez, Carlos Santos, Antonio Resines, Luna Fulgencio. Producción: Atresmedia Cine, Movistar Plus+, Warner Bros., Álamo Audiovisual. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: comedia, adaptación. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/el-test